0203 Stop! In the Name of Love - The Supremes

0203 Stop! In the Name of Love - The Supremes

Stop! In the Name of Love es una canción de 1965 grabada por el grupo The Supremes para el sello discográfico Motown. La canción fue escrita y producida por el equipo de producción principal de Motown, que estaba compuesto por Holland – Dozier – Holland,

Stop! In the Name of Love ocupó el puesto número uno en la lista de sencillos pop de Billboard en los Estados Unidos desde el 27 de marzo de 1965 hasta el 3 de abril de 1965. La revista  Billboard ha puesto a esta canción en el número #38 en su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. En cambio la BBC clasificó a Stop! In the Name of Love en el número 56 en el Top 100 Digital Motown Chart, que clasifica los lanzamientos de Motown por sus descargas y transmisiones de todos los tiempos en el Reino Unido.

Si hacemos un poco de historia de esta canción The Supremes grabaron Stop! In the Name of Love en enero de 1965 y se lanzó como sencillo el 8 de febrero de ese mismo año. Posteriormente la canción se incluyó en el sexto álbum de The Supremes, More Hits by The Supremes, y fue nominada para el 1966 Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal de Grupo de Rock & Roll Contemporáneo, pero no lograr alcanzar el premio y perdieron ante Flowers on the Wall de los Statler Brothers.

La coreografía de The Supremes para esta canción involucró una mano en la cadera y la otra extendida en un gesto de Stop. Para su promoción interpretaron la canción en el programa de variedades de ABC Shindig que se emitió el miércoles 24 de febrero de 1965.

The Supremes logran ingresar nuevamente  a las listas de éxitos con esta nueva canción. 

Daniel 

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0202 I Ain't Marching Anymore - Phil Ochs

I Ain't Marching Anymore, Phil Ochs

     Entra en escena Phil Ochs, compositor y cantante folk estadounidense, considerado como uno de los grandes de la canción protesta en Estados Unidos. Phil era un gran activista político y sus armas eran su agudo ingenio y un humor sarcástico. Fue uno de los compositores más influyentes de la generación hippie.

     En 1965 Phil publica bajo el sello discográfico Elektra Records su segundo álbum de estudio, I Ain't Marching Anymore. Doce de lo quince temas que componen el disco fueron grabados e interpretados únicamente por el cantante y compositor estadounidense. Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al disco, I Ain't Marching Anymore, quizás su tema más conocido y emblemático, un himno pacifista que denuncia lo irracional de una guerra como Vietnam.

     Ante el éxito del tema, Phil Ochs graba y publica un versión folk-rock del tema que es publicado en 1966. En dicha grabación le acompañaron un gaitero y The Blues Project, una reputada banda de la zona de Greenwich Village, Nueva York. Esta nueva versión del tema fue lanzada como sencillo en Reino Unido. 

     I Ain't Marching Anymore,  es un relato desde la perspectiva de un soldado que ha estado en todas las guerras desde la Guerra de 1812, y está harto de luchar y pelear. Phil realiza una durísima crítica a toda la industria e historia militar estadounidense. Según el propio cantante, la canción se movía entre la delgada línea que separaba el pacifismo y la traición, combinando las mejores cualidades de ambos. Otra de las razones que argumentaba era que el tema era uno de esos que no se escucharían nunca en la radio, razón de más para escribirlo. El tema fue interpretado por el cantante en infinidad de conciertos y mítines durante toda su carrera, y quizás uno de los momentos más recordados fue cuando Phil Ochs fue llamado a declarar como testigo en el celebre juicio de los "Siete de Chicago". En aquel juicio los abogados defensores pidieron a Phil que interpretara la canción, pero el juez no o permitió, sin embargo lo que si hizo en aquel juicio fue recitar la letra. 

Un país, un artista: Portugal - Dulce Pontes

Dulce José Silva Pontes, nacida en Montijo, Portugal en 1969, localidad del distrito de Setúbal, cerca de Lisboa. Inicio una carrera como bailarina, pero en la escuela de danza pensaron que a los catorce años, era demasiado mayor para emprender una gran carrera, tomo la senda del canto y en un principio realizo trabajos para anuncios hasta que alguien descubrió que podía dar un paso mas y su voz podría hacer un mayor servicio a la música que a la publicidad. Se formó como pianista y participo en un concurso en su ciudad natal a la edad de 18 años, esto le sirvió para convertirse en actriz de televisión y el teatro portugués aunque sus sueños estaban en la música, fue asi como en 1991, ganó el festival nacional de música con su canción "Lusitana Paixão", que se traduce como "Pasion Lusitana", (conocida en inglés como "Tell Me"), lo que la llevó a representar a Portugal en el Festival de Eurovisión. Terminó octava en la competicion, que hasta la fecha es el cuarto mejor resultado para una intérprete portuguesa. Era la primera vez que Europa escuchaba cantar a Dulce Pontes, y desde ese momento su voz ya no pertenecía a los programas de televisión de los domingos por la tarde, donde cantaba música de los 60 y 70 en inglés.

Fue a partir de ese momento que su vida dio un giro. Dulce Pontes abandonó su repertorio de baladas de rock y se puso en marcha en busca de su propia identidad y repertorio. Se sumergió en las raíces de la música popular portuguesa, incluido el fado tradicional. Algunos rápidamente la vieron como la sucesora de la mítica Amalia Rodrigues, el alma del fado portugués, y de quien Dulce se confiesa una gran admiradora. Pero esta calificación resultaría errónea, como se demostraría con el paso de los años y el estilo musical que estaba desarrollando, lo que estaba haciendo era mucho más que reinterpretar lo que ya se había hecho. Su voz y su canto son únicos e inconfundibles, ya sea que cante rock, fado o una canción de Angola.

En 1992 lanza su primer disco Lusitana, y al año siguiente, lanza su segundo disco Lagrimas, Dulce Pontes se convierte en ciudadana del mundo. España, Francia, Bélgica, Holanda, Alemania, Italia, Estados Unidos, Japón, Brasil, Dulce Pontes estaba por todas partes, cantando en un idioma extraño para el espectador que acudía a verla en el escenario y lograba el milagro de demostrar que la buena música es un idioma universal. El álbum Lagrimas se convirtió en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos en Portugal, y uno de sus temas "A cancon do mar", originalmente cantada por Amalia Rodrigues, llegó a Hollywood en la película "Las dos caras de la verdad", protagonizada por Richard Gere, y cuyo productor, Gregory Hoblit, incluyó la pista cuatro veces en la banda sonora de la película. Tuvo también la ocasión de grabar A Brisa do Coracao con el maestro Ennio Morricone. Tras este éxito publico un disco doble grabado en directo, Caminhos, en 1996, y O Primeiro Canto. Publica tambine un disco de duetos, donde están presentes cantantes como Andrea Bocelli, o los brasileños Simone y Caetano Veloso, y el gaitero Carlos Núñez de la vecina Galicia (España). Durante esos años, su vida giraba en torno a las giras, de concierto en concierto, de ciudad en ciudad, por todo el mundo. “Los conciertos son los momentos más felices e intensos de mi vida… Es la sensación de tener un regalo, tengo una razón para vivir mi vida ”.

En 2003, Dulce lanzó Focus, una colaboración con el compositor italiano Ennio Morricone. Un álbum doble en vivo titulado O Coração Tem Três Portas (El corazón tiene tres puertas) fue lanzado en 2006. Fue grabado en vivo sin audiencia en el Convento de la Orden de Cristo en Tomar y en la Iglesia de Santa María en Óbidos. En 2009, lanzó Momentos, una antología de doble disco que incluía temas inéditos.

