Una recomendación rockera y sabrosa

Hoy os traemos una recomendación muy curiosa, un libro sobre música con un enfoque bastante peculiar y sorprendente. “Las Recetas de Loretta Clark” (Comida en clave pop rock) recopila cuarenta recetas inspiradas en platos y alimentos que han dado título a canciones y discos del rock, el pop y el cancionero popular tanto nacional como internacional.

Las recetas de Loretta Clark: Cocina en clave pop rock (Spanish Edition): Clark, Loretta: 9798860672604: Amazon.com: Books

En la introducción, Loretta Clark cuenta cómo surgió la idea para escribir este peculiar libro. Aficionada por igual a la música y a la cocina, casi nunca hacía una sin escuchar la otra, y una noche, mientras preparaba la cena antes de sentarse a comer frente al televisor, empezó a sonar en la radio la canción “TV Dinners” (“Cenas de televisión”) de ZZ Top, en lo que para ella fue “una mágica y casual conexión entre la comida y la música, que hizo que prendiera en mí la idea de escribir un libro que combinara ambas pasiones”.

Días después de aquella coincidencia, y mientras leía “Vida”, la autobiografía de Keith Richards, encontró en las palabras del genial guitarrista el impulso definitivo para poner en marcha su idea y, según sus propias palabras “recoger el guante que, días antes, me habían lanzado los ZZ Top”. Hacia el final del libro, cuando ya no tenía mucho más que contar, Richards se desmarcaba de las autobiografías al uso con una inesperada receta sobre cómo le gustaba preparar las salchichas. Al leer la receta, Loretta tuvo claro que su misión en la “Vida” no era otra que “encontrar la mayor cantidad posible de referencias a platos y comidas en el mundo de la música”, para después buscar las recetas y recopilarlas en un libro.

Así nació “Las recetas de Loretta Clark”, un trabajo de búsqueda y recopilación que no se queda en la mera mención y descripción de las canciones, sino que incluye las recetas completas de los platos, con todos sus ingredientes e instrucciones para prepararlos de una manera clara y sencilla. Y para los que penséis que la cosa va solo del “Cocidito madrileño” de Manolo Escobar o el “Arroz con bacalao” de Lolita, os sorprenderá que las recetas incluyan “recomendaciones” de intérpretes y grupos internacionales como Prince, De La Soul, Weezer, Guns and Roses, B’52, Led Zeppelin, The Beatles o The Supremes, y de artistas patrios como Joaquín Sabina o Siniestro Total, en un apetecible menú de música y cocina al que te recomendamos que le hinques el diente en formato kindle o tapa blanda, en Amazon.es:

Las recetas de Loretta Clark: Cocina en clave pop rock (Spanish Edition): Clark, Loretta: 9798860672604: Amazon.com: Books

1232.- Ain't Too Proud to Beg - The Rolling Stones

"Ain't Too Proud to Beg" ("No tan orgulloso como para no suplicar"), escrita por Norman Whitfield y Edward Holland Jr., es una canción grabada originalmente por la banda estadounidense The Temptations, que la publicaron como sencillo en el año 1966 con la discográfica Motown Records. Solo ocho años después, y quizá acuciados por la necesidad contractual de grabar material para un nuevo disco, los Rolling Stones versionaron este tema en el estudio y lo incluyeron en "It's Only Rock 'n' Roll" (1974).

El sencillo de The Rolling Stones alcanzó el top 20 de las listas del Billboard estadounidense, un resultado que no mejoró los números de la versión original, pero que contribuyó en buena manera a reforzar las ventas de "It's Only Rock 'n' Roll" (1974), un disco en el que, junto a la archiconocida canción titular y la rockera "If You Can't Rock Me", la versión que sus Satánicas Majestades hacen de "Ain't Too Proud to Beg" es de lo mejorcito que podemos encontrar.

