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viernes, 11 de agosto de 2023

El disco de la semana 339: Led Zeppelin III (Mes Led Zeppelin)



En abril de 1970 Led Zeppelin terminó otra gira por Estados Unidos, ya la quinta. En dos años, Led Zeppelin se convirtió en una de las bandas más populares del planeta que podía llenar todos los escenarios del mundo. La banda ya había lanzado dos álbumes innovadores en ese momento, pero la banda quería hacer algo más. Algunas personas llamaron a Led Zeppelin una banda de Heavy Metal, un término que se extendió en esta época, pero la banda quería demostrar que su música es más que "solo" Heavy Metal. El álbum anterior de la banda, "Led Zeppelin II", fue un hito porque la mayoría de las canciones se construyeron alrededor de un solo riff y el álbum se convirtió en un gran éxito y la banda tenía un nombre que pasear por el mundo, pero el grupo quería seguir adelante y no copiar su fórmula para el éxito. Page y Plant se retiraron a la ahora infame casa de campo Bron-Yr-Aur con vista al valle Dyfi en Gales para escribir material nuevo a un lugar donde no habia electricidad ni agua corriente y tanto Page como Plant sintieron que el contraste con el estilo de vida de rock and roll que habían estado llevando sería bueno para la creatividad ya que sin electricidad, el material que crearon era obviamente más adecuado para arreglos acústicos que eléctricos, pero eso no significa que III carezca de potencia o dinamismo.


III se pone en marcha con Immigrant Song, un clásico de Zeppelin con un riff trepidante de Page que es impulsado por la poderosa percusión de Bonham detrás de un grito de Plant, lo cierto es que contrasta fuertemente con la sensación acústica folklórica de las pistas escritas allí, presenta referencias mitológicas nordicas y habla de la invasión de los Inglaterra por los vikingos, la canción fue creada durante la gira de la banda por Islandia, es una pista corta de ritmo rápido que abrió todos los conciertos de Zeppelin desde 1970 hasta 1972. El silbido al comienzo de la pista antes de que Plant se lance a su grito de lamento es una de las señas de identidad del grupo y parte de la letra de la canción, más concretamente la parte que dice “the hammer of the gods will drive our ship to new lands”, provocó una inesperada reacción en los fans de Led Zeppelin, que comenzaron a llamar al sonido de la banda “el martillo de los dioses”. Friends es la primera de las canciones acústicas de Bron-Yr-Aur y, aunque la guitarra acústica de Page está en primer plano, y es una de las pocas canciones de Led Zeppelin donde se usaron cuerdas, el grupo quería un sonido indio, pero a diferencia de The Beatles, tocaron los instrumentos ellos mismos en lugar de traer músicos indios, su bajista John Paul Jones hizo maravillas con este sonido que combinado con los tambores y los espeluznantes lamentos y cuerdas de Plant, te hace sentir como si estuviera viajando en la caravana de Satanás. Sin descanso a continuación llega Celebration Day sin ningún tipo de interrupción, el motivo due que la introducción original se borró accidentalmente durante la mezcla, inicialmente iban a descartar la canción ya que las sesiones de grabación habían terminado, pero Page decidió ejecutar el moog outro de 'Friends' en el comienzo de lo que quedaba de 'Celebration Day', dándole así un nuevo comienzo. La canción en sí se caracteriza por contener con muchos riffs diferentes, lo peor es que quizás Plant está demasiado teatralizado y su voz puede resultar por momentos cargante. Since I've Been Loving You es una de las canciones más conocidas y queridas de Zeppelin, podría decirse que también es su pista de blues más pura y original, ya que no toma prestado nada de ninguno de los antiguos pioneros del blues y es completamente un trabajo personal y propio, el solo de guitarra de Page ha sido descrito como el mejor solo de rock blues jamás grabado y la voz de Plant está llena de emoción y sentimiento. A pesar de su excelente percusión, Bonham termina como el villano de la pieza gracias una vez más a su pedal de bombo chirriante que nadie notó en ese momento, pero que es exasperantemente evidente en las remasterizaciones modernas. Out On The Tiles puede, junto con el tema de apertura, ser la pista de rock más contundente del álbum, impulsada por la percusión de Bonham y los pesados ​​riffs de Page. Hacia el final, la pista tiene una sensación casi tribal, pero la impresión general es de heavy space rock.

 

Gallow's Pole es un arreglo de una antigua melodía folclórica tradicional que tiene su origen en muchos países y se conoce con muchos títulos diferentes, la versión de Zeppelin toma más de las variantes estadounidenses de la canción donde el alma condenada es un hombre en lugar de una criada y dando una vuelta de tuerca la cambian nuevamente, ya que en la mayoría de las versiones el prisionero es liberado después de pagar los sobornos. La versión de Zeppelin aumenta el ritmo gradualmente desde un comienzo acústico lento hasta un crescendo frenético casi histérico durante el final. Page tocó guitarras acústicas y eléctricas de seis y doce cuerdas y también agregó una pista de banjo. Jones toca el bajo y la mandolina, un instrumento en el que a Plant inicialmente se le ocurrió la idea en Bron-Y-Aur. Tangerine es otra de las pistas folk en gran parte acústicas, teñidas de country y probablemente sea la mejor de las tres. La melodía y el tono son realmente bellos, Page toca una guitarra de pedal de acero y Jones toca la mandolina, lo que le da a la canción una sensación agradable, Plant ofrece una voz melancólica de ensueño y el ritmo de batería agudo y nítido de Bonham mantiene la canción unida magníficamente y le da un dinamismo inesperado. Y para no parar nos encontramos con That's The Way, una de las canciones más suaves de Zeppelin. La canción fue escrita a la mitad de un barranco galés después de que Page y Plant dieron un largo paseo durante su estadía en Bron-Yr-Aur, Plant ofrece otra voz de ensueño mientras Page toca la guitarra acústica y también toca las partes del bajo mientras Jones tocaba la mandolina. Puede parecer extraño la ausencia de batería ya que Bonham solo contribuye con una suave pandereta hacia el final de la canción. Bron-Y-Aur Stomp es obviamente una de las pistas creada en Gales y es básicamente una melodía country folk en la que Plant canta sobre pasear a su perro por el bosque. Bonham toca las castañuelas, mientras que Jones usa un bajo sin trastes de cinco cuerdas. Una pista bastante agradable, pero para mí no tiene la calidad de las otras pistas acústicas que se ofrecen aquí. Hats Off To (Roy) Harper es un final extraño para el álbum y presenta actuaciones de Page y Plant únicamente, Jones y Bonham no aparecen en la pista en ningún momento, Page toca principalmente la guitarra slide y la voz de Plant fue alimentada a través de un trémolo para dar el extraño efecto bajo el agua. Apoyándose en gran medida en frases y escalas de blues de antaño, es en gran medida un tributo a los antiguos pioneros del blues como el músico folk inglés y amigo de la banda Roy Harper

 

 “III” a menudo se conoce como el álbum folk o acústico de Zeppelin, principalmente debido a la conexión Bron-Yr-Aur, pero en realidad solo presenta algunas partes acústicas más que la mayoría de los álbumes anteriores. Es un álbum excelente con tres o quizás cuatro clásicos de Zeppelin. Vale la pena tener solo 'Since I've Been Loving You', 'Tangerine' y 'That's The Way', pero para mí no tiene la calidad o consistencia general de los dos primeros álbumes o el que siguió. Pero Zeppelin había puesto el listón muy alto y, a pesar de no estar a la altura de los dos primeros, sigue siendo un clásico del rock y una parte integral del legado de Led Zeppelin.


