Disco de la semana 309: Never Forget My Love - Joss Stone

 

Never Forget My Love, Joss Stone

     Para la recomendación de esta semana traemos una mujer con una voz espectacular, con un rango vocal que se mueve entre mezzosoprano y contralto, que suele actuar descalza y le han llegado a apodar "la Aretha Franklin blanca". Nos estamos refiriendo a Jocelyn Eve Stoker, más conocida como Joss Stone. Estamos ante una cantante, compositora y actriz inglesa que saltó a la fama a finales de 2003 con su álbum debut, The Soul Sessions, el cual llegó a ser multiplatino.

Joss Stone nació el 11 de abril de 1987 en Dover, perteneciente a la región de Kent, Reino Unido, y pasó su adolescencia en la localidad de Ashill, un pequeño pueblo de la región de Devon. La tercera de cuatro hijos, su padre Richard Stoker era dueño de un negocio de importación y exportación de frutas, y su madre Wendy trabajó como representante de Joss hasta octubre de 2004. La cantante, que padece dislexia, dejó la escuela a los dieciséis años, y su primera aparición publica fue en Uffculme, Devon, donde realizó una versión de "Reet Petite" de Jackie Wilson. 

Joss creció escuchando una amplia variedad de música, desde el R&B estadounidense de las décadas de los 60 y 70, pasando por la música soul interpretada por artistas de la talla de Dusty Springfield o Aretha Franklin. Esto le llevó a desarrollar un estilo muy profundo y lleno de feeling y sentimiento. Con tan sólo 13 años audiciona para el programa de talentos de la BBC llamado Star for a Nigth en Londres, llegando a ganar el concurso con versiones como (You Make Me Feel Like) A Natural Woman de Aretha Franklin, It's Not Right It's Okay de Whitney Houston, o la magnífica On The Radio de Donna Summer. En diciembre de 2001 actúa en un programa benéfico y llama la atención de los productores londinenses Andy Dean y Ben Wolfe, quienes afirman que "acaban de escuchar al mejor cantante que jamás habían escuchado de su país". Todo esto le vale para que el director ejecutivo Steve Greenberg, del sello discográfico S- Curve Records, la lleve a una audición a Nueva York. Nada más acabar dicha audición Steve Greenberg la firma para dicho sello discográfico.

En 2003 Joss Stone debuta con su primer álbum de estudio, The Soul Sessions, lanzado por el sello discográfico S-Curve Records para el mercado estadounidense, y por EMI Music para el mercado internacional. El disco resulta ser todo un pelotazo, llegando a ser álbum multiplatino y  ser finalista a los reconocidos Premios Mercury (Premio anual otorgado al mejor disco lanzado en el Reino Unido por un artista británico o irlandés) en 2004. Joss Stone iniciaba así una más que prometedora carrera que con el tiempo se ha quedado a medio camino. Quizás no se ha hecho justicia con la increible calidad que atesora, porque tiene, y de sobra para ser considerada una de las mejores sin duda.

En 2022 aparecía publicado Never Forget My Love, el octavo álbum de estudio de la cantante y el recomendado para la ocasión. El disco fue grabado entre los Blackbird estudios de Nashville, Tennessee, los Dogwood estudios y los Little Big Sound de Bellevue, Tennessee, bajo la producción del músico, compositor y productor inglés Dave Stewart, y publicado el 11 de febrero de 2022. Una delicia de disco donde todas las pistas están escritas por Dave Stewart y Joss Stone, y que pretende colocar a Joss en el selecto grupo de grandes cantantes, algo que le ha costado mucho, y no es porque no la haya intentado. 

Never Forget My Love nos habla de los errores cometidos, el amor y los corazones rotos. Por momentos parece estar hablando de aspectos y vivencias de su vida, pues aunque ha vendido hasta la fecha unos 14 millones de álbumes en todo el mundo, hay quien sigue tachándola de eterna promesa desde su fulgurante debut con The Soul Sessions. También se nota, y mucho, la colaboración con Dave Stewart, con quien no había vuelto a colaborar desde 2011, y el resultado es un excelente disco donde los temazos se van sucediendo uno tras otro. 

El disco es una auténtica delicia, donde todo está en su sitio, nada sobra, y podemos disfrutar de temazos como Breaking Each Other's Heart, donde podemos apreciar las excelentes influencias de Dusty Springfield, Never Forget My love, que da título al disco y que nos recuerda a la gran Duffy; No Regrets, donde se entremzclan el pop y el soul, ambos de la vieja escuela; la alegre y adictiva Oh to Be loved by You con una contagiosa melodía apoyada por la magnífica voz de Joss; You're My Girl, toda una pegadiza oda a la amistad que podría haber firmado el mismísimo Allen Tousaint; o Does It Have to Be Today y You Couldn't Kill Me, donde nos habla de amores anhelados y rotos y relaciones abusivas.

Never Forget My Love es un excelente disco, desde la composición, pasando por la producción y hasta la interpretación del mismo. Un disco a la altura de una de las grandes voces del momento, aunque haya quien se niegue a aceptarlo.

0735-. Proud Mary - Ike & Turner

 

Proud Mary, Ike & Tina Turner

     Workin' Together fue el segundo álbum de estudio que Ike & Tina Turner lanzaban con el sello discográfico Liberty, y el más exitoso. Al igual que su disco anterior, Come Together, contó con varias versiones de canciones de rock, además de versiones renovadas de canciones anteriores de la pareja, lo cual era algo que hacían habitualmente. Tres sencillos del disco fueron lanzados en Estados Unidos, la canción principal, Workin' Together, el segundo sencillo fue Proud Mary, y el tercero Ooh Poo Pah Doo.

Ike y Tina Turner lanzaron Proud Mary en enero de 1971 como segundo sencillo del disco, una versión del tema compuesto por John Fogerty e interpretada un año antes con su grupo, la Creedence Clearwater Revival. Proud Mary resumía el espíritu de la Creedence Clearwater Revival en su forma de concebir y entender la música. John Fogerty creó este temazo basándose en una estructura bastante sencilla, utilizando únicamente cinco acordes, y utilizando un estribillo de lo más pegadizo. En un principio John concibió la historia de una mujer que trabajaba como sirvienta para gente acaudalada, ella se monta todas las mañanas en el autobús para ir a trabajar y después regresa a casa. fue el bajista Stu Cook quien tuvo la idea de introducir el aspecto fluvial de la canción al ver junto al resto del grupo un programa de televisión llamado Maverick. John estuvo de acuerdo en que el barco parecía tener algo que ver con la canción. Entonces hizo que los primeros acorde de la canción evocaran una rueda de paletas de un barco fluvial dando vueltas. Así es como Proud Mary pasó de ser una sirvienta a un barco.

