1094.- Jim Croce - I got a name

 

Hace cincuenta años, el 1 de diciembre de 1973, Jim Croce lanzó su tercer álbum importante. I Got a Name fue en realidad el quinto lanzamiento del cantautor radicado en Filadelfia, pero los dos primeros eran prácticamente desconocidos en ese momento. Había autoeditado Facets en 1966 y tres años más tarde lanzó un álbum con su esposa llamado Jim & Ingrid Croce. I Got a Name entró en el Billboard Top 25 a las pocas semanas de su lanzamiento y permaneció cerca de la cima de las listas durante los siguientes tres meses, ya que llegó hasta el número 2, el único lanzamiento que lo mantuvo fuera del primer puesto fue el primer álbum de Croce, You Don't Mess Around With Jim , que permaneció en el número uno durante la mayor parte de enero de 1974, de hecho, cuando el año pasó de 1973 a 1974, los tres lanzamientos de Croce en los sellos principales (incluidos Life y Times ) estaban en el Top 15 de Billboard. Croce era ciertamente popular, pero había una razón más triste para este extraordinario éxito. Jim Croce había muerto en un accidente aéreo en septiembre del 73. La canción principal del álbum final fue lanzada como sencillo el día después de su muerte. Tenía 30 años. Cuando un artista muere joven, deja muchos "¿Y si?". Es difícil descifrar la línea entre su trabajo real y la impresión teñida de muerte que le sobrevive.

 

Con I got a name, podemos buscar señales de dónde podría haber ido Croce si su vida no hubiera sido truncada . El álbum es el primero (aparte del poco conocido debut) para el que no escribió todas las canciones. Y, quizás por eso, es el más flojo de sus tres lanzamientos. Pero eso no quiere decir que no haya muchas joyas por descubrir. La canción principal es una declaración optimista de autoempoderamiento, que nunca pierde su matiz de tristeza, esa fue una de las grandes fortalezas de Croce, podía combinar lo divertido y lo triste con los mejores resultados. Curiosamente, aunque la canción suena muy parecida a un original de Croce, fue escrita por Charles Fox y Norman Gimbel, quienes también escribieron el gran éxito de Roberta Flack "Killing Me Softly With His Song" (junto con Lori Lieberman no acreditada). Los experimentos de Croce en orquestaciones más complejas se adaptan perfectamente a la canción, comienza simplemente tocando con los dedos una guitarra acústica, un piano se suma a mitad del primer verso, luego algo de fondo resuena en el estribillo. Cuando llegamos al segundo verso, tenemos la orquesta completa, con violines rodantes que nos llevan "por la carretera". A lo largo de su breve carrera, Croce jugaba ping pong entre canciones caricaturescas sobre Leroy, Jim y Rapid Roy, y sus baladas sinceras sobre el amor y la pérdida. I Got a Name ocupa un espacio entre esos extremos y es una de sus grandes grabaciones.

 

Croce estaba de gira cuando su avión se estrelló, lanzó tres álbumes en menos de dos años, y la rutina y los viajes estaban pasando factura, había hablado de dejar la música en los meses previos a su muerte. Algunas de sus canciones habían sido utilizadas en proyectos cinematográficos, por ejemplo en esta salía en Django Unchained de Quentin Tarantino  y quizás ese vínculo le llevó a imaginar una carrera como guionista, nunca sabremos qué tipo de historias se le habrían ocurrido en un medio diferente. Y nunca sabremos qué tipo de evolución musical pudo haber descubierto. Croce escribió muchas canciones geniales y otras eran simplemente mediocres, pero sólo tenía treinta años, es razonable creer que incluso si se hubiera alejado de la música y todavía nos hubiera ofrecido muchas más canciones geniales a medida que envejeciera.

0984.- Rubber Band - The Waterson

Originalmente, The Waterson eran los hermanos Norma, Michael (Mike) y Elaine (Lal) Waterson, con su primo segundo John Harrison. Provienen de Hull y los tres, que quedaron huérfanos desde temprano, fueron criados por su abuela, una comerciante de segunda mano. Son en parte de ascendencia gitana irlandesa. Como miles de personas, llegaron a las canciones populares gracias a un interés temprano por el jazz y el skiffle. Formaron un grupo llamado The Mariners y tocaron un rato en una cafetería. Luego, a medida que su estilo se volvió cada vez menos "emergente", más serio, decidieron iniciar un club de canciones folklóricas que se hacían llamar The Folksons antes de finalmente usar su apellido. Tenían un amplio repertorio, pero su interés permanente estaba en las canciones y costumbres de su East Yorkshire natal. La primera grabación de los Waterson fue para el sampler de Topic Records New Voices y su primer álbum, Frost and Fire , ambos de 1965. De la misma época es la película de Derrick Knights Travelling for a Living. Después de dos discos más en 1966, The Watersons y A Yorkshire Garland , Johh Harrison dejó el grupo ese mismo año y se mudó a Londres. Los Waterson se separaron en 1968, Norma se fue a trabajar como DJ en una estación de radio en las Indias Occidentales y se reunieron nuevamente cuatro años después. John es reemplazado primero por Bernie Vickers y luego por Martin Carthy, quien se unió a los Watersons reformados en 1972 y asumió un compromiso familiar permanente al casarse con Norma ese mismo año.

Mientras tanto, Mike y Lal se dedicaron a escribir canciones contemporáneas, que fueron grabadas por Bill Leader para el notable álbum Bright Phoebus (1972) con un montón de los mejores músicos de la escena folk inglesa. Inspirados por el resurgimiento del folk, llevaron su estilo de armonización con fuerza de chorro de arena hacia el sur, y su repertorio de canciones tradicionales de su Yorkshire natal demostró ser todo un éxito en las salas situadas encima de los pubs. Sin embargo, la vida como cantantes profesionales pronto se convirtió en un fastidio, y en 1968 dieron por terminado su carrera, Norma se fue al extranjero con su prometido. De vuelta en Humberside y algo desamparados, los Waterson más jóvenes sintieron una llamada musical, las visitas regulares a la hora del almuerzo del pintor y decorador Mike adquirieron una nueva intensidad cuando se dieron cuenta de que ambos estaban escribiendo canciones, algo que ninguno de los dos habría tolerado en sus días en el circuito folklórico. Mike era una mezcla idiosincrásica de rockabilly y music hall; Lal gótico acústico avinagrado y de bordes irregulares. Cuando el futuro Sr. Norma Waterson, Martin Carthy , los escuchó por primera vez, quedó impresionado. Cuando su compañera de banda Steeleye Span, Ashley Hutchings pudo escucharlos, rápidamente reunió un conjunto para ayudar a darles forma en un disco, involucrando a Carthy y a sus compañeros ex alumnos de la Fairport Convection, Richard Thompson y Dave Mattacks. Grabado durante una semana en un sótano de Cecil Sharp House , hogar de los padres tradicionales de la English Folk Dance And Song Society, representó un alejamiento abrupto de todo lo que los Waterson habían hecho.

