La música en historias: Descanse en paz, Charlie Watts

 

Otro grande que nos deja, y hace ya tiempo que hay mejor cartel en el festival del más allá que entre los vivos. Van dejándonos músicos de todas las épocas, pero es especialmente doloroso ver como van desapareciendo los miembros de una generación gloriosa que ya no volverá. Dicen que los que recuerdan algo de los sesenta es porque no los vivieron, pero los que por edad no lo vivimos sí que disfrutamos del recuerdo de aquella década mágica, en la que los Beatles y los Stones, y muchos otros, cambiaron la música para siempre.

Y junto a Jagger y Richards, y desde un ya lejano 1963, siempre estuvo a sus espaldas un tipo serio e impasible, elegante y aparentemente ajeno a la locura que se generaba a sólo unos metros de él, concentrado en hacer su trabajo como sólo él podía hacerlo, y haciendo que la locomotora desbocada de los Rolling Stones circulara siempre por los raíles rítmicos que él marcaba con su batería. Y lo hizo hasta hoy, o hasta hace bien poco, porque las noticias le dejaban fuera de la nueva gira del grupo por motivos de salud.

Dicen que los 80 son los nuevos 70, pero esa sentencia quizá no es tan clara si has sido miembro de los Rolling Stones y has vivido varias vidas en el mismo tiempo en el que los mortales vivimos solamente una y, en líneas generales, más tranquila existencia. Y lo paradójico de todo esto es que se ha marchado primero el más tranquilo y sosegado de todos ellos, y el único que escogió envejecer de una forma natural, sin poses, tintes ni pantalones de cuero ajustados. Charlie Watts nunca negó su edad ni trató de maquillarla, así como nunca aceptó algunas de las imposiciones de la fama y de sus propios compañeros de banda.

Con Charlie Watts muere un poco más el rock auténtico y genuino, el que va más allá de la música y se convierte en una actitud y una forma de pensar y de vivir. Dicen que los viejos rockeros nunca mueren, pero sí que lo hacen un poco cuando lo que llena su ausencia son medianías baratas en busca de likes en las redes, y camisetas de los Rolling Stones en las tiendas de ropa para adolescentes, de los que siempre me queda la duda de si saben quienes son realmente esos señores que tan bien conjuntan con su cazadora nueva. Uno de ellos fue un batería legendario llamado Charlie Watts, al que podremos revivir eternamente en cada escucha de cualquiera de los grandes temas de los Rolling Stones, a lo largo de más de cincuenta años. Descansa en paz, Charlie.

0237 Sinnerman - Nina Simone

Sinnerman, Nina Simone

     En esta ocasión traemos una auténtica joya de la mano de Nina Simone, el tema: Sinnerman. La canción fue concebida por el cantante, compositor y letrista estadounidense Will Holt, quien se basó en un tema tradicional espiritual para componerla, siendo el músico y compositor estadounidense Lex Baxter el primero en grabarla en 1956.

Si embargo la grabación más exitosa, siendo además la versión definitiva del tema como lo conocemos hoy, es la que hizo Nina Simone y que incluyó en su álbum de estudio Pastel Blues, publicado en octubre de 1965 bajo el sello Philips Records. Nina graba el álbum Pastel Blues bajo la producción de Hal Mooney, destacado compositor y arreglista de la época, quien ya había trabajado para artistas de la talla de Dinah Washington, Sara Vaughan o Judy Garland.

La versión que se saca de la manga Nina Simone de Sinnerman, como ya hemos comentado, está basada en un tema espiritual afroamericano, y con más de diez minutos de duración se convirtió en uno de los grandes temas de su carrera. El tema está ligado a la batalla de la artista en defensa de los Derechos Civiles del pueblo afroamericano. La canción está basada en el libro del Éxodo, donde Moisés y su grupo de gente, en su huída de Egipto, es perseguido por una serie de plagas. 

El tema tradicional en el que se basó Will Holt para componer Sinnerman no era desconocido para Nina, pues lo aprendió cuando era pequeña, y lo solía interpretar al piano en la iglesia donde su madre ejercía de Ministra Metodista. La canción tradicional se solía usar en reuniones de oración para llevar a los pecadores al altar.

Un país, un artista: Serbia - Ana Popovic

 

Ana Popovic

     Esta semana el país elegido por todos nuestros amigos y seguidores ha sido Serbia, y nos hemos decantado por el blues, un blues de muchos kilates, de la mano de Ana Popovic. Pero ¿Quién es Ana Popovic?

Ana Popovic nace el 13 de mayo de 1976 en el casco antiguo de Belgrado, por aquel entonces antigua Yugoslavia. Para sus padres, Milutin y Vesna, crecer en un entorno familiar donde la música tiene cabida es muy importante, no en vano su padre es bajista/guitarrista, y suele realizar junto con amigos sesiones de improvisación nocturnas. Ana crece en ese entorno, teniendo además al alcance la gran colección de discos de blues y soul de su padre. Todo esto hace que con 15 años decida coger la guitarra de su padre y empiece a tocar. 

La complicada situación política del país no distrae a Ana, que compagina sus estudios con la guitarra, instrumento que aprende a tocar con suma facilidad. Su padre, quien la apoya y ayuda con la guitarra eléctrica, se da cuenta del enorme talento de su hija, y aunque económicamente son una familia modesta, junto con su mujer Vesna hacen un esfuerzo y apuntan a su hija para que tome clases privadas de guitarra. Paralelamente sigue con sus estudios, y en 1994 decide cursar Diseño Gráfico en la Universidad de Belgrado. Al año siguiente, 1995, decide dar un paso más y decide formar su primera banda de rock, llamada Hush, junto a su amigo, el guitarrista Rade Popovic. Al poco tiempo Ana se encuentra tocando encima de los escenarios delante del público. En un principio empieza como segunda guitarrista, algo que cambia rápidamente dado el gran nivel que atesora, y durante los tres años siguientes se encuentra tocando alrededor de un centenar de conciertos al año, apareciendo regularmente en la televisión yugoslava. Con el fín del comunismo, Ana por fín puede salir fuera del país, mostrando su talento en festivales de blues de Grecia y Hungría. 1998 ser un año importante y decisivo para la guitarrista, pues graba con Hush su primer álbum de estudio, Hometown, y tiene una oferta para estudiar Diseño Gráfico en Utrecht, Países Bajos. Ana decide también enviar un grabación al Conservatorio de Utrecht, una grabación que al ser escuchada por los responsables del Conservatorio lo tienen claro. Ana se encuentra en la tesitura de tener que elegir entre el diseño gráfico y el conservatorio, pero lo tiene claro y elige la música. 

Para poder pagarse los estudios y además poder poner en práctica la teoría musical que va adquiriendo en el conservatorio, forma una banda holandesa. Rápidamente Ana se convierte en una figura importante en la escena del blues en Países Bajos y Alemania, lo que le vale, para una vez finalizados sus estudios de conservatorio en 1999, fichar por el sello discográfico alemán Ruf Records. En octubre de 2000 viaja a Memphis, Estados Unidos, para grabar su primer disco en solitario, Hush!, disco que sale al mercado en 2001. Ese año también participa en la grabación de un disco tributo a Jimi Hendrix, llamado Blue Haze, junto a artistas de la talla de Eric Burdon, Popa Chubby, Taj Mahal, Bernard Allison y Buddy Miles entre otros. Su contribución en ese disco tributo es la interpretación del tema Belly Button Window de Hendrix. 

En 2002 forma parte de la gira europea "Jimi Hendrix Tribute Tour" y se marcha por primera con su banda de gira por Estados Unidos, consiguiendo tres nominaciones a los premios "Blue Awards" en Francia: "Mejor cantante", "Mejor guitarrista" y "Mejor álbum". En 2003 regresa a Memphis para grabar su segundo disco de estudio, Comfort to the Soul. El disco, con aires de blues, soul, jazz y rock, obtiene una buena acogida por parte de la crítica, lo que le lleva a conseguir una nominación en los prestigioss premios WC Handy Awards en Memphis en la categoría de mejor artista nobel, siendo hasta la fecha el único artista europeo en conseguir una nominación en esta categoría. Ese mismo año, durante el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, Solomon Burke la invita a subirse al escenario. Después de aquél día Ana acabó colaborando en el resto de la gira de Burke como invitada.

