Disco de la semana 408: "El Rock de Mi Vida" - Guasones

 

Disco de la semana 408: "El Rock de Mi Vida" - Guasones

"El Rock de Mi Vida" es el disco de la semana de la banda argentina Guasones, lanzado en 2006, un momento en el que la banda ya había logrado establecerse como una de las referentes de la escena del rock argentino de ese momento. Este álbum no solo consolidó su popularidad, sino que también marcó un antes y un después en su evolución musical. Producido por el legendario Pappo Napolitano, el disco combina un sonido maduro con una energía visceral, ofreciendo una experiencia musical que aún hoy resuena como uno de los pilares del rock de los 2000 en Argentina.

Si te interesa el rock argentino, este álbum es imprescindible: combina letras cargadas de emociones, momentos de reflexión profunda y la energía cruda que caracteriza a Guasones. A continuación, exploraremos cada aspecto de este disco, desde su contexto histórico hasta las canciones que lo componen y su impacto en la carrera de la banda.

Guasones se formó en la ciudad de La Plata en Buenos Aires en 1992, una ciudad conocida por ser cuna de grandes bandas argentinas. Desde sus inicios, la banda buscó un sonido que mezclara el rock clásico con el blues, el country y el rock and roll, influenciados por artistas como The Rolling Stones, Bob Dylan y el rock barrial propio de Argentina. Sus primeros años estuvieron marcados por tocar en bares y pequeños escenarios, construyendo una base de fans leal gracias a su autenticidad y cercanía con el público.

La alineación principal incluye a Facundo Soto (voz), Maximiliano Timczyszyn (guitarra), Esteban Monti (bajo) y Damián "Pecho" Celedón (batería). Si bien la banda ya había lanzado tres discos antes de "El Rock de Mi Vida", fue con este álbum que lograron cruzar una barrera importante, llegando a un público más amplio y consolidando su lugar en la historia del rock argentino.

"El Rock de Mi Vida" captura lo mejor de Guasones: un rock sencillo pero poderoso, letras profundas y una producción que resalta cada elemento de la banda. Contar con Pappo Napolitano como productor no solo fue un honor, sino también una garantía de calidad. Pappo aportó un toque crudo y auténtico al álbum, respetando la esencia de la banda mientras potenciaba su sonido.

El disco refleja una mezcla de influencias que van desde el blues y el rock and roll hasta un toque de folk en algunos momentos. Las guitarras son protagonistas, con riffs pegadizos que se quedan grabados en la mente, mientras que la batería y el bajo construyen una base sólida que da vida a las canciones. Por su parte, la voz de Facundo Soto es una de las claves del éxito del álbum: desgarrada, emotiva y llena de matices, logra transmitir cada palabra con una autenticidad que conecta profundamente con el oyente.

El álbum está compuesto por 12 canciones, cada una con su propia historia y personalidad. Aquí un análisis más detallado de cada una:

1. "Reyes de la noche"
   Abre el disco con fuerza y actitud. Este tema es un verdadero himno, con un riff de guitarra inolvidable y una letra que celebra las aventuras nocturnas y el espíritu de camaradería. Es una canción que representa perfectamente la esencia de Guasones: cruda, sincera y contagiosa.

2. "Gracias"
   Una balada conmovedora que destaca por su sensibilidad. Aquí la banda agradece a la vida y a las experiencias que los han llevado hasta donde están. El arreglo musical, sencillo pero potente, permite que la interpretación vocal de Soto brille.

3. "Tan distintos"
   Una reflexión sobre las diferencias entre las personas y las conexiones que nos unen. Con un ritmo cálido y envolvente, esta canción añade una capa de profundidad al álbum.

4. "Todavía"
   Este tema mezcla esperanza y energía. Las guitarras se lucen, y el ritmo pegadizo lo convierte en un track perfecto para disfrutar en vivo.

5. "Pasan las horas"
   Con una atmósfera melancólica, este track aborda el paso del tiempo y las emociones que quedan tras las experiencias vividas. Su tono introspectivo la convierte en una de las canciones más memorables del disco.

6. "Dame"
   Un torbellino de energía rockera que desata el lado más visceral de Guasones. Es un tema perfecto para los amantes del rock clásico, con un riff contundente y una letra apasionada.

7. "Mi caramelo"
   Una canción tierna y sencilla que equilibra melancolía y esperanza. Es un momento de calma dentro del álbum que muestra el lado más vulnerable de la banda.

8. "Sabés"
   Con un tono nostálgico, esta canción explora las conexiones humanas desde una perspectiva íntima y reflexiva.

9. "Te perdí"
   Una de las canciones más emotivas del disco, donde la banda aborda la pérdida con una sinceridad desgarradora. Es un tema que resuena profundamente en el corazón del oyente.

10. "Farmacia"
    Con un ritmo acelerado y letras cargadas de ironía, esta canción habla de las adicciones y cómo enfrentarlas. Es un track que mezcla seriedad con un toque desenfadado.

11. "No llores"
    Una canción esperanzadora que ofrece consuelo y optimismo. Es un respiro positivo dentro del álbum, con una melodía pegadiza y un mensaje alentador.

12. "Arbolito de Navidad"
    Cierra el álbum con una mezcla de melancolía y celebración. Este track encapsula perfectamente el espíritu de "El Rock de Mi Vida", dejando al oyente con una sensación de plenitud.

"El Rock de Mi Vida" no solo marcó un antes y un después para Guasones, sino que también tuvo un impacto significativo en la escena del rock argentino. Canciones como "Reyes de la noche" y "Gracias" se convirtieron rápidamente en clásicos, sonando en radios y en cada concierto de la banda. Este álbum les permitió recorrer todo el país y consolidar una base de fans leal que sigue creciendo hasta el día de hoy.

Además, el disco reflejó una madurez artística que les permitió diferenciarse de otras bandas de la época. Mientras muchas agrupaciones seguían un camino más comercial, Guasones se mantuvo fiel a su esencia, ofreciendo música honesta y auténtica.

"El Rock de Mi Vida" es mucho más que un disco de rock: es una obra que encapsula la esencia de Guasones y su pasión por la música. Cada canción es una pieza única dentro de un conjunto cohesivo que ofrece algo para todos: momentos de pura energía, introspección y emotividad.

Escuchar este álbum es adentrarse en un viaje emocional que captura lo mejor del rock argentino de los 2000. Más de 15 años después de su lanzamiento, sigue siendo un referente imprescindible para los amantes del género. Si buscas música que te haga sentir, reflexionar y disfrutar, "El Rock de Mi Vida" es la elección perfecta. 

Daniel
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1431 - Alas - Buenos Aires solo es piedra

1431 - Alas - Buenos Aires solo es piedra

Alas fue una banda emblemática del rock progresivo y sinfónico en Argentina, activa durante la década de 1970. Fundada en 1974, el grupo estuvo integrado por Gustavo Moretto (teclados, voz y trompeta), Carlos Riganti (batería y percusión) y Alex Zuker (bajo y guitarra). Su propuesta musical fusionaba rock, jazz fusión y música clásica con una fuerte raíz folclórica argentina, logrando una identidad única que los destacó en la escena musical de su tiempo.

La trayectoria de Alas fue breve pero significativa. Publicaron su álbum debut homónimo en 1976, un trabajo que se considera una obra maestra del género en Argentina. Este disco incluye "Buenos Aires Solo Es Piedra", una de sus piezas más representativas. En 1977, lanzaron su segundo álbum, Pinta Tu Aldea, que continuó explorando su estilo innovador y experimental. Sin embargo, debido a las dificultades políticas y sociales de la época en Argentina, junto con las tensiones internas y las prioridades personales de sus miembros, la banda se disolvió a fines de los años 70.

Tras su separación, los integrantes tomaron caminos diferentes. Gustavo Moretto se dedicó a la música académica y la docencia, mientras que Alex Zuker y Carlos Riganti participaron en otros proyectos musicales. En 2003, Alas se reunió para lanzar un nuevo álbum, Mímame Bandoneón, donde retomaron su exploración artística incorporando elementos contemporáneos, aunque con un enfoque más maduro.

"Buenos Aires Solo Es Piedra"

Esta canción, incluida en el disco debut, es un reflejo perfecto del talento y la visión de la banda. La letra de Gustavo Moretto retrata a Buenos Aires como una ciudad imponente pero deshumanizada, donde la piedra y el cemento simbolizan la frialdad de la vida urbana. Sin embargo, la música no se queda en la melancolía; en cambio, propone una resistencia emocional y espiritual, invitando a la reflexión.

Musicalmente, la canción destaca por la combinación de influencias del jazz, el tango y el folclore argentino. El virtuosismo de los tres integrantes se percibe en cada pasaje: los teclados de Moretto crean un paisaje sonoro rico y envolvente; Riganti demuestra su maestría en los complejos ritmos de la batería, y Zuker aporta un groove preciso y dinámico con el bajo.

