Un país, un artista: Tunez - Emel Mathlouthi

 

Emel Mathlouthi nació el 11 de enero de 1982, comenzó a cantar y actuar a los 8 años en un suburbio de su ciudad natal, Túnez, su primera canción la escribió con 10 años, soñaba con convertirse en una estrella de la música y lucho por ello, en la medida posible investigo los distintos sonidos que poblaban el panorama musical de finales de los noventa, decidiendo que el rock seria su futuro, pero llegó a explorar los sonidos góticos. Pink Floyd, Bob Dylan, Joan Baez, tratando de descubrir su propio sonido, a pesar de que creció con los discos de música clásica, jazz o "negro espiritual" de su padre, decide encontrar su camino entre todas estas influencias. Formó su primera banda en la universidad de Túnez cuando tenía 19 años, unos años más tarde, conmovida por la voz y las ideas de Joan Baez, dejó la banda y comenzó a escribir canciones políticas, descubriendo su frustración por la falta de oportunidades y la apatía de sus compatriotas. En 2005, se le sugirió que se uniera al cantautor libanés Marcel Khalifé, con el que empieza a escribir sus textos ... en árabe, escribe textos comprometidos y aborda el tema de los derechos humanos en Túnez en un país censurado pero que no piensa menos. Monta su grupo y actúa en El Teatro, un lugar emblemático, fue entonces cuando ante los peligros y amenazas que sentía, decidió exiliarse, trasladándose a Paris y estudiando en el Studio Cité des Arts y gracias ello su voz y sus textos viajan por todo el mundo.

 

En enero de 2011, hay una revolución en las calles de Tunez tras la marcha de Ben Ali, es en ese momento cuando resuena la voz de Emel, desde París, ella participa de este momento histórico a través de un concierto especial "Nova escucha Túnez" en Radio Nova, apoyada por muchos tunecinos exiliados o en el país, se convierte en un símbolo de la Revolución, al que da un nuevo aliento, un nuevo aire e incluso una nueva era. Un año después, en enero de 2012, editó su primer disco Kelmti Horra ("mi palabra es gratis"), compuesto por 10 canciones escritas principalmente en árabe con frases en francés e inglés, las canciones están inspiradas en momentos clave de su vida y del mundo. El resultado fue un disco a la vez clásico y electro y la empiezan a denominar la "Björk Oriental", muchas veces debido a las percusiones estruendosas que acompañan a esta voz aterciopelada, el disco Kelmti Horra se convirtió en un himno durante la Primavera Árabe, le valió el título de "voz de las revoluciones tunecinas" y luego una invitación para actuar durante la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz en 2015.

 

El 24 de febrero de 2017 lanzó su segundo álbum ENSEN (Human) grabado en siete países de tres continentes junto a muchos productores, incluido Valgeir Sigurosson (Sigur Ros) un álbum plagado de música electrónica y acústica en un estilo que definitivamente hace suyo la crítica lo definió como "una fusión magníficamente ornamentada de ritmos imponentes y escalas menores árabes oscuras destacando un tono incendiario dirigido por la voz galvánica de Mathlouthi, que es a su vez vulnerable y fuerte. Ese mismo año En 2017 regresa a Túnez para dar su primer concierto allí en cinco años, encabezando el prestigioso Festival de Cartago. Ese verano también actuó en el Festival Beitaddine en el Líbano y en el festival SummerStage en Central Park, Nueva York.

 

En 2019, lanzó su primer álbum en inglés Everywhere We Looked Was Burning, donde da un giro ya que quería "escribir sobre la naturaleza, así como sobre la belleza y la lucha de estos tiempos”, para ello se inspiró en poetas estadounidenses como TS Eliot y John Ashbury. Al año siguiente y tras unas vacaciones en la casa de su infancia en Túnez en 2020, grabó un álbum doble The Tunis Diaries por su cuenta, con solo una guitarra acústica y su voz, el álbum se divide en dos partes "Día" y "Noche". El primer disco incluye canciones de Emel cantadas en parte en inglés y en tunecino más una canción inédita Holm que se ha visto más de 6,5 millones de veces en YouTube hasta septiembre de 2021, el segundo disco incluye varias versiones. de Leonard Cohen, David Bowie y Jeff Beckley.

 

Un artista muy recomendable, es imprescindible escuchar y sentir en nuestros poros la sensibilidad que trasmite Holm (A dream) escasa, inquietante, hermosa, melódica y serena…. y como no detenerse en la versión que hace de The man who sold the World de David Bowie.

0263 These Boots Are Made For Walkin' - Nancy Sinatra

 

These Boots Are Made For Walkin', Nancy Sinatra

     En diciembre de 1965 aparecía publicado por primera vez el tema These Boots Are Made For Walkin', uno de los grandes clásicos de la música americana, y que se encargaría de popularizar Nancy Sinatra. El tema fue grabado por Nancy en noviembre de 1965 en los Western Recorders de Hollywood, California, producido por Lee Hazlewood, y publicado como sencillo por el sello discográfico Reprise Records en diciembre de 1965.

El tema fue escrito por el cantante, compositor y productor estadounidense Lee Hazlewood con la intención de grabarla el mismo, pero fue la misma Nancy Sinatra la que le convenció de que no lo hiciera, pues la canción en voz de un hombre iba a sonar "dura y abusiva". Nancy consiguió convencer a Lee para que le dejara a ella, encargándose de hacerlo con la ayuda del famoso grupo de músicos de sesión de Los Ángeles Wrecking Crew. La canción, con toques de pop, country y rock & roll,  supuso un auténtico pelotazo, consiguiendo el primer puesto en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y también en el Uk Singles Chart del Reino Unido.

La canción fue incluida en el álbum debut de estudio de Nancy Sinatra, Boots, publicado en marzo de 1966 bajo el sello Reprise Records. El disco alcanzó un notable éxito también, consiguiendo un meritorio quinto puesto en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100. Cabe destacar que la compañía discográfica Reprise Records, donde Nancy estaba en aquellos momentos, era la misma donde se encontraba su padre, Frank Sinatra. Pues Bien, Reprise Records planeaba dejarla, pues sus primeros sencillos habían sido un fracaso, pero todo cambió cuando se cruzó en su camino Lee Hazlewood. Tal es el alcance y dimensión de este tema, que ha sido versionado en innumerables ocasiones por artistas tan dispares como Megadeth, Madonna, Billy Ray Cirus, Haley Reinhart y Jessica Simpson entre otros. 

0262: Till the end of the day - The Kinks

 

Aunque su álbum debut homónimo de octubre de 1964 contiene el inmortal You Really Got Me y el dulce Stop Your Sobbing, Kinda Kontroversy es realmente un paso adelante firme y brillante de The Kinks, aunque aun lejos de lo que nos podía ofrecer. El importante paso realizado por el cuarteto del norte de Londres en solo cinco meses se muestra en el nuevo dominio de las composiciones originales. Mientras que ese debut estuvo lleno de versiones, con la excepción de Naggin 'Woman y Dancing in the Street, este álbum está escrito por el líder de la banda Ray Davies, The Kink Kontroversy  continúa la evolución de The Kinks de un grupo genérico de blues / skiffle / Mersey de Brit-Invasion a una banda creativa única… pero no del todo, todavía hay ecos de su pasado "genérico" que acechan a este álbum, pero al mismo tiempo hay suficiente espíritu creativo de Ray Davies para marcar el álbum como un punto de inflexión significativo.

The Kinks iba en aumento, con una serie de éxitos que comenzaban con " You Really Got Me"en 1964. La banda no pudo disfrutarlo sin embargo, porque se vieron presionados a entrar en un ciclo riguroso de giras, grabaciones y promociones que ejercieron una enorme presión sobre el grupo. Davies estaba casado y apenas podía disfrutar de los beneficios de su estrellato; en mayo de 1965 tuvo su primer hijo, una hija llamada Louisa. Con las tensiones de la paternidad ahora también sobre él, se hundió en una depresión, pero aún se esperaba que escribiera algunos éxitos. Después de unos días de descanso, regresó a trabajo decidido a hacer que todos pensaran que estaba bien, así que escribió esta canción alegre, que luego explicó que era una mentira total. Con “Till the end of the day” vuelven los Kinks “cañeros” es simplemente rock, un duro "garage" en la misma línea que "You Really Got Me" y "All Day and All of The Night", pero es que esta canción tiene un gran uso de fuertes acordes, un estribillo pegadizo, uno de los mejores mejor solo de guitarra de la carrera del grupo, Ray suena débil en esta canción, pero realmente no afecta la canción es casi perfecto, solo escucha el final de la pista cuando la banda acelera, es material de genios.

