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miércoles, 26 de febrero de 2025

Hardwired... to Self-Destruct - #MesMetallica

 

Hardwired... to Self-Destruct


     Con su décimo álbum de estudio, Hardwired... to Self-Destruct, cerramos el mes dedicado al grupo estadounidense Metallica, grupo que desde su creación en 1982, ha generado un gran número de seguidores y sus álbumes de estudio han encabezado de forma constante la lista Billboard 200 de Estados Unidos. Fue grabado entre mayo de 2015 y agosto de 2016 en lo Metallica's HQ Studios de San Rafael, California, bajo la producción de Greg Fidelman, y de Lars Ulrich y James Hetfield, y publicado el 18 de noviembre de 2016  bajo el sello discográfico Blackened Records.

Fue el primer álbum de estudio de Metallica en ocho años después de Death Magnetic (2008), marcando la brecha más larga entre álbumes de estudio en la carrera de la banda, y su primer álbum de estudio lanzado a través de Blackened Records. Hardwired... to Self-Destruct fue el sexto álbum de estudio consecutivo de Metallica en debutar en el número uno en el Billboard 200 de Estados Unidos , vendiendo 291.000 unidades en su primera semana y encabezando las listas en 57 países El álbum recibió críticas generalmente positivas de los críticos, incluso el baterista de Metallica, Lars Ulrich, llegó a clasificar el álbum en el año 2020 como el mejor de la banda. 

El germen del álbum comenzó en el año 2011, cuando el grupo se juntó en un estudio con el productor Rick Rubin. El grupo daría forma a ese proyecto cinco años más tarde bajo la producción de Grag Fidelman. Hardwired... to Self-Destruct marca el primer álbum de estudio de la banda que no presenta contribuciones de composición de Hammett desde que se unió a la banda en 1983 antes de la grabación de Kill 'Em All . En 2015, Hammett había perdido su teléfono en el aeropuerto de Copenhague, el cual contenía casi 250 ideas de riffs.  Dado que Hammett no hizo una copia de seguridad de los datos, afectó su aporte creativo para el nuevo álbum y tuvo que comenzar de cero nuevamente mientras que  Hetfield y Ulrich tenían material para las canciones". El único crédito de escritura de Trujillo en el álbum fue la introducción de ManUNkind, que luego dijo que fue escrita como un tributo al ex bajista de Metallica Cliff Burton. En cuanto a las letras, siguen un tema general de nihilismo y pesimismo. El título, "Hardwired... to Self-Destruct", proviene de una frase que Hetfield escuchó. "Alguien me dijo el otro día, y se me quedó grabado, 'Hardwired... Hardwired to Self-Destruct'. Así que es como que no importa lo que hagas en tu vida, realmente estás tratando de no seguir ese camino que tal vez estás programado para seguir"



Entramos en meteria y abre fuego Hardwired, con un sonido trash metal de la vieja escuela del que el grupo nos tenía acostumbrados en sus inicios. Fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 18 de agosto de 2016, y es una de las canciones más cortas de la banda, con solo unos tres minutos de duración. Las letras pesimistas de la canción se centran en el concepto de una civilización consumida por la paranoia, el dolor y la locura. Si bien el concepto inicial de la canción era representar la idea de que las elecciones y los errores que comete una persona son parte de quiénes son, se ha interpretado de diferentes maneras, como las adicciones a las drogas, la sobredosis, o incluso representativa del clima geopolítico de 2016, particularmente el resultado de las elecciones presidenciales de Estados Unidos de ese año. Atlas, Rise! fue el primer sencillo del álbum y fue promocionado con una máscara de Halloween Hardwired de edición limitada gratuita en las tiendas de discos participantes que contenía un código de descarga especial para poder acceder a la canción 30 minutos antes del lanzamiento público completo. En cuanto a la letra, Hetfield se refiere a Atlas, la figura mitológica griega qe fue condenada por Zeus, por su participación en La Guerra de los Titanes, a sostener el cielo con ss hombros. En Now That We're Dead James Hetfield canta sobre alguien cuyo amante ha muerto y espera con ansias que se reencuentren en la otra vida. Sobre Moth into Flame James Hetfield afirmó que Amy Winehouse le sirvió de inspiración para la canción después de haber visto el documental Amy de 2015. "La canción se inspiró un poco en el documental de Amy Winehouse, 'Amy'. Cuando lo vi, me entristeció mucho que una persona tan talentosa como ella cayera en la fama. Pero, hasta cierto punto, veo esa mentalidad reflejada en la vida diaria"... "'Moth Into Flame' es bastante literal. En estos días, todo el mundo [tiene] una obsesión con ser famoso. Ser popular. Ya sea en tu cuenta de Facebook o caminando por la calle, viendo a alguien haciéndose selfies mientras camina por la calle. ¿Como qué? ¿Qué estás haciendo?". En definitva, canción inspirada en la forma en que tantas personas en la sociedad moderna viven todos los días luchando por ser reconocidas y amadas. Dream No More contiene referencias al Mito de Cthulhu, que es una mitología y un universo ficticio compartido , que tiene su origen en las obras del escritor de terror estadounidense H. P. Lovecraft. Halo on fire es La canción más larga del álbum, tiene una duración de 8:15. Sobre la canción, James Hetfield afrimó en la rvista del clubs de fans de la banda lo siguiente: "En 'Halo On Fire' hay una yuxtaposición en todos nosotros, el bien y el mal, y ¿cuándo sale eso, cuándo se muestra? Algunas personas se presentan como verdaderos santos, y cuanto más oscura es su oscuridad, más tienen que presentarse como santos. Así que básicamente te estás alejando del 'tú' real, como si estuvieras compensando todo esto lo que crees que es realmente mmalo"



