1 artista, 3 canciones: Adele

 Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

ADELE

Adele Laurie Blue Adkins nació el 5 de mayo de 1988 en Tottenham, Londres, Inglaterra con una voz muy particular se ha convertido en una de las artistas más vendidas de nuestro tiempo, a la edad de 14 años, Adele descubrió la colección de Etta James y Ella Fitzgerald en su tienda de música local y quedó fascinada con su música. Tras ver a 'Pink' en un concierto tuvo claro que su ambicion era convertirse en cantante, e matriculó en la Escuela BRIT de Artes Escénicas y Tecnología en Croydon. Mientras estudiaba, escribió y compuso canciones, y luego las publicaba en su página de MySpace. Después de graduarse en 2006, grabó una maqueta con tres canciones para un proyecto de clase que impresionó a los ejecutivos de XL Recording. Posteriormente, la empresa se puso en contacto con ella y firmó un contrato de grabación., al año siguiente recibió el premio Brit Awards "Critics' Choice" y ganó el BBC Sound de 2008 con su álbum debut, 19, que obtuvo un gran éxito comercial y crítico llegando a alcanzar los cuatro disco de platino en el Reino Unido y doble platino en los Estados Unidos. En los premios Grammy de 2009, Adele recibió los premios a Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina. Adele lanzó su segundo álbum, 21, a principios de 2011. El álbum fue bien recibido por la crítica y superó el éxito de su debut, 21 ayudó a Adele a ganar seis premios Grammy en 2012, incluido Álbum del año, igualando el récord de más premios Grammy ganados por una artista femenina en una noche. El álbum también la ayudó a recibir muchos otros premios, incluidos dos Brit Awards y tres American Music Awards. El álbum ha sido certificado 16 veces platino en el Reino Unido. El éxito de 21 le valió a Adele numerosas menciones en el Libro Guinness de los récords mundiales, es la primera artista en vender más de 3 millones de copias de un álbum en un año en el Reino Unido. Con sus dos álbumes y los dos primeros sencillos de 21, "Rolling in the Deep" y "Someone Like You", Adele se convirtió en la primera artista viva en lograr la hazaña de tener dos éxitos entre los cinco primeros tanto en el UK Official Singles Chart como en el Lista de álbumes oficiales simultáneamente desde los Beatles en 1964. Con su tercer lanzamiento del álbum, "Set Fire to the Rain", convirtiéndose en su tercer sencillo número uno en los EE. UU., Adele se convirtió en la primera artista en la historia en liderar el Billboard 200 al mismo tiempo que tres Billboard Hot 100 número uno. El 22 de octubre de 2015, Adele anunció que lanzaría su tercer álbum, 25, en noviembre. Publicó la portada de 25 en Instagram y dijo sobre su primer proyecto de estudio de larga duración en varios años: "Mi último disco fue un disco de ruptura, y si tuviera que etiquetar este, lo llamaría un disco de maquillaje". . Recuperar el tiempo perdido. Compensar todo lo que hice y nunca hice. 25 se trata de saber en quién me he convertido sin darme cuenta. Y lamento que haya tardado tanto, pero, ya sabes, la vida pasó”.

 

VOTACIONES

1.- Rolling in the deep: Puedes sentir cada gota de emoción vertida cuando escuchas esta canción: La tristeza, el vacío, la soledad y la disparidad son temas comunes que se repiten en la música soul. "Rolling in the Deep" no es una excepción. Lo que diferencia tanto a esta canción de otras como esta es la forma en que Adele transmite el tema. La voz de Adele fusiona esta canción en un vacío negro sin fin lleno de torrentes de olas colosales que lo envuelven todo. Esta interpretación genuina y sincera se encuentra en la cúspide de la música soul contemporánea.

 

2.- Someone Like You: Destaca como la canción de ruptura más auténtica que encabezó las listas en la primera mitad de la década de 2010. Si bien la progresión de acordes puede ser simbólica y la línea de piano arpegiada algo trillada, la excelente musicalidad de la canción supera sus limitaciones compositivas. Esto por no hablar de las letras de Adele aquí tenemos un poderoso desenlace al final de 21 el único punto de completo abatimiento romántico después de un álbum que expresa virulencia y amargura. La voluntad de la canción de reducir las emociones a algo más quejumbroso es genuinamente conmovedora, y la moderación de Adele es realmente admirable, es un trabajo melancólico cuyo aguijón dura mucho después de que el piano desaparezca.

 

3.- Set Fire to the Rain: Sin duda es una canción que requiere escucharse con auriculares y asu poder escuchar todos los pequeños detalles que interviene en el sonido de la canción. Ya que todos esos detalles que tan bien funcionan son los elementos claves para hacer de "Set Fire to the Rain" una canción pop verdaderamente clásica. La canción es buena ya solo con su melodía estándar y su poética verdaderamente agradable, la imagen de gotas de fuego derramándose por el rostro de un enamorado, representando la transformación del luto en ira, es absolutamente espectacular.

1 artista, 3 canciones: Blur

Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

BLUR

Aunque la aclamación comercial y crítica inicial cayó sobre la banda de pop británica Blur a principios de la década de 1990, no fue hasta el lanzamiento de Parklife en 1994 que el cuarteto alcanzó el estatus de Top 40 en los Estados Unidos. El disco logró tres hazañas: lanzó a Blur a lo largo del mundo, anunció el regreso del "Britpop" a ambos lados del Atlántico; y encendió una feroz rivalidad entre Blur y sus compañeros ingleses Oasis. Aunque Oasis finalmente llegó a la cima en términos de ventas de discos, Blur ha seguido creciendo con cada álbum lanzado, experimentando con diferentes géneros y manteniendo un sonido musical único.

