1086.- Liar - Queen

 

Liar fue la pieza central del álbum debut de Queen, al letra toma la forma de un diálogo entre el protagonista (representado en los versos) y las fuerzas en su contra (representadas por el coro), ya que presentan un alma atormentada que anhela una guía religiosa pero es rechazada por ser un "mentiroso". Al final, la letra desprecia por completo la religión: "Mentiroso, mentiroso, nunca te dejan ganar/Mentiroso, mentiroso, todo lo que haces es pecado/Mentiroso, nadie te cree/Mentiroso, te derriban antes de que empieces". El estilo operístico de estas letras está totalmente respaldado por la música, que pasa por muchos cambios de tempo y diferentes secciones, ya que combina versos folky y ascendentes y un coro pisando fuerte con puentes instrumentales y vocales que llevan la canción en otras direcciones. La grabación de Queen de "Liar" envuelve esta compleja historia en un arreglo grandioso y grandilocuente que alterna delicados toques acústicos en los versos con ondas de acordes poderosos durante los puentes instrumentales y el estribillo. También funciona en una ruptura de percusión impulsada por cencerros para el penúltimo puente vocal de la canción que lleva el drama a un pico frenético. Freddie Mercury lo remata con una voz adecuadamente dramática que va desde un susurro en falsete hasta un rugido de barítono y sus impresionantes esfuerzos están amortiguados por armonías operísticas de Brian May y Roger Taylor. Todo ello dio como resultado un rock artístico pero poderoso que se convirtió en la columna vertebral de los primeros shows en vivo de Queen y se convirtió en uno de los temas favoritos entre los fans del grupo. Más importante aún, su grandiosidad fue un prototipo para canciones posteriores, aún más ambiciosos, como "Brighton Rock" y "Bohemian Rhapsody". Disfrutar de esta miniepopeya de heavy metal progresivo en expansión que le da a cada miembro de la banda un lugar para realizar un solo, es el festín de las melodías más encantadoras que rezuman de cada una de las multitudinarias secciones de esta composición que desafía fronteras. John Deacon toca lo que posiblemente sea el mejor solo de bajo de su carrera, no demasiado complejo pero sí muy poderoso y melódico, antes de que la canción termine con una sección extáticamente hermosa seguida por Brian May. Breve pero excelente coda de guitarra neoclásica. Tanto estructural como sonoramente, 'Liar' fue el predecesor directo de 'The March of the Black Queen', y junto a él constituye una de las mejores canciones de la banda. Lo único que decepciona un poco de la versión de estudio es que luego la canción desarrolló algunas líneas adicionales y siempre se interpretó en vivo de una forma más completa. Sin embargo, una mezcla alternativa indica que esas líneas adicionales solo se terminaron parcialmente durante las sesiones y es por eso que no se escuchan en la versión LP.

1065.- Desperado - Eagles

Estamos ante un absoluto clásico del country-rock, es difícil negar el talento que tenía esta banda, todos músicos de un gran nivel hasta el punto que podían cantar y escribir grandes canciones, álbum tras álbum... la música resiste la prueba del tiempo, especialmente cuando Desperado se escucha en su totalidad, de principio a fin. Este álbum se nos presenta como una especie de álbum conceptual, con un flujo interesante desde las pistas más suaves/lentas hasta los rockeros de medio tempo, y de ida y vuelta. La naturaleza acústica de este, el segundo álbum de los Eagles, es lo que crea una atmósfera occidental clásica. Desperado es un álbum conceptual lanzado por los Eagles en abril de 1973, una oda al Viejo Oeste que seguía las hazañas de la pandilla Doolin-Dalton. Sin embargo, es casi un álbum de country-rock perfecto. Las armonías, la producción, las letras y la musicalidad son impecables y tienen un pulido sin precedentes en la música country o rock de su época, la banda sonora de una variedad de viñetas de películas del Viejo Oeste. Cada canción tiene su propia pequeña historia (incluso las instrumentales, si usas tu imaginación) y, sin embargo, un hilo común une los temas, a veces líricamente, a veces musicalmente. Me gusta pensar que Desperado es la banda sonora de una eterna noche de sábado en una taberna del sur de Estados Unidos.

Don Henley comenzó a escribir la canción Desperado a finales de los años 60, pero no le dio el toque final hasta que apareció su compañero de composición Glenn Frey, fue la primera de muchas canciones que Henley y Frey escribieron juntos. Henley explicó: "Glenn vino a componer un día y le mostré esta melodía inacabada que había estado guardando durante tantos años. Le dije: 'Cuando la toque y cante' "Pienso en Ray Charles, Ray Charles y Stephen Foster. Es realmente una cosa gótica sureña, pero fácilmente podemos hacerlo más occidental". Glenn saltó a la acción, llenó los espacios en blanco y aportó estructura. Y ese fue el comienzo de nuestra asociación como compositores, fue entonces cuando nos convertimos en un equipo". A primera vista, esta canción trata sobre un vaquero que se niega a enamorarse, para mi es una gran balada porque me identifico mucho con la letra, entiendo por qué algunas personas no entiendan su atractivo, esa canción se dirige específicamente a chicos con problemas de soledad como tenemos muchos, aunque dándole otra visión también podría tratarse de un joven que descubre las guitarras, se une a una banda, paga su precio y sufre por su arte. El estrés de ser una estrella de rock es un tema recurrente en la música de Eagles (por ejemplo, "Life In The Fast Lane"). La canción se abre con una hermosa línea de piano que se puede decir que fue pionera en un sonido que aparecería una vez más en canciones como “Vienna” de Billy Joel. Desperado logra una profunda captura emocional en el oyente a través de su brillante instrumentación usando piano simple y arreglos orquestales. La voz de Don Henley es lo más destacado, llevando la historia y la emoción a la cima del álbum.

