0229: I got you babe - Sonny & Cher

¡Arriba, excursionistas, despertad y no olvidéis los descansos, porque hoy hace mucho frío! Esa era la frase con la que, con I got you babe de Sonny & Cher sonando,  un locutor de radio despertaba todos los días a Bill Murray, condenado a vivir eternamente el mismo "día de la marmota", en la genial película Atrapado en el tiempo (1993). A día de hoy, resulta casi imposible no imaginar a Murray poniendo caras de hastío y agotamiento ante el puente de la canción y los rítmicos coros que acompañan al estribillo, pero el efecto de esta canción eterna dista mucho de ser de hastío, tras no perder su fuerza y magnetismo después de más de 50 años.

Compuesta por Sonny (Salvatore Phillip Bono), se convirtió inmediatamente en un éxito mundial que convirtió en estrellas a la pareja Sonny & Cher en 1965, y se ha mantenido en la memoria colectiva a través de los pinchazos radiofónicos, las revisiones de otros artistas como Chrissie Hynde y UB40, y su inclusión en películas y series de éxito como la ya mencionada Atrapado en el tiempo o los dibujos animados de Beavis and Butt-Head (en la que la propia Cher la interpreta junto a los dos descerebrados protagonistas).

La revista Rolling Stone la incluyó en el número 444 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, en un ejemplo más de que no es, ni mucho menos, una mala elección para nuestro despertador, aunque todos los días nos parezcan a veces un poco iguales. Somos nosotros los que podemos hacer de cada día algo diferente, al ritmo de cualquiera de las grandes canciones de la historia de la música. Es nuestra elección, así que: ¡Arriba, excursionistas, despertad y no olvidéis los descansos, porque hoy hace mucho frío!

Un país, un artista: Senegal - Baaba Maal

 

El cantante y guitarrista profesional Baaba Maal nació en 1953 en Podor, en el norte de Senegal, en una familia de pescadores perteneciente al pueblo Toucouleur. Sin embargo, su primer contacto con la música provino de sus padres, ya que su padre cantaba en la mezquita local y su madre cantaba durante las ceremonias comunales. Su interés por este arte creció tanto que en 1974, tras finalizar el bachillerato, se incorporó al conservatorio público de música de Dakar. Diez años después, en 1984, formó el grupo Daande Lenol (es decir, La Voz del Pueblo) con otros ocho músicos. Su música mezcla instrumentos tradicionales de África Occidental con instrumentos más modernos, rejuveneciendo el género y haciéndolo accesible a las generaciones más jóvenes. Al mudarse de casa, Baaba buscó una educación superior en el campo musical de algunas instituciones diferentes. El primero de ellos fue en la escuela École des Beaux-Arts en Dakar, Senegal. Sin embargo, después de completar este nivel de educación, Baaba decidió unirse a un grupo orquestal con el griot de su familia y su mentor y amigo personal, Mansour Seck. Juntos viajaron por África Occidental con el grupo de 70 personas, llamado Asly Fouta, hasta 1977. Unos años más tarde, Baaba se fue a París para estudiar en el Conservatorio de París donde había obtenido una beca. Mientras estaba en París, produjo su primer álbum Djam Leelii con Seck, quien había viajado allí con él.

Baaba Maal empezó con un conjunto acústico, a mediados de los 80 crea su propia banda, Daande Lenol . Con el éxito de Youssou N'Dour en mente, Baaba intentó conquistar los mercados musicales internacionales mezclando diferentes estilos con su propia música, en la que, en general, tuvo bastante éxito. En 1988 lanzó su primer álbum en solitario llamado Wango en Senegal. El mismo año, el productor inglés Chris Blackwell escuchó los primeros trabajos de Maal y decidió ficharlo por su sello de música mundial, Mango, que extendió la fama del cantante a una nueva audiencia europea. Es en este mismo sello que Baaba Maal editó en 1991 Baayo y en 1994 Firin’In Fouta, dos álbumes que nuevamente combinaron ritmos e instrumentos tradicionales de África Occidental con sonoridades más modernas, notablemente con la intervención de varios músicos europeos.

Después de dar conciertos tanto en Europa como en Estados Unidos, Baaba Maal fue nominado en 1996 en la categoría de “Música del mundo” de los premios Grammy, lo que ilustró su creciente prominencia y reconocimiento en la industria de la música a lo largo de los años. Su carrera musical continuó con el lanzamiento en 1998 de Nomad Soul, en 2001 de Missing You (Mi Yewii), y más recientemente en 2008 de International riche Afrique, tres álbumes en los que la influencia de sus orígenes africanos sigue siendo central tanto musical como textualmente. Paralelamente a los lanzamientos internacionales, Maal continúa grabando los álbumes más tradicionales y acústicos, siguiendo su álbum clásico de todos los tiempos «Djam Leelii» , grabado con Mansour Seck . Otro fiel compañero fue el maestro de kora Kaouding (o Kawding) Cissoko, quien falleció el 17 de julio de 2003 a la edad de 38 años, tras un ataque agudo de tuberculosis.

Además de sus producciones musicales, Maal también es políticamente activo, especialmente con su nominación como "Emisario de la Juventud" para el Programa de Desarrollo de las Naciones Unidas en julio de 2003, principalmente por su papel en alertar a la juventud africana sobre el peligro del VIH. El cantante también está comprometido con el desarrollo de Podor, su ciudad natal, ya que ha organizado allí desde 2006 un festival cultural llamado "Les blues du fleuve" (es decir, "El blues del río") que celebra la riqueza de la cultura de África occidental a través de muchas formas artísticas. . Baaba Maal promueve durante sus conciertos y a través de sus textos una imagen poderosa del continente africano, exponiendo su diversidad y grandiosidad cultural.

El artista senegalés se consolidó como una figura de África Occidental a lo largo de los años, no solo gracias a que su arte mezclaba sonoridades tradicionales con otras más modernas, sino también por su dedicación a los asuntos políticos ocurridos en su región natal y su promoción de la profusión cultural africana en a escala mundial. Con 11 álbumes de estudio, numerosas giras internacionales y un amplio reconocimiento, Baaba Maal es considerado uno de los artistas más destacados que promueve los valores de su herencia africana. Su música se basa en las tradiciones de los Haalpulaar del norte de Senegal y se distingue de la música mbalax de wolof, predominante en la música senegalesa.

0228 Feeling Good - Nina Simone

 

Feeling Good, Nina Simone

     En junio de 1965 es lanzado por el sello discográfico Phillips I Put a Spell on You, disco grabado por Nina Simone entre 1964 y 1965 en Nueva York. El álbum alcanzó el puesto número 99 en la lista estadounidense Biilboard Hot 200, y el puesto número 9 en las listas de álbumes del Reino Unido.

Incluido en el disco se encuentra todo un clásico, Feeling Good, tema donde la voz de Nina y una gran sección de vientos brillan con luz propia. Fue escrita por los compositores ingleses Anthony Newley y Leslie Bricusse para el conocido musical The Roar of the Greasepaint - The Smell of the Crowd. Feeling Good fue intepretada por primera vez en el escenario por el actor, músico, esritor y poeta de Guyana Cy Grant en 1964 en la gira del musical por el Reino Unido. Para la producción de Broadway, que se inauguró en mayo de 1965, el encargado de inteerpretar el tema fue Gilbert Price.

Habría que esperar hasta el año siguiente, 1965, cuando Nina graba el tema para su álbum I Put a Spell on You, para que el tema alcance una gran popularidad y se convierta en un clásico. Para la grabación de Nina, Feeling Good fue arreglada y producida por Hal Mooney, quien también se encargó de producir todo el disco. En cuanto a la temática del tema, en un momento del musical se le pide a un personaje de raza negra que compita contra el héroe del musical llamado "Cocky", pero mientras "Cocky" y su maestro "Sir" discuten sobre las reglas del juego, el personaje se acerca al centro del escenario y canta Feeling Good, alzándose con el triunfo. El tema fue descrito como una canción de emancipación en auge.

