0250: Farewell, Angelina - Joan Baez

En el año 1965, el movimiento folk andaba sin tener muy claro cuál era su camino y el destino de su estilo musical, se estaban produciendo muchos cambios, y no todo el mundo sabia que tren tomar en su carrera musical. Una de las que lo tuvieron siempre muy claro fue
Joan Baez, que mantuvo su estilo musical tradicional, ella no iba a cambiar, es cierto que su voz era su mejor carta de presentación, una voz fuerte y a la ex inquietantemente hermosa, que acompañaba en muchas de las ocasiones con unas muy bellas canciones.

"Farewell, Angelina" es una hermosa canción compuesta en los años más creativos de la primera época artística de Bob Dylan, fue un descarte de las sesiones de grabación de Bringin 'It all Back Home , el quinto álbum de estudio de Bob Dylan, fue descartada del elepé, pasando a circular durante años en discos piratas distribuidos en el mercado negro estadounidense y del Reino Unido. Nadie está seguro de por qué la canción se dejó fuera del álbum, pero Dylan se la dio a Joan Baez, quien la convirtió en la canción principal de su álbum lanzado en octubre de 1965. Báez incluyó otras tres canciones escritas por Dylan en ese álbum, más una cuarta que apareció como bonus. Joan Baez, la grabaría en 1965, en Nueva York para el sello Vanguard, si bien cambió algunas palabras, modificó ligeramente algún verso y suprimió una estrofa, imprimiendo a su versión un halo antibelicista, popularizando así esta composición de gran dimensión musical y poética y es que con la forma en la que la canta no parece una canción en absoluto, sino un verdadero recital de la cantautora, de la pacifista, de la poeta. Deteniéndonos en la canción podemos descubrir que tiene casi todo lo que necesitamos, la voz, la textura, ese leve toque de guitarra y una crítica política, o más bien crítica a la idea de la política moderna, un alejamiento, un dolor que reverbera en casi todas las líneas de la canción y una filosofía más amplia, más libre pero hermosa.

Es sin duda una de las canciones más querida por la artista y por el público, que ha interpretado en multitud de ocasiones, un tema fijo en sus conciertos más importantes y representativos.

Un país, un artista: Suecia - The Cardigans

 

El sonido de los Cardigans, fue definido "lounge pop descabellado de los sesenta endulzado con voces femeninas melancólicas, “aunque ellos preferían decir que hacían música alegre, pero no es ninguna tontería, tiene algo de emoción real. Siempre estamos felices, tristes, ese es el estado mental de los Cardigans". Sin embargo, sus canciones a menudo exploraban la lírica oscura temas; los Cardigans incluso lograron saludar sus raíces del metal en un disco, haciendo versiones de canciones de los titanes del hard rock Black Sabbath.. y no hacían más que reivindicarse como lo que son “…La gente siempre quiere etiquetarte. Es un trabajo difícil describir la música, y supongo que esa es la única forma en que algunos críticos pueden hacerlo ". Los críticos, sin embargo, en su mayoría se enamoraron de la banda, al igual que el público de Japón, Gran Bretaña y Estados Unidos.

 

La banda se creó a finales de 1992 en la ciudad de Jonkoping. La guitarra Peter Svensson, el bajista Magnus Svenigsson, el guitarrista y teclista Lars-Olof Johansson y el baterista Bengt Lagerburg estuvieron cuando la banda hecho a rodar, los cinco cohabitaban en una casa lo suficientemente grande para sus intereses eclécticos, y pronto crearian el material que sería en su debut sueco, Emmerdale. El álbum fue grabado por el productor Doc-Tore y al álbum le fue bien no solo en la tierra natal de la banda, sino también en Inglaterra, donde todo tipo de pop nostálgico asaltaba las listas de éxitos, y Japón, donde los fanáticos sin duda apreciaron las melodías espumosas de los Cardigans y la ternura. Un entusiasmo similar recibió su segundo álbum, Life, que fue album de platino en Japón. La penetración de la banda en los EE. UU. Fue en gran parte clandestina, pero parece que se encontraron con numerosos fanáticos gracias a la transmisión por radio universitaria de la versión estadounidense de Life, que combinó material de los dos primeros lanzamientos suecos y apareció en el respetado sello independiente Minty Fresh en 1996. El pop juguetón de la banda recordaba todo, desde las grabaciones "lounge" y "exóticas" recién resucitadas de los años 60 hasta el pop sofisticado de Burt Bacharach. Los Cardigans también le dieron un toque delicado a la canción antes mencionada de Black Sabbath, "Sabbath Bloody Sabbath". Según la crítica musical no fue una buena idea, "Los generosos préstamos de la banda de la paleta del pop de los sesenta son los vehículos perfectos para el romanticismo esponjoso". Este tipo de comparaciones, incluso cuando iba acompañada de tantos elogios, molestó mucho a los Cardigans. Si bien admitieron admiración por las superestrellas del pop sueco de los 70 ABBA, a quienes Svenigsson llamó "grandes, grandes compositores" y "una banda de pop brillante". El interese mostrado por Life llevó a un acuerdo con el sello estadounidense Mercury, que lanzó el próximo trabajo de Cardigans, First Band on the Moon, en 1996. Esta vez la banda endureció un poco su sonido y exploró un territorio lírico más oscuro. "Las letras de la vida eran muy superficiales, historias sobre nada, en realidad", insistió Svenigsson en Rolling Stone. "Creo que al menos 10 de las 11 canciones del nuevo álbum tratan sobre cosas realmente profundas y serias". El crítico de Addicted to Noise, Gil Kaufman, proclamó que con First Band, los Cardigans "brindan una ráfaga de aire fresco a la moribunda nación alternativa". En ese álbum encontramos "Lovefool", una canción de masoquismo romántico colocada en un ambiente musical alegre y jovial. La canción terminó en la banda sonora de la exitosa versión cinematográfica del director Baz Luhrmann de Romeo y Julieta de Shakespeare, así, la canción se convirtió en un gran éxito en los Estados Unidos, pasando de las estaciones de radio de rock alternativo al Top 40. Los Cardigans eran estrellas de rock en Estados Unidos.

 

Despues de tanto ajetreo, la banda espero hasta junio de 1998, momento en el que el grupo empezó a grabar su nuevo disco. El CD sale a la venta en octubre de ese mismo año, y fue llamado Gran turismo en homenaje al juego de vídeo de automóviles, este fue el álbum con el que alcanzaron la madurez, que hasta ese momento no habían alcanzado con sus anteriores discos. Este álbum, además, les dio la oportunidad de ganar cuatro Grammys, a las categorías de Mejor álbum, Mejor grupo/pop-rock, Mejor compositor y Mejor productor. Después de otra intensa gira promocional, Nina, Magnus y Peter decidieron a principios del año 2001 iniciar proyectos como solistas, hasta que en 2003 publicaron Long gone before daylight, y en este disco dan un cambio drástico y emocional, hacia un sonido más puro y sencillo que en sus anteriores discos. Super extra gravity es su última producción editada en 2005, que demuestra estilos más extravagantes, atrevidos, y buscando separarse del sonido maduro que aporto a su anterior trabajo.

0249: Barbara Ann - The Beach Boys

Los Beach Boys versionaron Barbara Ann, un tema que habían cantando previamente The Regents, como parte de las canciones que formaron el disco Beach Boys Party (1965). La versión de los Beach Boys, publicada por Capital Records como single el 20 de diciembre de 1965 y sin contar con el permiso de los miembros de la banda, se convirtió rápidamente en un tema de éxito que eclipsó a la versión original de The Regents, llegando al segundo puesto del Billboard americano y al tercer puesto en las listas del Reino Unido.

La canción fue interpretada en el estudio por Brian Wilson y Dean Torrence, del dúo californiano de rock and roll Jan and Dean, pero Dean nunca fue acreditado en el disco, pese a que al final de la canción puede oírse a Carl Wilson agradecerle su participación con un "Gracias, Dean".