La versión de Ike & Tina Turner difiere bastante de la estructura del original, y según Tina Turner, Ike no estaba interesado en la versión original, pero la versión que había hecho el grupo Checkmates Ltd. despertó su interés. La versión, retocada por Ike Turner y Soko Richardson, comienza con un tono lento y sensual en el que Tina presenta la canción a la audiencia, comentando que la van a comenzar de forma "agradable y fácil" y la van a terminar de forma "agradable y áspera". Después de esa intro suave, la canción se convierte en un poderoso funk rock con Tina y The Ikettes dándolo todo. La canción llegó a alacanzar el puesto número 4 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 en 1971, dos años después de que alcanzara su apogeo la versión original de la Creedence Clearwater Revival. Además la versión de Ike & Tina Turner ganaría uun premio Grammy.

0734.- Hope you're feeling better - Santana

Santana después de un fantástico debut en 1969, lo petó en Woodstock cuando no les conocía nadie, y seguirían avanzando como banda en 1970 con Abraxas, con la misma formación, es decir, Carlos Santana a la guitarra solista, Greeg Rolie a los teclados, Mike Shrieve a la batería, David Brown al bajo y la sección rítmica de congas y timbales, etc., a cargo de Mike Carabello y Chepito Areas. Llevaron un paso más allá su música de fusión, juntando temas suyos y alguna versión, y donde el blues, el jazz, la salsa y el aire mariachi dominaban el trabajo con su ejecución rockera. La portada mítica del disco era la de un cuadro llamado Anunciación de Mati Klarwein, y vendió muchos millones de copias reventando las listas de venta, un exito.

Abraxas, quizás más que cualquier otro álbum en la era psicodélica, es un crisol de muchas influencias. El gancho principal de este álbum, por supuesto, es Carlos Santana, el guitarrista principal que destroza todo esto. Como muchos de los otros dioses de la guitarra de la época, Santana creció idolatrando a guitarristas de blues como BB King y John Lee Hooker, y se puede escuchar en las formas sutilmente intrincadas en que toca canciones como "Black Magic Woman" y "Se A Cabo". ". Habiendo dicho eso, Santana realmente no hace el tipo de acrobacias de guitarra llamativas y alucinantes que escucharías en, digamos, un disco de Jimi Hendrix, con tanta frecuencia. Cuando lo hace, como en la estimulante segunda mitad de "Hope You're Feeling Better", te sorprende y rápidamente tomamos conciencia del tipo de guitarrista ante el que estamos, pero en parte debido a los cambiantes intereses musicales de Santana, también obtenemos una mezcla verdaderamente única de rock con géneros como el jazz y la salsa. Gran parte de las influencias latinas en este álbum provienen de la sección de percusión, que utiliza congas y timbales y muchos otros instrumentos para lograr ritmos profundamente funky. Cuando la batería hace lo suyo, podría decirse que es más dura que la guitarra de Santana

Hope you're feeling better es uno de mis temas favoritos del disco, y sin duda es de los más rockeros.“¿Eres tú, la de ojos que lentamente se desvanecen? ¿Eres tú la de la mente llena de lágrimas? ¿Eres tú la que busca diversión? ¿Eres tú la que ha esperado todos estos años?… Hope you're feeling better es un tipo de tema completamente diferente, en esta canción encontramos uno de los pocos momentos en que Abraxas llega a ser 100% rock and roll. Las travesuras rugientes de la guitarra de Carlos Santana están empapadas de distorsión para agregar volumen e intensidad, ell teclista y vocalista, Gregg Rolie, hace un trabajo fantástico potenciando a Carlos Santana con los adornos de su órgano y su tono de voz terriblemente blusero. "Hope You're Feeling Better" es, francamente, uno de los mejores momentos del álbum porque, mientras que todas las demás canciones bordean el límite de los géneros para trascender fácilmente de alguna otra forma en cualquier momento, este tema abandona todas las tendencias experimentales para ofrecer una actuación de rock tradicional, pero igualmente cautivadora.

El artista del #mesPaulMcCartney con su disco Ram

El artista del #mesPaulMcCartney, presentamos su álbum Ram

Comienza un nuevo año y con él no podía faltar un artista de la talla de Paul McCartney, que no se ustedes, pero yo creo que se merecía estar entre lo que hemos denominado el artista del mes.

Y para comenzar este mes iremos con uno de sus álbumes como solista, su titulo Ram, que es el segundo álbum de estudio de su carrera como solista después de la separación de The Beatles. 

Pero no sólo es el segundo álbum sino que Ram es el único álbum acreditado al dúo musical entre Paul McCartney y Linda McCartney, lanzado el 17 de mayo de 1971 por Apple Records. Que fue grabado en Nueva York con los guitarristas David Spinozza y Hugh McCracken, y el futuro baterista de Wings Denny Seiwell. 

De este álbum se editaron tres singles, "Uncle Albert / Admiral Halsey", y este fue el primer éxito número 1 de Paul McCartney  en Estados Unidos sin The Beatles, luego "The Back Seat of My Car" y "Eat at Home".

Las canciones básicas del álbum se grabaron en el Estudio B de Columbia del 12 de octubre al 20 de noviembre de 1970 antes de que los Paul McCartney regresaran a su granja escocesa para las vacaciones de Navidad. El trabajo continuó en los Studio B y A&R Recording Studios, Nueva York, donde desde la segunda semana de enero de 1971 hasta febrero. Tocando la guitarra o el piano y cantando al mismo tiempo, Paul McCartney optó por sobregrabar su bajo más tarde. Aunque era un proyecto colaborativo, las funciones vocales de Linda McCartney se limitaban principalmente a cantar armonías y apoyar a Paul McCartney, quien cantaba casi todas las partes principales. Linda McCartney cantó como co-líder en "Long Haired Lady". Así también la hija de los McCartney, Heather, que había sido adoptada por Paul McCartney el año anterior, cantó coros en "Monkberry Moon Delight". de la secuencia del álbum incluía "Little Woman Love" y canciones que luego aparecieron en el álbum Red Rose Speedway de Wings de 1973 : "Get on the Right Thing", "Little Lamb Dragonfly" y "Big Barn Bed". "I Lie Around", publicado como cara B del single de Wings de 1973 "Live and Let Die", se grabó durante estas sesiones. También se grabó la primera encarnación de "Seaside Woman". Paul McCartney también grabó "Hey Diddle", "A Love for You", "Great Cock and Seagull Race", "Now Hear This Song of Mine", "Rode All Night", "Sunshine A veces" y "When the Wind Is Blowing".