Dulce Pontes comenzó su carrera como artista pop convencional, pero a lo largo de los años ha evolucionado hasta convertirse en una cantante de músicas del mundo. Combina el fado tradicional con estilos contemporáneos y busca nuevas formas de expresión musical. Introdujo tradiciones musicales de la Península Ibérica en su trabajo, redescubrió muchas melodías populares olvidadas y encontró uso para instrumentos musicales obsoletos. Su obra está inspirada e influenciada no solo por la tradición musical ibérica, sino también por los sonidos árabes, africanos, brasileños y búlgaros. Canta principalmente en su portugués nativo. Dulce Pontes ha colaborado con Cesária Évora, Caetano Veloso, Marisa Monte, Carlos Núñez, The Chieftains, Kepa Junkera, Eleftheria Arvanitaki, George Dalaras, Andrea Bocelli ( O Mar e Tu , a dúo de Pontes en portugués y Bocelli en napolitano, por su 1999 álbum Sogno) , Christopher Tin por sus álbumes Calling All Dawns (para la canción Se É Pra Vir Que Venha ) y The Drop That Contained the Sea (para la canción Passou o Verão ) y otros.

0201: Io che non vivo (senza te) - Pino Donaggio

 

Toca darse un paseo por Italia, con uno de los temas más románticos (y mira que hay para elegir) el país transalpino, nos referimos a Io che non vivo (sin ti) es una pieza musical de Pino Donaggio con letra de Vito Pallavicini. Ya se había asomado Elvis Presley adaptando dos canciones de aquel país al rock que tantas alegrías le estaban dando, también y ya en el ocaso de su carrera Elvis haría suya esta canción, pero vamos antes a la original.

 

Giuseppe "Pino" Donaggio nació en Burano (una isla de Venecia), en el seno de una familia de músicos, Donaggio comenzó a estudiar violín desde bien joven, incluso llega a realizar algún concierto a la edad de 14 años, pero la llegada del rock hace que cambie el camino y acompañar al Paul Anka el espaldarazo definitivo. Es el momento en el que el joven Giusseppe empieza a escribir canciones e inicio una carrera como cantautor que le llevo al Festival de San Remo en 1963 y es gran protagonista del Festival de San Remo con una pieza en la que se aprecian las influencias del nuevo género del rock n roll. La pieza en cuestión se llama Young Young, con la que logra terminar en el tercer lugar del ranking final. La traca final estaba por llegar, regresará al Festival de San Remo al año siguiente y especialmente en 1965, cuando compite con la canción probablemente más conocida y apreciada de su repertorio, Io che non vivo (sin ti), una canción que sin embargo no le permite ganar esa edición del festival pero que sin duda lo consagra como un artista del más alto nivel, Donaggio tenía 24 años y el enorme éxito del tema le estalla en sus manos, más de 80 millones de copias vendidas por todo el mundo y una de las estrellas de la canción popular americana rendida a sus pies, nos estamos refiriendo a Dusty Springfield, que se encontraba presente en el festival y aunque no tenía idea de lo que decían las palabras, ya que no entendía el Italiano, quedo profundamente impresionada y unos meses después realizaría una versión del tema en lengua Inglesa. En España no fuimos ajenos al boom del tema y la cantante Angélica María, la publicó con el título "Yo que no vivo sin ti"

 

En la canción, Donaggio expresa su incapacidad para vivir sin el amor de la mujer, por encima de todo él desea y la necesita a su lado, tras un comienzo orquestado, Donaggio con su excelente voz hace suya la canción y logra trasmitir en cada verso la desesperación en la que se encuentra porque le falta su amor.

0200: The Witch - The Sonics

The Witch (la bruja) es una impactante canción de los estadounidenses The Sonics, una banda de garaje rock de los sesenta a la que se le atribuye el mérito de ser una de las bandas pioneras del sonido que posteriormente se conocería como punk rock. La canción y la banda nunca alcanzaron los primeros puestos de las listas de ventas, pese a lo cual su sonido de guitarras pesadas y frenéticas ha sido una de las grandes influencias del sonido punk de la década posterior.

Escrita por el vocalista Gerry Roslie, y lanzada como single en 1964, aparece también en su álbum debut Here are The Sonics (1964) Inicialmente pensaron en The Witch como una pieza de baile acelerada, a la que añadieron estridentes guitarras, un oscuro saxofón y una efectiva letra sobre una bella mujer traicionera, hasta conseguir el aire demoníaco y desesperado que transmite el tema. Para lograrlo, The Sonics exigieron a los ingenieros del estudio que todos los medidores de volumen y de saturación del sonido estuvieran continuamente al máximo.

Como toda bruja que se precie, y como medida preventiva de las emisoras de radio de Seattle que se atrevieron a pinchar un tema con sonido tan crudo y adelantado a su tiempo, la canción solo podía escucharse en horario no infantil. Pese a su escaso recorrido comercial, la bruja lanzó su potente encantamiento y, a lomos de su vieja escoba, desapareció volando en la inmensidad de la noche estrellada. Dicen que aún hoy en día, si escribes The Witch en Youtube Music o en Spotify, quizá te aparezca el tema de The Sonics... ¿Te atreves a enfrentarte a la bruja?

0199 Sweet Little Angel - B. B. King

 

Live at the Regal, B. B. King

     En 1965 se publica uno de los mejores álbumes de blues en vivo que se conocen hasta la fecha, Live at the Regal, grabado por BB King el 21 de noviembre de 1964 en el Regal Theatre de Chicago, Illinois (Estados Unidos). El disco es publicado bajo el sello discográfico ABC y bajo a producción de Johnny Pate, un bajista de jazz que se convirtió en un importante productor y arreglista de soul, pop y R&B del área de Chicago.

La banda que acompaña a BB King esa noche est conformada por Duke Jethro al piano, Leo Lauchie al bajo, Kenneth Sands a la trompeta, Johnny Board y Bobby Forte a los saxofones tenores, y Sonny Freeman a la batería. Aquella noche Duke Jethro debía tocar el órgano pero éste se estropeó, por lo que BB King le pidió a Duke que tocara el piano, entonces Duke le hizo saber a BB que no sabía tocar el piano, a lo que éste le respondió: "Bueno, siéntate y finge que eso es lo que haces la mayor parte del tiempo".

Uno de los 10 temas editados que aparecen en esta obra maestra es Sweet Little Angel, también conocido como Black Angel Blues o Sweet Black Angel. El tema grabado contó con arreglos del propio BB king y de Jules Taub, que era el sinónimo de Julius Jeramiah Bihari, uno de lo famosos hermanos Bihari, los fundadores del sello discográfico Modern Records. 

Sweet Little angel es un estándard de blues de origen deconocido que fue grabado por primera vez en 1930 por la cantante y compositora de blues Lucille Bogan. BB King grabó el tema por primera vez en 1956 al escuchar la versión de Robert Nighthawk de Sweet Black Angel. BB descubrió que este tema había sido grabado antes por alguien antes de Nighthawk y decidió usar el título orignal del tema, Sweet Little Angel. La versión de BB King fue innovadora pues incluyó una sección de vientos, lo que supuso un cambio de estilo de la canción a partir de entonces. BB King volvería a grabar este tema en posteriores ocasiones, una en 1957, y después en uno de los mejores directos de la historia del blues, Live at the Regal.

La música en historias: Simphony or Damn, #MesTerenceTrentD'Arby

Symphony or Damn (Exploring the Tension Inside the Sweetness), fue considerado por la gran mayoría de crítica y público como el regreso a primera línea de Terence Trent D'Arby, tras la "decepción" que supuso su segundo álbum (Neither fish nor flesh) para los que esperaban otra entrega de funk y soul a la altura de su disco debut (el excelso Introducing the hardline...). Para Terence Trent D'Arby quizá fuera el momento de la verdad, la última bala para disparar al éxito, tras el fracaso de repercusión y ventas del anterior disco. "Sinfonía o maldición". En esas se encontraba Terence, "explorando la tensión" interior de no terminar de encontrarse a sí mismo en un entramado discográfico que no valoraba sus esfuerzos por canalizar su talento hacia diferentes caminos en cada nueva entrega.