También reseñables son otras curiosas versiones posteriores de esta canción, como la de The Who sólo un año después, para la película The kids are allright, e interpretada por el batería Keith Moon, o la parodia que aparece en las diferentes entregas de la película Despicable me (en España Gru: Mi villano favorito) cuando los Minions cantan una Barbara Ann transformada en The Banana Song.​

Rory Gallagher - Rory Gallagher (Mes Rory Gallagher)

Rory Gallagher álbum

Si bien vamos a centrarnos en la etapa en solitario de Rory Gallagher, queremos realizar una breve introducción de su etapa anterior en el grupo Taste, donde se dió a conocer. Con 15 años, Rory, que tiene claro a lo que quiere dedicarse, debuta como profesional en una banda llamada Fontana. En 1966 dejará esta formación para crear su propio grupo, banda en formato power trío llamada The Taste, que al cabo de poco tiempo acabará llamándose Taste, compuesto por el propio Rory a la guitarra y voz, Richard "Charlie McCracken al bajo y John Wilson a la batería.

Con Taste, Rory consigue el reconocimiento fuera de las fronteras de Irlanda, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight. Es precisamente, después de éste festival, cuando, harto de dar conciertos sin parar, usando viejos equipos de sonido usados, y sin dinero nunca en el bolsillo, y todo ésto sumado al hecho de que los otros dos miembros de la banda y el mánager quieren dar otra dirección al grupo, Rory se harta y decide disolver el grupo. Atrás quedan los dos magníficos álbumes de estudio con Taste: Taste (1969) y On the Boards (1970), sumados a dos directos: Live Taste y Live Taste at the Isle of Wight, todos publicados con el sello discográfico Polydor. 

Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en Taste. Rory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk. 

El disco, donde todos los temas están compuestos por Rory, abre con Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de Taste. Rory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Le sigue Just the Smile, una delicia de corte folk donde Rory nos deleita con su guitarra acústica Martin D-35, la cual solía usar también habitualmente. Este tema muestra la influencia que tuvieron en Rory músicos populares ingleses como Richard Thompsom, Davy Graham o Bert Janchs entre otros. I Fall Apart, uno de los grandes momentos del álbum, una maravillosa balada con toques de jazz llena de sensibilidad donde la guitarra de Rory se compenetra a la perfección con el bajo de Gerry McAvoy. Volvemos al folk acústico con tintes bluseros en Wave Myself Goodbye, otro tema de corte acústico donde destaca el piano con un sonido al estilo de Nueva Orleans. Dicho piano fue grabado por Vincent Crane, de la banda Atomic Rooster (El hermano de Rory, Donald, fue mánager de Atomic Rooster durante una gira). Cierra la cara A Hands Up, un desbocado blues rock, uno de esos temas que tocados por Rory solían ganar muchos enteros en directo.

La cara B comienza con Sinner Boy, continuando como cerró la cara A, con un contundente blues rock donde el guitarrista nos deleita con su maestría con el slide guitar. No olvidemos que fue uno de los grandes dominadores de ésta técnica. For the Last Time, una maravillosa balada prácticamente instrumental, pues apenas tiene letra, donde Rory se luce con su inseparable Fender. Un tema que me recuerda siempre que lo escucho a una de su grandes joyas de siempre, A Million Miles Away. It's You, un tema con genuino sabor americano, gracias al toque country que Rory imprime al tema, donde además de volvernos a deleitar con el slide guitar, toca también la mandolina. En I'm Not Surprised, vuelve a las raíces folk que tanto le gustaban, y vuelve a contar con la colaboración al piano de Vincent Crane, de Atomic Rooster. El disco cierra con la que es, en mi modesta opinión, la joya absoluta de este magnífico disco, Can't Believe It's True, un increible tema donde Rory fusiona con un gusto exquisito el blues rock con el jazz. Y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.

Este maravilloso disco ha sido reeditado en numerosas ocasiones, y en alguna de ellas podéis encontrar dos temas añadidos, los clásicos  It Takes Time, de Otis Rush, y Gypsy Woman, de Muddy Waters.

0248 It's My Life – The Animals

0248 It's My Life – The Animals

It's My Life es una canción escrita por los compositores de Brill Building Roger Atkins y Carl D'Errico. La canción fue originalmente interpretada por la banda inglesa The Animals, quienes la lanzaron como single en octubre de 1965.

La canción se convirtió en un éxito en varios países y desde entonces ha sido grabada por varios artistas. D'Errico, quien escribió la música, y Atkins, quien escribió la letra, eran compositores profesionales asociados con la escena de Brill Building en la ciudad de Nueva York, en 1965 estaban trabajando para Screen Gems Music, pero sólo habían tenido un éxito menor en el mejor de los casos.

It's My Life fue escrita específicamente para The Animals porque su productor Mickie Most estaba solicitando material para las próximas sesiones de grabación del grupo.

It's My Life se estrenó visualmente en el programa de televisión estadounidense Hullabaloo en el otoño de 1965, donde el grupo cantó voces en vivo con música enlatada en un plató tipo den que presentaba a mujeres jóvenes y atractivas, It's My Life fue parte de una ola de canciones en 1965 de artistas como The Beatles, The Rolling Stones y Bob Dylan, que marcó el comienzo de un nuevo papel para la música rock como vehículo de percepción común y fuerza de conciencia social. El escritor Craig Werner considera que la canción refleja el deseo tanto de The Animals como de su audiencia de definirse a sí mismos aparte de la comunidad de la que provienen. El escritor Dave Thompson incluye la canción en su libro 1.000 Songs that Rock Your World, simplemente diciendo: "No hay declaración de independencia más aireada que esta". Billboard dijo de la canción que "la letra poco convencional y el ritmo de baile lento muestra estar en lo más alto de las listas de éxitos".

Daniel
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0247: Si yo tuviera una escoba - Los Sirex

 

Después de la aparición de Los Brincos, el siguiente grupo español que se sumergió en el mundo del rock nacional fueron Los Sirex, un grupo surgido en Barcelona en 1959 cuando tres chicos que vivían en los aledaños de la Gran Vía de Barcelona forman un conjunto para imitar los éxitos rocanroleros que venían de los Estados Unidos. Inicialmente estuvo formada por Guillermo Rodríguez Holgado, Antonio Miers y Manuel Madruga (Manolo), luego se incorporó brevemente el vocalista Santi Carulla en 1960, posteriormente cantante de Los Mustang. En 1961 se presentan en El Pinar, una cita obligada para los conjuntos barceloneses de la época, una especie de explanada semicubierta en la que una autoescuela hacía sus prácticas, pero que los domingos ofrecía actuaciones de grupos musicales, y es allí donde se consagran como ídolos jóvenes y son contratados en varios barrios para amenizar sus fiestas. En esa época Los Sirex visten de cuero, se tiran por el suelo, y ponen poses de rockers made in USA. Tras muchos bolos y una aparición en el cine, Vergara los ficha y a principios de 1964 aparece su primer EP, cambian sus cazadoras de cuero por trajes al puro estilo mod, van abandonando el rockabilly inicial y se adaptan a los gustos beat que imperan en el momento, aunque manteniendo un inconfundible estilo y evitando en lo posible hacer covers de grupos ingleses, aunque en sus inicios no tuvieron más remedio que tragar con la costumbre impuesta por las casas discográficas de versionar en español temas que habían triunfado en los mercados anglosajones, pero su nombre aun solo es conocido en círculos muy locales, hasta que llega el gran triunfo que les pondrán en el mapa de toda España….

 

La escoba, título que a menudo es evocado como "Si yo tuviera una escoba", frase del estribillo que hoy podría ser perfectamente atribuida a cuanta corrupción nos rodea en la esfera política. La canción se corresponde en realidad a otra adaptación, en este caso de una canción flamenca de Vicente Marí Bas (el mismo autor de "Triana Morena" y "Monísima"), sólo que su original sonaba como una rumba y a los Sirex en un principio no les gustó nada, pero Leslie modifica la letra y Guillermo, a regañadientes, acepta hacer un arreglo moderno consiguiendo darle un tono más pop, consecuencia, nº 1 absoluto en 1965 y uno de los temas más populares del pop español de todos los tiempos, el EP supera los cien mil ejemplares. En 1965 se calcula que el número de tocadiscos en España debía andar por medio millón o poco más. Así que calculen cómo sería el tamaño del éxito, y porque no ocultarlo, ¿No me digáis que no es una canción emblemática? Cuantas veces nos habremos preguntado cuántas cosas barreríamos si tuviéramos la escoba por la que preguntaba este grupo, con una música alegre y rítmica esta canción y su letra que no pasa de moda.