1055.- No Quarter - Led Zeppelin

Espesas y humeantes columnas de niebla se arrastran a lo largo de una masa de colinas verdes, envolviendo el campo en un gris cegador. Al principio no hay nada. Pero entonces, de repente, un cuerno de guerra resuena a través de las nubes turbias, un ruido tan fuerte que las briznas de hierba comienzan a temblar con la oscilación de las ondas sonoras. Poco después, estos temblores dan paso a un estruendo de la tierra mientras una estampida de soldados acorazados inunda las colinas, espadas y mazas en mano. Esta es la imagen que evocan los primeros 30 segundos de “No Quarter”, el séptimo tema de Houses of the Holy. Cuesta creer por un momento que las cosas hayan progresado de esta manera, no hace más que una canción, Led Zeppelin dejaba al oyente igualmente perplejo y divertido (sin mencionar furioso en algunos casos) con su extraña D'Yer Mak'er a ritmo de reggae. Pasar al frío paisaje previo a la batalla de “No Quarter” puede parecer un movimiento extraño después de una pista de Zeppelin tan poco característica, pero, a decir verdad, realmente no existe una forma adecuada de realizar la transición a una canción como “No Quarter”, incluso si la banda hubiera colocado un rockero a toda velocidad como “Black Dog” antes de este corte, todavía habría una inevitable sensación de presentimiento con las notas iniciales de esta canción. El poder de “No Quarter” aún no ha flaqueado 40 años después de su lanzamiento al público. Es sin duda una de las obras maestras compositivas de Zeppelin.

“Los vientos de Thor soplan fríos”, entona Plant. Como sucesor espiritual de “La batalla de Evermore” de Zoso , “No Quarter” desplaza el discurso sobre la guerra del ámbito de las referencias de JRR Tolkien a una discusión filosófica sobre la naturaleza de la violencia. Los ejércitos de esta canción “eligen el camino por donde nadie va”, la inversión que hace Plant del aforismo bíblico sobre la puerta estrecha es un movimiento extremadamente bueno y amenazador en este caso, este camino es tan misterioso como el mensaje que llevan los soldados "vestidos de acero que es brillante y verdadero", Plant insiste en que "llevan noticias que deben difundirse", pero nunca se hace explícito cuál es esta noticia, lo único que queda claro en la letra es que estos soldados, sean quienes sean, "no tendrán cuartel". Como se describe en la canción, estos soldados, también llamados “perros de la fatalidad”, son una fuerza omnipresente e implacable, una fuerza que la naturaleza nunca podría contener. El mundo de “No Quarter” es uno donde la violencia ha llegado a su punto sin retorno, un hecho reflejado en la música, en lugar de quedar atrapado en riffs brutales o arreglos febriles, Zeppelin deja que el ambiente establezca el escenario. No tiene sentido intentar luchar contra los soldados que han abandonado la rendición. Cuando concluye, se revela como uno de los momentos decisivos de Led Zeppelin como banda, incluso después de terminar su carrera con un album relativamente más débil (aunque, que se sepa: In Through the Out Door es increíble ), aun así lograron no dar cuartel en vivo, aunque estuvieran arrugados y envejecidos. “No Quarter” es emblemático de la banda que Led Zeppelin siempre ha sido: innovador, pesado y, quizás lo más importante, intransigente. A medida que el heavy metal comenzó a surgir del mismo lodo primordial que forjó el hard rock a principios de los años 70, fueron canciones como “No Quarter” las que proporcionaron un vínculo clave con la evolución del género. Los mundos del rock y el metal serían muy diferentes hoy en día si no fuera por este sonoro grito de batalla.

1040.- The Faith Healer - The Sensational Alex Harvey Band

Después de años de intentar encontrar el vehículo musical adecuado para transportarlo a las listas de éxitos, en 1973 Alex Harvey aparentemente había encontrado la banda de acompañamiento que había estado buscando durante toda su vida adulta al asociarse con los componentes de Tear Gas para formar la llamada Sensational Alex Harvey Band , su álbum debut, Frame, se publico rápidamente y, al darse cuenta de que estaban en algo bueno, se aseguró de regresar al estudio lo antes posible. para mantener el impulso, el álbum resultante fue Next y consolidó la posición de la banda con un toque teatral apropiado. SAHB era una banda que no encajaba cómodamente en ningún casillero en ninguna etapa de su carrera. En Harvey tenían un líder con océanos de actuación y experiencia de vida, y la presentación en el escenario era un punto fuerte particular de la banda, con los cinco miembros contrastando trajes escénicos (mientras que el propio Harvey a menudo se vestía como un pirata callejero, los primos de los McKenna, Ted y Hugh en la batería y los teclados, respectivamente, siempre parecían refugiados de un acto de salón de mala calidad, el bajista Chris Glen a menudo tocaba Glam Rock, mientras que el guitarrista Zal Cleminson habitualmente usaba maquillaje de payaso) y un poder en vivo innato y una presencia combinada en el escenario que pocos los actos de la época podrían igualar.