En Confusion la banda 
explora el concepto de trastorno de estrés postraumático, ya que James Hetfield canta sobre un soldado cuya lucha constante con el TEPT le impide vivir con normalidad. El vocalista y guitarrista explicaba que la condición está muy extendida en la sociedad actual y no se limita solo a las fuerzas armadas, y el trastorno de estrés postraumático está en todas partes, cosas que te pasan en tu infancia, incluso figuras del deporte o cualquiera que use un uniforme, que haya salido y haya retratado una vida de servicio, de dar o de usar la fuerza. La sección instrumental de apertura de ManUNkind presenta al bajista del grupo, Robert Trujillo, tocando con los dedos una línea de bajo melódica junto a la guitarra de James Hetfield. La línea de bajo de Trujillo recuerda al estilo de tocar del fallecido Cliff Burton. Trujillo escribió la sección instrumental de apertura en memoria del ex bajista de la banda, quien murió en 1986 cuando el autobús de gira de Metallica se salió de una carretera helada en Suecia. La letra de Here Comes Revenge se inspiró en dos fans de Metallica que aparecían en los conciertos de la banda sosteniendo un póster de una chica. Cuando Hetfield tuvo la oportunidad de conocerlos, les preguntó por qué, él dijo: "Mi esposa y yo no éramos fans de la banda, pero ahora lo somos. Porque nuestra hija era una gran fan, y un conductor ebrio la mató". sobre ello Hetfield afirmaba: "Ella era joven. ¿Cómo no enojarse? ¿Cómo no querer ir a por alguien? Pero lo que eligieron hacer fue abrazar la música que ella amaba y conocerla a través de la música y conectarse de esa manera. Siguen apareciendo en los conciertos, lo cual me encanta. Ahora somos amigos. Y han superado algo que no creo que yo pudiera superar". Sobre Am I savage James Hetfield explicó a la publicación Rolling Stone Australia que la letra de esta canción impulsada por riffs habla de "darse cuenta de que hay una bestia en mí, y también hay una belleza en mí... de que puedo pasar de ser súper amable a una bestia jodida que no tiene ningún filtro real ni sentido común". Murder One  es un tributo al fallecido líder de Motorhead, Lemmy Kilmister. Según Hetfield "Motorhead tuvo mucho que ver con que Metallica esté aquí ahora. Lemmy como entidad, una especie de figura paterna, nos ayudó mucho. No tenía miedo y era un personaje. Y era él mismo. Todos lo respetábamos mucho. Hizo lo suyo hasta el último aliento. No importa quién seas, ¿cómo no te puedes sentir inspirado por eso?"  Lars Ulrich afirmaba que el hecho de haber segido a Motörhead en sus giras como fans lo ayudó a tomarse en serio a Metallica: "Cuando volví al sur de California, llamé a james y le dje: 'Escucha, tenemos que intentarlo', Motörhead es el catalizador". "Murder One" era el nombre del amplificador favorito de Lemmy en el escenario. Spit Out the Bone es la canción que cierra el álbum. Una canción qe nos habla de las comodidades de los avanes tecnológicos. "Queremos cosas más rápidas, queremos la conveniencia de la tecnología, pero ¿en qué punto la conveniencia se inclina hacia la dependencia? La necesitamos, o de lo contrario no sabemos qué hacer". Nos describe cómo las personas están conectadas entre sí a través de dispositivos móviles y cómo todos se están volviendo más dependientes de la tecnología.

De Hardwired... to Self-Destruct se editó una edición de Lujo en la cual había una tercera cara compuesta 14 canciones, donde se incluye una versión regrabada del tema Lords of Summer, que fue lanzada por primera vez como sencillo digital en su forma demo el 19 de marzo de 2014, varios temas de la banda grabados en directo en 2016 y versiones interpretadas en vivo que sirven como homenaje a Ronnie James Dio y Rainbow (Ronnie Rising Medley (A Light in the Black / Tarot Woman / Stargazer / Kill the King), Deep Purple (When a Blind Man Cries) y Iron Maiden (Remember Tomorrow)

Hardwired... to Self-Destruct es principalmente el trabajo de James Hetfield y Lars Ulrich. Como ya hemo comentado, Kirk Hammett no tiene ni un solo crédito como compositor, ya que el guitarrista perdió un iPhone lleno de riffs justo antes de la grabación, y también se ve disminuido en términos de solos, dejando el álbum como un escaparate para las construcciones musicales de Metallica. Lo que verdaderamente destaca e impresiona de este álbum es el conjunto, el pensamiento y la musicalidad dentro de las composiciones y las interpretaciones, elementos que siempre han estado en el núcleo de la banda y brillan intensamente en este penúltimo trabajo de la banda.

miércoles, 20 de noviembre de 2024

The Now Now - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

The Now Now, Gorillaz


     Gorillaz, la banda virtual inglesa que consta de cuatro personajes ficticios: 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs, utiliza el concepto de miembros animados, ya que la música y los videos que crean son generalmente animados. La banda fue creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett. El género de su música es generalmente rock alternativo, electrónica y trip hop, aunque su trabajo suele abarcar una amplia variedad de subgéneros dentro de estos géneros. Han obtenido éxito comercial y de crítica, siendo nominados a innumerables premios. En 2018 la banda virtual lanzaba su sexto álbum, The Now Now, con la producción de James Ford. The Now Now presentaba menos colaboraciones que sus álbumes anteriores y orientaba su estilo y su música a un ambiente más melancólico y menos orientado a la fiesta.

Gorillaz es conocido por su estilo futurista y por incorporar con frecuencia su tema de la tecnología y cómo se cruza con la humanidad. Los miembros virtuales de la banda, los trajes llamativos y coloridos, y una amplia variedad de géneros, imágenes, animaciones e interacciones con sus fanáticos brindan a los fanáticos una experiencia profunda e inmersiva con la banda. Además del universo ficticio de Gorillaz, los miembros de la banda han aparecido con frecuencia en varios medios de comunicación para proporcionar entrevistas en el personaje, discutir el tema de su música y creación, y proporcionar a los fanáticos una conexión más personal con los miembros de la banda. Los miembros animados también comparten papeles recurrentes en numerosos videos musicales y otros materiales cinematográficos que la banda ha producido. The Now Now fue lanzado solo 13 meses después de su quinto álbum, Humanz, destacando el enfoque de la banda en ser más sinceros y guiados por la historia en su música. Si bien la crítica, comentaba en general que Humanz fue uno de sus peores proyectos hasta el momento, destacaron en cambio que The Now Now lsupuso un soplo de aire fresco muy necesario.