Yo fui uno de aquellos que, entusiasmados por un primer disco que considero uno de los diez discos de mi vida, me quedé un poco a medias con el segundo, y esperé con ansia la llegada del tercero. Cuando supe del lanzamiento de "Sinfonía o maldición", me fui directo a una pequeña tienda de discos cercana a mi casa y compré ilusionado el cd. Cuando lo puse en la cadena de música que mi padre acababa de regalarme, supe que lo que había pagado por él había sido la mejor de las inversiones. Fiel a su propósito de ofrecer cosas diferentes, este tercer disco tiene un sonido más duro y rockero que sus obras anteriores.

El peso de las guitarras es evidente desde el inicio de Confrontation, la primera de las dos partes en las que separa el disco, cuando tras la breve introducción de coros a capella de Welcome to my Monasterio (el nombre del estudio de grabación que se había construido en su casa), las seis cuerdas rompen a bramar en She kissed me (tercer single del álbum), y el feeling de la voz áspera de Terence y las guitarras afiladas te transmite que lo que te espera es un disco grande. Sin descanso, adopta el registro cortante de un James Brown para gritar a los cuatro vientos Do You Love Me Like You Say?, pero manteniendo las capas de guitarras distorsionadas en un tema excelso que fue la tarjeta de presentación del disco.

Como si estuviera aprovechando para expulsar todos los demonios interiores que su situación le provocaba, el torrente de energía no se detiene en Baby, let me share my love, y solo después se permite el lujo de levantar el pie del acelerador y regalarnos la sutil y elegante Delicate, dúo con Des'ree que fue el segundo single del disco, un tema que (esta vez sí) nos recuerda en la producción y los ritmos al Sign your name por el que será recordado por siempre por los que nunca se esforzaron en profundizar más en su carrera. Los que sí lo hicieron, valorarán también Neon Messiah, una pieza de aires psicodélicos y ritmo setentero, y uno de los singles menos conocidos de su obra, publicado únicamente en Japón, convirtiéndose con el tiempo en una preciada pieza de coleccionismo.

La intensa confrontación que nos plantea esta primera parte tiene un solo momento valle con Penelope Please. La alegría y luminosidad del tema, y su limpia producción no encajan en el conjunto de una obra densa y rocosa. Que el único "lunar" de esta parte sea un buen tema habla también mucho de la calidad de la propuesta. Pero aún hay tiempo para más, para mojarse los labios con la rotunda batería y las cortantes guitarras de Wet your lips, con Terence luciendo sus excelencias vocales en un final con sabor a gospel, y sobre todo con la excelsa Turn the page, de larga y trabajada letra, y con un tramo final instrumental de big band del funk. Fue otro de los singles del disco, en este caso con muy poca repercusión, y el gran final de una Confrontation que, por sí sola, ya sería un disco excelso.

Después de la confrontación, la dualidad del artista le lleva a buscar la reconciliación y la calma sonora. Reconciliation esconde meritorias baladas ocultas en capas de pesadas guitarras y baterías (Castillian Blue), maceradas en soul añejo (T.I.T.S / Frankie & Johnny), mezclando ritmos optimistas con guitarras de aire blusero (Are you happy) o experimentando con la electrónica más pegadiza (Succumb to me) Pese a todo este esfuerzo, esta segunda parte del disco no escapa a cierta sensación de que lo mejor ya pasó, y es en los momentos menos recargados e intimistas (I still love you, Seasons y, sobre todo esa maravilla que es Let her down easy) donde se produce realmente la reconciliación.

Y ese fue el momento cumbre de Terence Trent D'Arby. Su Sign of the Times, ese disco que muchos consideran el mejor, pero que nunca podrá superar al impacto de su Purple Rain, ese Introducing the hardline que nos dejó sin palabras. Aún hubo un intento más con el también brillante pero irregular Vibrator, pero después ya nunca sería lo mismo. Y debería haberlo visto venir, porque casi al tiempo que inició su silencio y su lenta reencarnación en Sananda Maitreya, aquella tienda de discos cerró sus puertas, y ocupó su lugar una insulsa tienda de colchones. De la sinfonía a la maldición.

0198: California girls - The Beach boys

Estamos ante una de las obras maestras del grupo, California Girls, de la que grabaron 44 tomas hasta dar con la maravilla que ha llegado a nuestros oídos. Se comenta que cuando Brian Wilson la compuso acababa de probar por primera vez el LSD, estaba pasando una mala racha y cayó rendido a esa sustancia que despertó a su ser durante unas horas de la depresión y preocupaciones que rondaba su cabeza, asi que se puso al piano y empezó a tocar una melodía y trasformala a su estilo, como muchas de las canciones  de Wilson, era en partes iguales como una sesión sinfónica y un parque de atracciones, acotado a dos minutos y medio de complejidad musical matizada y una simplicidad mágica. Ahora solo le faltaba la letra y para eso nada mejor que homenajear a las mujeres de su tierra, y crear un himno a la juventud despreocupada de California, las chicas, además del surf y de los coches han sido siempre uno de los temas recurrentes de esta banda y esta canción es un monumento musical a los bikinis y la piel femenina bronceada que mitificó a las chicas que se dejaban ver en las playas californianas, todas ellas guapísimas, como no. La canción comenzó de una manera clara en la que Brian decía: "Todo el mundo ama a las chicas", y el primer verso era simplemente clarificador "Sí, me gustan las chicas". Sin duda desde el momento que empezaron a tocarla tenían claro que estaban delante de una canción que les iba a dar un gran empujón, Brian comento después de su publicación: “Fue especial, sabía que se convertiría en el tema principal de The Beach Boys. Es un himno.. Creo que, en todo caso, esa canción habla más fuerte que nunca. Todo el mundo sabe sobre las chicas de California, y esa canción es la razón”.

Una escucha superficial de “California Girls” no revela exactamente su complejidad, en gran parte porque es muy fácil quedar atrapado en la innegable melodía de la canción y, sin lugar a dudas, en una letra que al final les quedo bastante curso, sin embargo, una escucha más atenta y detenida hace que descubramos los ingeniosos arreglos instrumentales y vocales de la cancion, y la visión de Wilson que encontramos es particularmente conmovedora desde la introducción orquestal de la canción: su naturaleza te traslada sin dudarlo el cálido sol del Estado Dorado. 1965 fue un gran año para la música. “California Girls” no llegó al # 1, se quedó en el numero 3, principalmente debido a que le precedieron dos canciones realmente impresionantes: “Help” de los Beatles y “Like A Rolling Stone” de Bob Dylan, asi fue el año 1965, pero esa hermosa introducción me cautiva cada vez que la escucho y durante los siguientes dos minutos y cuarenta y cuatro segundos, al igual que Brian, canto la cancion ya sea en voz alta o mentalmente…. Es inevitable

La música en historias: Rammsteim y el disco de la discordia

 

Liebe Its Für Alle Da, Rammsteim

     En octubre de 2009, la banda de metal industrial alemana Rammsteim publica su sexto álbum de estudio, Liebe Its Für Alle Da (El amor está ahí para todos), bajo el sello discográfico Universal Music. El disco fue grabado entre los Henson Studios y Sonoma Mountain Studio de California bajo la producción del grupo y del productor musical sueco Jacob Hellner.

La portada del disco es obra del fotógrafo español Eugenio Recuenco, y en ella se muestra a los integrantes de la banda reunidos alrededor de una mesa listos para devorar a la diosa del amor Venus, la cuál está encarnada por la modelo española Cristina Serrato.

Además de la peculiar portada, el disco incluye un par de temas que generaron cierta polémica: Pussy, que fue el primer sencillo del álbum, donde se abordaba la temática de las relaciones sexuales de los alemanes desde un punto de vista humorístico. El videoclip que se hizo del tema fue estrenado en un portal de Internet para adultos debido a su alto contenido sexual. El otro tema que generó polémica fue el segundo sencillo del disco lanzado, Ich Tu Dir Weh, donde el grupo trataba la temática sadomasoquista. 

