Disco de la semana 430: Puppet Show - Ally Venable

Puppet show, Ally Venable

     Ally Marie Venable, nacida el 7 de abril de 1999 en Kilgore, Texas, es una guitarrista, cantante y compositora estadounidense de blues rock. Apenas tenía 14 años cuando lanzó su EP debut, Wise Man (2013), que le valió una reputación como estrella en ascenso en la comunidad de blues del estado de Texas. En 2014 y 2015 fue nombrada guitarrista femenina del año en los premios ETX Music Awards, y ella y su banda, Ally Venable Band, fueron nombradas banda de blues del año en los premios ETX Music Awards de 2015 y 2016. un más que notable currículum para una artista en ascendente proyección que iba dando los pasos adecuados hasta el día de hoy, donde se ha asentado como uno de los cantantes, y sobre todo guitarristas de una generación que viene pegando muy fuerte. 

El primer álbum de Venable, No Glass Shoes, grabado con la discográfica Connor Ray Music, terminó en el puesto número 16 en las listas estadounidenses RMR Electric Blues Charts de 2016. Su segundo álbum, Puppet Show, la confirmaba como una de las figuras más prometedoras del blues-rock contemporáneo. Lanzó este segundo álbum de estudio, Puppet Show, el 13 de abril de 2018, bajo el sello discográfico Connor Ray Music. Con apenas 19 años, esta guitarrista y vocalista consolidó su lugar en la escena del blues con un trabajo que combina la fuerza del blues texano, la intensidad del rock y una sensibilidad lírica sorprendente para su edad. El álbum no solo debutó en el número 7 de las listas de blues de Billboard, sino que también recibió elogios de la crítica especializada por su madurez musical y destreza técnica.

Ally Marie Venable nació el 7 de abril de 1999 en Kilgore, Texas, y desde temprana edad mostró un talento excepcional para la música. Comenzó cantando en la iglesia y, a los 12 años, ya dominaba la guitarra, inspirada por iconos como Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix y Miranda Lambert. Su debut discográfico llegó a los 14 años con el EP Wise Man (2013), seguido por su primer álbum, No Glass Shoes (2016), que alcanzó el número 16 en las listas de blues eléctrico de RMR. Estos trabajos tempranos la posicionaron como una estrella en ascenso en la comunidad blues de Texas, ganando múltiples premios en los East Texas Music Awards, incluyendo Guitarrista Femenina del Año (2014, 2015) y Banda de Blues del Año (2015, 2016). Puppet Show marcó un paso adelante en la carrera de Venable, consolidando su reputación como una artista capaz de combinar tradición y modernidad. Grabado en varios estudios, incluyendo Red Shack Studio en Houston y KE Bushman’s Studio en Bullard, Texas, el álbum contó con la producción de Rock Romano, Steve Krase y la propia Venable. La banda, formada por Venable (voz y guitarra), Elijah Owings (batería) y Bobby Wallace (bajo), se complementó en este disco con invitados de renombre como Gary Hoey, Lance Lopez, Eric Steckel y Steve Krase, quienes aportaron texturas adicionales al sonido del trío.

Puppet Show es un álbum de blues-rock con profundas raíces en la tradición texana, pero con un enfoque fresco que refleja la juventud y la energía de Venable. Las 10 pistas, con una duración total de 52 minutos, incluyen ocho composiciones originales y dos versiones de clásicos del blues: Backwater Blues de Bessie Smith y She Caught the Katy de Taj Mahal. El álbum destaca por su equilibrio entre la intensidad de los riffs de guitarra, la potencia vocal de Venable y letras que exploran temas como la superación personal, las relaciones tóxicas y la resiliencia. Destaca la habilidad de Venable para rendir homenaje a sus raíces mientras imprime su propia personalidad. La inclusión de invitados como Gary Hoey (guitarra en Devil’s Son) y Lance Lopez (guitarra en Bridges to Burn) añade calidad y virtuosismo, mientras que el uso de armónica de Steve Krase y los teclados de Eric Steckel enriquecen los sonidos de la banda. 

La calidad de Ally Venable con la guitarra es impropia de una persona con su edad, y la interacción entre la banda y los invitados crea momentos de gran intensidad. algo que se aprecia desde el primer corte, Devil’s Son, tema que cuenta con la colaboración de Gary Hoey. El álbum abre con un riff inquietante y poderoso, marcando el tono con un blues-rock robusto. La colaboración con Gary Hoey aporta un toque de ferocidad a la guitarra, mientras que las letras nos hablan de un hombre problemático. Ally demuestra que, además de dominar el instrumento de seis cuerdas, también posee una gran voz. Bridges to Burn cuenta con la participación de su mentor Lance Lopez. La interacción entre las guitarras de Venable y Lopez crea un gran momento, con partes dobladas de guitarra, mientras que las letras tratan sobre dejar atrás relaciones destructivas. Cast Their Stones:tiene ese sonido que evoca el rock de los 70. La canción aborda la superación de las críticas y la adversidad. La batería acelerada de Owings y el bajo funky de Wallace crean una base rítmica sólida, mientras que los efectos en la guitarra y la voz de Venable añaden un toque psicodélico. Backwater Blues, la versión de Bessie Smith comienza con una introducción acústica que rinde homenaje al blues tradicional, antes de transformarse en un jam de blues texano con la armónica de Steve Krase. Esta transición del tema, que empieza más íntimo para acabar muy explosivo muestra la versatilidad de la banda. En She Caught the Katy apuesta por el clásico de Taj Mahal. La poderosa voz de Ally y la línea gran línea de bajo en este tema, dan nueva vida a la canción, con un toque moderno que respeta la original.