Faith Healer es una composición fascinante y estimulante que profundiza en el intrigante tema de lo sobrenatural y el poder de la fe. Lanzada en 1973, esta canción ha trascendido el tiempo y continúa cautivando al público con sus inquietantes melodías y letras introspectivas. En esencia explora la idea de ilusión, engaño y las líneas borrosas entre la realidad y la fantasía. El protagonista de la canción es un carismático curandero que posee la capacidad de manipular y cautivar a su audiencia. Predica palabras de curación, infundiendo esperanza y fe en los corazones de quienes buscan consuelo en su presencia. Sin embargo, a medida que avanza la canción, queda claro que hay más en este curandero de lo que parece. A lo largo de la canción, la letra insinúa los aspectos más oscuros de la personalidad del personaje. El pegadizo estribillo, “Él es un mentiroso y yo debería saberlo”, sugiere una sensación de escepticismo hacia los supuestos milagros del curandero. La letra continúa explorando las complejidades de su personaje, describiéndolo como un “hijo del trabajo con manos cachondas”, lo que refleja tanto su poderoso carisma como sus métodos cuestionables. A medida que la canción avanza, la espeluznante composición y las voces teatrales se intensifican, pintando una vívida imagen de un hombre que se nutre de la vulnerabilidad y la desesperación de los demás. La música de Faith Healer juega un papel vital a la hora de realzar el significado de la canción y transmitir su mensaje. Las inquietantes melodías, la instrumentación dramática y las voces teatrales crean una atmósfera oscura y misteriosa, brindando a los oyentes una visión del enigmático mundo del curandero.

1009.- Mama Weer All Crazee Now - Slade

 

Mama Weer All Crazee Now, Slade

     Slayed? es el tercer álbum de estudio del grupo británico, pionero del glam rock, Slade. Fue grabado bajo la producción de Chas Chandler, y publicado en noviembre de 1972 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista nada menos que 34 semanas. También se convirtió en el disco más exitoso del grupo en Estados Unidos de la década de los 70, llegando a alcanzar el puesto 69 en dicho país y permaneciendo durate 26 semanas. En el año 2001fue incluido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir, y en el año 2010 la revista especializada Classic Rock consideró Salyed? como un "clásico esencial", incluyendo además que la grandeza y majestuosidad de este disco residía en las baladas melancólicas.

Incluido en este álbum se encuentra Mama Weer All Crazee Now, lanzada como sencillo principal del álbum. La canción llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de sencillos del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista durante diez semanas. Esta fue la primera canción que el bajista Jim Lea escribía por su cuenta, siendo la letra escrita por Noddy Holder, quien se inspiró al ver el escenario después de un concierto en Londres y observando el estado en el que habían quedado los asientos, al borde del destrozo. Entonces pensó que todos debían haber estado como locos aquella noche, lo que le sirvió de inspiración. La canción se tituló originalmente My My We're All Crazy Now, el cual fue cambiado por su mánager Chas Chandler, y el error ortográfico intencional que aparece se convirtió en una marca registrada del grupo, mucho antes incluso de que Prince hiciera algo similar.

0987.- All the Young Dudes - Mott the Hoople

"All the Young Dudes" (1972) entra por méritos propios en una categoría en la que están las canciones consideradas como auténticos himnos de una generación o de un estilo musical determinado, y esconde además un gran acto de generosidad por parte de su autor (David Bowie), que para ayudar a rescatar a Mott the hoople, una banda al borde de la separación a la que solo podía ya salvar un gran éxito, cedió una canción que, de haberla grabado para uno de sus discos, habría supuesto otro éxito absoluto en una carrera ya de por sí brillante.

La canción no solo relanzó la carrera de la banda, sino que con su energía desbordante y un mensaje generacional que, con el paso del tiempo, ha demostrado ser atemporal, se convirtió en uno de los grandes himnos del glam rock y en la canción más recordada del grupo. Su mensaje de búsqueda de la propia identidad durante la adolescencia, en un mundo que no siempre entiende las necesidades y sentimientos de las nuevas generaciones, va renovando su validez década tras década, ya sea en la voz de Ian Hunter, o en cada una de las interpretaciones que David Bowie hizo de su canción, que se convirtió en tema fijo de su repertorio en directo.

Musicalmente, la canción te engancha desde el primer minuto con su distintivo riff de guitarra, la intensidad de la proclama en sus estrofas, y un estribillo construido para cantar a coro en los estadios. En conjunto, estamos ante un espectacular himno que ha dejado también su influencia en la obra posterior de muchos artistas, no solo del glam rock (T. Rex), sino de grupos de décadas posteriores como Queen o Roxy Music, herederos pop de la androginia y la grandiosidad del glam rock de los años setenta.

0983.- Whiskey In The Jar - Thin Lizzy

 

Whiskey In The Jar, Thin Lizzy

     Whisky in the Jar es una canción tradicional irlandesa ambientada en las montañas del sur de Irlanda, la cual menciona además específicamente los condados de Cork y Kerry. Esta canción tradicional relata la historia de un bandolero que después de robar a un funcionario militar es traicionado por una mujer, la cual no queda claro si es su novia o su esposa. Versiones posteriores de la canción sitúan la acción en otros condados además de los citados kerry y Cork. También hay quien ha situado el relato en el sur de Estados Unidos, en las montañas Ozarks o en los Apalaches, probablemente debido al asentamiento de irlandeses que existían en ambos lugares. Los nombres de los protagonistas de la versión también son cambiantes, así como los detalles de la traición.

La canción cobró mucha importancia cuando la banda irlandesa de folk The Dubliners la interpretó por primera vez, llegando a grabarla en tres álbumes en la década de los años 60. En Estados Unidos sería el grupo The Highwaymen quien la graba por primera vez, concretamente en 1962. Muy famosas son las versiones que realizarían más tarde The Pogues en 1990, Brian Adms en 2019, o Metallica en 1998, cuya versión les llevó a conseguir un premio Grammy en el año 2000.

De todas estas versiones destaca quizás una por encima de las demás, la realizada en 1973 por el grupo irlandés Thin Lizzy, liderado por Phil Lynott. La importancia de la versión de este grupo radica en que la matoría de las versiones posteriores son realizadas bajo los estándares empleados por el grupo de Phil Lynott. 