viernes, 10 de febrero de 2023

Disco de la semana 314: By the grace of God - Hellacopters



Lanzado en 2002, By the Grace of God fue el quinto álbum de The Hellacopters, banda sueca de garage rock y hard rock formada en 1994 por Nicke Andersson (voces y guitarra), Andreas Tyrone "Dregen" Svensson (guitarra), Kenny Håkansson (bajo) y Robert Eriksson (batería). Tras el éxito de High Visibility (2000), su primer lanzamiento con una gran discográfica y el que, para muchos, es su mejor álbum, en 2002 unos cada vez más conocidos y respetados Hellacopters sacan a la luz este By the Grace of God, un disco que sigue la senda creativa y sonora de su predecesor, profundizando en esquemas de hard rock clásico y combinando las melodías de este género con los ritmos de propuestas más garajeras.

Aunque su propuesta es más comercial, las influencias de bandas como MC5 y The Stooges siguen estando presentes en algunos temas de By the Grace of God, pero en menor medida que en discos anteriores, y en su lugar lo que prevalece en el disco es un estilo de hard rock clásico de Rolling Stones o The Faces, influencias que seguirán apareciendo también en su siguiente disco Rock and roll is dead (2005). El rock áspero y acelerado de sus primeros discos evoluciona poco a poco hacia el hard rock clásico de grupos como AC/DC o Guns and Roses, y es en discos como High Visibility By the Grace of God dónde alcanza su punto más alto, y el hasta entonces cuarteto básico empieza a incluir en estas obras más guitarras rítmicas y arreglos de piano, que visten las canciones y las hacen más asequibles.

En definitiva, By the grace of god es un disco muy recomendable por su carácter enérgico y su fácil escucha. En la parte más enérgica y electrificada estarían temas imprescindibles como el homónimo By the grace of god, que abre el disco al ritmo de unas guitarras melódicas y sureñas y un cierto toque a himno de rock de estadios, y otros temas de rock and roll cañero como All new low, Better than you, The Exorcist o la acelerada It’s Good But It Just Ain’t Right, pero el disco contiene también temas más calmados y profundos como Down On Freestreet o Rainy Days Revisited. Mención especial merece un tema tan bueno como Carry Me Home con claras influencias de Thin Lizzy, y si tenéis la suerte de haceros con la versión estadounidense o japonesa del álbum, la excelente versión del tema Big Guns del gran maestro de la guitarra blues-rock Rory Gallagher.

El título de su siguiente disco fue bastante premonitorio. "El rock and roll está muerto" nos dijeron, cuando en realidad lo que debía estaba agonizando era la propia banda, porque en 2008 se acabaron separando, aunque afortunadamente volvieron a reunirse en 2016, quién sabe si "por obra y gracia de Dios", para seguir demostrando que, en los tiempos que corren, discos como éste siguen estando muy vivos.

viernes, 3 de febrero de 2023

El disco de la semana 313: Rockin' the Fillmore - Humble Pie

Rockin' the Fillmore, Humble Pie



     Para hablar de la recomendación de esta semana vamos a retroceder a finales de los años sesenta. Por aquellas fechas Steve Marriot (vocalista y guitarra) decide abandonar el famoso grupo The Small Faces y se junta con Peter Frampton (guitarrista) que provenía del grupo The Herd, con Greg Ridley (bajista) que provenía del grupo Spooky Tooth y con Jerry Shirley (batería) que había formado parte de Apostolic Intervention. Juntos forman Humble Pie y deciden alejarse del sonido psicodélico que imperaba a finales de los años 60 para hacer un sonido más basado en el rockhard rock, blues rock y folk rock.

Fichan por el sello Immediate, sello en el que estaban los Small Faces, y editan su primer disco, As Safe as Yesterday en 1969, grabado enteramente en una casa rural perteneciente a Steve Marriot. Dicho álbum consiguió gran exito en Inglaterra, y fruto de ese éxito deciden ese mismo año editan su segundo trabajo, llamado Town and Country. Es entonces cuando el sello Immediate quiebra y el grupo cambia de discográfica, fichando por A&M Records. Para entonces Marriot ya se ha hecho con las riendas del grupo y empieza a meter un sonido más duro y pesado a los trabajos del la banda, sonido que se vería reflejado en sus siguientes trabajos, el tercer disco en estudio Humble Pie (1970) y el cuarto Rock On (1971), y también en su primer trabajo en directo, un dóble álbum en vivo llamado Rockin' the Fillmore (1971), este último el recomendado para esta semana.

En 1969, la crítica especializada, más concretamente la revista Circus ya había agrupado a Humble Pie junto a bandas como Black SabbathDeep Purple o incluso Cream dentro del creciente y novedoso movimiento que denominaron Heavy Metal, denominado así por la densidad y pesadez de su sonido. como curiosidad comentar que ese mismo año el famoso periodista, músico y crítico John Peel, de la BBC, cataloga a Humble Pie como la primera banda de Heavy Metal de la historia, y lo hace no basándose en su sonido, lo hace basándose a la cantidad de volumen utilizado de sonido por el grupo para sus interpretaciones.


Puede que Humble Pie fuera la primera banda de Heavy Metal de la historia, o puede que no, pues sobre este hecho podríamos debatir largo y tendido, pero hay dos hechos que están claros, el primero es que el grupo indudablemente fue de los primeros ue marcaron tendencia, y el segundo hecho es que Humble Pie si tiene el honor de tener el primer disco de la historia catalogado como Heavy Metal, pues en su disco Rockin' the Fillmore, álbum doble grabado en 1971, fue el primero en el que apareció en su contraportada una pequeña etiqueta dónde señalaba "Heavy Metal".

En noviembre de 1971 se publicaba Rockin' the Fillmore, el primer disco en directo del grupo Humble Pie, álbum que fue lanzado en formato doble y comprendía temas de la actuación del grupo en el famoso Fillmore East de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos) los días 28 y 29 de mayo de 1971. La formación que graba este mítico y más que recomendable directo estaba compuesta por Steve Marriot (guitarra y voz), Peter Framptom (guitarra y voz), Greg Ridley (bajo) y Jerry Shirley (batería). El álbum fue grabado en directo por los Fedco Audio Labs, con Eddie Kramer como ingeniero de sonido y mezclado y rematado en los Electric Lady Studios de Nueva York. Si juntamos a la superbanda británica y le añadimos el equipo de producción que se hizo cargo de la grabación del doble álbum en directo, el resultado no podía ser otro que un éxito garantizado, contando con una gran recepción por parte de la audiencia y la crítica. El álbum alcanzó el puesto número 21 en la lista americana Billboard 200, el puesto número 32 en Canadá y consiguió meterse en el Top 40 en las listas del Reino Unido.