Canciones que nos emocionan: Slow Ride - Foghat

 

Slow Ride, Foghat

     El 15 de septiembre de 1975 el grupo británico de rock Foghat publica su quinto álbum de estudio, Fool for the City. El disco es producido por el miembro del grupo y productor estadounidense Nick Jameson y publicado bajo el sello discográfico Berasville Records. Este fue el primer disco que la banda grabó tras la marcha del miembro fundador Tony Stevens, y también fue el primer álbum del grupo en alcanzar disco de platino. La mítica portada del disco muestra al baterista del grupo Roger Earl sentado en una caja mientras pesca en una alcantarilla cerca de 229 Easth 11th Street de la ciudad de Nueva York.

Incluido en Fool for the City se encuentra otro de esos temas que tanto me emocionan, Slow Ride. Si bien la versión original del tema dura algo más de ocho minutos, durante los años se han editado cuatro versiones más de distinta duración que van desde los casi cuatro minutos a algo más de 10 minutos de duración. 

El tema está acreditado al miembro del grupo Dave Peverett, y tanto la letra como el tempo del tema transcurren lentamente simulando el acto de hacer el amor, y cerca del final los riffs de guitarra se van acelerando hasta culminar el acto, simulando efectivamente esa ardiente sesión de amor. Según el baterista Roger Earl, el tema surgió de una jam sesión donde se encontraba el por entonces el nuevo bajista Nick Jameson.  Jameson tenía un reproductor de cassettes y grababa en él todo lo que tocaban, y en una de esas sesiones grabaron algunas partes del tema y la línea de bajo. Posteriormente cortó el material grabado para que tuivera sentido y Peverett dijo que tenía letra para aquella improvisación, así es como surgió Slow Ride.

Disco de la semana 240: Mismo sitio, distinto lugar - Vetusta Morla

 

Vetusta Morla publican su primer LP en 2008, hasta la fecha de hoy han podido repetirlo otras cuatro veces, Vetusta Morla en ese año después de 10 años de carrera pateando conciertos, garitos y ferias consiguieron plasmar su música en un álbum, y eso que para muchos el nombre no les era extraño, aunque nunca se hayan acercado a su música, y que para tantos otros los consideraban como la cabeza más prometedora del denominado Indie Español. Esto nos hace tomar idea de cuán difícil es el mundo de la música en este principio de Siglo XXI, y si, digo música, porque lamentablemente la industria (perfecta definición) musical, está ocupada en sacar y promocionar artistas que se dedican a insultar, balbucear y delinquir con una caja de ritmos a su lado…. De locos todo, deberían empezar por autodenominarse con otro nombre, que se alejen del arte y que vuelva la música…. Disculpen, pero estoy quemadísimo con el panorama actual de la música de éxito, los melómanos de pro aún tienen ganas de sumergirse en las novedades de extrarradio y descubrir cosas interesantes, el boca a boca sigue haciendo mucho, pero aquellos que empiezan a descubrir la música se quedan embrujados por lo que se oye ahora, se meten en la cueva y de ahí no les sacamos, y cuando salen les pones a escuchar a Led Zeppelin se creen que no estás hablando de música…. No chico, lo tuyo no es música. Termino la chapa y me lio con Vetusta Morla, pero antes, como estamos de confesiones, declarar que no he sido demasiado fan de su estilo musical, y que lo que realmente me apetecía era escribir de algo de un artista español actual…. Y bueno también porque Jesus, mi vecino “Pepinero”, me estuvo contando con un par de cervezas que aclaraban nuestras ideas, que era de lo mejorcito de aquí y que no perdiera la ocasión de escucharlos y los “Azulones” seremos muy poquitos, pero muy respetuosos y nos gusta escuchar, y entre vecinos (tanto de rellano como de ciudad) nos respetamos y nos hacemos caso, más cuando a su lado y poniendo orden esta Pilar, que es la que pone un poco de coherencia en esa casa…. Y en el rellano.

 

Pepineros, Azulones, la cosa va del extrarradio de la ciudad de Madrid, y en el extrarradio continuamos para hablar de Vetusta Morla, pero nos vamos del Sur al Norte y hacemos parada en Tres Cantos, y cogemos la máquina del tiempo y no situamos en 2017 cuando sale a la venta el quinto álbum del grupo Madrileño y lo ponemos a sonar. El primer tema Deséame Suerte, no creo que sea para mi que Jesus me quiere bien, fue el tema elegido como primer single del álbum y te impacta de primeras ese comienzo musical, casi futurista con elementos clásicos y de regalo la voz de Pucho que te noquea, una cancion con claras influencias de RadioHead (confesada por los integrantes del grupo), no llega a la calidad del grupo Britanica pero si te deja un eco totalmente claro.. y gusta. Continua con El discurso del rey y lo primero hace es descolocarte, venimos de Deséame suerte con un ambiente casi futurista y empiezan con un riff de guitarra loco y medio robotico, y lo mezclan con el pop más puro que puedas encontrar, pero son ellos, inconfundibles en su crítica y en su acida letra. Loco te puedes quedar cuando el tercer corte empieza con una especie de Telediario al estilo El Mundo Today, Palmeras en la Mancha es una rallada, perdonar pero me recuerda en la letra y en las situaciones que cuent,a al mejor Sabina y esos versos que te encandilaban, a ver soy sincero, me llega más el estilo pausado y acido del maestro de Ubeda a este tema acelerado lleno de instrumentalización que seguro necesitara de varias escuchas para disfrutar de cada acorde, pero me quedo feliz con esos versos cargados de sátira e ironía que transcurren como viñetas de un cómic. 

Con el comienzo de Consejo de sabios nos trasladamos de nuevo a la era futurista, el sintetizador baila a nuestro alrededor más de un minuto, finamente con una suave melodía que se ira repitiendo a lo largo de la canción y aparece de nuevo Pucho, y en este registro vocal me encanta, me hechiza, me oprime el corazón, es un tema tremendo, casi un himno…. pasan los minutos el sintetizador sigue gobernando con una simple melodía que te invita a la vez a moverte y a la melancolía… hasta el giro final que todo se vuelve áspero, amargo y te llega a machacar, la batería y la guitarra eclipsan al sintetizador y hacen desaparecer a la melodía para enfrentarnos al caos, como el caos que se genera en una ruptura amorosa…. Un tema de 10… ¿habremos tocado techo en el álbum?

 

Hoy tu recuerdo es un pájaro
Que bate sus alas detrás de mí
Y guarda en su pico tus labios
Tienes la forma precisa
Guardas la herencia del mármol
Fuiste la Venus de Milo
Y yo puse el mundo en tus brazos

 

Llega 23 de Junio, después del orgasmo que es Consejo de sabios, nada más comenzar sabes que vas a disfrutar como una abeja en un campo de tulipanes, pero estos chicos en que se han metido ahora …. Tiempo de Vals! Tiempo de la voz de Pucho… todo brilla, todo finitamente engarzado para llevarte a donde ellos pretenden, “23 de junio”, nos desnuda, nos envuelve y nos cautiva, pintándonos una estampa que sabe a verano y suena a fresco. Por si fuera poco, el puente incluye unos coros muy «Radiohead» que son acojonantes cuanto menos

 

A Guerra civil no se la puede valorar después de las dos paradas anteriores, lo siento, pero después de probar miel se que me queda corta a pesar de un gran estribillo, imagino que será una forma de bajarnos a la tierra, algo previsto y planificado, después subirnos al cielo bajamos a la tierra, a lo humano a lo mortal. Algo parecido pasa con Te lo digo a ti, las sensaciones que tengo es que se han convertido en un grupo calimochero y macarra vestido de música dance, ¿Por qué nos hacéis esto? Demasiados duros después de bailar con vosotros sin final, vuestras razones tendréis, entiendo que es difícil llegar a la excelencia tantas veces seguidas, os perdono, todavía tengo el regusto del verano del amor que empezó nuestro 23 de junio. Con Punto sin retorno volvemos a la tranquilidad y puede ser la joya oculta del disco, con unos sonidos ambientales que hacen que te evadas (una vez más) del espacio-tiempo y experimentes una amalgama de sensaciones en completa armonía con la letra y la voz de Pucho, puede ser de las más emocionales del álbum. La vieja escuela tiene un toque más festivalero, más sumido en el cliché, pero con el alma de Vetusta una canción homenaje a todos aquellos que han significado algo en algún momento de nuestra vida, además tenemos un velado homenaje a David Bowie, con eso es suficiente. Termina el álbum con Mismo sitio, distinto lugar y llamarme loco, pero me da la impresión que con ese comienzo el homenaje es para Antonio Vega, el sitio de mi recreo, mismo sitio, distinto lugar, una gran canción con su alta carga de poesía.