En 1973 Thin Lizzy saca su tercer álbum de estudio, Vagabonds of the Western World, disco que supone el último grabado por Eric Bell, y cuya portada es la primera elaborada por el artista irlandés Jim Fitzpatrick, quien realizará pra el grupo unas cuantas más posteriormente. Curiosamente en este disco no aparece incluida Whiskey in the Jar, la cual fue incluida en la reedición posterior de este disco para formato CD del año 1991. 

La explicación de que no aparezca este gran éxito del grupo en ningún álbum en aquel momento es muy simple. La canción era un tema que el grupo solía tocar entre bastidores durante las giras de conciertos, por lo que son animados para que la graben, algo con lo que la banda no estaba muy de acuerdo, pues Phil Lynott consideraba Thin Lizzy una banda de rock, no de folk. Originalmente esta canción estaba destinada a salir como single ocupando la cara B, pues para la cara A habían grabado Black Boys On The Corner, la cual aparece en el segundo álbum de estudio del grupo, Shades of a Blue Orphanage. Incluyeron Whiskey in the Jar en el sencillo porque en realidad no tenían nada más que ofrecer en aquel momento. Serán los responsables de la compañía discográfica, Decca Records, quienes inviertan el orden de caras en el single, poniendo en la cara A Whiskey in the Jar, Pensaban que esta canción podría ser un potencial sencillo, no se equivocaban.

Phil Lynott no era el único miembro del grupo al que no le gustaba en demasía este tema, según Brian Downey, baterista del grupo: "En cierto modo, fue algo malo para la banda, porque nos encasilló como un grupo de folk - rock. Dimos unos pocos conciertos en el norte de Inglaterra y todo el mundo acudió esperando escuchar algo de música folk. Y claro, cuando se dieron cuenta de que éramos una banda de rock directo y conciso, muchos de ellos se acabaron marchando"... "Así que este hit nos hizo dar unos cuantos pasos atrás. También es cierto que tampoco ayudaba que tanto Phil Lynott como Eric Bell (los otros do miembros de la banda en aquel momento) estuvieran dando conciertos por su cuenta en clubs de folk irlandeses. Eso, añadido a la creencia de que Thin Lizzy tocaba música folk, nos dejo en una mala situación". 

Esta es la explicación de por qué Phil Lynott renegaba de su primer gran éxito, pues consideraba que esta canción no representaba para nada la esencia musical de la banda ni la suya propia.

0915.- Laundromat - Rory Gallagher

 

Laundromat, Rory Gallagher

     Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en Taste. Rory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk.

Incluido en este álbum se encuentra Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de Taste. Rory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Según el hermano de Rory, Donald Gallagher, "Taste estaba en las listas de éxitos, encabezando los principales festivales, pero sin ver recompensa alguna en forma de ganancias. Más tarde cuando me convertí en representante de Rory, insistí en que fueramos a los tribunales para obtener las regalías, pero Rory estaba reacio, no le gustaba el  conflicto". Y es precisamente esa bondad de rory, rara avis en un artista de primer nivel, la que no traslada a esta brillante canción sobre el placer de dormir en una simple lavandería, y donde a pesar de no tener ropa que lavar, puede encontrarse con amigos en la misma. Rory afirmaba en una entrevita hecha en 1991 sobre su forma de escribir: "Trato de sentarme y escribir una canción de Roy Gallgher, que generalmente resulta ser bastante blues. Trato de encontrar diferentes temas y tems que no hayan sido cubiertos antes, he hecho canciones en todos los estilos diferentes... entrenar blues, beber blues, blues económico. Pero siempre trato de encontrar un ángulo diferente en todas esas cosas". A quién, si no, se le podría ocurrir hacer un brillante tema sobre una lavandería...

0914.- Crest of a wave - Rory Gallagher

En la "cresta de la ola" compositiva e interpretativa estaba Rory Gallagher cuando publicó su segundo álbum "Deuce" (1971), un disco que, al contrario que su álbum de debut, huía de la perfección sonora para centrarse en reproducir en el estudio la energía y la fuerza de sus interpretaciones en directo. Grabado en formato de "power trío" (batería, bajo y guitarra), está considerado uno de los picos creativos del genial guitarrista irlandés.

Crest of a wave no es solo la canción con la que cierra el disco, sino que además es el momento más álgido y afilado de un álbum cuyo sonido ya es de por sí crudo e impactante. En la que es la auténtica canción estrella del disco, la batería y el bajo crean un impactante carril sonoro por el que la maestría de Gallagher con la guitarra y su gran dominio del slide alcanzan velocidad de crucero, entregando al mundo una obra maestra de apoteósica agresividad eléctrica, y haciéndonos sentir que realmente hemos llegado a la "cresta de la ola" de un disco de impactante escucha.

0913.- Can’t Believe It’s You - Rory Gallagher

Rory Gallagher, el gran guitarrista, cantante y compositor irlandés editó en 1971 su primer álbum en solitario. Recordemos que este gran guitarrista empezó su carrera muy joven en bandas como Fontana, o la más conocida Taste en formación de power trío. Desecho Taste, montó su propia carrera en solitario, que fue muy prolífica sobre todo en la década de los años 70. Fue en esa época en la que su paleta se amplió partiendo del rock y el blues, hasta llegar al hard rock o incluso el jazz. "Rory Gallagher" es el sencillo título del primer disco del guitarrista irlandés en solitario, después de su etapa con el grupo "The taste". Fue grabado en 1971, cuando Rory tenía 23 años. Por la foto oscura de la portada, ya casi se puede adivinar que se trata de un disco más intimista y personal. The Taste tuvo que disolverse pues el mánager del grupo les estafaba dinero contínuamente con las giras y las ventas de discos, esto provocó finalmente la ruptura de la banda y Rory Gallaguer optó por continuar su carrera con su hermano Donald y él mismo controlando la parte económica de su actividad musical.