0227 I Put a Spell on You - Nina Simone

0227 I Put a Spell on You - Nina Simone  

I Put a Spell on You, es una canción del año 1956 escrita por Jay Hawkin. Fue seleccionada para pertenecer al selecto grupo de las 500 canciones que pertenecerían al Salón de la Fama del Rock and Roll. También obtuvo su lugar en el puesto número 313 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

La versión de la que hablaremos es la que hizo Nina Simone dándole además nombre a un disco de la artista, I Put a Spell on You es el disco de estudio que la cantante, compositora y pianista de jazz estadounidense Nina Simone, grabaría en 1964 y 1965 en la ciudad de Nueva York, y fue lanzado por Philips Records en 1965. Alcanzó este álbum el puesto número 99 en la lista Billboard 200 y el número 9 en la lista de álbumes del Reino Unido. La canción principal, I Put a Spell on You, alcanzó el puesto 23 en la lista de Hot R & B / Hip-Hop Songs y el número 28 en la lista de singles del Reino Unido.

Nina Simone no sería la única en hacer una versión de esta maravillosa canción, se encargaran también de hacerla Creedence Clearwater Revival, Annie Lennox, Joss Stone, y numerosos otros artistas. 

Daniel 

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La música en historias: Nigor Mortis - #MesSanandaMaitreya

 

Nigor Mortis, Sananda Maitreya

     Nigor Mortis (marcado como el séptimo álbum de estudio aunque en realidad es el octavo) es un álbum de un artista que anteriormente respondía al nombre de Terence Trent D'Arby y ahora lo hace como Sananda Maitreya. El título del disco es un juego de palabras que representa el estado entre "Rigor Mortis" y "Vigor Mortis", entre la rigidez y la vitalidad del cadaver, como un nuevo despertar y vuelta a la vida. Todo un juego de palabras con el que Sananda se revelaba contra todos aquellos que le daban por muerto artísticamente, y con este nuevo trabajo con muchos temas a la altura de sus mejores momentos se iba a reivindicar.

Sananda, como ya hiciera con todos sus trabajos desde su cambio de nombre y rumbo, se encarga de autoproducir él mismo el disco, el cual contiene 23 temas que en su momento fue concebidos para descargas por internet, y en formato CD. La edición de CD se presentaba en un estuche con un DVD y un folleto adjunto de fotos de 8 paǵinas. También se edito una versión instrumental del álbum únicamente disponible en formato MP3.

Nigor Mortis es grabado en Milán, lugar donde Sananda había fijado su residencia allá por el año 2002, y publicado a finales de 2008. El disco, con 23 temas, puede resultar bastante largo, es lo que tiene autoproducir un disco y no tener que rendir cuentas a nadie, que era lo que Sananda se había propuesto algunos años atrás. Sin embargo el resultado es un buen disco, con un sonido muy negro donde se entremezclan rock y soul con mucho gusto, aunque también se atreve con otros ritmos como el funky o el R&B. El disco es compuesto y auotoproducido por  Sananda, y también se encarga de todos los instrumentos, contando con la gran colaboración de Lucio Fabbri al violín y banjo. En cuanto al sonido, predominan los sonidos de piano y teclados, y también una línea de bajo muy buena y destacable durante todo el álbum.

Dentro de los 23 temas Sananda juega con el soul, sonido que le sienta como un guante, en temas como O Lovely Gwenita, que además de abrir del disco lo hace de una forma muy prometedora, uno de los grandes momentos del disco; At the Crossroads, otro de los mejores temas de álbum; A wife Knows y Because You've Change, con una buena línea línea de bajo y donde Sananda realiza un exquisito trabajo vocal; Has It Been Too Quiet? Unos de esos temas con Sananda sentado al piano que tan bien sientan al artista; This Town, tema con unos giros vocales brutales; o What Would You Like?, donde el artista nos vuelve a demostrar que poco más necesita además de su piano y su voz. 

También encontramos temas de corte más roquero, como With a Girl Like You, tema más rápido y rítmico con un toque country que hace de éste tema sin duda otro de los mejores del álbum; Free Me, con un rollo muy a lo Hendrix y un aire muy setentero; I Don't Give Fuck About You, otro de los grandes momentos del disco donde el comienzo ya aventura algo más grande. La línea de bajo y la voz de Sananda doblada con guitarra que va creciendo hasta desatarse, brillante; Never How Much, canción que junto a Mr. Gupta contiene unos contundentes y pesados riffs de guitarra con aires de los años 70; o Angel (Not a Saint),  otro tema con un aire country y un gran trabajo al violín de Lucio Fabbri. Sananda también se atreve con sonidos más funkys, como en la brillante Superstar. Y mención aparte para la genial Priscilla, otro momento álgido del disco, donde acompañado de una guitarra acústica se marca esta pedazo de balada. Su voz y poquito más hace falta para que Sananda sea capaz de emocionarnos. 

Sananda avisaba a los que le daban por muerto artísticamente y se revelaba con este disco, Nigor Mortis, trabajo con el que nos presentaba su nuevo estado de vitalidad artística.

0226: I've Been Loving You Too Long .- Otis Redding

 

Hoy vamos a detenernos en uno de los temas del álbum Otis Blue: Otis Redding Sings Soul, el tercer y disco de mayor éxito del malogrado Otis Redding, que fallecería apenas dos años más tarde, con 26 años. El álbum fue grabado en apenas 24 horas en los estudios Stax de Memphis. Tres de las canciones fueron escritas por el propio Redding: Ole Man Trouble, Respect- que se convertiría más tarde en canción emblema de Aretha Franklin- y ésta, I’ve been loving you too long, que hasta los mismos Stones recreaban en sus conciertos. De hecho, la incluyeron en su primer álbum en directo, Got LIVE If You Want It! (1966).

Es muy probable que la evolución musical del soul y el R&B hubiese cambiado de no mediar la prematura muerte del más rutilante y dotado de sus intérpretes, Otis Redding, víctima mortal de un accidente de avioneta en diciembre de 1967, poco después de cumplir 26 años. Es tanta y tan enorme la obra de Redding pese a la tragedia que la truncó antes de tiempo. Redding, que era un gran compositor —a diferencia de buena parte de los vocalistas de soul, que sólo ponían garganta y sentimiento—, escribió la pieza en la soledad nocturna de un hotel y a medias con Jerry Buttler, el cantante de los Impressions, la lejanía de la persona amada y el sentido de separación brotan, palpables, en la interpretación. Este tema fue la estrella en el Festival de Monterrey de 1967,  con el respaldo de Booker T & The MG's, Otis se embarcó en una actuación cargada de emociones de "I've Been Loving You Too Long" que tiene a los asistentes de aquel festival hablando hoy en dia de ella, ya que realmente los conmovió hasta las lágrimas con su intensidad y pasión, como se diría vulgarmente dejó a los “hippies” con la boca abierta y en ridículo cuando cantó el tema, demostrando que no es necesario quemar una guitarra en el escenario cuando es tu alma la que está ardiendo. De todas las actuaciones que tuvieron lugar ese fin de semana, fue " I’ve been loving you too " la que se recordara del espectáculo; la multitud, esperaba curiosa a aquel joven negro vestido con un traje verde kelly hecho a medida, y se volvió absolutamente loca con cada ejecución vocal, abrumada por emociones que nunca supieron que tenían y que nunca esperaron que surgieran durante su actuación.

El tema empieza con la voz en solitario de Otis a la que le van uniendo de forma muy suave piano, bajo y batería, mientras la guitarra lanza unos acordes, hay que prestar atención a la sección de viento que hace entradas potentes y fulgurantes en momentos de especial emoción y en la parte final, pero todo muy comedido ya que estamos ante un tema muy suave para mostrar la intimidad de esta confesión/súplica. La letra nos habla de un amor que ha ido creciendo en el tiempo, sobreviviendo a los periodos de enfriamiento, y a fases en lo que parecía que todo había terminado aunque sobrevive de mala manera, la cancion suplica que no le pida que pare, que le deje de amarla de esta forma desmesurada que le llena el corazón.

0225 In the Midnight Hour -Wilson Pickett

 

In The Midnight Hour, Wilson Pickett

     In The Midnight Hour es uno de los grandes clásicos y éxitos de Wilson Pickett, publicado por el sello Atlantic Records en 1965 en el álbum del mismo nombre, y posteriormente en el siguiente álbum, The Exciting Wilson Pickett, en 1966.