Puppet Show, la canción que da título al álbum, es una reflexión introspectiva sobre la manipulación y la lucha por la autenticidad. Con teclados cálidos de Eric Steckel, la pista combina rock con un toque de soul, y Venable tiene su espacio para lucirse. Comfort in My Sorrows es una balada blues lenta donde destaca la tierna voz de Venable y su solo de guitarra, que rememora y rinde tributo al estilo de los grandes del blues de San Francisco. Survive cuenta de nuevo con la colaboración de Eric Steckel a los manods de r un órgano Hammond B3.  La guitarra de Venable brilla al entremezclarse e interactuar con el órgano de Steckel. Y mientras en Waste It On You Ally nos habla sobre relaciones fallidas, en Sleeping Through the Storm, la canción que cierra el álbum, nos habla de perseverancia a ritmo de un buen boogie rockero. Los riffs afilados y la batería de Elijah Owings nos regalan un enérgico final de un disco que nos habla resiliencia y de no perder la espranza. 

Puppet Show es un testimonio del talento y la ambición de Ally Venable, una artista que, con solo 19 años, logró crear un álbum que equilibra la reverencia por el blues con una perspectiva fresca y personal. El álbum captura la esencia de una joven artista en ascenso, respaldada por una banda sólida y colaboraciones de artitas consolidados en la escena musical, y pone de manifiesto un talento que continúa redefiniendo las fronteras del blues texano. El disco amplió su alcance internacional, pues tras su lanzamiento Venable y su banda realizaron giras extensas por el este de Estados Unidos, compartiendo escenario con artistas como Gary Hoey, Bernard Allison y Mike Zito. El éxito del álbum también la llevó a formar parte del show Ruf Records Blues Caravan 2019, donde actuó en más de 60 shows en Europa, exponiendo su música a una mayor audiencia. Puppet Show sentó las bases para sus trabajos posteriores, Texas Honey (2019), Heart of Fire (2021), Real Gone (20023) y Money & Power (2025), que han continuado elevando su proyección.

Hardwired... to Self-Destruct - #MesMetallica

 

Hardwired... to Self-Destruct

     Con su décimo álbum de estudio, Hardwired... to Self-Destruct, cerramos el mes dedicado al grupo estadounidense Metallica, grupo que desde su creación en 1982, ha generado un gran número de seguidores y sus álbumes de estudio han encabezado de forma constante la lista Billboard 200 de Estados Unidos. Fue grabado entre mayo de 2015 y agosto de 2016 en lo Metallica's HQ Studios de San Rafael, California, bajo la producción de Greg Fidelman, y de Lars Ulrich y James Hetfield, y publicado el 18 de noviembre de 2016  bajo el sello discográfico Blackened Records.

Fue el primer álbum de estudio de Metallica en ocho años después de Death Magnetic (2008), marcando la brecha más larga entre álbumes de estudio en la carrera de la banda, y su primer álbum de estudio lanzado a través de Blackened Records. Hardwired... to Self-Destruct fue el sexto álbum de estudio consecutivo de Metallica en debutar en el número uno en el Billboard 200 de Estados Unidos , vendiendo 291.000 unidades en su primera semana y encabezando las listas en 57 países El álbum recibió críticas generalmente positivas de los críticos, incluso el baterista de Metallica, Lars Ulrich, llegó a clasificar el álbum en el año 2020 como el mejor de la banda. 

El germen del álbum comenzó en el año 2011, cuando el grupo se juntó en un estudio con el productor Rick Rubin. El grupo daría forma a ese proyecto cinco años más tarde bajo la producción de Grag Fidelman. Hardwired... to Self-Destruct marca el primer álbum de estudio de la banda que no presenta contribuciones de composición de Hammett desde que se unió a la banda en 1983 antes de la grabación de Kill 'Em All . En 2015, Hammett había perdido su teléfono en el aeropuerto de Copenhague, el cual contenía casi 250 ideas de riffs.  Dado que Hammett no hizo una copia de seguridad de los datos, afectó su aporte creativo para el nuevo álbum y tuvo que comenzar de cero nuevamente mientras que  Hetfield y Ulrich tenían material para las canciones". El único crédito de escritura de Trujillo en el álbum fue la introducción de ManUNkind, que luego dijo que fue escrita como un tributo al ex bajista de Metallica Cliff Burton. En cuanto a las letras, siguen un tema general de nihilismo y pesimismo. El título, "Hardwired... to Self-Destruct", proviene de una frase que Hetfield escuchó. "Alguien me dijo el otro día, y se me quedó grabado, 'Hardwired... Hardwired to Self-Destruct'. Así que es como que no importa lo que hagas en tu vida, realmente estás tratando de no seguir ese camino que tal vez estás programado para seguir". 