"Buenos Aires Solo Es Piedra" es una obra que trasciende las barreras del tiempo y el espacio, capturando las tensiones y contradicciones de la vida urbana a través de una fusión musical única. Aunque Alas tuvo una trayectoria corta, su legado sigue siendo un punto de referencia en la música progresiva argentina y en la historia del rock latinoamericano.

Daniel 

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El disco de la semana 354: Viuda e Hijas de Roque Enroll - Un Viaje Musical a la Diversión y la Originalidad

El disco de la semana 353: Viuda e Hijas de Roque Enroll - Un Viaje Musical a la Diversión y la Originalidad 

En 1984, emergió en la escena musical argentina un fenómeno que cambiaría la percepción del rock nacional: el álbum debut de Viuda e Hijas de Roque Enroll. Este trabajo, titulado simplemente "Viuda e Hijas de Roque Enroll", se convirtió en un pilar del movimiento de la música divertida de los años '80, consolidando a la banda como una de las más emblemáticas de la época.

Desde su icónica portada que mostraba a las integrantes del grupo ataviadas con la moda de la década anterior, hasta los últimos acordes que resonaban con un toque de twist, el álbum destilaba originalidad y cambio. Viuda e Hijas de Roque Enroll irrumpía en el mercado local con una propuesta distinta, alejada de la melancolía y muy cerca de la alegría. Fresca, vital y divertida, la banda se destacaba por su enfoque singular en un género predominantemente masculino.

Lo que hacía a Viuda e Hijas de Roque Enroll único iba más allá de su sonido; era la combinación de ser uno de los pocos grupos integrados exclusivamente por mujeres en el rock nacional hasta ese momento y su decidido revival de la música y la estética de los años '60. Este enfoque no solo se reflejaba en su música, sino también en su imagen, marcada por la vestimenta y estilo de la época.

Desde el primer acorde, el álbum capturaba la atención del oyente con arreglos sencillos pero pegajosos. Temas como "Hace base" y "Estoy tocando fondo" destacaban por abordar los prejuicios argentinos desde una perspectiva exclusivamente femenina, impregnados con un humor corrosivo que se convertiría en una firma distintiva de la banda. Sin embargo, es "Bikini a lunares amarillos diminuto justo justo" el que se erige preeminentemente como el hit del álbum, con su irresistible combinación de ritmo pegajoso y letras ingeniosas.

En conjunto, el primer disco de Viuda e Hijas de Roque Enroll no solo marcó el inicio de la carrera de la banda, sino que también sentó las bases para una propuesta más amplia. Aquí, el humor desempeñaba un papel crucial, y la temática femenina se convertía en su mayor singularidad. El grupo no solo estaba interesado en hacer música; estaban tejiendo historias que desafiaban los estereotipos y celebraban la diversidad desde una perspectiva única.

Viuda e Hijas de Roque Enroll se convirtió rápidamente en un fenómeno cultural, siendo uno de los pilares del movimiento de la música divertida en Argentina. Junto a otros exponentes de este género como Los Twist, Los Abuelos de la Nada, Soda Stereo y Virus, la banda dejó una marca indeleble en la escena musical de la época. Su twist moderno, combinado con melodías pegajosas y letras cómicas sobre la vida cotidiana, resonó con un público ávido de algo diferente.

El álbum no solo fue un éxito en el momento de su lanzamiento, sino que también dejó un legado perdurable. Canciones como "Lollipop", "Estoy tocando fondo", "La familia argentina" y "Hawaian II" se convirtieron en himnos de una generación. El grupo no solo se ganó el reconocimiento en su tierra natal, sino que su cover de "Lollipop" incluso fue distinguido internacionalmente, alcanzando el puesto 98 en el ranking de los 100 mejores temas del rock argentino según la Rolling Stone de Argentina y MTV en 2002, y el puesto 461 en el ranking de los 500 mejores temas del rock iberoamericano según la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La carrera de Viuda e Hijas de Roque Enroll alcanzó su fin el 8 de febrero de 1988, pero su influencia perdura. En 1995, la banda se reunió para grabar el disco "Telón de crep", demostrando que su espíritu creativo aún estaba vivo. Hoy, el legado de Viuda e Hijas de Roque Enroll sigue siendo una fuente de inspiración para nuevas generaciones de músicos que buscan romper barreras y explorar nuevos horizontes en el siempre cambiante panorama musical argentino.

Daniel 

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El disco de la semana 349: Árbol - Álbum Guau!

El disco de la semana 348: Árbol - Álbum Guau!

Árbol: Del Colorido Rock Alternativo de Sus Inicios a la Revolución 'Guau!' en 2004

Árbol, la banda de rock alternativo argentina, ha dejado una marca indeleble en la escena musical desde su formación en Haedo, Morón, en 1994. Desde sus primeros pasos, se destacaron por su enfoque único en la música, caracterizado por letras coloridas y sencillas, así como por la fusión de una amplia variedad de ritmos e instrumentos. Su versatilidad musical abarca géneros que van desde el rock y el punk hasta el rap, el hardcore, el funk, el reggae, la música electrónica, el country y la chacarera.

Árbol es conocido por su valentía al experimentar con diversos géneros musicales. Su discografía es un testimonio de esta diversidad, donde fusionan elementos de la música popular argentina con influencias de géneros internacionales. Esta habilidad para mezclar ritmos, desde los más enérgicos hasta los más folclóricos, les ha permitido conectar con una amplia audiencia.

En el año 2004, Árbol lanzó su cuarto álbum de estudio, "Guau!". Este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de la banda y en la música argentina en general. La producción musical de "Guau!" consolidó el lugar de Árbol en la escena musical del país y los catapultó a la fama, especialmente entre el público pre-adolescente. Sin embargo, este éxito no estuvo exento de controversia, ya que algunos críticos argumentaron que la banda se había orientado más hacia un público joven debido a sus letras simples y, en ocasiones, inocentes.

"Guau!" es un álbum compuesto por doce pistas que desafían las expectativas musicales. La banda experimenta con diferentes estilos, fusionando cumbia y hardcore en canciones como "Chicanoréxika", incorporando la chacarera en "Soylazoila" y explorando coros vocales en su versión de "Jijiji" de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Además, el álbum se aventura en el terreno del pop en la mayoría de sus canciones. Esta diversidad musical demuestra la habilidad de Árbol para explorar diferentes géneros y crear un sonido único.

"Guau!" fue producido en colaboración con Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, con la mitad del álbum grabado en Buenos Aires y la otra mitad en Los Ángeles. La mezcla final se realizó en el estudio de Santaolalla y fue masterizada por Tom Baker en Precision Mastering. Esta producción de alta calidad respaldó la frescura y espontaneidad que se siente en cada canción del álbum. El álbum recibió el reconocimiento de la crítica y el público, siendo considerado uno de los mejores discos del año por revistas como Rolling Stone y el diario Clarín. Árbol también obtuvo nominaciones y premios en los premios Gardel y MTV Latinoamérica de 2005.

La influencia de Árbol en la escena musical argentina es innegable. Desde sus inicios, la banda se destacó por su disposición a explorar diferentes estilos musicales y fusionarlos en su propia paleta sonora. Esta versatilidad musical les permitió atraer a una audiencia diversa y, al mismo tiempo, contribuir a la evolución de la música argentina.

La controversia en torno a "Guau!" no ha hecho más que resaltar la singularidad de Árbol como banda. Aunque algunas críticas señalaron la simplicidad de las letras, no se puede negar que la música de Árbol tiene un atractivo universal. Las letras coloridas y sencillas de la banda a menudo tratan temas cotidianos y emociones que cualquier persona puede relacionar, lo que las hace accesibles para oyentes de todas las edades.

El éxito de "Guau!" no fue efímero; la influencia de Árbol en la música argentina perdura hasta hoy. La banda ha continuado evolucionando y explorando nuevos sonidos en álbumes posteriores, manteniendo su posición como un referente en el panorama musical del país. Han demostrado que la versatilidad musical es una fortaleza, y su capacidad para adaptarse a diferentes estilos y públicos ha sido una de las claves de su longevidad.

Árbol, desde sus inicios con su enfoque en la fusión musical y sus letras coloridas y sencillas, hasta el impacto de "Guau!" en 2004, ha demostrado ser una banda única en la escena musical argentina. Su versatilidad y capacidad para evolucionar y adaptarse a diferentes estilos la han convertido en un referente importante. A pesar de las críticas, "Guau!" sigue siendo un clásico que forma parte integral de la historia del rock argentino y un recordatorio de la capacidad de Árbol para abrazar la diversidad y crear música que conecta con un público amplio. Su legado perdura como un testimonio de la riqueza musical y creativa de Argentina.

Daniel 

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Disco de la semana 328: El Amor despues del Amor - Fito Páez

Disco de la semana 328: El Amor despues del Amor - Fito Páez

El amor después del amor es un álbum que ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Con letras poéticas, arreglos musicales ingeniosos y una voz inolvidable, Fito Páez logró capturar la esencia del amor en todas sus formas, no se si muchos de uds. sabran de quien estoy hablando. 