Esta canción alcanzó el puesto número uno en la lista R&B de la famosa revista Billboard en agosto de 1965, y en la lista Billboard Hot 100 llegó a alcanzar un más que meritorio puesto 21. Sin embargo, según Jim Stewart, propietario del sello Stax Records, la canción no llegó a meterse dentro del top 20 debido a que la canción era sexualmente demasiado sugerente. En 2007 In The Midnight Hour fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos por ser "cultural, artística e históricamente significativa".

El tema fue compuesto por Wison Pickett y Steve Cropper, guitarrista, compositor y productor estadounidense famoso por ser miembro de la banda de músicos de sesión del sello Stax Records, y posteriormente de Booker T. & the MG's. El título de la canción fue puesto por Cropper, y según él, se basó en algunas canciones anteriores de gospel que Wilson Pickett tenía, al parecer en un par de ellas usaba la frase "I'll see my Jesus in the midnight hour! oh, in the midnight hour. I'll see my Jesus in the midnight hour" / "¡Veré  mi Jesús en la medianoche! oh, a la medianoche. Veré a mi Jesús a la medianoche". Sobre la canción que Cropper recordó y en la que se basó para el título se especula que fue I Found a Love, interpretada por Wilson Pickett con su grupo The Falcons en 1962. En dicho tema Wilson canta "And sometimes i call in the midnight hour" / "¡Y a veces llamo a medianoche!", siendo ésta la única cita del evangelio que se parecía al título y que Wilson Pickett había cantado hasta entonces en alguna de su canciones.

In the Midnight Hour fue grabado en los estudios Stax Records bajo la producción del mismísimo Jim Stewart y de Steve Cropper, y contó con  los habituales músicos de sesión del sello, Steve Cropper a la guitarra, Al Jackson a la batería y Donald "Duck" Dunn al bajo. En cuanto a la temática de la canción, Wison Pickett espera hasta la medianoche para encontrarse con su chica en una cita romántica. 

Disco de la semana 237: Locura - Virus

Disco de la semana 237: Locura - Virus

Virus es una banda de principios de la década de los 80, y vamos a recomendar uno de sus emblemáticos discos, el cual vio la luz en un recital en el Teatro Opera de la ciudad de Buenos Aires, el 12 de diciembre de 1985, cuando se abrió el telón. El disco, llamado Locura, fue el quinto disco de la banda y el que le abrió las puertas al mercado nacional y latinoamericano.

Se puede decir que este disco, Locura, es el más sexual y sofisticado que ha editado la banda Virus, y uno de los favoritos de su vocalista y líder Federico Moura, y el más exitoso en ventas, ya que ha alcanzó a vender más de 200.000 copias.

A partir de este disco, la banda Argentina se convirtió en una de las bandas que fueron invadiendo el continente Americano con su música, donde han resonado canciones como Pronta entrega, Una luna de miel en la mano, Destino circular, Sin disfraz, Pecado para dos y Lugares comunes.

De este modo Locura pasó a ser uno de los mejores discos de toda la historia del rock, no solo argentino, sino también de Latinoamérica, ocupando el puesto 158 en la clasificación de los 250 mejores discos de rock en Latinoamérica ranking realizado por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

Una anécdota del disco: se iba a llamar originalmente Pecados, pero cuando iban a registrarlo, los hermanos Moura (parte de la banda) decidieron cambiar el título por el que hoy es conocido (Locura). Su grabación se realizó en Buenos Aires y fue mezclado en Nueva York.

Ya han pasado muchos años del lanzamiento de este disco Locura, que aun se mantiene intacto sonando en las radios o en las plataformas digitales. La banda en el año 2015 celebró los 30 años de su estreno tocando nuevamente en el Teatro Ópera, un escenario que volvió a ser testigo de un momento que quedaría en la historia.

Daniel
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0224 Papa’s Got a Brand New Bag - James Brown

0224 Papa’s Got a Brand New Bag -  James Brown

La canción "Papa's Got a Brand New Bag" es una canción escrita y grabada por el artista James Brown. 

Esta canción, publicada como single en 1965 y años después reeditada, fue la primera canción de James Brown en alcanzar el el Top Ten de Billboard Hot 100, llegando a ocupar la posición número 8 del ranking, y fue un éxito de R&B, ubicándose  en el puesto número uno y permaneciendo en las listas durante ocho semanas. Esto le permitiría a James Brown su primer premio Grammy a la Mejor Grabación de Rhythm & Blues.

Habiendo consolidado un estilo nuevo en las grabaciones que haría James Brown, "Papa's Got a Brand New Bag" se considera una canción fundamental en el surgimiento de la música funk como un estilo distinto. 

Mientras James Brown canta las aventuras de un anciano lo suficientemente valiente como para salir a la pista de baile de un club nocturno, el sonido de la banda suena con un ritmo prominente y un riff de guitarra eléctrica que engancha muchísimo. Tanto el cantante como la banda ponen un énfasis abrumador en el primer tiempo de cada compás ("on the One"). La canción es la primera grabación de Brown que presenta a Jimmy Nolen en la guitarra.

La grabación hecha de "Papa's Got a Brand New Bag" fue editada y acelerada para su lanzamiento en el año 1965, aumentando el tempo y subiendo el tono en medio paso, en cambio en su segundo lanzamiento, esta vez en 1991, la grabación fue lanzada sin editar a su velocidad original. Esta nueva edición incluiría las pistas del charlas en el estudio, más una introducción, con James Brown gritando roncamente "¡Esto es un éxito!" justo antes de comenzar la canción.

Daniel 

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0223.- Catch the wind - Donovan

 

Durante casi medio siglo Donovan ha encarnado el espíritu más puro e inocente, sin traicionarse y trabajando para reforzarlo como estudioso del budismo zen y de la espiritualidad. Y lo ha hecho con poesía y con música, como los legendarios trovadores europeos, cofradía de la que forma parte por derecho propio. Donovan ha pasado por infinidad de cambios dentro de su carrera musical, que en su caso es una auténtica forma de vida. Comenzó como intérprete del folk primitivo, al igual que su admirado Bob Dylan. Su primer single, “Catch the Wind”, y sus primeros álbumes fueron hechos bajo esa influencia. Hasta ahí el paralelismo. El primer álbum de Donovan en 1965 salió a la luz en Pye Records (que fueron editadas en los EE.UU. por Hickory Records con el nombre 'What's Bin Did and What's Bin Hid') tienen sólo un ligero parecido con el material pop más moderno que comenzó a editar un año más tarde, cuando se pasó a Epic Records. Su obra de este periodo ha sido comparada con la de Bob Dylan, pero la influencia más fuerte es probablemente Bert Jansch.

Estamos ante la cancion debut de Donovan , fue lanzado después de su tercera aparición en la televisión británica. El sentimiento que Donovan expresa en la canción te llega a conmover mientras escuchas a golpe de guitarra como ve a una chica de la que está enamorado y quiere estar con ella, pero no sabe por dónde empezar. Para él, es tan difícil como intentar atrapar el viento, frases como esta están al alcance de muy pocos. En una entrevista con Dierdre O'Donoghue en KCRW Radio, Los Ángeles,Donovan dijo hablando de "'Catch The Wind', “la escribí para Linda (Lawrence, con quien se casó en 1970), aunque todavía no la conocía. Es una canción de amor no correspondido, pero realmente no la había conocido, entonces, ¿cómo podría extrañarla?, parece que escribo canciones proféticas en el sentido del poeta celta y escribí esta canción antes de conocer a Linda, de un amor que me hubiera gustado tener y perder ". Quizás el enamoramiento sea una mejor descripción. Donovan toca la canción con solo una guitarra acústica y armónica y crea un gran sonido con una hermosa melodía.

La melodía la toma prestada en gran medida de "Chimes Of Freedom" de Bob Dylan, que se lanzó aproximadamente medio año antes de "Catch The Wind". La conexión entre las dos canciones se reconoce instantáneamente en el patrón de rima y la melodía vocal de las primeras líneas. Si estás tratando de introducir a alguien en la música folk, ponle esta canción. Si no les gusta, es posible que nunca le gustara este estilo, ya que "Catch the Wind" tiene todos los elementos de una gran canción popular, además de uno de los temas más universales: el amor. 