Según Peter Brown, ex socio comercial de The Beatles, John Lennon creía que varias de las canciones de Ram contenían burlas personales dirigidas a él y a Yoko Ono, entre ellas "Dear Boy" y, en particular, "Too Many People". Paul McCartney admitió más tarde que algunas de las letras de "Too Many People" habían sido "una pequeña provocación para John y Yoko", con "prácticas de predicación" y "tomaste tu golpe de suerte y lo partiste en dos" como referencias directas a Lennon. Brown también describió la imagen de dos escarabajos copulando en la contraportada como un símbolo de cómo McCartney sentía que los otros Beatles lo estaban tratando. Se dijo que George Harrison y Ringo Starr interpretaron la canción "3 Legs" como un ataque contra ellos y Lennon. Según McCartney, "Dear Boy" estaba dirigida al exmarido de Linda, y no a Lennon.

Todo ello hizo que tras su lanzamiento, el álbum Ram fue recibido de manera negativa por parte de la prensa musical, la cual estaba mayormente influenciada por la reciente separación de The Beatles aunque, con el paso de los años, la crítica ha sido mucho más favorable con el álbum, y es un álbum que a pesar de las críticas, a nivel comercial Ram obtuvo un mayor éxito y encabezó las listas de álbumes más vendidos en países como Canadá, España, Noruega, Países Bajos, Reino Unido y Suecia. 

Por todo ello, en este el primer mes del año seguiremos recorriendo la carrera de Paul McCartney en su etapa solista, en lo que hemos denominado como #mesPaulMcCartney. 

Daniel 

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0733 - Santana - Samba pa ti

0733 - Santana - Samba pa ti

Samba pa ti es un tema instrumental de la banda de rock latino Carlos Santana, de su álbum de 1970, Abraxas. En inglés, el título significa Samba para ti. Fue lanzado como sencillo en 1973. La canción se ubicó en el puesto 11 en los Países Bajos, en el puesto 43 en las listas alemanas, y en el puesto 27 en la lista de singles del Reino Unido, el primer sencillo de Santana en las listas del Reino Unido.

La canción fue escrita por Carlos Santana después de ver a un saxofonista de jazz tocando en la calle frente a su apartamento. 

En 2008, Carlos Santana le dijo a Mojo que Samba Pa Ti fue la primera canción que sintió que podía llamar suya.

"Samba Pa Ti fue concebida en la ciudad de Nueva York un domingo por la tarde,"..."abrí la ventana y vi a este hombre en la calle, estaba borracho y tenía un saxofón y una botella de alcohol en la espalda. Y yo seguí mirándolo porque él seguía luchando consigo mismo. No podía decidir cuál llevarse a la boca primero, el saxofón o la botella y de inmediato escuché una canción "..."escribí todo ahí mismo" dijo Carlos Santana, respecto a la canción. 

Samba Pa Ti es una de las canciones más populares y aclamadas del grupo, y todavía está en las listas de canciones de la gira de la banda.

En 1974 la canción fue versionada por Bruno Battisti D'Amario y Edda Dell'Orso para el álbum Samba para ti. Más tarde fue versionada por José Feliciano con letra añadida en su álbum Escenas de Amor de 1982, por Ottmar Liebert en su álbum Solo para ti de 1992, por Gato Barbieri en el álbum Social Change de Fania All Stars de 1981, y también por Angélique Kidjo, quien puso letras en yoruba en su álbum Oyo. También es una de las pistas que aparecen en el libro de Nick Hornby, Songbook.

Daniel 

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0732.- Black Magic Woman / Gipsy Queen - Santana

Escrita en 1968 por el británico Peter Green para su grupo Fleetwood Mac, y aunque apareció en dos recopilatorios de la banda ("English Rose" publicado en Estados Unidos y "The Pious Bird of Good Omen" en Reino Unido), fue en 1970 cuando alcanzó la fama de la mano del grupo Santana, como primer single de lanzamiento del álbum "Abraxas".

La letra de Peter Green se inspiraba en Sandra Elsdon, su novia de entonces, a la que llamaba "Magic Mamma", mientras que para la música se inspiró en el tema "All your love" de Otis Rush, grabado por John Mayall & The Bluesbrakers, banda en la que Green reemplazaría a Eric Clapton tras la marcha de éste, y en la estructura y melodía de "I loved another woman" de Fleetwood Mac.

En la versión de Santana, grabada en 1970, el blues original se combina con un electrizante ritmo latino, y la canción de Green se convierte en un medley con la inclusión de un tramo en el que interpretan "Gypsy Queen", un instrumental de 1966 de Gábor Szabó que combinaba el jazz con ritmos latinos y melodías de folk húngaro). Gregg Rolie fue el responsable de ponerle voz a la canción, acompañando a la mágica guitarra de Carlos Santana y al resto de la banda, que crea una impactante fusión de blues, rock y jazz latino. El single de "Black Magic Woman / Gypsy Queen" alcanzó el nº 4 de las listas estadounidenses, convirtiéndose en el mayor éxito de Santana hasta que, ya entrados los noventa, Santana publicó el disco "Supernatural"

0731-. Oye Como Va - Santana

 

Oye Como Va, Santana

     En 1970 la banda de rock estadounidense Santana, con Carlos Santana a la cabeza, publica su segundo álbum de estudio, Abraxas. El disco es concebido entre el 17 de abril y el 2 de mayo en los Wally Heider Studios de San Francisco y los estudios Pacific de San Mateo, California, bajo la producción del ingeniero y productor discográfico estadounidense Fred Catero y del propio Carlos Santana, y publicado el 23 de septiembre de 1970 por el sello discográfico Columbia Records.

Abraxas es un disco que va más allá del rock, mezclándolo brillantemente con buenas dosis de música latina, jazz e incluso salsa, llegando incluso la revista Rolling Stone a rendir pleitesía a tan brillante obra, al afirmar que "Santana había por la música los mismo que Chuck Berry por el blues". El disco, sólo en Estados Unidos, llegó a vender más de un millón de copias, llegando a acupar además el puesto número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 200. 