The Now Now
fue grabado en el Studio 13 de Londres, bajo la producción de James Ford, Remi Kabaka y la propia banda virtual, y publicado el 29 de junio de 2018 najo el bajo los sellos Parlophone Records y Warner Bros. Records. La grabación del álbum comenzó a finales de 2017, y según el cocreador de Gorillaz, Damon Albarn, se grabó rápidamente para que la banda tuviera nuevo material para tocar en futuros conciertos. El álbum dio lugar a seis sencillos, incluyendo Humility,  Hollywood y Tranz. El disco debutó en el número cuatro en el Billboard 200 de Estados Unidos y en el número cinco en la lista de álbumes del Reino Unido, recibiendo críticas generalmente positivas de los críticos, que elogiaron el sonido minimalista del álbum y el contenido lírico. Sin embargo, hubo una parte de la crítica que les achacó su percibida falta de ambición y enfoque. Tras el lanzamiento de su álbum  Humanz (2018), el cocreador de GorillazDamon Albarn, había insinuado la posibilidad de que un nuevo álbum de la banda virtual llegara antes de lo esperado, y dijo que disfrutó grabando y debutando nueva música mientras estaba de gira. Comparó la naturaleza espontánea de este proceso con su álbum de 2010 The Fall,  y quería hacer otro disco que se sintiera similar pero más completo en comparación; Dijo: "Si vamos a hacer más con Gorillaz, no queremos esperar siete años porque... Ahora nos estamos llevando un poco"Más tarde confirmó que Gorillaz estaba trabajando en otro álbum que estaba programado para su lanzamiento en 2018.

Las nuevas canciones del álbum se interpretaron durante el Humanz Tour; Gorillaz debutó con Idaho durante un concierto en septiembre de 2017 en Seattle. En marzo de 2018, durante un concierto en Santiago, la banda estrenó Hollywood, que contaba con la participación de Jamie Principle y Snoop Dogg. En este concierto, Albarn declaró que el álbum había sido terminado recientemente y que pronto sería lanzado. En mayo de ese año, se encontraron en el festival de música "All Points East" una serie de carteles que contenían frases como "G es el número mágico" y "Sálvanos de él", así como una URL que apuntaba a un adelanto del álbum que revelaba su título y fecha de lanzamiento.  El sitio web incluía un breve extracto de una nueva canción que más tarde se lanzó como Lake Zurich. El 28 de mayo, el día después de que terminara el festival, Emma de Caunes, la esposa del co-creador de GorillazJamie Hewlett, confirmó el lanzamiento del álbum a través de Instagram. Según Albarna, el productor James Ford contribuyór ampliamente a la cohesión lírica del álbum, diciendo; "Si este disco tiene más sentido, es totalmente gracias a él, no a mí".

Se redujeron las colaboraciones y se colocó a Albarn, a través de su alter ego 2-D, en el centro del escenario. Con un sonido más minimalista y melancólico, The Now Now explora paisajes electrónicos suaves y reflexivos, mostrando un lado introspectivo de Gorillaz, canalizado a través de sus 11 canciones. Comienza el disco con
Damon Albarn
Humility, un tema alegre y soleado que cuenta con la participación de George Benson. La línea de guitarra funky y el ritmo relajado crean un ambiente veraniego que contrasta con la nostalgia de la letra mientras nos canta el grupo sobre una búsqueda de conexión y paz interior. Estamos ante una introducción perfecta que nos invita a adentrarnos hacia un mundo más personal y menos caótico que Humanz.
Tranz sube un poco la intensidad con un beat sintético y un enfoque directo hacia el synth-pop. Este es uno de los temas más dinámicos del álbum, con un ritmo pulsante y líneas vocales que se mezclan con capas de sintetizadores. La canción refleja la alienación y la lucha interna en su letra. Hollywood, fue grabada en colaboración con Snoop Dogg y Jamie Principle, y regresa al estilo de colaboración característico del grupo, pero manteniéndose fiel al estilo minimalista del álbum. Con un ritmo funk-electro y letras que critican la superficialidad de la fama, esta pista es una sátira de la cultura de Hollywood. Kansas es una de las canciones más melancólicas del disco. Con un ritmo lento y un sintetizador que crea una atmósfera etérea, 2-D canta sobre sentirse perdido y añorar un hogar emocional. Sorcererz, con su groove funky y sus texturas electrónicas psicodélicas, invita al oyente a rendirse a la música, con un mensaje enigmático sobre el escapismo.

Continúa el disco con Idaho, canción inspirada por un viaje de Albarn a Idaho, y combina sintetizadores suaves con guitarras atmosféricas. Las letras son introspectivas y personales, y la producción crea una sensación de soledad y calma, añadiendo profundidad emocional al álbum. Lake Zurich es un tema instrumental casi completo con un ritmo funk bailable y elementos electrónicos que recuerdan a la música disco. Es una de las piezas más animadas del álbum, ofreciendo un soplo de aire fresco en medio de tanta introspección. Muy destacables la energía y el groove de este tema. Magic City combina sintetizadores brillantes con un ritmo tranquilo. La voz de 2-D suena vulnerable mientras canta sobre recuerdos y pérdida, creando una atmósfera nostálgica. Fire Flies es un tema lento y sombrío, cargado de sintetizadores oscuros y un ritmo pausado. La letra aborda la desconexión y el desamor, y la interpretación vocal suena conmovedora. La producción es rica en detalles, con texturas que envuelven al oyente en un ambiente hipnótico. One Percent es una de las canciones más minimalistas del álbum, con un ritmo sutil y un enfoque en la voz de 2-D. Las letras, aunque vagas, sugieren una sensación de esperanza en medio de la incertidumbre. Sin embargo, la canción se siente más como un interludio que como una pieza completa, y su falta de desarrollo puede dejar al oyente deseando más. El álbum cierra con Souk Eye, un tema que combina guitarras acústicas con sintetizadores cálidos. 2-D canta sobre una relación complicada, con letras llenas de imágenes poéticas. Estamos ante un emotivo final de un viaje introspectivo, el de este álbum, lleno de altibajos emocionales.