En su lanzamiento, Bright Phoebus resultó no ser lo suficientemente folk para el público incondicional del folk, que se resistió a su distintiva composición original, a pesar de que la música sigue siendo marcadamente de raíces en su mayor parte. Mientras tanto, los oyentes convencionales pueden haber esperado erróneamente que estos 12 temas se ajustaran a los modelos intransigentemente reacios al cambio de la música tradicional gracias al pedigrí de sus autores como miembros de una de las bandas familiares folk predominantes de Gran Bretaña, The Watersons. Para ser justos, el alegre baile del abridor "Rubber Band" bien podría estar diseñado para asustar a los oyentes casuales reacios al folk; El canto salpicado de cerveza de la canción alcanza niveles de alegría que coinciden con el trío ficticio permanentemente optimista The Folksmen en la brillante sátira folk revival A Mighty Wind. Sin embargo, tan pronto como el ritmo baja y la alegría brillantemente iluminada se convierte en baladas sombrías, el album Bright Phoebus acumula una atracción irresistible e hipnótica. Una vez que dejamos de preocuparnos sobre si las canciones fueron escritas en el siglo XVII o en la década de 1970, el álbum sobresale como escaparate de dos notables talentos compositores que finalmente encontraron una salida para su propio material fuera de las reglas a menudo rígidas del circuito folk.

0942.- Colorado - Stephen Stills

 

Dado que los trabajos anteriores en solitario de Stephen Still se quedaron cortos y recibieron críticas mixtas, este fue un álbum decisivo para él. Stills reunió un equipo de primer nivel para esta aventura, incluidos Al Perkins, Chris Hillman de los Byrds, Paul Harris, Joe Lala, junto con Dallas Taylor y el bajista Calvin Samuels, quienes formaron parte de la banda de acompañamiento de Crosby, Stills, Nash y Young. El proyecto se dividió temáticamente, y cada uno de los cuatro lados se tituló individualmente [The Raven, The Wilderness, Consider y Rock & Roll Is Here To Stay] para mostrar las veintiuna pistas en una especie de conceptual. El álbum es ambicioso por decir lo menos, aunque de ninguna manera es una aventura de CSN&Y, y en ese momento, la gente parecía estar despreciando las canciones country clásicas, esta fue sin duda la magnum opus de Stephen Stills, el espejo de su madurez artística, un resumen de todos los campos y géneros en los que se movió con comodidad y naturalidad. Bellamente interpretada y grabada, tiene un sonido cálido, seco y amplio con cada miembro de la banda tocando en su mejor momento y Stills demostrando que puede entregar lo bueno como compositor.

Me gustaría hacer mención especial a Colorado una canción que habla de personas que posee diferentes casas para cada temporada y viaja a diferentes lugares dependiendo de la época del año. Tiene caballos de ojos azules y sirenas en sus sueños. El protagonista a menudo sueña con buscar a su yo de niño, pero ve a su pareja caminando sola a lo lejos. Su pareja lo invita a un castillo, pero él se siente atrapado e incapaz de seguir. La canción habla sobre los sentimientos del protagonista de estar atrapado e incapaz de escapar.

0797.- Music is love - David Crosby

Cofundador de los Byrds, cofundador de Crosby, Stills & Nash (& Young), productor del primer álbum de Joni Mitchell, David Crosby es un ícono del rock de los años 60 y 70, pero nunca tuvo un sencillo de éxito con ninguna canción, principalmente porque la música de Crosby puramente destilada pasó por encima de todos y nadie se paró a disfrútarla. En cambio, lo vieron principalmente como un agitador político y un drogadicto e, injustamente, un bufón a pesar de que tenía el sentido más exquisitamente refinado de armonía avanzada que cualquier músico de rock y esa no era la manera de tener éxitos pop. Su voz era versátil, podía cantar con un tono fuerte y áspero, como en "Almost Cut My Hair", o con una entonación perfecta y pura digna de un niño de coro (su versión de la antigua canción francesa "Orleans"), o con un estilo conversacional graciosamente casual “Laughing”, y sorprendentemente, ni los malos hábitos ni la edad dañaron su “instrumento”, el único cambio en el timbre de Crosby fue una leve dificultad en la dicción. Crosby, un genio egoísta y autoritario, ya había sido expulsado de The Byrds, en 1969, su novia de toda la vida, Christine Hinton, murió en un accidente automovilístico. La tendencia de Crosby hacia la automedicación se disparó y perdió la cabeza con la heroína y la cocaína. Sin embargo, en 1971 hizo lo que considero uno de los mejores álbumes estadounidenses de la década, su debut en solitario If Only I Could Remember My Name. Etiquetado por algunos como "Hippy drippy drive", el álbum tiene una honestidad ingenua, una maestría musical brillante, magníficas armonías, grandes canciones, una dimensión social/política y una atmósfera general que te transporta a un lugar extraño. Nos entregamos a un disco increíblemente relajante, pero en ningún momento feliz, son canciones nerviosas e inestables de un tipo que no está satisfecho con lo que está pasando a su alrededor. Uno tras otro los temas suenan como si uno estuviera mirando a través de un catalejo en blanco y negro, sin saber quiénes son las personas, pero apreciándolas y sintiendo en carne propia sus lamentos. Esta música representa a una generación, un movimiento social y un estado de ánimo, que incluye Flower Power, Psychedelia, Woodstock, Social Awareness e Enlightenment, fue el único Renacimiento que experimentó el pueblo estadounidense en su toda la historia.