Por todo esto sus ánimos no se encontraban en su mejor momento, aunque en lo referente a creatividad e interpretación, nos encontramos con lo que es para mí, uno de sus mejores discos. Ni muy enfocado al blues ni muy enfocado al rock, sino un punto intermedio muy personal, con algún acercamiento al folk y al jazz. Este primer disco ya tenía sobradas notas de la gran calidad que atesoraba y me parece un trabajo muy completo. Hoy me quedo con la canción Can't believe It's true, que acababa el álbum original (en las ediciones remasterizadas hay dos temas extra), un medio tiempo de una calidad tremenda donde suenan vientos y la mezcla con su guitarra es espectacular, caminando cual jam session a terrenos incluso jazz. En este tema, Gallagher logra conmoverte, a través de su forma de tocar la guitarra, a menudo salvaje y muy emotiva. En más de un caso tienes la impresión de que Gallagher se está volviendo loco con su stratocaster sin ningún tipo de restricción, pero funciona la consecuencia es que es bastante impulsivo y sincero, lo cual encaja perfectamente, porque el bluesrock se trata de transmitir emociones personales, y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.

0899.- Stairway to heaven - Led Zeppelin

Stairway to heaven es, con permiso de un buen puñado de otras canciones memorables de la banda, la obra maestra de Led Zeppelin, siete minutos irrepetibles que forman ya parte de la historia de la música con mayúsculas, y que son los más emitidos por radio de la historia, junto con el "Yesterday" de The Beatles. Ambas canciones están, a día de hoy, por encima de los 4 millones de emisiones desde su publicación, pero en el caso de Stairway to heaven el mérito quizá sea mayor, ya que nunca llegó a publicarse como sencillo.

Compuesta en un primer momento por Jimmy Page en Bron-Yr-Aur, una cabaña semi abandonada en la que la banda grabó el álbum Led Zeppelin III, y terminada junto a Robert Plant en Headley Grange, una mansión de estilo victoriano en Hampshire, fue grabada en los estudios Island de Londres, e incluida en el cuarto álbum de estudio de la banda, una obra sin nombre a la que todo el mundo bautizó como Led Zeppelin IV, continuando con la línea de nombres de los tres trabajos anteriores. La repercusión de la canción fue tal, que la decisión de no publicar Stairway to heaven como sencillo provocó que las ventas del disco se dispararan, convirtiéndolo en uno de los discos más vendidos de la historia.

Stairway to heaven comienza con una leve guitarra acústica, a la que se une la voz de Robert Plant. La canción va creciendo en intensidad progresivamente, reforzada la melodía con la entrada de la batería y el bajo, hasta desembocar en un furioso tramo final con los ramalazos de guitarra y el solo de Page, considerado por muchas publicaciones como el mejor solo de guitarra del rock, y con la desatada voz aguda de Plant haciendo que todo salte por los aires. La intensidad vuelve a decrecer entonces paulatinamente, y el tema concluye con la solitaria y, de nuevo, calmada voz de Plant repitiendo la frase que contiene el misterioso título de la canción: "And she's buying a stairway to heaven" ("Y ella está comprando una escalera hacia el cielo").

0898- Led Zeppelin - When the levee breaks

0898- Led Zeppelin - When the levee breaks

Dentro del vasto universo del rock, hay canciones que se convierten en auténticos íconos, cuyos acordes resuenan en la memoria colectiva de varias generaciones. Un claro ejemplo de eso es "When the Levee Breaks" de la legendaria banda británica Led Zeppelin. Lanzada en 1971 como parte de su cuarto álbum de estudio, titulado "Led Zeppelin IV", esta canción épica ha dejado una marca imborrable en la música, convirtiéndose en un referente indiscutible de la habilidad y creatividad de la banda.

"When the Levee Breaks" se destaca por su poderío y su inconfundible estilo. La canción arranca con una intro de batería inolvidable, interpretada por John Bonham, que rápidamente se transforma en una de las más famosas y reconocidas de la historia del rock. El ritmo atronador y la reverberación característica generan una sensación de inmensidad que establece el tono de la canción y prepara al oyente para un viaje musical intenso.

A medida que la canción avanza, las guitarras de Jimmy Page se suman a la mezcla, llenando el espacio sonoro con riffs y acordes potentes. La habilidad de Page para crear texturas y ambientes únicos queda claramente plasmada en esta pieza. El bajo de John Paul Jones, por su parte, aporta una base sólida y contundente que enriquece aún más el sonido general de la canción.

La voz de Robert Plant se eleva con una pasión desbordante, transmitiendo una mezcla de angustia y determinación. Su interpretación se fusiona perfectamente con la instrumentación, aportando una dosis extra de emotividad a la canción. Las letras, inspiradas en una antigua canción de blues, narran la devastación causada por una inundación y evocan una sensación de desesperación y resistencia frente a la adversidad.

La producción impecable de "When the Levee Breaks" merece ser destacada. La forma en que cada instrumento se entrelaza y se mezcla crea una atmósfera hipnótica y envolvente. El sonido característico de la canción, logrado en gran parte mediante técnicas de grabación únicas, ha influenciado a numerosos artistas y ha sido objeto de estudio y admiración por parte de músicos y productores.