La letra de la canción encaja como un guante de seda con la aureola de amante canalla y rockero de Mick Jagger, pidiendo una segunda oportunidad a una amante, y reconociendo que a pesar de su imagen y su orgullo estaría dispuesto incluso a suplicar para que no se vaya ("Sé que quieres dejarme, pero me niego a dejarte ir... No soy tan orgulloso como para no suplicar"). Como curiosidad, no son los Stones los únicos que versionaron este tema, y artistas como Rick Astley o Phil Collins grabaron también sus propias versiones de "Ain't Too Proud to Beg".

1231.- If You Can't Rock Me - The Rolling Stones

"If You Can't Rock Me", escrita por la dupla Jagger-Richards para el disco "It's Only Rock 'n' Roll" (1974) de The Rolling Stones, fue también la elegida para abrir el disco y ser publicada como uno de los singles de promoción del mismo. Para muchos, y junto a la canción que da título al álbum y la versión del tema "Ain't Too Proud to Beg" de los estadounidenses The Temptations, se trata del mejor tema de un disco que no está entre los mejores publicados por la banda.

Varias cosas la hacen destacable respecto a otros temas de "It's Only Rock 'n' Roll", y la primera de ellas es su letra, a la que se le han atribuido distintos significados y que juega con el doble sentido de la palabra "rock", refiriéndose en el estribillo tanto al estilo musical como al sexo ("If you can't rock me somebody will", que se podría traducir como "Si tú no puedes darme caña, otra lo hará"). Por otro lado, la frase "I think I better just sing one more song" ("Creo que es mejor que solo cante una canción más") parece una referencia velada al agotamiento de un estilo de vida, al matrimonio de Jagger o incluso al hecho de haber grabado el disco como trámite para cumplir con su contrato discográfico.

Musicalmente, destaca la profundidad de la voz de Mick Jagger,  la enérgica batería de Charlie Watts, y el distintivo riff de guitarra de Mick Taylor, uno de los últimos que grabaría con la banda. Curiosamente, Keith Richards asume la labor de tocar el bajo en esta canción, y no se conformó con llevar el ritmo, sino que además se marcó un solo a las cuatro cuerdas. Con todos esos ingredientes, estamos ante una canción más que destacable, que los Stones incluyeron muchas veces en sus conciertos y en varios de sus discos recopilatorios, como en el caso del álbum "Love You Live" (1977), en el que forma parte de un medley junto al tema "Get Off of My Cloud".

1105.- Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) - The Rolling Stones

Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" es el cuarto corte del disco "Goats Head Soup" (1973) de The Rolling Stones. A la sombra del enorme éxito del tema estrella "Angie", es una canción que quizá no haya tenido el reconocimiento y la visibilidad que por su calidad hubiera merecido, y que, sin embargo, está a la altura de los grandes himnos de la genial banda británica. Publicada como segundo single del disco, alcanzó el puesto 15 del Billboard Hot 100 estadounidense.

Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, tiene una carga mucho más política y de reivindicación social que el resto de canciones del disco, con una letra que condensa dos historias diferentes, ambas inspiradas en episodios reales. Por un lado, el incidente de un policía de Nueva York disparando a un chico en el corazón por error ("Tú, rompecorazones, con tu 44..."), y por otro, la muerte por sobredosis de una chica de diez años en una acera de una calle cualquiera de la ciudad.

Musicalmente, destaca por su sonido de reminiscencias funk y una brillante interpretación de clarinete de Billy Preston, creando una atmósfera que la revista Rolling Stone describió como "R&B urbano". Jim Horn se encargó de los arreglos de viento, tocando el saxofón junto al habitual Bobby Keys, omnipresente en casi todas las grabaciones y actuaciones de la banda, mientras que entre Mick Taylor y Keith Richards se repartieron las diferentes guitarras que suenan a lo largo del tema. Richards tocó también el bajo en lugar de un Bill Wyman cada vez más alejado de la banda, y que tocó en solo tres temas del disco.