Todo esto hace que el 5 de noviembre de 2009 el Ministerio Alemán de Protección a la Juventud prohíba la venta de Liebe Its Für Alle Da en alemania a menores de 18 años e incluya el mismo en el "Índice de Materiales Peligrosos" aduciendo que tanto la portada como una fotografía incluida del guitarrista de la banda Richard Kruspe con una joven en sus rodillas, y el tema Ich Tu Dir Weh suponen una representación peligrosa para la juventud alemana, ya que incita a esta a realizar prácticas sadomasoquistas. También consideró el Ministerio que el tema Pussy animaba a los jóvenes a mantener relaciones sexuales sin protección en los tiempos del sida. 

El sello Universal Music reacciona a toda la polémica generada y el 30 de noviembre de 2009 publica para el mercado alemán una nueva edición del disco donde ya no se encuentra el tema Ich Tu Dir Weh. 

0197: How insensitive.- Astrud Gilberto

 

Nos toca regresar a la Bossa Nova, de la mano de la artista de cuya voz salieron esas mágicas frases que convirtieron el standar “The garota of Ipanema” en quizás la más grande canción de ese estilo que hayamos podido escuchar. Astrud Gilberto nació el 30 de marzo de 1940 en Salvador, Bahía, Brasil, hija de un profesor de idiomas inmigrante alemán tuvo la ocasión de aprender distintos idiomas, entre ellos japonés, francés, italiano, español, portugués e inglés. Durante su adolescencia tuvo una gran inquietud por la música y se movió por esos ambientes pudiendo conocer a los grandes músicos brasileños. Cuando cumplió 20 años conoció a Joao Gilberto, un talentoso guitarrista afincado en Bahia, que formaba parte de un nuevo movimiento musical llamado Bossa Nova y contraerían matrimonio dos años después. Gilberto junto a Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, crearon una canción local titulada “menina que passa”, pero querían ir mas alla con este tema, y cambiaron el titulo por “Garota de Ipanema” y trataron de internacionalizar esta música que empezaba a decaer en Brasil. En 1963 Jobim y la familia Gilberto viajan a Nueva y, en una sesión de grabación conoce al saxofonista estadounidense Stan Getz que buscaba a alguien que cantara una parte de "La chica de Ipanema" célebre canción en inglés, Astrud Gilberto fue la elegida. Así apareció el histórico disco que abrió el mercado de Estados Unidos al nuevo ritmo brasileño (Getz/Gilberto) por casualidad. Su voz, "inexpresiva pero mágica", como la define Philippe Bourdin, es la voz de Brasil en todo el mundo. Era el momento de iniciar una carrera, aunque la crítica pensaba que la voz de Astrud no era suficiente, tras unas versiones de música ligera que no tuvieron la aceptación que pensaban, decidieron que era el momento de jugársela el todo por el todo y junto a Antonio Carlos Jobim a la guitarra y los arreglos de Marty Paich, fue lanzado a través de Verve Records en 1965 alcanzando el puesto 41 en la lista Billboard 200.

Realmente es muy interesante detenerse en el álbum y conectar con la voz de Astrud en cada una de las canciones, quizás una de las más destacadas es How insensitive, una canción estándar de bossa nova y jazz compuesta por el músico brasileño Antônio Carlos Jobim. La letra fue escrita en portugués por Vinícius de Moraes y en inglés por Norman Gimbelcuya y se asemeja al preludio de Chopin en mi menor. La melodía nos trasmite durante muchos momentos a ese romanticismo que derrocha la Bossa Nova y la voz de Astrud. El tema ha tenido multitud de versiones entre las que podemos destacar las de Peggy Lee, The Moonkees, Iggy Pop o Sinead O´Connor.

El disco de la semana 234: Marquee Moon, Television

 

Me gusta hablar de discos de "culto", porque eso implica elevar la música a la categoría de "religión", termino quizá excesivo pero que da buena fe de la importancia que puede tener en la vida de las personas. Y aunque podamos asegurar, casi a ciencia cierta, que Eric Clapton no es Dios, y que Robert Johnson no hizo realmente un pacto con el diablo, también podemos aventurarnos a decir que hay discos que, en su perfección, nos hacen creer en la existencia de los milagros, o en el embrujo mágico de la luna, que afecta a las notas musicales casi tanto como lo hace con las mareas oceánicas.

Uno de esos discos que parecen tocados por una misteriosa varita mágica es Marquee Moon (1977), el primer álbum de estudio de los neoyorkinos Television. En lo que podría denominarse como el año clave del punk, optaron por un sonido experimental y de vanguardia, más cercano al art rock que en la época practicaban totems musicales como la Velvet Underground o David Bowie, que se sustentaba en las efectivas e imaginativas guitarras de Tom Verlaine (guitarra y voz principal) y Richard Lloyd (guitarra), y en el destacable trabajo de Fred Smith (bajo) y Billy Ficca (batería).

Con esas armas, se convirtieron de la noche a la mañana en la banda del momento de la escena underground de Nueva York, y en particular del CBGB, el club más emblemático de aquel movimiento, haciendo incluso sombra a grupos punk de la talla de los Ramones o los Stooges, cuando en realidad estaban plantando la semilla del post punk con un disco experimental que fue considerado por el New Musical Express como el cuarto mejor álbum de la historia, y la revista Rolling Stone la incluyó en el puesto 128 de los 500 mejores discos de todos los tiempos.

La declaración de intenciones es evidente ya desde See no evil, un tema que combina la actitud revolucionaria del punk con el que se codean, pero al tiempo muestra estructuras musicales más bizarras y una limpieza de sonido en las guitarras que la alejan de los arquetipos del por entonces nuevo estilo dominante. Con Venus y Friction siguen pisando el pedal a fondo y manejando el volante con firmeza, y aportando líneas melódicas y trabajadas letras que de nuevo les diferencian de la aspereza punk reinante. Tenían claro el sonido que querían para el disco, y en su camino para conseguirlo se permitieron incluso el lujo de rechazar a Brian Eno como posible productor, lo que seguramente les crearía más de una "fricción".

Tras el efectivo trío de arranque, llega el momento de deslumbrar con Marquee Moon, el tema que da título al disco, una suite rock de diez minutos con ritmos y estructuras que beben del jazz experimental y la improvisación, en largos tramos de guitarra en los que la habilidad de Verlaine y Lloyd queda en un nítido primer plano, mientras la base rítmica trazada por Smith y Ficca lleva en volandas al oyente a través de las diferentes partes de esta bohemia y decadente obra de arte.

Temas como Elevation, Guiding Light o Prove it mantienen el disco en un nivel de calidad tan alto como homogéneo, redundando en un sonido que suena fresco y a la vez intenso. Capítulo aparte merece el colosal cierre que supone Torn Curtain, que junto a Marquee Moon son las dos piezas en las que la improvisación y la experimentación son más evidentes, los máximos exponentes de un sonido que no sólo fue pionero en el momento, sino que influenció después a muchas bandas posteriores, y entre ellas cabe mencionar a otros ilustres neoyorquinos como Sonic Youth o The Strokes.

"Dios está en la televisión..." decía Marilyn Manson en "Rock is Dead". Probablemente se equivocaba, y al igual que Eric Clapton nunca fue realmente Dios, y Robert Johnson no hizo un pacto con el diablo, la "caja tonta" no tiene poderes sobrenaturales, salvo que en realidad se estuviera refiriendo a un grupo llamado Television, que en su debut fueron capaces de crear un disco de culto, que bajo el embrujo mágico de la luna sigue haciendo que seamos cada vez más fanáticos y creyentes, con cada nueva escucha de Marquee Moon.