Para los que no lo conocen Fito Páez es un cantautor y músico argentino. Conocido por sus letras poéticas y su estilo musical ecléctico, Fito Páez ha logrado una destacada trayectoria a lo largo de décadas, pero nos vamos a centrar en uno de sus mayores éxitos, el álbum que lo ha puesto en el lugar que hoy se encuenta, y ya lo deciamos al principio de este post, El amor desuès del amor su séptimo álbum de estudio.

El álbum comienza con una de las canciones más icónicas de Fito Páez y que da nombre al álbum, "El amor después del amor", y el álbum consta de catorce canciones, de las cuales diez fueron lanzados como sencillos. Algunos hits de este álbum son "El Amor después del Amor", "Tumbas de la Gloria", "Dos días en la vida", "Tráfico por Katmandú", "A rodar mi vida", "Pétalo de Sal", "Sasha, Sissí y el Círculo de Baba" y "Un vestido y un amor".

El amor después del amor es un álbum que ha tenido una gran repercusión en la música en español desde su lanzamiento en 1992. En Argentina, el álbum vendió más de 600,000 copias y obtuvo el Premio Konex de Platino como uno de los mejores álbumes de la década de los 90. Además, fue nominado a los premios Grammy en la categoría Mejor Álbum de Rock Latino.

El impacto del álbum no se limitó solo a Argentina, sino que también tuvo un gran impacto en otros países de habla hispana, especialmente en Chile, México y España. En Chile, por ejemplo, el álbum obtuvo un disco de oro y un disco de platino, y varias de sus canciones fueron versionadas por artistas locales. En España, el álbum se convirtió en un éxito de ventas y logró posicionar a Fito Páez como uno de los artistas más importantes de la música en español en ese momento.

El éxito del álbum no solo se reflejó en las ventas y los premios, sino también en la influencia que tuvo en otros artistas y en la cultura popular. El amor después del amor fue un álbum que marcó un antes y un después en la carrera de Fito Páez y se convirtió en un referente para muchos artistas de la época y de las generaciones posteriores. Canciones como "El amor después del amor" y "11 y 6" se convirtieron en himnos generacionales y aún hoy en día son recordadas y cantadas por personas de todas las edades.

El álbum también tuvo una gran influencia en la música y la cultura pop en general. La mezcla de rock, pop y ritmos latinos que caracteriza al álbum se convirtió en una tendencia en la música en español, y muchos artistas comenzaron a experimentar con estos géneros y ritmos en sus propias producciones.

En conclusión, el impacto y la repercusión del álbum El amor después del amor de Fito Páez han sido significativos tanto en la música en español como en la cultura popular en general. El álbum ha sido reconocido como un clásico de la música latinoamericana y ha dejado una huella indeleble en la historia de la música en español.

Asi que los animo a buscar y escuchar este álbum de Fito Paéz, y para los que sabian de el, nunca esta de más volver a recordarlo. 

Daniel

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El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

Amigos del rock, como cada vienes ponemos a vuestra disposición una recomendación de un disco, en este caso les traemos una banda Argentina, que salto a la fama en la década de los noventa. Estamos hablado de la banda La Portuaria, que es una banda con un sonido fusión, que incorporó ritmos hispanos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Un sonido alternativo que la banda supo muy bien explotar, y toda esa fuerza queda reflajada en su tercer álbum Devorador de corazones. 

Este álbum Devorador de corazones es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, que editado en 1993. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible, gracias al impulso dado por la canción "Selva" su corte de difusión del álbum, que obtuvo un Disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento.

La banda antes de lanzar Devorador de corazones había lanzado Rosas Rojas de 1989 y Escenas de la vida amorosa, en 1993 y como contamos llegaría el gran suceso para La Portuaria con el lanzamiento del álbum Devorador de Corazones. Su corte de difusión “Selva” fue, el mayor hit de la banda. Y dentro de la movida conocida como World Beat, la banda de Diego Frenkel, líder de la banda desarrollaba una fusión entre lo latino con el jazz, dando una interesante mezcla. Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como “Nada es Igual”, la hermosa "En la punta de un cabo", una interesante versión de "Zamba de mi esperanza" o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El álbum aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con “Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

Una banda por descubrir que esperamos que te guste.

Daniel 

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El disco de la semana 312: Parte de la religión - Charly Garcia

El disco de la semana 312: Parte de la religión - Charly Garcia

Hemos llegado a la semana 312 proponiendo álbumes de artistas, reconocidos y no tanto, novedades y glorias de rock, y si hablamos de glorias del rock, estas son las que no deberíamos olvidarnos nunca y diría más, las que tenemos la obligación de enseñar a las nuevas generaciones. Muchachos el rock se pierde si no lo pasamos a las nuevas generaciones.

Y hablando de glorias del rock, les voy a recomendar un disco de Charly Garcia, para los que no lo conocen Charly es uno de los mejores artistas argentino si hablamos de Rock Argentino, no quisiera exagerar, aunque me parece que si lo voy hacer, Charly esta desde el inicio del Rock Argentino, creando, cantando y haciendo lo mejor que sabe hacer Rock.

Por ello sin más señores y señoras, hoy les traigo Parte de la religión un álbum cargado de éxitos de este artista. Parte de la Religión es el cuarto álbum de estudio que editará como solista Charly García. Fue producido por el mismo junto a Joe Blaney y fue lanzado al mercado en 1987 por las empresas discográficas Columbia y Sony Music. Y es considerado por la crítica especializada como uno de los discos más prolijos y compactos en la carrera del músico, desde la tapa hasta el contenido de las letras, vamos que nos encontramos con uno de sus mayores éxitos.

En este álbum se encuentran algunas de las canciones más reconocidas y escuchadas de Charly García, como Rezo por vos y Buscando un símbolo de paz. Junto a otros de sus singles donde se destacan las canciones Rap de las hormigas, No voy en tren y La ruta del tentempié.

En las presentaciones en vivo del álbum Parte de la Religión, estarían acompañada por una nueva banda de músicos que acompañarían a Charly García en sus giras, entre ellos estaban Carlos García "El Negro" López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián "Zorrito" Von Quintiero en teclados, Alfi Martins en teclados y Fabiana Cantilo en coros, algunos de ellos incluso formaron parte de los artistas que grabaron el álbum.

En Parte de la Religión, Charly García toca casi todos los instrumentos, excepto la batería. En Rap de las hormigas lo acompaña la banda brasileña Os Paralamas do Sucesso en batería, bajo y guitarra y en Buscando un símbolo de paz, su gran amigo David Lebón realiza un solo de guitarra eléctrica. La canción El karma de vivir al sur está dedicado a Migue, su hijo, que por esos años se había mudado con él. Charly García.

Como hemos dicho, donde Charly Garcia editaría los siguientes singles, No voy en tren, Rezo por vos, La ruta del tentempié, Buscando un símbolo de paz, el Rap de las hormigas entre otros, unas verdaderas joyas del rock argentino y de este artista. Una curiosidad la canción Necesito tu amor seria la encargada de abrir siempre los conciertos de la gira de Parte de la Religión. Así que amigos del rock no se pierdan esta joya del Rock Argentino que hoy les recomiendo para tener en cuenta.

Daniel
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Disco de la semana 307: Hermanos de Sangre - Viejas Locas

Disco de la semana 307: Hermanos de Sangre - Viejas Locas

Seguimos recomendando más rock nacional Argentino, y en este caso nos metemos más en la cultura del Rock and Roll Argentino, con un grupo llamado Viejas Locas es una banda de rock argentina que surgió en la década de 1990. Esta banda originaria de la ciudad de Buenos Aires, esta influenciada por la banda britanica The Rolling Stones y también por el género del blues, llegando a ser una de las más importantes dentro del subgénero stone durante los años '90.

En esta oportunidad estamos recomendando el álbum Hermanos de sangre que es el título de su segundo álbum de estudio del grupo de rock argentino Viejas Locas, fue lanzado en el año 1997 a través de la discográfica PolyGram en 1997.

La banda saco al mercado dos canciones con la intención de promocionar el álbum que fueron las canciones "Perra" y "Aunque a nadie ya le importe". Posteriormente, se realizaron los videoclips de cada una.

Todas las canciones del álbum fueron compuestas por su lider Pity Álvarez, a excepción de "Aunque a nadie ya le importe" y "Todo terminó" compuestas por Sergio Toloza y "Difícil de entender" compuesta por Fabián Crea, el álbum contiene 13 canciones. 

La banda tuvo una alta popularidad y sus shows fueron cada vez más aumentando en cantidad de fans que seguía a la banda. Y es cuando en 1997 entran nuevamente a un estudio de grabación para registrar los nuevos temas y darle forma a lo que sería Hermanos de sangre, el segundo trabajo discográfico de Viejas Locas, que salió a la venta los primeros días de agosto de ese año. Para este álbum se barajó la posibilidad de trabajar con Andrew Oldhman como productor viejo productor de The Rolling Stones, lo que finalmente no sucedió. El primer corte de Hermanos de Sangre que sonó en las radios fue "Perra" , del cual se hizo un videoclip. También tuvo un videoclip otra de las canciones que fue difundida como su segundo corte de difusión, "Aunque a nadie ya le importe".