Este álbum sería el último en el que podemos disfrutar de 
Steve Marriot Peter Framptom juntos, pues debido a las tensiones entre ambos y justo antes del lanzamiento de este directo Peter decide abandonar la formación. Para el recuerdo y la memoria nos quedará este directo que comienza con Four Day Creep, atribuida a la cantante y artista de blues y vodevil Ida Cox. La canción versionada por el grupo la verdad que no tiene ningún parecido ni en la melodía como en la parte lírica con la composición original. Le sigue I'm Ready, una versión de la mítica canción de blues escrita por el gran Willie Dixon, y que fue grabada por primera vez por Muddy Waters en 1954. Dixon se inspiró para componerla en un comentario de Muddy Waters antes de un concierto, cuando el armonicista Willie Foster fue a visitarle a su casa. Foster recuerda aquel momento: "Llamé a la puerta y él se estaba afeitando. Muddy me comentó: ¿Estás aquí? Te dije que vinieras mañana. Le dije: "Sí, pero hoy estoy aquí". Después de bormear sobre el hecho de que Foster llevara una maleta para el fín de semana le dijo: "¡Quiero decir que está listo! y Foster contestó: "¡Listo como cualquiera pueda estarlo!. Entonces Muddy se volvió hacia Willie Dixon, que se encontrbaba allí y dijo: ¿Estás pensando lo que yo estoy pensando? ¿Eso es un record, hombre!. De aquella situación Dixon sacaría provecho componiendo la canción. Cierra la cara 1 de las 4 caras que componen este directo Stone Col Fever, tema que fue grabado en estudio con el cuarto álbum de la banda, Rock On, lanzado unos meses antes, en marzo de 1971. 

La cara 2 es en exclusiva para los más de 23 minutos de la versión que se marcan del tema I Walk on Giled Splinters, escrita por el cantante y composior estadounidense Mac Rebennack, el cual usó el pseudónimo de Dr. John Creaux. Además de Humble Pie, la canción, con el paso del tiempo, ha sido versionada por artistas de la talla de Cher, Marsha Hunt, King Swamp, The Allman Brothers Band, Paul Weller o The Neville Brothers entro otros muchos. Dr. John se basó para componerla en una canción tradicional de la iglesia vudú. 

La cara 3 también está ocupada por un sólo tema, Rollin' Stone. De este tema escrito por Muddy Waters el grupo se marca una contundente versión de más de 16 minutos. El título proviene de un antiguo provervio que dice algo así como "Una piedra que rueda no recoge musgo". La piedra rodante, al igual que un hombre, elige estar siempre en movimiento, y vive así por elección, en lugar de establecerse para crear una familia. Deambula por el vecindario y visita a las damas cuando sus esposos no están en casa. 



La cara 4 cierra este mítico direco con dos temas, Hallelujah I Love Her So, una brillante versión del tema de Ray Charles. Esta Canción de Ray es un testimonio de la liberación gozosa del amor, y originalmente tenía unos grandes arreglos de trompeta y un memorable solo de saxo tenor; y I Don't Need no Doctor, para el que escribe, la canción más memorable del directo y que se encarga de cerrarlo en lo más alto. Este
 tema es una versión del tema que escribieron Nick Ashford y Valerie Simpson, que eran pareja y formaban un famoso equipo de composición y producción, junto con Jo Armstead, famosa cantante y compositora de soul. La primera vez que el tema aparece publicado es en agosto de 1966, siendo el propio Nick Ashford el que la graba. A ésta le seguirá en octubre de 1966 la versión de Ray Charles. Habría que esperar tres años, concretamente 1969 para que la banda de garaje rock The Chocolate Watchband la la grabe. Dos años depués sería rescatada por Humble Pie, con la particularidad que serían los primeros en grabarla en directo. Luego la versionaran bandas de estilos tan dispares como Newu Riders Of The Purple Sage, WASP, The Nomads, Styx, Beth Hart, The Sonics, Robben Ford ó Vixen entre otros. La que más exito ha logrado alcanzar hasta la fecha es la que nuestros amigos de Humble Pie se marcaron, no es para menos, pues la versión que Marriot, Framptom, Ridley y Shirley nos regalaron es brutal y forma parte de la historia del rock.

viernes, 21 de octubre de 2022

Disco de la semana 298: Grand Prix - Teenage Fanclub



Seguro que conocéis o incluso formáis parte de alguno de esos "clubes de lectura" que se forman de manera informal entre amigos o compañeros de trabajo. El proceso es sencillo y sin un gran coste, basta con crear un grupo de Whatsapp y que cada uno recomiende cada cierto tiempo un libro que los demás deberán leer y comentar. Esa fue la idea de la que partió el "club de escucha" Sound and Vision, el grupo que creamos para compartir, escuchar y comentar discos, y que a su vez desembocó en lo que hoy es 7días7notas cuando uno de nosotros dijo: "¿Y si creamos un blog en el que comentar los discos que recomendamos cada semana en Sound and Vision?

Así es como he conocido recientemente a los Teenage Fanclub, banda escocesa formada en 1989 y de gran popularidad en los años 90, y su disco Grand Prix. La recomendación de este viernes pasado me ha llevado a descubrir una banda y un disco de gran calidad, una perla escondida en los mares del no siempre bien valorado power pop. ¿Y cómo es que cometí la torpeza de no conocerles en su momento? Pues porque en aquella época yo solo le hacía ojitos a Prince, Guns and Roses, Blur y Oasis, y ya me vale la tontería, porque al documentarme para esta reseña descubrí que estos últimos llegaron a decir en la época en que salió este disco que Teenage Fanclub eran "la mejor banda del mundo" aclarando a continuación que lo eran "después de nosotros, claro".


Grand Prix
no es su obra cumbre, ese honor hay que dejárselo a Bandwagonesque (1991), pero al abrigo del brit pop de mediados de los noventa, con éste su quinto álbum de estudio alcanzaron su mayor éxito comercial y la repercusión mediática que la banda merecía. La fórmula de Grand Prix es tan clara como efectiva: guitarras suaves y rítmicas, efectivos estribillos y armonías vocales que recuerdan a los Byrds o a los Beach Boys, y el típico sonido ligero de las bandas de surf rock de la costa oeste norteamericana, conformado un puñado de notables canciones, entre las que se encuentran algunas de las composiciones más brillantes del grupo, como Sparky’s Dream, con una efectiva intro de guitarra de slide blues, Neil Jung, una de las mejores canciones del disco y de la banda en general, o la delicada balada Tears, todas ellas dotadas de una cuidada producción e intensas melodías, que apoyaban unas letras generalmente sencillas e inofensivas.

El arranque del disco es estelar con About you, la ya mencionada Sparky’s Dream y la bella melodía pop de Mellow Doubt, dando el genial pistoletazo de salida de un álbum consistente y bien producido. Las perlas van cayendo una tras otra y pasando por la línea de meta de este Grand Prix, joyas sin desperdicio como Verosimilitude, la también mencionada Neil Jung, quizá el punto más alto del álbum, los quilates de Going places, la melancolía de Say No o la belleza de la "beatleliana" I'll Make It Clear mantienen el nivel del arranque y hacen que el tiempo pase volando, llegando al final del disco sin que apenas te des cuenta.