La magnífica portada de Abraxas fue diseñada por el pintor alemán Mati Klarwein, que vívía en Mallorca, España. La idea de que fuera el pintor alemán el que diseñara la portada fue idea de Carlos Santana al ver la obra del artista en la que se basó la portada, La Anunciación, expuesta en una revista de arte. 

Incluido en este brillante trabajo se encuentra la canción Oye Cómo Va, un cha-cha-chá compuesto por Tito Puente en 1962, y que fue grabada originalmente ese mismo año por dicho artista. La canción alcanzaría la popularidad mundial en 1970 con la versión del grupo Santana, llegando a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100, y el número 32 en la lista de R&B. La introducción original de la canción y el piano son muy similares al mambo de 1957 Chanchullo, de Israel "Cachao" López. El arreglo de Santana es una versión más dinámica y acelerada en un nuevo estilo de rock latino, agregando guitarra eléctrica, órgano Hammond B-3 y una batería de rock a la instrumentación, y eliminando la sección de metales de la versión original. La guitarra eléctrica, que simula la melodía de la flauta de Tito Puente, y el órgano basan su sonido en las raíces del rock y el blues, pero conteniendo además toques similares a los arreglos originales con sabor latino. Tito Puente explicó en su momento como le indignó la versión del tema hecho por una banda de rock, hasta que le llegó su primer cheque de regalías como autor original del tema. Si bien Puente era muy popular en la comunida latina, la exitosa versión de Santana le ayudó a llegar a una audiencia más amplia.

0730 - Black Sabbath - Iron Man

0730 - Black Sabbath - Iron Man

Iron Man es una canción de la banda inglesa de heavy metal Black Sabbath, que fue lanzada en 1970 en forma conjunta con su segundo álbum de estudio de la banda.

Si escuchamos la canción, alcanzaremos a escuchar el riff de la guitarra principal de Tony Iommi, en el primer ensayo, el vocalista Ozzy Osbourne comentó "que sonaba como un gran tipo de hierro caminando", con Iron Bloke convirtiéndose en el título provisional de la canción, pero esto por un corto tiempo, mientras la banda resolvía el tema de la letra. A medida que se desarrolló la letra de la canción, el título evolucionó a Iron Man.

Mucho tiempo después Iron Man se usó en los créditos finales de la película Iron Man de 2008, así como en su adaptación de videojuego y el tráiler de la secuela de 2010, Iron Man 2. El personaje Tony Stark, el alter ego de Iron Man, también usa una camiseta de Black Sabbath en la película de 2012 Los Vengadores. La canción ganó el puesto número 317 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos a partir de 2004. Iron Man fue clasificada como la sexta mejor canción de Black Sabbath por Rock - Das Gesamtwerk der größten Rock-Acts im CHECK, y VH1 clasificó la canción como la mejor canción de heavy metal de todos los tiempos. Otros logros de esta canción fue alcanzar el puesto 52 en la lista Billboard Hot 100 en 1972, convirtiéndose así en el single The Black Sabbath en llegar al puerto más alto en ese momento. También alcanzó el puesto 68 en el Top 100 de la revista Canadian RPM Magazine.  

Daniel 

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Wilson Pickett - The Exciting Wilson Pickett #Píldora 17

 

El disco The Exciting Wilson Pickett tiene unos musicos de acompañamiento excelentes (Cropper, Hayes, entre otros), pero se necesita Pickett para convertir este disco en uno de los grandes discos de soul de la época solo es capaz de entregar esa implacable dureza en su voz, pero que nunca nos resulta insoportable o áspera. Pickett es la estrella, obviamente, estamos escuchando a uno de los mejores cantantes de soul de su época y no importa si es alguna de las canciones no la conoces acaba impresionando cada tema, hace un trabajo excepcional por eso no es un título inapropiado, sumale a los MG (aquí sin Booker T, con Isaac Hayes en su lugar) que están en buena forma y sale algo casi perfecto. "Emocionante" fue el epíteto correcto para este semental de un disco: Pickett inicia el disco a la velocidad vertiginosa de "Land of 1000 Dances", y no lo suelta ni por un segundo. Incluso aunque todos hemos memorizado "Dances" y "Midnight Hour", no se dejen engañar pensando que son un par de éxitos en un mar de relleno: el disco es aterradoramente consistente y no tienes ningún momento para recuperar el aliento. Aunque la sección de llamada y respuesta "naa-na-na-na-naa" es la parte más icónica de "Land Of 1000 Dances", es realmente la introducción lo que me encanta de la canción. Las secciones de vientos pasan como un rayo mientras el bajo las impulsa hacia adelante, es una canción ejecutada a la perfección. Sin embargo, Pickett sigue siendo la estrella del espectáculo aquí, entregando todos y cada uno de los versos de introducción como un golpe limpio y usando las letras como dispositivos de látigo. El clásico "634-5789" es un himno glorioso del espíritu de los primeros R&B, y "Ninety-nine and One-half" construye un ritmo turbio donde Pickett da su actuación más agresiva y tensa del disco (bien por el público por hacer de esta canción un poco menos comercial un éxito). Atencion al rock duro y duro de "Ninety-Nine and a Half (Won't Do)", con su ritmo sólido, trompetas contundentes y la voz cruda y áspera de Pickett. Además, Isaac Hayes está al piano aquí. La versión individual alcanzó el R&B Top 15, mientras que su lado B, el ritmo "Danger Zone" también se incluye en este LP.

0729.- Electric Funeral - Black Sabbath

 “Electric Funeral” no es la canción más destacable de Paranoid , sin duda, pero a su manera, es un tema esencial para el resto del álbum. No es "War Pigs" y no es "Iron Man", pero es algo muy grande. El album Paranoid es una suite de ciencia ficción, los peligros no están en el mundo demoníaco, sino en el mundo construido por el hombre, la imaginería evocadora en la letra es fantástica, principalmente porque somos conquistados por robots. Escuchar “Electric Funeral” evoca ese miedo a la lluvia radiactiva, algo que las generaciones actuales han sentido con la Guerra Fría y la vida posterior al 11 de septiembre. La letra es espantosa y aterradora: "flores de plástico, sol que se derrite, luna que se desvanece cae sobre / mundo moribundo de radiación, víctimas de frustración loca / globo ardiente de fuego de oxígeno, como una pira funeraria eléctrica". Gracias a artistas como Dalí, podemos imaginar cómo sería ese mundo que se derrite. Sabbath, habiendo vivido en Birmingham, un paisaje devastado por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, habla de ese paisaje de destrucción y tierra baldía.