Con Hermanos de Sangre la popularidad de la banda aumentó más, y, al año siguiente, se le presentó a Viejas Locas una gran posibilidad de tocar como soportes de The Rolling Stones. Cuando los ingleses volvieron a tocar en Buenos Aires, Viejas Locas participó como banda telonera en cuatro de los cinco shows que dieron en The Rolling Stones en el estadio River Plate de la ciudad de Buenos Aires, además, en estas presentaciones que duraron media hora aproximadamente, la banda experimento sobre el escenario con un set de vientos. Ser soportes del legendario grupo les permitía poder ser vistos y escuchados por gran cantidad de gente, quienes también pudieron apreciar el show de banderas en apoyo al grupo y bengalas que se daba en los recitales de Viejas Locas en Cemento una sala de conciertos muy popular de buenos aires. 

Por ello para este álbum Hermanos de Sangre, Viejas Locas especulo que Andrew Oldham, reconocido por trabajar con The Rolling Stones en los años sesenta, podía colaborar como productor, cosa que no sucedió y que sí lograrían otra banda argentina que ha hemos recomendado, los Ratones Paranoicos. 

Sin embargo, esto no detuvo la marcha de Pity Alvarez su líder y los suyos. En 1997 editarían su segundo disco Hermanos de Sangre en el cual se nota una cierta mejoría de la banda.

La evolución positiva llega porque Viejas Locas empieza a explorar nuevas variantes en su estilo. En Hermanos de Sangre no es solo rock and roll cuadrado, hay country y folk rock, como “Aunque a nadie ya le importe” y “Caminando con las piedras”. Por eso la primera parte del álbum es la mejor, porque además contiene los mejores temas de rock que puede ofrecer Viejas Locas. “Dámelo” es bueno por su dinámica y “Hermanos de sangre” también se destaca porque tiene un buen riff. Además esta el famoso single de difusión “Perra”, que tiene un estribillo tan cutre como pegadizo.

Ya en la segunda parte del disco, decae un poco la calidad de las canciones. Aparece un rock and roll más cuadrado que se puede escuchar más habitualmente, y que hacen todas las bandas de rock, esto lo podemos escuchar en el caso de “Difícil de entender” que es de lo más simple que nos ofrece Viejas Locas como sonido musical. “Puente de la noria”, “Dos nenas” y “Todo terminó” y esto se repite en estas canciones un rock bien corrientes y repetitivos. Y “Buey” difiere en que lo acompaña una armónica pero es bastante aburrido, a lo que nos acostumbro el lado A del álbum. 

A pesar de una lado B que no continua el ritmo de las primeras canciones, Hermanos de Sangre logra poner a Viejas Locas sobre el máximo de su popularidad, alcanzando la posibilidad de ser teloneros de The Rolling Stones cuando vinieron a la Argentina en los noventa.

Una banda que vale la pena experimentar escuchando este álbum que le recomendamos como sus otros álbumes que sacó la banda. 

Daniel 

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El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

OK! Amigos esta semena vamos con un cantautor argentino, y con unos de sus álbumes que se titula, Por favor, perdón y gracias este es el decimotercer álbum de estudio del cantautor argentino León Gieco.

Y fue publicado en el año 2005 por el sello EMI y producido por León Gieco y Luis Gurevich. 

El álbum cuenta con invitados como Jimmy Johnson, Gustavo Santaolalla, Rubén Albarrán, David Kemper, Gustavo Cordera, Dean Parks, Andrés Ciro Martínez, Daniel Melingo, entre otros.

Este disco fue lanzado tras cuatro años después de Bandidos rurales y es, probablemente, el álbum más polémico de León Gieco, en donde critica al sistema y la tragedia donde en una sala de conciertos en Buenos Aires llamada Cromañón murieron más de un centenar de jóvenes. 

Tras estos problemas, el artista tuvo que enfrentar demandas judiciales por la polémica canción Un minuto sobre la tragedia de Cromañón, esta cancion tuvo que ser retirado del álbum a partir de su segunda edición, tras las quejas de los familiares de las víctimas, pero no sólo la canción Un Minuto trajo polémica al artista, sino Santa Tejerina, sobre el caso de Romina Tejerina, una joven que mató a su hijo recién nacido al ser fruto de una violación y habérsele denegado el aborto, por ello de lo polémico del álbum. 

Pero nada termina ahí, Leon Gieco apuesta fuerte desde la primera canción del álbum titulada Yo soy Juan hace referencia a la historia de Juan Cabandié Alfonsín, nieto recuperado n.° 77 por las Abuelas de Plaza de Mayo en 2003. La canción menciona su nacimiento en el ex Centro Clandestino de Detención ex ESMA, donde funcionaba una maternidad clandestina durante última dictadura militar en la Argentina.

El álbum también incluye el clásico tema El ángel de la bicicleta, que cuenta la historia de Claudio "Pocho" Leprati, quien fue asesinado por la policía de la ciudad de Rosario durante la crisis y protestas de diciembre de 2001 por evitar que la policía baleara un comedor infantil de un barrio pobre.

Pero lo cierto es que tras estas historias, León Gieco ha puesto a la luz algo que saben hacer muy bien los cantautores, que es dar vida etarnas a la historia, y León Gieco sabe muy bien hacer eso. 

Por favor, perdón y gracias, reúne a otros artistas que lo acompañan, y logran transformar sonidos como el flockore, la murga y el tanto, sonidos tran presentes en la cultura popular Argentina que son mezclados con el rock, el hard Rock y el folk rock, una verdadera muestra de fusión de estilos, se pueden escuchar en este álbum. 

Ya lo hemos dicho, muchas veces, el rock argentino nació como una manera de crítica a una sociedad, y en este álbum no ha perdido la esencia de las décadas 70s y 80s de levantar la voz. Y con esa voz levantada León Gieco nos cuenta la historia en sus canciones. Así que los ánimo a escuchar esas historias. 

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos Soda Stereo

Éxitos y tropiezos Soda Stereo  

Todos sabemos del éxito de Soda Stereo y para quienes no lo han vivido. Soda Stereo fue una banda argentina de rock alternativo formada en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cerati su líder y guitarrista, Zeta Bosio en bajos y Charly Alberti en batería.

Es considerada por la crítica especializada como la banda de rock más importante, popular e influyente en español de todos los tiempos y una leyenda de la música latinoamericana.

Y esto lo demuestra sus logros, fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en Latinoamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock latinoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en Latinoamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música divertida de sus inicios, la new wave, el dark wave, el hard rock, el rock alternativo y el rock electrónico de sus finales.

Dentro de sus éxitos más sonados, esta su segundo álbum de estudio Nada Personal, que contiene una de las 500 mejores canciones del rock iberoamericano por la crítica Al Borde en 2006, que premió la canción Cuando pase el temblor con el puesto 84°, como así también esta dentro de las 100 mejores canciones del rock argentino por Rock.com.ar en 2007 premió la canción con el 74°. 

El video de Cuando pase el temblor fue nominado finalista del 12.º "World Festival of Video and TV" en Acapulco.

Otro gran éxito es su tercer álbum de estudio Signos, que es considerado por la mayoría de los críticos como el segundo mejor álbum de la banda, después de Canción animal, de 1990. En este álbum se destacan canciones como: Signos, Prófugos, El rito y Persiana americana.

Ya establecidos como un grupo de alcance internacional, la Gira Signos que promocionó el disco visitó Argentina, Paraguay, Bolivia, Ecuador, Colombia, Costa Rica, México, Venezuela, Chile y Perú.

Signos es destacado en la historia de la industria discográfica argentina: en 1987 se convirtió en el primer álbum de un artista argentino en ser lanzado en formato de CD. 

Canción animal es el quinto álbum de estudio, y es considerado como el mejor álbum de la banda en toda su carrera, y dejó una huella no solo en el rock argentino sino en todo el continente. Es considerado como uno de los discos más importantes y emblemáticos en la historia del rock en español, apareciendo entre los primeros puestos en múltiples listados de los mejores álbumes del rock en español de todos los tiempos.

El álbum posee un sonido roquero, más duro y sanguíneo que el de los anteriores de la banda, e instrumentalmente cuenta con gran protagonismo de la guitarra eléctrica en riffs y solos. Para hacer Canción animal, la banda se inspiró fundamentalmente en el sonido de las bandas de rock argentinas de los años setenta que habían escuchado durante su adolescencia, como Pescado Rabioso, Vox Dei, Color Humano y Aquelarre. Este cambio de sonido en Soda Stereo pronto influiría en la evolución que tomaría el rock en todo el continente.

Pero todos estos éxitos y muchos más que cosechó Soda Stereo, no evitaron que la banda se separace. 

Todos nos pregúntanos ¿Por qué se separó una de las bandas más importantes del rock en español?