1104.- Angie - The Rolling Stones

"Angie" es la canción estrella del álbum "Goats Head Soup" (1973) de The Rolling Stones, y es junto a "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" lo más destacado de ese disco, el décimo primero de la banda en UK (el decimotercero en Estados Unidos), y uno de los peor valorados de la discografía de Sus Satánicas Majestades. Escrita principalmente por el guitarrista Keith Richards, con la colaboración del vocalista Mick Jagger, es probablemente la más famosa y recordada de sus baladas acústicas.

La letra de "Angie" refleja el momento en que uno de los miembros de una pareja decide que es el momento de terminar la relación, y en línea con la dolorosa ruptura que describe, la interpretación vocal de Mick Jagger es a la vez intensa y sensible. Acompañando a la voz de Jagger y a la brillante guitarra acústica de Richards, el piano de Nicky Hopkins y los arreglos de cuerdas de Nicky Harrison construyen un delicado manto sonoro que destaca muy por encima del resto de canciones del disco.

El público y la crítica reconocieron los méritos de esta pieza única, y la elevaron hasta el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y al número 5 del UK singles chart, mientras se preguntaban si la protagonista de la canción era Angela Bowie, esposa de David Bowie, o la actriz Angie Dickinson. Jagger desmintió desde el principio ambas teorías, y Richards afirmó haber creado el título y los acordes un año antes de la publicación de la canción, por lo que parece más acertado pensar que el nombre de "Angie" se lo había inspirado Dandelion Angela, su hija recién nacida, dando nombre a una mítica canción imprescindible en cualquier recopilatorio de grandes éxitos de la banda, y en la mayor parte de sus conciertos.

0945.- Sweet Virginia - The Rolling Stones

Sweet Virginia ("Dulce Virginia") es uno de esos temas de corte acústico y country que tanto gustan a The Rolling Stones, de esos que siempre encuentran hueco en sus discos, y que en la mayor parte de las ocasiones son meritorias canciones que quedan en un segundo plano, por estar mas alejadas del rock característico de Sus Satánicas Majestades.

Escrita por la dupla Jagger/Richards, fue incluida como el sexto corte del doble álbum Exile On Main Street (1972), considerado por muchos como el mejor y más completo de su discografía. Como la mayor parte de aquel disco, fue grabada en la Villa Nellcôte, en Francia y en los Olympic Studios, y se le añadieron voces adicionales en los Sunset Sound Studios.

En contra de la temática habitual de las canciones country, la letra de Sweet Virginia habla del abuso de drogas, con claras referencias al consumo de pastillas y a como desprenderse de ellas en frases como “Arroja tus (pastillas) rojas, arroja tus verdes y azules”. En el aspecto musical, destaca por el solo de armónica de Mick Jagger, o el de saxofón a cargo de Bobby Keys, colaborador habitual de la banda tanto en estudio como en directo, pero lo que de verdad le da el toque country es el irresistible ritmo shuffle de la batería de Charlie Watts, que hace aún más dulce la escucha de "Sweet Virginia".

0833.- Can't you hear me knocking - The Rolling Stones

"Can't You Hear Me Knocking" ("¿No me oyes llamar?") es uno de los temas más brillantes del disco "Sticky Fingers" (1971) de The Rolling Stones, del que quizá se recuerdan más canciones tan icónicas como "Brown Sugar" o "Wild Horses", potentes y acertadas creaciones con una estructura más adecuada para ser lanzadas como singles, y derribar la puerta de las fórmulas radiofónicas con mayor suerte que la del protagonista de la canción, que se pregunta si la persona a la que llama insistentemente no puede oírle, o simplemente ignora sus llamadas.