The Now Now supuso un viaje introspectivo dentro del catálogo de Gorillaz. Al reducir las colaboraciones y centrarse más en la voz de 2-D, Damon Albarn ofrecía un trabajo más personal, y aunque algunas canciones pueden parecer menos memorables, Albarn intentaba, en su conjunto, crear una atmósfera única, más introspectiva y personal.

domingo, 17 de noviembre de 2024

Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz (mes Gorillaz)


Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz
#mesGorillaz 

Cuando se habla de Gorillaz, la banda virtual liderada por Damon Albarn y Jamie Hewlett, el estándar está muy alto. Con álbumes como Demon Days y Plastic Beach, la banda no solo conquistó a su público, sino que redefinió los límites de lo que una colaboración artística y musical podía ser. En 2017, después de una pausa de siete años, Gorillaz regresó con Humanz, un álbum que se presentó como una celebración apocalíptica: un soundtrack para la fiesta del fin del mundo.

Con su característico enfoque colaborativo, Humanz reúne a una diversidad de voces e influencias en un viaje musical que mezcla hip hop, R&B, electrónica y pop experimental. Sin embargo, ¿logró estar a la altura de las expectativas? Acompáñanos en esta reseña para explorar los altibajos de este ambicioso proyecto.

El punto de partida para Humanz fue la agitación política y social que marcó el mundo en 2016, particularmente la elección presidencial de Estados Unidos. Damon Albarn pidió a los colaboradores que imaginaran un evento cataclísmico y la música que sonaría en una fiesta organizada durante el caos. Esta idea impregnó todo el álbum, que está diseñado como un collage sonoro de emociones: miedo, esperanza, frustración y euforia.

La temática es profundamente política, pero no de manera directa. En lugar de declaraciones explícitas, Humanz captura el zeitgeist, ese sentimiento colectivo de confusión y desasosiego frente a un mundo cambiante. Este enfoque hace que el álbum sea universal, aunque a veces le falta la contundencia de un mensaje claro.

Musicalmente, Humanz es un torbellino de estilos. Albarn se asoció con The Twilite Tone y Remi Kabaka Jr. para crear un sonido que rompe con los paisajes más melódicos de álbumes anteriores y se adentra en un territorio más abrasivo y digital. El resultado es una producción frenética, llena de sintetizadores pesados, beats electrónicos y una atmósfera de constante movimiento.

Sin embargo, este enfoque también es su mayor debilidad. La cohesión, un sello distintivo de álbumes como Plastic Beach, a menudo brilla por su ausencia. Aunque la energía es innegable, Humanz puede sentirse más como una lista de reproducción que como un álbum conceptual cohesivo.

Uno de los aspectos más notables de Humanz es su impresionante lista de colaboradores, que incluye a artistas como Vince Staples, Grace Jones, Mavis Staples, Pusha T, Jehnny Beth, Kali Uchis y muchos más. Estas voces traen frescura y diversidad al álbum, pero también contribuyen al problema de cohesión.

"Ascension" (con Vince Staples) abre el álbum con fuerza, combinando un beat vibrante con la energía cruda de Staples. Su letra plantea un grito desesperado en medio del caos, estableciendo el tono para lo que sigue.

"Strobelite" (con Peven Everett) cambia el ritmo con un groove funky que recuerda a las pistas de baile de los años 80. Es una de las canciones más accesibles y optimistas del álbum.

"Saturnz Barz" (con Popcaan) mezcla dancehall y electrónica en un track hipnótico y oscuro que captura perfectamente la esencia experimental de Gorillaz.

"Let Me Out" (con Mavis Staples y Pusha T) es uno de los puntos más altos del álbum. La desgarradora interpretación de Staples se combina con las reflexivas rimas de Pusha T para crear una pieza que encapsula la ansiedad y la esperanza en tiempos turbulentos.

A pesar de estos momentos destacados, no todas las colaboraciones funcionan tan bien. Algunas voces parecen desconectadas del contexto general del álbum, lo que contribuye a la sensación de que Humanz es más una colección de singles que una obra unificada.

En términos líricos, Humanz adopta un enfoque más abstracto que directo. Damon Albarn cede gran parte del protagonismo vocal a los colaboradores, lo que resulta en una perspectiva caleidoscópica sobre el apocalipsis moderno. Este enfoque funciona bien en canciones como "Andromeda", donde la melancolía se mezcla con la nostalgia, o en "Busted and Blue", uno de los pocos momentos en los que Albarn toma el control total.

Sin embargo, esta dispersión de voces también significa que el mensaje del álbum puede ser difícil de descifrar. Mientras que algunos temas son claros, como la ansiedad política y social, otros se pierden en metáforas vagas y producciones densas.

Cuando Humanz salió al mercado, recibió críticas mayormente positivas, pero no estuvo exento de controversia. Medios como The Guardian y Rolling Stone elogiaron la ambición del proyecto y su capacidad para capturar el espíritu de la época, mientras que otros, como Pitchfork, criticaron la falta de cohesión y la saturación de colaboraciones.

Entre los fans, la recepción fue igualmente polarizada. Muchos extrañaron el enfoque más melódico y emocional de trabajos anteriores, mientras que otros apreciaron la audacia de Albarn al explorar nuevos territorios sonoros.

El título del álbum, Humanz, sugiere que el enfoque está en la experiencia humana. A lo largo de las canciones, se exploran temas como la alienación, la incertidumbre y la resistencia. Sin embargo, el mensaje no es del todo pesimista; también hay momentos de esperanza y celebración. En este sentido, Humanz puede interpretarse como un reflejo de nuestra época: caótico, contradictorio, pero lleno de vida.

Humanz es, en muchos sentidos, el álbum más divisivo de Gorillaz. Por un lado, su energía, experimentación y enfoque colaborativo son un testimonio del espíritu innovador de la banda. Por otro, la falta de cohesión y el enfoque disperso pueden dificultar la conexión emocional con el oyente.

No es un álbum perfecto, ni pretende serlo. Es un retrato sonoro de una época caótica, lleno de momentos brillantes y otros más confusos. Para algunos, esto será suficiente; para otros, se quedará corto en comparación con las obras maestras anteriores de Gorillaz.

En última instancia, Humanz debe apreciarse como lo que es: un experimento audaz que captura un momento único en el tiempo. Es un recordatorio de que incluso en medio del caos, la música tiene el poder de unirnos, hacernos reflexionar y, tal vez, ayudarnos a encontrar algo de humanidad en el proceso.