La carrera de Ana sigue creciendo de forma exponencial. En 2004 realiza hasta tres giras por Estados Unidos, tocando también en Canadá y Europa. Ese año gana el prestigioso premio de jazz Juan Le Pins, en Francia, mostrando el reconocimiento a las habilidades de la guitarrista con el jazz, una de sus grandes influencias. En 2005 lanza su tercer trabajo, bajo la discográfica Ruff, el DVD / CD Ana, Live in Amsterdam y se lanza otra vez de gira por Europa y Estados Unidos. Al año siguiente, 2006, es nominada como "Mejor artista de Blues del año" por la revista Blues Wax, y recibe seis nominaciones en los prestigiosos"Living Blues Awards" de ese mismo año. En 2007 publica su siguiente álbum, Still Making History, y realiza nada menos que 152 conciertos, repartidos en siete giras por Estados Unidos y Europa, además de ampliar horizontes tocando en lugares como Rusia o México. Su trabajo se verá recompensado con la aparición de su disco Still Making History en la lista Billboard Blues Charts, llegando a alcanzar el puesto número 4. 

La actividad de Ana es frenética, pues en 2008, además de ser madre, realiza una gira de cinco semanas por Estados Unidos y Canadá compartiendo escenario con artistas de la talla de Jonny Lang, Ronnie Earl y Los Lobos entre otros. En 2009 publica su álbum Blind of Love y sigue en la misma línea, tocando en directo y compartiendo escenario con Susan Tedeschi, Larry McCray, Bob Margolin y hasta con BB King entre otros, y forma parte del documental "Tun it up aka TONE", dirigido por Robert Radler, sobre las mejores guitarras y guitarristas del mundo. En 2010 es nominada a los "British Blues Awards" como mejor artista extranjero,  compartiendo nominación con BB King y Joe Bonamassa, y toca en la Feria de Música de Frankfurt "Musikmesse", en el mítico Festival de Jazz de Montreal, en su ciudad natal, Belgrado, ante más de 75.000 personas, y en festivales en Indonesia, tocando en lugares como Yakarta, Bundung y Bali. 

Con su siguiente disco, Unconditional, lanzado en 2011, Ana regresa a sus raíces. Ese año aparece como invitada especial en los espectáculos que  BB King realiza por Aelmania, y participa en unos 35 festivales repartidos entre Europa y Estados Unidos. En diciembre es nominada en tres categorías para los Blues Music Awards 2012 de Estados Unidos por éste disco. En 2012 vuelve a ser madre, teniendo tiempo además de tocar en el Festival de Blues Mahindra, India, compartiendo escenario e improvisando con Buddy Guy, Taj Mahal y Robert Randolph, y girar además cinco semanas por Estados Unidos. En 2013 toca en el prestigioso Festival de Jazz de Nueva Orleans, y  en abril de ese año lanza su siguiente trabajo de estudio, Can You Stand The Heat. Ese año realiza nada menos que 130 conciertos entre Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. En 2014 vuelve a ser nominada en los "Blues Music Awards" en la categoría de mejor artista femenina de blues contemporáneo, toca en Sao Paulo, Brasil, compartiendo escenario con Jeff Beck, Kenny Wayne, Buddy Guy, Joss Stone y Jonny Lang, y es invitada al "Experience Hendrx Tour 14", una serie de conciertos que celebran la música y legado de Jimi Hendrix, formando equipo con Buddy Guy, Zakk Wylde, Jonny Lang, Kenny Wayne Sepherd y Bootsy collins.

En 2015 publica el álbum Blue Room, junto a su padre Milton Popovic, su trabajo más personal. Un trabajo que recoge canciones que la guitarrista solía tocar junto a su padre mientras vivía con él y su madre. Al año siguiente, 2016, publica Trilogy, su proyecto más ambicioso hasta la fecha, álbum que contempla 23 canciones. y el disco no defrauda, llegando a la lista de disco más vendidos de Estados Unidos. Ese año se muda a vivir junto con su familia a Los Ángeles y anuncia su primera gira por Australia. En 2017 vuelve a recibir otra nominación en los "Blues Music Awards" en la categoría de mejor artista femenina de blues contemporáneo. Al año siguiente viaja a Nashville para grabar su siguiente álbum, Like It On Top, un trabajo que explora el empoderamiento y lucha de las mujeres por mejorar su situación y en pro de la igualdad. Ese año realiza un total e 115 espectáculos, repartidos entre Estados Unidos, Europa, Canadá y Oriente Medio. En 2019 realiza 150 shows, incluidos 20 festivales de verano en toda Europa, Estados Unidos y Canadá y vuelve a formar parte de la gira "All-Star Experience Hendrix 19". 

En 2020 la guitarrita tenía  previsto celebrar su vigésimo aniversario como músico en una gira por Estados Unidos y Europa, pero todo se detuvo repentinamente con motivo de la pandemia originada por el COVID19. Este año, 2021, Ana Popovic ha vuelto a ser nominada en los "Blues Music Awards" en la categoría de Artista de blues Rock del año, su séptima nominación hasta la fecha, ampliando un poco más el impresionante currículum de la genial guitarrista serbia.

0236: Gloria - Them

 

Gloria, Them

     El 11 de junio de 1965, el grupo de Irlanda del Norte Them debuta con su primer álbum de estudio de larga duración, The Angry Young Team. El disco fue publicado en el Reino Unido. En Estados Unido se lanzaría con el titulo Them y con algunas canciones diferentes.

El disco es grabado en los Decca Studios de West Hampstead, en el norte de Londres, Inglaterra, y producido por Tommy Scott, Bert Berns y Dick Rowe. Incluido en este disco debut se encuentra uno de los temas más reconocidos de la banda, Gloria. El tema fue escrito por el cantante del grupo, Van Morrison, y originalmente había sido grabado en 1964 y lanzado en formato single como cara B acompañando al tema Baby, Please Don't Go. La canción tiene una simple progresión de tres acordes y se convirtió en uno de los grandes referentes del rock de garage.

La canción trata sobre una chica que viene para tener supuestamente unos encuentros sexuales. El tema original tiene una duración de algo más de dos minutos y medio, pero en directo Van Morrison a menudo solía realizar prolongadas improvisaciones en las que daba detalles más gráficos sobre aquellos encuentros sexuales. Según Van Morrison la canción se tituló Gloria en honor a una prima suya 13 años mayor que él, sin embargo la canción no trataba sobre ella. 

La canción fue compuesta por Morrison mientras se encontraba en Alemania actuando con The Monarchs en el verano de 1963. Poco después Morrison se une a Them y el grupo se marcha a Londres para realizar una sesisón de grabación en los Decca Studios el 5 de abril de 1964. Gloria fue uno de los temas grabados ese día. En aquella sesión de grabación estuvieron presentes ademas de Morrison, Billy Harrison a la guitarra, Alan Henderson al bajo, Ronnie Millings a la batería y Patrick McCauley a los teclados. El productor de la canción, Dick Rowe, trajo a aquella sesión de grabación a los músicos Arthur Greenslade (órgano) y Bobby Graham (batería), ya que consideraba que los miembros de Them eran todavía demasiado inexpertos. Hay controversia sobre si estos dos músicos de sesión realmente participaron en aquella sesión de grabación, y también hay controversia en si Jimmy Page, que por enonces trabajaba como músico de sesión, grabó tocando la segunda guitarra, pues hay fuentes que afirman que sí, mientras que hay otras fuentes que lo niegan.

0235: Summertime - Zombies

The Zombies fueron coetáneos de los grandes grupos británicos de los sesenta, pero a la sombra de bandas tan relevantes como Beatles, Stones o Kinks nunca llegaron a tener la fama y el reconocimiento que hubieran merecido en las islas británicas. Pese a no ser demasiado profetas en su propia tierra, sin embargo encontraron el favor de la crítica y el público en el mercado estadounidense, gracias a temas rotundos como Time of the season o Summertime.

Summertime es una versión de un tema de George Gershwin, a la que los Zombies dotan de elaborados arreglos con sabor a jazz y de un cuidado trabajo vocal que preservaba el toque melódico de la composición de Gershwin, dando al conjunto un empaque a la altura de los mejores temas británicos de la época, con los que tantas bandas intentaron lo que se dio en llamar la "invasión británica" de las listas estadounidenses.