La primera pista y el sencillo fue este hito titulado Music is Love, con Neil Young y coescrito por él y Graham Nash, la canción consigue mantener la esencia indestilada de la era hippy que ya se había desvanecido, es una mermelada con poca o ninguna estructura, por eso mola tanto. Según el ingeniero de estudio Stephen Barncard, quien documentó las sesiones de grabación, la canción provino de una "cinta de registro", o una grabación no oficial de los músicos tratando de orientarse, que se tradujo en un sentimiento hermoso, de hecho, es una elección curiosa abrir el album con un rasgueo suave a lo largo de la introducción de guitarra acústica, que marca el comienzo de la pista y una letra muy repetida "Todos dicen que la música es amor". Líricamente, no sucede mucho más hasta alrededor de los 2 minutos y 50 segundos, cuando la letra cambia a "Pon tus colores, corre, ven a ver que todos dicen que la música es gratis", un comentario sobre los deseos de los fans en aquellos momentos que solicitaban que los festivales fueran gratuitos.

0785.- Love the One You're With - Stephen Stills

Hay un hecho que no puede ser ignorado: los cuatro miembros de CSN&Y produjeron individualmente grandes álbumes de debut cuando iniciaron su carrera en solitario (curiosamente, aunque finalmente se convirtió en el más exitoso por un margen enorme, el de Young parece ser el menos elogiado del grupo). Stills tardaría mucho más que su socio canadiense en hacer esta primera declaración en solitario (Young ya estaba en su tercera en ese momento), pero eso no significa que estuviera pasando por un proceso traumático causado por la separación, ya que tenía mientras tanto participó en muchos proyectos como “Super Session” de Al Kooper o el lanzamiento de CS & Nash. Aunque no fue un prolífico escritor de canciones memorables como Young, Stills fue un excelente creador de ritmos y ambientes, muchos de los cuales con calidad de himno, y su primer álbum homónimo, es la primera medida verdadera de sus gustos e influencia y si bien esta puede no ser una apuesta para obtener un mayor éxito comercial, lo convirtió en una figura muy respetada entre sus pares, como lo confirma la vasta lista de invitados; además, sus habilidades musicales integrales y multi-instrumentista le permitieron tener una mano fuerte en la producción de lo que en mi humilde opinión es su mejor trabajo en solitario. Si bien la participación de Hendrix es un poco exagerada, ya que su papel en la contagiosa "Old Times Good Times" es modesto y no muy característico, no ocurre lo mismo con Clapton, quien es fundamental en el desarrollo de la maravillosa “Go Back Home”, también saca provecho de la presencia del icónico organista de Stax, Booker T. Jones, y de Sidney George, los cuales agregan órgano y saxofón/flauta que contrastan efectivamente con las notas vibrantes de Stills en la potencia de Soul-Jazz "Cherokee", donde una faceta diferente del baterista Dallas Taylor también se revela.

Love the One You're With fue la canción franquicia del álbum, la base de todo es una  frase que Stills tomó prestada de Billy Preston para convertirse en la canción de este álbum que todos conocen, aunque pero en realidad es uno de los cortes menores, muy apreciada por el gran riff y una letra, Stills lo acompaña con algunos tambores de acero funky que le da a la pista un sabor caribeño inusual. Líricamente, es un mensaje kármico simple pero efectivo de arriesgarse con el amor, donde sea que lo encuentre. Pero si no os queréis quedar con la punta de lanza, el álbum ofrece una diversidad increíble, coqueteando con el Rock, el Jazz, el Country, la World Music y muchas otras influencias, que en su momento fueron verdaderamente proféticas y adelantadas a su tiempo. Stills simplemente se negó a ser encajonado dentro de los límites del Pop/Rock, lo que lo convirtió en uno de los grandes héroes de la época.

0662 - Cecilia - Simon & Garfunkel

0662 - Cecilia - Simon & Garfunkel

Cecilia es una canción del dúo musical estadounidense Simon & Garfunkel. Fue lanzado en abril de 1970 como el tercer sencillo del quinto álbum de estudio del grupo, Bridge over Troubled Water (1970). 

Escrita por Paul Simon, los orígenes de la canción se encuentran en una fiesta nocturna, en la que el dúo y sus amigos comenzaron a tocar la banca de un piano. Grabaron el sonido con una grabadora, empleando reverberación y haciendo coincidir el ritmo creado por la máquina. Más tarde, Simon escribió la línea de guitarra y la letra de la canción sobre el tema de un amante en el que no se puede confiar.

Simon ha sugerido que la Cecilia del título se refiere a Santa Cecilia, patrona de la música en la tradición católica, y por lo tanto la canción podría referirse a la frustración de la inspiración fugaz en la composición de canciones, los caprichos de la fama musical o en un sentido más amplio. sentir el absurdo de la cultura pop.

La canción generalmente se interpreta como un lamento por un amante caprichoso que causa angustia y júbilo al cantante. Santa Cecilia se menciona en otra canción de Paul Simon, "The Coast" (de su álbum de 1990 The Rhythm of the Saints): "Una familia de músicos se refugió para pasar la noche en la pequeña iglesia del puerto de Santa Cecilia".

La canción fue un sencillo de éxito en los Estados Unidos, alcanzando el puesto número cuatro en el Billboard Hot 100. En el Cash Box Top 100, alcanzó el número uno.

A Cecilia también le fue bien en Canadá, Alemania, los Países Bajos y España, donde alcanzó el número dos, y también en Suiza y Bélgica, donde alcanzó el puesto número tres, aunque no llegó a las listas del Reino Unido, donde fue  lanzado como sencillo unos seis meses después del álbum.  Ha sido objeto de numerosas versiones, sobre todo por parte del cantante Suggs, cuya versión contó con el dúo de ragga Louchie Lou & Michie One y alcanzó el número cuatro en el Reino Unido en 1996.