Entramos en meteria y abre fuego Hardwired, con un sonido trash metal de la vieja escuela del que el grupo nos tenía acostumbrados en sus inicios. Fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 18 de agosto de 2016, y es una de las canciones más cortas de la banda, con solo unos tres minutos de duración. Las letras pesimistas de la canción se centran en el concepto de una civilización consumida por la paranoia, el dolor y la locura. Si bien el concepto inicial de la canción era representar la idea de que las elecciones y los errores que comete una persona son parte de quiénes son, se ha interpretado de diferentes maneras, como las adicciones a las drogas, la sobredosis, o incluso representativa del clima geopolítico de 2016, particularmente el resultado de las elecciones presidenciales de Estados Unidos de ese año. Atlas, Rise! fue el primer sencillo del álbum y fue promocionado con una máscara de Halloween Hardwired de edición limitada gratuita en las tiendas de discos participantes que contenía un código de descarga especial para poder acceder a la canción 30 minutos antes del lanzamiento público completo. En cuanto a la letra, Hetfield se refiere a Atlas, la figura mitológica griega qe fue condenada por Zeus, por su participación en La Guerra de los Titanes, a sostener el cielo con ss hombros. En Now That We're Dead James Hetfield canta sobre alguien cuyo amante ha muerto y espera con ansias que se reencuentren en la otra vida. Sobre Moth into Flame James Hetfield afirmó que Amy Winehouse le sirvió de inspiración para la canción después de haber visto el documental Amy de 2015. "La canción se inspiró un poco en el documental de Amy Winehouse, 'Amy'. Cuando lo vi, me entristeció mucho que una persona tan talentosa como ella cayera en la fama. Pero, hasta cierto punto, veo esa mentalidad reflejada en la vida diaria"... "'Moth Into Flame' es bastante literal. En estos días, todo el mundo [tiene] una obsesión con ser famoso. Ser popular. Ya sea en tu cuenta de Facebook o caminando por la calle, viendo a alguien haciéndose selfies mientras camina por la calle. ¿Como qué? ¿Qué estás haciendo?". En definitva, canción inspirada en la forma en que tantas personas en la sociedad moderna viven todos los días luchando por ser reconocidas y amadas. Dream No More contiene referencias al Mito de Cthulhu, que es una mitología y un universo ficticio compartido , que tiene su origen en las obras del escritor de terror estadounidense H. P. Lovecraft. Halo on fire es La canción más larga del álbum, tiene una duración de 8:15. Sobre la canción, James Hetfield afrimó en la rvista del clubs de fans de la banda lo siguiente: "En 'Halo On Fire' hay una yuxtaposición en todos nosotros, el bien y el mal, y ¿cuándo sale eso, cuándo se muestra? Algunas personas se presentan como verdaderos santos, y cuanto más oscura es su oscuridad, más tienen que presentarse como santos. Así que básicamente te estás alejando del 'tú' real, como si estuvieras compensando todo esto lo que crees que es realmente mmalo"

En Confusion la banda explora el concepto de trastorno de estrés postraumático, ya que James Hetfield canta sobre un soldado cuya lucha constante con el TEPT le impide vivir con normalidad. El vocalista y guitarrista explicaba que la condición está muy extendida en la sociedad actual y no se limita solo a las fuerzas armadas, y el trastorno de estrés postraumático está en todas partes, cosas que te pasan en tu infancia, incluso figuras del deporte o cualquiera que use un uniforme, que haya salido y haya retratado una vida de servicio, de dar o de usar la fuerza. La sección instrumental de apertura de ManUNkind presenta al bajista del grupo, Robert Trujillo, tocando con los dedos una línea de bajo melódica junto a la guitarra de James Hetfield. La línea de bajo de Trujillo recuerda al estilo de tocar del fallecido Cliff Burton. Trujillo escribió la sección instrumental de apertura en memoria del ex bajista de la banda, quien murió en 1986 cuando el autobús de gira de Metallica se salió de una carretera helada en Suecia. La letra de Here Comes Revenge se inspiró en dos fans de Metallica que aparecían en los conciertos de la banda sosteniendo un póster de una chica. Cuando Hetfield tuvo la oportunidad de conocerlos, les preguntó por qué, él dijo: "Mi esposa y yo no éramos fans de la banda, pero ahora lo somos. Porque nuestra hija era una gran fan, y un conductor ebrio la mató". sobre ello Hetfield afirmaba: "Ella era joven. ¿Cómo no enojarse? ¿Cómo no querer ir a por alguien? Pero lo que eligieron hacer fue abrazar la música que ella amaba y conocerla a través de la música y conectarse de esa manera. Siguen apareciendo en los conciertos, lo cual me encanta. Ahora somos amigos. Y han superado algo que no creo que yo pudiera superar". Sobre Am I savage James Hetfield explicó a la publicación Rolling Stone Australia que la letra de esta canción impulsada por riffs habla de "darse cuenta de que hay una bestia en mí, y también hay una belleza en mí... de que puedo pasar de ser súper amable a una bestia jodida que no tiene ningún filtro real ni sentido común". Murder One  es un tributo al fallecido líder de Motorhead, Lemmy Kilmister. Según Hetfield "Motorhead tuvo mucho que ver con que Metallica esté aquí ahora. Lemmy como entidad, una especie de figura paterna, nos ayudó mucho. No tenía miedo y era un personaje. Y era él mismo. Todos lo respetábamos mucho. Hizo lo suyo hasta el último aliento. No importa quién seas, ¿cómo no te puedes sentir inspirado por eso?"  Lars Ulrich afirmaba que el hecho de haber segido a Motörhead en sus giras como fans lo ayudó a tomarse en serio a Metallica: "Cuando volví al sur de California, llamé a james y le dje: 'Escucha, tenemos que intentarlo', Motörhead es el catalizador". "Murder One" era el nombre del amplificador favorito de Lemmy en el escenario. Spit Out the Bone es la canción que cierra el álbum. Una canción qe nos habla de las comodidades de los avanes tecnológicos. "Queremos cosas más rápidas, queremos la conveniencia de la tecnología, pero ¿en qué punto la conveniencia se inclina hacia la dependencia? La necesitamos, o de lo contrario no sabemos qué hacer". Nos describe cómo las personas están conectadas entre sí a través de dispositivos móviles y cómo todos se están volviendo más dependientes de la tecnología.