0196: Don't Let Me Be Misunderstood - The Animals

 

Don't let Me Be Misunderstood

     

el 25 de enero de 1965, bajo el sello discográfico Columbia Graphophone en Reino Unido, y en febrero de 1965 bajo el sello MGM en Estados Unidos, The Animals publican el sencillo Don't Let Me Be Misunderstood. El tema es grabado en una sola sesión el 16 de noviembre bajo la producción de Mickie Most, conocido productor de la época y que produjo multitud de sencillos de éxito para artistas de la talla de los mencionados Animals, Suzi Quatro, Donovan, Hot Chocolate y Jeff Beck Group entre otros muchos.

El tema fue escrito por Bennie Benjamin, Horace Ott y Sol Marcus para la cantante y pianista estadounidense Nina Simone, quien graba el tema por primera vez en 1964. Benjamin y Marcus eran un dos compositores que solían trabajar juntos desde los años 40, y que habían escritos canciones para Elvis Presley o Sara Vaughan entre otros; y Ott era un arreglista que que había trabajado en temas para artistas de la talla de Nat King Cole y Aretha Franklin. La melodía y la línea de coro fue ideada en un principio por Horace Ott después de una pelea con su novia, y a la postre futura esposa Gloria Caldwell. Posteriormente éste presentó el material a Benjamin y Marcus, y juntos acabaron de componer y arreglar el tema. Según los expertos, este tema lleva implícito un mensaje en pro del Movimiento de los Derechos Civiles de la época, y es fiel reflejo de la vida y obra de Nina Simone, no en vano el tema fue escrito originariamente para ella.

El tema grabado por The Animals se convirtió en un auténtico éxito, traspasando fronteras y llegando Estados Unidos. En el Reino Unido llegó al puesto número 3 en las listas de ventas UK Singles Chart, en Estados Unidos alcanzó el puesto número 15 en la lista U.S. Pop Singles Chart, y en Canadá alcanzó el puesto número 4 en sus listas de ventas. Cuando el grupo interpretaba el tema en directo solía respetar y ajustarse a la versión grabada por el grupo, aunque a veces Eric Burdon ralentizaba la línea vocal llegando casi a ser hablada, recuperando así un poco el toque de Nina Simone en la canción.

0195: I can't explain - The Who

No puedo explicar lo que, siendo adolescente, supuso para mí ver la película Quadrophenia. Aquel film sobre el despertar del sexo, drogas y rock and roll en un grupo de adolescentes mods marcó la línea divisoria entre el tipo de cine que había visto y el que optaría por ver después, pero sobre todo abrió la puerta a otro tipo de música, la de los discos de los tíos y hermanos mayores, y que era muy distinta a la que se escuchaba en los ochenta. Con los rescoldos de la banda sonora de The Who en la memoria, me lancé a buscar material de aquella banda, y así fue como di con I can't explain.

No puedo explicar que tiene este tema de The Who en particular, que se editó como sencillo en diciembre de 1964 en Estados Unidos, y en enero del año siguiente en el Reino Unido, pero el que fue segundo sencillo de la por entonces emergente banda británica supuso el verdadero pistoletazo de salida a una brillante carrera que les posicionaría por derecho propio entre las míticas bandas de los años sesenta y setenta.

No puedo explicar cómo una canción que en realidad se basaba en los esquemas rítmicos de temas como Louie Louie o All day and all of the night puede sonar a la vez tan característica del grupo de Townsend y Daltrey. Tampoco tiene explicación que en uno de los primeros temas de una banda primeriza, se acaba descubriendo que el músico de sesión que tocó la guitarra rítmica​ era ni más ni menos que Jimmy Page.​ Pero en el fondo nada de eso importa, porque basta con poner I can't explain en el tocadiscos para que sobren las explicaciones, y sólo quede espacio para disfrutar de la música de The Who en estado puro.​

0194: What a shame - The Rolling Stones

Tras la publicación de su primer álbum con el título England's Newest Hit Makers y de ese experimento cargado de versiones titulado 12 x 5, The Rolling Stones estaban empeñados en conquistar el mercado americano y para eso iban a brindarles la oportunidad de descubrirlos mediante dos canciones originales publicadas en un single en diciembre de 1964. Las canciones fueron tos temas originales de Jagger y Richards, “Heart Of Stone” (de la que ya tenemos un artículo en el blog) y “What A Shame“.

Con este single el grupo no sólo consigue llegar al fin al top-20 en Estados Unidos sino que empiezan a demostrar que son mucho más que un excelente grupo de covers. “Heart Of Stone” y “What A Shame” son dos canciones fantásticas y, sobre todo la primera, pero no está muy lejos la segunda, una especie de blues donde la guitarra de Brian Jones brilla muy fuerte y alto y la vez dejan muy a las claras que tras el aspecto canallesco del grupo había mucho talento. El segundo de los temas también seria incluido un mes después en el segundo lanzamiento del grupo en Gran Bretaña, y se incluiría en el álbum The Rolling Stones nº2.  

Un país, un artista: Panamá - Billy Cobham

Billy Cobham

     William Emanuel Cobham Jr., más conocido como Billy Cobham es un baterista de jazz panameño-estadounidense que saltó la fama a finales de la década de los 60 y principios de los 70 por acompañar primero a Miles Davis y posteriormente por ser uno de los fundadores de la maravillosa banda de jazz fusión The Mahavishnu Orchestra.

Billy nace en Colón, Panamá el 6 de mayo de 1944, y se muda con su familia a Nueva York cuando tiene únicamente tres años. El padre de Cobham trabaja como estadístico en un hospital y toca el piano los fines de semana, por lo que no es raro que Billy comience a tocar la batería a los 4 años y con 8 ya se una y acompañe a su padre en sus actuaciones. A la edad de 14 años es aceptado en la prestigiosa The High School of Music & Art de Nueva York y recibe su primera batería como regalo.

 

En 1965 es reclutado por el ejército estadounidense y toca en una banda de dicho ejército. Después del ejército fue miembro del quinteto del pianista, compositor y arreglista de jazz Horace Silver. Por aquella época también fue músico de sesión para los sellos discográficos Atlantic Records y CTI (sello discográfico de jazz). Por aquellos años Billy funda un grupo de jazz rock llamado Dreams, y realiza una gira con Miles Davis, grabando dos de sus álbumes Bitches Brew (1970) y A Tribute to Jack Johnson (1971). 

Es en 1971 cuando Billy y el guitarrista John McLaughlin, quienes tocan con Miles Davis, deciden dejar a éste para fundar The Mahavishnu Orchestra junto al bajista irlandés Rick Laird, el teclista checoslovaco Jan Hammer y el violinista estadounidense Jerry Goodman. El grupo abarca un amplio espectro de sonidos que abarcan jazz fusión, jazz rock, rock progresivo y funk entre otros. 

En 1973 Billy deja The Mahavishnu Orchestra y debuta con su primer disco en solitario, Spectrum, álbum que sorprende tanto a su sello discográfico como al propio Billy, ya que consigue alcanzar el puesto número 1 en la lista Billboard de álbumes de jazz y el el puesto 26 en la lista Billboard 200. El legendario baterista, a partir de ahí, inicia una brillante carrera en solitario que compagina con proyectos paralelos y que sigue hasta día de hoy. Una carrera que abarca 38 álbumes en solitario además de innumerables colaboraciones con artistas de la talla de Stanley Turrentine, Mose Alisson, Ray Baretto, George Benson, The Brothers Johnson, James Brown, Ron Carter, Stanley Clarke, Miles Davis, Richard Davis Gil Evans, Roberta Flack, Peter Gabriel, Quincy Jones, John McLaughlin, Carly Simon, Gábor Zsabó, y Randy Weston, Jack Bruce, New York Jazz Quartet, Jazz is Dead, Mark Almond y George Duke entre otros muchos. 