Daniel 

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0661-. The Boxer - Simon & Garfunkel

 

The Boxer, Simon & Garfunkel

     El 26 de enro de 1970 se publicaba Bridge Over Troubled Water, el quinto y último álbum de estudio del dúo de fol rock estadounidense Simon & Garfunkel. El disco fue realizado durante el mes de noviembre de 1968, donde se grabaron 2 pistas, y durante el mes de noviembre de 1969 donde se grabaron el resto de pistas, entre los Columbia Studio B y E de Nueva York y los CBS Columbia Square de Los Ángeles, ambos propiedad de Columbia Records, quien lanzaría el álbum al mercado. El disco fue producido por el dúo Simon & Garfunkel y por el ingeniero y productor estadounidense Roy Halee.

Simon & Garfunkel, con la ayuda del productor Roy Halee, siguieron el patrón musical de su LP Bookends, apostando por un disco más ambicioso y abandonando en parte su tradicional estilo para incorporar elementos de rock, R&B, gospel, jazz, world music, pop entre otros géneros.

Incluido en éste último trabjo del dúo se encuentra The Boxer, una balada folclórica escrita por Paul Simon, quien ya había escrito parte de la misma en 1968. El tema además de ser publicada en Bridge Over Troubled Water fue lanzado como sencillo en marzo de 1969. La grabación del tema se convirtió quizás en en la más larga y dura del grupo, pues duró más de 100 horas y se llevó a cabo en varios lugares. La segunda parte principal fue grabada en Nashville, en los Columbia Studios enre el 6 y el 8 de diciembre de 1968, la tercera parte final y los metales fueron grabados dentro de la Capilla de St. Paul en la Universidad de Columbia, y las cuerdas en los Columbia Studios. Simon & Grafunkel fueron de los primeros músicos en utilizar grabación de 16 pistas, pero como sólo había dos grabadoras de 8 pistas disponibles, ambas tenían que sincronizarse muy bien de forma manual para producir el sonido de forma correcta y clara. Simon encontró inspiración para esta canción en la Biblia, la cual solía leer a veces en los hoteles. La frases Workman's Wages (salario del trabajador) y Seeking out the poorer quarters (buscar los barrios más pobres) provienen de pasajes de la misma. 

Sobre The Boxer, Paul Simon llegó a afirmar que escribió esta canción cuando los críticos criticaban duramente su música: él era "The Boxer" (El Boxeador). Simon afirmaba que la canción trataba sobre él, y que pasaron unos dos o tres años antes de que la gente se diera cuenta de que eran simplemente dos tipos de Queens que solían cantar rock and roll, y que no eran cantantes puramente de folk.

0660.- El cóndor pasa - Simon and Garfunkel

El cóndor pasa fue en origen una zarzuela peruana escrita por Daniel Alomía Robles en 1913, con libreto en prosa de Julio Baudouin (firmando bajo el pseudónimo de Julio De La Paz). La letra original describe la vida de Frank, un joven que trabaja en un asentamiento minero en los andes peruanos, que no acepta los abusos a los que los mineros son sometidos. “Algo me dice que la vida no es así” se dice a sí mismo. Al final de la obra, la aparición de un cóndor, tras muchos años sin avistar ninguno, es interpretada por los mineros como un presagio de una vida en libertad.

Paul Simon escuchó por primera vez una versión de la melodía de El cóndor pasa en una actuación de "Los Incas" en un teatro de París, en 1965. Simon conectó con los miembros de la banda, llegando a irse de gira con ellos y a producirles su primer álbum publicado en Estados Unidos, y les pidió permiso para usar aquel tema que tanto le había gustado, y que por error consideraban una canción tradicional peruana. Así fue como, en 1970, Simon and Garfunkel grabaron una versión del tema de Los Incas, con el título de El Cóndor Pasa (If I Could) que incluía nuevas letras en inglés y la versión instrumental de Los Incas como base.

La canción aparece en el disco Bridge Over Troubled Water (1970), y el single fue uno de los mayores éxitos del famoso dúo, alcanzando el puesto 18 del Billboard. Debido al error de haberla considerado una canción tradicional y no una zarzuela, Daniel Alomía Robles no aparecía en los créditos de la canción de Simon and Garfunkel, motivo por el que el hijo del compositor interpuso una demanda por derechos de autor, que acabó ganando en un caso judicial de lo más amistoso, porque él era consciente de que la omisión era fruto de un malentendido, y Simon lo asumió con amabilidad y comprensión.

Lo más curioso del caso es que la zarzuela fue escrita para orquesta de cámara y no para instrumentos andinos, pero la versión de Los Incas y, en especial, la de Simon and Garfunkel, han hecho que El Cóndor Pasa permanezca en el recuerdo popular con ese aire de canción tradicional que tanto nos emociona al escucharla, en una nueva vida que quizá un cóndor anunció en algún momento, con su paso majestuoso por encima de las montañas.

0659.- Bridge Over Troubled Water - Simon and Garfunkel

"Bridge Over Troubled Water" no solo es una melodía histórica que demuestra perfectamente el poder de la voz humana, sino que también canaliza algo profundamente espiritual más allá de la naturaleza de su melodía. La mayoría de las otras canciones sobre la amistad y el sacrificio por los demás son insoportablemente empalagosas y a menudo se ven envueltas en tanto fervor nacionalista que se contaminan con los mismos espíritus de intolerancia y odio que profesan disipar (ver "God Bless the USA". "). No le ocurre a "Bridge Over Troubled Water". esta canción tiene la inteligencia y la calidez para reconocer que, mientras que otros tienen una autonomía tal que deseamos respetarlos y no ahogar sus búsquedas de autodescubrimiento, todavía tenemos un placer innato en ayudar a los demás cuando ellos no pueden hacerlo por sí mismos. Dejemos que los cínicos pseudo-filosóficos adoradores de Nietzsche lo denuncien como una debilidad: en algún momento, uno debe aceptar algunos postulados sobre el universo, y elijo aceptar este. "Bridge Over Troubled Water"habla del deseo de la gente de hacer el bien, y es por eso que se ha convertido en el estándar de referencia para los músicos de las tradiciones del jazz, la música clásica, el folk y el teatro musical. Es un monolito musical que está tan perfectamente elaborado como escrito, interpretado y grabado: una de las mejores canciones pop de todos los tiempos. Y es que es increíble, lo primero que te llama la atención es esa construcción lenta durante las primeras cuatro quintas partes, realmente es bellísima, con la voz suave y divina de Garfunkel como núcleo de la canción. El único acompañamiento para esta sección más suave es el piano de Larry Knechtel, que transmite tanta emoción y melancolía a través de su melodía. Para ser honesto, el comienzo del clímax también es fantástico, con esas cuerdas suaves y armonizadas entre el dúo titular. También hay algunos tambores que golpean maravillosamente, tipificando la efusión de sentimientos. Simplemente va un poco demasiado lejos cuando las cuerdas realmente toman el control.