Electric Funeral abre con un riff icónico de Tony Iommi que tiene un fuerte efecto wah, la banda busca un sonido simple, pero un sonido que ciertamente suene bastante oscuro y pesado.Después de pasar por dos estrofas y algunas pausas instrumentales entre las dos, la canción cambia de humor por completo y el pesado riff wah-wah da paso a un ritmo de batería frenético seguido de una serie de acordes de guitarra más oscuros que finalmente culminan en una sección más rápida. Aunque la acumulación de esta sección más rápida parecía que iba a conducir a una sección un poco más oscura, debo admitir que todavía disfruto la energía que emana de esta sección. Otra cosa destacable de esta pista es que el bajo que se vuelve increíblemente prominente a lo largo de esta sección. Una pero que tengo contra esta pista es que después de que termina esta sección más rápida, que es genial en sí misma, la transición de regreso al riff pesado de wah es inexistente, y debido a las grandes diferencias en el tempo y el estado de ánimo general, una transición suave. Fue realmente crucial allí para hacer que la secuencia fuera limpia en lugar de abrupta y un poco incómoda. Sin embargo, en general, Electric Funeral es una canción excelente y por qué es tan conocida y elogiada no es una cuestión difícil de entender. Estos tipos son muy grandes y mas de 50 años despues compruebas atonito como jovenes de 17 años siguen disfrutando de su música, y no es ningún farol, la cara de farol se me quedo a mi cuando el hijo de unos buenos amigos y compañero de mi hija en el Instituto en una celebracion le dije que pusiera la musica que quisiera, y ni corto ni perezoso nos hizo escuchar a todos este album. Grande Manu! 

Disco de la semana 308: Mingus Ah Um - Charles Mingus

 

Mingus Ah Um, Charles Mingus

     Para la recomendación de esta semana traemos la figura de un bajista, pianista, compositor, director de orquesta y autor de jazz estadounidense. Este artista, considerado como uno de los mejores músicos y compositores de jazz de la historia, fue también uno de los grandes defensores de la improvisación colectiva. Nos referimos a la figura de Charles Mingus Jr. Además de sus interpretaciones con sus bandas de repertorio y como solista, tmabién tuvo tiempo de colaborar con otros músicos como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Herbie Hancock entre otros. Tal es la importancia de este músico, que la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos adquirió los documentos recopilados del artista, incluidas partituras, grabaciones de sonido, correspondencia y fotografías, en lo que describieron como "La adquisición más importante de una colección de manuscritos relacionados con el jazz en la historia de la biblioteca".

Charles Mingus (1922 - 1979), nació en Nogales, Arizona, y su padre, Charles Mingus Sr., era sargento en el ejército de los Estados Unidos. Mingus se crio en gran medida en el área de Watts, en Los Ángeles, y su ascendencia incluía germano americanos, afroamericanos y nativos americanos. En casa, la madre de Charles únicamente permitía música que estuviera relacionada con la iglesia, pero él pronto desarrolló una gran pasión por otra música, especialmente la de Duke Ellington. Todo esto le llevó a estudiar trombón y más tarde violonchelo, aunque con el violonchelo no pudo seguir profesionalmente porque en aquel momento era casi imposible para un músico negro hacer carrera en la música clásica, y el violonchelo no era aceptado como un instrumento en el jazz. A pesar de todo esto, y mientras estudió y comenzó a tocar el bajo, afirmaba que su instrumento seguía siendo el violonchelo. Gran parte de la técnica de violonchelo era aplicable al contrabajo, instrumento que tomó en la escuela secundaria. 

Una pobre educación musical en su juventud, que impidió que pudiera leer las anotaciones musicales con rapidez, tuvo un serio impacto en sus primeras experiencias musicales, pues esto fue aislándole y alejándole de la música clásica. Estas experiencias y sus experiencias en la vida, quedaron reflejadas en su música, la cual se solía centrar a menudo en temas como el racismo, la discriminación y la injusticia. Su formación clásica se refleja sobre todo al comienzo de su carrera, pues escribió piezas que incorporaban elementos de la música clásica. 

Mingus empezó a ganar reputación como un prodigio del bajo, y su primer trabajo profesional importante fue tocando con el ex clarinetista de Duke Ellington Barney Bigard. En 1934 ya había hecho una gira con Louis Armstrong, en 1945 ya grababa en Los Ángeles en la banda dirigida por el trompetista estadounidense Russell Jacquet, y a finales de la década de los 40 tocó con el vibrafonista, pianista, percusionista y director de orquesta estadounidense de jazz Lionel Hampton. La fama y reputación de Mingus va creciendo, y antes de alcanzar el reconocimiento mundial toca en conciertos con Charlie Parker. Mingus consideraba a Parker el mayor genio e innovador en la historia del jazz, pero tenía una relación amor odio con el legado de Parker.

La década de los años 50 suele ser considerada como el periodo más productivo y fértil de Mingus, llegando a realizar 30 discos para varios sellos discográficos. Precisamente de esa época, concretamente 1959, es el disco recomendado para esta ocasión, Mingus Ah Um, uno de sus trabajos más conocidos. Mingus Ah Um fue grabado entre el 5 y el 12 de mayo de 1959 en los estudios Columbia 30th Street de Nueva York, bajo la producción del saxofonista y compositor estadounidense de jazz Teo Macero, y publicado en octubre de 1959 por el sello discográfico Columbia Records, siendo el primero realizado para este sello discográfico. La portada presenta una pintura del reputado diseñador gráfico estadounidense S. Neil Fujita, muy conocido por sus diseños de portadas de libros y discos. 