Con sus más de siete minutos de duración, y su derroche de intensidad instrumental, "Can't You Hear Me Knocking" es seguramente la pieza más interesante y elaborada de "Sticky Fingers", y una de las canciones en las que más se nota la influencia del guitarrista Mick Taylor, que participó en varios de los mejores discos de los Stones, aportando un estilo de tocar que Ron Wood, aunque empaste mucho mejor con la forma de tocar de Keith Richards, nunca llegó a igualar. Ya desde el comienzo, en la intro de guitarra tanto Richards como Taylor afilan sus armas, como antesala del intenso riff con el que Richards hace que la canción sea irrepetible.

Los primeros tres minutos serían perfectamente "radiables", pero la gran virtud de esta canción es, precisamente, no detenerse en el límite de esa fórmula, y lanzarse en picado a una sección instrumental en la que los ritmos latinos de las congas de Rocky Dijon, acompañando a un largo e intenso solo de saxofón de Bobby Keys, le dan un aire de arrolladora jam experimental al más puro estilo Santana, en la que las guitarras de Richards y Taylor siguen descargando de fondo, con el órgano de Billy Preston sumándose generosamente a la fiesta. El colofón lo pone, como ya mencionábamos, el solo de guitarra de Mick Taylor, que quizá, y paradójicamente, duro poco en los Stones por interpretaciones tan brillantes como ésta, con las que llegó a hacer sombra al todopoderoso Richards, que seguramente no estaba dispuesto a que otro guitarrista llamara con más fuerza a la puerta.

​

0650.- Gimme Shelter - The Rolling Stones

Gimme Shelter ("Dame Refugio") es un trabajo conjunto de Mick Jagger (que compuso la letra) y Keith Richards (autor de la música). Este último fue quién comenzó la creación del tema, componiendo la melodía de guitarra con la que comienza el tema en un período en el que estaba solo en Londres, mientras su novia Anita Pallenberg y su compañero Mick Jagger rodaban la película Performance.

La canción, una de las más populares de la banda, e imprescindible en todos sus conciertos, es un medio tiempo rockero y de apocalíptica letra antibelicista y antiviolencia, que se beneficia además de la épica interpretación vocal de la cantante de soul y gospel Merry Clayton, como contrapunto a la voz principal de Jagger, que reflejó en la canción la difícil época que en Estados Unidos, y en el mundo en general, se estaba viviendo, con la oposición a la guerra de Vietnam como telón de fondo, y con noticias sobre la represión de las manifestaciones en su contra poblando cada día los noticiarios.

Esa fue la inspiración principal para Gimme Shelter, y para la mayor parte del disco Let It Bleed, del que Gimme Shelter era la canción de arranque y una de sus piezas fundamentales. Paradójicamente, esta canción nunca fue publicada como sencillo, lo que no impidió que esta historia en la que la guerra, los asesinatos y las violaciones están desgraciadamente "a un solo tiro de distancia", se convirtiera en un gran éxito de la banda y pasara a formar parte del exclusivo grupo de himnos imprescindibles para los fans de los Rolling Stones, que en cada concierto esperan ansiosos el momento en el que las notas iniciales de la guitarra de Richards les abran de nuevo la puerta de ese cálido e intenso refugio que es Gimme Shelter.

0586.- Honky Tonk Woman - The Rolling Stones

Honky Tonk Women ("Mujeres de cabaret") fue compuesta por la pareja Jagger/Richards y, como también ocurriera con su gran éxito Jumpin' Jack Flash, la versión final de la canción fue lanzada únicamente como sencillo. Escrita durante unas vacaciones de fin de año en Brasil, fue concebida inicialmente como una canción acústica y de aire country, y en ese estilo country original aparece en el álbum Let It Bleed con el título de "Country Honk".

La mujer del cabaret que inspiró a los Stones sería posiblemente una bailarina de algún bar nocturno de Sao Paulo, pero en la letra la sitúan en un bar de Memphis, Tennessee en el caso de Honky Tonk Women, y en otro bar de Jackson, Mississipi en "Country Honk". Curiosamente, la transición entre las dos versiones que conocemos de la canción supuso también un cambio importante en el seno de la banda, ya que las sesiones de grabación de "Country Honk" fueron las últimas en la que participó Brian Jones, y en Honky Tonk Women se produce la primera aparición de Mick Taylor como nuevo guitarrista del grupo.