De Hardwired... to Self-Destruct se editó una edición de Lujo en la cual había una tercera cara compuesta 14 canciones, donde se incluye una versión regrabada del tema Lords of Summer, que fue lanzada por primera vez como sencillo digital en su forma demo el 19 de marzo de 2014, varios temas de la banda grabados en directo en 2016 y versiones interpretadas en vivo que sirven como homenaje a Ronnie James Dio y Rainbow (Ronnie Rising Medley (A Light in the Black / Tarot Woman / Stargazer / Kill the King), Deep Purple (When a Blind Man Cries) y Iron Maiden (Remember Tomorrow)

Hardwired... to Self-Destruct es principalmente el trabajo de James Hetfield y Lars Ulrich. Como ya hemo comentado, Kirk Hammett no tiene ni un solo crédito como compositor, ya que el guitarrista perdió un iPhone lleno de riffs justo antes de la grabación, y también se ve disminuido en términos de solos, dejando el álbum como un escaparate para las construcciones musicales de Metallica. Lo que verdaderamente destaca e impresiona de este álbum es el conjunto, el pensamiento y la musicalidad dentro de las composiciones y las interpretaciones, elementos que siempre han estado en el núcleo de la banda y brillan intensamente en este penúltimo trabajo de la banda.

The Now Now - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

The Now Now, Gorillaz

     Gorillaz, la banda virtual inglesa que consta de cuatro personajes ficticios: 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs, utiliza el concepto de miembros animados, ya que la música y los videos que crean son generalmente animados. La banda fue creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett. El género de su música es generalmente rock alternativo, electrónica y trip hop, aunque su trabajo suele abarcar una amplia variedad de subgéneros dentro de estos géneros. Han obtenido éxito comercial y de crítica, siendo nominados a innumerables premios. En 2018 la banda virtual lanzaba su sexto álbum, The Now Now, con la producción de James Ford. The Now Now presentaba menos colaboraciones que sus álbumes anteriores y orientaba su estilo y su música a un ambiente más melancólico y menos orientado a la fiesta.

Gorillaz es conocido por su estilo futurista y por incorporar con frecuencia su tema de la tecnología y cómo se cruza con la humanidad. Los miembros virtuales de la banda, los trajes llamativos y coloridos, y una amplia variedad de géneros, imágenes, animaciones e interacciones con sus fanáticos brindan a los fanáticos una experiencia profunda e inmersiva con la banda. Además del universo ficticio de Gorillaz, los miembros de la banda han aparecido con frecuencia en varios medios de comunicación para proporcionar entrevistas en el personaje, discutir el tema de su música y creación, y proporcionar a los fanáticos una conexión más personal con los miembros de la banda. Los miembros animados también comparten papeles recurrentes en numerosos videos musicales y otros materiales cinematográficos que la banda ha producido. The Now Now fue lanzado solo 13 meses después de su quinto álbum, Humanz, destacando el enfoque de la banda en ser más sinceros y guiados por la historia en su música. Si bien la crítica, comentaba en general que Humanz fue uno de sus peores proyectos hasta el momento, destacaron en cambio que The Now Now lsupuso un soplo de aire fresco muy necesario.

The Now Now fue grabado en el Studio 13 de Londres, bajo la producción de James Ford, Remi Kabaka y la propia banda virtual, y publicado el 29 de junio de 2018 najo el bajo los sellos Parlophone Records y Warner Bros. Records. La grabación del álbum comenzó a finales de 2017, y según el cocreador de Gorillaz, Damon Albarn, se grabó rápidamente para que la banda tuviera nuevo material para tocar en futuros conciertos. El álbum dio lugar a seis sencillos, incluyendo Humility,  Hollywood y Tranz. El disco debutó en el número cuatro en el Billboard 200 de Estados Unidos y en el número cinco en la lista de álbumes del Reino Unido, recibiendo críticas generalmente positivas de los críticos, que elogiaron el sonido minimalista del álbum y el contenido lírico. Sin embargo, hubo una parte de la crítica que les achacó su percibida falta de ambición y enfoque. Tras el lanzamiento de su álbum  Humanz (2018), el cocreador de Gorillaz, Damon Albarn, había insinuado la posibilidad de que un nuevo álbum de la banda virtual llegara antes de lo esperado, y dijo que disfrutó grabando y debutando nueva música mientras estaba de gira. Comparó la naturaleza espontánea de este proceso con su álbum de 2010 The Fall,  y quería hacer otro disco que se sintiera similar pero más completo en comparación; Dijo: "Si vamos a hacer más con Gorillaz, no queremos esperar siete años porque... Ahora nos estamos llevando un poco". Más tarde confirmó que Gorillaz estaba trabajando en otro álbum que estaba programado para su lanzamiento en 2018.

Las nuevas canciones del álbum se interpretaron durante el Humanz Tour; Gorillaz debutó con Idaho durante un concierto en septiembre de 2017 en Seattle. En marzo de 2018, durante un concierto en Santiago, la banda estrenó Hollywood, que contaba con la participación de Jamie Principle y Snoop Dogg. En este concierto, Albarn declaró que el álbum había sido terminado recientemente y que pronto sería lanzado. En mayo de ese año, se encontraron en el festival de música "All Points East" una serie de carteles que contenían frases como "G es el número mágico" y "Sálvanos de él", así como una URL que apuntaba a un adelanto del álbum que revelaba su título y fecha de lanzamiento.  El sitio web incluía un breve extracto de una nueva canción que más tarde se lanzó como Lake Zurich. El 28 de mayo, el día después de que terminara el festival, Emma de Caunes, la esposa del co-creador de Gorillaz, Jamie Hewlett, confirmó el lanzamiento del álbum a través de Instagram. Según Albarna, el productor James Ford contribuyór ampliamente a la cohesión lírica del álbum, diciendo; "Si este disco tiene más sentido, es totalmente gracias a él, no a mí".