0222 It's not unusual - Tom Jones

Los caminos del éxito son a veces "inusuales" e inesperados, y están influidos casi siempre por la casualidad y quién sabe si también el destino. Por esos intrincados caminos andaba perdido un joven y desconocido Tom Jones, que no terminaba de encontrar el tema que le catapultara al ansiado éxito. La ya mencionada casualidad hizo que llegara a sus manos un tema compuesto por Les Reed y Gordon Mills, que acababan de ofrecérselo a la cantante Sandie Shaw.

Tom Jones quedó prendado de It's Not Unusual y grabó una maqueta en los estudios Decca en 1965. El acuerdo fue que la canción serviría de muestra para convencer a Sandie Shaw para que la interpretara, y sólo si ella la rechazaba quedaría disponible para Tom Jones. Sandie quedó tan impresionada con la interpretación vocal de Jones, que sólo pudo decir: "Esta canción es de quién la está cantando".

It's not unusual fue el primer número uno de la carrera de Tom Jones, y el espaldarazo definitivo que estaba buscando para su carrera. La magia de este tema va más allá del año de su publicación, y permanece en la memoria colectiva gracias a su ritmo pegadizo y vacilón, que ha servido de banda sonora a películas y series como El príncipe de Bel Air (quedará ya para siempre asociada al mítico baile de Carlton Banks) Eduardo Manostijeras o Mars Attacks (interpretada por el propio Tom Jones con un inesperado coro de traviesos marcianos). Tiene que haber sido el destino, porque la letra de la canción dista mucho de ser alegre, describiendo el dolor de ver a la mujer amada en brazos de otro. Eso, o simplemente que es tan buena que no podemos dejar de movernos nada más escuchar los primeros compases de It's not unusual.

Un país, un artista: Rusia - Yuri Morozov

 

Yuri Morozov

     Para hablar del rock ruso nos tenemos que remontar hasta finales de la década de los años 60 en la extinta Unión Soviética. Antes de esa década la música en la extinta Unión Soviética se dividía en dos grupos: un primer grupo que abarcaba la música publicada por Melodya, la empresa que monopolizaba toda la industria discográfica soviética, y un segundo grupo denominado "La otra música", que se trataba de música editada, grabada y tocada ilegalmente. De este segundo grupo destacaron autores de corte folk como Bulat Okuzdhava, Aleksandr Galich y Vladímir Semyonovich Vysotsky, que crearon un estilo propio, basado en unas letras muy críticas con el estilo de vida contemporáneo.

Por aquel entonces, la música occidental era importada de contrabando, eludiendo el control de Melodya. Los primeros grupos occidentales en llegar a oídos del oyente soviético fueron The Beatles, The Rolling Stones y Deep Purple. De hecho, la mayoría de los primeros grupos de rock locales que aparecen a comienzos de los 70 en Moscú y alrededores fueron influenciados en su mayoría por los Beatles. A finales de la década de los 60 comienzan a surgir grupos como Poiuschie Gitary, Tsvety, Golubiye Gitary y Sinyaya Ptitsa, todos ellos con la particularidad de ser conjuntos vocal-instrumentales, debido a las férreas restricciones que la Unión Soviética había introducido, regulando la música y las letras de los grupos. Será en esa época cuando surgen dos de las más legendarias bandas de rock ruso, Mashina Vremeni, surgida en Moscú en 1969, y Aquarium, surgida en 1972 en la ciudad rusa de San petersburgo.

Durante la década de los años 80 el rock ruso adquiere una gran relevancia en Rusia, se celebra en 1980 el primer festival de rock ruso en la localidad georgiana de Tiflis, llamado Tbilisi-80 y se funda el primer club de rock en San Petesburgo en 1981, donde las bandas pueden presentarse y tocar legalmente. Durante ésta década surgirán grandes bandas como Agata Kristi, Avtograph, Nutilus Pompilus, Crematorium, Piknin, Nol, N.O.M., Komitet Ojrany Tepla, y DDT. Bandas que junto a las ya mencionadas Mashina Vremeni y Aquarium, dominarán la escena del rock durante esa época.

Dos de esas grandes bandas, Aquarium, de San Petesburgo, y DDT, fundada en la localidad de Ufá, perteneciente a la República de Baskortostán, son rusas y su sonido vendrá marcado por tener grandes influencias de Yuri Morozov, figura a la que dedicaremos en 7dias7notas este apartado dedicado al país de Rusia. Varios son los motivos, entre los que se encuentra la citada influencia en bandas de la extinta Unión Soviética primero y rusas después como las citadas anteriormente. Yuri fue capaz de inventar un género de rock psicodélico ruso usando elementos de rock progresivo y música étnica rusa. Además de ser una gran influencia en el ámbito del rock ruso, también marcó un antes y un después trabajando como ingeniero, siendo el primero en la Unión Soviética en abordar el proceso de grabación de sonido como un acto creativo, y no como un mero proceso de grabación mecánica sin más.

Yuri Morozov, multiinstrumentista, ingeniero de sonido, escritor y músico de rock soviético y ruso, nace en 1958 en Belogorsk, región perteneciente a la región de Crimea. En su juvenud se muda a la ciudad rusa de Vladikavkaz (antigua Ordzhonikizde), y es allí, en el colegio, donde se deja atrapar por la música rock. Después de la escuela, en 1968 cooncretamente, se convierte en estudiante en le Insituto Ordzhonikizde, para posteriormente ingresar en la Facultad de Minería y Metalurgia del Cáucaso Norte. En otoño de 1969 forma su primer grupo, Tramps, el cual está influenciado enormemente por el sonido de The Beatles. 

Yuri en esa época ya se dedica a grabar sus experimentos musicales en cinta, algo que se acabará convirtiendo más adelante en una de las principales técnicas de su método artístico. En 1971 Yuri se muda a Leningrado, donde ingresa en el Departamento Nocturno del Instituto Politécnico de la Facultad de Automatizaciónn y Accionamiento Eléctrico. Ese año se fabrica un estudio casero con el  que comienza a experimentar con la sobregrabación primero, y la técnica multicanal después, intepretando y grabando todas las partes instrumentales y vocales él mimso. El año siguiente, 1972, consigue un trabajo en el Estudio de Grabación de Leningrado, perteneciente a la compañía Melodya, quien controla y regla toda la música por aquel entonces. 

La habilidad de Yuri para manejar equipos de estudio profesionales le permite consevar sus primeras grabaciones de conciertos, entre los que se encuentran las realizadas con su primer grupo, Tramps hechas en 1971, y sus trabajos Retroskop (1968-1971) y Apocripha (1972-1973). En 1973 graba el álbum psicodélico "Jimmy Hendrix's Cherry Orchard" y comienza a colaborar con otros grupos e intérpretes de la escena de Leningrado. Entre 1975 y 1976 Yuri forma parte del proyecto  de jazz rock llamado Nu Pogodi!, e intenta unirse con el bajista Mikhail Kudryatsev y el baterista Igor Golubev. Al año siguiente forma un trío junto a Kudryatsev y al batrista Sergei Petrov. 

Yuri, consciente de que las ideas que tiene en la cabeza sobre grabción en estudio son imposibles de llevar a cabo en el escenario, empieza a concentrar su trabajo más en el estudio de Melody, donde graba obras referentes a las enseñanzas filosóficas de la India antigua, temas bíblicos, de la cultura de la China Medieval, y del folclore ruso, lo que le llevará a colaborar largo plazo con el grupo de folk-rock Yabloko.

Las mayoría de las grabaciones que Yuri realiza son instrumentales. en 1981 ya tiene en su repertorio un amplio abanico de canciones de motivos cristianos, por lo que decide intepretarlas en el escenario, para lo que forma un trío junto al bajista Kudryatsev y al baterista Sergei Zavyalov. Sin embargo, a pesar de haber estado ensayando durante tdo un invierno, el trío acaba seprándose. 

Tras varios años alejado de los escenarios, Yuri vuelve en 1987 para dar un concierto en el festival Rock-Niva-87, donde es acmpañado por el grupo de rock de Leningrado Mail. En 1988 comienza una colaboración con el grupo DDT que se traduce en una gira que dura año y medio. Ese año, 1988, Melodya a través de su subsidiaria en Leningrado publica una retrospectiva del trabajo de Yuri Morozov hecha durante los años 80 llamada Presentation. En 1989 Yuri forma el grupo OGPU Im. Yu. Morozov, proyecto que dura hasta 1992. 