0246: What's New Pussycat? - Tom Jones

0247: What's New Pussycat? - Tom Jones 

What's New Pussycat? fue escrita por Burt Bacharach para el personaje de Peter Sellers en la película del mismo nombre What's New Pussycat?. Según  recoge la revista Record Collector, Bacharach afirmaba: "Primero fue un tema instrumental y luego se le pusieron las palabras. Si tiene una buena melodía, siempre puede encajar con la letra".

En la misma entrevista de Record Collector, Bacharach habló sobre escribir canciones para películas: "Creo que si tienes un tema como 'What's New Pussycat?'  y esa música proviene de ver a Peter Sellers y su locura en esa película y estás tratando de hacerlo de esa manera y de expresarle las palabras, y Luego haces que Tom Jones la cante, tienes suerte. Aquí había un tema, que era  básicamente un instrumental, y si es una buena melodía siempre encajarás con las palabras ".

Esta canción es intencionalmente escandalosa, con Tom Jones diciéndole a una chica que se empolve la nariz de gatito para poder besar sus "dulces labios de gatito".  

En ese momento, Jones estaba desarrollando una imagen como una estrella del pop obscena, y esta canción le encantó.  Aquí hay una cita de 1987: "La mayoría de las canciones tratan sobre la relación entre hombres y mujeres, por lo que el sexo está involucrado. Lo represento lo mejor que puedo". Burt Bacharach sabía que tenía las habilidades para transmitir el tono correcto en la canción y convenció a Tom Jones para que lo hiciera. "Cuando lo escuché por primera vez pensé, ¡Cristo! ¿Para qué diablos quieren que cante esto?"  Jones le dijo a la revista Q.  "Pero Burt Bacharach explicó, quiero que la gran voz cante esta maldita canción loca, y la convierta, es un clásico". 

El 28 de junio de 1965, el especial de televisión del disc jockey de la ciudad de Nueva York Murray the K, 'It's What's Happening, Baby!', Se emitió en la cadena CBS-TV.  En uno de los actos que aparecieron en el programa fue Tom Jones;  en ese momento tenía dos canciones en la lista Hot Top 100 de Billboard, "What's New Pussycat?"  estaba en el n° 26 mientras que "Little Lonely One" estaba en el n.46 "What's New Pussycat?" alcanzaría su punto máximo en el n° 3. 

El tema principal de la película, cantado por Tom Jones, recibió una nominación al Premio de la Academia por 'Mejor Canción Original'.

El 13 de junio de 1965, "What's New Pussycat?", interpretada  por Tom Jones, entró en la lista Hot Top 100 de Billboard en la posición # 79;  y el 25 de julio alcanzó el puesto # 3 (durante 2 semanas) y pasó 12 semanas en el Top 100 (y durante 5 de esas 12 semanas estuvo en el Top 10)

Y el 2 de agosto de 1965 alcanzó el puesto #1 (durante 1 semana) en la lista canadiense RPM Top Singles

El mismo día en que "What's New Pussycat? "entró en el Top 100, Tom Jones apareció en "The Ed Sullivan Show";  pero no interpretó la canción, sino que cantó su disco debut, "It's Not Unusual".

Tom Jones habló sobre la canción en una entrevista televisada con Larry King, diciendo que inicialmente se negó a cantarla, pensando que era una canción de comedia y debajo de él, cuando Burt Bacharach se la presentó por primera vez (tocándola en el piano y cantándola).  Sin embargo, con solo dos sencillos exitosos en su haber, Jones no tuvo la influencia para rechazar la canción y, según se cuenta, trató de cantarla lo más "varonil" posible.  Le sorprendió que se convirtiera en un gran éxito (EE.UU. n. ° 3, Reino Unido n. ° 11).

Daniel 

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0245 Desolation Row - Bob Dylan

 

bob Dylan

     El 30 de agosto de 1965 Bob Dylan publica su sexto álbum de estudio, Highway 61 Revisited, publicado por la compañía discográfica Columbia Records. Será el primer álbum del artista en el que utilizará un banda de acompañamiento para la grabción (exceptuando la cara A de su anterior disco, Bringin At All Back Home).

Incluido en el disco encontramos la canción Desolation Row, tema que se encarga de cerrar dicho trabajo. Grabado el 4 de agosto de 1965 en sesión de grabación en los estudios Columbia de Nueva York, con sus más de once minutos de duración, el tema se convirtió en el más largo grabado por Dylan hasta la fecha. Desolation Row, a través de sus surrealistas letras, nos muestran el caos urbano en el que puede caer el hombre. Las primeras líneas de la canción hacen referencia a tres hombres, que el 15 de junio de 1920 en la localidad de Duluth, Minnesota, se encontraban en la cárcel acusados de violar a una niña. Ese mismo día, un numeroso grupo de gente sacó a la fuerza de la cárcel a los tres hombres y los linchó hasta provocarles la muerte. Abraham Zimmerman, padre de Bob Dylan, tenía ocho años y vivía en Duluth cuando aconteció aquel terrible suceso.

El tema fue grabado por Dylan en un momento en que se encontraba experimentado con el LSD, y rara vez lo solía interpretar en directo, pero cuando lo hacía podía extender la duración del tema más allá de los 45 minutos. El  tema no fue editado como single probablemente debido a su extensa duración, y fue interpretado por primera vez en directo por Dylan el 28 de agosto de 1965, en el Festival de Música de Forest Hills en Queens, Nueva York.

Bienvenidos al Mes Rory Gallagher

Rory Gallagher

     Rory Gallagher es uno de tantos artistas por los que en 7dias7notas tenemos predilección,  no en vano ya le hemos dedicado varias reseñas. Cuando hablamos de su concierto en las ventas allá por el año 1975, y al cuál asistió el maestro Rosendo, quien había comprado la primera entrada que salió a la venta de aquél concierto; o cuando nos hicimos eco de cómo vió la luz su álbum Photo Finish. No le tembló el pulso para desechar un trabajo que no le gustó en absoluto a pesar de las presiones de la discográfica, y se sacó de la manga un pedazo de álbum; también hablamos de sus escarceos con otros instrumentos, pues tocaba varios, sobre todo con el saxo, instrumento que dominaba realmente bien. El chico nos había salido multiinstrumentista; o cuando salió elegido el país de Irlanda para reseñar un artista de allí. Rory Gallagher fue el más que digno artista elegido para representar a un país que rebosa calidad musical pos los cuatro costados.

También le dedicamos la reseña de sus disco Tattoo, considerado por la crítica como uno de sus mejores álbumes,  aunque quien haya escuchado el trabajo de Rory, sabe que no tiene un sólo disco mediocre o malo, su discografía tanto con Taste como es solitario es sencillamente brillante. 

Por eso en 7dias7notas teníamos claro que éste mes de septiembre había que dedicárselo al genio irlandés. Durante este mes vamos a ir desgranando parte de su discografía en solitario, una discografía llena de discos brillantes. Lástima que Rory nos dejára tan pronto, y que no pudiéramos disfrutar muchos más años de su talento. 

Poneros cómodos, porque durante un mes vamos a intentar, a través una selección de ocho de sus álbumes en solitario, acercaros un poquito más si cabe a este genial guitarrista, al que nunca le preocuparon los hits ni las listas de éxitos, pues para él siempre prevaleció la calidad de su trabajo ante todo.

0244: Highway 61 Revisited - Bob Dylan

 “Highway 61, la arteria principal del blues del país, comienza más o menos donde yo empecé. Siempre sentí que comencé sobre ella, siempre estuve en ella y podía ir a todas partes, aún a lo profundo del Delta. Era el mismo camino, lleno de las mismas contradicciones, las mismas ciudades de un solo caballo, los mismos ancestros espirituales… Era mi lugar en el universo, siempre sentí que era mi sangre”  Extraido de las memorias de Bob Dylan.