La banda tuvo una vida efímera, debido a las tensiones entre sus miembros y a las dificultades que encontraron para que sus singles funcionaran en un mercado cambiante, que empezaba a decantarse por los discos de larga duración. Tanto fue así, que el éxito del tema Time of the seasons les pilló ya a cada uno por su lado. Unos ya otoñales Zombies Se reunieron de nuevo en 2001, en un intento de reverdecer los laureles de aquel "tiempo de verano" y llenar la despensa para el frío y duro invierno.

La música en historias: Return to Zoothalon #MesSanandaMaitreya

Con cuatro discos a sus espaldas bajo su nueva identidad, para el quinto disco Sananda Maitreya se adentró en el fértil terreno de los discos conceptuales, hasta erigir el que posiblemente sea su disco más completo y relevante de la era Sananda. A vueltas de nuevo con la persecución de ese eterno retorno por el que seguir luchando, Return To Zooathalon es una odisea en la que "cuanto más intentas escapar, más te adentras en ello". Las canciones del disco representan el espíritu de Zooathalon, y son la ayuda en el camino hacia "nuestro propio lugar en las estrellas". Estamos ante un disco monumental en contenido y matices, que se concibió a partir de cuatro partes diferenciadas, que acabaron mezclándose por completo en el orden final de temas del disco: 

Regreso a Zooathalon / Capítulo 1 - El último tren a Houston… 

"...Y sin descanso, comenzó de nuevo. Sus caballos galopaban sobre la grava del tiempo, corriendo para liberarse de las riendas... Había cosas que continuar y no había tiempo que perder, ya que siempre había una sombra persiguiéndolo. Antes de que llegara el amanecer, tuvo que REGRESAR AL ZOOATHALON antes de que cerraran las puertas. Y a través de la niebla, llegaron estas canciones..." 

Podría pensarse que el tema Last train to Houston, que cierra el disco, se estuviera refiriendo a la ciudad, pero en realidad se refiere a Whitney Houston, a quién dedica las canciones de esta primera etapa productiva del disco, a la que pertenecen también los temas Albuquerque, Dancing with Mr. Nostalgia, Tequila Mockinbird, Mr. Gruberschnickel y Ornella or nothing, esta última dedicada a Ornella Mutti, su amor platónico de juventud. En las notas del disco, Sananda nos invita a subir al tren con destino a lo desconocido: "Coged vuestro billete y tomad asiento, el tren sale, como un amante sale de su amada. El destino está en tu corazón. Por favor, disfruten de estas melodías y tomad mi consideración con vosotros como vuestro equipaje."  

Regresar a Zooathalon / Capítulo 2 - ¡El sexo y la locura venden!

Y casi tan buenas como esas dos cosas son las canciones de esta segunda tanda de canciones que se grabaron para el disco, que Sananda nos ofrece con un sincero deseo: "Espero que lo disfrutéis, si tenéis tiempo para escucharlo ¡A vuestra salud! Sinceramente, después de escucharlo creo que merece la pena buscar tiempo para deleitarse con temas de gran intensidad soul como Save me, y dejarse llevar por los cálidos teclados y la voz de Sananda en Camel. Yo soy más de vinilos, y puedo contar con los dedos de una mano (y me sobraría alguno de ellos) las canciones que he comprado online, pero ante esta no pude resistirme y se la compré al propio Sananda en formato mp3 en su web (sanandamaitreya.com)

El capítulo se completa con otro puñado de buenas canciones como Hurricane and you, Just go easy, She's not right o If I go away. Sería exagerado decir que son tan buenas como el sexo, pero sí que son muestras de la brillante locura de un cantante en un punto álgido de madurez personal y artística.

Return To Zooathalon / Capítulo 3 - Las próximas aventuras de Stagger Lee

Toda epopeya conceptual requiere de un personaje carismático que aparezca en distintos momentos del disco, y ese parece ser Stagger Lee, que aparece mencionado en varias canciones, y en esta tercera parte es el protagonista de dos de las canciones más imaginativas y cambiantes del disco: Stagger Lee part I y Stagger Lee part II. De estructura más convencional y cercana al gran público es Kangaroo, otro de los temas con nombre de animal, tan habituales en el período Sananda, y a estas alturas ya sabréis que eso es una etiqueta que nos indica que estamos ante una canción grande. Completan la tercera parte los temas Where do teardrops fall?, Walkaway (Ghost Song), Free to be y el tema que da título al disco, la brillante Return to Zooathalon, el himno que resume una odisea musical en clave de soul, funk y R&B de alto voltaje, o en palabras del propio autor, el Post-Millenium Rock. 

 

Return To Zooathalon / Chapter 4 - Bits & Piezas 

 

Las últimas canciones grabadas para el disco fueron Brimstone Follies, una rareza con aires de vodevil que acabaría siendo el tema que abriría el disco, y en la que se menciona de nuevo al personaje de Stagger Lee, y la pegadiza y efectiva DFM (Don't Follow Me). También forman parte de este bloque un par de piezas menores (DHS, de apenas 30 segundos, y Christmas when you are near, que acabó siendo descartada para la versión final del disco). Con estas piezas y bits finales, Sananda tuvo listo todo lo necesario para embarcarse por fin en el gran retorno a Zooathalon, e intentar recuperar de nuevo su sitio entre las estrellas. Escuchadlo, si tenéis tiempo, y al llegar al final de Zooathalon, decidme si no es cierto que, artísticamente, lo consiguió más que de sobra. "Puedo equivocarme, pero nunca encontré un camello que no me gustara" (Camel, Sananda Maitreya)

Return to Zooathalon

1 – Brimstone Follies (0:59)
2 – DFM (Don’t Follow Me) (3:21)
3 – Save Me (3:23)
4 – Dancing With Mr. Nostalgia (3:19)
5 – Stagger Lee – Part 1 (1:44)
6 – Stagger Lee – Part 2 (2:30)
7 – Ornella Or Nothing (3:38)
8 – Where Do Teardrops Fall? (4:29)
9 – Albuquerque (3:21)
10 – Camel (3:14)
11 – Mr. Gruberschnickel (3:37)
12 – Just Go Easy (4:23)
13 – Tequila Mockingbird (3:25)
14 – She’s Not Right (2:44)
15 – Return To Zooathalon (4:07)
16 – Walk Away (Ghost Song) (3:02)
17 – Hurricane Me & You (4:58)
18 – If I Go Away (3:49 )
19 – Free To Be (4:44)
20 – Kangaroo (3:55)
21 – D.H.S. (0:36)

0234: Mr. Tambourine Man.- The Byrds

El debut de The byrds fue exultante, en un abrir y cerrar de ojos la gloria los montó en su nube y les subio al cielo, y parte de la culpa fue este tema que encandilo e incluso hizo dudar del camino que había tomado el mismísimo Bob Dylan, ya que a ojos del publico, de la critica e incluso para sus mismos ojos, esta versión de su canción era sin duda superior a la que él meses antes había publicado. Fusionando con visión propia elementos del beat británico, fundamentalmente de los Beatles, y su querencia por el folk de Bob Dylan (especialmente Robert (Jim) McGuinn), los Byrds lograron establecerse como uno de los grupos más influyentes de la epoca y un nombre esencial de la música americana por su contribución a multitud de formas sonoras (jangle pop, folk, country, psicodelia, rock, folk-rock, country-rock, country-pop, bluegrass, power-pop…) ante la invasion britanica que sufría EEUU. Las composiciones propias de los Byrds por ese momento estaban dominadas por el espléndido talento de Gene Clark, quien concedió un tono entre nostálgico y sentimental a sus melódicos temas. La canción arranca con unas notas agudas de guitarra, pandereta y bajo que dan paso a las armonías vocales de singular belleza del grupo.