Al llegar a la meta, nos encontramos el que quizás sea el único pero que se nos ocurre ponerle a esta obra, que no es otro que la inclusión del extraño experimento de Hardcore / Ballad con el que cierra el disco, mezclando en la misma pista un inicio de rock intenso con un súbito corte al que sigue un tramo final de balada desnuda de guitarra acústica y voz. El guitarreo inicial queda forzado y la mezcla resulta innecesaria e incómoda, pero es quizá el único lunar digno de mención en un disco compacto y sin fisuras visibles. Es solo un tropezón en el último momento, quizá provocado por la distracción de ver ya la bandera a cuadros ondeando en el horizonte, marcando la llegada triunfal de Teenage Fanclub al panorama musical de los noventa, pisando el acelerador en su particular Grand Prix.

domingo, 29 de mayo de 2022

Led Zeppelin - CODA (Mes Led Zeppelin)

La banda del mes: CODA un álbum de Led Zeppelin en el #MesLedZepplin

Como cada mes en 7dias7notas, tomamos como referencia un artista o banda, para dedicarles todo un mes a su historia y sus éxitos, mayo estuvo repleto de historias y éxitos de esta banda Británica Led Zeppelin, que hoy  llega a su fin, y con su despedida vamos con Coda que es un álbum recopilatorio del grupo de rock británico Led Zeppelin.

El álbum es una colección de temas no utilizados de varias sesiones durante los doce años de carrera de Led Zeppelin. Se publicó el 19 de noviembre de 1982, casi dos años después de que el grupo se disolviera oficialmente tras la muerte del batería John Bonham. Por eso se eligió como título la palabra coda, que significa un pasaje que termina una pieza musical después del cuerpo principal.

El Coda, fue lanzado para cumplir con los compromisos contractuales con Atlantic Records y también para cubrir las demandas de impuestos sobre el dinero ganado anteriormente. En él se eliminaron casi todos los temas sobrantes de las diversas sesiones de estudio de los años 60 y 70. Este  álbum es una colección de ocho temas que abarcaban los doce años de historia de Led Zeppelin. Atlantic Records contó el lanzamiento como un álbum de estudio, ya que Swan Song le debía al sello un último álbum de estudio de la banda. Según Martin Popoff, "hay conjeturas de que Jimmy [Page] llamó a 'We're Gonna Groove' un tema de estudio y a 'I Can't Quit You Baby' un tema de ensayo porque Swan Song le debía a Atlantic un álbum de estudio más específicamente".

El guitarrista Jimmy Page explicó que parte del razonamiento para la publicación del álbum estaba relacionado con la popularidad de las grabaciones no oficiales de Led Zeppelin que seguían circulando entre los fans: "Coda se publicó, básicamente, porque había mucho material pirata. Pensamos: "Bueno, si hay tanto interés, entonces también podemos sacar el resto de nuestro material de estudio"" Como recordaba John Paul Jones: "Eran buenos temas. Muchas de ellas se grabaron en la época en la que el punk estaba en auge... básicamente no había muchas canciones de Led Zeppelin que no salieran. Usamos todo".

El comienza en su lado A con "We're Gonna Groove" abre el álbum y, según las notas del álbum, se grabó en los estudios Morgan en junio de 1969. Más tarde se reconoció que procedía de un concierto de enero de 1970 en el Royal Albert Hall, con las partes de guitarra sobregrabadas y la parte de guitarra original eliminada, lo que se puede escuchar en el espectáculo original del Royal Albert Hall el 9 de enero de 1970. Esta canción se utilizó para abrir varios conciertos en sus giras de principios de 1970 y originalmente se pretendía grabar para incluirla en Led Zeppelin II. "I Can't Quit You Baby" se extrajo del mismo concierto que "We're Gonna Groove", pero se incluyó como un ensayo en las notas originales La grabación se editó para eliminar la sensación general de directo: se eliminó el ruido del público, así como el principio y el final de la canción. Los ruidos del público se silenciaron en la mezcla multipista de esta grabación, al igual que en "We're Gonna Groove".

"Poor Tom" procede de las sesiones para Led Zeppelin III, ya que se grabó en los Olympic Studios en junio de 1970, y "Walter's Walk" es un resto de las sesiones para Houses of the Holy.

Si damos vuelta el álbum nos encontramos con una segunda parte que está formada por tres tomas descartadas del anterior álbum de la banda, In Through the Out Door. La canción que abre el disco, la optimista "Ozone Baby", se grabó en las sesiones de ese álbum en los estudios Polar de Estocolmo en noviembre de 1978, al igual que "Darlene", de estilo rockers.

El tercer tema, "Bonzo's Montreux", se grabó en los Mountain Studios de Montreaux (Suiza) en septiembre de 1976. Se diseñó como una muestra de batería de Bonham, que Page trató con varios efectos electrónicos, incluido un armonizador.

El último tema, "Wearing and Tearing", se grabó en Polar en noviembre de 1978. Fue escrita como una reacción al punk y para demostrar que Led Zeppelin podía competir con las nuevas bandas. Estaba previsto que se lanzara como single promocional para el público del Festival de Knebworth de 1979, encabezado por Led Zeppelin, pero se canceló en el último momento. Se interpretó por primera vez en directo en el festival Silver Clef Awards de 1990 en Knebworth por la banda de Plant con Page como invitado.

En su re-edición del álbum como disco compacto de 1993 tiene cuatro temas adicionales de las cajas, Led Zeppelin Boxed Set (1990) y Led Zeppelin Boxed Set 2 (1993), el inédito "Travelling Riverside Blues", "White Summer/Black Mountain Side" y la cara b de "Immigrant Song" "Hey, Hey, What Can I Do" de la primera y el inédito "Baby Come On Home" de la segunda cara.

Con este álbum de Led Zeppelin finaliza un mes más de reconocimiento a los músicos y bandas que hacen posible esta cultura del rock, Led Zeppelin un claro ejemplo de ello, el mes de junio nos traerá nuevos artistas.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 25 de mayo de 2022

Led Zeppelin - In Through the Out Door (Mes Led Zeppelin)

En medio de la grandiosa pero problemática gira norteamericana de Led Zeppelin, Robert Plant recibe la horrible noticia de que su pequeño hijo ha fallecido trágica y repentinamente, el resto de la gira se canceló y Zeppelin se retiraron por un tipo, se volvieron a juntar en 1978 para grabar su último álbum, In Through the Out Door. Lo que entregaron fue un disco muy singular en su carrera, quizás es el más flojo de su discografía, los primeros seis álbumes representan una banda poderosa y enérgica, que experimenta un inmenso crecimiento creativo con cada lanzamiento posterior en Through the Out Door, se nota la apatía y las pocas ganas de seguir.


 

'In the Evening' suena como si fuera un esfuerzo para crear un "rock de Zeppelin", pero es en vano, la introducción  con un sonido oriental recuerda un poco a 'In the Light', el sintetizador y la guitarra se fusionan para crear una textura única durante el riff principal, evitando así que suene demasiado obvio, y el puente silencioso en medio del solo de guitarra es increíble, incluso el coro "Oh, necesito tu amor" es terrible, pero el resto de la canción lo compensa. “South Bound Saurez”, es un pequeño funky - shuffle latino, con una guitarra igualmente descuidada y voces y letras poco entusiastas, aunque el piano y la percusión de John Bonham lo redime un poco... pero estas ya son dos de las siete pistas: ¿estaban tan escasos de material completo que tuvieron que incluir tales bichos raros?. "Fool in the Rain" es otra canción extraña de la colaboración Jones/Plant que impulsó este álbum, inspirada en la música de samba que escucharon durante las transmisiones de la Copa del Mundo de 1978 que se había llevado a cabo en Argentina, grande una vez mas el piano de Jones, el riff de Page es por una vez más moderado, la percusión de John Bonham está perfecta durante toda la canción, esta canción el último sencillo de Led Zeppelin, llegando al número 21 en los Estados Unidos en febrero de 1980.