¿Fue la llegada de Taylor la que provocó el giro estilístico que convirtió Honky Tonk Women en un multitudinario éxito de blues rock, en lugar de un tema acústico para rellenar un buen disco? Keith Richards declaró en una entrevista que Taylor aún tuvo tiempo de aportar su particular toque y oficio con las seis cuerdas, el mismo que distinguiría a los mejores temas de los Stones durante aquella época, pero la realidad es que la canción estaba ya casi acabada cuando el nuevo guitarrista se sumó al grupo, y el propio Taylor declaró que su aportación no pasó de la inclusión de algunos overdubs de última hora.

0519.- Street fighting man - The Rolling Stones

Street fighting man ("El luchador callejero") es, junto a Simpathy for the devil, uno de los cortes más rockeros de un Beggar's Banquet (1968) muy marcado por el blues, y uno de los temas más "políticos" de los Rolling Stones, en el que no solo la letra contiene referencias de marcado carácter social, sino que incluso la base rítmica de cortantes guitarras acústicas de Keith Richards y la melodía de la canción estaban inspiradas en el sonido de los disturbios y las sirenas de la policía.

La letra de Mick Jagger se basa en una protesta en contra de la guerra de Vietnam frente a la embajada de Estados Unidos en Londres, durante la cual la policía londinense cargó para controlar a una muchedumbre de 25.000 personas. En París estaban también comenzando las protestas estudiantiles que desembocaron en el famoso "Mayo del 68", y esa sensación de creciente violencia en el ambiente social de finales de los sesenta le llevó a componer Street fighting man, una ambigua y soterrada llamada a la revolución:

"Por todas partes escucho el sonido de marchas (...) Porque el verano está aquí y es el momento adecuado para pelear en la calle, chico (...) Es el momento adecuado para una revolución palaciega, pero donde yo vivo, el juego a jugar es una solución de compromiso. ¿Y qué otra cosa puede hacer un chico pobre, excepto cantar para una banda de rock and roll? Porque en la adormecida ciudad de Londres no hay lugar para un luchador callejero"

La grabación de la canción tuvo lugar en los Olympic Sound Studios de Londres, entre abril y mayo de 1968, con Jagger en la voz y coros, Richards en guitarra acústica, bajo y coros, Charlie Watts en la batería y Brian Jones aportando el toque ecléctico con el sitar y la tambura. El habitual colaborador Nicky Hopkins puso su imprescindible toque de piano, y en una de las primeras versiones, que finalmente sería descartada, Rick Grech aportaba al conjunto el sonido de una viola eléctrica. Con la eliminación de este instrumento en la toma final, el bajo interpretado por Keith Richards se convirtió en el único instrumento eléctrico que se escucha en este intenso tema, toda una revolución acústica y callejera.

0453.- Jumpin' Jack Flash - The Rolling Stones

"Jack Flash el saltarín" es el protagonista de una de las canciones más míticas de The Rolling Stones. Jumpin' Jack Flash es un retorno a las raíces del blues rock de la banda anglosajona, y tiene la particularidad de que solo llegó a publicarse como single, pese a que lo hizo como anticipo del álbum Beggars Banquet, en el que finalmente no fue incluida pese a ser una de las primeras canciones que se grabaron para ese proyecto junto a Jigsaw Puzzle, Parachute Woman y Child of the Moon (esta última quedó también fuera del disco y acompañó a "Jack Flash el saltarín" como cara B del single). Compuesta por Mick Jagger y Keith Richards, y denominada por ellos mismos como "Delta blues supernatural a la manera del Swing londinense", el sonido diferencial de Jumpin' Jack Flash se benefició de la decisión de Jagger y Richards de hacerse con los servicios del productor Jimmy Miller, que había trabajado anteriormente con The Spencer Davis Group y Traffic.