 

Los Byrds, que recientemente firmaron con Columbia Records, tuvieron acceso a una versión de demostración de “Mr. Tambourine Man” incluso antes de que su compañero de sello Bob Dylan tuviera la oportunidad de grabarlo para su próximo álbum. El 20 de enero de 1965, entraron al estudio para grabar lo que se convertiría en la canción principal de su álbum debut y, dicho sea de paso, la única canción de Bob Dylan en alcanzar el número 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos. "¡Vaya, hombre, incluso puedes bailar con eso!" fue la reacción de Bob Dylan al escuchar lo que habían hecho los Byrds con "Mr. Tambourine ". Apenas unos días antes de que el enormemente influyente álbum del mismo nombre fuera lanzado al público el 21 de junio de 1965, el propio Dylan estaría en un estudio de grabación de Nueva York con una guitarra eléctrica en sus manos, dando los toques finales a “Like A Rolling Stone ”Y preparando el escenario para su controvertida actuación“ Dylan se vuelve eléctrico ”en el Festival Folk de Newport solo un mes después.

 

Con el objetivo consciente de lograr un estilo vocal entre el de Dylan y el de Lennon, McGuinn cantó como solista, con Gene Clark y David Crosby proporcionando la compleja armonía que, junto con la tintineante guitarra eléctrica Rickenbacker de 12 cuerdas de McGuinn, formaría la base del sonido característico de los Byrds. Sin ánimo de entrar en polémica sobre qué versión es mejor, lo cierto es que la propuesta de The Byrds fue un triunfo rotundo y que tuvo una importancia capital como creadora de estilo; es cierto que muchos aficionados y críticos musicales prefieren la de Dylan y tal vez tengan razón, al menos desde el punto de vista artístico; sin embargo, “Mr. Tambourine” de The Byrds fue la primera canción de éxito que fusionó estilos como el folk, el pop, el country y el rock, y suele ser considerada como el punto de partida del folk-rock. De hecho, no puede entenderse el country-rock de Gram Parsons, de The Flyin’ Burrito Brothers o de los propios Eagles sin antes entender la labor pionera desarrollada por The Byrds.

0233 The Spider And The Fly - The Rolling Stones

 

The SpiderAnd The Fly, The Rolling Stones

En 1965 la banda inglesa The Rolling Stones publicaba el álbum Out of Our Heads, un disco lanzado para los mercados inglés y estadounidense en dos versiones diferentes y significativas. La versión para el mercado británico fue lanzada en septiembre de 1965, mientras que la versión para el mercado estadounidense había sido lanzada con anterioridad, concretamente en julio de 1965. El álbum en ambas versiones fue producido por el productor discográfico británico Andrew Loog Oldham, y publicado por el sello discográfico Decca Records.

Nos vamos a centrar en la versión para el mercado estadounidense, pues The spider and the Fly se encuentra únicamente en ésta. El tema fue escrito por Keith Richards y Mick Jagger, grabado el 13 de mayo de 1965 en los estudios RCA de Hollywood, Estados Unidos, y lanzado como single el 20 de agosto de 1965, acupando la cara B de un sencillo en el que la cara A quedaría reservada para el mítico (I Can't Get No) Satisfaction. 

En la letra de la canción, Mick Jagger y compañía nos describen lo que hará la banda, especialmente el cantante después de que termine su concierto. Jagger es la araña y la mosca es la mujer que caerá y quedará atrapada en la telaraña del cantante. En la canción original, la mujer que se acerca a Jagger ronda los treinta años, edad que se cambiaría posteriormente en la compilación de 1995, en la que la mujer ha envejecido con el tema y se acerca a los cincuenta. La letra tiene un sentido oculto e irónico, pues se basa en un aviso de la novia de Jagger sobre lo que no debía hacer en una gira: "Cuando acabe el concierto vete a dormir, no digas hola a una chica, como la araña le diría a la mosca". Jagger recuerda las palabras de su novia y las tiene muy en cuenta, hasta que ve a una chica rubia a su izquierda. Jagger reconoce entonces que a esa chica le terminó diciendo "hola", tal y como haría la araña a la mosca, y recordando lo que su chica le había dicho.

0232.- Play with fire - The Rolling Stones

 

Lo primero que nos sorprende una vez que cae el LP en nuestras manos es leer que "Play With Fire" es una canción atribuida a Nanker Phelge, sencillo, el nombre es un seudónimo de compositor utilizado por The Rolling Stones en ocasiones entre 1963 y 1965 cuando las canciones eran una creación de toda la banda, es decir, Mick Jagger, Brian Jones, Keith Richards, Charlie Watts y Bill Wyman, una vez que investigas descubres que el tema fue grabado con Phil Spector en el bajo y Jack Nitzsche en el clavicémbalo. Keith Richards proporcionó la guitarra acústica y Mick Jagger cantó las voces y tocó la pandereta…. aunque uno sospecha que los que llevaron el mando en la canción fueron Mick Jagger y Keith Richards, ya que suena muy similar a otras canciones que la pareja escribiría en 1965 y 1966. Un riff de guitarra acústica agridulce (que se inclina más hacia lo amargo) establece el estado de ánimo moderado de la canción, uniéndose a la voz suave y a la vez contundente de Mick Jagger, que contiene una semilla de ira y resentimiento latente, ira y resentimiento que se termina desbordando con la entrada del coro. Lo primero que nos choca es el estilo de la canción, bastante alejado a lo que nos tenían acostumbrados, estamos ante una creación acústica, bastante barroca con un ambiente bastante oscuro. Se nota en este tema que la guitarra acústica de Keith Richards ha dado un paso adelante suena a gloria, y la punción hipnótica que hace con ella en la introducción es uno de los momentos top de los primeros Rolling Stones. También cuenta con un solo de clavecín, lo que hace que esta canción sea candidata a una de las primeras canciones pop barrocas de todos los tiempos. La canción termina con un breve pero memorable movimiento de percusión que suena como un estertor de muerte.

 

El grupo se puso a escribir sobre su experiencia como hombres jóvenes en el Londres de mediados de los 60 en lugar de imitar lo que pensaban que se suponía que era una canción de blues o un éxito pop. La letra de la canción habla de la relación del cantante con una chica de la alta sociedad, hay un tono de desprecio hacia el estilo de vida de la chica, como si tener una relación con alguien de un nivel económico superior fuera un juego donde poder hacerla daño, esto lo plasmarían de nuevo en "19th Nervous Breakdown" en una sensación más acelerada. El título se refiere al modismo "Si juegas con fuego, te quemarás". Play With Fire alcanzó el puesto n. ° 1 en Sacramento, San José y San Bernardino (CA), n. ° 2 en Vancouver (BC) y San Francisco, n. ° 3 en Los Ángeles y Phoenix, n. ° 7 en San Diego, n. ° 9 en Providence (RI) y Lexington (KY), y # 10 en Dallas, Filadelfia y Syracuse (NY).

Disco de la semana 238: Danzig - Danzig

 

Danzig, Danzig

     Para la recomendación de esta semana en 7dias7notas, nos vamos a centrar en la figura de Glenn Danzig. Glenn Danzig, nacido en Lodi, Nuev Jersey (Estados Unidos) en 1955, es un músico, cantante, compositor y escritor, fundador de bandas como Misfists y Samhain. Glenn funda Misfits en 1977, banda consierada como una de las bandas referentes del punk contemporáneo de los últimos 30 años. Además del sonido punk rock, este grupo de Glenn se codeó con otros estilos como el hardcore punk o el horror punk. Tampoco hizo ascos a géneros como el heavy metal y el rock and roll.

La ventura de Glenn en Misfits dura hasta 1983, año en el que abandona la formación. Inmediatamente forma Samhain, banda a la que dota de un sonido más oscuro si cabe, más orientado al horror punk, deathrock o el rock gótico. Glenn Danzig había concebido originalmente Samhain como un proyecto paralelo junto con el bajista Eerie Von mientras funcionaba también con Misfits, pero al disolver ésta, Samhain se convirtió en su poryecto principal.

En 1986, se cruza en el camino de Samhain, que lleva ya publicados dos álbumes de estudio, el famoso productor discográfico Rick Rubin, quien anda a la caza de potenciales bandas para su sello discográfico Def Jam Recordings. Inicialmente, Rubin sólo quería firmar a Glenn Danzig, con la intención de convertirlo en el vocalista de un nuevo supergrupo, pero Glenn se niega si no le acompaña en este nuevo proyecto Eerie Von, el bajista de Samhain. Para completar el proyecto Glenn cuenta con John Christ a la guitarra y Chuck Biscuit a la batería. Una vez fichados, Glenn decide seguir el consejo de Rick Rubin para evitar tener que empezar de nuevo ante posibles cambios de formación y cambia el nombre de la banda Samhain, a partir de ese momento se llamará Danzing. 