 

“Hot Dog” es un caso particularmente extraño: es una aproximación mayormente inofensiva del country rock con algunas pistas de guitarra irremediablemente pegajosas y algunas letras cursis de último momento, y aunque su existencia está bien, su inclusión en el álbum es alarmante, puede ser literalmente una de las peores canciones que Led Zeppelin haya grabado. Sin embargo, es completamente obvio que no iban en serio, así que realmente no puedo reprocharles nada. Sin embargo, admito que de vez en cuando pongo esta canción porque y me quedo con que es una canción divertida. “Carouselambra” es la epopeya de In Through the Out Door, y aunque sigue los pasos de 'Achilles Last Stand', 'Kashmir', 'In The Light' y similares, es único en la discografía de Zeppelin por estar totalmente dominado por sintetizadores en lugar de guitarras, de hecho, los acordes de sintetizador de fanfarria amenazan con ahogar las voces (una pena, porque la letra es genial) y los acordes mínimos de guitarra. Sin embargo, Carouselambra se revela como una verdadera epopeya de Zeppelin, abriéndose camino a través de varios movimientos diferentes, una canción intrigante y la señal más clara del álbum de que todavía había energía creativa en el campamento de Zeppelin. “All My Love”, que fue la oda de Robert Plant a su hijo de cinco años fallecido, estamos ante una de las letras que ha hecho nunca, y la música se adapta perfectamente al estado de ánimo: la transición al puente y de regreso en particular (y esa guitarra clásica, Dios mío), donde Bonham se retira y Jimmy Page toca esas maravillosas y discretas curvas, es una de las cosas más hermosas que he escuchado en toda mi vida. En el cierre “I'm Gonna Crawl”, tenemos a Zeppelin manteniéndose fiel a sus raíces de blues mientras continúa mirando hacia el futuro (es decir, está tan dominado por sintetizadores como el resto del álbum), esa introducción de sintetizador 'romántica' es bastante hermosa, al igual que la guitarra desgarradora: suena como si tomara cada parte de La energía de Jimmy Page para hacer que su frágil yo evoque esas melodías... y Robert Plant se adapta bastante bien a su nuevo estilo vocal aquí. En ese sentido, cabe mencionar que Plant suena totalmente diferente aquí que cualquier otro álbum de Zeppelin; tal vez algún tiempo lejos del micrófono permitió que su voz se transformara en este tono más suave y 'maduro'.


In Through the Out Door es irregular, pero captura el sonido de una de las bandas más grandes del planeta que tira los dados y evoluciona su sonido para seguir siendo relevante a medida que ingresan a una nueva década. Claro, hay un par de fallas, pero al menos no están produciendo lo mismo perezosamente. Apenas 13 meses después del lanzamiento de In Through the Out Door , John Bonham fallecería, y Plant, Jones y Page posteriormente anunciarían que no podían continuar sin su amado compañero de banda. Y esto fue todo lo que nos dio Led Zeppelin, dejamos a un lado la colección de cosas raras, Coda y un puñado de lanzamientos de archivo / reunión en vivo y cerramos el #MesLedZeppelin con In Through the Out Door sabemos que está lejos de ser perfecto: en mis peores momentos me encuentro cuestionando el sentido de su existencia, pero sus mejores momentos son tan valiosos como cualquier otro momento en el catálogo de Zeppelin. Ciertamente, no es tan horrible como muchos te harán creer: después de todo, Zeppelin estaba entre las bandas menos modernas en 1979, por lo que tal vez todavía quede un poco de residuo elitista en lo que respecta a la opinión popular sobre el álbum.

domingo, 22 de mayo de 2022

Led Zeppelin - Physical Graffiti (Mes Led Zeppelin)



"Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven” dijo Robert Plant sobre una de las canciones estrella de Physical Graffiti (1975), el sexto álbum de estudio de la banda y su último gran disco. La revista de heavy metal Kerrang! lo calificó en un ranking de 1989 como el mejor álbum de heavy metal de la historia, pero Physical Graffiti, pese a estar repleto de intensos riffs marca de la casa, va mucho más allá de esa etiqueta estilística y toca una impresionante variedad de estilos musicales, que van del hard rock al rock and roll, y de las baladas orquestales a los intensos blues acústicos o a los sonidos étnicos de la ya mencionada Kashmir.

CARA A

El tremendo banquete que supone la escucha de Physical Graffiti comienza con un "pastel de natillas" (Custard pie), un dulce aperitivo con referencias sexuales implícitas en la letra, para acompañar al primero de los platos fuertes del disco: The Rover es uno de los mejores temas de la discografía de Led Zeppelin, una pieza de intenso hard rock construida sobre un riff monumental. Escrita originalmente en formato acústico, durante las sesiones de Houses of the holy fue tomando cuerpo pero no fue hasta Physical Graffiti cuando tuvieron la canción lista para ser lanzada. Plant se luce con la voz en este tema, como lo hace justo después Jimmy Page con la guitarra en In My Time of Dying, la canción más larga del disco con sus más de 11 minutos de blues eléctrico y hard rock. Basada en una canción tradicional y en la versión que de la misma hizo Bob Dylan, el gran mérito de los Zeppelin fue convertirla en una intensa suite de blues rock con diferentes secciones, y es un colofón brutal para una primera cara tan completa como intensa.

CARA B

Houses of the Holy es, como su nombre indica, la canción que iba a dar título al anterior disco de la banda, pero pese a ser una canción eléctrica y pegadiza, no sintieron que encajara en aquel álbum. Afortunadamente, sí que encontró su sitio dentro de la gran obra que es Physical Graffiti. También recuerda al anterior disco el tema Trampled under foot, con una marcada influencia funk y un gran solo de guitarra de Page, con efectos wah-wah incluidos. Surgió de una improvisación de John Paul Jones, y tanto Plant como Page colaboraron después en darle forma y acabarla. La letra se basa en la de Terraplane Blues de Robert Johnson, pero sustituyendo la temática de la infidelidad por la de la tentación sexual. Tras estas dos grandes canciones, llega el auténtico cataclismo del disco, una canción llamada inicialmente "Driving to Kashmir", y planeada en un primer momento como un instrumental en el que Jones tocaba el mellotron, acompañado por una orquesta de músicos de sesión que interpretaban arreglos orquestales de influencias arábicas. Robert Plant aportó una letra que había escrito durante un viaje por el desierto del Sáhara, y las piezas encajaron al instante en Kashmir, una grandiosa pieza de rock progresivo y sinfónico.

CARA C

Sólo con lo que ofrece el primer disco de Physical Graffiti ya podemos hablar, sin riesgo a caer en la exageración, de uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos, pero este gran "grafiti físico" aún esconde en su paleta de colores algunas tonalidades interesantes, como es el caso de In the light, que abre el segundo disco profundizando en la vertiente progresiva y psicodélica del grupo. Comienza con el exótico sonido de un arco de violín rasgando una guitarra acústica, y entremezclándose con el sintetizador de John Paul Jones, para dar paso después a la voz distorsionada de Plant, que a su vez será la antesala de una nueva demostración de hard rock de guitarras afiladas. Tras este tempestuoso arranque, llega la calma de Bron-Yr-Aur y Down by the seaside, temas acústicos que grabaron en una esotérica cabaña de Escocia durante las sesiones para Led Zeppelin III. Cierra esta tanda de manera brillante la compleja balada Ten Years Gone, en la que se llegaron a emplear hasta 14 pistas de guitarra, aunque no consigue alejar la sensación de que en esta cara del disco han bajado algo el listón.