Yuri siguió trabajando en estudio, donde realizó un gran trabajo como ingeniero de sonido, para artistas de la talla de Alexander Lyapi, Vadim Kurylev, AAqurium, Tamburin, August, Mail, CloudLand Status, Delta Operator, y Chizh & Co entre otros muchos. Desgraciadamente Yuri fallecería en 2006 en la ciudad de san Petersburgo a causa de un mieloma, once días antes de cumplir los 58 años. 

Yuri Morozov, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido, productor y escritor, destacó por su multitud de grabaciones que abarcan casi todo el espectro de tendencias y géneros musicales modernos, por su invención de un nuevo género musical de rock psicodélico ruso, y por su visión en los trabajos de ingenieria de sonido, marcando el camino e influenciando a multitud de grupos de rock y de ingenieros de sonido del país ruso.

0221 It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) - Bob Dylan

0000 It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) - Bob Dylan

It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) es una canción escrita e interpretada por Bob  Dylan. La canción fue lanzada en el álbum Bringing It All Back Home, y

Bob Dylan la escribió y posteriormente la grabó el 15 de enero de 1965. El biógrafo de Dylan, Howard Sounes lo describe como una obra maestra siniestra del autor.

La canción tiene uno de los versos más emblemáticos de Bob Dylan. Entre los versos más conocidos que se conocen están "He not busy being born is busy dying", "Money doesn't talk, it swears", "Although the masters make the rules, for the wisemen and the fools" y "But even the president of the United States sometimes must have to stand naked." La letra de las canciones expresa el enojo de Bob Dylan por la hipocresía percibida, el comercialismo, el consumismo y la mentalidad de guerra en la cultura estadounidense contemporánea. 

Las preocupaciones de Bob Dylan en las letras, sin embargo, se extienden más allá de lo sociopolítico, expresando preocupaciones existenciales y tocando asuntos urgentes de la experiencia personal.

Bob Dylan dijo que "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" es una de las canciones más significativas para él, habiéndola tocado a menudo en conciertos en vivo. Desde su lanzamiento original en Bringing It All Back Home, se han publicado versiones en vivo de la canción en The Bootleg Series Vol. 6: Bob Dylan Live 1964, Concierto en Philharmonic Hall, Before the Flood, The Rolling Thunder Revue: The 1975 Live Recordings y Bob Dylan en Budokan. 

También se puede ver a Dylan interpretando la canción en la película Dont Look Back y en el video del especial de HBO Hard to Handle. La canción ha sido versionada por varios otros artistas, incluidos Roger McGuinn, The Byrds, Billy Preston, Hugo Race, Terence Trent D'Arby, Mick Farren, Caetano Veloso, Marilyn Scott y The Duhks.

Daniel 

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0220 It's All Over Now, Baby Blue - Bob Dylan

 

It's All Over Now, Baby Blue, Bob Dylan

     Después de publicar cuatro trabajos de música folk, Bob Dylan decide apostar por un sonido más eléctrico y publica Bringing It All Back Home, su quinto álbum de estudio, grabado en el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York, y publicado en marzo de 1965 por la discográfica propietaria de dichos estudios, Columbia Records.

El título del álbum hace referencia a la llamada "Invasión Británica", como así se llamó al movimiento musical predominante hacia mediados de los años 60 en Estados Unidos con la llegada de grupos procedentes del Reino Unido y que alcanzaron sus cotas más altas con la llegada de The Beatles. A nivel comercial Bringing It All Back Home se convirtió en el segundo álbum de Dylan en alcanzar el primer puesto en las listas de ventas del Reino Unido, mientras que en Estados Unidos llegaba al puesto número 6 en la lista Billboard Hot 200. 

Incluido en este quinto álbum se encuentra It's All Over Now, Baby Blue, tema compuesto y escrito por Bob Dylan  y grabado en sesión de grabación el 15 de enero de 1965 por el mismo Dylan a la guitarra acústica y armónca, y William E. Lee al bajo como única instrumentación. Este tema fue grabado el mismo día en que Dylan grabó otros tres temas, Mr. Tambourine Man, It's Alright Ma (I'm Only Bleeding) y Gates of Eden. 

La letra del tema está influenciado por la poesía simbolista, uno de los movimientos literarios más importantes del siglo XIX. Los simbolistas creían que el mundo era un misterio por descifrar y por ello el poeta debía trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles. En esta canción Dylan nos relata un adiós a la persona llamada Baby Blue y comienza con una amarga declaración: 

"Debes irte ahora, toma lo que necesites, cree que durará 

pero lo que sea que desees quedarte, será  mejor que lo

agarres rápido

y todo ha terminado ahora, Baby Blue..."

En éste verso podemos apreciar el dolor y arrepentimiento que sufre el cantautor y toda la canción será un cúmulo de emociones de desprecio y tristeza. A lo largo de los años muchos críticos e historiadores han especulado sobre la verdadera identidad de Baby Blue, llegando a sonar nombres como Joan Baez, David Blue, Paul Clayton o incluso el mismo Bob Dylan.

La musica en historias: Angels & Vampires #MesSanandaMaitreya

 

Iniciamos el mes de Agosto y no cambiamos de artista, ¿O quizás sí?... después de recorrer en julio la discografía de Terence Trent D´Arby, es el momento de evolucionar e ir un paso más allá, desafiar los límites de nuestro interés y detenernos en cuatro estaciones en la discografía de Sananda Maitreya…. El mismo genio que el mes anterior que con dos cambios radicales, el primero lógicamente el nombre… mismo artista distinta forma de conocerle, el segundo y básicamente por lo que hemos decidido iniciar este recorrido, la música…… y la libertad creativa que supuso romper con su pasado e iniciar su nuevo camino.

Iniciamos con su primer álbum titulado Angels & Vampires, y empezamos fuerte, de primeras nos damos de bruces con 40 canciones, si bien editado el cd físicamente contenía 20, teníamos otras 20 solo accesibles desde Interne para regalo de nuestro oído, así a lo bruto y sin ningún filtro, el poderío creativo de Sananda era de sobre sabido, que su discográfica no estaba muy contento con lo que presentaba, también, así que de primeras decide desnudarse por completo y en un ejercicio de sinceridad nos entrega muchas de aquellas canciones que le habían rechazado y otras nuevas creadas para la ocasión. Sin duda y a menudo que avanza el álbum, el oyente podrá encontrar muchos estilos y sobre todo temas que te dejan totalmente indiferentes, pero también muchos otros que te dejan clavado en la silla preguntándote como podían haber encadenado a tal bestia creativa.

Lo cierto es que además de su faceta creativa Sananda Maitreya es un cantante maravilloso y bastante peculiar con los títulos de sus canciones, Angels & Vampires no se siente como un álbum oscuro ni un álbum con tintes de religiosos. Es un disco alegre con poca guitarra, mucho piano y bajo. Maitreya nos regala un álbum con mucho material para escuchar. Es difícil elegir una canción favorita de todas estas canciones, cada una tiene su encanto, me voy a detener en varias de las 20 primeras que salieron editadas, sin duda la que más me ha hecho disfrutar ha sido We are the living, donde podemos encontrar algunos ramalazos del gran Terence Trent D´Arby pero sin duda alguna con el sello de Sananda, me gustaría destacar un estribillo que te deja extasiado, pero no solo es el estribillo, detenerse en los coros mientras los instrumentos se dispersan a su alrededor y como no, en esa guitarra que en el minuto 2:45 de la canción toma un protagonismo de oro. I´m your Daddy es otra de las grandes, tiene momentos brillantes pero quizás tanta pausa desarbola un poco el tema…¿o es que realmente estaba jugando a eso?. Dolphin es puro soul, y de nuevo encontramos cambios de ritmo que adornan la canción y la eleva de nivel. Destaco también Take a Time, son dos minutos muy bien aprovechados convirtiéndola en otra de las joyas de la corona, o la indescriptible Share Your Paints, donde esa guitarra que ya hemos conocido coge protagonismo a partir del minuto y cincuenta segundos y la eleva por encima de lo esperado.