"When the Levee Breaks" es una obra maestra del rock que demuestra el genio creativo de Led Zeppelin. Su poderío instrumental, su producción magistral y la interpretación apasionada de los miembros de la banda se combinan para crear una experiencia musical inolvidable. Esta canción se ha convertido en un himno del rock y en un ejemplo perdurable de la influencia de Led Zeppelin en la música popular. "When the Levee Breaks" sigue resonando con fuerza, generación tras generación, y continuará siendo una pieza esencial en la historia del rock.

Daniel
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0897.- Rock and Roll - Led Zeppelin

 "Rock and Roll", del legendario cuarto álbum de Led Zeppelin, es un himno reconocible desde sus primeras notas, la grandilocuente canción fue creada con el mentor de los Rolling Stones, Ian Stewart, tocando el piano. Durante la sesión improvisada, el baterista John Bonham tocó la introducción de "Good Golly Miss Molly"/"Keep a Knockin'" y Jimmy Page añadió el riff básico de guitarra, publicado como sencillo, "Rock and Roll" es tal como su nombre lo indica... ¡tres minutos y cuarenta segundos de puro rock and roll! Impulsado por la batería grandilocuente de John Bonham y los poderosos riffs de Jimmy Page, los rellenos de piano de Ian Stewart aumentan el corte dinámico en el que Robert Plant se enorgullece de afirmar que el grupo ha vuelto al negocio. Como descubre su título, la canción tiene un sonido muy rockero y ciertamente demuestra que Zeppelin toca rock and roll muy puro sin ninguna composición no convencional, instrumentación externa, etc. Robert Plant escribió la letra, que fue una respuesta a los críticos que afirmaban que su álbum anterior, Led Zeppelin III , no era realmente rock and roll. Led Zeppelin III tenía más un sonido folk acústico, y Plant quería demostrar que aún podían rockear. "Simplemente pensamos que el rock and roll necesitaba ser retomado", le dijo a Creem en 1988. "Me encontraba en una banda realmente exitosa, y sentimos que era hora de realmente patear traseros. No era algo intelectual, porque no teníamos tiempo para eso, solo queríamos dejar que todo saliera a flote. Era algo muy animal, algo infernalmente poderoso, lo que estábamos haciendo".

La canción comienza con un ritmo de percusión tocado por John Bonham antes de que Page se una con su famoso riff de guitarra que estoy seguro que mucha gente ha escuchado en algún momento u otro. Plant entra con la voz y, como en casi todas las pistas de Led Zeppelin IV, su melodía es pegadiza y adecuada y su voz tiene una buena cantidad de poder detrás de ella. La estructura de esta canción es bastante sencilla ya que es rock and roll tradicional, pero la canción no se vuelve aburrida debido a la excelente cantidad de energía que se pone en la pista. Otra de los aciertos es que Rock And Roll tiene una duración aceptable, así que me alegro de que Zeppelin no intente alargar la canción a longitudes innecesarias, ya que se volvería aburrida.

0895.- Black Dog - Led Zeppelin

 

Black Dog, Led Zeppelin

     Poco más se puede decir o añadir de uno de los mejores álbumes de la historia del rock, del cual se han rellenado infinidad de páginas, Led Zeppelin IV. Este indispensable disco se grabó entre diciembre de 1970 y febrero de 1971 en el estudio móvil de los Rolling Stones y los Island Studios de Londres, bajo la producción de Jimmy Page, y publicado el 8 de noviembre de 1971 bajo el sello discográfico Atlantic Records.

A pesar de no tener título, Led Zeppelin IV es como se conoce para mantener la numeración de sus anteriores álbumes, aunque también es conocido por otros nombre como Zoso, Runes, Four Symbols, Four o incluso Untitled. Jimmy Page decidió editar el disco sin título o nombre alguno en la tapa, ni siquiera el nombre del grupo después de la fría recepción que tuvo tercer álbum de estudio de la banda, Led Zeppelin III. La única inscripción que aparecía en la edición original era la frase "Produced by Jimmy Page" en la funda interior. 

Uno de los temas incluidos en el álbum es Black Dog, el cual también fue editado como sencillo junto con Misty Mountain Hop en la cara B. Fue el primer sencillo del disco y llegó a ocupar el puesto número 15 en las listas de ventas de Estados Unidos. El característico riff sobre el que se construye la canción no es el de una guitarra, es el bajo de John Paul Jones. La canción ocupa el puesto número 300 en la lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos", elaborada por la revista Rolling Stone.

La canción fue llamada Black Dog porque en la villa en la que se encontraban grabando aparecía frecuentemente un perro labrador que aparentemente no tenía dueño. Curiosamente la letra no tiene nada que ver, pues nos habla de la dureza y la crudeza una ruptura sentimental. Estamos ante un poderoso blues progresivo con un contundente y poderoso riff , y con la voz de Robert Plant dándolo absolutamente todo. Esta canción se convirtió por derecho propio en imprescindible en la carrera de la banda.

0860.- Baba O'Riley - The Who

"Baba O'Riley" es, junto a "Won't get fooled again" y "Behind Blue Eyes",  la tercera gran pieza de "Lifehouse", el abandonado proyecto de gran ópera rock en la línea de Tommy. Fue el segundo single de "Who's next", y tuvo además el honor de ser la elegida para abrir el disco. En la canción destaca, de nuevo y especialmente, el magistral uso de los teclados, que tejen una tela de araña sonora que acompaña a la perfección a los intensos ramalazos de guitarra de Pete Townshend.

Al final de la canción, poco después de que Roger Daltrey cante la mítica frase "It's only teenage wasteland" (Es solo yerma tierra adolescente) The Who nos sorprenden con la aparición de un ecléctico violín (a cargo de Dave Arbus), demostrando que "Baba O'Riley" es justo todo lo contrario, un terreno fértil de deslumbrante creatividad y maduros frutos musicales.