A pesar de una carrera sólida y larga detrás de ellos, y una discografía repleta de múltiples éxitos en las listas de éxitos, "Bridge Over Troubled Water" se destaca como uno de los momentos emblemáticos de Simon & Garfunkel, como uno de los más importantes, sin olvidar que es una de las canciones más reelaboradas (en Jazz, Pop, Classic, lo que sea) que considerando que el duo estaba a punto de desmoronarse tiene un mérito aún mayor. No sé si Simon se dio cuenta de lo enorme que iba a ser esta canción, pero la letra, la melodía y la producción encajan perfectamente. El “niño tenor del coro” encarnado en Garfunkel le da a "Bridge Over Troubled Water" una lectura similar a la de una iglesia, que se vuelve aún más creíble gracias a la interpretación del piano de Larry Knetchel. La canción es extremadamente inspiradora y su sentimiento sobre la necesidad de un verdadero amigo en tiempos difíciles tiene una calidad universal.

0646-. Matty Groves - Fairport Convention

 

Matty Groves, Fairport Convention 

     En diciembre de 1969, la banda británica de folk rock Fairport Convention publica su cuarto álbum de estudio, Liege & Lief. El disco es grabado en los estudios Sound Techniques de Londres durante los días 16, 19, 22, 29 de octubre y el 1 de noviembre de 1969, bajo la producción del productor discográfico y escritor estadounidense Joe Boyd, y publicado en diciembre de 1969 por el sello discográfico Island Records en Reino Unido, y el por sello discográfico A&M Records en Estados Unidos.

Liege & Lief suponía el cuarto álbum de estudio de la banda y el tercero publicado durante el año 1969, mostrando la frenética actividad del grupo en aquella época. En Reino Unido consiguió alcanzar el puesto número 17 en las lista UK Album Chart del Reino Unido. Hay quien considera este disco como el primer gran álbum de "folk rock británico", pero de lo que no hay duda es que fue de los primeros. 

Incluida en este cuarto disco de estudio se encuentra el tema Matty Groves, un tema tradicional inglés originario al parecer del norte de Inglaterra. También conocido como Little Musgrave and Lady Barnard o Little Musgrave, relata una cita adúltera entre un joven y una mujer noble que termina cuando el esposo de la mujer descubre el engaño y mata a los dos. Esta canción existe con muchas variantes en la letra y con varios nombres. 

La letra de la canción relata como Little Muegrave va a la iglesia y allí ve a la esposa de Lord Barnard, la dama más hermosa del lugar, y se cuenta de que ella también se siente atraída por él. Ella lo invita a pasar la noche con ella y él acepta cuando le dice que su esposo estará fuera de casa. Un sirviente de la casa de Lord Barnard escucha la conversación y va a buscar a Lord Barnard para contarle como Little   Musgrave va a estar en la cama con su esposa. Lord Barnard y sus hombres cabalgan hasta su casa, donde sorprende a los dos amantes en la cama. Fairport Convention, para la grabación de su versión electrificada de Matty Goves, se inspiraron en la melodía de la canción folclórica tradicional de los Apalaches Shady Grove, dando como resultado esta versión híbrida resultante de los dos temas tradicionales.

0587 - Who Knows Where the Time Goes? - Fairport Convention

0587 - Who Knows Where the Time Goes? - Fairport Convention

Who Knows Where the Time Goes? es una canción escrita por la cantante y compositora inglesa de folk-rock Sandy Denny. Denny grabó originalmente la canción como demostración en 1967, cantando y tocando la guitarra en la pista. Más tarde ese año, se unió brevemente a la banda de folk The Strawbs y volvió a grabar la canción, nuevamente solo con su voz y guitarra, para lo que se convirtió en el álbum All Our Own Work, que no se lanzó hasta 1973.

La cantante de folk estadounidense Judy Collins escuchó una cinta de la grabación de demostración original en 1968 y decidió hacer una versión de la canción. Lanzó su grabación primero como el lado B de su versión de "Both Sides, Now", y luego como la canción principal de su álbum Who Knows Where the Time Goes, ambos lanzados en 1968. La suya fue la primera grabación ampliamente disponible. de la cancion.

En 1968, Denny se unió a la banda de folk-rock Fairport Convention. Grabó la canción en su segundo álbum con la banda, el álbum Unhalfbricking de 1969. Esta versión tenía más influencia del rock.

Who Knows Where the Time Goes? se convirtió en una canción emblemática tanto para Denny como para Fairport Convention, y muchos artistas la han versionado.

En 2007, la versión de Unhalfbricking fue votada como "la canción folclórica favorita de todos los tiempos" por los oyentes de BBC Radio 2.

Daniel 

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0497.- You Ain't Goin' Nowhere - The byrds

El sexto álbum de The Byrds se concibió inicialmente como una historia musical de la música popular estadounidense del siglo XX , que abarca ejemplos de música country, jazz y rythm and blues , entre otros géneros, sin embargo, impulsado por la pasión del poco conocido Parsons, que se había unido recientemente a los Byrds, este concepto propuesto fue abandonado desde el principio y el álbum se convirtió en un disco puramente country. La grabación del álbum se dividió entre sesiones en Nashville y Los Ángeles, con contribuciones de varios músicos de sesión notables , incluidos Lloyd Green , John Hartford ,Jay Dee Maness y Clarence White, fue una grabación bastante tensa entre Parsons y el resto de la banda, especialmente el guitarrista Roger McGuinn , y algunas de las voces de Parsons se volvieron a grabar cuando se lanzó el álbum en agosto. El alejamiento de The Byrds del rock y el pop hacia la música country provocó un gran enfado y hostilidad por parte de la élite ultraconservadora de la música country de Nashville, que veía a los Byrds como un grupo de músicos de pelo largo, hippies que intentan subvertir la música country. El album fue un fracaso comercial desde el día de su lanzamiento, demasiado country para los fanáticos del rock y simplemente demasiado rock para los fanáticos del country. Quizás esto resume mejor el lanzamiento, Sweetheart Of The Rodeo fue el producto de una nueva banda en busca de una dirección cuyos miembros no durarían seis meses juntos, un desvío devoto hacia las profundidades de la música country, en el que ni los fanáticos existentes de The Byrds ni los conocedores del país estaban dispuestos a acompañarlos. A corto plazo, fue un trampolín para el novato y principal instigador, Gram Parsons, para validar su visión del country-rock, mientras dejaba atrás a sus compañeros Byrds para recoger el piezas.