Con Humanz, Gorillaz demostró que no tiene miedo de reinventarse, incluso si eso significa correr riesgos. Puede que no sea el álbum más querido de su discografía, pero sin duda es uno de los más intrigantes. ¿Es el álbum perfecto para una fiesta en el fin del mundo? Probablemente no, pero eso no lo hace menos fascinante.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 13 de noviembre de 2024

Plastic Beach - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

Plastic Beach, Gorillaz


Gorillaz es una banda virtual británica creada en 1998 por el músico Damon Albarn y el artista Jamie Hewlett. Los personajes de la banda fueron concebidos por Hewlett y diseñados por Hewlett y Martin Stokes. La banda se compone principalmente de cuatro miembros animados: 2-D, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs. Su universo ficticio se presenta en vídeos musicales, entrevistas y dibujos animados cortos. En realidad, Albarn es el único colaborador musical permanente y a menudo colabora con una variedad de artistas. La música de la banda es a menudo una colaboración entre otros músicos y miembros animados. Con la introducción del concepto de la playa de plástico, Plastic Beach, en su tercer álbum, muchos músicos han abordado los problemas ambientales detrás de esta cuestión.

Plastic Beach fue número uno en varios países y es considerado uno de los mejores discos de la década. Un álbum ecléctico con una sólida propuesta que se evidencia en canciones como Stylo, Rhinestone Eyes, EmpireAnts o On Melancholy Hill. Fue una mezcla musical arriesgada que dio sus frutos. El disco fue lanzado por primera vez al mercado en Japón, el 3 de marzo de 2010. Más tarde, el 8 de marzo, se lanzó al mercado en el Reino Unido, donde consiguió vender más de 100.000 copias en su primera semana. El 9 de marzo debutaría en Estados Unidos, llegando a ocupar el puesto número 2 en la lisa Billboard 200, vendiendo en ese periodo más de 200.000 copias.

Damon Albarn
Los creadores de Gorillaz, Damon Albarn y Jamie Hewlett, comenzaron a trabajar en un nuevo proyecto del grupo en noviembre de 2007, llamado Carousel, que fue evolucionando con el tiempo hasta convertirse en Plastic Beach, el tercer álbum de estudio del grupo. Sobre este tercer proyecto, Hewlett afirmaba: "Es incluso más grande y más difícil que 'Monkey' , y no va a encajar en ningún sitio y a nadie le va a gustar, ¡ja, ja, ja! Hemos empezado a trabajar, he hecho un montón de imágenes y Damon ha hecho un montón de música, pero no hemos descubierto cómo van a encajar. No puedo decir mucho sobre ello todavía, pero es como una película, pero no con una historia narrativa. Hay muchas historias, contadas en torno a una historia más grande... Originalmente era una película, pero ahora creemos que es una película y también es una cosa de teatro y... mira, es básicamente que hacemos lo que queremos sin preocuparnos de si es para una compañía discográfica o una compañía cinematográfica o lo que sea. Así que no estoy seguro de cómo resultará, o incluso si sucederá. Pero Damon ha escrito alrededor de 70 canciones para el disco, y tengo grandes planes para lo visual, pero ahora mismo, en este momento, sigue siendo una muy buena idea". Carousel iba a tratar sobre los aspectos místicos de Gran Bretaña.




Jamie Hewlett


Damon Albarn
tuvo la idea de 
Plastic Beach mientras estaba en una playa al lado de su casa recogiendo todo el plástico que había en la arena de la playa. El 17 de septiembre de 2008, Hewlett y Albarn anunciaban que habría un nuevo álbum de Gorillaz, y que serían los mismos personajes, pero un poco mayores y contados de una manera diferente. La primera vez que Albarn fue a Mali lo llevaron a un vertedero, y allí observó cómo se trataba la basura de forma diferente a como se hacía en Inglaterra; anteriormente había visitado un vertedero en las afueras de Londres para grabar el sonido de las gaviotas para el álbum.  En Mali, según Albarn, el vertedero tenía "más serpientes... como víboras, culebras de collar, lombrices de tierra, sapos, ranas, tritones, todo tipo de roedores, una cantidad enorme de ardillas, zorros y, obviamente, gaviotas. [...] Esto es parte de la nueva ecología. Y por primera vez vi el mundo de una manera nueva. Siempre he sentido, y estoy tratando de transmitir en este nuevo disco, la idea de que el plástico, lo vemos como algo en contra de la naturaleza, pero ha surgido de la naturaleza. No creamos el plástico, la naturaleza lo creó. Y simplemente ver a las serpientes viviendo en el calor de las bolsas de plástico en descomposición.. Les gusta. Fue un extraño tipo de optimismo el que sentí... pero tratar de llevar eso a la música pop es un desafío importante"

Al igual que con los álbumes anteriores de GorillazPlastic Beach presenta colaboraciones con varios artistas; cuenta con Snoop DoggHypnotic Brass EnsembleKanoBashyBobby WomackMos DefGruff RhysDe La SoulLittle DragonMark E. SmithLou ReedMick JonesPaul SimononSinfonia Viva y la Orquesta Nacional Siria de Música Árabe. Plastic Beach en un álbum de marcado carácter pop con un toque conceptualuna secuela explícita de su predecesor, su historia retoma aproximadamente en el futuro distópico donde se quedó el último álbum. su música gira a partir de su modelo repleto de colaboraciones. Estamos ante un disco esquivo, que pasa por debajo de la barrera de los géneros y reúne a distintas personalidades musicales que si no fuese por Gorillaz, jamás hubieran conectado entre ellas. El disco es un paisaje insaciable que combina pop con  hip hop, punk y música clásica de una forma muy armónica. 