En 1988 Danzig publica su primer álbum de estudio, de título homónimo, Danzig, bajo el sello discográfio Def American Recording, y bajo la producción del mismísimo Rick Rubin, propietario del sello. El disco es grabado entre septiembre de 1987 y abril de 1988 y publicado en agosto de 1988. En este disco, Danzig da un giro al sonido del grupo, orientándolo hacia el heavy metal, blues rock y hard rock con toque siniestros y oscuros. Un gran disco donde todos los temas menos The Hunter están compuestos por Glenn Danzig. 

El disco contiene material más que interesante, temas como Mother, retitulada posteriormente como Mother 93, que se convertirá a la postre en el sencillo más exitoso de la banda en su historia. Un tema con una letra muy críptica donde una de sus mayores interpretaciones defiende que el narrador está descendiendo hacia las fauces de Satán, y su familia está preocupada, pero él les indica a su padre y a su madre que no intenten ayudarlo. Glenn afirmó que se inspiró para componer el tema en Tipper Gore, quien como miembro del Centro de Recursos para Padres (PMRC) había presionado para que se establecieran regulaciones sobre la música que se consideraba perjudicial para los niños; La magnífica versión de The Hunter, compuesta por Booker T. & the MG's y Carl Wells, y que que había sido originalmente grabada por Albert King en 1967 en su disco Born Under a Bad Sing; She Rides, una canción de simple estructura con un par de pistas de guitarra y casi sin bajo, con una temática sobre el sexo y donde se hacen contínuas referencias al personaje mitológico de Lilith, una diosa asociada a la oscuridad y temida por los hombres, una figura demoníaca en la mitología judía; Twist of Cain, tema que había sido compuesto y grabado originalmente mientras la banda era conocida como Samhain. El tema cuenta con la colaboración a los coros de James Hetfield de Metallica, declarado admirador de la banda y su trabajo, pero por problemas contractuales con su sello discográfico Elektra Records no pudo ser acreditado; Possesion, tema que tiene una curiosidad, para la introducción del tema se usó una pista de piano al revés. El tema también contó con la colaboración a los coros de James Hetfield.

Como hemos comentado anteriormente, el disco estuvo rodeado de cierta polémica, y ya en las ediciones de CD de 1990 a 1998 se insertó la famosa etiqueta de Parental Advisory. Curiosamente este álbum, Danzig es uno de los pocos que fue etiquetado como explícitos a pesar de la virtual ausencia de blasfemias, salvo el uso de la palabra "puta" una única vez. sobre este hecho, Glenn Danzig afirmó que el hecho de que pusieran la etiqueta de advertencia se debía que con su disco estaban haciendo pensar a la gente, y a la gente en Estados Unidos no se la permitía hacer pensar y que cuestionaran al gobierno y a las autoridades.

0231 (I can´t get no) Satisfaction - The Rolling Stones

0231 (I can´t get no) Satisfaction - The Rolling Stones

Durante la tercera gira en los Estados Unidos, en 1965, Richards ideó el riff de guitarra de la canción (I can't get no) Satisfaction. Cuando los Rolling Stones se hospedaban en el hotel Fort Harrison en Clearwater, Florida como parte de su gira. 

Dicen que una noche Richards se despertó de repente y encendió la grabadora y tocó el riff que abre Satisfaction antes de volver a la cama. Más tarde el propio Keith Richards diría "Dos minutos de Satisfaction y 40 minutos de mis ronquidos".

Más tarde Keith Richards lo llevó al estudio donde The Rolling Stones estaban grabando. A Jagger le gustó el riff de Keith Richards, pero Richards pensaba que se parecía demasiado a la canción Dancing in the Street de Martha & The Vandellas. En una entrevista, Jagger comentó: «Creo que Keith pensaba que el riff era un poco básico. Estaba muy enganchado a él y le parecía un tipo de riff tonto». Sobre la letra de Satisfaction Jagger escribió la letra para el riff intentando hacer una denuncia sobre el comercialismo salvaje que la banda británica había visto en América. Keith Richards, refiriéndose al proceso de escritura de la letra para la canción, declaró: «Mick escribió todas las palabras que dicen algo y yo escribí el gancho, me levanté de la cama con este riff y me dije 'tengo que escribir esto».

Esta canción ha sido tocada en casi todos los conciertos del grupo desde su lanzamiento, a excepción de las presentaciones hechas a mediados de los años 70, donde se omitía gran parte del catálogo anterior al año 1968. 

Y esto me recuerda el concierto hecho por The Rolling Stones en Buenos Aires en la gira Bridges to Buenos Aires, un álbum en vivo de la banda británica The Rolling Stones que contiene material inédito del concierto del 5 de abril de 1998 acontecido en Buenos Aires, Argentina, en el cual el grupo toco "Like a Rolling Stone" junto a Bob Dylan, en el marco de su gira Bridges to Babylon Tour. Fue editado el 9 de noviembre de 2019 en formato DVD/CD, blu-ray/CD (tanto en formato de video como audio) y en disco de vinilo de color azul.

Daniel

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0230: The Last Time - The Rolling Stones

The Last Time (1965) tiene el honor de ser la primera composición original de los Rolling Stones en convertirse en cara A de un sencillo de éxito de la banda, y con ello el que fuera tercer sencillo de la banda les dio además la confianza suficiente para lanzarse a componer temas nuevos, en un momento en el que las demandas del mercado musical se empezaban a alejar del modelo basado en realizar versiones de temas antiguos y en interpretar canciones de la nómina de compositores de las discográficas.

Fue además el primer tema en el que, sin dejar de lado las raíces de blues y soul que tanto les influenciaban, se atisbaba un cambio de dirección hacia esquemas de rock más claramente diferenciados, que incluían la utilización de efectivos riff de guitarra y reminiscencias de la música country que venía de Estados Unidos.

La canción tuvo un importante gancho para la juventud del momento, con una estructura que readapta temas previos de James Brown (Maybe the last time) o las Staple Singers (This may be the last time), con un Jagger más melódico que en las habituales revisiones de temas de blues que poblaban los primeros discos de la banda, y con un cortante solo de guitarra que conducía a la canción hacia terrenos mucho más cercanos al rock.

0229: I got you babe - Sonny & Cher

¡Arriba, excursionistas, despertad y no olvidéis los descansos, porque hoy hace mucho frío! Esa era la frase con la que, con I got you babe de Sonny & Cher sonando,  un locutor de radio despertaba todos los días a Bill Murray, condenado a vivir eternamente el mismo "día de la marmota", en la genial película Atrapado en el tiempo (1993). A día de hoy, resulta casi imposible no imaginar a Murray poniendo caras de hastío y agotamiento ante el puente de la canción y los rítmicos coros que acompañan al estribillo, pero el efecto de esta canción eterna dista mucho de ser de hastío, tras no perder su fuerza y magnetismo después de más de 50 años.

Compuesta por Sonny (Salvatore Phillip Bono), se convirtió inmediatamente en un éxito mundial que convirtió en estrellas a la pareja Sonny & Cher en 1965, y se ha mantenido en la memoria colectiva a través de los pinchazos radiofónicos, las revisiones de otros artistas como Chrissie Hynde y UB40, y su inclusión en películas y series de éxito como la ya mencionada Atrapado en el tiempo o los dibujos animados de Beavis and Butt-Head (en la que la propia Cher la interpreta junto a los dos descerebrados protagonistas).

La revista Rolling Stone la incluyó en el número 444 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, en un ejemplo más de que no es, ni mucho menos, una mala elección para nuestro despertador, aunque todos los días nos parezcan a veces un poco iguales. Somos nosotros los que podemos hacer de cada día algo diferente, al ritmo de cualquiera de las grandes canciones de la historia de la música. Es nuestra elección, así que: ¡Arriba, excursionistas, despertad y no olvidéis los descansos, porque hoy hace mucho frío!