Se redujeron las colaboraciones y se colocó a Albarn, a través de su alter ego 2-D, en el centro del escenario. Con un sonido más minimalista y melancólico, The Now Now explora paisajes electrónicos suaves y reflexivos, mostrando un lado introspectivo de Gorillaz, canalizado a través de sus 11 canciones. Comienza el disco con

Damon Albarn

Humility, un tema alegre y soleado que cuenta con la participación de George Benson. La línea de guitarra funky y el ritmo relajado crean un ambiente veraniego que contrasta con la nostalgia de la letra mientras nos canta el grupo sobre una búsqueda de conexión y paz interior. Estamos ante una introducción perfecta que nos invita a adentrarnos hacia un mundo más personal y menos caótico que Humanz. Tranz sube un poco la intensidad con un beat sintético y un enfoque directo hacia el synth-pop. Este es uno de los temas más dinámicos del álbum, con un ritmo pulsante y líneas vocales que se mezclan con capas de sintetizadores. La canción refleja la alienación y la lucha interna en su letra. Hollywood, fue grabada en colaboración con Snoop Dogg y Jamie Principle, y regresa al estilo de colaboración característico del grupo, pero manteniéndose fiel al estilo minimalista del álbum. Con un ritmo funk-electro y letras que critican la superficialidad de la fama, esta pista es una sátira de la cultura de Hollywood. Kansas es una de las canciones más melancólicas del disco. Con un ritmo lento y un sintetizador que crea una atmósfera etérea, 2-D canta sobre sentirse perdido y añorar un hogar emocional. Sorcererz, con su groove funky y sus texturas electrónicas psicodélicas, invita al oyente a rendirse a la música, con un mensaje enigmático sobre el escapismo.

Continúa el disco con Idaho, canción inspirada por un viaje de Albarn a Idaho, y combina sintetizadores suaves con guitarras atmosféricas. Las letras son introspectivas y personales, y la producción crea una sensación de soledad y calma, añadiendo profundidad emocional al álbum. Lake Zurich es un tema instrumental casi completo con un ritmo funk bailable y elementos electrónicos que recuerdan a la música disco. Es una de las piezas más animadas del álbum, ofreciendo un soplo de aire fresco en medio de tanta introspección. Muy destacables la energía y el groove de este tema. Magic City combina sintetizadores brillantes con un ritmo tranquilo. La voz de 2-D suena vulnerable mientras canta sobre recuerdos y pérdida, creando una atmósfera nostálgica. Fire Flies es un tema lento y sombrío, cargado de sintetizadores oscuros y un ritmo pausado. La letra aborda la desconexión y el desamor, y la interpretación vocal suena conmovedora. La producción es rica en detalles, con texturas que envuelven al oyente en un ambiente hipnótico. One Percent es una de las canciones más minimalistas del álbum, con un ritmo sutil y un enfoque en la voz de 2-D. Las letras, aunque vagas, sugieren una sensación de esperanza en medio de la incertidumbre. Sin embargo, la canción se siente más como un interludio que como una pieza completa, y su falta de desarrollo puede dejar al oyente deseando más. El álbum cierra con Souk Eye, un tema que combina guitarras acústicas con sintetizadores cálidos. 2-D canta sobre una relación complicada, con letras llenas de imágenes poéticas. Estamos ante un emotivo final de un viaje introspectivo, el de este álbum, lleno de altibajos emocionales.

The Now Now supuso un viaje introspectivo dentro del catálogo de Gorillaz. Al reducir las colaboraciones y centrarse más en la voz de 2-D, Damon Albarn ofrecía un trabajo más personal, y aunque algunas canciones pueden parecer menos memorables, Albarn intentaba, en su conjunto, crear una atmósfera única, más introspectiva y personal.

Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz (mes Gorillaz)

Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz

#mesGorillaz 

Cuando se habla de Gorillaz, la banda virtual liderada por Damon Albarn y Jamie Hewlett, el estándar está muy alto. Con álbumes como Demon Days y Plastic Beach, la banda no solo conquistó a su público, sino que redefinió los límites de lo que una colaboración artística y musical podía ser. En 2017, después de una pausa de siete años, Gorillaz regresó con Humanz, un álbum que se presentó como una celebración apocalíptica: un soundtrack para la fiesta del fin del mundo.

Con su característico enfoque colaborativo, Humanz reúne a una diversidad de voces e influencias en un viaje musical que mezcla hip hop, R&B, electrónica y pop experimental. Sin embargo, ¿logró estar a la altura de las expectativas? Acompáñanos en esta reseña para explorar los altibajos de este ambicioso proyecto.

El punto de partida para Humanz fue la agitación política y social que marcó el mundo en 2016, particularmente la elección presidencial de Estados Unidos. Damon Albarn pidió a los colaboradores que imaginaran un evento cataclísmico y la música que sonaría en una fiesta organizada durante el caos. Esta idea impregnó todo el álbum, que está diseñado como un collage sonoro de emociones: miedo, esperanza, frustración y euforia.

La temática es profundamente política, pero no de manera directa. En lugar de declaraciones explícitas, Humanz captura el zeitgeist, ese sentimiento colectivo de confusión y desasosiego frente a un mundo cambiante. Este enfoque hace que el álbum sea universal, aunque a veces le falta la contundencia de un mensaje claro.

Musicalmente, Humanz es un torbellino de estilos. Albarn se asoció con The Twilite Tone y Remi Kabaka Jr. para crear un sonido que rompe con los paisajes más melódicos de álbumes anteriores y se adentra en un territorio más abrasivo y digital. El resultado es una producción frenética, llena de sintetizadores pesados, beats electrónicos y una atmósfera de constante movimiento.

Sin embargo, este enfoque también es su mayor debilidad. La cohesión, un sello distintivo de álbumes como Plastic Beach, a menudo brilla por su ausencia. Aunque la energía es innegable, Humanz puede sentirse más como una lista de reproducción que como un álbum conceptual cohesivo.

Uno de los aspectos más notables de Humanz es su impresionante lista de colaboradores, que incluye a artistas como Vince Staples, Grace Jones, Mavis Staples, Pusha T, Jehnny Beth, Kali Uchis y muchos más. Estas voces traen frescura y diversidad al álbum, pero también contribuyen al problema de cohesión.