CARA D

En la última cara del disco siguen apareciendo descartes de otros discos como Night Flight, rescatada de las sesiones de Led Zeppelin IV, un buen arranque a ritmo de órgano Hammond. Encontramos después una nueva composición llamada The Wanton song (la canción insensible), surgida de una improvisación en el estudio, a la que se le añadió en tomas posteriores una letra sobre la infidelidad y un solo de guitarra en el que se introdujo un eco que reprodujeron del revés, para que sonara por delante de las propias notas que lo generaban. Tras esta canción, volvieron a buscar en el baúl de las grabaciones para rescatar Boogie with Stu de entre las improvisaciones que realizaron junto a Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, para las sesiones de Led Zeppelin IV en 1971, en la misma sesión en la que grabaron el tema Rock and Roll. No sería la última repesca, porque Black country woman fue grabada por primera vez en 1972 para Houses of the holy, y descartada en ese primer momento porque un avión pasó sobre sus cabezas mientras la grababan. Para terminar, y aterrizar como es debido tras un vuelo musical tan intenso, la banda incluyó como cierre el frenético Sick Again, en el que destaca especialmente la intensa y rotunda batería de John Bonham y una letra que describe las relaciones del grupo con las LA Queens, nombre con el que se referían a las groupies.

LA PORTADA

Un artefacto de la potencia de Physical Graffiti no podía ser presentado en cualquier envoltorio, por lo que para la portada, una vez más, se esforzaron en la creación de algo que perdurara y resultara icónico. Lo encontraron entre el número 96 y el 98 de St. Mark’s Place en el East Village neoyorquino, un enclave relevante del movimiento hippy de los años 60 y del punk en los 70. Fue además el escenario elegido para grabar un video de los Rolling Stones (Waiting on a friend, grabado en 1981 en las escaleras del mismo edificio), y acogió los primeros shows de la Velvet Underground. Para convertir la fachada del edificio en la portada del disco, el ilustrador Mike Doud eliminó una de las cuatro plantas para que la fachada pudiera encajar en las dimensiones de la carpeta del vinilo.

En la funda original había huecos en las ventanas a través de las cuales se podían visualizar las fotos interiores, que aludían a canciones famosas de la banda como Black Dog o Stairway to Heaven. Como buena portada de Led Zeppelin, no escapa a las teorías e interpretaciones misteriosas. En este caso, se ha dicho que las dos puertas hacen referencia a los caminos mencionados en “Stairway to Heaven”. En la contraportada, dónde la foto aparece invertida, el portal iluminado permanece cerrado, mientras el otro muestra la puerta abierta a la oscuridad, en referencia al esoterismo y la brujería mística con la que jugaban los miembros del grupo. El hombre en las escaleras, que podría ser John Bonham, está sentado junto al camino oscuro. O quizá era Robert Plant el que estaba allí sentado, pensando si realmente serían más recordados por Physical Graffiti que por Led Zeppelin IV. En sus grandes momentos, el primero no palidece ante el segundo, aunque aquella escalera llevara al cielo y esta puerta conduzca a la oscuridad del infierno.

miércoles, 18 de mayo de 2022

Led Zeppelin - Presence - (Mes Led Zeppelin)

 

Presence, Led Zeppelin


     El año 1975 fue un año muy importante para Led Zeppelin, pues con la publicación de Physical Graffiti, pues este trabajo está considerado como uno de los mejores de la banda, y además le sirve para afianzarse y coronarse como una de las mejores bandas de rock de la historia. Sin embargo cuando todo iba sobre ruedas, el grave accidente automovilístico sufrido por Robert Plant en la isla griega de Rodas corta en seco la acelerada dinámica de trabajo del grupo. Desde el accidente el grupo se mantiene en segundo plano hasta la difícil y larga recuperación de Plant, la cual se produce a finales de 1976.

El siguiente álbum de estudio de la banda, Presence, es concebido tras las lesiones sufridas por Plant en el citado accidente automovilístico. Un accidente que obligó a posponer la gira mundial que el grupo tenía planeada para 1975 y 1976. Durante ese periodo de convalecencia Plant lo pasó en Malibú (California), y el cantante y Jimmy Page escribieron material de sobra para poder empezar a trabajar en el siguiente álbum de estudio de la banda, empezado a trabajar con dicho material en el Hollywood's SIR Studio de Los Ángeles, California.

Dicho disco es grabado en los Musicland Studios de Múnich, Alemania durante tres semanas, concretamente entre noviembre y diciembre de 1975, con Plant en una silla de ruedas debido a su convalecencia. Tanto Plant como Page habían planeado que Presence supusiera la vuelta a la simplicidad y la espontaneidad tras los complejos discos anteriores. Es el único disco de la banda que no incluye pistas acusticas ni teclados, a excepción de Candy Store Rock, que contiene una sutil pista audible de guitarra acústica en el canal izqierdo. El disco es producido por Jimmy Page y Peter Grant y publicado el 31 de marzo de 1976 por bajo el sello discográfico Swan song Records, el cual había sido creado por Led Zeppelin en 1974 con la finalidad de poder trabajar sin la presión que ejercían los potentes sellos discográficos. 



La potada y el libreto del álbum son dignos de análisis, pues fueron creados por Hipgnosis, que era un colectivo de diseño gráfico creado en Inglaterra en 1968, y que habían trabajado para otras bandas como Pink Floyd, Genesis o Black Sabbath entre otros. En portada y libreto se muestran imágenes de personas interactuando con una especiede obelisco negro. Dentro del libreto, al artefacto se le conoce simplemene como "El Objeto". El título del álbum, Presence, se encuentra en la carátula frontal del álbum y en relieve, al  igual que el logo de la discográfica del grupo, "Swan song", y se encuentra en la carátula trasera del disco. El llamado "El Objeto" representa la fuerza y la presencia del grupo y sus miembros, John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page y Robert Plant, y como elllos y su música era tan poderosa que no necesitaban estar en la portada. Con ello pretendían hacer reflexionar a la audiencia del significado real de la música. Para el fondo de la portada se elegió un puerto totalmente artifical instalado en el Centro de Exhibiciones Earls Court de Londres, Reino Unido. En el interior del disco hay imágenes, también diseñadas por Hipgnosis, que fueron creadas para parecer algo que aparecía en la revista National Geographic, donde aprecen varios escenarios, y donde siempre está presente "El Objeto". La contraportada muestra otra escena, concretamente una clase donde se encuentran una maestra y aparentemente dos de sus alumnos y donde no pude faltar otra vez la presencia de "El Objeto" que se ecuentra en forma de un dibujo en la pared. La niña alumna aparece también en la portada de House Of The Holy.