0219: Mr. Tambourine Man - Bob Dylan

Mr. Tambourine Man fue escrita por Bob Dylan y la incluyó en su disco Bringing it all back home de 1965, pero The Byrds se adelantaron y publicaron una versión del tema antes de que la original fuera publicada por el artista de Minnesota, consiguiendo con ella el puesto más alto de las listas de ventas. Antes de que los pájaros se la robaran y remontaran el vuelo, Dylan la había interpretado en directo en el Philharmonic Hall de Nueva York en 1964, y ese mismo año había grabado una versión primeriza junto a Ramblin' Jack Elliot.

El disco Bringing it all back home es clave en la carrera de Dylan ya que es el primero en el que algunas canciones mostraron un sonido más eléctrico, alternando con otros temas en los que mantenía su característico sonido acústico. Ejemplo del grupo de canciones acústicas es precisamente Mr. Tambourine Man. La versión de Dylan es más desnuda y acústica que la de los Byrds, que buscaron un sonido más cercano a The Beatles, y tiene la particularidad de empezar directamente con el estribillo.

Mucho se ha escrito sobre la identidad de aquel "hombre del tambourine" en esta bella balada acústica de surrealista letra ¿Se refería realmente a un músico callejero (Oye, Mr. Tambourine Man, toca una canción para mí, no tengo sueño y no hay ningún lugar al que vaya...) o a un camello capaz de proporcionarle un gran viaje psicodélico? (Llévame a un viaje en tu mágico barco giratorio... Llévame desapareciendo a través de los anillos de humo de mi mente, por las neblinosas ruinas del tiempo...) No lo sabemos a ciencia cierta, y eso nos da la excusa perfecta para seguirla escuchando una y otra vez, en busca de esa pista definitiva que nunca nos será desvelada, mientras nos olvidamos "de hoy, hasta mañana" en un más que apetecible viaje musical a través de sus versos.

Disco de la semana 237: Combat Rock, The Clash

Publicado el 14 de mayo de 1982, Combat Rock es el quinto disco de estudio de The Clash, y el último disco relevante de su emblemática e influyente carrera. Etiquetados como grupo punk, The Clash eran mucho más que eso, y este disco es el mejor ejemplo de ello. Sin llegar a poder compararse con los monumentales London Calling o Sandinista, Combat Rock es un disco ecléctico en el que nos regalan un interesante despliegue de dub, funk, rockabilly, rock y, por supuesto, punk.

Con la idea de entregar por tercera vez consecutiva un disco de larga duración (London Calling era doble y Sandinista triple) se encerraron en los Electric Ladyland Studios de Nueva York entre noviembre y diciembre de 1981, y acabaron produciendo 18 canciones para el disco. Finalmente decidieron convertirlo en un solo LP, que quedó como escueto resumen de la versatilidad de la banda en un momento de máxima fertilidad, que a la postre fue el zenit de una banda que empezaría poco después una lenta desintegración interna y transitaría hacia terrenos musicales mucho menos inspirados. Fue el último disco de la formación clásica de la banda, con Joe Strummer (voz, guitarra, armónica), Mick Jones (voz, guitarra. teclados), Paul Simonon (bajo, coros) y Topper Headon a la batería. Este último fue expulsado por sus problemas con las drogas, y las desavenencias entre Strummer y Jones dieron con los huesos de Jones en la cuneta.

Combat Rock se convertiría en poco tiempo en el disco más vendido de la banda, gracias en gran medida a la archiconocida y pegadiza “Should I Stay or Should I Go”, con grandes influencias de The Rolling Stones en el ritmo y las guitarras, pero también a la afilada crítica política de Know your rights, el tema que abre el disco, un certero y abrupto disparo que conjuga lo mejor del rockabilly con leves toques country y reminiscencias del surf rock de los Beach Boys.

Rock the Casbah completa el trío de ases de este disco, otro éxito rotundo de la mítica banda británica, y es además, junto a Overpowered by funk, el tema más sorprendente de un grupo al que, como decía anteriormente, se le cuelga la etiqueta de "punk". Quizá buscaran rebelarse contra esa visión reduccionista, y lo hicieron cambiando la "p" por la "f" y entregando dos curiosas y memorables piezas más cercanas al "funk" que al género con el que todo el mundo les asociaba.

La versatilidad y el abanico de estilos del disco va todavía más allá en temas de ritmo más cercano al dub rock y el reggae en Ghetto Defendant o Red Angel Dragnet (inspirado en la película Taxi Driver y en el asesinato de Frank Melvin, miembro de los Ángeles Guardianes, una conocida organización contra el crimen del Nueva York de los años setenta), o en canciones sorprendentemente melódicas como Inoculated City o Sean Flynn (sobre la misteriosa desaparición del hijo del actor Errol Flynn mientras cubría como fotógrafo la guerra de Vietnam).

La banda va incluso más allá en la experimentación jazz y el recitado de Death is a Star, y en la atmosférica e inspirada Straight to Hell, una de las joyas de este disco y de toda la discografía de The Clash, en una dura reflexión sobre la situación de muchos niños vietnamitas, hijos de soldados estadounidenses, que nunca llegarían a conocer a sus padres tras la guerra de Vietnam. La crudeza de la temática contrasta con la atmósfera calmada del tema, y el toque ecléctico lo pone el aire sutil y tribal de las percusiones.

Me queda por mencionar temas como  Car Jamming, quizá la menos sorprendente pese a su sólida base de rock and roll, y la escueta y anecdótica Atom Tan, el tema menos destacable de un disco inclasificable y cambiante, en el que la crudeza punk desaparece de la instrumentación, para mudarse al contenido de las ácidas y cortantes letras, con la guerra de Vietnam de inspiración y fondo en muchas de las canciones. No es punk, pero es mucho más. Es Rock de Combate.

0218.- Subterranean Homesick blues - Bob Dylan

 

A principios de la década de 1960, Dylan había esculpido una imagen de un artista folclórico que producía baladas taquilleras con carga política. Su entrega vocal cruda y sin adornos junto con el rasgueo rítmico de la guitarra acústica y la armónica estridente pero melodiosa adornaron esta identidad aún más. Sus canciones sobre la injusticia social y política destacaron  por su radicalismo y ayudaron a despertar la conciencia pública. Pero Dylan pronto entendió que era hora de aventurarse fuera del nicho que creó con sus primeros tres álbumes. Con 'Subterranean Homesick Blues', cometió su primer gran desvío que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera, enchufando su guitarra: “Nadie me dijo que fuera eléctrico… No, no le pregunté a nadie. Nadie en absoluto ". Escrito en el patrón de flujo de conciencia, Dylan trató de combinar todos sus pensamientos con todo lo que estaba sucediendo en el mundo de mediados de la década de 1960 dentro de una canción de tres minutos. En ese momento, Dylan se había alejado completamente de las letras de actualidad en general, involucrándose en ángulos más personales. Sin embargo, esta canción es testigo de una fusión de ambos. El título de la canción fue tomado de la novela semi-ficticia de 1958 de Kerouac The Subterraneans. Si bien el contenido reflejaba la influencia de Kerouac, así como la canción de Woodie Guthrie-Pete Seeger 'Taking It Easy', que contenía la línea "Mamá estaba en la cocina preparándose para comer / Hermana estaba en la despensa buscando un poco de levadura". Dylan le dijo al LA Times que la canción estaba musicalmente inspirada por Chuck Berry: "Es de Chuck Berry, un poco de 'Too Much Monkey Business' y algunas de las canciones scat de los años cuarenta".