"Ascension" (con Vince Staples) abre el álbum con fuerza, combinando un beat vibrante con la energía cruda de Staples. Su letra plantea un grito desesperado en medio del caos, estableciendo el tono para lo que sigue.

"Strobelite" (con Peven Everett) cambia el ritmo con un groove funky que recuerda a las pistas de baile de los años 80. Es una de las canciones más accesibles y optimistas del álbum.

"Saturnz Barz" (con Popcaan) mezcla dancehall y electrónica en un track hipnótico y oscuro que captura perfectamente la esencia experimental de Gorillaz.

"Let Me Out" (con Mavis Staples y Pusha T) es uno de los puntos más altos del álbum. La desgarradora interpretación de Staples se combina con las reflexivas rimas de Pusha T para crear una pieza que encapsula la ansiedad y la esperanza en tiempos turbulentos.

A pesar de estos momentos destacados, no todas las colaboraciones funcionan tan bien. Algunas voces parecen desconectadas del contexto general del álbum, lo que contribuye a la sensación de que Humanz es más una colección de singles que una obra unificada.

En términos líricos, Humanz adopta un enfoque más abstracto que directo. Damon Albarn cede gran parte del protagonismo vocal a los colaboradores, lo que resulta en una perspectiva caleidoscópica sobre el apocalipsis moderno. Este enfoque funciona bien en canciones como "Andromeda", donde la melancolía se mezcla con la nostalgia, o en "Busted and Blue", uno de los pocos momentos en los que Albarn toma el control total.

Sin embargo, esta dispersión de voces también significa que el mensaje del álbum puede ser difícil de descifrar. Mientras que algunos temas son claros, como la ansiedad política y social, otros se pierden en metáforas vagas y producciones densas.

Cuando Humanz salió al mercado, recibió críticas mayormente positivas, pero no estuvo exento de controversia. Medios como The Guardian y Rolling Stone elogiaron la ambición del proyecto y su capacidad para capturar el espíritu de la época, mientras que otros, como Pitchfork, criticaron la falta de cohesión y la saturación de colaboraciones.

Entre los fans, la recepción fue igualmente polarizada. Muchos extrañaron el enfoque más melódico y emocional de trabajos anteriores, mientras que otros apreciaron la audacia de Albarn al explorar nuevos territorios sonoros.

El título del álbum, Humanz, sugiere que el enfoque está en la experiencia humana. A lo largo de las canciones, se exploran temas como la alienación, la incertidumbre y la resistencia. Sin embargo, el mensaje no es del todo pesimista; también hay momentos de esperanza y celebración. En este sentido, Humanz puede interpretarse como un reflejo de nuestra época: caótico, contradictorio, pero lleno de vida.

Humanz es, en muchos sentidos, el álbum más divisivo de Gorillaz. Por un lado, su energía, experimentación y enfoque colaborativo son un testimonio del espíritu innovador de la banda. Por otro, la falta de cohesión y el enfoque disperso pueden dificultar la conexión emocional con el oyente.

No es un álbum perfecto, ni pretende serlo. Es un retrato sonoro de una época caótica, lleno de momentos brillantes y otros más confusos. Para algunos, esto será suficiente; para otros, se quedará corto en comparación con las obras maestras anteriores de Gorillaz.

En última instancia, Humanz debe apreciarse como lo que es: un experimento audaz que captura un momento único en el tiempo. Es un recordatorio de que incluso en medio del caos, la música tiene el poder de unirnos, hacernos reflexionar y, tal vez, ayudarnos a encontrar algo de humanidad en el proceso.

Con Humanz, Gorillaz demostró que no tiene miedo de reinventarse, incluso si eso significa correr riesgos. Puede que no sea el álbum más querido de su discografía, pero sin duda es uno de los más intrigantes. ¿Es el álbum perfecto para una fiesta en el fin del mundo? Probablemente no, pero eso no lo hace menos fascinante.

Daniel 

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Plastic Beach - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

Plastic Beach, Gorillaz

Gorillaz es una banda virtual británica creada en 1998 por el músico Damon Albarn y el artista Jamie Hewlett. Los personajes de la banda fueron concebidos por Hewlett y diseñados por Hewlett y Martin Stokes. La banda se compone principalmente de cuatro miembros animados: 2-D, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs. Su universo ficticio se presenta en vídeos musicales, entrevistas y dibujos animados cortos. En realidad, Albarn es el único colaborador musical permanente y a menudo colabora con una variedad de artistas. La música de la banda es a menudo una colaboración entre otros músicos y miembros animados. Con la introducción del concepto de la playa de plástico, Plastic Beach, en su tercer álbum, muchos músicos han abordado los problemas ambientales detrás de esta cuestión.

Plastic Beach fue número uno en varios países y es considerado uno de los mejores discos de la década. Un álbum ecléctico con una sólida propuesta que se evidencia en canciones como Stylo, Rhinestone Eyes, EmpireAnts o On Melancholy Hill. Fue una mezcla musical arriesgada que dio sus frutos. El disco fue lanzado por primera vez al mercado en Japón, el 3 de marzo de 2010. Más tarde, el 8 de marzo, se lanzó al mercado en el Reino Unido, donde consiguió vender más de 100.000 copias en su primera semana. El 9 de marzo debutaría en Estados Unidos, llegando a ocupar el puesto número 2 en la lisa Billboard 200, vendiendo en ese periodo más de 200.000 copias.