El potente riff inicial de la canción está emparentado directamente con el de (I can't get no) Satisfaction. Interpretado por Keith Richards, fue fuente de polémica en el seno del grupo porque el bajista Bill Wyman reclamó haberlo compuesto, y se enfadó al no ver reconocida su autoría en los créditos de la canción, que como el resto de temas propios de los Stones llevó la firma de la dupla Jagger & Richards. Con aquel riff inicial en la cabeza, Jagger y Richards se marcharon a casa de este último para componer la canción, y tras pasar la noche intentando encontrar sin éxito una letra que encajara, Jagger se despertó por el ruido que había fuera y vio a un jardinero pasar por la ventana. Sorprendido, preguntó a Richards quién era ese hombre y Keith contestó: "Oh, es solo Jack, el saltarín Jack."

Los peculiares saltitos del jardinero Jack terminaron llevándole muy lejos, porque Jumpin' Jack Flash llegó al primer puesto de las listas del Reino Unido y al puesto 3 en las de los Estados Unidos. La revista Q la posicionó en el segundo puesto de las 100 mejores guitarras en canciones, y la revista Rolling Stone la situó en el puesto 124 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Y lo más importante, al escuchar su riff de guitarra hemos saltado todos como Jack el Saltarín en alguna ocasión. ¿No es verdad?

0426.- She's a rainbow - The Rolling Stones

She's A Rainbow ("Ella es un arcoiris") es la canción más reconocida del disco Their Satanic Majesties Request, sexto álbum de estudio británico y octavo estadounidense de The Rolling Stones, en el que la banda experimentó con un sonido psicodélico, incorporando arreglos de cuerdas, ritmos africanos y el uso de instrumentos menos habituales en grabaciones anteriores.

El disco fue criticado inicialmente por entenderse como un cambio de estilo del grupo, a remolque del sonido con el que los Beatles acababan de deslumbrar con su Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero con el tiempo, la crítica ha valorado mucho más las virtudes que esconde Their Satanic Majesties Request. She's a Rainbow es el mejor ejemplo de esa excelencia, y se ha mantenido en el tiempo como la más bella y inusual pieza psicodélica del cancionero de los Rolling Stones, gracias a la brillante capa sonora construida a partir del piano de Nicky Hopkins, el melotrón de Brian Jones y los arreglos de cuerda de John Paul Jones (Led Zeppelin).

El sonido de esta pieza escrita por Jagger y Richards era tan "Beatle", que incluso corrió el rumor de que algunos miembros de The Beatles participaron en la grabación, cuando en realidad tanto el disco como la canción fueron producidos e interpretados casi exclusivamente por Sus Satánicas Majestades, en un registro poco habitual para ellos. Las melódicas voces son obra de Richards, Jagger, Jones y Wyman, plasmando un coro tomado de la canción "She Comes In Colors" de Love. Después de este disco, los Stones volvieron a su tradicional sonido de blues rock, por lo que la "chica arcoiris" es una auténtica rareza que aporta a su discografía toda una paleta de nuevos y vistosos colores.

0340: Let's spend the night together - The Rolling Stones

 

"Pasemos la noche juntos" es la traducción al castellano de Let's Spend the Night Together, canción escrita por Mick Jagger y Keith Richards para la versión norteamericana del álbum Between the Buttons de 1967, que fue además lanzada como single junto con el tema Ruby Tuesday, alcanzando el puesto 3 del UK Singles Chart.

Durante la grabación de la canción, en los Olympic Studios de Londres, sucedió una curiosa anécdota con dos policías que aparecieron al ver que la puerta principal estaba abierta, para comprobar que nada raro estuviera sucediendo. El productor (Andrew Loog Oldham) estaba intentando grabar un chasqueo de dedos para el tramo pausado del centro de la canción. Al encontrarse con la presencia de los dos agentes, les pidió ayuda para que sostuvieran unos auriculares mientras chasqueaba los dedos, pero desechó aquella grabación porque buscaba un sonido más "seco". Finalmente, y gracias a los agentes, acabó grabando el ruido de sus porras al golpear contra la palma de sus manos.