0261 Drive My Car - The Beatles

 

Drive My Car, The Beatles

     El 3 de diciembre de 1965 aparece publicado, bajo el sello discográfico Parlophone, Rouber Soul. Dicho álbum, el sexto del grupo británico, es grabado entre junio y noviembre de 1965 en los EMI Studios de Londres. Incluido en el álbum se encuentra el tema Drive My Car, tema en el que nos vamos a centrar en esta ocasión.

La canción está acreditada, como siempre en aquella época, al dúo Lennon-McCartney, encargándose Lennon de la parte vocal, McCartney de las voces, el bajo y el piano, Harrison de la guitarra y las armonías vocales, y Starr de la batería, el cencerro y la pandereta. En un principio, el tema fue escrito por McCarteny, y comenzó siendo lo que ellos llamaban una canción comedia, la cual trataba sobre una prostituta, con un estribillo  que comenzaba diciendo: "No puedes comprarme anillos de diamantes". 

El problema surge cuando Lennon veta la letra, pues según él, ya habían utilizado este cliché en dos temas anteriores. Por lo que finalmente Lennon se sentó con McCarteny para reescribir la letra, quedando ésta en una divertida letra sobre una chica que quieres ser una estrella, dándo al tema un doble sentido con un significado erótico. La canción nos habla de un chico que conoce a una chica a la que dice que puede conducir su coche. La chica, aspirante a actriz, se siente atraída por él. La chica finalmente acepta pero admite al chico que no tiene coche. Aún así ella sigue queriendo que él sea su "Conductor". De ahí el doble sentido, pues toda la charla podría estar hablando de sexo.

En la sesión de grabación McCarteny llegó al estudio con un arreglo en mente, pero Harrison había estado escuchando el tema Respect de Otis Redding, y viendo que podría cuadrar con lo que McCartney traía, sugirió un riff similar, doblando el bajo y la guitarra con las cuerdas muy graves. Así surgió Drive My Car, un tema que contenía más graves que cualquiera de las anteriores grabaciones que el grupo había hecho.

0260.- Michelle - The Beatles

La historia de Michelle, esa bella canción que a todos nos ha sumergido en alguna ocasión en la melancolía, empezo como una parodia de Paul a ciertas canciones francesas que escuchaba en muchas fiestas. Cuando finalmente le puso letra, animado por John, decidió que debía llevar algo de verdadero francés…. Arrancamos, el inicio de la creación del tema comenzó cuando Lennon acudía a la escuela de arte y cultura en Francia, una escuela de lo más cool y con frecuencia en dicha escuela de arte solían organizarse una serie de fiestas a las que asistía Lennon, quien a su vez invitaba a McCartney. En tales reuniones Paul se hacía pasar por francés y para llamar la atención tocaba un tema instrumental al que añadía una que otra palabra conocida por él (a veces hasta inventada) del lenguaje del amor. La canción era una de las más antiguas de McCartney, ya que la compuso alrededor de 1959, con su primera guitarra, una Zenith.

Unos años después, cuando The Beatles se encontraba trabajando en el álbum Rubber Soul, John recordó aquella canción que Paul tocaba en las fiestas francesas y le sugirió convertirlo en algo real, sin embargo habia un gran problema, los Beatles no podían publicar una canción con falso francés y Paul tampoco queria aprender un nuevo idioma solo para la canción, fue así como pidieron ayuda a su amigo Ivan Vaughan, cuya esposa era maestra de francés para que les ayudará con una frase que rimara bien con “Michelle, ma belle”. El resultado de esa combinación fue que a la frase se le añadió “Sont des mots qui vont tres bien ensemble”, que en el idioma de Shakespeare significa y se canta como: “These are words that go together well”, ella le explico cómo pronunciarlo, así que eso fue todo…. años mas tarde le enviaría un cheque, ya que la consideraba prácticamente una co-escritora de la canción.

Broma aparte lo que encontramos en "Michelle" es exactamente el tipo de pop sofisticado que incluso aquellos que odian esa música se riende a sus pies y es una muestra mas de la banda de la capacidad que tenian para asumir cualquier tipo de material más avanzado, si te quedas en la superficie, "Michelle" es el tipo de canción pop elegante con un toque de exotismo (la progresión de acordes en clave menor vagamente europea; los fragmentos de letras francesas) que podría acompañar y meter en el saco de temas como "The Girl from Ipanema" sin embargo, los Beatles le dan a "Michelle" un sentido del humor brillante ("sont les mots qui vont tres bien ensemble") 

Disco de la semana 242: Black Merda - Black Merda

 

Black Merda

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a la ciuad de Detroit, allí surge Black Merda, una banda que a pesar de su gran calidad se vió lastrada por una pésima promoción en los dos álbumes que llegaron a publicar a comienzos de los años 70. No Obstante, con el tiempo Black Merda se ha convertido en todo un referente de culto dentro del funk psicodélico y soul psicodélico. El reconocimiento de la banda llegaría más de treinta años después, en 2005, con el lanzamiento del recopilatorio The Folks from Mother' Mixer, que recopila sus dos álbumes originales.

Hay que remontarse a la década de los 50, cuando Anthony Hawkins (guitarra y voz) y VC Lamont Veasey (Bajo y voz) se conocen en la escuela primaria. Por otro lado Hawkins y Tyrone Hite (batería y voz) se conocen a principios de la década de los 60 en la escuela secundaria. Posteriormente, durante los siguientes años los tres comienzan a trabajar como músicos de sesión y respaldo en la escena de la música de Detroit. Anthony Hawkins y VC trabajaban con frecuencia para compañías como Fortune Records Y Golden World Studios, y también para el compositor, guitarrista y productor Ron Davis, muy conocido en la escena de Detroit. Hite trabaja en sesiones de grabación como cantante antes de centrarse en la batería.

Hawkins, Veasey y Hite forman el grupo The Impacts, que posteriormente pasaría a llamarse Soul Agents. Durante esta época respaldan a multitud de artistas, sobre todo asociados a los sellos Motown Records y Brunswick Records, entre los que se encuentram Edwin Starr, Gene Chandler, Wilson Pickett, The Spinners, The Artistics, Biilly Butler, The Chi-Lites, Joe Tex, Jackie Wilson, y The Temptations entre otros muchos. El grupo suele tocar respaldado por una sección de tompetas compuesta Victor Stubblefield y Gus Hawkins.

A finales de los años 60 el trío comienza a alejarse del clásico sonido estándar de R&B, y comienzan a experimentar con sonidos procedentes del hard rock y el blues rock, influenciados por grupos como Cream, The Who, Led zeppelin, y sobre todos por Jimi Hendrix. Veasey se había enterado en 1966 de la existencia de Hendrix a través de un periódico local de Seattle, y presenta a Hawkins y Hite el álbum Are You Experienced. El grupo se inspira en el trabajo del guitarrista de Seattle para renovar su sonido y funcionar como un power trío. En 1967, y con el nombre de Soul Agents todavía, graban la que se cree es la primera versión registrada de la canción Foxy Lady, la cual se ha convertido a día de hoy en una codiciada y rara pieza de colección. Al trío se acaba uniendo el hermano menor de Anthony Hawkins, Charles Hawkins, como segunda guitarra, para dar más consistencia y consolidar el sonido del grupo. El grupo empieza a desarrollar un sonido basado en el soul y el funk, y lo endurecen con sonidos blues rock y hard rock, introduciendo además letras con fuerte carga de conciencia social. 