En 7dias7notas creemos que es un digno representante del país panameño este descomunal baterista que además de tocar la batería imparte clases en línea desde el año 2011 en Billy School of Drums, escuela englobada en la ArtistWorks Drum Academy. Grandes son la influencia y legado que Billy ha dejado a lo largo de los años con su magnífico estilo a la batería, y muchos son los músicos que le han señalado como claro referente, entre los que se encuentran, sólo por citar algunos, Keny Aronoff, Danny Carey, Jimmy Chamberlain, Thomas Lang, Opeth, Chris Pennie, Mike Portny, Sivamani, Bill Stevenson, Jon Theodore y Tony Thompson. 

0193: I’ll Follow the Sun - The Beatles

0193: I’ll Follow the Sun - The Beatles 

I’ll Follow the Sun es una canción de la banda británica The Beatles y que está incluida en su disco Beatles For Sale.

   

Beatle For Sale marca un periodo en que las discográficas querían lanzar discos en las fiestas de fin de año, así que las sesiones de grabación de este disco empezaron en Agosto de 1964, y Lennon y McCartney tuvieron que ir en búsqueda de esas viejas canciones que tenían guardadas cuando simplemente eran una banda que tocaba en Pubs y bares de Hamburgo y en Liverpool, una de esas canciones rescatadas fue la balada I’ll Follow The Sun, que era del año 1959 y que era uno de los primeros canciones con la firma de  Lennon - McCartney.

La historia cuenta que esta canción fue escrita por Paul McCartney mientras pasaba unas vacaciones en familia un invierno en la casa de su familiar en Allerton, Liverpool. Paul McCartney comentaría en una entrevista que le harían "La escribí en un salón que daba de frente con el camino a Forthlin. Yo tenía apenas 16 años, y escribí I’ll Follow The Sun una mañana en que me levanté temprano. Recuerdo que venía saliendo de un fuerte cuadro gripal, y que tenía un cigarrillo – Yo fumaba desde los 16 años- de esos de algodón. Mientras estuve enfermo no fumé, pero cuando me sané y probé nuevamente un cigarro fue terrible, más si era de algodón. Bueno, recuerdo estar mirando por la ventana en ese salón, con mi guitarra y escribí la letra de una".

Finalmente un 18 de Octubre de 1964, la canción de McCartney se grabo en los estudios de Abbey Road, de manera oficial, I’ll Follow the Sun, se grabo en tan sólo ocho tomas, donde la ultima versión fue la elegida ya que era la que usaba las guitarras eléctricas.

Si bien la canción no fue lanzada como single por The Beatles en los 60’s, es considerada una pieza importante dentro del catalogo musical de esta gran banda que cambió todo en el aspecto musical.

Daniel 

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0192: Eight days a week - The Beatles

Eight Days a Week, acreditada a la dupla Lennon/McCartney, incluida en la versión inglesa del disco Beatles For Sale y publicada como sencillo en 1965 en Estados Unidos (dónde alcanzó el número 1 en las listas de ventas), era en realidad una composición de Paul McCartney en respuesta al tema de John Lennon "A hard day's night", una canción de su compañero que le parecía brillante.

Siguiendo la misma temática de trabajar duro para ganarse el amor de su amada, Paul McCartney dio con el título y el estribillo de la canción durante un trayecto en coche hacia la casa de John Lennon en Weybridge, a poca distancia del Sur de Londres. Cuando preguntó al chófer qué tal estaba, éste le respondió que estaba "trabajando duro, ocho días a la semana". A McCartney se le quedó aquella frase grabada en la cabeza, y construyó con ella uno de los estribillos más reconocibles de la banda: Eight days a week (Ocho días a la semana), I loo-o-o-ve you (Te quiero), Eight days a week (Ocho días a la semana), Is not enough to show I care (no es suficiente para mostrarte que me importas)

El grupo interpretó sólo una vez la canción en directo, el 28 de marzo de 1965 en el programa Thank Your Lucky Stars de la televisión inglesa, y 48 años después McCartney la incluyó en su gira de 2013, pero no volvió a ella en giras posteriores, en un extraño ejemplo de como ignorar una canción nº1, pero le perdonamos porque tratándose de los Beatles, y teniendo tanto entre lo que elegir, las semanas tendrían que tener ocho días para poder dar cabida en los conciertos a todos los temas memorables del grupo.

La música en historias: Neither Fish Nor Flesh - #MesTerenceTrentD'Arby

Neither Fish Nor Flesh, Terence Trent D'Arby

Después de ser coronado como el nuevo príncipe del pop por diversos medios de comunicación y de ganar un premio Grammy a la mejor interpretación vocal masculina de R&B y otro premio Soul Train al mejor nuevo artista por su álbum Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby, el sello discográfico que tiene los derechos del artista, Columbia Records, reedita apenas unas semanas antes del lanzamiento de su nuevo trabajo The Touch, el disco de actuaciones de Terence con la banda The Funk en Alemania, y del cual ya hemos hablado en 7dias7notas.

Apenas unas semanas después, concretamente en octubre de 1989, Columbia Records publica Neither fish Nor Flesh, el segundo álbum en solitario del artista estadounidense. El disco es un compendio de temas donde Terence abarca géneros como el pop psicodélico, el rock, R&B o el funk. Si con su anterior disco Terence había ascendido al Olimpo de los grandes artistas, con éste iba a iniciar el descenso a los infiernos, pues supuso una gran decepción comercial, pasando únicamente cuatro semanas en las listas de ventas del Reino Unido, y gran parte de la crítica fue implacable, definiendo Neither Fish Nor Flesh como un disco autoindulgente y exagerado entre otras muchas cosas.

En mi opinión, la crítica fue implacable y desmedida hacia el artista, pues para Terence, lo fácil y cómodo hubiera sido seguir la línea de su álbum de debut, pero decidió arriesgar, no acomodarse y evolucionar, sacando un disco más intimista y  oscuro y duro en cuanto a sonido. El disco esconde muy buenas canciones, como I Have Faith in These Desolated Times, It Feels so Good to Love Someone Like You, To Know Someone Deeply is to Know Someone Softly, o This Side of Love, tema con un gran ritmo de garaje que ha sido comparado con trabajos de Prince, Grand Funk Railroad o Sly & the Family Stone.

En un principio Terence convence a la compañía discográfica, Columbia, para que no publique ningún sencillo del álbum, pero pasado un mes las ventas no iban como esperaban y la compañía veía como su gallina de los huevos de oro se desangraba, por lo que decide lanzar el tema This side of Love como sencillo del disco para paliar la mala recepción en ventas. 

 

Neither Fish Nor flesh es en líneas generales un buen disco, tuvo la mala fortuna de ser comparado con su antecesor, Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby, una obra maestra. Otro de los factores que no ayudó nada en absoluto fue la poca predisposición de una compañía discográfica que desde un principio mostró su rechazo a este disco, pues esperaba material en la línea del anterior para seguir engordando la saca. De hecho, la maniobra de reeditar The Touch apenas unas semanas antes del lanzamiento de Neither Fish Nor Flesh da una clara idea del escaso apoyo por parte de la discográfica con el el que iba a contar Terence. Como afirmaría posteriormente Terence Trent D'Arby, "Neither Fish Nor Flesh fue el proyecto que literalmente mató a TTD, y de cuyas cenizas fundidas, comenzó la vida de Sananda". Pero eso es otra historia...

0191: Words of love.- The Beatles

En el álbum Beatles for Sale encontramos una canción escrita por Buddy Holly y grabada por él mismo en el 8 de abril de 1957. La canción no fue precisamente un éxito para Holly, aunque sea considerada como una de sus grabaciones más importantes y esté disponible en la mayoría de las compilaciones de Buddy Holly. “Words of Love” se remonta a marzo de 1957; Holly grabó la pista en Clovis Studio del productor Norman Petty en Clovis, Nuevo México. Un elemento importante de la canción es el uso de sobre grabaciones, una rareza en ese momento en el rock 'n roll. Según la biografía de John Gribbin Not Fade Away: The Life and Music of Buddy Holly , el cantante tenía dos partes de guitarra diferentes que quería tocar en un disco. Para lograr el efecto, Holly tuvo que grabar un segmento primero, luego la otra parte esencialmente encima. En otras palabras, la técnica implicaba "reproducir la primera grabación de una máquina de cinta a otra mientras las voces o instrumentos adicionales se grababan simultáneamente en la segunda cinta".