Abre la cara A el tema más largo del álbum, Achilles Last stand, con una duración de poco más de 10 minutos y acreditada a Page y Plant. La temática de la canción trata del héroe mitológico Aquiles. Plant tenía un gran interés por la mitología griega. Según cuenta el mito, Aquiles fue sumergido en el río Styx para hacerlo inmortal. Su madre lo sujetó del talón dejando esa parte sin sumergir y por lo tanto vulnerable. París lo mató en la Guerra de Troya al clavarle una flecha en dicho talón. Plant escribió la letra en uno de sus viajes por Marruecos, Grecia y España, y se inspiró también en la poesía de William Blake, autor que estaba leyendo en aquel momento. La música se inspiró en las tradiciones flamenca y marroquí. For Your Life, es unaa canción que se hace notable al tener varios riffs que se siguen unos a otros y se superponen. En este tem Jimmy Page tocó una Fender Stratocaster de 1962 que le había regalado Gene Parsons. Las letras fueron escritas por Plant y expresan su descontento con la vida desenfrenada que rodeaba el mundo del rock. También hacían referencia, como afirmara más adelante, a un amigo suyo que tuvo problemas con las drogas. Royal Orleans es el tema que cierra la cara A, el único tema del álbum escrito por los cuatro miembros del grupo. La canción se basa en un hotel de que había en la ciudad de Nueva Orleans y donde le gustaba mucho pasar el tiempo al grupo, y trata sobre un tipo que recoge a una drag queen, pasa la noche con ella, y descubre a la mañana siguiente que esta persona es un hombre. Los cuatro miembros del grupo solían frecuentar los bares de ambiente gay en Nueva Orleans ya que les resultaban mucho más divertidos y nadie les solía molestar para pedirles autógrafos. 



La cara B comienza con Nobody's Fault But Mine, escrita por Page y Plant y basada en una pieza tradicional de blues que fue grabada por primera vez por Blind Willie Johnson en la década de los años 20. En la versión del grupo le fueron agregados  unos versos adicionales escritos por Plant. Sobre el significado de la canción hay varias teorías, una sostenía que trataba sobre la floreciente adicción a la heroína de Page, otra decía que era comparable a la canción "Hellbound On My trail" de Robert Johnson, en el sentido de que Plant lamentaba un supuesto trato de Led Zeppelin con el diablo, y había una tercera vertiente que sostenía que Plant en esta canción se disculpaba por la canción "In My Time Of Dying", de la cual dijo después de su accidente que nunca volvería a cantar jamás. Candy Store Rock, canción que tiene y combina de forma brillante hard rock, funk y rock and roll. La canción se inspiró en el rock de principios de los años 50 y Plant reunió en las letras partes de canciones de Elvis presley. La banda escribió este tema en apenas una hora en un estudio de Alemania, el motivo, la presión que tenían para terminar el álbum Presence, ya que los Rolling Stones necesitaban grabar en dicho estudio. Hots On For Nowhere salió como una versión alternativa de la canción Custard Pie, incluido en Physical Graffiti (1975). En el tema vuelve a tener inspiración en el funk. Robert plant escribió la letra en Malibú mientras se recuperaba del accidente automovilístico, y la banda escribió el resto en los citados Musicland Studios de Munich y ante la premura por acabar el disco rápidamente para liberar el estudio para que pudiera ser usado por los Rolling Stones. En la letra Plant, aparte de reflejar su situación por el accidente, también se hacía eco de su frustración con Jimmy Page y su mánager Peter Grant, de quienes Plant estaba convencido de que no eran sensibles con su estado en ese momento. Cierra la cara B y por tanto el álbum Tea for One, tema que tiene una duración de algo más de 9 minutos, siendo la segunda más larga del disco. La canción fue compuesta en la línea de "Since I'Ve Been Loving You ", del álbum Led Zeppelin III (1970), canción que era una de las favoritas del grupo para tocarla en los conciertos. Robert Plant escribió la canción mientras se encontraba en un hotel de Nueva York el sólo tomándose un té. Contiene una letra muy reflexiva este blues lento, y en él Plant mostraba la soledad que sentía al estar constantemente en la carretera con motivo de los viajes y las giras. Una de las razones de la banda por las que estaban mucho tiempo fuera de Inglaterra con tanta frecuencia para hacer giras y grabar era la de evitar pagar impuestos allí.

domingo, 15 de mayo de 2022

Led Zeppelin - Houses of the Holy (Mes Led Zeppelin)



El quinto álbum de Led Zeppelin fue toda una ruptura con la trayectoria seguida en los discos anteriores, empezando por el título, que por primera vez no es homónimo. Tras Led Zeppelin I, II, III y esa obra maestra que todo el mundo bautizó como Led Zeppelin IV, Houses of the Holy tenía la difícil papeleta del ¿Y ahora qué? El reto era tan grande como la Calzada del Gigante que aparece en la portada del disco, diseñada por los genios de Hipgnosis, habituales diseñadores de las portadas de Pink Floyd, y el "ahora" de Led Zeppelin en 1973 consistió en un alejamiento consciente de las estructuras de blues, para abrirse a estilos tan variopintos como el reggae o el funk.

Pero tranquilos, que no estamos hablando de un cambio radical, sino de un enriquecimiento de su paleta de sonidos, y de una experimentación aplicada con tino y en su justa medida, sin perder en ningún momento su esencia como banda de rock. Como ya era habitual en los discos anteriores, todos los instrumentos y voces fueron grabados por los cuatro miembros del grupo. Y quizá es eso lo que más destaca en The Song Remains The Same, la manera tan engrasada de sonar como banda, en un arranque que mantiene sus credenciales rockeras y su potente base rítmica, con la batería de John Bonham y el bajo de John Paul Jones al servicio de los intensos riffs y la distorsión de la guitarra de Jimmy Page, y de la intensa voz de Robert Plant

The Rain Song tiene un marcado sabor acústico en las guitarras y en el piano interpretado por John Paul Jones. Estamos ante un tema más suave y melódico, aderezado por unos intensos arreglos de cuerda. Es un buen preámbulo para Over the hills and far away, uno de los temas estrella del disco. Comienza con la guitarra acústica de Page dándole un tono folkie, para mutar después y adentrarse en terrenos eléctricos, con uno de los riffs más característicos de la banda. Hasta aquí, el disco transita una línea cercana a lo que podíamos encontrar en los discos anteriores, pero con The Crunge rompen literalmente el molde, y la voz de Plant se mueve y serpentea sobre una base cercana al soul funk de James Brown. Ya sea como parodia, o como un intento real de abordar ese estilo, el resultado es una auténtica rareza en la discografía de la banda.

El pegadizo riff de Dancing Days nos devuelve en parte a la senda de la normalidad, y sin embargo no mejora al anterior tema. Jimmy Page vuelve a enchufar su guitarra y a llevarnos de regreso al rock. No es una de las canciones de Led Zeppelin que me llevaría a una isla desierta, o mejor dicho, a las fría costa de la Calzada del Gigante en Irlanda del Norte, pero cumple su labor "analgésica" entre las dos grandes experimentaciones del disco. El "¿Y ahora qué?" se convirtió para muchos en "Qué es esto?" en D'yer Maker, en la que el reggae se cuela en una pieza de rock. Pese al rechazo y la incomprensión inicial, es justo reconocer el gran trabajo de John Bonham en la batería, y el valor de la banda para arriesgarse y buscar nuevos horizontes en su música.