Los orígenes de Blur en realidad se encuentran en la última ola menor de bandas británicas que dejaron una huella en la escena de la música pop/alternativa, la breve erupción de 1989-1990 del sonido de Manchester, Blur se formó a raíz del éxito disfrutado entonces por grupos como Happy Mondays, Stone Roses y Charlatans, sin embargo, a diferencia de los miembros de las bandas del norte de Inglaterra, los tres fundadores de Blur provienen de Colchester, un suburbio de Londres. El grupo, originalmente conocido como Seymour, se unió oficialmente cuando Damon Albarn conoció a Graham Coxon y Dave Rowntree en la escuela de arte de Londres. Alex James, natural de Londres, fue reclutado cuando necesitaban un bajista. La banda firmó con Food Records en 1990 después de tocar solo unos pocos conciertos, la discográfica estaba respaldada por el gigante de la industria EMI,

En 1990 se lanzó el primer sencillo de la banda en 1990, "She's So High" alcanzó el número dos en las listas independientes británicas, y el álbum posterior Leisure, "con su melancólica tanda de pop psicodélico inglés pero pesado", como Rob O. 'Connor de Rolling Stone lo caracterizó: alcanzó el número siete en las listas británicas el día de su lanzamiento. Blur se mantuvo dentro del top en Inglaterra con el álbum Modern Life Is Rubbish en 1992, un disco con un sonido ligeramente renovado que hizo una ruptura con el estado de ánimo lacónico y tintineante al estilo de Manchester. La banda, como explicó Steven Daly de Rolling Stone, "se quitó la ropa holgada para revelar... una inclinación por el pop de guitarra melódico y bien resuelto". Con su tercer álbum, Parklife, dio el salto alrededor del mundo, después de vender casi un millón de copias en el Reino Unido, los fanáticos de la música alternativa estaban listos para lo que venía, y más tras el pegadizo sencillo "Girls & Boys", descrito por los escritores de Billboard Craig Rosen y Dominic Pride como "un pastiche de Eurodisco sin sentido. Gran parte de Parklife se escribió después de que Albarn leyera la visión apocalíptica de la Inglaterra futura del novelista británico Martin Amis, London Fields. El año 1995 fue especialmente embriagador para Blur. En febrero se convirtieron en el primer acto en ganar cuatro Brit Awards, el equivalente británico del Grammy. En junio cambiaron su sello estadounidense de SBK a Virgin, una compañía mejor equipada para comercializar el sonido accesiblemente alternativo de la banda. En ese momento, los tabloides británicos estaban haciendo una crónica de cada movimiento de la banda, y especialmente del cantante Albarn. Además, se habló mucho de la animosidad entre Blur y Oasis, una rivalidad que había alcanzado un punto frenético a finales de año. La competencia por la posición en las listas de éxitos entre Blur y Oasis se intensificó cuando Blur lanzó The Great Escape en septiembre de 1995, justo cuando Oasis también estaba lanzando material nuevo, el primer sencillo de Blur fue "Country House". The Great Escape fue elogiado por la crítica y el perfil de Blur se elevó en ambos lados del Atlántico. Sin embargo, a pesar de que el primer sencillo del álbum, "Country House", entró en las listas de éxitos antes del lanzamiento de un sencillo de Oasis al mismo tiempo, Oasis finalmente se ganó a la audiencia con su lanzamiento megapopular, (What's the Story) Morning Glory? Blur se tomó un año libre tras las ventas relativamente decepcionantes de The Great Escape.

En lugar de separarse, Blur usó su año libre para reevaluar su enfoque de la música, y finalmente decidió seguir el ejemplo del indie rock estadounidense y emplear un estilo de composición de canciones de baja fidelidad e impulsado por la guitarra. Esta vez, su éxito fue al revés: su quinto álbum, Blur, fue más popular en los Estados Unidos que sus álbumes anteriores, pero el público británico lo recibió con frialdad. Frustrados, la banda regresó al estudio con otro enfoque en mente. El siguiente álbum del grupo, 13 fue teñido de música electrónica, lanzado en 1999, tuvo una mala recepción. Algunos criticaron a la banda por dejar su estilo pesado de guitarras del pasado por los ritmos hechos a máquina de 13, y señalaron que la edad dorada de la electrónica ya había ido y venido. Su lanzamiento de 2003, Think Tank, fue un paso más en el ámbito electrónico, aunque detrás del pulso electrónico, se identificó "una belleza discreta y atmosférica que a veces recuerda la belleza penetrante de la banda escocesa Belle and Sebastian". Tras la ruptura y la carrera en solitario de Damon Albarn, tardarían 12 años en publicar un nuevo álbum, The magic whip podríamos pensar que es un refrito descafeinadamente nostálgico, doce años son muchos, y las tormentas que amenazaban la banda se han convertido en tranquilas olas de madurez y claridad respecto unos mismos, no es una obra maestra, pero sí es muy digno, con altibajos constantes, pero también ápices de excelencia repartidos por momentos.

VOTACIONES

1.- Song 2: Este te,a también se conoce como "Whoo-Hooo", que es el coro que sale durante la cancion, el título no se menciona en la letra ni tiene mucho sentido en la tematica, ya que el nombre "Canción 2" era originalmente solo un título provisional,  Blur lo presentó de esa manera durante las presentaciones en vivo y los fans pronto identificaron "Canción 2" y el título se quedó así. Con guitarras ruidosas y letras crípticas, la banda escribió esto para burlarse de la música grunge que era popular en Estados Unidos en ese momento y terminaria siendo el mayor éxito de Blur en los Estados Unidos. 