El cuarteto, que ya experimenta con su nuevo sonido e identidad, continúa trabajando con Edwin Starr bajo el nombre Soul Agents, con quien lleva trabajando asíduamente desde mediados de los 60. Pero en 1968 deciden que el cambio sea total, cambiando de nombre y siendo una banda de rock completamente autónoma e indepediente. Después de considerar varias alternativas, el grupo se decanta por Black Murder como nombre, el cual que hacía referencia a la violencia desenfrenada que experimentaban en el centro de la ciudad de Detroit muchos afroamericanos en aquella época. Veasey quería un nombre que impactara y reflejara y recordara el hecho de que muchos jóvenes negros estaban siendo aeesinados en aquel momento por la policía y el Ku Klux Klan en el sur y en Detroit. Más tarde el nombre se cambia a Black Merda. Merda hacía referencia en jerga afroamericana a la palabra Murder (asesinato). Además de su habituales claboraciones con Edwin Starr, el grupo colabora con Fugi en su canción de funk psicodélica Mary Don't Take Me on No Bad Trip, lanzada en 1968 bajo el sello discográfico Chess Records, y durante 1969 respaladan a The Temptations. La colaboración con Fugi no sólo se limitó a ese único tema, se había grabado un álbum completo de canciones, que serían lanzado finalmente en 2005 y titulado Mary Don't Take Me on No Bad Trip. Es Fugi quien además presenta al grupo a Marshall Chess, hijo del cofundador del sello Chess Recods, quien estaba interesado en trabajar con sonidos más experimentales dentro del rock. Gracias a esa recomendación Black Merda firma con Chess records. 

El grupo ya empieza a hacerse un hueco y posicionarse como líderes del movimiento del funk y soul psicodélico junto a artistas como Funkadelic, Betty Davis o The Bar-Kays, y en 1970, bajo el sello Chess records, el grupo graba en California y debuta con su primer álbum de estudio, titulado Black Merda, el álbum recomendado por 7dias7notas esta semana. El disco es una explosión de sonidos donde se entremezclan rock, blues, soul y funk endurecidos por el excelente sonido de guitarras de los hermanos Anthony y Charles Hawkins. Dentro de este excelente disco, por destacar, encontraremos buenos momentos a modo de jam session de blues en los temas Over and Over y Windsong, y momentos con un contundente sonido rockero mezclado con R&B y aderezado con tintes psicodélicos en Cynthy-Ruth y Prophet, las dos auténticas joyas de éste disco. Al excelente sonido del álbum hay que sumar unas letras donde reflejan la amarga realidad de la vida misma, la pobreza extrema, el racismo, la desigualdad política y social, la guerra de Vietnam, la situación de una nación fuera de control. Lástima que este discazo sufriera una pésima gestión y falta de promoción por parte de Chess Records, que se encontraba en un proceso de cambios internos. Esto hace que el álbum pase inadvertido y la banda decida volver a Detroit sin Tyrone Hite, donde graban su segundo álbum de estudio, Long Burn the Fire. Otra pésima mala promoción y escaso interés por el disco hace que que el grupo se separe y sus componentes vuelvan a trabajar como músicos de sesión. 

Black Merda es el álbum debut y homónimo de estos chicos de Detroit, que nos regalan una explosión de sonidos de rock, blues, soul y funk, endurecidos con una potentes guitarras y aderezados con un toque psicodélico. curiosamente habría que esperar al año 2005 para que la banda tuviera parte del reconocimiento que merece, gracias a la reunión de los componentes sin el fallecido Tyrone Hite, a la edición del recopilatorio The Folks from Mother's Mixer, que recopila sus dos únicos álbumes grabdos con anterioridad, y a la aparición del documental del canal HBO The Nines Live On Barry, emitido en 2009, y donde aparecía el tema de su primer disco Cynthy-Ruth.

0259: In my life - The Beatles

Recuerdo lugares del pasado, aunque ya no existan o hayan cambiado, porque las cosas que allí me ocurrieron dejaron una fuerte impronta en mi memoria, y de alguna manera me marcaron para el resto de mi vida. Lo mismo me ocurre con algunas canciones que para mí son relevantes porque han tenido su espacio y su lugar en un momento importante de mi vida. Así que al descubrir una canción de The Beatles que reflejaba exactamente eso ("Hay lugares que recordaré toda mi vida, aunque algunos han cambiado. Algunos para siempre, no para mejor. Algunos se han ido y otros permanecen, y todos esos lugares tienen sus momentos, con amores y amigos que todavía recuerdo") la convertí rápidamente en una de mis favoritas de la banda, pese a la aparente sencillez que transmite al compararla con muchas de las grandes creaciones de los de Liverpool.

 

Incluida en el disco Rubber Soul (1965), fue para Lennon un ejercicio de revisión y recuerdo de su infancia, a través de lugares que se habían quedado para siempre en su memoria. Y con la profunda sensibilidad de la letra, consiguió que la canción, a su vez, quedara para siempre en la memoria colectiva. Pese a que la versión original recreaba lugares concretos del recorrido de un autobús en Liverpool (incluyendo Penny Lane y Strawberry Field), Lennon la modificó para que los recuerdos específicos se convirtieran en reflexiones más generales sobre el pasado, que pudieran llegar a todos los que la escucharan.

 

Y lo consiguió. Pocas canciones tienen una letra tan universal o un efecto catalizador de las emociones y los recuerdos tan instantáneo, y es difícil encontrar una unidad de medida para estos intangibles. Podríamos quedarnos con que la revista Rolling Stone la situó en el puesto 23 de "Las 500 mejores canciones de la historia" o mencionar que la revista Mojo la coronó en el primer puesto de "Las mejores 100 canciones de todos los tiempos", pero en realidad todo se reduce a algo más simple y a la vez más poderoso, y es que, en el fondo, y como seres humanos, son muchas más las cosas que nos unen que las que nos diferencian, y esta canción toca una tecla que a todos nos remueve. 

 

McCartney colaboró de manera relevante en la construcción de la música, y entraron a grabarla al estudio el 18 de octubre de 1965. George Martin interpretó el solo de piano, con la velocidad alterada para cumplir la petición de un Lennon que quería "algo barroco" para esa parte de la canción. El embrujo de In my life ha perdurado hasta nuestros días, y por el camino, han sido muchos los que se han subido a aquel autobús, para hacer sus propias versiones: Dave Matthews Band, Crosby, Stills & Nash, José Feliciano, Rod Stewart, Ozzy Osbourne o Johnny Cash, entre muchos otros, la han interpretado, pero si tengo que elegir alguna, me quedaré siempre con la original. "Se que a menudo me pararé a pensar en ellos, pero en mi vida te quiero más a ti". Gracias Lennon.

0258.- Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - The Beatles

0258.- Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - The Beatles

Norwegian Wood (This Bird Has Flown) es una canción de los Beatles que apareció por primera vez en el álbum Rubber Soul de 1965.

La canción esta acreditada a Lennon y McCartney, pero en principio fue escrita por John Lennon, aunque los arreglos y partes de la canción son de Paul McCartney. Es una de las primeras canciones pop en incluir un instrumento indio, tenemos a John Lennon con su guitarra y acompañado por un George Harrison en el sitar, la canción es una balada con John Lennon en la voz y los coros armónicos de los Beatles en la parte del coro.

Norwegian Wood fue una de muchas canciones del disco Rubber Soul en presentar una relación antagónica con su pareja. Lo contrario de las anteriores canciones de los Beatles donde como en I Want to Hold Your Hand o She Loves You, se dice que las canciones de este disco presentan un lado más obscuro del romance.

La exótica instrumentación y curiosas letras del disco fueron las primeras señales que indicaban a los fans un nuevo enfoque experimental que The Beatles estaban rápidamente adoptando, sobre todo la influencia oriental. Esto se debe a que George Harrison comenzó a meter la cultura india en su vida, quien tomó la decisión de incluir un sitar en la canción mientras la grababan el 12 de octubre y el 21 de octubre de 1965. 

Norwegian Wood tiene una letra que narra un encuentro entre el cantante y una chica innombrada, la historia cuenta un encuentro entre ellos donde beben vino en la habitación de la chica y hablan en la noche, a las 2 de la mañana la chica dice que "es hora de ir a la cama" y el cantante "gatea para dormir en la tina". El nombre de Norwegian Wood hace mención al pino barato con que generalmente están construidas las casas de la clase media británica, así lo expresa la canción en el último verso donde dice que el cantante encendió un fuego, lo cual puede significar que quemó el piso como venganza por que la chica lo dejó solo.