 

La canción habla sobre redadas de drogas, descontento social, la postura violenta de la policía contra los manifestantes por los derechos civiles, etc., capturando los juicios y tribulaciones de la nueva década a la perfección. Ha habido un debate sobre la intención de Dylan detrás de la frase, "Mejor mantente alejado de aquellos / Que llevan una manguera contra incendios". Si bien algunos lo ven como una advertencia contra la cruel autoridad, algunos lo han interpretado negativamente, algunas opinan que es una canción que pide a uno que no se involucre en el movimiento de protesta, dando prioridad a la seguridad personal sobre las reclamaciones de derechos básicos y el tema ha pasado a convertirse en un himno de la década. Gracias a su enorme popularidad, los músicos han versionado y aludido a esta canción innumerables ocasiones. John Lennon admiró la canción hasta el punto de estar celoso de ella, pensando que nunca podría competir con cosas tan poderosas. Lennon incluso citó la canción en su entrevista de Playboy de 1980, que fue una de sus últimas: “Escucha, no hay nada de malo en seguir ejemplos. Podemos tener figuras decorativas y personas a las que admiramos, pero no necesitamos líderes. 'No sigas a los líderes, mira los parquímetros”. Como la mayoría de las canciones de Dylan, 'Subterranean Homesick Blues' es una de las mas queridas del cantautor. Solo podemos alegrarnos del hecho de que Dylan se arriesgó a incursionar en el rock 'n' roll incluso después de obtener una reacción desfavorable de una parte de su audiencia.

0217 For Your Love - The Yardbirds

 

For Your Love, The Yardbids

     Nos encontramos en 1965, año en el que entra en escena el mítico grupo británico The Yardbirds, formación por la que pasaron y dejaron su impronta los guitarristas Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page.

En agosto de 1965 se publica For Your Love bajo el sello discográfico Epic, el primer álbum de estudio de la formación británica. El disco compila los primeros sencillos del grupo y sólo llegó a editarse en Estados Unidos y en algunos países de Europa. Los temas fueron grabados por por Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarthy (batería), Keith Relf (voz, armónica), Paul Samwell-Smith (bajo), Eric Clapton (guitarra principal), quien aparece en ocho de los once temas del disco, y Jeff Beck (guitarra principal), que aparece en los tres restantes, debido a que había sustituido a Eric Clapton tras su abrupta salida del grupo, quien no estaba muy contento con el enfoque comercial que se estaba dando al grupo. De hecho es Jeff Beck quien aparece en la portada del disco y Clapton ni siquiera es mencionado en la contraportada.

Incluido en el álbum y abriendo el mismo se encuentra el tema que da título al mismo, For Your Love, tema de corte pop rock escrito y compuesto por el músico, cantante, compositor y cantautor inglés Graham Gouldman, quien fundaría en 1972 el exitoso grup de pop rock y soft rock británico 10CC. El sencillo grabado por The Yardbirds alcanzó el puesto número 3 en la lista británica UK Singles Chart y el número 6 en las listas de ventas de Estados Unidos. Al parecer fue precisamente éste tema el que propició la salida de Eric Clapton del grupo, pues al guitarrista, gran defensor y purista del blues y R&B, no le sentó nada bien que la banda hiciera incursiones en el género pop rock. 

Graham Gouldman se inspiró para componer For Your Love en la canción The House Of The Rising Sun. Esta canción, For Your Love, es uno de los temas más famosos del rock que presenta en su grabación con un clavecín (instrumento musical con teclado y de cuerda pulsada y uno de los más populares durante el Barroco). Los arreglos de clavecín fueron hechos por el bajista del grupo Paul Samwell-Smith, e incluso el compositor del tema, Gouldman, admitió que los arreglos e incursión del clavecín fue un gran acierto y una genialidad, pues le daba al tema y al disco una atmósfera extraña y misteriosa.

0216: Il mondo - Jimmy Fontana

 

Jimmy Fontana (1934-2013), nacido Enrico Sbriccoli, es uno de los autores más destacados de la canción melódica italiana, aunque se inició en el jazz, tocando el contrabajo de manera autodidacta; Jimmy es, precisamente, un homenaje al saxofonista Jimmy Giuffré, mientras que el apellido Fontana parece que lo encontró al azar, en la guía telefónica. En los años sesenta decidió pasarse a la canción melódica; en 1961 participó en el Festival de San Remo y, en 1965, en la segunda edición de Un disco per l’estate, cantando “Il Mondo”. Sólo consiguió el quinto puesto, sin embargo, fue el tema que más éxito tuvo y, a la larga, se convirtió en una de las melodías emblemáticas de la canción italiana. El tema es del propio Jimmy Fontana, Lilli Greco y Carlo Pes y los arreglos son nada más y nada menos que de Ennio Morricone, que por aquella época trabajaba para la RCA italiana.

La canción esta llena de magia, podríamos decir sin tapujos que está hecha con el material con el que se fabrican los sueños, una de esas a las que es imposible encontrar una sola persona que no caiga rendida a sus encantos. Una pieza impregnada de nostalgia y de realidad a partes iguales, como la vida misma vaya, que se beneficia de la voz de el gran Jimmy Fontana, y una instrumentación exquisita y épica capaz de dejar embobado a cualquiera. El tema ha conocido múltiples adaptaciones a varios idiomas incluso de mano de su creador, que la hizo en castellano, y que ha pasado por las manos de (con mayor o menor suerte) de Los Mustang, Sergio Dalma o incluso Seguridad Social. La letra es un canto a los nuevos comienzos, es creer que nada tiene que ser por siempre si tú no lo deseas, que los momentos más malos pasan con el tiempo porque siempre hay un mañana. Y puede que con quien te acuestas por la noche no sea ya el amor de tu vida y que cuando la miras ya no sientas nada, pero eso no es una condena a la infelicidad perpetua, es el primer paso para encontrar ese nuevo querer que te reenganche a este mundo que gira y gira. No quisiera terminar sin hacer referencia a su aparición en la película Una Cuestión De Tiempo de Richard Curtis, en la que este clásico imperecedero era uno de los protagonistas de la historia.

0215: Harlem Nocturne - The Viscounts

Harlem Nocturne es un clásico del jazz que data realmente de 1939. El tema original fue escrito por Earle Hagen y Dick Rogers para su orquesta Ray Noble. Desde entonces, son incontables los artistas y grupos que la han versionado. Los propios Viscounts hicieron dos versiones, una primera interpretación del tema en 1959, y la posterior versión que protagoniza estas líneas, que incluso llegó a superar en las listas de ventas las posiciones a las que había llegado su antecesora.

Si os pasa lo que a mí, seguramente conocéis Harlem Nocturne aunque el nombre de la canción os sugiera lo contrario. Los menos jóvenes del lugar, la reconoceréis en la versión que, con Bud Shank al saxo, sonaba como tema principal de Mike Hammer, la mítica serie sobre un detective de Nueva York, dotado de un tremendo gancho con las mujeres, a las que rechazaba con un seductor y elegante: "¿De veras? Tomaré nota". La ironía del destino hacía que la única mujer que realmente le fascinaba, y que aparecía sólo un instante en cada episodio, era la que se le acababa siempre escapando.

Para que no os pase lo que al bueno de Mike Hammer, os recomiendo encarecidamente que, entre tantas versiones de este tema, apuntéis en vuestra lista de canciones para el recuerdo la genial versión de The Viscounts. Y claro está, me entristecería que pasarais olímpicamente de mi recomendación, pero tendría su gracia que lo hicierais con un oportuno: "¿De veras? Tomaré nota".

Un país, un artista: Rep. Sudafricana - Miriam Makeba

 

Zensile Miriam Makeba; Johannesburgo, 1932 - Castel Volturno, Italia, 2008, Cantante sudafricana. Con su voz cálida y agresiva se consolidó a nivel internacional gracias a un repertorio compuesto tanto por cantos populares africanos y afroamericanos como por canción ligera. Conocida como Mamá África, fue además una destacada activista antiapartheid condenada al exilio durante más de tres décadas.

Hija de un sangoma o chamán de la tribu xhosa, Miriam Makeba pasó su infancia en Pretoria y comenzó a cantar en Sophiatown, un suburbio de Johannesburgo famoso por ser un vibrante centro multicultural antes de que el gobierno del apartheid obligara a sus residentes negros a abandonar la zona bajo los términos de la Ley de Áreas de Grupos. Su padre murió cuando ella tenía cinco años. En 1947, los nacionalistas afrikaners ganar las elecciones y sumir a la gente negra en la arbitrariedad y la violencia. Este es el comienzo del apartheid. A los 20, Zenzi Makeba, vive sola con su hija Bongi y su madre. C Fue allí donde comenzó a cantar, casi por casualidad, con los hermanos cubanos, y se convirtió en corista del grupo Manhattan Brothers en 1952, lo que le da su nombre artístico, En 1958 fundó su propia banda, The Skylarks, una formación íntegramente femenina que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana. Junto a los Manhattan Brothers, protagonizó el musical King Kong. En una de sus actuaciones llamó la atención del cineasta estadounidense Lionel Rogosin, quien la incluyó en el controvertido documental Come Back, Africa, un alegato antiapartheid que causó conmoción ese mismo año en el Festival Internacional de Cine de Venecia y que dio a la cantante renombre internacional.