En este tercer álbum Damon Albarn consiguió un logrado equilibrio entre la procedencia de sus invitados y la variación de géneros, pero siempre bajo una estampa reconocible y manteniendo la calidad de la obra. Si bien es cierto que podria acusarse a Gorillaz  de cierta dispersión en el disco, su finalidad final fue la de investigar en todos los ángulos posibles del pop, yendo más allá de un puñado de singles efectivos y la gracia de sus miembros animados. En esta ocasión, tanto él como su colaborador en el aspecto visual y argumental, Jamie Hewlett, consiguieron elaborar una obra más enfocada a transmitir claros mensajes de denuncia ecologista. Y todo ello utilizando como hilo conductor a "la primera banda virtual del mundo": Gorillaz.

domingo, 10 de noviembre de 2024

The Fall: Gorillaz y el experimento de lo inmediato (Mes Gorillaz)

The Fall: Gorillaz y el experimento de lo inmediato #mesGorillaz

En 2010, Gorillaz lanzó The Fall, un álbum que marcó un cambio notable en la forma de producción y distribución de música para la banda virtual liderada por Damon Albarn. No fue un álbum como cualquiera de sus anteriores producciones, llenas de colaboraciones estelares, cuidadosa producción y una narrativa visual que completaba la experiencia musical. En su lugar, The Fall se grabó en un mes, casi enteramente en la tablet iPad de Albarn mientras la banda estaba de gira por Estados Unidos. Este álbum es un experimento en todos los sentidos: una reflexión de lo que sucede cuando se capturan momentos en tiempo real, con una producción mínima y el objetivo de experimentar tanto con tecnología como con creatividad. A continuación, repasamos qué hace de The Fall un álbum interesante, aunque divisivo, dentro de la discografía de Gorillaz.

Contexto y proceso creativo

Durante la gira de Plastic Beach, Gorillaz se encontró con una nueva herramienta de producción musical: el iPad de Apple. Albarn quedó cautivado por las aplicaciones que permitían crear y manipular música de una forma accesible y portátil, y decidió usar este dispositivo para documentar sus impresiones y experiencias a medida que la gira avanzaba. Cada canción fue escrita y grabada en una ciudad diferente, lo que hace que el álbum funcione casi como un diario sonoro o una bitácora de viaje.

Este enfoque minimalista contrasta notablemente con la producción de álbumes anteriores de Gorillaz, como Demon Days o Plastic Beach, que requirieron meses de trabajo, múltiples colaboradores y sesiones en estudios de grabación de alta calidad. Albarn produjo casi todas las canciones por su cuenta, utilizando las limitadas herramientas de edición y producción disponibles en el iPad de la época. Lo que podría haber sido una restricción terminó siendo, para Albarn, una liberación creativa: cada canción nació de forma espontánea y sin sobreproducción, capturando la esencia del lugar y momento en que fue creada.

Análisis de las canciones

A nivel musical, The Fall es un trabajo experimental que se mueve en una variedad de géneros y atmósferas. Desde el ambiente etéreo de “Phoner to Arizona” hasta el enigmático “Amarillo”, el álbum varía en estilos y estados de ánimo, reflejando las diferentes ciudades en las que se grabaron las canciones.

1. "Phoner to Arizona" - El álbum abre con una instrumental oscura y algo críptica, probablemente influenciada por la experiencia de las autopistas en Arizona. La atmósfera es pesada y repetitiva, marcada por un ritmo que parece un viaje en carretera al anochecer. Esta introducción parece marcar el tono de lo que será un álbum introspectivo.

2. "Detroit" - Como su nombre indica, esta canción está inspirada en la ciudad de Detroit, famosa por su escena musical y su historia industrial. La pista tiene un toque robótico, con un sintetizador constante que evoca un pasado industrial. A diferencia de otras canciones del álbum, “Detroit” tiene una estructura más amigable, lo cual muestra la flexibilidad del iPad para trabajar en diferentes estilos.

3. "The Joplin Spider" - Este tema es un ejemplo de la experimentación de Albarn con el iPad. Con sonidos distorsionados y una estructura irregular, es una canción inquietante y discordante, muy diferente a la mayoría de los trabajos de Gorillaz. La inspiración viene de Joplin, Missouri, y refleja la oscuridad y el misticismo que Albarn parece haber experimentado en esta localidad.

4. "Amarillo" - Uno de los temas más destacados, “Amarillo” es probablemente el corte más accesible del álbum. La letra introspectiva y el tono melancólico capturan la sensación de soledad que puede surgir en una larga gira. Este tema muestra una faceta más emocional y lírica, y es quizás el más cercano a lo que tradicionalmente se consideraría una canción de Gorillaz.

5. "California and the Slipping of the Sun" - Aquí Albarn captura la vibra soleada de California, aunque con un toque nostálgico y crepuscular. La canción mezcla sonidos de sintetizadores con un ritmo suave y pulsante, creando un ambiente que evoca un atardecer en la costa oeste de Estados Unidos.

Recepción y crítica

Cuando The Fall se lanzó de forma gratuita para los miembros del club de fans de Gorillaz, la recepción fue mixta. Algunos fans y críticos apreciaron el concepto innovador y la espontaneidad del álbum, mientras que otros lo encontraron inconsistente y experimental en exceso. Si bien la calidad del sonido no es comparable con otros álbumes de Gorillaz, el carácter improvisado y las limitaciones técnicas se ven como parte de su encanto. Muchos lo consideraron un ejemplo de lo que puede lograrse con la tecnología portátil y, en ese sentido, el álbum fue visionario al adelantarse a la ola de producción de música digital en dispositivos móviles.

Además, la falta de colaboraciones en The Fall fue otra sorpresa. En álbumes anteriores, Gorillaz se caracterizaba por incluir voces y talentos de diferentes géneros y estilos, pero en esta ocasión, Damon Albarn se mantuvo solo, creando un proyecto más personal y menos orientado al pop que sus producciones anteriores. Esto fue, para algunos fans, una decepción, mientras que para otros, una ventana hacia el proceso creativo de Albarn sin influencias externas.

Temática y ambiente

Si bien no tiene una narrativa tan clara como Plastic Beach, el álbum explora temas de soledad, desplazamiento y reflexión personal. Escuchar The Fall es como mirar el paisaje desde la ventanilla de un autobús o un tren, experimentando fragmentos de la vida cotidiana que se mezclan con momentos de introspección. La música refleja el carácter fragmentado del álbum: cada pista es un fragmento de una ciudad diferente, una instantánea de un momento que probablemente nunca se repetirá. En este sentido, el álbum resuena en un nivel emocional distinto al de sus predecesores, creando una atmósfera introspectiva que muchos escuchas encuentran única y atrayente.

Entonces The Fall ¿Experimento o álbum completo?