Lennon y McCartney eran unos auténticos fanáticos del sonido de Buddy Holly, “John y yo comenzamos a escribir gracias a Buddy Holly. Fue como, '¡Guau! ¡Él escribe y es músico! '”. La primera canción que Harrison, Lennon y McCartney grabaron en un disco fue “That’ll Be the Day” de Buddy Holly. Entonces conocido como los Quarrymen, el trío (junto con John “Duff” Lowe y Colin Hanton). Más tarde, cuando decidieron cambiar su apodo, se llamaron the "Beatles", en parte a una obra de teatro con el nombre del grupo de Holly "The Crickets". Tal era la admiración que este tema ya se encontraba en el repertorio del grupo cuando daban sus primeros pasos en The Cavern, aunque lo cierto que en aquella época los que interpretaban el tema eran Lennon y Harrison. Para su publicación en el álbum tomaron las riendas John Lennon y Paul McCartney, armonizaron las voces para esta y trataron de imitar la versión de Buddy Holly lo más posible y ser totalmente fieles a la original. Words Of Love fue la última canción grabada el 18 de octubre de 1964, durante la cual grabaron siete canciones en nueve horas en un apuro por terminar el álbum. Los Beatles grabaron la canción en dos tomas, junto con una sobre grabación vocal. Ringo Starr tocó una maleta junto con su batería, en homenaje a la actuación de Jerry Allison en 'Everyday' de Holly.

Canciones que nos emocionan: Soul Finger - The Bar-Kays

 

Soul Finger, The Bar-Kays

     El 10 de julio de 1967 la banda de Funky, soul y r&b The Bar-Kays debuta con su primer álbum de estudio, Soul Finger. El disco fue grabado en junio de 1967 en los míticos estudios Stax Records de Memphis. La banda había comenzado su andadura como banda de respaldo para los principales artistas del sello Stax, y ese año, 1967, también fue elegida por Otis Redding para que fuera su banda de acompañamiento. La carátula del álbum sugería un sentimiento de fiesta interracial, pues no en vano, no todos sus miembros eran de color, Ronnie Caldwell, que se encargaba del órgano, era el único miembro blanco de la banda.

Unos tres meses antes del lanzamiento el disco, la banda ya había lanzado su primer sencillo, Soul Finger, el cual supuso el primer gran éxito del grupo y que posteriormente fue incluido en su disco debut, dando además el título al mismo. El tema fue grabado durante una sesión de grabación en los estudios del sello Stax el 31 de marzo de 1967, y publicado como single por Stax bajo el sello Volt el 14 de abril de 1967. El tema se convirtió rápidamente en un éxito en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 3 en la lista de U.S. Billboard R&B Singles. El éxito de este tema y el que ocupó la cara B, Knucklehead, escrito por los componentes de Booker T. & the MG's Booker T. Jones y Steve Cropper,  fue lo que desencadenó que el grupo grabara posteriormente nueve pistas más y lanzara su primer disco de estudio.

La canción fue escrita por The Bar-Kays mientras se encontraban ensayando con Norman West para realizar una versión de la canción But It's Alright de JJ Jackson. Soul finger comienza con la melodía de la popular canción infantil Mary Had a Little Lamb para luego pasar al riff principal, acentuado por el sonido de la trompea. El tema contiene unos coros que fueron realizados por niños. Mientras grababan, había un grupo de niños que se encontraban merodeando en los alrededores del estudio, y les pidieron que gritaran "Soul Finger" a cambio de unas bebidas refrescantes (coca-cola). La idea tanto del titulo como de los gritos de los niños fueron idea de los compositores del sello Stax Isaac Hayes y David Porter. 

0190 No Reply - The Beatles

 

No Reply, The Beatles

     El 4 de diciembre de 1964 The Beatles, bajo el sello discográfico Parlophone, publican su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale. El disco enseguida se posicionó en el puesto número uno de las listas de ventas británicas, permaneciendo en ese puesto durante siete semanas consecutivas.

Incluido en el disco se encuentra el tema No Reply, escrita por John Lennon y acreditada como era habitual al dúo Lennon / McCartny. El tema fue grabado el 30 de septiembre de 1964 en los EMI Studios de Londres, bajo la producción de George Martin, y con Norman Smith como ingeniero. 

No Reply fue escrita originalmente para Tommy Quickly, otro cantante de Liverpool que al igual que los Beatles también había firmado con el mánager Brian Epstein. Quicly nunca grabó ni lanzo la canción, por lo que Lennon y compañía decidieron usarla ellos mismos. El tema, que fue escogido para abrir Beatles for Sale, fue uno de los primeros de John Lennon en contar una historia completa, una triste historia que encajaba a la perfección con la melodía del tema. La historia nos relata como el chico llama a la puerta de la casa de su novia, pero esta no le abre la puerta, el sabe que ella está en casa y sospecha que le es infiel, pues la ha visto en la ventana. Sobre el tema, Lennon afirmó que se inspiró al venirle a la mente la imagen de estar caminado por la calle y ver a su chica por la ventana, entonces la llama por teléfono pero ella nunca contesta.

El disco de la semana 233: What Lies Beneath - Tarja Turunen

 

What Lies Beneath, Tarja

     Tarja Turunen es una cantante finlandesa con formación clásica con una tesitura de soprano-lírica, con lo que su voz ofrece una gran flexibilidad a la hora de interpretar todo tipo de tonos graves y agudos. Atrás queda el año 1996, cuando junto a sus compañeros Tuomas Holopainen y Emppu Vuorinen funda el grupo de metal sinfónico Nightwish.

Con Nightwish Tarja llegará a la cima, pero algo sucede entre el resto del grupo y Tarja, pues tras 9 años en la formación y cinco álbumes de estudio publicados, Tarja es expulsada por el resto de miembros a través de una carta abierta en 2005. La vocalista finlandesa cree entonces que es el momento de lanzar su carrera en solitario y en noviembre de  2006 aparece publicado Henkäys Ikuisuudesta, disco enfocado en la época navideña y donde todos los temas menos el que da título al disco son temas versionados. A este disco le seguirá My Winter Storm, publicado en noviembre de 2007, y donde Tarja abarca diferentes estilos musicales, tales como rock, metal, música clásica, pop o folk, y todos conectados a través de de su gran voz lírica.

Habrá que esperar casi tres años, concretamente hasta agosto de 2010, para que salga a la luz el tercer álbum de estudio de Tarja, para el que aquí escribe, de momento su ópera prima, su mejor trabajo en solitario, What Lies Beneath, el disco recomendado para la ocasión en 7dias7notas. El disco es grabado entre los estudios Petrax de finlandia y los estudios El Pie ubicado en Buenos Aires, Argentina. Es el primer disco donde Tarja se pone al frente de la producción, algo que repetirá a partir de entonces en todos su álbumes. Para la grabación del álbum Tarja cuenta con Alex Scholpp (Farmer Boys, Tieflader) a la guitarra, Doug Wimbish (Living Colour, Rolling stones, Madonna) al bajo, Christian Kretschmar (Schiller) a los teclados y el gran Mike Terrana a la batería. No se queda sólo ahí el elenco que participa en la grabación pues Tarja cuenta con la colaboración de Max Lilja (Apocalyptca) al Cello, Will Calhoun (Living Colour) a la batería, el grupo de metal a capella Van Canto, Phil Labonte (All That Remains, Shadows Fall) a las voces, Jason Hook (Alice Cooper, Vince Neil) a la guitarra, el trío de violinistas de la Lahti Symphony Orchestra Jyrki Lasonpalo, Pauline Fleming y Rémi Moingeonn, y el ilustre Joe Satriani a la guitarra.