Todavía retumba en los fanáticos de Soda Stereo, las palabras de Gustavo Cerati “¡Gracias… totales!”, que estuvieron acompañadas de un riff de guitarra. Ese momento quedó inmortalizado en el álbum en vivo ‘Último concierto’. Con el paso de los años, sigue la pregunta: ¿por qué se separó la banda más grande de Latinoamérica? 

Muchas cosas se especularon en su momento, se pensó en la agonía que provocó el álbum ‘Dynamo’ y su gira para promocionar la producción de 1993. La relación entre Gustavo, Zeta y Charly era inestable, se señaló que, tras una gira en Chile, Paraguay, Venezuela y México, Gustavo Cerati abandonó la agrupación y se fue con su pareja, Cecilia Amenábar, a disfrutar la espera de su hijo, por lo que dejó inconclusos conciertos en Estados Unidos y España

La decisión de abandonar la gira aumentó los problemas entre los integrantes de la agrupación, y a partir de ahí salieron a la luz varios reclamos como que Gustavo ganaba más dinero. Más tarde Gustavo respondería. 

“Zeta decía que el grupo debía firmar todas las canciones. Eso me parecía válido, siempre y cuando el esfuerzo fuera compartido, pero cuando soy yo el que está haciendo prácticamente todo, no me parece justo”, expresó Gustavo Cerati a la revista Rolling Stone. 

Así llegó a su fin el ‘sueño’ de Soda Stereo, tras diversos reclamos y declaraciones de los integrantes, Soda Stereo se tomó una pausa durante año y medio. Sin embargo, una tragedia familiar los volvería a reunir, y es que el 4 de julio de 1994, Tobías, el hijo de tres años de Zeta, fue hospitalizado de emergencia. Charly y Gustavo acudieron a apoyar al bajista. 

A los pocos meses, se reunieron en una sala del estudio Supersónico para hablar si todavía podía continuar tocando juntos. Sin embargo, los primeros ensayos fueron catastróficos y tras varios días de intentarlo, lograron mantener una buena comunicación.

De acuerdo con Rolling Stone, en ese momento, cada integrante tenía sus proyectos personales. Gustavo Cerati ya había grabado ‘Amor Amarillo’ tras volverse un fiel seguidor de los ritmos electrónicos del acid house y ambient. Zeta era productor de grupos como Peligrosos Gorriones y Aguirre, mientras que Charly empezaba en los negocios.

Después de su exitoso ‘Sueño Stereo’ y la gira mundial que incluyó su presentación ‘Unplugged’, los integrantes siguieron con sus proyectos personales. Cerati volvió con la banda tras el lanzamiento de ‘Confort y música para volar’, pero nuevamente la banda emprendió una gira llena de altibajos y problemas. 

“En las últimas etapas llegamos a ni hablarnos. Lo hacíamos sólo por medio de personas y para juntarnos a tocar”, recordó Zeta en una entrevista. 

A finales de 1996, Gustavo se reunió con Charly y Zeta para decirles que no estaba seguro del futuro de la banda y les pidió que descansaran por unos meses para ver cómo iban las cosas. Quedaron de verse en febrero para analizar la situación, pero Gustavo Cerati no apareció. 

En marzo, Zeta se enteraría de la disolución de Soda Stereo mediante una declaración a un periódico de Gustavo Cerati. El anuncio oficial de la banda se dio el primero de mayo de 1997. 

La etapa de Soda Stereo concluiría el 20 de septiembre de 1997 en el Estadio River. 

Daniel 

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Disco de la semana 287: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Disco de la semana 286: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Vamos con una banda de Reggae Argentina y pensar en Reggae en la Argentina es asociarlo directamente con Los Pericos, considerada la primera banda del género. Formada en 1986 por un grupo de amigos que, metidos en todo el movimiento iniciado en Jamaica con el gran Bob Marley, quisieron juntarse y expandir esa pasión por las latitudes argentinas.

Los Pericos grabaron su disco debut, editado en 1987 y lanzado un año después. Su primer álbum El Ritual de la Banana se convirtió rápidamente en un éxito de ventas, alcanzando el Triple Platino y dejando varios clásicos que aún perduran en el repertorio del grupo. Tiene un éxito inmediato la banda con 2 temas: “El Ritual de la Banana” y “Nada que perder”.

Otras de las canciones del álbum que se escucharon con gran éxito son "Welcome to Jamaica Reggae” se escucha en voz del Bahiano su ex-vocalista, luego las inconfundibles trompetas de inicio, dieran vida a esta muy buena producción. Grabado íntegramente en inglés muchas de las canciones del disco, promediando el álbum “El Ritual de la Banana”, es otra de las destacadas. Luego están temas como  “Halei Selassi” que se enfoca en las luchas de clases en África y “Movida Rastafari”.

“Nada que Perder”, un clásico de la banda, cierra esta buena producción de una de las bandas pioneras del Reggae en el país y que supo cosechar éxitos en su extensa carrera.

Aquel éxito de Los Pericos, que también generó rechazos y críticas como suele ocurrir cada vez que un estilo nuevo gana notoriedad, “El Ritual de la Banana” fue el primero de sus éxitos, y siguieron continuando después y continúa hasta el presente con una trayectoria no exenta de altibajos y cambios. Y a propósito de "El ritual de la banana", el tema que da nombre al álbum, uno de sus integrantes comento "La canción nació de casualidad, como jugando, y era tan informal, tan simple y con tan poca sustancia que, en un momento, pensamos en no grabarla y dejarla afuera del disco. Pero al final la incluimos y después explotó todo".

Un álbum de Reggae nacido bien al sur del continente americano, lejos de los fundadores del genero, pero que ha alcanzado llegar hasta aquí, con más 35 años después de su lanzamiento, Los Pericos estuvieron en Madrid para hacer una gira, por estos 35 años de carrera, estuvieron en el Teatro La Rivera donde han tocado todos sus éxitos, como gran parte de sus éxitos, estan en su primer álbum, y será por eso que hoy hemos recomendado este álbum para los que no estuvieron allí y puedan escucharlo, así que espero que les guste. 

Daniel

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El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos 

Vamos con otro de los álbumes de la banda Argentina Divididos, en especial porque este disco es uno de los discos con maypr influencia del floklore Argentino. 

Estamos hablando de su álbum Amapola del '66, que es el octavo álbum de estudio que ha sacado la banda de rock argentino Divididos, fue lanzado el 17 de marzo de 2010 por las discográficas La Calandria/DBN.

Divididos logra editar este álbum tras ocho años sin sacar un nuevo álbum, ya que el anterior había sido Vengo del placard de otro en 2002. 

Este álbum está compuesto por trece  canciones, muchos de los cuales ya habían sido presentados en los diferentes shows de la banda en el último tiempo como: "Hombre en U", "La Flor Azul" y "Todos". El álbum salió a la venta bajo el sello discográfico La Calandria que es un sello discográfico propio, también es el primero de los álbumes oficiales de Catriel Ciavarella el baterista de la banda. 

En un programa radial, la banda confirmó el lanzamiento ya anticipado de Amapola del '66 en versión de vinilo. El mismo cuenta con dos discos, con un orden de canciones distinto a la versión del CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker de "With a Little Help from My Friends" (la cual ya había sido ejecutada en varios conciertos en vivo) con invitados de lujo como Ciro Fogliata en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es "Pereta Voyeur" canción nueva, también ya ejecutada en recitales. El LP es edición limitada y pesa más de 160 gramos.

En 2015, Divididos lanzó una nueva edición de Amapola del '66, tratándose de la tercera edición de este álbum, que incluye, además de los trece temas originales, las canciones "Pereta voyeur", "With a Little Help from My Friends" (cover de The Beatles) y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película Infancia Clandestina, del director Benjamín Ávila. "Es como los alfajores, parecen iguales pero no lo son", dijo Mollo en la presentación del último volumen. Y cerró: "el que no compró el Amapola 1, ahora tiene el Amapola 3. Disculpen pero se fue dando así: fuimos creciendo a medida que fuimos creciendo nosotros también en edad porque ya tenemos unos años más."

En la presentación en vivo se ambientó con la hélice de un molino (similar al de la tapa del álbum) y se tocó junto a músicos folclóricos, ambientando también canciones de discos anteriores de forma más folclórica con diversos instrumentos del género.la banda toco dos noches en el mítico estadio Luna Park, en donde se grabaron su primer y hasta ahora único DVD en vivo, Audio y agua.

Daniel 

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El disco de la semana 0272: La era de la boludez - Divididos

El disco de la semana 0270: La era de la boludez - Divididos

Nuevamente vamos a recomendar un álbum de una banda argentina que más de una vez hemos hablado.

Y es esta ocasión hablaremos de su tercer álbum “La era de la boludez” del grupo argentino Divididos que fue publicado en 1993.

Con este trabajo, la banda se propuso un cambio en su sonido, con la incorporación del floklore argentino, por ello “La era de la boludez” nos presentaba una colección de canciones en donde se mezcla sin ningún tipo de tabú el funk, rock y hasta el folclore argentino.