2.- Girl & Boys: Esta canción trata sobre los roles sexuales y la libertad de preferencia sexual. Gran parte es una parodia de la cultura de club hedonista de los años 90, el soniquete puede que te pueda provocar el mayor odio que puedas expresar hacia una cancion, ya que toda la banda suena como niños saltando en una cama, y eso es lo convierte en el himno apasionante y rebosante de alegría que es, y difícilmente sería lo mismo sin esa leve maldad natural de la banda.

3.- Beetlebum: Es considerada una de sus mejores canciones, donde la ambigüedad juega por varios frentes, pero donde claramente el tema de la relación con esta chica, su caída junta a ella en las drogas- la heroína- recaló fuerte, y no tan sólo en él, sino que casi se llevó a la banda consigo, en un momento en que por primera vez se tuvo que enfrentar a la otra gran parte de esto: al guitarrista Graham Coxon, debido al tema de las drogas y cómo estaba afectando a la banda. “BeetleBum” es un híbrido de guiño a la banda de Lennon


y McCartney, y habla de un arrepentido drogadicto que coquetea con los juegos de palabras sobre el término “persiguiendo el escarabajo” (Chasing the beetle), que es una variación de “perseguir el dragón” (Chasing the dragon), término coloquial que describe la inhalación de los vapores de la heroína o el opio calentado sobre papel de aluminio. 

OTRAS CANCIONES:

Charmless man 4

The Universal         3

Country house         3

Park life                 2

Tender                 2

Sweet song         2

Music is my radar 1

There´s no other way 1

Under the west way 1

On your own         1   

To the end         1

End of the century 1

Good song         1

Battery in your leg 1

Crazy beat         1

Swamp song         1

1 artista, 3 canciones: John Lennon

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JOHN LENNON

Músico, poeta y compositor, John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, su padre, Alf Lennon, era un marinero, que abandonó a su esposa Julia y a su hijo pequeño. Más de veinte años después, cuando Alf Lennon intentó volver a entrar en la vida de su famoso hijo, Lennon no le dio la bienvenida. Al no poder criar sola a Lennon, Julia le pidió a su hermana y cuñado, Mimi y George Smith, que cuidaran de su hijo. Trágicamente, un oficial de policía fuera de servicio atropelló y mató a la madre de Lennon en 1958. Inspirado por el rock 'n' roll de Elvis Presley y Chuck Berry a mediados de la década de 1950, Lennon comenzó a aprender a tocar la guitarra. 

Su madre le había enseñado a tocar el banjo, e inicialmente tocaba la guitarra como un banjo con la sexta cuerda floja y formó su primer grupo, The Quarrymen, en 1956. Ese año conoció a Paul McCartney, con quien finalmente colaboró ​​en la escritura de más de 150 canciones. En 1959, George Harrison se había unido al nuevo grupo, que para entonces había pasado a llamarse Johnny and the Moondogs. El grupo no encontraba el éxito y aún esperándolo, se convirtieron en los Silver Beatles en 1960. Durante los dos años siguientes tocaron en conciertos locales en Liverpool, con mayor frecuencia en el Cavern Club, donde numerosos grupos ingleses obtuvieron su éxito inicial. Los Beatles aparecieron por primera vez en Alemania en 1960 e hicieron su primera grabación profesional. Mientras tocaban en The Cavern, llamaron la atención de Brian Epstein, quien los escuchó y les preguntó si necesitaban un representante. En 1962 Ringo Starr se unió al grupo. El éxito de The Beatles fue insuperable, pero eso será carne de otro articulo, en 1970 desaparecieron, antes de dejar la banda conoció a Yoko Ono y tras el ultimo album de The Beatles. Lennon inicio su carrera como solista con el álbum John Lennon/Plastic Ono Band (1970), fue recibido con gran aclamación. Con el siguiente álbum, Imagine (1971), la respuesta de la crítica fue mas fria, sin embargo la ​canción que da título al álbum se convertiría en un himno para los movimientos contra la guerra,​ mientras que «How Do You Sleep?» era un ataque musical hacia McCartney en respuesta a las letras del álbum Ram que Lennon sentía, y que McCartney confirmó más tarde​ iban dirigidas a él y Ono. Lennon y Ono se mudaron a Nueva York en agosto de 1971, y en diciembre lanzaron «Happy Xmas (War Is Over)». El siguiente año, la administración de Richard Nixon realizó una «contraofensiva estratégica» hacia la propaganda de Lennon en contra de la guerra y de Nixon, embarcándose en un intento de cuatro años para intentar deportarlo. Grabado en colaboración de Ono y con el acompañamiento de la banda neoyorquina Elephant's Memory. 