"Teenage Wasteland" fue precisamente el nombre inicial que planearon para la canción, pero al final se decantaron por "Baba O'Riley", en referencia al compositor minimalista Terry Riley y a Meher Baba, por entonces gurú de Pete Townshend, en lo que es un nuevo rastro de la temática conceptual y de la ópera rock de la que provienen la mayoría de temas del disco, porque la canción "Bargain" comienza curiosamente con una frase de este particular gurú: "Me encantaría perderme para encontrarte".

0859.- Behind blue eyes - The Who

"Behind Blue Eyes" fue escrita por Pete Townshend como la canción principal de su proyecto de ópera rock "Lifehouse", pero cuando The Who abandonó el proyecto, fue incluida junto con otras siete canciones en el disco "Who's next" (1971), y se convirtió en el segundo single publicado para ese álbum. Como single, alcanzó el número 34 en el Billboard Hot 100 estadounidense, y se convirtió en una de las canciones más famosas de la banda inglesa.

La canción se construyó con dos partes diferentes, en lo que supuso uno de los cambios de ritmo más brillantes del disco. En la primera parte, no aparece en ningún momento la batería, en lo que el biógrafo de la banda describió después como "el tiempo más largo que Keith Moon estuvo quieto en toda su vida". Comienza con una guitarra acústica, como único acompañamiento de la voz de Roger Daltrey, y poco a poco van entrando el bajo y las armonías y arreglos. Este primer tramo funciona como balada pausada y suave, y contrasta con el abrupto arranque eléctrico con el que se da paso a la segunda parte de la canción, que muta a un rock vibrante y enérgico con un riff similar al de "Won't get fooled again" (sin duda un rastro de su origen común en la ópera rock "Lifehouse"), hasta que, al final, retoma el esquema acústico y calmado del inicio.

La letra de "Behind Blue Eyes" está escrita desde el punto de vista de Jumbo, el villano de la ópera rock "Lifehouse", mostrando en primera persona su enfado y su angustia ante la soledad y la presión que sentía dentro del argumento de "Lifehouse". El resto de miembros de The Who pensaban que la canción era en realidad un reflejo de la situación personal de Townshend tras el éxito de "Tommy" (1969), agobiado por la presión de ser el miembro de la banda que ideaba los conceptos y escribía las canciones, y al que todo el mundo preguntaba cuál sería el siguiente paso de la banda.

0858.- Won't Get Fooled Again - The Who

Tras haber entregado una de sus obras magnas, la intrincada ópera rock de Tommy (1969), The Who se embarcaron en otro megalómano proyecto al que llamaron Lifehouse, una ópera rock futurista que planeaban grabar en vivo, e interactuando abiertamente con el público. La extrema complejidad de la propuesta, y la respuesta negativa del público, más interesado en escuchar los hits anteriores, estuvo a punto de costarles la separación, y tras varios infructuosos intentos, abandonaron ese enfoque, y rescataron varias canciones de Lifehouse para grabar Who's next (1971), su quinto álbum de estudio.

Hasta ocho de los nueve temas del disco provienen del proyecto Lifehouse, y liberados del complejo hilo argumental de aquella fallida ópera rock conceptual, perfeccionaron hasta tal punto las canciones en el estudio, que terminaron por entregar su mejor disco, y algunos de los singles más relevantes de su carrera. El primero de ellos, "Won't get fooled again" ("No nos engañarán de nuevo"), es además el primer tema que se grabó para el disco, un hit de más de siete minutos en el que manejaron con maestría los sintetizadores, un recurso nada habitual para la banda hasta entonces.

En busca de un nuevo rumbo musical, el órgano y los efectos de los sintetizadores de Pete Townshend toman con fuerza el timón de la canción, mientras Daltrey escupe proclamas que son, a la vez, anti-revolucionarias e instigadoras de la lucha en las calles. Con "Won't get fooled again", eran conscientes de la utopía que se escondía tras las proclamas para cambiar el politizado orden establecido, pero sí que lograron encontrar un nuevo enfoque para su música, y facturar con ello un tema tan épico y descomunal, que cierra en todo lo alto un disco que tiene la grandiosidad y la envergadura de la ópera rock que al final no fue.

0835-. Dublin - Thin Lizzy

 

Dublin, Thin Lizzy

     Entra en escena el mítico grupo irlandés Thin Lizzy con Dublin, la canción, que en mi humilde opinión, contiene la primera gran letra escrita por Phil Lynott, compositor y alma mater del grupo. En un principio, dicha canción había sido escrita para formar parte del álbum debut de la banda, titulado Thin Lizzy, el cual fue lanzado por el sello discográfico Deram Records el 30 de abril de 1971, pero finalmente fue descartado. El tema sería incluido posteriormente junto a otros tres temas, Remembering Part 2, Old Moon Madness y Thing Ain't Workin' Out Down at the Farm, para formar parte de New Day, un Ep lanzado por el sello discográfico Decca Records el 20 de agosto de 1971. Dicho Ep tuvo apenas repercusión y fue considerado como un tropiezo en toda regla, otro fallido intento del grupo en alcanzar una fama y gloria que se les resistía y que no les llegaría hasta unos años más tarde.

Aunque Thin Lizzy suele ser recordada principalmente como una potente banda de rock precursora incluso de heavy metal y del sonido de guitarras gemelas, en sus orígines tuvo un lado más sentimental y más suave que su compositor Phil Lynott solía mostrar en composiciones como ésta, Dublin, una bella y lenta canción que comienza con una guitarra acústica arpegiada y aumentada con una guitarra eléctrica muy tenue, todo ello a cargo del guitarrista Eric Bell. 