Ya desde el inicio con la locura funk y con muchas guitarras de “Salir a asustar” nos damos cuenta del potencial de la banda que exhibe un altísimo nivel técnico. “Ortega y gases” es un divertido tema de raíz folclórica que nos lleva a la adaptación en clave bluesera de “El arriero” un cover de Atahualpa Yupanqui de demuestra esa mezcla del floklore argentino con el rock un sello que marcará sus próximos álbumes. “Salir a comprar” es una nueva incursión al funk rock en donde destaca la labor de su bajista Diego Arnedo. 

En “¿Qué ves?” se destapan con un corte de reggae electrificado con mucho gusto. “Pestaña de camello” es un interludio instrumental con sonoridades arabescas y tribales que nos da paso a “Rasputin /Hey Jude”, un rocanrol violento y guitarrero con el guiño a The Beatles en el tramo final. 

Elementos distintos como contrabajo, pedal steel y sección de metales adornan el canto a la resaca de “Dame un limón”. Vuelven las enérgicas guitarras de cadencia AC/DC en “Paisano de Hurlingham”. Vuelven de nuevo a ofrecer dos pildorazos reggae en “Cristófolo Cacarnú” y en “Indio, dejá el Mezcal”. Inspirada en lecturas de Eduardo Galeano tenemos la solemne “Huelga de amores” que nos conduce al final con “Tako c” y la revisión de su tema “Pestaña de camello”. 

Este es un gran álbum de una de las banda de rock argentino más influyentes de la historia del rock vivo de hoy en dias, por ello queríamos hoy recomendarlo. 

Daniel 

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Disco de la semana 267: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

El disco de la semana 0261: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

Vamos con la recomendación de esta semana, vamos con una banda Argentina que tiene un estilo muy particular, no sólo su Rock and roll, sino una fusión de estilos latinos como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, el folklore y el candombe. 

Estamos hablando de Bersuit Vergarabat y vamos con su álbum doble que es la expresión del sentir nacional (Argentino). 

La Argentinidad al Palo es un disco doble editado en abril de 2004, con la producción de Gustavo Santaolalla y las canciones del álbum tienen letras de protesta social tras la crisis del 2001 en Argentina. 

Si hablamos de su difusión La Argentinidad al Palo fue un disco doble que salió a la calle en dos etapas. El primero en salir fue La argentinidad al palo (se es), mientras que el segundo, con un mes de diferencia en su salida a la venta, y se llamó La argentinidad al palo (lo que se es). Posteriormente saldría una edición que contendría los dos álbumes.

Pero vamos a la esencia del álbum donde el humor y la crítica están en primera persona. La argentinidad al palo, título que revelaría, a priori, algún tipo de exacerbación de lo nacional. O una versión devaluada y deformada de aquel frustrado Argentina potencia. 

La canción que da título al álbum una primera parte de un álbum doble que tiene como subtítulo Se es y una segunda parte que se llamará Lo que se es. 

Por ello las letras mezclan, como en un cambalache, toda la esencia como hemos dicho del sentir nacional, el dulce de leche, el Che, Cavallo (ex ministro de economía), el río más ancho del mundo, Favaloro (cardiologo argentino), la birome y la propia banda donde todos embarrados en la misma argentinidad. 

Pero esta lectura crítica del ser nacional adquiere otra simbología cuando La argentinidad al palo pasa a ser el título de este álbum. La banda del Pelado Cordera (su vocalista) casi siempre coqueteó con lo político desde siempre para denunciar el accionar de los políticos. 

La Argentinidad al Palo con mensajes políticos y bajo la visión artística de Gustavo Santaolalla, la Bersuit Vergarabat refuerza los ingredientes de un cóctel que más se ajustan a estos tiempos compromiso con el cambio contante de la banda, pero desde un pesimismo esencial, un vamos que tú puedes, a pesar de que eres un desastre igual que yo, el sentir de se es o lo que se es. 

El álbum fue muy bien sembrado en la Argentina, pero con expectativas de cosecha en el resto de Latinoamérica, fundamentalmente en México, y tuvo un éxito inimaginable, temas como El baile de la gambeta apuntan en esa dirección. Un poco de color local y otro poco de guiño genérico al rebelde estándar del sur del Río Grande hacia acá. Inclusive, esa alusión a la argentinidad peca de etnocentrismo, en tanto proyecta a nivel de conciencia nacional rasgos que cuadran más específicamente en el arquetipo del farabute porteño. 

El álbum tiene, como casi todos los álbumes de la Bersuit, notables hallazgos de humor y algunas dosis de mal gusto. 

Como es el humor áspero y cínico, de perdedores a los que les está yendo bien sin saber por qué. Habrá quienes se enganchen con el pegadizo Va por Chapultepec. En varios temas, lo que prevalece es una sensación de extrañar y de pérdida, como si los autores de las canciones quisieran manifestar su situación equívoca respecto del mundo. 

Así transcurre este álbum, siguiendo el andar ciclotímico de la banda, descubriendo sus fisuras anímicas y sus contradicciones porteñas. 

Los versos finales de la canción principal  del disco acaso ilustren lo que le pasa al país y lo que, en escala menor, les ocurre a ellos: Del éxtasis a la agonía/ oscila nuestro historial./ Podemos ser lo mejor/ o también lo peor, con la misma facilidad.

Un álbum realmente completo que muestra toda la fascinación por los estilos musicales y los mensajes de protesta.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Vamos con una banda Argentina que fue fundada por Miguel Abuelo, cuyo nombre real es Miguel Ángel Peralta, y este un icono del rock argentino.

Quién en la década de los sesenta fue el fundador de la banda Los Abuelos de la Nada, pero esta primera etapa del grupo no tendrá existo, pero tendra una segunda oportunidad en los años ochenta, donde editaron sus mejores álbumes. 

La banda debutaria con el álbum Los Abuelos de la Nada que es el álbum debut de la banda argentina de rock Los Abuelos de la nada, y este fue publicado en 1982.

Luego de grabar algunas demos en 1981, se vio interesado Charly García quien decide producir a la banda. Así es como ingresan a los Estudios Panda en junio de 1982 para grabar un álbum que los presentaría en sociedad como una banda alegre, capaz de fusionar rock con pop y reggae.

La presentación del disco se lleva a cabo en de octubre de 1982 en el Teatro Coliseo. El sencillo de difusión Sin Gamulán compuesto por Andrés Calamaro, sería el éxito que impulsaría las primeras ventas de la banda.

Con este primer disco la banda resurge, y con esto un año más tarde deciden editar un nuevo álbum. 

Vasos y Besos es el segundo álbum de estudio de la banda argentina Los Abuelos de la Nada, publicado en 1983.

Ha sido posicionado en el puesto 199 en la lista de los 250 álbumes esenciales del rock iberoamericano de la revista norteamericana al borde y en el puesto 29 de los 100 mejores discos de rock argentino de la revista Rolling Stone.

La canción Mil horas incluida en el álbum logró el puesto 14° de Los 100 hits del rock argentino por Rolling Stone en 2002, el puesto 77° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,​ y el puesto 38° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La popularidad en ascenso de la banda logra por tercer año consecutivo edite su tercer álbum. 

Este Himno de mi corazón es el tercer álbum de estudio de la banda de Rock Los Abuelos de la Nada, publicado en septiembre de 1984.

La canción Himno de mi corazón que dio nombre al álbum se convirtió en una de las más emblemáticas de todo el rock en español: logró el puesto 50° en el ranking de las 100 mejores canciones del rock argentino por la Rolling Stone Argentina y MTV en 2002, puesto 13° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,1​ y puesto 213° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

Podemos decir que Cosas mías es su cuarto álbum de estudio y último álbum perteneciente al grupo de rock argentino Los Abuelos de la Nada editado en el año 1986. Sería el último trabajo discográfico de la banda y también el de su líder Miguel Abuelo.

Pero la decisión de que este sea su último álbum se debe a que su líder Miguel Abuelo, contragiera el virus del HIV.

Miguel Abuelo tenían arreglada una actuación en el Velódromo Municipal de Buenos Aires, la cual fue suspendida repentinamente por una altísima fiebre que había sufrido Miguel Abuelo. Rumores hablaban de que se encontraba infectado con el Virus de Inmunodeficiencia Humano (VIH). Ese mismo día se retiró definitivamente de la música, viviendo lo que eran sus últimos días de vida.

El 26 de marzo de 1988, Miguel Abuelo falleció en la Clínica Independencia de Munro (provincia de Buenos Aires) sólo cinco días después de cumplir cuarenta y dos años de edad. 

Pero como hemos dicho sus primeros singles no fueron del todos un éxito, y tuvieron que pasar muchos años para que logren el éxito. 

Oye niño / ¿Nunca te miró una vaca de frente? (1968)

Diana Divaga / Tema en Flu sobre el Planeta (1968)

La Estación (1969)

Una banda que se podría decir que sus tropiezos fueron al comienzo de su carrera y tuvieron una segunda oportunidad, y un tropiezo del destino por la muerte de su líder. 