Some Time in New York City fue lanzado en 1972, incluía canciones que hablaban sobre los derechos de las mujeres, las relaciones raciales, el papel del Reino Unido en Irlanda del Norte o los problemas de Lennon para obtener una Green Card, el álbum fue recibido negativamente. Mientras Lennon grababa Mind Games (1973), él y Ono decidieron separarse, estuvieron separados durante un periodo de dieciocho meses y al que más tarde llamó su «fin de semana perdido» (en referencia a la novela homónima de Charles R. Jackson), ese tiempo lo pasó en Los Ángeles y Nueva York en compañía de May Pang. Mind Games, acreditado a «The Plastic U.F.Ono Band», fue lanzado en noviembre de 1973, Lennon había perdido el camino, siempre se le encontraba en constante estado de embriaguez y sus borracheras con Harry Nilsson eran titulares de periódicos. Asentado de nuevo en Nueva York, Lennon grabó Walls and Bridges, publicado en octubre de 1974, incluyó «Whatever Gets You Thru the Night», que contaba con la participación de Elton John en los coros y piano, y se convirtió en el único sencillo número uno de Lennon en solitario que pudo ver en vida. Tras el nacimiento de su segundo hijo Sean en octubre de 1975, Lennon asumió el papel de amo de casa, comenzando lo que sería un retiro de cinco años de la industria musical durante el cual dedicó toda su atención a su familia se dedicó completamente a Sean, levantándose a las seis de la mañana todos los días para planear y preparar sus comidas y pasar todo el tiempo con él. 

Regresó a la escena musical en octubre de 1980 con el sencillo «(Just Like) Starting Over», seguido el mes siguiente por el álbum Double Fantasy, que contiene canciones escritas por Lennon durante un viaje que había realizado en velero a las Bermudas el mes de junio anterior, y las cuales reflejan la estabilidad y el éxito de su nueva vida familiar.​ Durante las sesiones del álbum, Lennon y Ono grabaron material adicional suficiente para un futuro álbum, el cual se convertiría en Milk and Honey (lanzado póstumamente en 1984), Double Fantasy fue mal recibido por la crítica, 

El 8 de diciembre de 1980, Mark David Chapman, un fan trastornado, asesinó a Lennon en las afueras del Dakota en Manhattan. La muerte de Lennon devolvió su música a la prominencia mundial e impulsó la canción "Starting Over" al número 1 en los Estados Unidos y otros países. Para un hombre que había vivido una vida extraordinaria, sus esperanzas para el futuro eran modestas. Le dijo a Wenner: "Espero que seamos una buena pareja de ancianos viviendo en la costa de Irlanda o algo así, mirando nuestro álbum de recortes de locura".

VOTACIONES

1.- Imagine: Estamos ante una de esas canciones inmortales, un himno para muchos por su letra sobre la paz, unión y solidaridad, fruto de las tendencias políticas de Lennon que se exacerbaron aún más tras la ruptura de los Beatles, aunque en este tema, ese mensaje aparece totalmente "endulzado" para que lleguese a todo el mundo. Es sin duda, el tema post-Beatles más famoso y recordado de las discografías de sus cuatro integrantes, su melodía dulce y serena, la suave progresión de acordes y ese tono intimista, con el trasfondo de su historia de amor con Yoko Ono, la han convertido en una canción eterna que es reconocida por todo el mundo y que, por derecho propio, siempre ocupa los primeros puestos en las listas de mejores canciones de la historia.

2.- Jealouse Guy: Es sin duda una de las canciones destacadas del Imagine de 1971, si bien apareció por primera vez durante las sesiones del "White Album", bajo el título "Child of Nature". El origen de esta canción tiene sus raíces en la India, The Beatles, en su visita a la India, habían asistido a una conferencia de Maharishi Mahesh Yogi, la conferencia inspiró tanto a Lennon como a McCartney, y ambos compusieron dos canciones diferentes basadas en las mismas ideas. Los Beatles no aceptaron la versión de la canción de John Lennon es cierto que esa versión carecía de la grandeza orquestal que tienen en la versión final publicada por Lennon en solitario, la belleza de la melodía que eventualmente se convertiría en “Jealous Guy” es innegable. La emoción cruda que había mostrado en Plastic Ono Band de 1970 sería arrastrada en direcciones opuestas en Imagine, y la vulnerabilidad que se muestra aquí la convierte en una de las canciones más convincentes y reveladoras de Lennon.

3.- (Just like) Starting Over: Escuchar ese tema es volver al sonido de una melodía pop con blues de los años cincuenta, aunque con una producción bastante moderna. Con una de las mejores letras románticas de Lennon donde reflexiona sobre la hermosa simplicidad de su relación con Yoko y cómo cada día es como si fuera el primero. La voz de Lennon lo refleja a la perfección y suena como si le estuviera dando una serenata a su esposa. Instrumentalmente es muy buena ya que cuena con grandes talentos como el del guitarrista Earl Slick y Tony Levin en el bajo. Todo se une en una melodía muy melódica, especialmente gracias a los coros que proporcionan un coro angelical de fondo

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1 artista, 3 canciones: Frankie Goes To Hollywood

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FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD

Frankie Goes to Hollywood surgió de la histórica ciudad musical de Liverpool, Inglaterra. El vocalista Holly Johnson había adquirido formado parte de una banda anterior de Liverpool, Big in Japan. El vocalista y bailarín Paul Rutherford tocó con The Spitfire Boys y Opium Eaters antes de unirse a Frankie Goes to Hollywood. Los demás miembros fueron Mark O'Toole en el bajo, Peter "Ped" Gill en la batería y Brian "Nasher" Nash en la guitarra. Iniciaron su andadura en 1980 actuando como teloneros de Hambi & The Dance, ya en 1982 consiguieron colocar una canción en la radio durante una sesión en vivo con el DJ David "Kid" Jensen. Pocos días después le llegó el turno a su debut televisivo: el programa era el famoso "The Tube", emitido por Channel 4, la ocasión era ideal para presentar también su primer vídeo, un cortometraje que "ilustraba" el tema que más tarde se convertiría en ‘Relax’.