La Highway 61, llamada igualmente “Blues Highway” es una autopista que va desde Nueva Orleans hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Bob Dylan y recorriendo las ciudades donde vinieron al mundo artistas como Muddy Waters, Son House, Elvis Presley o Charley Patton. También es la carretera del cruce de caminos donde el bluesman Robert Johnson -según cuenta la leyenda- vendió su alma al diablo por el blues. La portada del disco lo dice todo, Dylan, con apenas 24 años y una no despreciable experiencia de ser humano nómada tanto de lugar como de espíritu, mirando fijo hacia la cámara, como desafiando al mundo con su nueva música, es un lenguaje propio, una nueva aproximación a lo más esencial a la hora de crear, una espontaneidad que sólo da la certeza de saber lo que se está haciendo. Pero el nombre de ‘Highway 61 Revisited’ no lo entendía nadie de la discográfica y no estaban demasiado de acuerdo en utilizarlo. Así que Dylan tuvo que tirar de tozudez para conseguir que bajaran los brazos y terminaran diciendo: «dejadle que lo llame como quiera». Aunque nadie entendiese el título, para Dylan era muy importante. Era la forma de auto-reafirmar su evolución del folk a un rock con base de blues. El título era el hilo conductor de ese cambio… la excusa. Y también la forma que tenía de demostrar que su nueva música estaba muy enraizada en los orígenes del blues. El blues que, de alguna manera, recorría con su trazado la autopista 61. 

La épica canción que da nombre al disco, “Highway 61 Revisited”, es un relato, una vez más surrealista que escribió Dylan, donde mezcla pasajes bíblicos con personajes en una carretera que se cruzan en un viaje, dejándonos todo a la propia interpretación en el punto de encuentro de la autopista 61, la temática del tema encarna el espíritu muy liberador que tiene el tono del álbum, en esta carretera fue donde tuvo que empezar su viaje para salir de Minnesota en busca de un nuevo destino. La cancion consta de 5 estrofas, en cada una de ellas un personaje bíblico tiene un problema que se resuelve en la Autopista 61. La canción también se caracteriza por el uso de un sonido de un silbato parecido al de las fiestas que representa el sonido de una patrulla. 

0243: Like a Rolling Stone - Bob Dylan

Bob Dylan grabó Like a Rolling Stone en 1965, durante las sesiones de grabación de su disco más aclamado, Highway 61 Revisited, a partir de un poema que había escrito anteriormente. La canción no terminaba de despegar en el estudio, hasta que el entonces músico de sesión Al Kooper improvisó el riff de órgano que finalmente vestiría al tema, lo cual hizo ver a Dylan que esa canción había nacido para ser interpretada en clave de rock. Pese a las reticencias de la compañía por su tono eléctrico y su larga duración, se puso a la venta como sencillo y se convirtió en un éxito a nivel internacional.

Bob Dylan describió el proceso de creación de Like a Rolling Stone como un largo "vómito de veinte páginas" derivado de una situación de desencanto personal, en la que incluso se había planteando dejar la música por la incomprensión que percibía sobre su obra y su mensaje. Componer una canción así le supuso una fuerte sensación de ruptura con lo que hasta entonces habían sido sus composiciones, y sintió que era exactamente lo que tenía que hacer. De aquellas páginas salieron las cuatro estrofas y el asertivo estribillo, en el que pregunta abiertamente ​"¿Qué se siente estando a tu aire, sin hogar ni dirección, como un completo desconocido... como un Rolling Stone?" 

Para la grabación, Dylan se rodeó de un gran grupo de músicos, tocando juntos en la misma sala del estudio de Columbia Records durante dos sesiones el 15 y el 16 de junio de 1965. Entre ellos estaba Mike Bloomfield de la Paul Butterfield Blues Band a la guitarra, y el mencionado Al Kooper, en principio solo como invitado en la sala de control del productor (Tom Wilson). Kooper aprovechó un momento de despiste para unirse discretamente a los otros músicos con su guitarra. Intimidado por la habilidad de Mike Bloomfield, desistió y volvió a la sala de control, y propuso a Wilson una línea de Hammond para la canción. Wilson se burló de él, pero en palabras de Kooper: "No dijo "no" así que fui para allá". El sorprendido productor no frenó al músico, y tras escuchar la grabación de aquella toma, Dylan insistió en que el órgano de Kooper pasara al primer plano. Tras esta decisión, la cuarta toma de aquel segundo día se convirtió en el tema que todos conocemos.

Like a Rolling Stone dio un vuelco en la carrera de Bob Dylan por su tratamiento eléctrico y su agresiva letra, llena de resentimiento y burla hacia una "señorita solitaria" (Miss Lonely) que siempre lo ha tenido todo y ahora experimenta la realidad y la crudeza de la vida. Pero el odio se transforma en complicidad y liberación cuando, en las estrofas finales, le hace ver que, en esa nueva situación "Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder. Eres invisible ahora, no tienes secretos que ocultar". Es un final feliz para un tema con una influencia enorme, desde su publicación hasta nuestros días. En la gira de presentación del disco, durante un concierto en el Free Trade Hall de Manchester, antes de tocar Like a Rolling Stone un espectador le gritó "Judas" por haberse alejado con ella de la senda del folk. Tras contestarle "No te creo, eres un mentiroso", Dylan pidió a sus músicos que la tocaran "jodidamente fuerte" aquella noche.​ No estaba dispuesto a que nadie le separara del camino que ya había tomado con esta canción, que se convertiría en la más alabada de la historia por la crítica especializada, y en la nº 1 de la lista de 500 mejores canciones de todos los tiempos de, precisamente, la revista Rolling Stone.​

Un país, un artista: Sri Lanka - Beverly Craven

 

Corría el año 1990, la explosión de color y luz de los años 80 se estaba disipando, y la melancolía del tiempo vivido hacia poso en los adolescentes de aquel año, fue entonces cuando a muchos nos parecía que nos decían esto al oído la persona que amabas y lo ponía en boca de una pianista con una voz muy intensa mientras sus manos bailaban veloz sobre el teclado….

Tu enciendes otro cigarrillo
Y yo me acabo el vino
Son las cuatro de la mañana
Y está empezando a amanecer
Ahora estoy justo donde quiero estar
Perdiendo la noción del tiempo
Pero deseo que aún fuera anoche
Parece como si estuvieras en otro mundo
Pero puedo leer tu mente
¿Cómo puedes estar tan lejos?
Estando justo a mi lado
Cuando me vaya te echaré de menos
Y voy a estar pensando en ti
Cada noche y día
Prométeme que me esperarás
Porque estaré guardando todo mi amor para ti
Y estaré de vuelta a casa pronto
Prométeme que me esperarás
Necesito saber que tú también sientes lo mismo
Y estaré en casa, estaré en casa pronto

Esa pianista era Beverley Craven nacida en Colombo, Sri Lanka, su familia se mudó al Reino Unido cuando ella tenía 18 meses y se estableció en Hertfordshire. Animada por su madre, una violinista, comenzó a tocar el piano desde la edad de 7 años. Craven no compró su primer disco de música pop hasta los 15 años, sobre todo de cantantes y compositores tales como Elton John, Judi Tzuke, Stevie Wonder y, en particular, Kate Bush, quiénes influyeron en su música. Beverley se fue de casa a los 18 años y se mudó a Londres, con la intención de forjarse una carrera en el negocio de la música, dejó la universidad, a principios de los ochenta comenzó a actuar en algunos pubs con bandas, hasta que fue vista por Bobby Womack, una leyenda del soul, quien le ofreció la oportunidad de acompañarlo en una gira europea. La gran oportunidad llegó cuando una de sus cintas de demostración cayó en manos de Epic Records, quien de inmediato le ofreció un contrato de grabación. El álbum debut de Beverley contó con un éxito sin precedentes: en un año, había sido certificado doble platino con ventas de más de un millón de copias y unas envidiosas 52 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido. El single Promise Me también fue un gran éxito, que, de nuevo en el Reino Unido, alcanzó el 3er lugar de las listas. 