Dichos por propio McCartney, el cantante de hecho quemó la casa de la muchacha. Como él dijo:

Peter Asher (hermano de su entonces novia Jane Asher) construyó su habitación de madera, y toda la gente estaba adornando su casa con madera. Madera Noruega. Esto era realmente pino, solo pino barato. Pero no era realmente un buen titulo, ya sabes "Pino Barato". Era un titulo paródico realmente, sobre esas chicas que cuando llegas a su departamento esta lleno de madera noruega. Esto era completamente imaginario desde mi punto de vista, pero no del de John. Se trataba de un drama que él tenía. Ella lo hizo dormir en el baño y a mi se me vino la idea de quemar la madera noruega. Ella lo llevó y dijo "más vale que duermas en el baño" y en nuestro mundo, eso significa que el chico tomaría algún tipo de revancha, así que eso significaba quemar el lugar.

Los dichos de McCartney tuvieron un cambio en una conferencia de prensa en Los Ángeles:

Reportero: Me gustaría preguntarle esto a los señores Lennon y McCartney. La revista Time se refiere a que Day Tripper es una prostituta...

Paul: Oh, si.

Reportero: ... y que Norwegian Wood es sobre una lesbiana.

Paul: Oh, si.

Reportero: Me gustaría saber que pensaban cuando escribieron eso, y cual es su postura sobre las criticas de la revista Time a las canciones que han escrito hoy en día.

Paul: Solo estábamos tratando de escribir canciones sobre prostitutas y lesbianas, eso es todo.

Daniel 

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Rory Gallagher - Calling Card (Mes Rory Gallagher)

 

Es curioso que cuando el mercado musical se vuelve más rockero con la llegada del punk y más variado en propuestas, es cuando Rory decide realizar un disco con influencias fuera de ese estilo, ha dejado de autoproducirse el disco como siempre había hecho, para colaborar en dicha producción con el bajista de Deep Purple, Roger Glover, quién sin duda realiza un espléndido trabajo en el estudio. Como músicos Gallagher cuenta con Gerry McAvoy al bajo, Lou Martin a los teclados y Rod de’Ath a la percusión, teniendo él todo el protagonismo a todos los niveles. Nunca su voz suena mejor, nunca su forma de componer es tan certera y como siempre, su guitarra dispara demoledores riffs, gran parte de culpa la tiene Roger Glover que le da a Rory una producción de estilo más 'rock' (era más conocido por producir Deep Purple y Black Sabbath) que funciona muy bien en pistas duras y funky como Moon child y Do you read me pero flojea cuando Rory quiere para centrarse en el blues, en otras canciones su banda suena como Thin Lizzy y se vuelve menos interesante. Manteniendo la bandera del blues rock ondeando a finales de los setenta con carisma y considerable habilidad, Calling Card es un sólido Rory Gallagher, una personalidad notablemente consistente y tan agradable como un largo dia de sol que te acaricia la cara y te hace un pelin de daño, y es que no solo se detiene en su rock blues, este álbum contiene brillantes momentos de jazz, verdadero bluesrock y mucho más material excelente.

 

Lo primero que te sorprende cuando empieza a sonar la primera canción de Calling Card, Do you Read me, es la pureza de sonido, y solo con los primeros acordes tienes claro que te va a tocar disfrutar, porque todo suena puro, desde la banda, a la voz de Gallagher y sobre todo cuando han pasado dos minutos esa guitarra que solo él sabía cómo domarla y llevarla por donde más le gustaba, ¿y que encontramos? una grandiosa entrada rockanrollera, Rory nos regala un perfecto blues rock con un sonido tan setenta que te mete directamente en la época. Country Mile, sigue la línea de la anterior, en esta ocasión el Blues Rock se acelera e incluye un solo de guitarra que solo por eso la canción ya merece la pena, pero no solo tenemos esto, ojo detente en Lou Martin y en sus grandes momentos con el piano, y sobre todo el final de la canción, una sobrada arrogante. Moonchild es tocar por momentos la cima, el cielo se roza con las yemas de los dedos, parece una canción sencilla, pero no lo es, probablemente estamos ante la canción más icónica de Rory y el material del que están hechos los héroes de la guitarra, para ello basta una melodía rockera con un ritmo asombroso y un solo de guitarra increíble al final, todo llevado con un ritmo rápido que se adapta a un viaje nocturno por carretera y que anticipa el tipo de solos que se convertirían en algo común en el rock de los ochenta, una brutalidad de tema que en su riff parece enseñar por donde deben ir los tiros en esto del hard-rock. Calling Card es un tema inclasificable, un tema demoledor de blues-rock con esencia jazzística, una canción que a nivel de composición resulta insuperable, bonita, deliciosa, mítica, seductora, otoñal… el bajo y los teclados vistiendo de gala el tema, y un Rory vocalmente perfecto, da la excusa perfecta para que el oyente se sitúe en un pub irlandés bebiendo cerveza aderezado por el piano de Lou Martin que contribuye en gran medida a la atmósfera de la canción, que es una de las más destacadas del álbum. Llega el momento de la pausa, Rory nos entrega I´ll admit your’re gone el titulo ya es demoledor, triste y sus primeras notas no van a la zaga, nos regala un tema folk con esencia “sixtie”, una canción dominada por la hermosa voz de Gallagher y su guitarra acústica slide que le da un toque de blues, la sensibilidad y la delicadeza se desborda a raudales.

 Con Secret Agent retoma Gallagher el camino del hard-rock, estamos ante un temazo para cargar pilas y desnucarse moviendo la cabeza al ritmo que marca la música, en ella podemos encontrar grandes riffs y la sección rítmica es muy potente, sin duda la influencia de Glover se siente aquí más que nunca, ya que la guitarra aullante, el órgano poderoso y los platillos pesados recuerdan al Deep Purple clásico. Jackknife Beat es un ritmo relajado marcado por la colorida interpretación de Gallagher y el bajo de McAvoy, vuelven los toques de jazz para una pieza tranquila y evocadora, sus más de siete minutos es suficiente para pasar por distintos estados. Edged in Blue es una de las canciones más subestimadas de Gallagher, una balada conmovedora bellamente ejecutada que saca a la luz uno de los elementos más importantes de la música de Gallagher: la emoción. No exagero cuando digo que algunas de las mejores piezas de guitarra de Gallagher se incluyen en esta pista, un tema que con las escuchas va enamorando y a día de hoy es uno de mis favoritos. Para terminar, tradición, Barley & Grape Rag es una canción tradicional irlandesa que versiona Rory a su propio rollo, metiéndole una guitarra muy Bluegrass y una harmónica que responde a cada verso que canta. Funciona muy bien como despedida por su sencillez y porque notamos con cada frase Rory está disfrutando.

 

En resumen, Calling Card es definitivamente uno de los mejores álbumes de Gallagher y posiblemente uno de sus mayorer logro. Seguiremos desgranando discos de Rory Gallagher que con su ropa de trabajador en el escenario se convertia en un anonimo héroe de la guitarra, un vecino con los pies en la tierra y si eliminamos toda la pirotecnia y la bravuconería de su forma de tocar la guitarra, una cosa destaca por encima de todo en la música de este hombre: emoción igualada solo por unos pocos en el negocio de la música.

0257: As tears go by - The Rolling Stones

 

«As Tears Go By» es una canción escrita por Mick Jagger, Keith Richards y Andrew Loog Oldham y se considera como la primera composición original de Jagger y Richards, se dice que el manager Andrew Loog Oldham los obligó a escribir alguna canción juntos llegando al punto de encerrarlos en una cocina hasta que lograran escribirla. La canción en un principio no fue del agrado de los componentes, ellos habían basado su música en el blues y una balada podría romper la dinámica y la imagen que hasta ese momento el grupo se había labrado. Este fue el motivo por el que su manager decidió darle la canción a Marianne Faithfull, una joven artista que también estaba a su cargo. Marianne Faithfull debutó en 1964 con esta canción y el tema fue un éxito en Inglaterra llegando a los puestos altos de las listas y posicionando a la cantante de cara a su debut discográfico un año después con ‘Come my way’ (Decca). Cuando Jagger escuchó la versión que había grabado Marianne, su opinión cambió. Ya no era tan blanda, tan femenina. Los Rolling Stones grabaron el tema un año después, y sería una de las tres composiciones que la banda tocó en su debut estadounidense en el Ed Sullivan Show y posteriormente fue lanzada el 4 de diciembre de 1965, las discográficas que estaban detrás de ella fueron Decca Records en el Reino Unido y London Records en los Estados Unidos. La influencia que tuvo Marianne Faithfull en la banda quedaría patente en algunas de las mejores composiciones del dúo. ‘Sympathy for the Devil’, uno de los emblemas de los Stones, se basa en el libro de Mikhail Bulgakov que Marianne había dejado a Mick Jagger, pero aquella no sería su única aportación. El estribillo de ‘Wild horses’ viene, según explica Richards en su biografía, de las primeras palabras de Faithfull tras salir de un coma por sobredosis.