El disco es una delicia instrumental, del primer al último tema, desde que comienza con Better Git In Your Soul, inspirado en el canto gospel y la predicación de las iglesias con las que Mingus se había criado en su niñez en Watts, Los Ángeles; pasando por Goodbye Pork Pie Hat, una referencia al saxofonista Lester Young, el cual había fallecido poco antes de que se grabara el disco, y que era conocido por llevar sombreros de "pork pie" (ala ancha). A día de hoy este pieza es considerada un estándar de jazz; Boogie Stop Shuffle, un tema basado, como su propio título indica, en el hecho de detener el tiempo, para barajar y volver; Self-Portrait in Three Colors, escrita originalmente para la primera película de John Cassavetes como director, Shadows (Sombras), pero que nunca se llegó a utilizar por razones presupuestarias; Open Letter to Duke, un tributo a Duke Ellington que se basa en tres piezas anteriores de Mingus (Nouroog, Duke's Choice y Slippers); Bird Calls, tema del que se creía era una referencia Charlie Parker, algo que el propio Mingus se encargaría de desmentir, pues "No se suponía que debía sonar como Charlie Parker, se suponía que debía sonar como pájaros"; Fables of Faubus, un tema que generó cierta polémica, pues fue escrita como una protesta directa contra el gobernador de Arkansas Orval E. Faubus, el cual estaba en contra de la integración en las escuelas de Little Rock, Arkansas, llegando a desafiar las sentencias de la Corte Suprema de Estados Unidos. Columbia Records se negó a permitir que se incluyera la letra de la canción, por lo que esta se grabó como instrumental en el álbum. No sería hasta el 20 de octubre de 1960 que la canción fue grabada con letra para el álbum Charles Mingus Presents Charles Mingus bajo el sello independiente Candid. Debido a problemas contractuales con Columbia, la canción no pudo ser lanzada como Fables of Faubus, por lo que la versión de Candid se tituló originalmente Original Faubus of Fables; pasando por la mágica Pussy Cat Dues, hasta llegar al magnífico cierre del álbum, Jelly Roll, toda una referencia y tributo al pionero del jazz, el pianista Jelly Roll Morton.  

Mingus Ah Um es uno de los trabajos más conocidos del gran maestro Charles Mingus, un disco más que recomendable para iniciarse en la escucha de uno de los grandes del jazz, si no lo has hecho ya.

0728.- Paranoid - Black Sabbath

El segundo álbum de los británicos Black Sabbath iba a llamarse inicialmente "War Pigs", pero debido a la fuerte carga política y antibelicista de la canción que iba a darle nombre, la discográfica presionó para que se cambiara. La elegida para dar nombre al disco pasó a ser entonces "Paranoid", una descarga eléctrica de dos minutos que podría englobarse tanto en el terreno del heavy metal como del "protopunk" de The Stooges o The Ramones, y que se había incluido en el disco como relleno, ya que los Sabbath no terminaban de verla como un hit. Grabado y publicado en 1970, "Paranoid" fue nº1 en Reino Unido, lo que significó el primer gran éxito de la banda, y se convirtió después en un disco de culto para las generaciones posteriores.

Pero quizá lo más sorprendente para el grupo no fuera el éxito del disco, sino que una canción que habían compuesto en apenas media hora de descanso entre sesiones de grabación, y que apenas contaba para ellos, se convirtiera en el tema más exitoso de su carrera. La canción surgió cuando Tony Iommi, mientras esperaba a que el resto de la banda volviera de buscar unas cervezas, empezó a tocar un riff que surgió de la nada. No tenía grabadora, así que estuvo tocando el riff hasta que los demás volvieron, para que no se le olvidara. La letra vino después, y en línea con el resto del disco, se centró en la parte más negativa de la condición humana. En el caso de "Paranoid", y como su propio nombre indica, lo que se cuenta es la angustia y la desesperación de un enfermo mental.

El sencillo de "Paranoid" se completó con la canción "The Wizard" en la cara B, y alcanzó el nº4 de las listas de Reino Unido, siendo nº1 en Alemania​ y nº2 en Países Bajos, Bélgica y Suiza. Sorprendentemente, fue en Estados Unidos, la tierra de los mencionados Stooges y Ramones, dónde peores resultados obtuvo, quedándose en el puesto 61 de las listas USA, pero ese pequeño traspiés no hizo que Ozzy Osbourne y compañía se volvieran "paranoicos" al respecto, y acabaron por conquistar también a los oyentes del otro lado del Atlántico.

0727- War Pigs - Black Sabbath

 

War Pigs, Black Sabbath

     En febrero de 1970 el grupo publica bajo el sello discográfico Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consiguió acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco, que estuvo mucho tiempo posicionado en las listas, obtuvo certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se negó, pero al parecer fueron maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy les fabricó a cada uno de los integrantes una cruz de plata que debían llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo.

Y precisamente uno de los temas que nos sumerge en este viaje por la oscuridad de la condición humana es War Pigs, el tema que se supone iba a dar nombre al álbum y una auténtica joya. Un trallazo donde el grupo habla de los horrores de las guerras y lanza una dura crítica a éstas, concretamente a la guerra de Vietnam, a los militares y a los políticos, a los que califican como "Cerdos de guerra". Al grupo se le ocurrió la idea de escribir el tema mientras se encontraban tocando por Europa en una base de la Fuerza Aérea Estadounidense. El tema fue escrito en algún lugar de un desierto de Zurich, Suiza, cuando aún se encontraban tocando para audiencias más pequeñas.

Father of all..... - Green Day #MesGreenDay

El grito es casi unánime, estamos ante un álbum es casi infame por su marketing fuera de contacto, y por no cumplir las expectativas y no reflejar lo que realmente es la música de Green Day, pero somos un blog serio y si o si tenemos que terminar el mes Green Day y ese final o es otro que Father of All… o lo que sea que entregaron, asi que me dispongo a volver a escucharlo, ya lo hice en su estreno y se quedó perdido en el limbo, pero sinceramente me apetece volver a enfrentarme a él. Le he dado otro par de intentos esta semana para ver si mi opinión cambia y no ha mejorado, sino que me disgusta más. De hecho, no recordé una sola nota de este álbum entre entonces y ahora, aparte de la canción principal y el coro de 'Take the Money and Crawl', recordé la parte principal del estribillo porque me pareció pegadiza en una especie de comercial de coches, lo que supongo que vale algo, pero la otra razón por la que se quedó en mi cabeza desde que la escuché por primera vez, fue sonaban TAN mal que simplemente no podía olvidarlos. Aparte de que necesito quejarme hay poco que decir sobre las otras canciones, muchas de las pistas suenan como copias unas de otras, es extraño escuchar las mismas estructuras repetidas en algo cercano a la mitad de la lista de canciones. El principal culpable de eso que me viene a la mente es la fórmula del verso de alternar entre golpes de instrumentos y canto, si entiendes a lo que me refiero (DUN DUN DUN DUN - todos los instrumentos se detienen, excepto la batería tal vez - *Cantando* - DUN DUN DUN DUN - *Cantando*, repetición). No puedo señalar ninguna composición inteligente o subversiones musicales (aparte de subvertirse a sí mismo de la buena música). Muchas de las letras tienen exactamente el efecto opuesto de inteligente para mí. El álbum dura 26 minutos, pero cada canción se siente MUCHO más larga que su tiempo de ejecución, lo máximo que ha obtenido de mí es "huh, un poco pegadizo" y luego lo olvido, o algo más en la canción agria lo bueno que traté de encontrar. Creo que si cortas cada sección de estas 10 pistas y descartas todo lo que no tiene valor, tal vez podrías hacer 2 canciones con el contenido restante.