The Fall es, en última instancia, un álbum experimental, que reta las convenciones no solo de la música de Gorillaz, sino de la producción musical en general. Aunque la calidad sonora y la estructura de las canciones no cumplen necesariamente con los estándares tradicionales, es importante recordar que esto es, en esencia, un experimento de Albarn y una obra de arte en el sentido más crudo de la palabra.

El álbum nos permite ver una faceta más íntima de Gorillaz, sin la estética pulida ni las colaboraciones de renombre que caracterizan a la banda. The Fall es una especie de viaje personal y una oda a la tecnología moderna, que permite capturar y compartir experiencias de una manera instantánea. Esto lo convierte en una pieza singular dentro de la discografía de Gorillaz, y aunque no sea el álbum favorito de muchos, su valor como experimento y como ventana a un proceso creativo distinto es innegable.

Así, para aquellos que buscan explorar una versión más personal e improvisada de Gorillaz, The Fall representa una oportunidad única. No es un álbum que vaya a llenar estadios ni a encabezar listas de éxitos, pero su valor radica en su autenticidad y su enfoque en el momento presente. Albarn demostró que la tecnología y la creatividad pueden unirse para producir algo genuino, algo que tal vez no se vuelva a repetir, pero que sin duda ha dejado una huella en el mundo de la música digital y en el legado de Gorillaz.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 28 de enero de 2024

Wasting Light - #MesFoofighters

 

Wasting Ligt, Foo Fighters


     Wasting Light es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense Foo Fighters. Fue grabado entre septiembre y diciembre de 2010 en la residencia de David Grohl en Encino, California, bajo la producción de Butch Vig, quien había trabajado en el álbum Nevermind de Nirvana, y del propio grupo, y publicado el 12 de abril de 2011 por los sellos discográficos Roswell Records y RCA Records. El grupo quería evitar la artificialidad de la grabación digital, por lo que fue grabado en el garaje del líder de la banda, David Grohl, de su residencia en Encino, California, utilizando exclusivamente equipos analógicos. Estos equipos analógicos antiguos no permitían muchos errores, por lo que el grupo pasó tres semanas ensayando las canciones, y el productor Butch Vig tuvo que aprender técnicas de edición obsoletas. Buscaban un sonido más pesado y crudo en contraste con la experimentación de sus discos anteriores. 

La idea de Grohl era crear un álbum que definiera a Foo Fighters al igual que otras bandas tenían ese disco que las definía, como podía ser el caso del Back in Black definía a AC/DC o el Black Album a Metallica. Grohl afirmaba sobre esto: "Puede que no sea su mejor álbum, pero es con el que la gente identifica a la banda... Tomas todas las cosas que la gente considera características distintivas de tu banda y simplemente las amplificas y haces un álbum simple con eso". Grohl contrató a Butch Vig porque consideraba que tenía la habilidad de "recortar la grasa y darle sentido a todo". La mayoría de las letras fueron escritas mientras Grohl, y en ellas reflexionaba sobre su vida y su posible futuro. Fueron invitados músicos de la talla de Bob Mold, Krist Novoselic, Jessy Greene, Rami Jaffe y Fee Wabill.

 

Durante la gira de 2010 con Them Crooked Vultures, Grohl escribió canciones y grabó demos, que luego llevó al baterista de Foo Fighters, Taylor Hawkins, para su desarrollo. También se hizo miembro de pleno derecho de la banda al guitarrista Pat Smear, quien había dejado el grupo en 1997, pero había sido parte de la banda de gira desde el año 2006. Grohl consideraba que la grabación digital se estaba saliendo de control: "Cuando escucho música estos días, y escucho baterías que suenan como una máquina, le quita un poco de vida a la música". Según Grohl, la estrategia analógica haría que el disco sonara "más crudo e imperfecto". Al principio, el productor Vig pensó que la idea era una broma, más tarde al ver que era cierto, advirtió al grupo que tendrían que tocar bien, ya que los errores no se corregían fácilmente sin la tecnología digital. El grupo pasó tres semanas ensayando en su estudio habitual donde se completó la composición de las canciones, pasando de cuarenta a catorce escogidas. Ensayaron las canciones escogidas con la intención de grabarlas en vivo en el garaje de la casa de Grohl, comprometiéndose a no cambiar nada de lo grabado; según Pat Smear: "Hiciéramos lo que hiciéramos, no lo cambiaríamos. Si una voz distorsionada pasaba por un pedal, eso es lo que iba a ser".

Wasting Light supuso el explosivo retorno a sus raíces, y consiguió capturar la esencia cruda y enérgica de la banda gracias a su proceso de grabación único. Un poderoso sonido que podemos disfrutar en temas como Bridge Burning, que abre el álbum, una poderosa introducción que nos establece lo que nos espera durante el resto del viaje musical; RopeDear Rosemary, esta última donde colabora Bob Mould, que continúan con esa explosión de energía inicial fusionando poderosos riffs de guitarra con emotivas letras; o Walk, una emocional balada que se ha convertido con el tiempo en todo un himno de superación personal.

Wasting Light no sólo revitalizó la carrera de Foo Fighters, su enfoque y su energías cruda y la habilidad de David Grohl como letrista para ofrecernos letras sinceras e introspectivas colocó este disco en un privilegiado lugar en la discografía de la banda, convirtiéndose en un duradero testimonio del impacto de la banda en la escena musical. Y parte del mérito también hay que atribuirlo a su productor Butch Vig, quien recogió el guante y se arremangó para trabajar con antiguas técnicas de grabación, convirtiéndose también una pieza clave en el feroz sonido del grupo.

viernes, 12 de enero de 2024

El disco de la semana 360: Kingfish - Christone "Kingfish" Ingram

 

Kingfish, Christone "Kingfish" Ingram


     Para la recomendación de esta semana traemos a un joven bluesman estadounidense que viene pegando fuerte, Christone "Kingfish" Ingram. A pesar de ser joven, pues tiene 24 años (nacido en 1999), sus raíces y gustos por el blues del Delta y de Chicago, con guiños hacia el hard rock y el soul de los 70, ha hecho que consiga un estilo muy característico y personal. Han quedado atrás ya sus primeros pasos tocando la guitarra con diez años para un grupo de gospel en la iglesia, a los once años ya había pisado un escenario y a los 18 años ya había realizado giras por Estados Unidos y otros seis países. Con un estilo muy personal, sus influencias pasan por artistas de la talla de Robert Johnson, Muddy Waters, Lightnin' Hopkins, B. B. king, Jimi Hendrix, Buddy Guy e incluso Prince, del cual suele hacer una increíble versión en vivo de su mítico Purple Rain. Lo que este músico está consiguiendo cobra mucho más valor si tenemos en cuenta que padece Síndrome de Asperger (Caracterizado por padecer importantes dificultades en la interacción social y la comunicación no verbal combinadas con patrones de comportamiento e intereses restringidos y repetitivos).