Después de ver que no podía llevar a cabo en su país la carrera musical que ella quería por su activismo comprometido, la cantante viajó a Venecia (Italia) para después conseguir llegar a Londres (Reino Unido), donde conoció a Harry Belafonte, quien le ayudó a entrar en Estados Unidos. Cuando intentó regresar a su país para asistir al funeral de su madre, descubrió que le habían revocado el pasaporte. Comenzaba así un largo exilio (Venecia, Londres, Estados Unidos, Guinea-Conakry) que duraría más de tres décadas. Su aparición ante la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1963 denunciando la política del apartheid suscitó aún más las iras del gobierno sudafricano, que respondió prohibiendo sus grabaciones. La carrera artística de Makeba progresaba en Estados Unidos al mismo ritmo que su popularidad, a tal punto que incluso llegó a cantar en la fiesta de cumpleaños de John F. Kennedy (1962) y su corte de pelo dio origen al afro look, que adoptaron los afroamericanos. Su relación con Harry Belafonte fructificaría en un doble álbum, An evening with Belafonte/Makeba (1965).

Icono de la lucha contra el apartheid en su país, Makeba, marginada durante más tres décadas por el régimen racista sudafricano, siempre estuvo comprometida con la lucha por los derechos civiles y contra el racismo, una entrega que llevó a cabo hasta el último momento de su vida. La cantante, conocida también como «la mamá de África», supo llevar como nadie al escenario las tradiciones y los trajes típicos de su tierra en espectáculos donde su voz cálida y su grande presencia eclipsaban a los instrumentos étnicos que la acompañaban. La carrera de Miriam Makeba no se detuvo en las décadas siguientes, si bien pareció estancarse. Aunque siguió grabando (The Many Voices of Miriam Makeba, 1962; Miriam Makeba Live in Africa, 1967; The Word of Miriam Makeba, 1968; A Promise, 1975), sólo experimentó un nuevo repunte a finales de los años ochenta, cuando participó en la exitosa gira Graceland, con Paul Simon (del dúo Simon & Garfunkel) y el grupo Lady Smith Black Mambazo. Graceland (una fusión de los ritmos de la música negra con la occidental, editada en formato disco en 1986) vendió más de 15 millones de ejemplares y ganó varios Grammy, entre ellos el de Álbum del Año en 1987. La gira se prolongaría durante dos años (1987-1988).

 

En 1988 se levantó en Sudáfrica la prohibición que pesaba sobre sus discos. Esto dio a Makeba la oportunidad de grabar, tras muchos años de silencio, un disco con canciones de su tierra, Sangoma, con el que en junio de ese mismo año participó en el macroconcierto Mandela: 70th Birthay Tribute en el estadio londinense de Wembley, un reivindicativo homenaje al líder sudafricano Nelson Mandela, encarcelado desde hacía más de dos décadas. Dos años después, en febrero de 1990, el nuevo régimen de Pretoria liberó a Mandela. En diciembre de ese mismo año Mamá África pisaba de nuevo suelo sudafricano.

En 2002, compartió el Premio de Música Polar con Sofia Gubaidulina. Miriam Makeba siempre había soñado con un gran África unida. Para su país, exhortó a sus hermanos negros para el perdón. "Hay que dejar que crezca. Los negros y los blancos deben aprender a conocer, a vivir juntos. "Ella anunció en 2005 que ponía fin a su carrera, pero ella continuó defendiendo las causas que creía. Murió Domingo, 09 de noviembre 2008, a la edad de 76 años, Tlaxcala, en una de Malasia, después de un concierto en apoyo del autor de "Gomorra", Roberto Saviano, atrapado por Camorra (mafia napolitana).

La música en historias: El retorno de TTD... Comienza el #MesSanandaMaitreya

 

Tras el excesivo castigo comercial a Neither fish nor flesh (1989), y el repunte comercial de Simphony or Damn (1993) y, en menor medida, Vibrator (1995), Terence Trent D'Arby albergaba serias dudas sobre el camino a seguir con su música. Las tensiones con la discográfica Java Records y una crisis de identidad personal le llevaron a que su siguiente proyecto, planteado inicialmente bajo el nombre de The Solar Return of TTD (El retorno solar de Terence Trent D'Arby), se fuera demorando y posponiendo año tras año y sine die.

Por ese largo y tortuoso camino de regreso, Terence dejó atrás Nueva York, fijó su residencia en Munich, primero, y finalmente en Milán, y cambió legalmente su nombre por el de Sananda Maitreya. Y aquí es dónde empieza la paradoja de este artículo, porque las canciones que iban a integrar el disco de retorno de Terence Trent D'Arby fueron evolucionando hasta convertirse en Wild Card!, el primer disco de una nueva etapa, que contaremos en el #MesSanandaMaitreya que ahora comienza.

Empezamos descubriendo la carta salvaje, el as en la manga con la que este genial artista intentó, una vez más, evitar el injusto rechazo del gran público. El nacimiento de la era Sananda viene marcado por un buen disco, algo irregular, que da la sensación de ser una mezcla de los embriones de varios discos, todos ellos interrumpidos en algún momento, y que se habría beneficiado de una mayor criba en la selección de las canciones. Y pese a la evidente carencia de sentido unitario entre algunos de los temas, es un disco de una cuidada producción y lleno de cálidos y brillantes momentos.

El comienzo es más que prometedor con O Divina, un single que rezuma soul y nos devuelve a un TTD (o nos presenta a un Sananda Maitreya) en forma y desplegando todo su talento vocal y compositivo. Apoyado por arreglos de viento y un efectivo e intenso estribillo, Sananda despliega sus cartas y parece destinado a ganar por fin la partida. El disco vira entonces hacia arreglos más vanguardistas, que acompañan al impresionante registro vocal de Sananda, alternando en la voz el suave terciopelo y la seda desgarrada en temas como Designated fool, My dark places o la intensa y brillante The Inner Scream.

El esperanzador arranque se completa con la fresca y energizante SRR-636, pero a continuación el disco empieza a resentirse con temas menos relevantes como Drivin' me crazy o Suga Free. Nos recuperamos del bajón pasajero con dos de los mejores temas del disco, la intensa y desgarradora balada What Shall I do? y el medio tiempo eléctrico de Testify. En estos dos álgidos temas, Sananda vuelve a recorrer los intensos caminos sonoros por los que frecuentó en Simphony or damn o Vibrator.

En el siguiente bloque, vuelven los tonos suaves y el soul delicado, para lucimiento de una voz privilegiada, pero salvo en contadas excepciones (Everythang), desaparecen los ritmos frescos y modernos del primer tercio del disco, llevándonos hacia lo que de nuevo parece otro disco diferente, marcado por el tono intimista de temas como Shalom, Girl, Sweetness o Some birds blue (un tema antiguo que ya circulaba en discos de outtakes de la época Terence). De todo este grupo de cálidos temas, la más luminosa y agradable es Be Willing, pero justo tras ella vuelve la sensación de relleno y poco encaje con Goodbye Diane.

A tiempo de remontar el vuelo, llega un trío final de ases formado por las enérgicas y pegadizas And they will never know y Sayin' about you, y por la introspección psicodélica de Shadows, con la que se reafirma en que "No tengo miedo de ser, lo que puedas necesitar, quiero que triunfes, y me mantendré aquí a tu lado, hasta que los pájaros no vuelen más, hasta que los océanos se sequen, y tus sombras desaparezcan". Y en eso está Sananda Maitreya, viviendo su vida disco a disco, y publicando su extensa obra a través de su página web www.sanandamaitreya.com, hasta que por fin desaparezcan las sombras que rodean al trabajo de uno de los talentos más desbordantes de las últimas décadas. Y que mejor que el abrasador sol de agosto, para que en 7dias7notas pongamos nuestro granito de arena en la construcción de ese camino hacia la luz. Comienza el #MesSanandaMaitreya.