 

Aún pasaría casi un año antes de que el single “Relax” se publicara en Inglaterra, cuando, en octubre de 1983 vio la luz, se desencadenó un alboroto: la letra de la canción escandalizaba a los "pulcros" ciudadanos de la clase media europea, e Inglaterra fue invadida por camisetas con frases como "Relax" o "Frankie says... Relax". Entre tanto, la primera versión del vídeo fue vetada por la televisión estatal, lo que obligó a la banda a rodar una segunda versión más casta, sin embargo, la prohibición acompañada de publicidad impulsó al sencillo de 1983 al número uno en la lista de éxitos del Reino Unido durante cinco semanas. “Two Tribes”, el segundo sencillo, alcanzó el número uno seis meses después, un himno contra la Guerra Fría que fue acompañado por un video popular que muestra al ex presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, y al ex líder del Partido Comunista Soviético, Konstantin Chernenko, peleando en un ring de lucha libre. Los dos primeros sencillos se convirtieron en platino, vendiendo más de un millón de copias cada uno, lo que convierte a Frankie Goes to Hollywood en el único grupo que tiene sus dos primeros lanzamientos de sencillos alcanzando este nivel de ventas. En 1984, su tercer sencillo, "The Power of Love", llegó a lo más alto de la lista, igualando el récord de los primeros tres lanzamientos de una banda que alcanzaron el número uno, un récord establecido por Gerry and the Peacemakers 20 años antes. El lanzamiento se utilizó más tarde como pista de acompañamiento para el primer anuncio de condones en televisión del Reino Unido. El cuarto sencillo, "Welcome to the Pleasuredome", llegó hasta el número dos, deteniéndose un lugar antes de lo que habría sido un récord de los primeros cuatro lanzamientos que alcanzaron el número uno.

 

Frankie Goes to Hollywood lanzó su álbum debut en 1984, Welcome to the Pleasuredome. en 1985, recibieron tres premios BRIT: Mejor debutante británico; Mejor Sencillo Británico por "Relax" y Mejor Productor, Trevor Horn. En agosto salió ‘Rage hard’, un pequeño adelanto de su nuevo álbum, Liverpool, que se publicó en octubre. Ya en 1987, el grupo comenzó en Manchester su última gira, no había mucho interés en la música de la banda, el exceso de éxito parecía haber extinguido la carga agresiva de FGTH en favor de un funky-pop moderado. Frankie Goes to Hollywood se separó en 1987, cuando tres de los miembros (sin incluir a Johnson o Rutherford) intentaron recrear el grupo, justo antes de firmar con Circa Records, Johnson impidió el uso del nombre de Frankie Goes to Hollywood y no se llegó a un acuerdo, Johnson firmó con RCA, y emprendio una lucha en los juzgados por el nombre del grupo, los miembros restantes de formaron The Lads e intentó capitalizar hasta la última nota con ¡Bang! The Greatest Hits of Frankie Goes to Hollywood, que fue lanzado por Atlantic en 1994. También en 1994, Johnson lanzó una autobiografía muy aclamada, A Bone in My Flute, así como el sencillo "Legendary Children". Casi diez años después de su lanzamiento inicial, "Relax", Welcome to the Pleasuredome , "The Power of Love" y "Two Tribes" fueron reelaborados y relanzados, experimentando un éxito comercial moderado en las listas del Reino Unido una vez más.

 

 

VOTACIONES

1.- Relax: En esta canción hay que detenerse sobre todo en la voz, cierto no es nada sublime, pero en el contexto de esta canción y la escena pop de la época, las voces funcionan muy bien son crudas, particularmente en los constantes estribillos del coro. También hay que destacar la sección electrónica en el medio de la canción con una versión más lenta del estribillo que rompe la canción y como no, una canción muy bailable, lo que probablemente fue un factor clave en sus ventas. Puedo imaginar que la gente se enamoró perdidamente de esta cancion en ese momento.

2.- Welcome to Pleasuredome: La búsqueda del máximo hedonismo que prevalece en las letras ciertamente fue un tema contemporáneo de mediados de los 80 como el siguiente paso lógico de las políticas de Thatcher, y el uso de la línea del exquisito poema de Coleridge sobre Kubla Khan fue una inspiración y reflejaba que estos los scousers tal vez tenían algo de talento después de todo. El ritmo rodante nos lleva en un viaje en autobús similar al de Speed, mientras Holly, casi gritando, nos da placer en su alcance para esos placeres terrenales sin límites.

3.- The power of love: Sin sonar como sus éxitos anteriores, 'The Power of Love' reflejó un lado más prosaico, hasta ahora invisible en la producción del grupo una balada lenta, a la deriva, casi orquestada, fue disfrazada en el video promocional como si tuviera un sentimiento navideño, pero la letra ciertamente no puede atestiguar lo mismo. El doloroso anhelo del Sr. Johnson eleva esta típica canción de amor, prometiendo protección contra todos los intrusos, incluso los sobrenaturales. Luchar contra demonios nunca ha sido tan precioso.

1 artista, 3 canciones: The Supremes

Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.

THE SUPREMES

Formado en Detroit en los años 60 por unas adolescentes, The Supremes se convirtieron en el grupo más grande de Motown de los años 60 y el "grupo de chicas" más exitoso de todos los años 60. Originalmente llamadas Primettes, el grupo estaba formado por Diane Ross, Florence Ballard, Mary Wilson y Betty McGlown (luego reemplazada por Barbara Martin, quien dejó el grupo como un trío por 1964). Se juntaron en 1959 y pronto hicieron realidad el sueño de muchos habitantes de Detroit, ser contratados por el nuevo sello musical Motown.