Damon Albarn

Los creadores de Gorillaz, Damon Albarn y Jamie Hewlett, comenzaron a trabajar en un nuevo proyecto del grupo en noviembre de 2007, llamado Carousel, que fue evolucionando con el tiempo hasta convertirse en Plastic Beach, el tercer álbum de estudio del grupo. Sobre este tercer proyecto, Hewlett afirmaba: "Es incluso más grande y más difícil que 'Monkey' , y no va a encajar en ningún sitio y a nadie le va a gustar, ¡ja, ja, ja! Hemos empezado a trabajar, he hecho un montón de imágenes y Damon ha hecho un montón de música, pero no hemos descubierto cómo van a encajar. No puedo decir mucho sobre ello todavía, pero es como una película, pero no con una historia narrativa. Hay muchas historias, contadas en torno a una historia más grande... Originalmente era una película, pero ahora creemos que es una película y también es una cosa de teatro y... mira, es básicamente que hacemos lo que queremos sin preocuparnos de si es para una compañía discográfica o una compañía cinematográfica o lo que sea. Así que no estoy seguro de cómo resultará, o incluso si sucederá. Pero Damon ha escrito alrededor de 70 canciones para el disco, y tengo grandes planes para lo visual, pero ahora mismo, en este momento, sigue siendo una muy buena idea". Carousel iba a tratar sobre los aspectos místicos de Gran Bretaña.

Jamie Hewlett

Damon Albarn tuvo la idea de Plastic Beach mientras estaba en una playa al lado de su casa recogiendo todo el plástico que había en la arena de la playa. El 17 de septiembre de 2008, Hewlett y Albarn anunciaban que habría un nuevo álbum de Gorillaz, y que serían los mismos personajes, pero un poco mayores y contados de una manera diferente. La primera vez que Albarn fue a Mali lo llevaron a un vertedero, y allí observó cómo se trataba la basura de forma diferente a como se hacía en Inglaterra; anteriormente había visitado un vertedero en las afueras de Londres para grabar el sonido de las gaviotas para el álbum.  En Mali, según Albarn, el vertedero tenía "más serpientes... como víboras, culebras de collar, lombrices de tierra, sapos, ranas, tritones, todo tipo de roedores, una cantidad enorme de ardillas, zorros y, obviamente, gaviotas. [...] Esto es parte de la nueva ecología. Y por primera vez vi el mundo de una manera nueva. Siempre he sentido, y estoy tratando de transmitir en este nuevo disco, la idea de que el plástico, lo vemos como algo en contra de la naturaleza, pero ha surgido de la naturaleza. No creamos el plástico, la naturaleza lo creó. Y simplemente ver a las serpientes viviendo en el calor de las bolsas de plástico en descomposición.. Les gusta. Fue un extraño tipo de optimismo el que sentí... pero tratar de llevar eso a la música pop es un desafío importante". 

Al igual que con los álbumes anteriores de Gorillaz, Plastic Beach presenta colaboraciones con varios artistas; cuenta con Snoop Dogg, Hypnotic Brass Ensemble, Kano, Bashy, Bobby Womack, Mos Def, Gruff Rhys, De La Soul, Little Dragon, Mark E. Smith, Lou Reed, Mick Jones, Paul Simonon, Sinfonia Viva y la Orquesta Nacional Siria de Música Árabe. Plastic Beach en un álbum de marcado carácter pop con un toque conceptual, una secuela explícita de su predecesor, su historia retoma aproximadamente en el futuro distópico donde se quedó el último álbum. su música gira a partir de su modelo repleto de colaboraciones. Estamos ante un disco esquivo, que pasa por debajo de la barrera de los géneros y reúne a distintas personalidades musicales que si no fuese por Gorillaz, jamás hubieran conectado entre ellas. El disco es un paisaje insaciable que combina pop con  hip hop, punk y música clásica de una forma muy armónica. 

En este tercer álbum Damon Albarn consiguió un logrado equilibrio entre la procedencia de sus invitados y la variación de géneros, pero siempre bajo una estampa reconocible y manteniendo la calidad de la obra. Si bien es cierto que podria acusarse a Gorillaz  de cierta dispersión en el disco, su finalidad final fue la de investigar en todos los ángulos posibles del pop, yendo más allá de un puñado de singles efectivos y la gracia de sus miembros animados. En esta ocasión, tanto él como su colaborador en el aspecto visual y argumental, Jamie Hewlett, consiguieron elaborar una obra más enfocada a transmitir claros mensajes de denuncia ecologista. Y todo ello utilizando como hilo conductor a "la primera banda virtual del mundo": Gorillaz.

The Fall: Gorillaz y el experimento de lo inmediato (Mes Gorillaz)

The Fall: Gorillaz y el experimento de lo inmediato #mesGorillaz

En 2010, Gorillaz lanzó The Fall, un álbum que marcó un cambio notable en la forma de producción y distribución de música para la banda virtual liderada por Damon Albarn. No fue un álbum como cualquiera de sus anteriores producciones, llenas de colaboraciones estelares, cuidadosa producción y una narrativa visual que completaba la experiencia musical. En su lugar, The Fall se grabó en un mes, casi enteramente en la tablet iPad de Albarn mientras la banda estaba de gira por Estados Unidos. Este álbum es un experimento en todos los sentidos: una reflexión de lo que sucede cuando se capturan momentos en tiempo real, con una producción mínima y el objetivo de experimentar tanto con tecnología como con creatividad. A continuación, repasamos qué hace de The Fall un álbum interesante, aunque divisivo, dentro de la discografía de Gorillaz.

Contexto y proceso creativo

Durante la gira de Plastic Beach, Gorillaz se encontró con una nueva herramienta de producción musical: el iPad de Apple. Albarn quedó cautivado por las aplicaciones que permitían crear y manipular música de una forma accesible y portátil, y decidió usar este dispositivo para documentar sus impresiones y experiencias a medida que la gira avanzaba. Cada canción fue escrita y grabada en una ciudad diferente, lo que hace que el álbum funcione casi como un diario sonoro o una bitácora de viaje.