La letra fue bastante controvertida para la época, al ser una explícita propuesta de mantener un encuentro sexual, y fue prohibida en varias emisoras de radio que, especialmente en Estados Unidos, optaban por pinchar, en su lugar, la otra cara del single, provocando que la ya mencionada Ruby Tuesday llegara al puesto nº 1 del Billboard Hot 100, mientras que Let's Spend the Night Together se quedó en el puesto 55.

0278: Paint it black - The Rolling Stones

"Veo una puerta roja y quiero pintarla de negro... Ya no hay más colores, quiero que todos se conviertan en negro". Así empieza Paint it Black, uno de los mayores éxitos de los Rolling Stones, publicada como sencillo en 1966 e incluida en la versión estadounidense del disco Aftermath (en la versión inglesa fue sustituida por Mother's little helper). Compuesta por la dupla Jagger & Richards, llegó al número uno de las listas tanto de Estados Unidos como del Reino Unido.

La letra es un brillante ejercicio metafórico, con el color negro como protagonista, explotando la marcada asociación que ese color tiene con el luto ("Veo una hilera de carros, y todos están pintados de negro, con flores y mi amor... Ambos nunca volverán"), la depresión y la falta de esperanza ("Tengo que girar la cabeza, hasta que mi oscuridad se haya ido"). Temas todos inspirados en el libro Ulises de James Joyce, que trata igualmente sobre la oscuridad emocional y la desesperación ("Simplemente sucede todos los días, miro dentro de mi y veo que mi corazón es negro").

En el aspecto musical, es imposible no destacar la fuerza de la batería de Charlie Watts en la entrada y a lo largo de todo el tema, el sonido pesado del bajo de Bill Wyman, y los sutiles matices de la melodía de sitar de Brian Jones, que atravesaba un período de interés por los instrumentos orientales y la música de Marruecos, al tiempo que empezaba a desencantarse con su rol en la banda y el poco espacio que le dejaban las figuras emergentes de Jagger y Richards, que cada vez sujetaban con más firmeza el timón creativo de la banda. Todos ellos dieron, a una generación que viviría la oscuridad de una guerra, un desgarrador canto al que abrazarse con fuerza.

0256: Get off of my cloud - The Rolling Stones

Get off of My Cloud (Sal de mi nube) fue escrita para complementar y continuar el éxito de (I can't get no) Satisfaction, y consiguió su objetivo al llegar a los primeros puestos del Reino Unido y erigirse en el segundo nº 1 consecutivo de los Rolling Stones en las listas estadounidenses.

Se grabó en los RCA Studios de Los Ángeles, y fue lanzado en Estados Unidos como sencillo en septiembre de 1965, con I'm free en la cara B. En Reino Unido aún hubo que esperar hasta octubre para disfrutarla, y allí la cara B elegida para acompañar a Get off of My Cloud fue The Singer not the song.​ Adicionalmente, fue incluida en el disco December's Children (and Everybody's) de finales de 1965.

Dónde (I can't get no) Satisfaction reflejaba la profunda insatisfacción de Jagger & Richards, en Get off of my cloud reaccionan airadamente contra el excesivo entorno mediático que les rodeaba desde el aumento de popularidad y repercusión que el éxito del sencillo anterior había provocado.