El éxito tardo en llamar a su puerta, durante el periodo comprendido entre 1962 y 1964, las Supremes lanzaron una serie de sencillos sin éxito, trabajando con diferentes compositores y vocalistas principales alternos. Barbara Martin que estaba embarazada, dejo el grupo y redujo la formación a un trío, y tras sugerencia de Gordy, Ballard fue reemplazada como la vocalista principal habitual del grupo por Diana Ross. En 1964, Gordy los unió a Holland-Dozier-Holland y publicaron "Where Did Our Love Go”, al fin dieron con la tecla, la canción alcanzó el número 1 en las listas de Pop y Soul y marcó el camino para el éxito del grupo durante la próxima media década, la formula era publicar una serie de sencillos engañosamente simples y pegadizos donde destacaba la voz tenue de Ross y los coros cantados de Ballard y Wilson. El grupo lanzó cinco sencillos #1 consecutivos en el siguiente año, incluidos "Baby Love", "Stop! In the name of love”, “Come See About Me” y “Back In My Arms Again. Todos estos sencillos giraban en torno a ritmos insistentes, muy bailables, con letras y melodías repetitivas, que no suponían un gran esfuerzo para la frágil voz de Ross. Con su aspecto de chicas de al lado y su comportamiento encantador y poco sofisticado, The Supremes se convirtieron en modelos a seguir para los jóvenes estadounidenses negros. El magnetismo de Ross en el escenario y la creciente obsesión personal de Berry Gordy con ella, la llevaron a convertirse en la primera entre iguales, y en 1967 el grupo fue rebautizado como "Diana Ross & the Supremes", con las talentosas Wilson y Ballard en un desafortunado segundo plano. Aquello afecto a las dos integrantes del grupo que estaban siendo eclipsadas, Florence Ballard se había vuelto cada vez más infeliz en el papel secundario al que Berry Gordy la había enviado, y su comportamiento ocasionalmente errático y problemático se usó como un excusa para obligarla a salir del grupo, fue reemplazada por la ex Bluebell Cindy Birdsong. En 1967 se iba a producir un hecho que iba a tambalear el camino de éxito de The Suprems, Holland-Dozier-Holland dejaron la Motown para formar su sello Invictus y The Supremes se quedaron sin sus exitosos compositores. Aun asi durante los siguientes dos años, el grupo continuó publicando éxitos (aunque también algunos fracasos) con escritores de The Motown como Ashford & Simpson, incluidos "Love Child" y "The Happening". A pesar de la creciente fricción dentro del grupo, las Supremes eran más grandes que nunca y habían conquistado tanto Las Vegas como la televisión. En 1968 también formaron equipo con The Temptations, y su dúo "I'm Gonna Make You Love Me" se convirtió en un éxito instantaneo.

Diana Ross dejo el grupo e inicio su carrera en solitario, fue reemplazada por Jean Terrell, hermana del boxeador de peso pesado Ernie Terrell. La nueva formación, con Terrell y Mary Wilson alternando las funciones vocales principales, obtuvo un éxito inmediato con "Up The Ladder To The Roof" a principios de 1970, y con "Stoned Love", el mayor éxito del grupo en el Reino Unido durante cuatro años, revivió recuerdos de sus primeros éxitos con su base rítmica y gancho repetitivo. The Supremes también intentaron revivir la atmósfera de sus grabaciones anteriores con Temptations , en esta ocasión con una serie de álbumes junto a Four Tops. Gradualmente, su impulso se fue perdiendo, y cuando Motown cambió su centro de actividad de Detroit a California, las Supremes se quedaron atrás. El último éxito del grupo con Ross, el conmovedor "Someday We' ll Be Together”, fue un “testamento” muy apropiado para una de los grupos de Soul más exitoso de todos los tiempos.

Pasados los años comprobamos como la luz de las Supremes ardió como un cometa, brillando increíblemente brillante y breve, y aunque sus éxitos masivos de 1964 a 1969 no han envejecido tan bien como el trabajo The Temptations de ese período, en cualquier medida todavía deben ser considerados como uno de los mayores éxitos del pop/soul de esa época y del grupo: Diana Ross, Flo Ballard, Mary Wilson y Cindy Birdsong, fueron las prtoagonistas uno de los grandes grupos de Soul de todos los tiempos.

VOTACIONES

1.- You keep me hangin' on: Diana Ross combina la intensidad de la música con una de sus interpretaciones vocales más poderosas, mientras que Mary Wilson y Florence Ballard brindan su presencia habitual, la cancion sirvió como una especie de puente entre el pop inmaculado de los primeros éxitos de Motown y los sonidos más duros de la música soul de finales de los sesenta. cuenta la historia de un 'homme fatal', que atormenta sádicamente a una mujer sensible que en realidad no quiere, un tema fascinante para una canción pop.

2.- You can´t hurry love: Diana Ross está describiendo cuánto anhela el amor y, en su propia impaciencia, le pide consejo a su madre, presumiblemente anticipando algo concreto y satisfactorio al instante, pero su madre no quiere decepcionarla con cuentos de hadas y promesas de pociones de amor u otros. soluciones de aceite de serpiente, fingiendo que sabe exactamente lo que se necesita para encontrar el amor, por lo que en cambio es completamente honesta: "no puedes apurar amor, solo tienes que esperar, el amor no es fácil, es un juego de dar y tomar, tienes que confiar y darle tiempo sin importar cuánto tiempo tome”.