Daniel
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Disco de la semana 262: Girando - Los Ratones Paranoicos

Disco de la semana 258: Girando - Los Ratones Paranoicos 

Hoy les propongo una banda que lleva el estilo de las grandes bandas de rock, donde destaca el sonido del rock pasional, ortodoxo e indestructible, proponemos Girando álbum de la banda Argentina Los Ratones Paranoicos.

Y me refiero al sentir de, darle al play y escuchar cualquiera de los álbumes de bandas inglesas y norteamericanas que, periódicamente aparecen como salvadoras del rock, pero en cambio estamos hablando de Los Ratones Paranoicos que basta con un riff tan contundente como el de la canción Sigue girando, los críticos se desharía en elogios antes de llegar al segundo estribillo. 

Los Ratones Paranoicos nos sorprende, es porque estas estrellas del rock, quienes vienen de tierras Argentinas nos tienen malacostumbrados: después de tantos temas indestructibles, tantos shows incandescentes y tanto tiempo encarnando el espíritu vivo del rock & roll. 

Girando es el décimo álbum de estudio de la banda de rock argentina Los Ratones Paranoicos, y fue editado en 2003. Lo dicho 10 álbumes han pasado y la esencia del rock intacta. 

El sonido del grupo sigue teniendo esa cosa salvaje que hasta los Rolling Stones parecen ya haber perdido. Producidos con inteligencia por Toth y Guyot, los Ratones mantienen la llama encendida. Juanse su líder es un rock & roll animal , pero también tiene el corazón en su lugar y –esto es indudable– una vocación muy clara, casi de cruzado: “Ya no puedo dejar mi banda de rock& roll”, canta por ahí, como para que quede claro que esto es un monstruo de cuatro cabezas, donde sus integrantes, el Zorrito Von Quintiero ya logró la difícil tarea de reemplazar a Pablo Memi. Los temas rockeros siguen marcando los puntos más altos del disco, el principio, con “Girando”, “No me importa tu dinero” y ‘Cristal” es impactante, pero las baladas aportan un toque sensible que equilibra el ya clásico frenesí paranoico.

Alguna vez, hace unos diez años, don Andrés Calamaro comentaba, ante un auditorio escéptico, que había que ver qué temas podía llegar a componer si esa respuesta la tennis hoy con un Juanse una década más tarde. Es el tiempo, que no espera nadie, pero que a veces está de nuestro lado, y ese tiempo le ha dado razón, hoy, los chicos ya son hombres grandes. Y ya no tienen temitas de relleno, sino que sorprenden con reflexiones místicas como en “Simpatía”, o con un bello instrumental como “Exsitar”, con el que cierran un disco que pide el repeat automático. Sigue girando.

Daniel 

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Disco de la semana 257: Hermética - Victimas del Vaciamiento

Disco de la semana 257: Hermética - Victimas del Vaciamiento

Debo decir que no soy mucho del metal, pero un amigo siempre me pregunta sobre el Metal en Argentina, por ello para los que les gusta el metal, y en particular el metal en Argentina, en esta ocasión les traigo una banda Argentina, donde se siente la fuerza y la energía de un riff de guitarra.

La escena metalera, nos regaló a fines de los 80 una de las bandas más veneradas y reconocidas del metal en en Argentina, Hermética, por hacer un poco de historia de este particular sonido, Hermética es parte de una banda pionera V8, semilla del heavy en la Argentina, y Hermética su continuación formada por el bajista Ricardo Iorio, junto a Claudio O’Connor al micrófono, Antonio Tano Romano en guitarra y Claudio “Pato” Strunz en batería, empezaron a formar algo que, hasta nuestros días, es considerado una auténtica leyenda. por ello Hermética es en Argentina, lo que Iron Maiden al Reino Unido o Accept a Alemania, es decir, unos auténtico referentes del Metal en su tierra.

Este disco dicen que fue una consagración definitiva de la banda y también el final de su carrera. Ni el metalero más pesimista habría siquiera pensado que Victimas del Vaciamiento, fuera su último disco de estudio, se dice que motivos hubo, partes enfrentadas, declaraciones polémicas, etc. 

La separación de Hermética, paradójicamente, fue el trampolín que terminó por colocarlos en el estatus de leyendas, no comentare cuales fueron esos problemas que ocasiono que la banda se separara, solo decirles que fuera lo que fuera, nos han dejado un álbum que habla por si solo en la escena del Metal, y dejare a mis fans del Metal comprobarlo. Sin más hablemos de Victimas del Vaciamiento, y les pediré perdon de antemano si caigo en exactitudes con respecto a este álbum.

Comenzaremos con Soy de la Esquina que abre el álbum de forma rápida y frenética, con el Claudio Pato Strunz haciendo gala de su dominio de la batería, mientras la guitarra del Tano Romano desgrana un riff con bastante fuerza, y O'Connor con sus agudos raspados, sello inconfundible del sonido Hermética, nos espeta un himno a la amistad, ésa de calle, birra (cerveza) y acera. Buen comienzo para el disco.

Llega el turno de Otro día para ser, que inicia relajada y tranquila, con Ricardo Iorio casi recitando la letra, hasta que en el minuto 1:28 O'Connor y toda la banda desatan su energía en un tema de medio tiempo, cuya profundidad lírica y marco musical le han condenado desde siempre a convertirse en un clásico Heavy/Thrash. 

Con dos temas ya hemos entrado en materia, y ya vemos que Victimas del Vaciamiento no es un clon barato de su anterior álbum. Traición, otro medio-tiempo enérgico e iracundo, nos muestra a unos Hermética rabiosos como siempre, pero capaces de sonar meditativos y melódicos sin perder esencia. Y como para refrendarlo, le sucede Olvídalo y volverá por más, la dramática balada con Ricardo Iorio al micrófono, más anti-político que nunca. El Tano (Antonio Romano) se hace presente con un excelente solo lleno de intensidad y melodía, coronando al que considero uno de los mejores temas del disco, y un clásico inmediato. Un auténtico himno, que nos recuerda que los políticos siempre se ríen en nuestra cara. "En un avión se llevó el dineral, a donde nadie sabe." fuerte declaración, Hermética marca en sus canciones un gran tono de protesta.

En esta última formación de la banda su baterista Claudio Pato Strunz es un baterista tremendamente infravalorado, y quien tenga alguna duda, que se ponga Hospitalarias realidades. Ése doble bombo del inicio, veloz, fuete y aplastante, no deja indiferente a nadie. Un track sólido de principio a fin, marca de la casa. 

Cambiando un poco el aire, Buscando razón y su riff inicial con sabor más a heavy que a thrash, es la declaración de que la banda esta consolidada y como he dicho hizo que este álbum sea uno de los mejores. 

Lo que viene es un continuo vaivén, una montaña rusa de baja-sube-baja, el aire tétrico, casi doom-sabbathiano de Cuando duerme la ciudad baja las revoluciones del disco, pero luego Ayer deseo, hoy realidad nos pega nuevamente un furioso thrash al más puro estilo de la banda, un tema para sacudir la cabeza hasta reventarse la nuca, cabe destacar al Tano Romano, sacando fuego a las cuerdas de su guitarra. Y nuevamente la lentitud con Del colimba, con un Ricardo Iorio describiendo con resignación y amargura las miserias del servicio militar obligatorio (colimba, en Argentina, se les llama a los que cumplen con el mencionado servicio militar).

Llegando al final del álbum, la banda nos regala Moraleja, guiño descarado al folklore de la pampa argentina ¿en un álbum de heavy/thrash? Pues sí, Hermética, por muy duros e inconformes sociales que sean, no olvidan sus raíces. “Para informarte de que también yo he nacido, en el terreno del Atlántico a los Andes, del verde Chaco a los hielos fueguinos”. Ciertamente es toda una declaración de orgullo nacional, no exenta de picardía gauchesca. 

Por eso son unos dioses en su tierra. Y para cerrar este álbum, Tano Solo, donde Antonio Tano Romano y su guitarra son los únicos protagonistas, no es el típico solo de guitarra cliché o autocomplaciente, sino más bien un track de corte ambiental, oscuro, melancólico y solemne. Un cierre que bien simboliza el final de la carrera de la banda.

En la cima de su carrera artística, y habiendo llegado a su plena madurez musical, Hermética puso punto final a su conta historia de sólo seis años. Seis años que bastaron para posicionar a la banda en el lugar que, con toda justicia, se ganaron con su obra. El sentir que emana de su música, su identidad nacionalista y su compromiso con la lucha desde el lado del Metal han hecho de la H(ermética) una leyenda argentina en toda la extensión de la palabra.

Daniel
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Grandes éxitos y tropiezos Attaque 77

 Grandes éxitos y tropiezos Attaque 77 

Attaque 77 es una banda de punk rock argentina formada en la ciudad de Buenos Aires en 1987, y en su discografías guarda muchos éxitos, como así también alguno que otro tropiezo aunque no sea caída.