 

Otro dato curioso para los cinéfilos es que, en 1966, el aclamado director francés
Jean-Luc Godard realizó la película Origen USA, película protagonizada por Anna Karina, László Szabó, Yves Afonso y Jean-Pierre Léaud. La historia gira en torno a Paula Nelson, una mujer que debe viajar de París a Atlantic City (Francia) para investigar la muerte de su amante, investigación que se presentará peligrosa debido a la atención que ésta consigue despertar entre los mafiosos de la ciudad. Si bien la protagonista del film es Anna Karina, la película cuenta con un momento muy especial protagonizado por Marianne Faithfull que seguramente será recordado por los fanáticos de The Rolling Stones que hayan visto el film. En una escena de la pelicula, Marianne Faithfull aparece en un café cantando la canción "As Tears Go By" a capella.

 

En definitiva, que es un tema que no os podéis perder, primero por ser una de las primeras baladas de los Stones, y también una de las mejores con una melodía muy hermosa y suave, lo cual es sorprendente considerando a lo que nos tenían acostumbrados sus satánicas majestades, y por otro lado disfrutar de la gran voz que Jagger nos ofrece para acompañar los arreglos de cuerdas.

Un país, un artista: Tanzania - Remmy Ongala

 

Remmy Ongala

     El siguiente país elegido por todos nuestros amigos y seguidores en esta sección ha sido Tanzania. y si hablamos de este país africano, uno de los nombres que nos viene a la cabeza es indudablemente Remmy Ongala.

Ramazani Mtoro Onngala, más conocido como Remmy Ongala, compositor, cantante, guitarrista y director de orquesta tanzano, nace en febrero de 1947 en Kindu, ciudad perteneciente al antiguo Congo Belga, ahora República Democrática del Congo, muy cerca de la frontera con Tanzania. Después de la muerte de sus padres, Remmy comienza a trabajar como músico, tocando la batería y la guitarra al estilo congoleño llamado Soukous, también conocido como rumba congoleña. El Soukous realmente es un derivado de la rumba congoleña que empezó a tocarse durante la década de los 60, alcanzado su mayor punto de popularidad  en la década de los 80 en Francia. El Soukous, aunque, como comentamos anteriormente, suele llamarse también rumba congoleña, en realidad difiere de ésta, ya que utiliza un tempo más alto y unas secuencias de baile más largas.

Remmy, mientras toca ya en bandas de Zaire y Uganda, ya se dedica a escribir canciones comprometidas, canciones con mensaje. En 1978 se muda a Dar Es Salaam, la ciudad más grande de Tanzania y epicentro del negocio del país. Es en la gran ciudad donde se incorpora a la Orquesta Makassy, reputadísima banda de Soukous compuesta por músicos de Uganda y Zaire (ahora República Democrática del Congo). Remmy compone con esta orquesta su primer sencillo de éxito, Sika Ya Kufa ("The Day I Die"). 

Pasado un tiempo, Orquesta Makassy se traslada a Kenia, y Remmy decide quedarse y funda su propia banda, Orchestre Super Matimila, grupo que lleva el nombre del empresario que había comprado los instrumentos a la banda. Con su propia banda ayuda a transmitir el estilo Soukous a la cultura musical de Tanzania, mezclándolo además con elementos musicales de Kenia y Tanzania. Todo esto contribuyó a su vez al desarrollo del hip-hop en Tanzania durante la década de los años 90. La popularidad de Remmy ve creciendo, pero también la aversión del país tanzano hacia él, debido a sus letras francas, directas y comprometidas que hace. De hecho el gobierno de Tanzania considera expulsarlo del país, pero al final, Remmy acabará recibiendo la nacionalidad Tanzana. 

Un amigo británico se lleva unas grabaciones en cassette de Remmy a Inglaterra y las muestra. Los organizadores del Festival Womad (World Of Music, Arts & Dance), festival que incluye música popular, música étnica, artesanía y otras actividades lúdicas, escuchan las grabaciones y quedan encantados, invitando a Remmy con su Orchestre Super Matimila a tocar en el Festival Womad de 1988 celebrado en Reading, Inglaterra. En Inglaterra Remmy graba los álbumes, bajo el sello Real World (sello fundado por Peter Gabriel), Songs for the Poor Man (1989) y Mambo (1992). Ambos discos contenían canciones en inglés y swahili. Durante la década de los 90 Remmy junto con su banda realiza giras por África, Europa y Estado Unidos.

Remmy Ongala ya es una superestrella en África Oriental, y como hemos comentado anteriormente, gracias al apoyo del sello Real World alcanza bastante popularidad durante la década de los años 80 y 90, realizando giras europeas y americanas. En 2001 el artista sufre un serio traspiés para su salud, pues un derrame cerebral paraliza parte de su cuerpo, pero el artista sigue actuando ayudándose de una silla de ruedas. Durante sus últimos años de vida, Remmy decidió dedicarse a la música gospel, siguiendo los deseos de su madre por consejo de un curandero tradicional. 

Remmy Ongala, quien se llamaba a sí mismo "Sura Mbaya" (cara fea), y cuyos seguidores y fans llamaban "Doctor", fallecía el 13 de diciembre de 2010, a los 63 años de edad. Nos dejaba un artista comprometido, y que a través de sus mensajes sociopolíticos luchaba y trabajaba firmemente en la abolición del racismo y la injusticia social. Remmy también mostró su compromiso a través de su música abordando otros muuchos problemas, como la pobreza, el SIDA o la vida en famila.

0256: Get off of my cloud - The Rolling Stones

Get off of My Cloud (Sal de mi nube) fue escrita para complementar y continuar el éxito de (I can't get no) Satisfaction, y consiguió su objetivo al llegar a los primeros puestos del Reino Unido y erigirse en el segundo nº 1 consecutivo de los Rolling Stones en las listas estadounidenses.

Se grabó en los RCA Studios de Los Ángeles, y fue lanzado en Estados Unidos como sencillo en septiembre de 1965, con I'm free en la cara B. En Reino Unido aún hubo que esperar hasta octubre para disfrutarla, y allí la cara B elegida para acompañar a Get off of My Cloud fue The Singer not the song.​ Adicionalmente, fue incluida en el disco December's Children (and Everybody's) de finales de 1965.

Dónde (I can't get no) Satisfaction reflejaba la profunda insatisfacción de Jagger & Richards, en Get off of my cloud reaccionan airadamente contra el excesivo entorno mediático que les rodeaba desde el aumento de popularidad y repercusión que el éxito del sencillo anterior había provocado.

Con esa premisa, el tono del tema es duro, con una rotunda intro de batería de Charlie Watts y un cruce de guitarras a cargo de Brian Jones y Keith Richards, y la letra es un agresivo ejercicio de rebeldía y una airada manifestación de Jagger de su deseo de alejar a incómodos personajes que llaman a su puerta con peticiones absurdas: ​"Entonces viene un tipo que parece vestido con la Union Jack, me dice que ganaré cinco libras si tengo el tipo de detergente que promociona (...)¡Hey, tú!, bájate de mi nube, no te quedes por aquí porque dos son multitud"

0255 The Yardbirds - I'm a man

0255 The Yardbirds - I'm a man

La banda de rock inglesa The Yardbirds grabó una versión en vivo de "I'm a Man", "I'm a Man" es una canción de Rhythm and blues escrita y grabada por Bo Diddley en 1955.

La versión de The Yardbirds fue para su primer álbum británico Five Live Yardbirds con Eric Clapton en 1964. Luego se incluyó en su segundo álbum estadounidense Taking a Rave Up with The Yardbirds.  

En 1965, durante la primera gira americana de The Yardbirds con Jeff Beck en la guitarra, grabaron una versión de estudio de "I'm a Man", que también se incluyó en Have a Rave Up. Sus versiones cuentan con su arreglo característico de "rave-up", cuando el ritmo cambia a tiempo doble y la instrumentación aumenta en forma progresiva. Beck agregó una técnica de "scratch-picking" para producir un efecto de percusión durante la sección instrumental de la canción. El crítico Cub Koda señala "proporciona el clímax en la versión de estudio de 'I'm a Man', quizás The Yardbirds más famoso delirio de todos ". 