Cualquier debate al respecto queda apagado enseguida, con las primeras notas de piano de No Quarter, la auténtica joya de un álbum que brilla en conjunto a gran altura. Da igual si, hasta llegar a este punto del disco, has sido defensor del cambio o detractor del mismo, cuando suena el riff de Page y la voz distorsionada de Plant, sabes que la magia ha vuelto. No se había ido realmente, pero cuando aparece en esta forma es cuando más se les disfruta. Es tan épica y tan sinfónica que, para que negarlo, ésta sí que me la llevaría a la Calzada del Gigante, a pasear entre las majestuosas piedras inmortalizadas en la portada del disco. Y aún me quedaría un rato absorto ante semejante obra maestra de la naturaleza, escuchando como The Ocean pone el acertado y rockero punto final a otra gran obra, creada también por las manos de unos gigantes, a los que todos conocemos como Led Zeppelin.

miércoles, 4 de mayo de 2022

Zeppelin - Led Zeppelin II (Mes Led Zeppelin)

 

Led Zeppelin II, Led Zeppelin


     Led Zepppelin había lanzado a principios de 1969 su primer álbum de estudio, de título homónimo, Led Zeppelin, llegando a alcanzar el puesto número 10 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, y el puesto número 6 en el Reino Unido. El disco, con potentes ritmos pesados, grandes riffs de guitarra, con toques de blues,  psicodelia y folk, fue catalogado por parte de los expertos como un "punto de inflexión significativo en la evolución del hard rock y el heavy metal". Hay quien fue más allá y catalogó directamente el álbum como heavy metal, algo con lo que Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John Bonham nuunca estuvieron de acuerdo, ¿Cómo podían catalogar el trabajo de una banda como heavy metal si un tercio de su música era acústica?. La primera respuesta del público británico a este álbum debut no fue muy efusiva, lo que provocó que la banda decidiese no publicar ningún sencillo en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de sus trabajos posteriores.

Durante el resto de 1969 la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana que tenían por delante y además grabar su segundo álbum de estudio, Led Zeppelin II, el disco que los consagrará definitivamente. Debido a las giras en las que estuvieron inmersos, el disco fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas. 

Como hemos comentado anteriormente, el álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset y Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

La carátula del álbum fue diseñada sobre la base de un póster hecho por David Juniper, quien fue llamado por la banda para que creara algo interesante. Su diseño se basó en una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el Circo Aéreo conducido por Mamfred Von Richthofen, más conocido como el Barón Rojo. Luego la fotografía fue coloreada y las caras de los cuatro miembros de la banda fueron pintadas con aerógrafo, así como las de su mánager Peter Grant y el mánager de giras, Richard Cole. La mujer que aparece en la portada es Glynis Johnson (actriz que interpretó a la madre de lo niños Banks en Mary Poppins) en un obvio juego de palabras del nombre del ingeniero de sonido Glyn Johns. Parte de la portada del álbum incluye un dirigible en un fondo marrón, esto haría que el álbum también fuera llamado  Brown Bomber



Entramos en materia y el primer tema que nos encontramos es Whole Lotta Love, todo un pelotazo que nos pone patas arriba con ese demoledor riff inicial. Este tema contiene algunas de las letras más lascivas de un Robert Plant que así hace saber a una chica que está preparado para darle todo su amor. El tema aparece acreditado a los cuatro componentes del grupo y a Willie Dixon. Partes de la letra fueron tomadas directamente del tema You Need Love, compuesto por Dixon y grabado por Muddy Waters, lo que llevó al grupo a ser demandado por plagio. todo se resolvería en un acuerdo extrajudicial. El arreglo también tiene semejanza con la canción de Small faces, You Need Loving. La pistas básicas fueron grabadas en la casa de Jimmy Page y la sección central de la canción contenía una variedad de instrumentos y voces sobregrabados que Page y Kramer mezclaron en vivo. Esta fue la última canción que el grupo interpretó en vivo con el baterista Bonham, el 7 de julio de 1980. La canción ha sido elogiada por la crítica y definida como una de las canciones heavy metal definitivas, aunque el grupo nunca consideró que este  tema encajára en este estilo específico. What Is and What Should Never Be es el tema que sigue a continuación después del trallazo de apertura, escrito por Plant. Es una canción muy dinámica que alterna versos silenciosos con un coro muy explosivo mientras Plant canta sobre llevar a una hermosa doncella al castillo. En cuanto a la producción se hace un uso liberal del estéreo mientras las guitarras van y vienen entre canales, y las voces se escalonaron durante la parte de los gritos de Robert Plant. The Lemong song, este tema nació y fue un arreglo de la canción Killing Floor de Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf. The Lemong Song era tan similar a Killing Floor que finalmente se le acreditó a Howlin' Wolf también como compositor en el tema. Se incluyeron nuevas letras, incluida la frase "squeeze my lemon", que el grupo  tomó prstada de la canción Traveling Riverside Blues de Robert johnson. Thank You es el tema que cierra la cara A. Aceditado a Page y Plant, fue escrita por Plant como una declaración de amor a su esposa Maureen. Page tocó la guitarra de doce cuerdas y Jon Paul Jones el órgano Hammond en esta canción. Dos curiosidades: esta canción fue la primera donde Plant escribía toda la letra, y Plant realiza un sólo con la guitarra acústica, cosa que rara  vez hacía. 



Abre la cara B Heartbreaker, tema acreditado a toda la banda pero que fue escrito principalemente por Page para demostrar sus habilidades a la guitarra. Led Zeppelin a veces abría sus conciertos con este tema, y durante éstos, Jimmy Page solía estirar los sólos de guitarra e inorporaba frgamentos de otras canciones, como Greensleves, The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) y Bouree In C minor de Bach. Linving Loving Maid (She's Just a Woman) fue escrita sobre una groupie que la banda se encontró durante una gira por Estados Unidos. Al grupo no le gustaba mucho este tema, especialmente a Jimmy Page, que la odiaba y consideraba que este tema no estaba a la altura del resto del álbum. Como consecuencia este tema no fue ocado nunca en directo. Habría que esperar a 1990 para que Plant la interpretara en solitario dentro de su gira de quel año. El tema anterior, Heartbreaker, y éste solían ser reproducidos juntos por las estaciones de radio. Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con Gollum. Robert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo. Moby Dick fue compuesto para lucimiento y escaparate de las grandes habilidades de John Bonham a la batería. Originalmente el tema se llamó Pat's Delight en honor a la esposa de Bonham. El tema presentaba una gran variedad de tambores e instrumentos de percusión que se tocaban con baquetas y con las manos a pelo. Fue compuesto para incluir también percusión adicional y batería electrónica. Era un tema que la banda solía tocar en directo y el sólo de batería de Bonham podía extenderse hasta los 20 minutos. Bring It On Home es el tema que tiene el honor de cerrar este disco. Este tema es una versión del tema del mismo nombre escrito por Willie Dixon y grabado por primera vez por Sonny Boy Williamson II en 1963, aunque no fue publicado hasta 1966. El grupo incluyó un sección central mucho más rápida que la estructura original. Como hemos comentado anteriormente, la banda grabó Led Zeppelin II entre gira y gira, y para ello se llevaron las cintas maestras del disco, por lo que se detenían cuando podían a grabar. Por eso la parte de la armónica de este tema fue grabdo en otro sitio, concretamente en Vancouver.