Un país, un artista: Senegal - Baaba Maal

 

El cantante y guitarrista profesional Baaba Maal nació en 1953 en Podor, en el norte de Senegal, en una familia de pescadores perteneciente al pueblo Toucouleur. Sin embargo, su primer contacto con la música provino de sus padres, ya que su padre cantaba en la mezquita local y su madre cantaba durante las ceremonias comunales. Su interés por este arte creció tanto que en 1974, tras finalizar el bachillerato, se incorporó al conservatorio público de música de Dakar. Diez años después, en 1984, formó el grupo Daande Lenol (es decir, La Voz del Pueblo) con otros ocho músicos. Su música mezcla instrumentos tradicionales de África Occidental con instrumentos más modernos, rejuveneciendo el género y haciéndolo accesible a las generaciones más jóvenes. Al mudarse de casa, Baaba buscó una educación superior en el campo musical de algunas instituciones diferentes. El primero de ellos fue en la escuela École des Beaux-Arts en Dakar, Senegal. Sin embargo, después de completar este nivel de educación, Baaba decidió unirse a un grupo orquestal con el griot de su familia y su mentor y amigo personal, Mansour Seck. Juntos viajaron por África Occidental con el grupo de 70 personas, llamado Asly Fouta, hasta 1977. Unos años más tarde, Baaba se fue a París para estudiar en el Conservatorio de París donde había obtenido una beca. Mientras estaba en París, produjo su primer álbum Djam Leelii con Seck, quien había viajado allí con él.

Baaba Maal empezó con un conjunto acústico, a mediados de los 80 crea su propia banda, Daande Lenol . Con el éxito de Youssou N'Dour en mente, Baaba intentó conquistar los mercados musicales internacionales mezclando diferentes estilos con su propia música, en la que, en general, tuvo bastante éxito. En 1988 lanzó su primer álbum en solitario llamado Wango en Senegal. El mismo año, el productor inglés Chris Blackwell escuchó los primeros trabajos de Maal y decidió ficharlo por su sello de música mundial, Mango, que extendió la fama del cantante a una nueva audiencia europea. Es en este mismo sello que Baaba Maal editó en 1991 Baayo y en 1994 Firin’In Fouta, dos álbumes que nuevamente combinaron ritmos e instrumentos tradicionales de África Occidental con sonoridades más modernas, notablemente con la intervención de varios músicos europeos.

Después de dar conciertos tanto en Europa como en Estados Unidos, Baaba Maal fue nominado en 1996 en la categoría de “Música del mundo” de los premios Grammy, lo que ilustró su creciente prominencia y reconocimiento en la industria de la música a lo largo de los años. Su carrera musical continuó con el lanzamiento en 1998 de Nomad Soul, en 2001 de Missing You (Mi Yewii), y más recientemente en 2008 de International riche Afrique, tres álbumes en los que la influencia de sus orígenes africanos sigue siendo central tanto musical como textualmente. Paralelamente a los lanzamientos internacionales, Maal continúa grabando los álbumes más tradicionales y acústicos, siguiendo su álbum clásico de todos los tiempos «Djam Leelii» , grabado con Mansour Seck . Otro fiel compañero fue el maestro de kora Kaouding (o Kawding) Cissoko, quien falleció el 17 de julio de 2003 a la edad de 38 años, tras un ataque agudo de tuberculosis.

Además de sus producciones musicales, Maal también es políticamente activo, especialmente con su nominación como "Emisario de la Juventud" para el Programa de Desarrollo de las Naciones Unidas en julio de 2003, principalmente por su papel en alertar a la juventud africana sobre el peligro del VIH. El cantante también está comprometido con el desarrollo de Podor, su ciudad natal, ya que ha organizado allí desde 2006 un festival cultural llamado "Les blues du fleuve" (es decir, "El blues del río") que celebra la riqueza de la cultura de África occidental a través de muchas formas artísticas. . Baaba Maal promueve durante sus conciertos y a través de sus textos una imagen poderosa del continente africano, exponiendo su diversidad y grandiosidad cultural.

El artista senegalés se consolidó como una figura de África Occidental a lo largo de los años, no solo gracias a que su arte mezclaba sonoridades tradicionales con otras más modernas, sino también por su dedicación a los asuntos políticos ocurridos en su región natal y su promoción de la profusión cultural africana en a escala mundial. Con 11 álbumes de estudio, numerosas giras internacionales y un amplio reconocimiento, Baaba Maal es considerado uno de los artistas más destacados que promueve los valores de su herencia africana. Su música se basa en las tradiciones de los Haalpulaar del norte de Senegal y se distingue de la música mbalax de wolof, predominante en la música senegalesa.

0228 Feeling Good - Nina Simone

 

Feeling Good, Nina Simone

     En junio de 1965 es lanzado por el sello discográfico Phillips I Put a Spell on You, disco grabado por Nina Simone entre 1964 y 1965 en Nueva York. El álbum alcanzó el puesto número 99 en la lista estadounidense Biilboard Hot 200, y el puesto número 9 en las listas de álbumes del Reino Unido.

Incluido en el disco se encuentra todo un clásico, Feeling Good, tema donde la voz de Nina y una gran sección de vientos brillan con luz propia. Fue escrita por los compositores ingleses Anthony Newley y Leslie Bricusse para el conocido musical The Roar of the Greasepaint - The Smell of the Crowd. Feeling Good fue intepretada por primera vez en el escenario por el actor, músico, esritor y poeta de Guyana Cy Grant en 1964 en la gira del musical por el Reino Unido. Para la producción de Broadway, que se inauguró en mayo de 1965, el encargado de inteerpretar el tema fue Gilbert Price.

Habría que esperar hasta el año siguiente, 1965, cuando Nina graba el tema para su álbum I Put a Spell on You, para que el tema alcance una gran popularidad y se convierta en un clásico. Para la grabación de Nina, Feeling Good fue arreglada y producida por Hal Mooney, quien también se encargó de producir todo el disco. En cuanto a la temática del tema, en un momento del musical se le pide a un personaje de raza negra que compita contra el héroe del musical llamado "Cocky", pero mientras "Cocky" y su maestro "Sir" discuten sobre las reglas del juego, el personaje se acerca al centro del escenario y canta Feeling Good, alzándose con el triunfo. El tema fue descrito como una canción de emancipación en auge.

0227 I Put a Spell on You - Nina Simone

0227 I Put a Spell on You - Nina Simone  

I Put a Spell on You, es una canción del año 1956 escrita por Jay Hawkin. Fue seleccionada para pertenecer al selecto grupo de las 500 canciones que pertenecerían al Salón de la Fama del Rock and Roll. También obtuvo su lugar en el puesto número 313 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

La versión de la que hablaremos es la que hizo Nina Simone dándole además nombre a un disco de la artista, I Put a Spell on You es el disco de estudio que la cantante, compositora y pianista de jazz estadounidense Nina Simone, grabaría en 1964 y 1965 en la ciudad de Nueva York, y fue lanzado por Philips Records en 1965. Alcanzó este álbum el puesto número 99 en la lista Billboard 200 y el número 9 en la lista de álbumes del Reino Unido. La canción principal, I Put a Spell on You, alcanzó el puesto 23 en la lista de Hot R & B / Hip-Hop Songs y el número 28 en la lista de singles del Reino Unido.

Nina Simone no sería la única en hacer una versión de esta maravillosa canción, se encargaran también de hacerla Creedence Clearwater Revival, Annie Lennox, Joss Stone, y numerosos otros artistas. 

Daniel 

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La música en historias: Nigor Mortis - #MesSanandaMaitreya

 

Nigor Mortis, Sananda Maitreya

     Nigor Mortis (marcado como el séptimo álbum de estudio aunque en realidad es el octavo) es un álbum de un artista que anteriormente respondía al nombre de Terence Trent D'Arby y ahora lo hace como Sananda Maitreya. El título del disco es un juego de palabras que representa el estado entre "Rigor Mortis" y "Vigor Mortis", entre la rigidez y la vitalidad del cadaver, como un nuevo despertar y vuelta a la vida. Todo un juego de palabras con el que Sananda se revelaba contra todos aquellos que le daban por muerto artísticamente, y con este nuevo trabajo con muchos temas a la altura de sus mejores momentos se iba a reivindicar.