Dublin es un tema intensamente personal y todo un tributo a la ciudad natal de Phil Lynott, Dublín. Aunque el músico realmente nació en cerca de Brimingham y paso sus primeros años a caballo entre Manchester y Dublín, nunca tuvo la más mínima duda de considerarse dublinés e irlandés de pies a cabeza. La canción es una hermosa y triste reflexión de la ciudad que había marcado y moldeado a Lynott. Es corta pero intensa, y llega a capturar cosas como la esencia del lugar, el exilio, el sentimentalismo, la melancolía, la falta de dinero y oportunidades o los hitos locales recordados con cariño. Dublin fue escrita como lo que en realidad es, un poema, y existe una grabación de Lynott recitada como tal, pero con el acompañamiento musical y la voz de Lynott, tal y como fue grabada en el EP, la canción cobra más fuerza.

0826 - The Doors - Love her madly

0826 - The Doors - Love her madly

Love Her Madly es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors. Fue lanzado en marzo de 1971 y fue el primer sencillo de L.A. Woman, su último álbum con el cantante Jim Morrison. Love Her Madly se convirtió en uno de los mayores éxitos de los Doors;  alcanzó el puesto número once en la lista de sencillos Billboard Hot 100 y alcanzó su mejor posición, y en el número tres en Canadá.

La canción fue escrita por el guitarrista de la banda, Robby Krieger, que escribió Love Her Madly durante el período del donde Jim Morrison afrontaba un juicio en septiembre de 1970. Compuso la música mientras experimentaba con una guitarra de doce cuerdas, y se inspiró para escribir la letra de sus problemas y peleas con su entonces novia y luego esposa Lynn. Ray Manzarek ha dicho que el título de la canción fue tomado de la línea de Duke Ellington We love you madly, un eslogan que pronunció a la audiencia al final de sus conciertos.

Según el productor de The Doors, Paul A. Rothchild, Love Her Madly fue la canción que instigó su salida del L.A. original. Sesiones de mujeres, con Rothchild descartando la canción como "música de cóctel". Por el contrario, Krieger ha afirmado que "Riders on the Storm" era la canción a la que se refería Rothchild. Tras la salida de Rothchild del proyecto, los Doors optaron por autoproducir el álbum, en asociación con el ingeniero Bruce Botnick.

El lado B del sencillo, "You Need Meat (Don't Go No Further)", es la única grabación de estudio lanzada por los Doors durante el mandato de Jim Morrison con el grupo que presenta la voz principal del teclista Ray Manzarek. También es uno de los tres lados B de los Doors que no pertenecen al álbum, los otros dos son "¿Quién te asustó?" (cara B de "Wishful Sinful") y la relativamente rara pista posterior a Morrison "Treetrunk" (cara B de "Get Up and Dance"). "(You Need Meat) Don't Go No Further" tuvo su primer lanzamiento oficial de álbum en la compilación Weird Scenes Inside the Gold Mine, y posteriormente se incluyó en la caja de Perception de 2006 y como bonus track en la reedición de 2007 de L.A. Mujer.

Daniel 

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0825-. Riders on the Storm - The Doors

 

Riders on the Strom, The Doos

     El 19 de abril de 1971 la banda estadounidense The Doors publica su sexto álbum de estudio, LA Woman. El disco es grabado entre diciembre de 1970 y enero de 1971 en Los Ángeles, California (Estados Unidos), bajo la producción del mismo grupo y del ingeniero de audio y productor estadounidense Bruce Botnick. Elektra Records sería el sello discográfico encargado de la publicación y distribución de este álbum.

El grupo había alcanzado el éxito comercial la alabanza de la crítica en 1969, pero durante gran parte de ese año fueron incluidos en la lista negra de las listas de reproducción de radio, y sus reservas de conciertos habían disminuido debido a que su cantante, Jim Morrison, había sido acusado de blasfemias y exposición indecente en un concierto en Miami, Florida. En septiembre de 1970 Morrison fue condenado por dicho incidente, y poco después del veredicto el grupo ingresó en los estudios Susnset Sound Recorders de Los Ángeles para la grabación de lo que daría lugar a su siguiente álbum, LA Woman. Incluido en éste álbum se encuentra Riders on the Storm, canción de la que se cree fue el detonante para la salida del productor Paul A. Rotchild y la llegada de Bruce Botnick, algo que fue corroborado en su momento por el componente del grupo Robby Krieger y que fue desmentido por el propio productor. 

Esta fue la última canción que grabó Jim Morrison, pues luego se marchó a Francia, donde falleció unas semanas después. La canción fue lanzada como sencillo en junio de 1971, poco antes de la muerte del cantante. La canción es interpretada a menudo como un relato autobiográfico de la vida de Morrison. El se consideraba a sí mismo como un Rider on the Storm (Jinete en la tormenta). La alusión al "Asesino en el camino" es una referencia a un guión que escribió llamado The Hitchhiker (An American Pastoral), donde Morrison iba a interpretar el papel de un autoestopista que emprende una ola de asesinatos. La letra se puede intepretar como la representación del miedo recurrente de Morrison, que en un viaje en coche con sus padres, atravesando el desierto, vió un coche tirado en la cuneta tras un accidente. Personificó el impacto de aquella escena en la figura del asesino, que en esta ocasión hacía autostop en la carretera.

Al parecer el tema  evolucionó a partir de una jam session cuando la banda estaba tocando "Ghost Riders in the Sky", una canción sobre vaqueros de Stan Jones de 1948, que luego sería grabada por infinidad de artistas. El grupo trajo a los bajistas Marc Benno y Jerry Scheff para tocar en el álbum. Fue a Scheff a quien se le ocurrió la línea distintiva de la canción después de que Manzarek le tocara lo que tenía en mente en su teclado.