La grabación tuvo lugar en los Chess Studios de Chicago, con una grabación adicional en los Columbia Studios de Nueva York.  Fue lanzado como single y luego incluido en su álbum de Epic Records de 1965, Taking a Rave Up.  

La versión de The Yardbirds (con "Still I'm Sad" como cara B, lanzada por Epic Records en los EE. UU.) Alcanzó el puesto 17 en el Billboard Hot 100 en 1965.  La canción fue lanzada posteriormente en el Reino Unido en 1976. Diddley elogió su versión como "hermosa" y ha sido llamada "un momento decisivo para la banda". 

Además de la versión en vivo de 1964 con Clapton, existen otras versiones en vivo, incluyendo las de Jeff Beck en 1965 Yardbirds, On Air, lanzado en 1991 y Jimmy Page 1968 Live Yardbirds: Featuring Jimmy Page, lanzado en 1971 y Yardbirds '68, lanzado  2017.

Daniel 

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Rory Gallagher - Blueprint (Mes Rory Gallagher)

Rory Gallagher - Blueprint #mesRoryGallagher

Rory Gallagher llevaba ya unos años  demostrando su música con dos álbumes de estudio de primerísima calidad como el homónimo debut y el Deuce, más con un disco en vivo Live In Europe!. 

Así que fruto de sus éxitos, este tomó la decisión de que su banda dejara de ser un Trío e incorporó al teclista Lou Martin a su formación, sumo a Rod De’Ath como batería. Estos músicos sumados a un grande como el bajista Gerry McAvoy conformaron la formación más estable y que estuvo presente en muchos de los mejores discos de Rory Gallagher. Con esta nueva fórmula, el músico irlandés vio la posibilidad de hacer un disco más variado que los dos anteriores, cosa que terminó logrando y que llevaría el título de Blueprint. 

Rory Gallagher era un tipo muy maniático y perfeccionista, aunque no tenía fama de dictador. Mencionó esto porque la portada del disco, aunque parece simple, tiene un trasfondo más complejo. Detrás de la foto del guitarrista, es verdad que hay otra versión en la que aparece el propio guitarrista fusionado con el fondo, pero en esta en particular lo que se ve es el esquema real un circuito real del circuito del amplificador Stramp Power-Baby que el guitarrista mandó a diseñar para que le entrace en el maletero de su coche, que era un Volkswagen Beetle, toda una curiosidad en torno a la portada del disco. 

El disco Blueprint abre de manera estelar con Walk On Hot Coals, un Blues-Rock de la vieja escuela alargado hasta los 7 minutos donde pueden comenzar a verse las primeras grandes aportaciones de Lou Martin tras los teclados, el segundo tema también es grandioso. Daughter Of The Everglades es una balada fabulosa dentro del catálogo del irlandés. Solo puedo encontrar elogios para esta canción. 

Seguimos con un poco Blues, se viene Banker's blues de Big Hill Broonzy, en el que hay arpegios gloriosos, slide, una interpretación elegante tras el micrófono de Rory Gallagher y un teclado siempre presente. Realmente la incorporación de Lou Martin fue un éxito para la banda. Otro ejemplo es Hand Off, tema en el que la guitarra y el piano se intercalan con momentos solistas. 

Race The Breeze, otro tema extenso que mezcla el Country con el Blues-Rock, y la posterior Unmilitary Two-Steps aportan algo más de color y variedad al disco. En medio de estas dos canciones está todo un clásico de Rory Gallagher como es Seventh Son Of A Seventh Son que llega hasta los 8 minutos y medio  y que vuelve a mostrar la riqueza sonora que originaban conjuntamente la guitarra del irlandés con unos siempre presentes teclados.

La segunda balada del álbum es If I Had A Reason en la que el artista nos traslada al Lejano Oeste con un Country precioso logrado a partir de la inclusión del Lap-Steel y el Honky Tonk de Martin. 

El disco, en su versión original ya habría acabado, pero la reedición de 1999 rescató dos extras nada desechables como la eléctrica Stompin' Ground y  Treat Her Right

Blueprint vino a confirmar que los éxitos, que había tenido la banda hasta ese momento, y las decisiones tomadas por Rory Gallagher no habían sido fruto del azar. Este es un disco ambicioso, con canciones de extensión atípica y con el acierto ya dicho a favor de tener ya a Lou Martin en sus filas. 

Daniel
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La música en historias: El saxo del irlandés

Rory Gallagher en el Beat Club 

(Show en Alemania, 1970)

     En esta ocasión voy a volver a hablar de la figura de Rory gallagher, un artista por el que en 7dias7notas tenemos devoción, y del que ya hemos hablado en varias reseñas. Un artista para mí especial, para él siempre prevaleció la música por encima de todo, la música para la gente, jamás sacó un single, no buscó nunca las listas de éxitos ni de ventas, la calidad de su música siempre estaba por encima de todo lo demás. Este hecho ha hecho quizás que su nombre no suene tanto cómo el de otros grandes guitarristas de la historia de la música, pero puedo asegurar que Rory forma parte de ese selecto grupo por derecho propio.

     De sobra es conocida la calidad y la maestría de Rory gallagher a la guitarra, y más aún si tenemos en cuenta el hecho de que Rory aprendió a tocarla de forma completamente autodidacta. Pero además de la guitarra, durante su carrera también fue habitual verle hacer las delicias del público con el banjo, el dobro, la mandolina, el sitar ó la armónica.

     Pero además hay un instrumento que también tocó, sobre todo durante los inicios de su carrera y que posteriormente poco a poco fue dejando arrinconado en algún cajón, el saxo. ¿Rory tocando el saxo? sí, también aprendió de forma autodidacta y como no podía ser de otra forma lo tocaba con maestría. Una pena que cada vez fuera prodigándose menos. 

     Cuando Rory formó Taste era bastante frecuente verle en los directos del grupo agarrar el saxo y hacer disfrutar al personal de su magia con él. La lástima es que apenas existen grabaciones de él tocando dicho instrumento, pero si rebuscáis un poco por la red todavía podéis encontrar una grabación de Rory de las sesiones en el Beat Club en Alemania deleitándonos con el tema It's Happened Before, It'll Happen Again, un tema con aire de jazz brutal.

     Si rebuscamos un poco en su extensa discografía en solitario podemos encontrar algún que otro tema dónde aparece Rory utiliza el saxo. En su disco homónimo, el primero después de abandonar Taste, Rory Gallagher utiliza el saxo para la grabación del álbum, ahí podemos encontrar la maravillosa y delicada pieza Can't Believe It's True.

     Rory utilizaría el saxo en la grabación de dos discos más, Blueprint (1973) y Tattoo (1973), dos discos además absolutamente recomendables. Es una pena que Rory no quisiera sacar más partido al saxo, daba igual el instrumento que cayera en sus manos, banjo, armónica, saxo o guitarra, pues con todos ellos hacía maravillas. No en vano cada vez coincido más con el Maestro Rosendo sobre la figura de Rory, pues artistas cómo él hay pocos.

0254 Heart Full of Soul - The Yardbirds

 

Herat Full le Soul

     En noviembre de 1965 el grupo The Yardbirds publica, bajo el sello discográfico Epic, el álbum Having a Rave Up. Este es el último disco donde aparece Eric Clapton como guitarrista principal, quien fue reemplazado en el mismo por un jovencísimo Jeff Beck. Clapton había dejado el grupo debido al cambio en la dirección musical el mismo y con el que no estaba de acuerdo. Con la llegada de jeff Beck a la formación, el grupo, inspirado por el  joven guitarrista, empezó a experimentar con otros estilos musicales. Beck también aportó y usó efectos de guitarras mejorados electrónicamente.

Incluido en Having a Rave Up se encuentra el tema Heart Full of Soul. Este tema fue el primer sencillo que lanzó el grupo con Jeff Beck como guitarrista principal, quien había sustituido a Eric Clapton. El grupo realizó una primera grabación de esta canción utilizando un músico tocando el sitar, quien interpretaba diversas figuras instrumentales. Sin embargo, el grupo no había quedado satisfecho con el resultado, por lo que Jeff beck desarrolló las partes de guitarra eléctrica, utilizó un fuzz box, y emuló el sonido del sitar. Beck dió al tema un toque oriental, algo que fue descrito por la crítica musical como una de las primeras introducciones de estilos de guitarra de influencia india a la música rock. 