Con esa premisa, el tono del tema es duro, con una rotunda intro de batería de Charlie Watts y un cruce de guitarras a cargo de Brian Jones y Keith Richards, y la letra es un agresivo ejercicio de rebeldía y una airada manifestación de Jagger de su deseo de alejar a incómodos personajes que llaman a su puerta con peticiones absurdas: ​"Entonces viene un tipo que parece vestido con la Union Jack, me dice que ganaré cinco libras si tengo el tipo de detergente que promociona (...)¡Hey, tú!, bájate de mi nube, no te quedes por aquí porque dos son multitud"

La música en historias: Descanse en paz, Charlie Watts

 

Otro grande que nos deja, y hace ya tiempo que hay mejor cartel en el festival del más allá que entre los vivos. Van dejándonos músicos de todas las épocas, pero es especialmente doloroso ver como van desapareciendo los miembros de una generación gloriosa que ya no volverá. Dicen que los que recuerdan algo de los sesenta es porque no los vivieron, pero los que por edad no lo vivimos sí que disfrutamos del recuerdo de aquella década mágica, en la que los Beatles y los Stones, y muchos otros, cambiaron la música para siempre.

Y junto a Jagger y Richards, y desde un ya lejano 1963, siempre estuvo a sus espaldas un tipo serio e impasible, elegante y aparentemente ajeno a la locura que se generaba a sólo unos metros de él, concentrado en hacer su trabajo como sólo él podía hacerlo, y haciendo que la locomotora desbocada de los Rolling Stones circulara siempre por los raíles rítmicos que él marcaba con su batería. Y lo hizo hasta hoy, o hasta hace bien poco, porque las noticias le dejaban fuera de la nueva gira del grupo por motivos de salud.

Dicen que los 80 son los nuevos 70, pero esa sentencia quizá no es tan clara si has sido miembro de los Rolling Stones y has vivido varias vidas en el mismo tiempo en el que los mortales vivimos solamente una y, en líneas generales, más tranquila existencia. Y lo paradójico de todo esto es que se ha marchado primero el más tranquilo y sosegado de todos ellos, y el único que escogió envejecer de una forma natural, sin poses, tintes ni pantalones de cuero ajustados. Charlie Watts nunca negó su edad ni trató de maquillarla, así como nunca aceptó algunas de las imposiciones de la fama y de sus propios compañeros de banda.

Con Charlie Watts muere un poco más el rock auténtico y genuino, el que va más allá de la música y se convierte en una actitud y una forma de pensar y de vivir. Dicen que los viejos rockeros nunca mueren, pero sí que lo hacen un poco cuando lo que llena su ausencia son medianías baratas en busca de likes en las redes, y camisetas de los Rolling Stones en las tiendas de ropa para adolescentes, de los que siempre me queda la duda de si saben quienes son realmente esos señores que tan bien conjuntan con su cazadora nueva. Uno de ellos fue un batería legendario llamado Charlie Watts, al que podremos revivir eternamente en cada escucha de cualquiera de los grandes temas de los Rolling Stones, a lo largo de más de cincuenta años. Descansa en paz, Charlie.

0156: Not Fade Away - The Rolling Stones

La versión que los Rolling Stones hicieron de este tema de Buddy Holly en 1964 tiene, como seña de identidad y de diferenciación respecto a otras versiones anteriores, un marcado ritmo al más puro estilo de los temas de Bo Diddley, y se convirtió al instante en uno de los primeros éxitos de la banda de Jagger y Richards, especialmente en el Reino Unido.

El sencillo, grabado en Decca Records, salió con una cara B distinta en las ediciones británica (Little by little) y estadounidense (I wanna be your man, el tema que la entente Lennon-McCartney les cedió). Pese al buen resultado comercial del tema en las islas, Not Fade Away no fue finalmente incluida en la versión británica del álbum de debut, titulado simplemente The Rolling Stones. Por el contrario, sí que se destinó a la versión estadounidense, siendo además el tema que abría el disco.

Los Rolling Stones volverían a ella habitualmente en directo, tanto durante los primeros años como en la gira Voodoo Lounge (1994-95), y también la incluyeron en Stripped, su disco "pseudo-unplugged" de la misma gira en 1995. Un tema que siempre les ha gustado utilizar como canción de apertura de sus shows, quizá porque, como reza su título, "no envejece".