En 1992 ganó en los BRIT Awards en la categoría "Revelación británica" (mejor Recién Llegado Británico) y también recibió una nominación al Mejor Álbum y mejor sencillo. A continuación, publicó el álbum Love Scenes, que contiene el single del mismo nombre y el single Mollie´s Song (dedicado a la hija Mollie, nacido en ese año), en septiembre de 1993, alcanzando el número 4 en las listas de álbumes del Reino Unido. Beverley y su pareja, el músico Colin Campsie, se casaron al año siguiente y su segundo hijo, Brenna, nació en 1995, seguido de su tercera hija, Connie, en 1996. Con la maternidad vinieron pasiones divididas, y siguieron 13 años de familia a caballo y estrellato. En 1999, Beverley presentó su tercer álbum, "Mixed Emotions", que había grabado en el estudio de su casa en Londres. Una vez más, esta ganadora del Brit Award recibió grandes elogios de la crítica, pero mal promocionada por la compañía discográfica y cada vez más desilusionada con la industria de la música, Beverley se retiró parcialmente para concentrarse en criar a su familia. 2004 vio a Beverley regresar a la escena musical mundial con un puñado de apariciones en conciertos en vivo; pero el destino tenía otros planes, ya que el muy publicitado diagnóstico de cáncer de mama de la estrella ocupó inesperadamente un lugar central. Después de un tratamiento exitoso, Beverley recibió el visto bueno en 2008. En 2009 Beverley regresó, más fuerte que nunca, con un nuevo álbum de estudio, 'Close To Home', un viaje musical personal, que Beverley vio cómo, 'un renacimiento en muchos sentidos'. Fue su primer álbum sin contrato discográfico y sin presión. Beverley Craven estaba haciendo las cosas en sus propios términos y realmente se estaba divirtiendo. Después de su autobiografía 'Truth Be Told' en 2012, este tesoro musical británico cautivó a los fanáticos con otro álbum de estudio, 'Change of Heart' en 2014, seguido de una gira por el Reino Unido en otoño.

En febrero de 2018, una constelación de estrellas musicales chocó espectacularmente con el anuncio de la gira Woman to Woman. Beverley realizó una gira con sus compañeros cantautores británicos (y grandes amigos personales), Judie Tzuke y Julia Fordham, a lugares con entradas agotadas y el aplauso enorme de la crítica de los medios de comunicación del Reino Unido. Un sencillo conjunto con los tres artistas, 'Safe', fue lanzado en marzo y un álbum de estudio, Woman To Woman, fue lanzado a fines de octubre de 2018. 

0242.- Ballad of a thin man - Bob Dylan

 

Ballad of a Thin Man es la quinta canción que cierra la cara A del mítico albúm Highway 61 Revisited, sexto en su trayectoria supuso una ruptura total con esas canciones y estilo que ya se venía presumiendo en su anterior "Bringing it all back home". Su sonido se electrifico, su actitud se expresó en rebeldía casi contra todo, bastante chulesca, algo diva, y sus textos cambiaron y empezaron a referirse a temas más personales, de relaciones con mujeres, de sueños, de viajes sobre carreteras desoladas, de la soledad en hoteles, de fiestas con excesos y drogas, de visiones. Es sin lugar a dudas un tema raro. La letra habla de un extraño hombre encerrado en una habitación donde empiezan a ocurrir cosas extrañas, cosas que el señor Jones no entiende. El famoso contrainterrogatorio de Dylan al Sr. Jones tiene un poder majestuoso y una grandeza espeluznante que no se olvidan fácilmente. Es una de esas canciones en las que el estilo de canto elástico de Dylan de mediados de los sesenta cobra sentido de inmediato.

Estamos ante la réplica de Bob Dylan a la sociedad en general que está fuera de si por los cambios que ocurren en la cultura aunque también se puede interpretar como un ataque a los periodistas y los principales medios de comunicación que causan drama a partir de cosas inocentes mientras evitan informar de la realidad, como los problemas sociales como el racismo y el sexismo. Estas imágenes las ha personificado en un tal Mr. Jones, que entra en una habitación donde ve a un hombre desnudo, y le resulta difícil comprender la situación. Esto representa una cierta parte de la sociedad que está en contra de muchos cambios sociales como la contracultura, el feminismo, los movimientos por los derechos civiles, etc. No solo están en contra de estos cambios, sino que también los confunden porque están muy desconectados. . Cuando el Sr. Jones se da cuenta de los nuevos cambios en la cultura, mira a los que participan en ella como si estuviera viendo a un friki en un circo. Uno de ellos lo llama monstruo, lo que lo ofende ya que cree que es la única persona normal allí. Dylan, irónicamente, dice que Jones es inteligente y culto, cuando en realidad todo lo que tiene es un conocimiento superficial y ninguna experiencia en nada de lo que habla.

Se especula con que la identidad de Jones fuera Brian Jones, fundador de los Rolling Stones y amigo íntimo de Bob Dylan que tuvo serios problemas con las drogas hasta su muerte, y así, la canción fuera una alegoría sobre las drogas y el sexo. Aunque en el idioma inglés se utiliza también, el apellido Jones para referirse a un hombre cualquiera. Existe otra teoría que asegura que Mr. Jones es el propio Bob Dylan, quien siempre ha tenido un dilema interno, lleno de dudas y pensamientos dispares. No importa quién sea el Sr. Jones, lo interesante es disfrutar de ese ritmo cadencioso, por momentos cansino y repetitivo que solo el genio de Dylan lograría convertirlo en uno de sus grandes himnos.

0241.- Yesterday - The Beatles

 

Estamos ante una de las canciones que mejor han conseguido hacer frente al paso de los años y hacerlo de esa manera tan emocionante como lo hace “Yesterday” se pueden contar con los dedos de las manos, uno de los muchos himnos, y porque no, el más reconocible que nos dejó como legado la banda de Liverpool. Y aunque parezca un atrevimiento por mi parte la frase con la que he iniciado el artículo, créeme, al menos para el que escribe esto, no es para menos, ya que es una de esas canciones que captura de una forma u otra, los momentos más grandiosos de sus vidas e incluso tiene la capacidad de disolverlos en la realidad del presente. Es todo un logro, la capacidad que tienen sus notas para lograr una fotografía brillante del pasado y ponerla en valor de nuevo, sintiendo como el amor, la verdad o el deseo permanecen por mucho que las personas asociadas a ellos se hayan ido de nuestras vidas. La magia que siempre vuelve y que nos deja ante el poder imborrable de las marcas del tiempo en nuestra memoria.

Lunes 14 de junio de 1965, el grupo de Liverpool cruzan la puerta del estudio EMI en Abbey Road, el grupo se enfrentaba a otra severa sesión de trabajo, por la mañana, dejaron todo su empeño en grabar "I Just Seen A Face" y "I'm Down", la sesión de la tarde, estaba reservada a Paul McCartney y su guitarra acústica, …y su voz,  …y su sueño, ….y sus dudas…. Era el momento de grabar Yesterday y una melodía con la que Paul se despertó un día en su cabeza y que no lograba recordar donde la había escuchado, hasta el punto que estaba convencido que la melodía le vino en un sueño, con más miedo que ilusión se la mostro al grupo, y les explico que, seguro que esta melodía tan perfecta tiene dueño, pero nadie del grupo la conocía y decidieron tirar hacia adelante. Paul tenía la melodía, pero faltaba acompañarla de un letra a su altura, letra que no llegaba así que las primeras pruebas las hizo con la frase “Scrambled eggs, oh baby how I love your legs” ("huevos revueltos, oh baby, como amo tus piernas")… vale, no estaba a la altura pero casaba perfectamente con la melodía, finalmente Paul McCartney compuso la mayor parte de la letra durante un viaje en carretera de cinco horas a Portugal en 1965 cuando estaba de vacaciones con Jane Asher que en aquel año era su novia, pero aún faltaba el título y quería que fuese solo una palabra, había considerado Yesterday como una opción, cursi, pero una opción, hasta que George Martin lo convenció de que esta era la opción correcta. Y de paso le impuso una locura, incluir un cuarteto de cuerdas clásico para acompañar el tema, Paul no estaba muy convencido. “Oh no, George. Somos una banda de rock 'n' roll y no creo que sea una buena idea”, dijo. Finalmente cedió y Yesterday se convirtió en una de las primeras canciones de pop en incluir elementos de música clásica en su melodía. La letra, ensalza la añoranza del ayer, el amor perdido y las oportunidades que no vuelven, se convirtió en el emblema de toda una generación, incluyendo la cultura hippie, esta inocente canción, que apunta al ayer con un dejo de melancolía, realmente se inspira en que el ayer es como una especie de animal salvaje, que asalta el pensamiento y los recuerdos cuando uno menos se espera.