Heart Full of Soul fue compuesto por el cantante, músico, y cantautor inglés, fundador y miembro del grupo 10cc Graham Gouldman. Gouldman, además de componer otros dos éxitos más aparte de éste para The Yardbirds, Evil Hearted You y For Your Love, compuso canciones para grupos como The Hollies, Cher, The Shadows y Herman's Hermits entre otros.

0253 I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch) - Four Tops

 

I Can't Help Museo, Tour Tops

     En noviembre de 1965, el exitoso grupo de R&B Four Tops, publica su segundo álbum de estudio, Four Tops Second Album. El disco fue en el studio A de Hitsville, Estados Unidos y supuso un gran éxito en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 3 en la Billboard Black Albums, y el puesto número 20 en la Billboard 200.

El disco contiene tres de los sencillos más exitosos del grupo, y nos vamos a centrar en uno de ellos, concretamente I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch). Este tema alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas Black Singles y Pop Singles de Estados Unidos, siendo además el primer tema del grupo en alcanzar el puesto número 1 en dichas listas.

El tema fue compuesto por el famoso equipo de compositores del sello Motown, el trío Lamont Dozier, Brian Holland y Eddie Holland, quienes además produjeron este tema y todo el resto del exitoso álbum. La canción está interpretada por el cantante de Four Tops Levi Stubbs, quien está acompañado a los coros por los demás integrantes del grupo, Abdul "Duke" Fair, Renaldo "Obie" Benson y Lawrence Payton, y también por el grupo femenino de sesión del sello Motown The Andantes. 

Lamont Dozier relataba que el tema surgió a raíz de una experiencia que tuvo siendo niño cuando tenía unos 11 o 12 años. Por aquél entonces estaba con su abuela, y ésta tenía su propio salón de peluquería y belleza en casa. Mientras las mujeres estaban en el salón arreglándose el pelo, su abuelo solía aparecer por el jardín y se dedicaba a coquetear con las clientas, diciéndoles cosas como "How you doin', sugar pie? Good morning , honey bunch" / "¿Cómo estás pastel de azúcar? Buenos días, cariño". La casa tenía un gran ventanal en la parte delantera de la casa desde donde solía observar su abuela mientras decía "Mira ese viejo imbécil, él cree que no le veo. sé lo que está haciendo". Años después, Lamont Dozier estando sentado al piano le vinieron a la mente esos recuerdos de infancia, por lo que tuvo claro que tenía que escribir sobre ello.

Disco de la semana 241: Assembly - Joe Strummer

 

Assembly, Joe Strummer

     Para la recomendación de esta semana vamos a rescatar la figura de Joe Strummer, quien marcó una época con la banda The Clash y  posteriormente con The Mescaleros y en solitario.

John Mellor, más conocido posteriormente como Joe Strummer, nace en 1952 en Ankara, Turquía. Su madre, escocesa, era enfermera, y su padre era diplomático del servicio consular de la India. Debido a esto, la familia solía viajar con asiduidad, Y Joe pasó su infancia en ciudades como El Cairo, Ciudad de México o Bonn. A los nueve años ingresa en la escuela City of London Freemen's School de Surrey, Reino Unido. Es en esa época cuando empieza interesarse por la música, escuchando a The Beatles, The Beach Boys y Woody Guthrie. A pesar de ser zurdo aprende  tocar la guitarra como un diestro. El suicidio de su hermano David, a pesar de no tener una relación muy estrecha le marcará en cuanto a la forma de ver la vida. Al acabar la escuela se muda a Londres para estudiar en la Escuela de Arte, Arquitectura y Diseño de la ciudad. Es en Londres donde comparte vivienda con Tymon Dogg, quien posteriormente colabora en los proyectos musicales de Strummer. 

En 1973 se muda a Newport, Gales, para estudiar en el Newport College of Art, pero pronto abandona dichos estudios y forma junto a unos amigos la banda The Vultures, donde canta y ejerce de segundo guitarrista, a la vez que trabaja como sepulturero para ganarse la vida. Al año siguiente Joe vuelve a Londres y se reencuentra con Tymon Dogg, y los dos empiezan  actuar como músicos callejeros hasta que, junto a otros compañeros con los que comparten apartamento, forman la banda The 101'ers, nombrada así por la dirección donde vivían. En 1975 Joe, quien hasta entonces actuaba bajo el pseudónimo Woody Mellors, se cambia éste por el de Joe Strummer. 

En 1976 es tentado para unirse a una nueva banda, acepta a dicho ofrecimiento y junto a Mick Jones (guitarra), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería) forman el grupo The Clash. El grupo debuta en julio de 1976 teloneando a los Sex Pistols en The Black Shaw (Ahora The Boardwalk) en Sheffield. En enero de 1977 la banda consigue un contrato con CBS Records a pesar de sufrir las salidas de Levene y Chimes. A la banda se unirá Topper Headon, convirtiendose esa en la clásica formación del grupo (Jones, Simonon, Strummer y Headon). Con The Clash, una de las bandas más polivalentes de la primera oleada punk, y una de las más politizadas, Strummer marcará una época. Las temáticas de la decandencia social, la ignorancia, el desempleo, la brutalidad policial, la represión política y cultural, el militarismo, así como la implicación de Strummer en diversas campañas en la liga Anti-Nazi, y conta el racimo, les hizo tener a él y al grupo bastantes conflictos con la ley. Los problemas de Headon con la heroína, la expulsión de Mick Jones, y a pesar de incorporar nuevos miembros, hará que tras la decepcionante acogida de su álbum Cut the Crup (1985), la banda finalice su andadura en 1986. Se acababa la andadura de una de las bandas más influyentes del género.

Un año después de la disolución de The Clash, Joe se sumerge en diferentes proyectos, compone varias canciones para la película Sid and Nancy, trabaja en el nuevo proyecto de Mick Jones, Big Audio Dynamite, y actúa en las películas Walker y Straight to Hell, dirigidas por Alex Cox. En 1989 coolabora en la película Mistery Train, y en 1990 participa como actor secundario en la película I Hired a Contract, de Aki Kaurismäki. Durante esa época se centra en la industria cinematográfica, componiendo y produciendo gran cantidad de canciones para bandas sonoras. durante esos años también graba con la banda The Latino Rockabilly War el disco Earthqure Weather (1989), pero resulta ser un fracaso. En 1991 sustituye brevemente a Shane MacGowan como vocalista de The Pogues. También mantiene en esa época una disputa con Sony BMG Music Entertainment, la discográfica de The Clash, hasta que éste le permitió publicar sus trabajos con otras discográficas a condición de que si The Clash se vuelve a juntar, el grupo lo haga bajo Sony BMG.

A finales de los 90 Strummer reúne a un grupo de músicos destcados para formar una nueva banda, The Mescaleros. El grupo firma por Mercury Records y debuta en 1999 con su primer álbum, Rock Art and the X-Ray Style, y realizan una gira por Reino Unido y Estados Unidos. En 2001 la banda firma con la discográfica punk California Hellcat Records y lanza su segundo álbum de estudio, Global A Go-Go, volviendo a realizar una gira por Reino Unido Y Estados Unidos, incluyendo además en su repertorio temas de The Clash. El último show de Strummer fue en la Academia de Liverpool el 22 de noviembre de 2002, poco antes de su muerte. Había compuesto junto a Bono (U2) la canción 46664, en favor de la campaña contra el sida en África, iniciada por Nelson Mandela. Strummer se había comprometido a tocar en un concierto en Robben Island en febrero de 2003 para apoyar dicha campaña, pero un fallo cardiaco congénito no diagnosticado el 22 de diciembre de 2002 hizo que ese concierto nunca llegara a producirse. Joe Strummer nos dejaba a los cincuenta años de edad. En el momento de su muerte, Strummer trabajaba en un nuevo disco con The Mescaleros, el cuál se editó de manera póstuma en octube de 2003, bajo el título Streetcore.  