En cuanto a la portada y el trabajo de arte del disco, éste es realizado por el fotógrafo alemán Jens Boldt, quien ya había trabajado en el anterior disco de Tarja (My Winter Storm) y que ya había trabajado con anteriormente con artistas de la talla de Iggy Pop, Tom Jones o Diana Krall entre otros. La foto deportada del álbum capta el rostro sombrío y misterioso de Tarja, el cual podemos ver en un primer momento hermoso y reluciente, pero si nos fijamos  detenidamente está escondiendo cicatrices, quemaduras y heridas que tapan parte de su rostro. La portada del disco capta perfectamente el concepto del mismo, ya que con What Lies Beneath, Tarja pretende descubrir lo que yace debajo de la superficie, lo que realmente hay detrás de las personas, esas cosas que no se ven a simple vista. 

What Lies Beneath es un disco claramente orientado al metal sinfónico, un trabajo más oscuro, metalero y directo que su anterior trabajo, y es que Tarja decide salir de su zona de confort para mostrarnos quien es verdaderamente y de lo que es capaz, y el resultado no puede ser mejor pues nos regala diez temazos. Comienza el álbum con Anteroom of Death, un tema teatral de corte dramático donde los teclados barrocos junto con los coros del coro Van Canto y el potencial desplegado por Tarja en la interpretación con unos cánticos finales en plan ópera, hacen de ésta canción una de las mejores del disco. Until My Last Breath, un medio tiempo sencillo y pegadizo con los teclados y la guitarras como protagonistas y que fue el primer sencillo del disco. Sobre este tema se grabaron dos videoclips, el primero fue grabado por Tarja en finlandia, y muestra escenas de un buceador yendo hacia el fondo del mar, y al ver a una sirena, Naiad, que representa una ninfa en la mitología griega que vive en las aguas de los ríos, océanos, mares o lagos, decide volver a la superficie. El segundo vídeo comienza con Tarja tocando en un bar donde apenas algunas personas le prestan atención, su carrera ha caído y se encuentra en horas bajas. Posteriormente se muestra un noticiario anunciando la muerte de Tarja. I Feel Inmortal, otra de las canciones que fueron lanzadas como sencillo del disco, una bella semi balada  que además tiene un videoclip magnífico grabado en las playas de Islandia. In For A Kill, otro de los momentos álgidos del disco, un tema sombrío y oscuro de corte gótico que contiene una sección orquestal magnífica y donde Tarja exprime todo su potencial lírico. Un tema que nos habla de los tiburones y de como se les acusa injustamente de ser asesinos. Underneath, otra gran balada donde Tarja nos vuelve a mostrar su capacidad para emocionar y crear ambientes con sus líneas vocales. Little Lies, uno de los temas más metaleros del álbum con una muy buenas guitarras.

Rivers Of Lust, otro de los temas lentos del disco, con un gran trabajo de piano y cello que envuelven la voz de Tarja llena de matices operísticos. El tema es una crítica en toda regla a los pedófilos y de como muestran una doble cara hacia la sociedad. Dark Star, tema contundente y cañero cantado a dúo con Phil Labonte, ideal para agitarnos y desgañitarnos. Magnífico el comienzo con aires orientales y las voces guturales de Labonte quedan muy bien insertadas. Falling Wake, magnífico tema donde podemos disfrutar de un sólo espectacular de Joe Satriani que colabora en el tema incluido en el álbum, pues este tema fue grabado por tres guitarristas diferentes, Satriani en la versión del álbum, Jason Hook en la versión del sencillo y el argentino Julián Barrett en la versión de descarga gratuita del disco. The Archive Of Lost Dreams, tema donde Tarja vuelve a basarse en el personaje de Naiad, la ninfa de la mitología griega, y donde los violines crean una maravillosa e intimista atmósfera. Cierra éste magnífico álbum Crimson Deep, tema de más de siete minutos de duración que cuenta con la colaboración del baterista Will Calhoun, y donde Tarja de adentra sin miedo y con mucho acierto en los sonidos del metal progresivo. 

Y si todavía os quedan ganas de escuchar más, pues es lo que a mí me ocurrió con este discazo de Tarja, una de las indiscutibles reinas del metal sinfónico, podéis encontrar una edición limitada que se lanzó de este disco con cuatro bonus tracks, We Are, Naiad, un cover del tema de whitesnake, Still Of The Night y un tema de Scorpions donde Tarja colabora, The Good Die Young. 

0189.- Be my baby - The Ronettes

0189.- Be my baby - The Ronettes

Be My Baby se publico en el año 1963 y fue escrita y compuesta por Phil Spector, Jeff Barry y Ellie Greenwich, pero no fueron ellos los que interpretaron la canción sino el grupo The Ronettes. The Ronettes fue una banda producida por el mismo Phil Spector a quien se le atribuye grandes éxitos y un estilo.

El sencillo del la canción logro bien ser lanzado alcanzar el puesto número 2 de la lista Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, en cambio en la lista británica Record Retailer alcanzo el puesto número 4. 

Be My Baby se asocia como la cúspide del muro de sonido de Phil Spector y llegó hacer una de las canciones más famosas y más admiradas de su época. La critica ha escrito sobre esta canción: "Ni más ni menos Brian Wilson ha declarado que “Be My Baby” es la mejor canción pop grabada en la historia, punto". Según el sitio agregador de listas Acclaimed Music, es la 7.ª canción más aclamada por los críticos de todos los tiempos.

En su autobiografía, la vocalista principal Ronnie Spector cuenta que estaba de gira con Joey Dee and the Starlighters cuando "Be My Baby" fue incluida por Dick Clark en la American Bandstand como "el disco del siglo".

La batería está tocada por Hal Blaine. Darlene Love y Cher fueron parte del coro.

Su vocalista Ronnie Spector, vocalista principal de The Ronettes y exesposa del productor discográfico Phil Spector, junto a su banda logró numerosos éxitos musicales a principios de los años 60. Fue conocida como "la chica mala del rock and roll". 

Daniel 

Intagram Storyboy

0188 Heart of Stone - The Rolling Stones

 

Heart of Stone, The Rolling Stones

     Heart of Stone es una canción de la banda The Rolling Stones, y fue escrita y compuesta por Mick Jagger y Keith Richards. El tema fue grabado el 2 e noviembre de 1964 en los RCA Studios de Hollywood, y fue publicada en diciembre de 1964 como sencillo por la compañía discográfica London en Estados Unidos, e incluida en un EP por la discográfica Decca en Reino Unido. Posteriormente la canción fue incluida en el álbum The Rollin Stones, Now!, publicado en febrero de 1965 para el mercado estadounidense, y también en el álbum Out of Our Heads, publicado en septiembre de 1965 para el mercado británico.

El tema, inspirado en el blues y el R&B de la época, fue grabado por Mick Jagger a los mandos vocales, Keith Richards y Brian Jones a las guitarras, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería y Jack Nietzsche al piano y la pandereta. Jack Nietzsche fue un importante intérprete, productor y arreglista que trabajó para The Rolling Stones y otros muchos artistas de rock. Se hizo famoso trabajando durante los años 60 como arreglista junto a Phil Spector, y ayudo a crear el famoso sonido Wall of Sound que hizo famoso a grupos como The Ronettes, The Crystals y The Righteous Brothers entre otros. 

El tema se convirtió en el segundo éxito del grupo británico en Estados unidos, alcanzando el puesto numero 19 en las listas de ventas de dicho país. En cuanto a la temática del tema, nos habla de un mujeriego que alardea de tener un corazón de piedra y su última conquista tampoco le romperá el corazón, algo de lo que ni el mismo está seguro.