3.- Where Did Our Love Go: Fue la primera canción de The Supremes en encabezar las listas pop estadounidenses, una hazaña que el grupo lograría una docena de veces, incluso con los cuatro sencillos consecutivos lanzados después de este. Aunque relativamente simplista en su construcción, la pista de 1964 es una pieza inmaculada de perfección pop.

1 artista, 3 canciones: Roy Orbison

Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada 7 días os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.

ROY ORBISON

Roy Kelton Orbison nació en la ciudad de Vernon, al norte de Texas, el 23 de abril de 1936. Sus padres le regalaron una guitarra cuando apenas tenía seis años y no se separó nunca de ella. Dos años después el pequeño Roy Orbison asistió a diversos concursos que organizaba una estación de radio local. Ya en secundaria, Roy Orbison fundó su primera banda, la llamo Teen Kings. De esta agrupación saldría la canción “Ooby Dooby” que se convertiría en triunfo mínimo, pero el primero en la carrera de este cantante ya que logró posicionarla en la radio. 

Orbison pronto adquirió fama de compositor, pero ninguna de sus canciones se había convertido en un éxito que pudiera competir con su mayor rival musical: Elvis Presley. Fue en Mystery Records, donde Roy Orbison comenzó a forjar su espacio en la historia de la música, intérprete con una voz matizada y poderosa que acompañó de una imagen que mantuvo a pesar del paso de los años, donde resaltaban sus gafas oscuras. La canción "Claudette" un tema de los Everly Brothers fue el inicio de sus éxitos durante los años sesenta a los que siguieron otros como "Only the Lonely", "Crying" y "Pretty Woman" pelotazos instantáneos que lograron conquistar a los miembros de The Rolling Stones y The Beatles, con quienes hizo una gira en 1963. Como suele pasar en el mundo de la música, el ya famoso cantante pensó que firmando un millonario contrato con MGM, lograría arraigarse como una estrella mundial, no lo consiguió en parte culpa por los rumbos que tomaría el rock y la cultura popular a mediados de los años 60 y por otra parte al no saber dar una vuelta mas alla en su musica y quedarse instalado en el añejo y ya disfuncional Star System, a Roy Orbison se le veia anticuado, aquel que había transformado el sonido del rock durante casi diez años, se encontraba diluido en la escena a consecuencia de ola inglesa  y de músicos como Jimi Hendrix. Con la mala suerte a cuestas en 1966 su amor de secundaria y esposa Claudette — a quien había compuesto una canción— falleció en un accidente de motocicleta. Esta muerte, sumió a Roy Orbison en una profunda depresión; pero la tragedia no había acabado ahí, tres años después, dos de sus tres hijos fallecieron en un incendio. 

No fue hasta la década de los años 80 cuando la carrera de Roy Orbison pareció tomar nuevos bríos, no solo había canciones tributo cantadas por Van Halen o Linda Ronstadt, Orbison se había puesto una meta y era volver a la cima, entonces compuso canciones para un nuevo disco llamado Mistery Girls, donde colaboraron artistas de la talla de Bono de U2 y Elvis Costello. También logró cierto reconocimiento después de que su canción In dreams sonara múltiples veces en la película de David Lynch, Blue Velvet. Orbison se encontraba recibiendo quizá los frutos que había cosechado a lo largo de su carrera y  obtuvo un lugar en el salón de la fama de Rock and Roll, dos premios Grammy honorarios, pero de pronto la muerte le alcanzó de manera inesperada cuando estrenó su nuevo disco. Dos semanas después de su fallecimiento la canción You got it , llegó a los primeros lugares de la listas de popularidad en Estados Unidos y desde entonces ha sido reconocido como uno de los artistas más influyentes del rock y revistas como Rolling Stone, lo han colocado en la lista de los “100 mejores cantantes de todos los tiempos”. Con 25 albums de estudio Roy Orbison tiene un lugar de privilegio en la historia de la música, aunque la música y los que le rodean nunca supieron resaltarle.

VOTACIONES

1.- You Got It:  Con esos cambios de tono repentinos, las cuerdas, la percusión, los coros "do-do-do" (todo en esta canción es absolutamente romántico), "You Got It" te impacta como ninguna otra canción, y aunque lamentablemente resultó ser su canto del cisne, no podría imaginarse otra despedida para una de las voces más hermosas que jamás haya existido, y demuestra ser una maravillosa resumen de una carrera dedicada en gran parte al duelo por un amor no correspondido.

2.- In dreams: Fue utilizada memorablemente por David Lynch en su película clásica de culto, Blue Velvet, los sutiles toques instrumentales y la composición poco convencional de la canción la convierten en una pista aún más conmovedora; y el mejor sencillo del extenso catálogo del legendario vocalista.

3.- Crying: Una canción que juega en una liga diferente, se podria decir que prácticamente no tiene género, ya que tiene elementos de bolero, de vals, de pieza lounge, de balada country, de soul, pero no es nada de eso. Crying es el tour de force de Roy Orbison, es la canción que lo estableció como el escritor melódico poco ortodoxo que no teme haer una canción de rock y llevarla por distintas direccioness y estados de ánimo estructurales completamente diferentes. 

1 artista, 3 canciones: Tears For Fears.

Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada 7 días os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.