A comienzos de este año salía a la luz, bajo el sello discográfico Dark Horse Records, Assembly, una recopilación de temas realizados durante la carrera de Joe Strummer junto a The Clash, The Mescaleros y en solitario. Una recopilación donde encontramos temas como Coma Girl, Johnny Appleseed y Yallayalla. También hay contribuciones a bandas sonoras, como Love kids, tres versiones inéditas de temas clásicos de The Clash, Junco Partner (versión acústica), y I Fought The Law y Rudie Can't Fall (interpretadas por Joe Strumer & The Mescaleros). Encontraremos incluso una gran versión del legendario Redemption Song de Bob Marley. Esta recopilación está acompañada y enriquecida por algunos textos escritos para la ocasión por Jakob Dylan, hijo de Bob Dylan y reconocido seguidor de la obra Joe Strummer.

En 7dias7notas creemos que es un buen momento para recordar la figura de Joe Strummer y su obra, y que mejor manera de hacerlo, con Assembly, el reciente recopilatorio que hace un repaso por su vida y obra a través de una excelente selección de temas escogidos para la ocasión.

0252: The Paul Butterfield Blues Band - Born in chicago

0252: The Paul Butterfield Blues Band - Born in chicago

Paul Butterfield fue un músico de blues nacido a finales de 1942 en la ciudad de Chicago. Está considerado como uno de los armonicistas más importantes del blues, y uno de los primeros artistas en difundir este género entre la población blanca aficionada al rock. 

Durante su juventud estudió música y practicó atletismo, el cuál tuvo que abandonar debido a una lesión de rodilla. Así que refugiado en la música, a finales de los cincuenta, conoció al cantautor Nick Gravenites, y juntos comenzaron a tocar en los locales de la capital de Illinois donde se tocaba blues en directo. En aquellas incursiones conocieron a otras leyendas del blues como Howlin’ Wolf, Otis Rush, Little Walter o Muddy Waters, quienes a menudo los animaban a participar en aquellas improvisadas sesiones. 

Así fue como empezaron a tocar en algunos locales de la ciudad, como el dúo Nick & Paul. A comienzos de la década de 1960, Paul Butterfield conoció al guitarrista Elvin Bishop, y eso fue lo que completo la idea de formar Paul Butterfield Blues Band, grupo al que acabaron uniéndose el bajista Jerome Arnold, el batería Sam Lay, y por  último el guitarrista Mike Bloomfield.

Éstos fueron los músicos que se comprometieron con la discográfica Elektra para grabar su primer álbum, titulado “The Paul Butterfield Blues Band” (1965). En él se incluyeron versiones de músicos de blues como Elmore James, Willie Dixon, Muddy Waters o Junior Parker, además de temas escritos por los miembros de la banda. 

El disco comienza con el tema “Born in Chicago”, compuesto por el ya mencionado Nick Gravenites, Paul Butterfield y Mike Bloomfield, tocaban esta canción en algunos clubs de Chicago a principios de los sesenta. Fue precisamente Bloomfield quien propuso grabar esta melodía; aunque al principio Butterfield se negó, finalmente acabaron por grabarla, primero en una versión para un álbum de muestras de Elektra Records, después, la definitiva que formó parte del disco, con el apoyo del teclista Mark Naftalin. 

La letra hace referencia a la vida violenta en las calles de Chicago, donde los chicos desde jóvenes se acostumbran y sufren con el uso de armas de fuego. Aunque hay bastantes versiones de “Born in Chicago”, sólo voy a mencionar dos que son para mí las más conocidas, y tienen un registros diferentes;, por un lado, la grabada por la banda de rock alternativo Pixies, incluida en el disco recopilatorio “Rubáiyát: Elektra’s 40th Anniversary” (1990) y, por otro, un interesante directo de Tom Petty junto a sus Heartbreakers.

Daniel

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0251: Turn, Turn, Turn - The Byrds

 

"Hay una estación para todo", cantaba la banda de folk The Byrds en Turn, Turn, Turn, tema inspiracional y anti-belicista escrito a finales de los 50 por Pete Seeger, y que da título a su álbum de 1965. Una canción que, en el estribillo, tiene una estructura de bucólicos coros repitiendo el Turn, Turn, Turn (Cambia, cambia, cambia) como complemento o respuesta a cada una de las aseveraciones de la voz cantante: Para cada cosa (Cambia, cambia, cambia) hay una estación (Cambia, cambia, cambia) y un momento para cada propósito...

Las breves estrofas son un compendio de todas esas cosas que se pueden hacer en la vida, para las que siempre habrá un momento "para nacer y para morir, para reír y para llorar, para construir y derribar, para amar y odiar, para la guerra y para la paz" Lo queramos o no, la vida nos pondrá en todas esas tesituras contrapuestas, pero el mensaje subyacente de la canción es que, para muchas de ellas, tenemos la capacidad de poder cambiar para mejor, y en particular para evitar las confrontaciones y luchar por la paz en el mundo, esperanza reflejada en el último verso de la canción: "Un tiempo para la paz, juro que no es demasiado tarde". Esta última frase, junto con el "Turn, Turn, Turn" de los coros, fueron las únicas frases originales de la letra de Pete Seeger, ya que el resto eran prácticamente un calco de un pasaje bíblico del capítulo 3 del Libro del Eclesiastés, atribuido al famoso Rey Salomón, que declara la existencia de un tiempo y un lugar para todas las cosas: la risa y el dolor, la curación y la muerte, la guerra y la paz... 

​The Byrds decidieron hacer una versión de la canción durante un viaje en el autobús de la banda en una gira por Estados Unidos, cuando el cantante Roger McGuinn la interpretó en un tono más rockero que el de la versión folk original. La grabaron en septiembre de 1965 y la publicaron como single un mes después, siendo un gran éxito de ventas hasta el punto del llegar al número 1 del Billboard estadounidense. "Para todo hay un momento", y esa era la canción perfecta y el mensaje adecuado en el apogeo del folk-rock y la era hippie que se estaban viviendo en todo el mundo.

Rory Gallagher - Deuce (Mes Rory Gallagher)

Dentro del #MesRoryGallagher que acabamos de iniciar, llega el turno de Deuce (1971), su segundo álbum de estudio, publicado en Polydor Records tan solo seis meses después de Rory Gallagher, su disco de debut. Pese a que las primeras críticas no fueron del todo positivas por la calidad de la producción, es uno de los discos que, con el tiempo, se ha ganado su sitio privilegiado entre los mejores discos del genial guitarrista irlandés, que ante las críticas alegó haber buscado un sonido más crudo que en la primera de sus entregas.

En Deuce encontramos influencias de Jimi Hendrix y Led Zeppelin, pero también de los grandes del blues y el folk de raíces americanas, en una nueva demostración de talento y versatilidad musical al alcance de muy pocos. El disco arranca con Used to be, uno de los platos fuertes del disco, con guitarras a la altura del mejor Page o el mencionado Hendrix. Tras la descarga de decibelios inicial, el disco pone rumbo hacia orillas más tranquilas con el folk acústico de I'm not awake yet y las influencias de Dylan en Don't know where i'm going y la alternancia entre el rock y los pasajes melódicos de Maybe I will.

Con el rock de aires épicos de Whole lot of people el disco sigue dando muestras de la creatividad y versatilidad de Rory, además de la omnipresente habilidad para dotar de intensidad a los solos de guitarra. El disco va sumando grandes temas uno a uno, y In your town es una demostración de como facturar una canción en la que el blues y el rock se den la mano y se fundan en uno. Más clásica y blusera es Should've learnt my lesson, en la que, más que aprender la lección, es Rory quien la imparte con maestría, al igual que sucede con There's a light, el tema más experimental y otro de los momentos álgidos de un disco que no tiene relleno ni desperdicio.

En Out of my mind hay una vuelta al tono americano y acústico de algunas canciones del disco, con toques country y sabor a música tradicional. Y ahí podía haber quedado la cosa, pero para ser completamente excelso, a este disco le faltaba la guinda de Crest of a wave, con un riff de guitarra y un ritmo que la convierten en una obra maestra, y que le da a Deuce el espaldarazo definitivo hacia la cresta de la ola, antes de romper con fuerza en la playa de los discos imprescindibles. El oleaje nos trajo también la sorpresa de Persuasion, un tema inédito en la reedición en CD de 1999, que no solo no desmerece, sino que suma quilates al conjunto como la joya inesperada y brillante que es.