 

Yesterday fue la primera composición oficial del grupo grabada solo por uno de sus integrantes. La incluyeron en su quinto álbum, Help, y, aunque solo había intervenido Paul, John Lennon y Paul McCartney figuran como sus autores. Fue algo que decidió Brian Epstein, su famoso manager, que quiso que así fuese para no crear divisiones en el grupo. A Paul no le molestó el acuerdo en aquel momento, pero no por mucho tiempo. El mismo Lennon, al que se le atribuía también el mérito sin ser cierto, tuvo que explicar en bastantes ocasiones que había sido McCartney quien había compuesto la canción en solitario. Yesterday sigue siendo una de las canciones más populares del siglo XX, de hecho, es la canción con más versiones de la historia, así a bote pronto estamos ante una canción de la que han hecho su propia versión los siguientes artistas: Ray Charles, Elvis Presley, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Frank Sinatra, Bob Dylan ... podríamos seguir mencionado a los más de 1600 artistas que la han hecho suya, pero con esta retahíla sobran lo demás…. Disfruten del ayer, disfruten de The Beatles y dejen correr una lagrimita de emoción cuando escuchen los primeros acordes…. Los recuerdos nos hacen sentir más vivos.

La música en historias: The rise of the Zugebrian time Lords #MesSanandaMaitreya

The rise of the Zugebrian time Lords - mes #SanandaMaitreya 

Sananda Maitreya (antes Terence Trent D'Arby) presentó The rise of the Zugebrian time Lords como un disco de Rock del Post Milenio, el género musical que Sananda Maitreya ha creado para definir su nueva música, una mezcla de varios estilos muy cercanos a su corazón. Se trataba de su décimo álbum de estudio, y fue grabado en sus estudios de Milán, Italia, donde vive desde hace muchos años. Es un doble álbum que contiene 27 canciones, 23 nuevas composiciones y 4 versiones, algunas de ellas de The Beatles.

The rise of the Zugebrian time Lords es un álbum conceptual que continúa el viaje de los anteriores álbumes de estudio, especialmente está conectado con el trabajo anterior llamado Return to Zooathalon del año 2013 en el que Sananda ilustra un lugar idílico y simbólico que flota entre el mundo real y la imaginación de todos. 

En este mundo prevalece el surgimiento de Entidades Sobrenaturales que controlan el espacio y dominan el Mundo, estas entidades se llaman Zugebrian (y son una fuerza maligna). Ser efectivamente Los Señores del Tiempo significa que tienen el poder de destruir el pasado y tus recuerdos sin permitir que puedas dejar tu contribución en el mundo. Esto causará a todas las generaciones futuras un sentimiento de desorientación y una pérdida de identidad. Al controlar tu tiempo, los Zugebrian tienen el control total de toda tu vida: tu presente, tu pasado y tu futuro y es muy difícil escapar. Sin el pasado, el futuro está en un limbo. Los Zugebrian castigan duramente a los que intentan escapar y a todas las personas que pueden cambiar el curso de la historia, ya que pueden retroceder fácilmente en el tiempo ("They Went Back In Time & Killed Robert Johnson ") y matar a un famoso cantante y guitarrista de blues americano vivido a principios de 1900 que había desaparecido en circunstancias misteriosas. 

Tratar de encontrar una forma de liberar el alma es algo que pasa por todas las mentes y recuerdos. Las canciones que nos son familiares sí representan un recuerdo, que sirve para confrontarnos con lo que ha sido y con lo que realmente puede ayudarnos a liberarnos de la esclavitud. 

Por eso, Sananda en este proyecto ha versionado tres canciones de los Beatles ("You're Going To Loose That Girl", "If I Fell", "I'll Be Back"). Estas canciones representan una fuerte conexión con los recuerdos felices de su infancia, así como un tributo y un homenaje a los célebres y queridos Teh Beatles, a los que idolatra. 

Lo cierto es que todo nos hace reencontrarnos con el significado y el sentido del Tiempo, e inevitablemente esto es algo con lo que todos tenemos que lidiar, tarde o temprano en nuestro camino. La vida se compone de fases, de estaciones, y todos llegamos a un punto en el que nos preguntamos si el tiempo que nos queda será suficiente para realizar todos nuestros sueños, o si el tiempo que ya hemos vivido se ha gastado de forma correcta. 

Sananda Maitreya nació en Nueva York, Estados Unidos, el 15 de marzo de 1962. Es multiinstrumentista, productor y arreglista y la música siempre ha sido la banda sonora de su vida. 

Artista multiplatino, desde el principio de su carrera Sananda ha escrito, arreglado y producido personalmente toda su música y también ha colaborado con grandes artistas y productores. 

Comenzó su carrera como Terence Trent D'Arby, a los 33 años cambió su nombre por el de Sananda Maitreya, que desde 2001 es su nombre artístico y legal. Desde finales de los 90 es uno de los precursores de la revolución digital de la música. Su música se llama Post Millennium Rock: es la mezcla perfecta de los géneros favoritos del artista, como la ópera, el country, la música clásica, el jazz, el blues, el gospel, el reggae, el pop y el rock.

Daniel
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0240 You've Got to Hide Your Love Away - The Beatles

0240 - You've Got to Hide Your Love Away - The Beatles 

You've Got to Hide Your Love Away es una canción del grupo The Beatles escrita por John Lennon. Fue publicada en el álbum Help! de 1965.

Esta canción es una clara muestra de la influencia de Bob Dylan sobre las composiciones de Lennon, y una de las primeras donde participa otro músico ajeno a la banda (tocando la flauta).

El texto de la canción tiene referencias a la homosexualidad entre líneas, estando indirectamente dedicado al gerente del grupo, Brian Epstein. En apoyo de esta idea lo sostuvo el músico / cantante Tom Robinson, quien señaló que, de hecho, Epstein tuvo que "esconder su amor" en un momento en que la homosexualidad todavía era un crimen en Gran Bretaña. Otro aspecto de la canción: cantando la canción, Lennon cometió un error al cantarla diciendo "dos pies pequeños" en lugar de "dos pies de alto". Cuando se le señaló el error, se dice que respondió: “Dejémoslo así. Todos esos pseudointelectuales se volverán locos".

Escrita por John Lennon (pero también acreditado a Paul McCartney), es una de las primeras grabaciones del grupo en verse afectada por la influencia del folk americano y Bob Dylan, contaminación presente en muchas de las canciones del propio álbum, así como futuros, como por ejemplo Norwegian Wood, contenida en Rubber Soul. Lennon, en el momento de la grabación del álbum Help! estaba impresionado por  Bob Dylan, tanto por la composición como por la forma de cantar, y se inspiró en una canción de él de 1964 titulada I Don't Believe You.

You've Got to Hide Your Love Away es la canción que está en la película Help!, cuando el jefe de la secta Clang (Leo McKern) aparece debajo de los alcantarillados de la Ailsa Avenue, Londres. La canción es interpretada en el apartamento de Lennon, donde la banda está vigilada por Ahme (Eleanor Bron). Al final de la canción, George se desmaya al ver la jeringa gigante que Ahme saca para Ringo, el portador del anillo.

La canción ha sido interpretada por The Beach Boys, Chris Cornell, Elvis Costello, Daniel Johnston, Oasis, The Subways, Travis, U2, y Eddie Vedder.

Daniel

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0239 Ticket To Ride - The Beatles

 

Ticket t Ride, The Beatles

     El 6 de agosto de 1965 el grupo británico The Beatles publican su quinto álbum de estudio, Help!, que a su vez es la banda sonora de la película protagonizada por el mismo grupo. El disco es publicado por el sello Parlophone, subsidiario del sello discográfico EMI Records. El disco presentaba 14 canciones en su edición británica original, de las cuales siete aparecían en la película Help!. La edición que se publicó para el mercado americano mezclaba las siete primeras canciones con material orquestal de la película. 