En este álbum encontramos una versión de una canción de Bob Dylan, "You Ain't Goin' Nowhere" ya que ambos compartían compañía discográfica y envio algunas demos de las sesiones recientes de Dylan en Woodstock,  "You Ain't Goin' Nowhere" fue uno de los dos temas que eligieron, y esta canción provocó una discusión entre la banda y Dylan, ya que en la original la canción contenía la letra, "Recoge tu dinero, empaca tu tienda", que fue alterada por error en la versión de los Byrds, por el guitarrista y cantante Roger McGuinn , a "Empaca tu dinero, recoge tu tienda”.

0456 - Mrs. Robinson - Simon & Garfunkel

0456 - Mrs. Robinson - Simon & Garfunkel

Simon & Garfunkel alcanzaron la fama en los Estados Unidos entre los años 1965-66, haciendo giras por las universidades y publicando una serie de singles y álbumes de éxito.

Y fue cuando, el director Mike Nichols, que entonces rodaba El graduado, quedó fascinado con dos de las canciones del dúo, escuchándolas sin parar antes y después del rodaje Tras dos semanas de esta obsesión, se reunió con el presidente de Columbia Records, Clive Davis, para pedirle permiso para que la música de Simon & Garfunkel este en su película. Clive Davis consideró que encajaba perfectamente y previó un álbum de banda sonora de gran éxito de ventas Simon no se mostró tan receptivo de inmediato, ya que consideraba que las películas eran algo parecido a venderse, pero accedió a escribir al menos una o dos canciones nuevas para la película.

Varias semanas más tarde, Simon volvió con dos temas nuevos, "Punky's Dilemma" y "Overs", ninguno de los cuales gustó especialmente a Mike Nichols. Mike Nichols preguntó si el dúo tenía más canciones que ofrecer, y tras una pausa en la reunión, volvieron con una primera versión de Mrs. Robinson. Habían estado trabajando en un tema titulado "Mrs. Roosevelt", la cuál luego cambiaría el nombre a Mrs Robinson y volvieron para interpretarlo para Nichols. Éste quedó extasiado con la canción, y más tarde comentó: "La rellenaron con dee dee dee dee dee porque aún no había versos, pero me gustó incluso eso" Garfunkel se explayó más tarde sobre la colocación de la canción en El graduado. 

La versión cinematográfica emplea un ritmo de Bo Diddley, a diferencia de la versión de estudio. La versión final de "Mrs. Robinson" se completó el 2 de febrero de 1968, en el Estudio A de Columbia en la ciudad de Nueva York. La grabación se publicó más de tres meses después del estreno de El graduado, pero a través de sus numerosas reproducciones radiofónicas se convirtió en una importante promoción cruzada de la película durante su recorrido inicial en los cines. En la mezcla promocional hay un bombo más fuerte y contundente, lo que se hizo para adaptarse al limitado rango dinámico producido por la radio AM.

Mrs. Robinson recibió dos premios Grammy en la 11ª edición de los premios Grammy de 1969. Se convirtió en la primera canción de rock en ganar el premio a la Grabación del Año y también recibió el Grammy a la Mejor Interpretación Pop Contemporánea - Dúo o Grupo Vocal. Se pidió al dúo que interpretara la canción en directo en la ceremonia, pero se negó. En su lugar, grabaron un vídeo para la ceremonia. Mrs. Robinson no pudo optar al Oscar a la mejor canción original, ya que la candidata debe haber escrito una canción exclusivamente para la película en la que aparece.

Daniel 

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0455.- At the Zoo - Simon & Garfunkel

 

At the Zoo, simon & Garfunkel

     El 2 de abril de 1968 se publica bajo el sello discográfico Columbia Records el cuarto álbum de estudio del dúo Simon & Garfunkel, Bookends. El disco es un compendio de canciones grabadas entre septiembre de de 1966 y febrero de de 1968. El disco es un álbum conceptual que explora el viaje de la vida desde la infancia hasta la vejez. si la cara A nos relata las sucesivas etapas de la vida, en cambio la cara B consiste principalmente en material no utilizado para la banda sonora de la película El Graduado. Bookends vendió más de un millón de copias llegando a ocupar el puesto número uno en las famosas listas Billboard estadounidenses, llegando también a lo más alto en las listas del Reino Unido.

Incluido en este cuarto álbum de estudio del dúo se encuentra el tema At The Zoo. La canción fue lanzada como sencillo en febrero de 1967, y en ella su creador, Paul Simon, realiza un tributo a su ciudad natal, Nueva York. En un principio fue escrita para ser parte de la banda sonora de la película El Graduado, más concretamente para una escena que tenía lugar en el zoológico de San Francisco. Esta canción no sólo fue utilizada para anuncios de los zoológicos del Bronx y de San Francisco, también sirvió de base para que Paul Simon publicara en 1991 un libro para niños titulado Simon and Garfunkel at the Zoo, con unas bonitas ilustraciones de la ilustradora francesa Valerie Michaut.

0454.- America - Simon & Garfunkel

Estamos ante la pieza central del cuarto álbum de estudio de Paul Simon y Art Garfunkel. Bookends fue el álbum en el que el dúo comenzó a dejar atrás el folk rock por el que se hicieron famosos, ampliaron sus horizontes musicales con arreglos innovadores y utilizó a algunos de los mejores músicos de sesión de la industria, como el baterista Hal Blaine y el teclista Larry Knechtel, aunque la base de todo es la unión de esas dos voces mágicas.