Sananda, como ya hiciera con todos sus trabajos desde su cambio de nombre y rumbo, se encarga de autoproducir él mismo el disco, el cual contiene 23 temas que en su momento fue concebidos para descargas por internet, y en formato CD. La edición de CD se presentaba en un estuche con un DVD y un folleto adjunto de fotos de 8 paǵinas. También se edito una versión instrumental del álbum únicamente disponible en formato MP3.

Nigor Mortis es grabado en Milán, lugar donde Sananda había fijado su residencia allá por el año 2002, y publicado a finales de 2008. El disco, con 23 temas, puede resultar bastante largo, es lo que tiene autoproducir un disco y no tener que rendir cuentas a nadie, que era lo que Sananda se había propuesto algunos años atrás. Sin embargo el resultado es un buen disco, con un sonido muy negro donde se entremezclan rock y soul con mucho gusto, aunque también se atreve con otros ritmos como el funky o el R&B. El disco es compuesto y auotoproducido por  Sananda, y también se encarga de todos los instrumentos, contando con la gran colaboración de Lucio Fabbri al violín y banjo. En cuanto al sonido, predominan los sonidos de piano y teclados, y también una línea de bajo muy buena y destacable durante todo el álbum.

Dentro de los 23 temas Sananda juega con el soul, sonido que le sienta como un guante, en temas como O Lovely Gwenita, que además de abrir del disco lo hace de una forma muy prometedora, uno de los grandes momentos del disco; At the Crossroads, otro de los mejores temas de álbum; A wife Knows y Because You've Change, con una buena línea línea de bajo y donde Sananda realiza un exquisito trabajo vocal; Has It Been Too Quiet? Unos de esos temas con Sananda sentado al piano que tan bien sientan al artista; This Town, tema con unos giros vocales brutales; o What Would You Like?, donde el artista nos vuelve a demostrar que poco más necesita además de su piano y su voz. 

También encontramos temas de corte más roquero, como With a Girl Like You, tema más rápido y rítmico con un toque country que hace de éste tema sin duda otro de los mejores del álbum; Free Me, con un rollo muy a lo Hendrix y un aire muy setentero; I Don't Give Fuck About You, otro de los grandes momentos del disco donde el comienzo ya aventura algo más grande. La línea de bajo y la voz de Sananda doblada con guitarra que va creciendo hasta desatarse, brillante; Never How Much, canción que junto a Mr. Gupta contiene unos contundentes y pesados riffs de guitarra con aires de los años 70; o Angel (Not a Saint),  otro tema con un aire country y un gran trabajo al violín de Lucio Fabbri. Sananda también se atreve con sonidos más funkys, como en la brillante Superstar. Y mención aparte para la genial Priscilla, otro momento álgido del disco, donde acompañado de una guitarra acústica se marca esta pedazo de balada. Su voz y poquito más hace falta para que Sananda sea capaz de emocionarnos. 

Sananda avisaba a los que le daban por muerto artísticamente y se revelaba con este disco, Nigor Mortis, trabajo con el que nos presentaba su nuevo estado de vitalidad artística.

0226: I've Been Loving You Too Long .- Otis Redding

 

Hoy vamos a detenernos en uno de los temas del álbum Otis Blue: Otis Redding Sings Soul, el tercer y disco de mayor éxito del malogrado Otis Redding, que fallecería apenas dos años más tarde, con 26 años. El álbum fue grabado en apenas 24 horas en los estudios Stax de Memphis. Tres de las canciones fueron escritas por el propio Redding: Ole Man Trouble, Respect- que se convertiría más tarde en canción emblema de Aretha Franklin- y ésta, I’ve been loving you too long, que hasta los mismos Stones recreaban en sus conciertos. De hecho, la incluyeron en su primer álbum en directo, Got LIVE If You Want It! (1966).

Es muy probable que la evolución musical del soul y el R&B hubiese cambiado de no mediar la prematura muerte del más rutilante y dotado de sus intérpretes, Otis Redding, víctima mortal de un accidente de avioneta en diciembre de 1967, poco después de cumplir 26 años. Es tanta y tan enorme la obra de Redding pese a la tragedia que la truncó antes de tiempo. Redding, que era un gran compositor —a diferencia de buena parte de los vocalistas de soul, que sólo ponían garganta y sentimiento—, escribió la pieza en la soledad nocturna de un hotel y a medias con Jerry Buttler, el cantante de los Impressions, la lejanía de la persona amada y el sentido de separación brotan, palpables, en la interpretación. Este tema fue la estrella en el Festival de Monterrey de 1967,  con el respaldo de Booker T & The MG's, Otis se embarcó en una actuación cargada de emociones de "I've Been Loving You Too Long" que tiene a los asistentes de aquel festival hablando hoy en dia de ella, ya que realmente los conmovió hasta las lágrimas con su intensidad y pasión, como se diría vulgarmente dejó a los “hippies” con la boca abierta y en ridículo cuando cantó el tema, demostrando que no es necesario quemar una guitarra en el escenario cuando es tu alma la que está ardiendo. De todas las actuaciones que tuvieron lugar ese fin de semana, fue " I’ve been loving you too " la que se recordara del espectáculo; la multitud, esperaba curiosa a aquel joven negro vestido con un traje verde kelly hecho a medida, y se volvió absolutamente loca con cada ejecución vocal, abrumada por emociones que nunca supieron que tenían y que nunca esperaron que surgieran durante su actuación.

El tema empieza con la voz en solitario de Otis a la que le van uniendo de forma muy suave piano, bajo y batería, mientras la guitarra lanza unos acordes, hay que prestar atención a la sección de viento que hace entradas potentes y fulgurantes en momentos de especial emoción y en la parte final, pero todo muy comedido ya que estamos ante un tema muy suave para mostrar la intimidad de esta confesión/súplica. La letra nos habla de un amor que ha ido creciendo en el tiempo, sobreviviendo a los periodos de enfriamiento, y a fases en lo que parecía que todo había terminado aunque sobrevive de mala manera, la cancion suplica que no le pida que pare, que le deje de amarla de esta forma desmesurada que le llena el corazón.

0225 In the Midnight Hour -Wilson Pickett

 

In The Midnight Hour, Wilson Pickett

     In The Midnight Hour es uno de los grandes clásicos y éxitos de Wilson Pickett, publicado por el sello Atlantic Records en 1965 en el álbum del mismo nombre, y posteriormente en el siguiente álbum, The Exciting Wilson Pickett, en 1966.

Esta canción alcanzó el puesto número uno en la lista R&B de la famosa revista Billboard en agosto de 1965, y en la lista Billboard Hot 100 llegó a alcanzar un más que meritorio puesto 21. Sin embargo, según Jim Stewart, propietario del sello Stax Records, la canción no llegó a meterse dentro del top 20 debido a que la canción era sexualmente demasiado sugerente. En 2007 In The Midnight Hour fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos por ser "cultural, artística e históricamente significativa".

El tema fue compuesto por Wison Pickett y Steve Cropper, guitarrista, compositor y productor estadounidense famoso por ser miembro de la banda de músicos de sesión del sello Stax Records, y posteriormente de Booker T. & the MG's. El título de la canción fue puesto por Cropper, y según él, se basó en algunas canciones anteriores de gospel que Wilson Pickett tenía, al parecer en un par de ellas usaba la frase "I'll see my Jesus in the midnight hour! oh, in the midnight hour. I'll see my Jesus in the midnight hour" / "¡Veré  mi Jesús en la medianoche! oh, a la medianoche. Veré a mi Jesús a la medianoche". Sobre la canción que Cropper recordó y en la que se basó para el título se especula que fue I Found a Love, interpretada por Wilson Pickett con su grupo The Falcons en 1962. En dicho tema Wilson canta "And sometimes i call in the midnight hour" / "¡Y a veces llamo a medianoche!", siendo ésta la única cita del evangelio que se parecía al título y que Wilson Pickett había cantado hasta entonces en alguna de su canciones.

In the Midnight Hour fue grabado en los estudios Stax Records bajo la producción del mismísimo Jim Stewart y de Steve Cropper, y contó con  los habituales músicos de sesión del sello, Steve Cropper a la guitarra, Al Jackson a la batería y Donald "Duck" Dunn al bajo. En cuanto a la temática de la canción, Wison Pickett espera hasta la medianoche para encontrarse con su chica en una cita romántica. 