TEARS FOR FEARS 

Dúo Británico de New Wave formado por Roland Orzabal y Curt Smith, con 7 álbums de estudio, el ultimo publicado en este año 2022. Su carrera da inicio en 1980, en aquel momento el nombre de la banda era Graduate, posteriormente lo cambiarían por el de History of Headaches, hasta que definitivamente se quedaron con Tears for Fears. Fueron años donde publicarían algunos singles con una escasa repercusión. En 1981 firman con Phonogram Records y rápidamente en 1983 sacan al mercado su álbum debut, bajo el título de "The Hurting", con apenas 21 años marcan el camino de la música de los años 80, aunque no eran puristas de los sintetizadores, es difícil imaginar que el synthpop e incluso el darkwave hubieran ido en la misma dirección oscura y sofisticada que tomaron sin la presencia de Tears for Fears, este álbum sirve como puente entre los nuevos románticos como The Human League y sonidos más oscuros de la talla de Depeche Mode o Clan of Xymox. 

En 1985 graban su gran éxito, "Songs from the Big Chair", uno de los álbumes mas importantes de los 80, Shout y Everybody Wants To Rule The World son dos sencillos inolvidables que dominaron las ondas de radio en 1985 y aún se escuchan, fueron sin dudas los temas que todos recordamos del grupo, pero Songs From The Big Chair también ofrece otras joyas ocultas, como la hermosa y malhumorada pista I Believe o la inquietante The Working Hour. 

Pasarían 4 años hasta que Tears For Fears volvieran a lanzar una nueva producción. Es así como en 1989 nace "The Seeds of Love". Roland Orzabal y Curt Smith recortaron los sintetizadores y eliminaron toda la percusión electrónica, entregando un álbum lleno de clase y alejándose de sus primeros sonidos. Destacan distintas colaboraciones, en Woman in chains, Phill Collins toca la batería y Oleta Adams hizo una gran contribución al álbum con su voz y su interpretación ocasional del piano, la encontramos en las dos primeras pistas, también en Woman In Chains y The Badman's Song. El disco logró ser un éxito mundial, llegando al primer puesto en Inglaterra y al Top 10 americano, y vendiendo millones de ejemplares. Después de The Seeds of Love, Orzabal y Smith discuten por diferencias creativas y deciden disolver el grupo e iniciar sus carreras independientemente.

Siete años más tarde Orzabal, vuelve a editar otro álbum como Tears for Fears, esta vez bajo el título de "Raoul and the Kings of Spain" (1995), un trabajo más contemplativo que revela su herencia española, mostrando así una nueva influencia musical latina, dotado de algunas melodías encantadoras que podemos encontrar en canciones como Falling Down, Sketches Of Pain o Los Reyes Catolicos, mientras tanto la canción principal de apertura, Humdrum And Humble como Don't Drink The Water son números más estimulantes que funcionan muy bien. 

Tuvo que pasar casi una decada para encontrar en el mercado "Everybody Loves a Happy Ending" (2004). Después de la separación y de la guerra fría que tuvieron, Roland Orzabal y Curt Smith finalmente se reconciliaron y sacaron el primer álbum bajo el estandarte de Tears For Fears en nueve años, y el primero con Smith desde The Seeds Of Love, podríamos pensar que volverían al synth pop temprano de The Hurting pero nada mas lejos de la realidad, es álbum es una continuación de The Seeds of Love y un homenaje a The Beatles, facturando un disco lleno de melodías soleadas y bastante digno.

En este 2022 y cuando nadie se lo esperaba publican "The Tipping Point", la muerte de la mujer de Roland Orzabal se cierne sobre estas canciones como el fantasma del que hablan en el tema principal. ¿Es este el mejor álbum que han hecho? No, ese honor todavía se lo lleva uno de los dos primeros, aunque esos discos tampoco son perfectos. Y, sin embargo, este es su mejor álbum desde Seeds of Love de 89, y la narrativa se suma a la profundidad de estas canciones.

VOTACIONES

Nuestros amigos se han decantado sin duda por los dos grandes estandartes de su segundo album, dando como favorita Everybody Wants To Rule The World aunque a poca distancia encontramos Shout, en tercer lugar un empate entre Mad World, Woman in Chains y Change. Mencion especial para un curioso tema titulado Elvis should play ska.

1.- Everybody Wants To Rule The World: ¿Una canción pop con letras filosóficas que exploran la eterna batalla del hombre entre el autocontrol y los deseos y cómo pueden implicar la destrucción personal y social? Inaudito. "Everybody", es quizás considerado el pináculo de la carrera del grupo y el más representativo de su sonido general. Es el punto medio entre la oscuridad, la psicoterapia influenciada por The Hurting y el pop humanista y soleado de The Seeds of Love . 

2.- Shout: Puede no ser tan inteligente como "Everybody Wants to Rule the World", pero compensa con creces su falta de complejidad lírica con uno de los ritmos más estruendosos de todo el pop de los 80. La botella de vidrio que se rompe y la percusión del cencerro combinados con esa enorme caja de ritmos hacen que cada compás de esta canción sea absolutamente cautivador. La canción es tan abrumadoramente grande que logra que su tiempo de ejecución de seis minutos parezca increíblemente corto

 

3.- Woman in Chains: Debajo de un instrumental exuberante, tan suave como una nube, se esconde una de las canciones socialmente más vanguardistas que jamás se haya convertido en un éxito del Top 40 de EE. UU. Roland reflexiona sobre el lugar de las mujeres en el mundo y presenta posiblemente su mejor combinación de música y letras hasta la fecha. La canción comienza pequeña pero se construye extremadamente bien.