 

America es esencialmente una canción de viaje por carretera, pero como todos los viajes por carretera, tiende a revelar tanto sobre los participantes como sobre las tierras que se recorren. El narrador y su compañera Kathy Chitty (a pesar de salir brevemente con Paul Simon, tuvo un profundo efecto en su arte. Porque además de recibir un grito abierto en 'América', también se la menciona en 'Homeward Bound' (1966) de Simon & Garfunkel y 'The Late Great Johnny Ace', en el primer álbum en solitario de Simon, 'The Paul Simon Songbook' sale en la portada. Y ella también es la inspiración detrás de una de las pistas que encontramos en el álbum titulada 'Kathy's Song') abordan un autobús en Pittsburgh, pasar el tiempo en el autobús con pequeños juegos sobre sus compañeros de viaje está muy bien, pero una especie de aburrimiento pronto se instala cuando se acaban los cigarrillos y se leen las revistas. “Y la luna se elevó sobre un campo abierto”, cantan Simon y Garfunkel, y sus voces transmiten tanto el asombro de presenciar ese fenómeno como la melancolía que tal vista puede provocar en un viajero cansado. De hecho, las siguientes líneas de Simon dejan al descubierto el alcance del dolor de su personaje: “Kathy, estoy perdido”, dije, aunque sabía que ella estaba durmiendo “Estoy vacío y dolorido y no sé por qué”, con esa confesión, se convierte en uno más en una larga lista de vagabundos que salen al camino abierto para llenar los vacíos en sus almas. Y ahí está la clave de la canción igual que él y su pareja, hay muchas otras personas que buscan el Sueño Americano. O más bien, lo que une nos une a todas las personas de la tierra, es que salen fuera de casa para poder cumplir sus sueños, aunque más importante es el hecho de que, al llegar al final de la narración, no se ha acercado más a descubrirla realmente que cuando comenzó su viaje. Y su optimismo menguante a lo largo del camino refleja esta realidad y en cierto modo, es como si estuviera reconociendo que el acto de perseguir el Sueño Americano, es como una búsqueda en vano, no hay que olvidar que esta canción fue escrita durante la década de 1960 cuando muchos tipos artísticos y de espíritu libre como Simon & Garfunkel se desilusionaron en términos de qué era exactamente Estados Unidos y qué tenía para ofrecer.

0447.- Koeeoaddi there - The Incredible String Band

The Incredible String Band fue grupo pionero de folk psicodélico británico fundado en Edimburgo, Escocia en 1965 por los multiinstrumentistas y compositores Robin Williamson y Mike Heron, con el banjoista Clive Palmer. Las raíces de la banda se encuentran en el dúo acústico de folk/bluegrass Robin WILLIAMSON (guitarra, voz) y Clive PALMER (banjo), quienes comenzaron a actuar juntos en el área de Edimburgo, Escocia, en 1963. El dúo agregó al músico folclórico multiinstrumentista Mike Heron y tomó el nombre de INCREDIBLE STRING BAND después de ser descubierto por el legendario productor Joe Boyd en 1965. El grupo resultante fue firmado por Boyd para Elektra Records en 1966 y lanzó un debut de estudio aclamado por la crítica. Pero cuando Palmer dejó la banda para un largo viaje a Afganistán y más tarde a la India, los dos miembros restantes se disolvieron. Se reformarían un año después como dúo con Williamson agregando varios sonidos nuevos y exóticos como oud, gimbri y tamboura como resultado de sus propios viajes al este (en Marruecos). Esto se convirtió en el núcleo de un grupo que, junto con la novia de Williamson, Licorice McKechnie, los artistas invitados y el miembro ocasional a corto plazo demostrarían ser bastante prolíficos y exitosos. La banda lanzó una docena de álbumes a partir de 1967 y realizó numerosas giras ante multitudes cada vez más grandes. La reputación de la banda mejoró durante estos años gracias al fuerte respaldo de íconos musicales como Bob Dylan, Paul McCartney o Robert Plant (quien una vez afirmó que Led Zeppelin aprendió su oficio al escuchar un álbum de ISB).

Sin duda su mejor trabajo fue The Hangman's Beautiful Daughter donde Robin Williamson y Mike Heron se encargan de la mayoría de las melodías vocales en este disco, y tienen una cualidad fascinante, casi parece que estás siendo hipnotizado mientras lo escuchas, es cierto que tiene un estilo de canto poco ortodoxo, y puede parecer un poco desagradable escucharlo por primera vez, pero a medida que profundizas, descubres que las voces son excepcionalmente complementarias a la música en cuestión. Las canciones en sí son difícilmente pegadizas y tienden a entretejer atmósferas y estados de ánimo. Sa primera canción, Koeeaddi There, (el título proviene de tiradas aleatorias de un dado) es una de las canciones más encantadoras y únicas que puedes escuchar, una delicatesen, tanto lírica como estructuralmente, todo fluye a la perfección realizando una música de cuento de hadas para adultos. A veces, una canción puede hacer su propia magia, y no me refiero a la "magia" o una canción pop perfecta o la forma en que una canción captura perfectamente un momento "mágico", me refiero a la magia ritual, del tipo que los practicantes podrían etiquetar como magia verdadera, es fácil escuchar esta canción como una especie de ritual misterioso si te la tomas en serio.

0434.- Goin' back -The byrds

 

"Goin' Back” es otra canción inquietante y excepcional que The Byrds hicieron famosa, pero un tema escrito por Carole King y Gerry Goffin, y si bien The Byrds pueden haber sido expertos en hacer versiones de canciones, y ciertamente los maestros de esa guitarra tintineante, es evidente que simplemente no tenían la preparación o las experiencias de vida para escribir un material interpersonal tan maravilloso como este. Escuchas el tema y tienes una sincera sensación de country flotando a su alrededor, aunque no de forma rotunda, y más cuando te detienes en la letra, que describe la pérdida de la inocencia que viene con la edad, y la lucha de la que todos somos culpables, arrastrándonos en un esfuerzo supremo tratando de frenar las manecillas del tiempo, para si no conseguir otra cosa que recordar con cariño y atesorar con calidez los recuerdos de nuestra juventud. Aun así, aunque no conocíamos la historia de fondo durante los embriagadores días de los años 60, nos sumergimos en la idea de que la canción era un reflejo de todo lo que The Byrds habían perdido con la muerte de tantos miembros. No nos pongamos demasiado trascendentales, y disfrutemos de lo que es una canción enorme que afortunadamente The Byrds llegaron a haber tocado (antes las primeros en grabar este número, la banda de rock exclusivamente femenina Goldie & The Gingerbreads hizo una versión, aunque cambió la letra que no le sentó bien a Carole King, por lo que se eliminó la versión, y la grabo ella misma, antes de pasárselo a Dusty Springfield hasta que llego a The Byrds) ya que su versión está muy por encima de todas las demas, esa postura entre el pop y el country, mezclada con armonías fluidas, una discreta guitarra de pedal de acero y la naturaleza susurrante del Rickenbacker de 12 cuerdas de McGuinn. . “Goin' Back” es nada menos que una delicada alfombra mágica de sonido y visión, una canción que para mí siempre estará de la mano con “In My Room” de los Beach Boys.