Dicho todo esto, no soy un fanático. No soy particularmente una persona pop-punk, pero puedo disfrutar de algunas canciones de Green Day, así que no soy inmune a que me guste cualquier cosa dentro del género. El marketing boomer acaba de agregar la guinda del pastel que le dio al álbum una cantidad remota de cobertura, de lo contrario, creo que esto se habría olvidado TAN rápido, de manera similar a cómo olvidé aproximadamente 25 de 26 minutos de este lanzamiento solo un pocos meses después de darle una generosa cantidad de escuchas. Y ahora un breve resumen de lo que me ha parecido cada cancion

Father of All, fue el sencillo principal e inmediatamente me hizo saber que este álbum estaba destinado a ser una decepción. la mezcla, como la mayoría de las canciones de este álbum, es confusa. el falsete de Billie Joe es simplemente... un sonido extraño, con una tonelada de distorsión (y no del tipo bueno) y está completamente enterrado en la mezcla: a veces me esforzaba por escucharlo. además de eso, esta es solo una vieja y aburrida canción de Green Day, del tipo que he escuchado antes y que lo hacían mejor. Fire, Ready, Aim cuya mejor descripción que he escuchado es que parece hecha para un anuncio de una competición de carreras…. ¿Y porqué lo comprimen tanto? Acaso es para que entre en el anuncio, al menos Oh Yeah te llega un poco, no es una canción que me gustaría escuchar regularmente, al menos aprecio las voces reverberadas y el sintetizador en la parte posterior de la segunda mitad, no es una canción terrible en general. 

Meet me on the roof es un rock comercial que probablemente me dará migraña después de escucharlo, no odio completamente. la mezcla sigue siendo muy mala. I Was a Teenage Teenager tiene posiblemente el peor título de canción de todos los tiempos, qué demonios significa eso. claro, la melodía no es horrible, pero entre la letra cursi y, de nuevo, una producción terrible, se estropea del todo. Stab you in the heart es una versión pop punk del rock and roll de los años 50, parece genial pero no es inmune a los problemas que planean por el resto del álbum. Sugar Youth y esass guitarras tan poco interesantes, simplemente suenan planas y poco dinámicas esa fue mi concclusion. Además, ¿por qué Billie Joe sigue escribiendo canciones sobre la juventud? Vamos, hombre, tienes casi 50 años, debe haber otras cosas sobre las que escribir ahora. Junkies on a high probablemente tiene la letra más significativa del álbum (es un listón muy bajo), pero una vez más, la mezcla es horrible, todo es tan plano y estático y resulta casi plomiza. Take the Money and Crawl, sí ya ni siquiera sé qué decir, bueno si, suena igual que el resto del álbum. Graffitia...... se me acabaron las cosas que decir. es simplemente mala.

0726.- To Be Young, Gifted and Black - Nina Simone

Grabado en 1969 y lanzado en 1970, Black Gold fue uno de los últimos álbumes lanzados antes de que el tiempo de Nina Simone en los Estados Unidos llegara a un abrupto final. La grabación refleja una actuación en el Philharmonic Hall de Nueva York, frente a una multitud que semanas antes habían agotado las entradas. Simone había lanzado numerosos álbumes en vivo durante los años 60, la mayoría de los cuales fueron grabados en la ciudad de Nueva York en lugares del Midtown como Carnegie Hall y The Town Hall. Cuando se grabo este concierto Nina Simone se encontraba en la cima tanto de su fama como de su pasión política, lo que se refleja en la increíble calidad de la interpretación y su inspirada elección del material. Black Gold presenta una mezcla de canciones folclóricas tradicionales, composiciones originales y versiones en las que Simone le da su propio toque y refleja una breve instantánea de Simone actuando en un momento definitivo de su carrera, un testimonio con el que sin duda queda claro que merece el título de "suma sacerdotisa del soul". La elegancia magistral de su música, a la vez formidable y hermosa, se escucha no solo en la habilidad de su forma de tocar, sino también en la entusiasta recepción que recibe de la multitud presente esa tarde de principios de otoño. Es un recordatorio de que su talento estaba respaldado por una personalidad singular, que era a partes iguales difícil, divisiva, audaz e intransigente. Black Gold nos ofrece el privilegio de escuchar a esta personalidad en todo su esplendor sin adornos, crudo y poderoso, manteniendo vivo el espíritu inquieto de una mujer increíble en los corazones de aquellos a quienes ella inspiró.

Pero Black Gold es especialmente notable por su interpretación de uno de los mejores himnos de derechos civiles de Simone, 'To Be Young Gifted And Black'. Grabado y lanzado en 1969, fue escrito en colaboración con el compositor y multiinstrumentista Weldon Irvine, en memoria de la difunta amiga de Simone, Lorraine Hansberry, autora de la obra A Raisin in the Sun. Fue admirada por otros creativos y activistas, como James Baldwin y Martin Luther King Jr., como una de las escritoras más perspicaces sobre la experiencia de los afroamericanos en la sociedad moderna, y se convirtió en la madrina de la hija de Simone, Lisa. A Simone se le une en el escenario un coro de cantantes, lo que refuerza el mensaje de la canción de levantamiento comunitario y la elevación del talento negro marginado. Su franca introducción explica que "no está dirigida a los blancos; no los menosprecia de ninguna manera, simplemente los ignora... Porque mi gente necesita toda la inspiración y el amor que pueda obtener". La interpretación de la canción de Simone se encuentra entre las mejores, alcanzando momentos de liberación extática que rivalizan con la energía alegre de un coro de gospel y su mensaje inspirador martillado con una pasión insaciable.