La familia de este joven bluesman nacido en Clarksdale, Mississipi, cantaba y tocaba música en la iglesia, por lo que creció asistiendo a presentaciones de música gospel. Ya desde muy pequeño tocaba en la iglesia y se unía a grupos para tocar la guitarra. Kingfish se interesó en el blues, con apenas 5 años, cuando su padre le mostró un documental sobre Muddy Waters, y al mismo tiempo le prometió que le llevaría al Delta Blues Museum (Museo de Blues del Delta) de Mississippi, y allí aprendió a tocar en el programa de arte y educación del museo de la mano de Bill "Howl -N- Mad" Perry y Richard "Daddy Rich" Crisman. Será Perry quien le ponga a Ingram el apodo de "Kingfish" en honor a un personaje de la comedia The Amos 'n' Andy Show. Kingfish comenzó a tocar la batería a los seis años, a los once años ya tocaba el bajo y luego se pasó a la guitarra. A los quince años ya había recibido ofertas para tocar y para tener guitarras personalizadas. 

Será en 2019, con apenas veinte años, cuando Kingfish debute  con su primer álbum de estudio, titulado Kingfish, disco recomendado para esta ocasión. Este trabajo fue grabado en el Ocean Way Studio de Nashville, bajo la producción del compositor, cantante de country y baterista ganador de un grammy Tom Hambridge, quien coescribió la mayoría de las canciones con el joven guitarrista, porque sí, amigos, además de ser un gran guitarrita también compone. El álbum fue publicado el 17 de mayo de 2019 por el sello discográfico Alligator Records. Con este primer trabajo Kingfish consigue el puesto número uno en las listas estadounidenses Billboard Blues Chart y Billboard Heatseeker, llamando inmediatamente la atención tanto de la crítica como del público, y llegando incluso a ser nominado en la categoría de "Mejor álbum de blues tradicional" para la 62 edición de los premios Grammy. En mayo de 20220 recibió cinco premios de Blues Music Awards, icnluido el de "Álbum del Año" por su disco debut. Estamos sin duda ante un joven prodigio con una habilidad excepcional impropia de su edad, y que transmite el legado del blues a nuevas generaciones. Su pasión y respeto por la raíces del blues, su excelente voz y su gran dominio de la guitarra quedan patentes a través de los doce temas que podemos disfrutar en este álbum donde el blues tradicional y otros elementos más contemporáneos de la música son entremezclados con gran maestría por Kingfish



Kingfish nos va a enganchar ya desde sus primeros acordes en Outside of This Town, donde el guitarrista nos revela la influencia que ha tenido en él Billy Gibbons de ZZ Top. Canción con un potente riff de guitarra donde realiza toda una declaración de independencia, un grito de liberación magistralmente llevado de la mano de su guitarra. Fresh Out es una balada de combustión lenta donde Kingfish intercambia solos con uno de sus héroes, Buddy Guy, con el cual ya ha llegado a compartir escenario. En It Ain't Right es capaz de combinar una emotiva y profunda voz con unos sutiles matices de blues clásico a la guitarra para expresarnos brillantemente un lamento hacia una situación injusta. Been Here Before es la muestra de que el guitarrista también nos puede ofrecer otros matices, esta vez a través de una balada totalmente acústica. If You Love Me es una de las únicas canciones que no está compuesta por el dúo Kingfish/Hambridge, pues está acreditada a Kingfsh y Jontavious Willis. Musicalmente el tema es una balada que explora temas como el amor y la lealtad, mostrando una vez más la versatilidad del artista para interpretar temas enérgicos y temas más emotivos y suaves. Cierra la cara A Love Ain't My Favorite Word, canción que vuelve a dejar clara la influencia que ha tenido en el artista Buddy Guy, con unos solos mordaces y agudos mientras reflexiona sobre las complejidad del amor y las relaciones. 

La cara B comienza con Listen, un country-blues donde destaca sobremanera la magnífica voz de Ingram. En Before I'm Old hace gala de su dominio del slim guitar mientras no canta sobre la juventud y la importancia de aprovehcar al máximo el tiempo. En esta canción es capaz de combinar con maestría la energía juvenil con la sabiduría reflexiva que se adquiere con el paso de los años. En Believe These Blues vuelve a las raíces del blues combinándolas con toques de funky Shuffle. Ingram demuestra en este tema su respeto por la historia del género mientras los reinventa con su propio estilo. Trouble está inspirada en el sonido del R&B de Nueva Orleans y modernizada al estilo Kingfish, un claro ejemplo de como pueden combinar la autenticidad del blues con la innovación y frescura que Ingram aporta al género. Hard Times cuenta con la colaboración de la guitarra acústica de Keb Mo'. Estamos ante un shuffle acústico de combustión lenta empapado de blues del Delta, mientras Kingfish reflexiona sobre las dificultades de la vida y de mantener la esperanza ante las adversidades. Cierra este más que recomendable álbum That's Fine By Me, un blues de esos que resuenan cuando cae la noche, donde los toques de guitarra de Ingram nos recuerdan a B. B. King en su comienzos. La canción destaca por su ritmo contagioso, su optimista naturaleza, por la frescura y por la alegría que el guitarrista imprime a la canción.

Cada canción del álbum Kingfish aporta una capa única al disco, mostrando la versatilidad musical de Ingram y su habilidad para abordar una amplia gama de emociones, mostrando un enorme respeto por el blues tradicional, sabiendo llevarlo a su terreno, dándole un toque de frescura y adaptando este género a los tiempos actuales. Estamos ante el sensacional debut de un joven guitarrista que lo tiene todo para convertirse en uno de los grandes referentes del ǵenero.