Este enfoque minimalista contrasta notablemente con la producción de álbumes anteriores de Gorillaz, como Demon Days o Plastic Beach, que requirieron meses de trabajo, múltiples colaboradores y sesiones en estudios de grabación de alta calidad. Albarn produjo casi todas las canciones por su cuenta, utilizando las limitadas herramientas de edición y producción disponibles en el iPad de la época. Lo que podría haber sido una restricción terminó siendo, para Albarn, una liberación creativa: cada canción nació de forma espontánea y sin sobreproducción, capturando la esencia del lugar y momento en que fue creada.

Análisis de las canciones

A nivel musical, The Fall es un trabajo experimental que se mueve en una variedad de géneros y atmósferas. Desde el ambiente etéreo de “Phoner to Arizona” hasta el enigmático “Amarillo”, el álbum varía en estilos y estados de ánimo, reflejando las diferentes ciudades en las que se grabaron las canciones.

1. "Phoner to Arizona" - El álbum abre con una instrumental oscura y algo críptica, probablemente influenciada por la experiencia de las autopistas en Arizona. La atmósfera es pesada y repetitiva, marcada por un ritmo que parece un viaje en carretera al anochecer. Esta introducción parece marcar el tono de lo que será un álbum introspectivo.

2. "Detroit" - Como su nombre indica, esta canción está inspirada en la ciudad de Detroit, famosa por su escena musical y su historia industrial. La pista tiene un toque robótico, con un sintetizador constante que evoca un pasado industrial. A diferencia de otras canciones del álbum, “Detroit” tiene una estructura más amigable, lo cual muestra la flexibilidad del iPad para trabajar en diferentes estilos.

3. "The Joplin Spider" - Este tema es un ejemplo de la experimentación de Albarn con el iPad. Con sonidos distorsionados y una estructura irregular, es una canción inquietante y discordante, muy diferente a la mayoría de los trabajos de Gorillaz. La inspiración viene de Joplin, Missouri, y refleja la oscuridad y el misticismo que Albarn parece haber experimentado en esta localidad.

4. "Amarillo" - Uno de los temas más destacados, “Amarillo” es probablemente el corte más accesible del álbum. La letra introspectiva y el tono melancólico capturan la sensación de soledad que puede surgir en una larga gira. Este tema muestra una faceta más emocional y lírica, y es quizás el más cercano a lo que tradicionalmente se consideraría una canción de Gorillaz.

5. "California and the Slipping of the Sun" - Aquí Albarn captura la vibra soleada de California, aunque con un toque nostálgico y crepuscular. La canción mezcla sonidos de sintetizadores con un ritmo suave y pulsante, creando un ambiente que evoca un atardecer en la costa oeste de Estados Unidos.

Recepción y crítica

Cuando The Fall se lanzó de forma gratuita para los miembros del club de fans de Gorillaz, la recepción fue mixta. Algunos fans y críticos apreciaron el concepto innovador y la espontaneidad del álbum, mientras que otros lo encontraron inconsistente y experimental en exceso. Si bien la calidad del sonido no es comparable con otros álbumes de Gorillaz, el carácter improvisado y las limitaciones técnicas se ven como parte de su encanto. Muchos lo consideraron un ejemplo de lo que puede lograrse con la tecnología portátil y, en ese sentido, el álbum fue visionario al adelantarse a la ola de producción de música digital en dispositivos móviles.

Además, la falta de colaboraciones en The Fall fue otra sorpresa. En álbumes anteriores, Gorillaz se caracterizaba por incluir voces y talentos de diferentes géneros y estilos, pero en esta ocasión, Damon Albarn se mantuvo solo, creando un proyecto más personal y menos orientado al pop que sus producciones anteriores. Esto fue, para algunos fans, una decepción, mientras que para otros, una ventana hacia el proceso creativo de Albarn sin influencias externas.

Temática y ambiente

Si bien no tiene una narrativa tan clara como Plastic Beach, el álbum explora temas de soledad, desplazamiento y reflexión personal. Escuchar The Fall es como mirar el paisaje desde la ventanilla de un autobús o un tren, experimentando fragmentos de la vida cotidiana que se mezclan con momentos de introspección. La música refleja el carácter fragmentado del álbum: cada pista es un fragmento de una ciudad diferente, una instantánea de un momento que probablemente nunca se repetirá. En este sentido, el álbum resuena en un nivel emocional distinto al de sus predecesores, creando una atmósfera introspectiva que muchos escuchas encuentran única y atrayente.

Entonces The Fall ¿Experimento o álbum completo?

The Fall es, en última instancia, un álbum experimental, que reta las convenciones no solo de la música de Gorillaz, sino de la producción musical en general. Aunque la calidad sonora y la estructura de las canciones no cumplen necesariamente con los estándares tradicionales, es importante recordar que esto es, en esencia, un experimento de Albarn y una obra de arte en el sentido más crudo de la palabra.

El álbum nos permite ver una faceta más íntima de Gorillaz, sin la estética pulida ni las colaboraciones de renombre que caracterizan a la banda. The Fall es una especie de viaje personal y una oda a la tecnología moderna, que permite capturar y compartir experiencias de una manera instantánea. Esto lo convierte en una pieza singular dentro de la discografía de Gorillaz, y aunque no sea el álbum favorito de muchos, su valor como experimento y como ventana a un proceso creativo distinto es innegable.

Así, para aquellos que buscan explorar una versión más personal e improvisada de Gorillaz, The Fall representa una oportunidad única. No es un álbum que vaya a llenar estadios ni a encabezar listas de éxitos, pero su valor radica en su autenticidad y su enfoque en el momento presente. Albarn demostró que la tecnología y la creatividad pueden unirse para producir algo genuino, algo que tal vez no se vuelva a repetir, pero que sin duda ha dejado una huella en el mundo de la música digital y en el legado de Gorillaz.

Daniel 

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