Pero comenzaremos en recomendar uno de sus mejores álbumes para mi, El Cielo Puede Esperar que es el segundo álbum de estudio de la banda, este fue publicado en 1990 por la discografíca Radio Trípoli. Y es uno de los discos más exitosos de la banda. La canción más difundida del disco es Hacelo por mí, que también fue cortina de un programa de televisión que hizo que se popularizar a la banda. Pero no sólo esta canción identifica a la banda, sino también contiene otras tres canciones que son himnos entre los seguidores de la banda: Espadas y serpientes, El cielo puede esperar y Donde las águilas se atreven.

Otros de los discos que te recomiendo y deberías tener en tu discografía es Ángeles caídos es el tercer álbum de estudio de Attaque 77, editado en 1992. Producido por Juanchi Baleiron el guitarrista de la banda Los Pericos, quien ya había trabajado con la banda en el disco anterior, el álbum presenta un sonido más melódico que su predecesor El cielo puede esperar. 

Algunas canciones fueron presentadas en vivo entre 1990 y principios de 1992, y también incluye material que aparece en el primer demo de la banda "Más de un millón". Aquí la banda pierde su primer integrando la de formación original Adrián Vera que deja el grupo. Sólo se produciría un único videoclip de este disco fue el de la canción que justamente le da título a este álbum, Ángeles caídos.

La banda ha tenido una explosión muy buena en sus comiendo logrando alcanzar el éxito, pero luego de varios álbumes elegiría el álbum Antihumano es el noveno álbum de estudio de la banda argentina de punk rock Attaque 77, publicado en 2003 por el sello discográfico BMG Ariola. Este álbum incluye el reconocido corte de difusión Western, en homenaje al difunto René Favaloro. 

Su siguiente corte de difusión fue Éxodo-Ska, seguido del gran éxito del álbum, Arrancacorazones. También salieron los cortes de difusión de las canciones Setentistas, Reality-Joe, La Gente Que Habla Sola y Morbo-Porno. El álbum alcanzó a ser triple disco de platino, pasando las 120 000 copias vendidas en Argentina.

Ya no será lo mismo en este que es el primer disco del grupo sin la presencia de Ciro Pertusi quién dejó la banda en diciembre de 2008. No será lo mismo ya que la banda marca un cambio en este álbum Estallar que es el undécimo álbum del grupo argentino Attaque 77, cuyo lanzamiento fue el 3 de noviembre de 2009 y el 24 de noviembre en CD/DVD, que incluye un documental de la grabación del disco en las sierras de Córdoba e imágenes de un show realizado el 9 de mayo en Villa Ballester. 

Daniel
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Disco de la semana 252: Turfshow - Turf

Disco de la semana 252:  Turfshow - Turf 

Vamos con una banda argentina que da mucho que hablar sobre una forma de vivir o su filosofía como según cuentan sus propios integrantes la filosofía de Turf es la de "divertirnos y divertir a la gente, estar en movimiento, generar buena onda, estar en contacto" .

Y esta filosofía de la banda se cumple con creces y sirven para entender el álbum que traemos hoy como recomendación, Turfshow (lanzado el año 2001). Este es su tercer álbum de estudio, y este álbum los acercó a las grandes masas y los volcó definitivamente a una faceta comercial y una búsqueda de sonido más pop.

La difusión de los hits incluidos en Turfshow ayudó a consolidar fuertemente a la banda. Cualquier Argentino que le preguntes ¿Quién no recuerda Loco un Poco? uno de los temas mas escuchados por ese entonces en una Argentina tumultuosa y con inestabilidad política e institucional, vendría muy bien la alegría de una banda en crecimiento. 

Pero Turfshow cuenta con otros temas que se dieron a conocer dentro de este álbum, dentro de esas canciones más conocidos podemos citar un clásico de Turf como “Cuatro Personalidades” y la totalmente festiva que sigue sonando en los reductos bailables argentinos hasta el día de hoy y se convirtió en algo así como un himno para algunos “Yo No Me Quiero Casar y Ud.?”. No hay que olvidar a temas como “Chicas Malas”, “La Chispa de mi Mente” y “Vago” que aunque no alcanzaron la difusión de las anteriores son igual de adictivas, a la hora de escucharlos. 

Turfshow fue elegido como disco del año 2001 y Loco un Poco como mejor canción del año en una gran cantidad de encuestas. 

Debo debo ser honesto y decir que no es un álbum especialmente elaborado, pero no debe despreciarse la capacidad de Joaquin Levington, el líder de la banda para crear melodías y canciones que perduran a través de los años.

De ello la prensa especializada en música, adjudicó el mote de frívolos que se le adjudicó después de este material Levington su vocalista afirmó contra ello que "el mundo es ‘molto dificile’. Siempre, sobre todo el año pasado con la crisis económica y política, las guerras" en referencia al año 2001, y continuar diciendo "pero nosotros elegimos un estilo de vida que es hacer música, estar juntos y sobrevivir de la mejor manera que podemos, buscando tirar buena onda antes que pálidas".

Por ello en este tiempo de pandemia, post pandemia, o donde nos querramos situar, esta opción de disco propuesto, nos permite al menos fiel a la filosofía de la banda argentina, divertirnos y pasarla muy bien, y por ello hoy les he traído esta propuesta. 

A disfrutar!

Daniel

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Disco de la semana 248: Historias - La Beriso

Disco de la semana 248: Historias - La Beriso 

Hoy tenemos muchas Historias que contar, o que cantar, ya que de la mano de una banda de rock argentino con un estilo muy de las bandas de rock de barrio, nos trae este álbum cargado de emociones de la banda La Beriso.

Una banda oriunda del barrio de Avellaneda de la provincia de Buenos Aires, que espero descubrir junto a todos uds, por no conocer mucho de su discografía.

Historias es su quinto disco de estudio, que la banda de rock argentino ha lanzado a la venta, este disco se presentó en octubre de 2014, bajo el sello discográfico Sony Music Argentina, y se convirtió en el álbum más exitoso de la banda, hasta ese momento.

Una banda con un estilo muy particular al de las bandas rock de barrio, con el ADN del sonido del rock argentino, y con influencias de reggea en algunas de sus canciones. 

Pero en particular este disco contiene una carga emocional muy grande por parte su líder, ese mismo año Rolo Sartorio vocalista de la banda pierde a una de sus hermanas tras padecer un cáncer, pero ya la familia Sartorio había pasado por una situación similar unos años atrás con la pérdida de otras de las hermanas del vocalista. 

Tras esta penosa historia, creo creer que todo ellos se traslada en canciones tan sentidas como ser Como Olvídate donde no sólo su letra, sino una canción tan instrumental que cala hondo, es la canción número 10 del disco, un disco de 14 canciones o historias. 

Pero el disco comienzan con No me olvides con un comienzo suave que va subiendo el ritmo, buen comienzo buen rock, sin hacernos esperar Ella el segundo tema del disco marcado por las guitarras pero también una historia de violencia, que la banda enmarca en la lucha contra la violencia de género. Te burlaste sigue la línea de las primeras canciones del disco, el más puro rock para encerrar una historia de amor en este caso. 

Madrugada, la banda ahora cambia el ritmo y pasa a un sonidos de Reggae, está canción es parte de un sencillo anterior al lanzamiento del disco, con la participación Néstor Ramljak y Martín Mortola de la banda Nonpalidece. 

Traicionero vuelve al sonido del rock envuelto en una combinación de guitarra, bajo y batería, y fue otro de los cortes de difusión de la  banda para este disco, continuamos con Otra noche más, donde mantiene el sonido y pareciera ser como la continuación de la canción anterior, pero de repente nos vemos ante Donde Terminaré y Mañama dos canciones que suben el ritmo, cambia a un rock más eléctrico con un sonido de guitarras mas marcadas. 

Recuerdos no soy un experto, pero con un sonidos de country rock pareciera ponerle ritmo a esta canción y una nueva historia. Enloquecer nos trae una especie de balada, con una pero no abandona la banda las guitarras siempre presentes en cada canción, Resistir y Amargo Dolor vuelve el rock y las historias profundas un disco cargado de emociones no podría terminar de otra forma, Mi destino otra canción sentida junto a un piano que acompaña la voz del cantante, y así nos despedimos, con un disco repleto de historia, historias tan sentidas como vibrantes. 

Amigos, este disco me ha emocionado, y me ha hecho querer más de esta banda de rock, que con sus canciones me ha trasladado a cada una de las historias que su vocalista y líder Rolo Sartorio intenta contar, incluso historias propias del artista. 

La Beriso una banda de rock con el espíritu de la música de barrio en la sangre, el ADN de un rock que muy pocas veces se suele escuchar, porque las bandas creen, cambian, y esto no significa que sea malo, sino que es parte de la evolución, así que si tienen la oportunidad les recomiendo no dejarla pasar y escuchar a esta banda y en especial a este disco. 

Daniel 

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