0408.- Mr. Soul - Buffalo Springfield

0408 - Mr. Soul - Buffalo Springfield

Mr. Soul es una canción grabada por la banda de rock canadiense-estadounidense Buffalo Springfield en 1967. Fue lanzada el 15 de junio de 1967 como cara B de su cuarto single "Bluebird" y posteriormente incluida en el segundo álbum del grupo Buffalo Springfield Again.

"Mr. Soul" trata de los problemas personales de Neil Young con la fama y el desprecio hacia el estrellato del rock. 

Fue escrita por Young tras sufrir un ataque de epilepsia después de un primer concierto con Buffalo Springfield en San Francisco. Mucha gente del público se preguntaba si era parte de la actuación. 

Mientras era paciente en el Centro Médico de la UCLA, escribió la canción una vez que estaba despierto y recuperado y le dijeron que volviera para hacerse más pruebas. 

La letra reflejaba la experiencia de Young, que se sentía como si estuviera a punto de morir, a partir de entonces, su médico le aconsejó que no tomara nunca LSD ni ninguna otra droga alucinógena. 

La canción esta compuesta con una guitarra acústica de doce cuerdas, la canción oscura y malhumorada está afinada en doble D, que Young utilizó en otras canciones, como "Ohio" y "Cinnamon Girl" En la tercera pista de Sugar Mountain - Live at Canterbury House 1968, Young declaró: "Muchas canciones tardan mucho en escribirse. Generalmente se tarda una hora y media o dos horas en escribirlas. Pero ésta sólo me llevó cinco minutos". Posteriormente, Young grabó otras versiones de la canción, a menudo con marcados cambios estilísticos.

Daniel 

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0383.- Leaving on a Jet Plane - Peter, Paul & Mary

0383 - Leaving on a Jet Plane - Peter, Paul & Mary

Leaving on a Jet Plane es una canción escrita y grabada por el cantautor John Denver en 1966, incluida originalmente en su primera maqueta John Denver Sings como Babe I Hate To Go. Hizo varias copias y las regaló para las Navidades de ese año, El entonces productor de Denver, Milt Okun, le convenció para que cambiara el título y se rebautizó como Leaving on a Jet Plane en 1967.

En 1969, simultáneamente al éxito de la versión de Peter, Paul y Mary, Denver volvió a grabar la canción para su primer álbum de estudio, Rhymes & Reasons, y se publicó como sencillo en octubre de 1969 a través de RCA Records. Aunque es una de las canciones más conocidas de John Denver, su sencillo no logró entrar en las listas de éxitos.

Leaving on a Jet Plane fue regrabada por tercera y última vez en 1973 para el Greatest Hits de John Denver, versión que también aparece en la mayoría de sus álbumes recopilatorios.

La versión más conocida fue grabada por el grupo folk estadounidense Peter, Paul y Mary, para su álbum de estudio de 1967, Album 1700, y Warner Bros.- Seven Arts la publicó como single en 1969. John Denver era muy amigo de ellos y compartían el mismo productor en aquella época, Milt Okun.

Fue el mayor (y último) éxito de Peter, Paul y Mary, convirtiéndose en su único número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. La canción también estuvo tres semanas en el primer puesto de la lista de canciones de fácil escucha y se utilizó en anuncios de United Airlines a finales de los años 60 y principios de los 70. La canción también ocupó el primer puesto en las listas de Canadá y alcanzó el número 2 en la lista de singles del Reino Unido y en la de Irlanda en febrero de 1970. De hecho, fue     la única versión de la canción que llegó a las listas. Cash Box describió esta versión como "un material impresionante" con "un arreglo especialmente fino".

Daniel
Instagram storyboy

0374.- Magic Hollow - The Beau Brummels

 

Magic Hollow, The Beau Brummels

     Entra en escena la banda de rock estadounidense The Beau Brummels, banda procedente de San Francisco y que se movió entre los sonidos del pop, folk rock, country rock y rock psicodélico. Nos detenemos en su álbum más aclamado, Triangle,  grabado bajo la producción del productor y ejecutivo estadounidense Lenny Waronker. El disco fue publicado en junio de 1967 por el sello discográfico Warner Bros. y llegó a alcanzar el puesto 197 en la lista estadounidense Billboard 200, recibiendo críticas positivas por parte de los medios, y llegando a comparar la voz de su vocalista Sal Valentino con la del mismísimo Bob Dylan.

Incluido en este disco se encuentra el tema Magic Hollow, que llegó a ser calificado como uno de "Los mejores 100 clásicos psicodélicos" en una edición de la revista Mojo de 1997. La canción fue escrita por el guitarrista de la banda Ron Elliot y por el cantante principal Sal Valentino, y lanzada como primer sencillo del álbum Triangle bajo el sello discográfico Warner Bros. 

La canción contó con la colaboración del músico de sesión Van Dyke Parks, quien aportó el sonido del Clavecín (Instrumento musical con teclado y de cuerda pulsada y muy popular en el barroco). Magic Hollow a pesar de no lograr entrar en la lista Billboard Hot 100, siempre fue muy bien considerada por la crítica especializada desde su mismo lanzamiento, de la que decían que era una "Canción tenue y melancólia", "Música ambiental para largas caminatas por la profundidad de los bosques" o "Una de las melodías más hermosas de toda la obra de los Beau Brummels".