Disco de la semana 237: Locura - Virus

Disco de la semana 237: Locura - Virus

Virus es una banda de principios de la década de los 80, y vamos a recomendar uno de sus emblemáticos discos, el cual vio la luz en un recital en el Teatro Opera de la ciudad de Buenos Aires, el 12 de diciembre de 1985, cuando se abrió el telón. El disco, llamado Locura, fue el quinto disco de la banda y el que le abrió las puertas al mercado nacional y latinoamericano.

Se puede decir que este disco, Locura, es el más sexual y sofisticado que ha editado la banda Virus, y uno de los favoritos de su vocalista y líder Federico Moura, y el más exitoso en ventas, ya que ha alcanzó a vender más de 200.000 copias.

A partir de este disco, la banda Argentina se convirtió en una de las bandas que fueron invadiendo el continente Americano con su música, donde han resonado canciones como Pronta entrega, Una luna de miel en la mano, Destino circular, Sin disfraz, Pecado para dos y Lugares comunes.

De este modo Locura pasó a ser uno de los mejores discos de toda la historia del rock, no solo argentino, sino también de Latinoamérica, ocupando el puesto 158 en la clasificación de los 250 mejores discos de rock en Latinoamérica ranking realizado por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

Una anécdota del disco: se iba a llamar originalmente Pecados, pero cuando iban a registrarlo, los hermanos Moura (parte de la banda) decidieron cambiar el título por el que hoy es conocido (Locura). Su grabación se realizó en Buenos Aires y fue mezclado en Nueva York.

Ya han pasado muchos años del lanzamiento de este disco Locura, que aun se mantiene intacto sonando en las radios o en las plataformas digitales. La banda en el año 2015 celebró los 30 años de su estreno tocando nuevamente en el Teatro Ópera, un escenario que volvió a ser testigo de un momento que quedaría en la historia.

Daniel
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0224 Papa’s Got a Brand New Bag - James Brown

0224 Papa’s Got a Brand New Bag -  James Brown

La canción "Papa's Got a Brand New Bag" es una canción escrita y grabada por el artista James Brown. 

Esta canción, publicada como single en 1965 y años después reeditada, fue la primera canción de James Brown en alcanzar el el Top Ten de Billboard Hot 100, llegando a ocupar la posición número 8 del ranking, y fue un éxito de R&B, ubicándose  en el puesto número uno y permaneciendo en las listas durante ocho semanas. Esto le permitiría a James Brown su primer premio Grammy a la Mejor Grabación de Rhythm & Blues.

Habiendo consolidado un estilo nuevo en las grabaciones que haría James Brown, "Papa's Got a Brand New Bag" se considera una canción fundamental en el surgimiento de la música funk como un estilo distinto. 

Mientras James Brown canta las aventuras de un anciano lo suficientemente valiente como para salir a la pista de baile de un club nocturno, el sonido de la banda suena con un ritmo prominente y un riff de guitarra eléctrica que engancha muchísimo. Tanto el cantante como la banda ponen un énfasis abrumador en el primer tiempo de cada compás ("on the One"). La canción es la primera grabación de Brown que presenta a Jimmy Nolen en la guitarra.

La grabación hecha de "Papa's Got a Brand New Bag" fue editada y acelerada para su lanzamiento en el año 1965, aumentando el tempo y subiendo el tono en medio paso, en cambio en su segundo lanzamiento, esta vez en 1991, la grabación fue lanzada sin editar a su velocidad original. Esta nueva edición incluiría las pistas del charlas en el estudio, más una introducción, con James Brown gritando roncamente "¡Esto es un éxito!" justo antes de comenzar la canción.

Daniel 

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0223.- Catch the wind - Donovan

 

Durante casi medio siglo Donovan ha encarnado el espíritu más puro e inocente, sin traicionarse y trabajando para reforzarlo como estudioso del budismo zen y de la espiritualidad. Y lo ha hecho con poesía y con música, como los legendarios trovadores europeos, cofradía de la que forma parte por derecho propio. Donovan ha pasado por infinidad de cambios dentro de su carrera musical, que en su caso es una auténtica forma de vida. Comenzó como intérprete del folk primitivo, al igual que su admirado Bob Dylan. Su primer single, “Catch the Wind”, y sus primeros álbumes fueron hechos bajo esa influencia. Hasta ahí el paralelismo. El primer álbum de Donovan en 1965 salió a la luz en Pye Records (que fueron editadas en los EE.UU. por Hickory Records con el nombre 'What's Bin Did and What's Bin Hid') tienen sólo un ligero parecido con el material pop más moderno que comenzó a editar un año más tarde, cuando se pasó a Epic Records. Su obra de este periodo ha sido comparada con la de Bob Dylan, pero la influencia más fuerte es probablemente Bert Jansch.

Estamos ante la cancion debut de Donovan , fue lanzado después de su tercera aparición en la televisión británica. El sentimiento que Donovan expresa en la canción te llega a conmover mientras escuchas a golpe de guitarra como ve a una chica de la que está enamorado y quiere estar con ella, pero no sabe por dónde empezar. Para él, es tan difícil como intentar atrapar el viento, frases como esta están al alcance de muy pocos. En una entrevista con Dierdre O'Donoghue en KCRW Radio, Los Ángeles,Donovan dijo hablando de "'Catch The Wind', “la escribí para Linda (Lawrence, con quien se casó en 1970), aunque todavía no la conocía. Es una canción de amor no correspondido, pero realmente no la había conocido, entonces, ¿cómo podría extrañarla?, parece que escribo canciones proféticas en el sentido del poeta celta y escribí esta canción antes de conocer a Linda, de un amor que me hubiera gustado tener y perder ". Quizás el enamoramiento sea una mejor descripción. Donovan toca la canción con solo una guitarra acústica y armónica y crea un gran sonido con una hermosa melodía.

La melodía la toma prestada en gran medida de "Chimes Of Freedom" de Bob Dylan, que se lanzó aproximadamente medio año antes de "Catch The Wind". La conexión entre las dos canciones se reconoce instantáneamente en el patrón de rima y la melodía vocal de las primeras líneas. Si estás tratando de introducir a alguien en la música folk, ponle esta canción. Si no les gusta, es posible que nunca le gustara este estilo, ya que "Catch the Wind" tiene todos los elementos de una gran canción popular, además de uno de los temas más universales: el amor. 

0222 It's not unusual - Tom Jones

Los caminos del éxito son a veces "inusuales" e inesperados, y están influidos casi siempre por la casualidad y quién sabe si también el destino. Por esos intrincados caminos andaba perdido un joven y desconocido Tom Jones, que no terminaba de encontrar el tema que le catapultara al ansiado éxito. La ya mencionada casualidad hizo que llegara a sus manos un tema compuesto por Les Reed y Gordon Mills, que acababan de ofrecérselo a la cantante Sandie Shaw.

Tom Jones quedó prendado de It's Not Unusual y grabó una maqueta en los estudios Decca en 1965. El acuerdo fue que la canción serviría de muestra para convencer a Sandie Shaw para que la interpretara, y sólo si ella la rechazaba quedaría disponible para Tom Jones. Sandie quedó tan impresionada con la interpretación vocal de Jones, que sólo pudo decir: "Esta canción es de quién la está cantando".

It's not unusual fue el primer número uno de la carrera de Tom Jones, y el espaldarazo definitivo que estaba buscando para su carrera. La magia de este tema va más allá del año de su publicación, y permanece en la memoria colectiva gracias a su ritmo pegadizo y vacilón, que ha servido de banda sonora a películas y series como El príncipe de Bel Air (quedará ya para siempre asociada al mítico baile de Carlton Banks) Eduardo Manostijeras o Mars Attacks (interpretada por el propio Tom Jones con un inesperado coro de traviesos marcianos). Tiene que haber sido el destino, porque la letra de la canción dista mucho de ser alegre, describiendo el dolor de ver a la mujer amada en brazos de otro. Eso, o simplemente que es tan buena que no podemos dejar de movernos nada más escuchar los primeros compases de It's not unusual.