Incluido en Help! encontramos el tema Ticket to Ride, escrito principalmente por Lennon y acreditado como siempre por aquel entonces al dúo Lennon-McCartney. El tema es grabado en los estudios Abbey Road 2 el 15 de febrero de 1965, y John Lennon se hizo cargo de la voz doblada y la guitarra rítmica, Paul McCartney de la armonía vocal, el bajo y la guitarra solista, George Harrison de la armonía vocal y la  guitarra rítmica, y Ringo Starr de la batería, pandereta y palmas. Antes de ser publicado en el disco, Ticket to ride apareció como cara A de single el 9 de abril de 1965 en Reino Unido y el 19 de abril de 1965 en Estados Unidos. En ambos sencillos la cara B fue ocupada por el tema Yet It Is. 

El tema es un medio tiempo, amargo y disonante, con un ritmo pesado repleto de guitarras eléctricas y timbales, de hecho, este tema fue considerado por John Lennon como "Una de las primeras grabaciones de heavy metal". El tema tiene el honor de ser la primera grabación de los Beatles que sobrepasaba la barrera de los tres minutos. 

En cuanto a la temática del tema, ha sido objeto de multitud de interpretaciones a lo largo de los años. Hay quien sostiene que hacía referencia a los ferrocarriles británicos y "ticket" se refería a boleto y "Ride" se refería a la ciudad de Ryde, en la isla de Wight, donde la prima de McCartney y su marido regentaban un pub que los Beatles habían visitado. También hay otra teoría que apunta a que el tema se refiere a las enfermedades de transmisión sexual y que fue inspirado por las prostitutas que el grupo había conocido en una gira anterior por Alemania. En cualquier caso, Paul MacCarteny comentó sobre el tema que si bien trataba principalmente de una chica que al sentirse atada abandonaba al narrador, era consciente del potencial doble sentido del tema. 

Disco de la semana 239: Riot City Blues - Primal Scream

 

Actitud rockera, ritmo de guitarras, estribillo pegadizo y hasta un tramo de mandolinas y banjos abren en Country Girl un disco atípico de los escoceses Primal Scream, que ya habían avisado en 1994 con Give out but don't give up (lleno de temas que fusionaban el rock de estadios con referencias funk) de su eclecticismo y su total despego por seguir una línea estable y definida como la que les proporcionó el éxito y el reconocimiento mundial con el electrónico y house Screamadelica (1991). El cambio no fue bien recibido por los fans y críticos más ortodoxos del grupo, pero este Riot City Blues es una destacable y fresca colección de temas de blues rock con sabor a clásicos, y con guitarras y ritmos que nos recuerdan a los mejores Rolling Stones en temas como Nitty Gritty.

Suicide Sally & Johnny Guitar comienza con rasgueos acústicos, pero desde el primer momento se intuye la explosión que va a seguir a la solitaria guitarra. Otro estribillo pegadizo y efectivo, y un áspero e intenso solo de guitarra nos mantienen enchufados al poder del grito primario, antes de sumergirnos en la crepuscular y apocalíptica When the bomb drops, un tema en el que bajan levemente el ritmo pero en el que se ponen algo más serios que en el arranque del disco.

Con Little death transitan terrenos más lisérgicos y experimentales, recordando en el arranque y por momentos al The End de The Doors, pero en The 99th floor el blues rock de ferrocarril desatado y carretera polvorienta vuelve a supurar energía, volviendo a la senda predominante del disco. Le sigue sin apenas respiro We're gonna boogie, un blues clásico de ritmo repetitivo y constante, con una pegajosa armónica que de nuevo nos traslada a los discos de los Stones de los sesenta. 

Inquietos como siempre, no se resisten a jugar con referencias rítmicas al glam rock de T. Rex en Dolls, uno de los singles del disco junto al ya mencionado Country Girl, para virar a continuación al country - blues de violines y banjos en Hell's coming down, y cerrar un buen disco con la calma de las armónicas, los teclados taciturnos y los coros femeninos de Sometimes I feel so lonely, el tercer single que se publicó del álbum, y una de sus mejores canciones. Una guinda soberbia para un disco que no sería arriesgado para un grupo de blues rock al uso, pero que es una auténtica demostración de genio y versatilidad para una banda que subió a lo más alto con propuestas más cercanas al dub, el house o la música electrónica. Pero Riot City Blues tenía que ser así, porque tras todo grito primario, siempre hay un breve momento en el que, para bien o para mal, nos quedamos boquiabiertos.

0238: Help! - The Beatles

La canción que daba título al quinto álbum de estudio de The Beatles, y la pieza principal de la película del mismo nombre, fue compuesta por John Lennon, con ayudas puntuales de Paul McCartney, siguiendo la línea habitual por la que si uno de ellos llegaba con una canción, el otro ayudaba con aportaciones puntuales, y el tema se firmaba finalmente como Lennon-McCartney.

Help! reflejaba el estado de ánimo de un Lennon abrumado por el vertiginoso éxito de los Beatles, y agobiado por la espiral de acoso que vivían tanto por parte de los fans como de los medios. Es, por tanto, una de las canciones más personales y honestas que escribió para los Beatles, y una de sus favoritas de aquella época. ero que hubiese deseado que la hubieran grabado en un tiempo más lento.

Lennon concibió la canción en un tiempo más lento que el que finalmente tuvo, pero al ser un encargo para el disco y la película, la aceleraron y edulcoraron para convertirla en el inmenso hit que llegó a ser. Él siempre consideró que al cambiarla la cargaron de una ligereza que impidió que el mensaje original llegara de una manera más clara a los que la escucharan, porque lejos de estar escribiendo una canción bailable, en palabras del propio Lennon: "En realidad estaba pidiendo ayuda a gritos..."

La música en historias: Descanse en paz, Charlie Watts

 

Otro grande que nos deja, y hace ya tiempo que hay mejor cartel en el festival del más allá que entre los vivos. Van dejándonos músicos de todas las épocas, pero es especialmente doloroso ver como van desapareciendo los miembros de una generación gloriosa que ya no volverá. Dicen que los que recuerdan algo de los sesenta es porque no los vivieron, pero los que por edad no lo vivimos sí que disfrutamos del recuerdo de aquella década mágica, en la que los Beatles y los Stones, y muchos otros, cambiaron la música para siempre.

Y junto a Jagger y Richards, y desde un ya lejano 1963, siempre estuvo a sus espaldas un tipo serio e impasible, elegante y aparentemente ajeno a la locura que se generaba a sólo unos metros de él, concentrado en hacer su trabajo como sólo él podía hacerlo, y haciendo que la locomotora desbocada de los Rolling Stones circulara siempre por los raíles rítmicos que él marcaba con su batería. Y lo hizo hasta hoy, o hasta hace bien poco, porque las noticias le dejaban fuera de la nueva gira del grupo por motivos de salud.

Dicen que los 80 son los nuevos 70, pero esa sentencia quizá no es tan clara si has sido miembro de los Rolling Stones y has vivido varias vidas en el mismo tiempo en el que los mortales vivimos solamente una y, en líneas generales, más tranquila existencia. Y lo paradójico de todo esto es que se ha marchado primero el más tranquilo y sosegado de todos ellos, y el único que escogió envejecer de una forma natural, sin poses, tintes ni pantalones de cuero ajustados. Charlie Watts nunca negó su edad ni trató de maquillarla, así como nunca aceptó algunas de las imposiciones de la fama y de sus propios compañeros de banda.

Con Charlie Watts muere un poco más el rock auténtico y genuino, el que va más allá de la música y se convierte en una actitud y una forma de pensar y de vivir. Dicen que los viejos rockeros nunca mueren, pero sí que lo hacen un poco cuando lo que llena su ausencia son medianías baratas en busca de likes en las redes, y camisetas de los Rolling Stones en las tiendas de ropa para adolescentes, de los que siempre me queda la duda de si saben quienes son realmente esos señores que tan bien conjuntan con su cazadora nueva. Uno de ellos fue un batería legendario llamado Charlie Watts, al que podremos revivir eternamente en cada escucha de cualquiera de los grandes temas de los Rolling Stones, a lo largo de más de cincuenta años. Descansa en paz, Charlie.