0725.- I'll be there - Jackson 5

El primer single del tercer álbum de los Jackson 5, publicado por la Motown en agosto de 1970, es una canción escrita y producida por Berry Gordy, Hal Davis, Bob West y Willie Hutch. Fue el cuarto número 1 consecutivo de la banda de los hermanos Jackson, que venían de cosechar el éxito con "I Want You Back" en 1969, junto con "ABC" y "The Love You Save" en 1970, y que en ese momento establecieron el récord de ser el primer grupo que alcanzara el nº 1 con sus cuatro primeros singles. En concreto, "I'll Be There" tiene también el honor de ser, no solo su single de mayor éxito, sino el de toda la Motown hasta ese momento.

El propio Michael Jackson comentó, en su libro autobiográfico Moonwalk, que "I'll Be There" fue realmente la canción que consolidó a los Jackson 5 en el panorama musical de los años 70 y les quitó la etiqueta de banda infantil. Todo un dato a tener en cuenta, porque el cantante cumplió 12 años al día siguiente de que "I'll Be There" se publicara.

El éxito de "I'll Be There"  ha sido prolongado por la gran cantidad de artistas que lo han versionado desde entonces, siendo especialmente destacable la versión que Mariah Carey y Trey Lorenz realizaron para su actuación en el "MTV Unplugged" de Carey en 1992, y que acabó siendo publicada como single de promoción del disco en directo. El "I'll Be There" de Carey fue también nº 1 en Estados Unidos, demostrando que la canción de los Jackson 5 seguía teniendo vigencia y era, una vez más, poseedora de la llave del éxito.

0724.- (Get up, I feel like being a) Sex Machine - James Brown

"Sex Machine" fue una de las primeras canciones que James Brown grabó con su por entonces nueva formación, "The J.B.'s". Consciente de que su nueva sección de vientos no tenía la misma experiencia que la anterior, Brown minimizó su presencia en favor de la poderosa sección rítmica (con Jabo Starks a la batería y Bootsy Collins al bajo) y el riff funky de guitarra de Catfish Collins, para vestir de ritmo una letra de "llamada y respuesta" entre la voz principal del propio Brown y la de acompañamiento, a cargo de Bobby Byrd.

Como la mayor parte de los éxitos de James Brown de los 60 y 70, se grabó en apenas dos tomas, y en la toma definitiva se producía un diálogo previo entre Brown y la banda, que se hizo tan popular que Brown la mantuvo en las interpretaciones en directo. También se mantuvo para la historia el guiño que, hacia el final de la canción, James Brown y Bobby Byrd hacen al clásico de blues de Elmore James "Shake your moneymaker" cantando a dúo el verso en repetidas ocasiones.

Para su publicación en single en 1970, la dividieron en dos partes que ocuparon ambas caras, y el sencillo alcanzó rápidamente el nº 2 de las listas de R&B, y el nº 15 del Billboard Hot 100. En la actualidad, es seguramente, y junto a "I feel good", la canción más recordada y pinchada del "Padrino del Funk". Para aquellos pocos que hayan estado hibernando todos estos años y no la conozcan, aquí va nuestro consejo: Si alguna vez, en la radio, escucháis a alguien decir: ¡Colegas! ¡Estoy preparado para hacer lo mío! ¡Quiero ponerme a ello, tío, ¿Sabes? ¡Como una máquina sexual, tío! ¡Moviéndome, dejándome llevar, haciéndolo, ¿Sabes?... Subid el volumen y esperad a que comience a contar ¡Uno, dos, tres, cuatro! y después de eso ya no podréis dejar de mover el cuerpo al ritmo funky de "(Get up, I feel like being a) Sex Machine".

Green Day - Revolution Radio #MesGreenDay

Hizo falta contar hasta tres, tras la desangelada trilogía "Uno" "Dos" y "Tré" (2012) que se sacaron de la manga Billie Joe Armstrong y compañía, para volver a disfrutar de un buen disco de Green Day. Eso es, ni más ni menos, Revolution Radio, el doceavo disco de estudio de la banda californiana, publicado en Octubre de 2016 con el sello Reprise Records. La revolución de este disco no se quedó solo en el título, pues marca una serie de cambios en el seno y el entorno de la banda, al ser el primer álbum desde 21st Century Breakdown (2009) que no fue producido por el hasta entonces habitual Rob Cavallo, y el primero también en el que el grupo volvió al formato de trío, tras la vuelta voluntaria del guitarrista Jason White (promocionado a miembro oficial en 2012) a su rol inicial de músico de apoyo durante las giras.

Esta vuelta a los orígenes se nota en las canciones que conforman Revolution Radio. Atrás quedan los intentos de revestir las canciones con instrumentos y arreglos, y salvo en contadas ocasiones, la tónica del disco es un regreso a las canciones directas y al punk rock comercial marca de la casa, aunque la banda sigue mostrando una variada paleta de influencias, que quedan patentes ya desde el arranque con Somewhere now, que combina la dosis justa de aspereza y melodía al más puro estilo de The Who. Enfocados como hacía años que no les recordábamos, no dejan momento para el respiro y suben el nivel con Bang Bang, trallazo punk rock que fue el primer single y la primera de las canciones del disco en la que se respira esa vuelta a los patrones básicos de canciones rabiosas y urgentes, y no por ellos menos brillantes. Es el caso también de Revolution Radio, la canción que da título al álbum, y tercer single publicado del mismo.

Say Goodbye y Outlaws mantienen el tipo y contribuyen al buen sabor de boca que deja la primera mitad del disco, en la que el único lunar quizá sea Bouncing Off the Wall. Es solo una opinión subjetiva, pero deja una sensación de canción power pop adolescente y excesivamente azucarada, que ya no les pega a unos Green Day que, tras tantos años de carrera, deberían estar por encima de ese tipo de propuestas sonoras. El mal trago dura poco, porque Still Breathing recupera el pulso y clama a los cuatro vientos que, tras tantas y tantas batallas, están de vuelta y "siguen respirando". Conscientes de la calidad de este tema, lo eligieron para ser el segundo single de esta particular revolución radiofónica, que en su segundo tramo tiene también canciones destacables como Youngblood o Forever Now, que nos recuerda al modo de trabajar de la banda en American Idiot o 21st Century Breakdown, ensamblando diferentes partes de canciones en una sola de casi siete minutos, convirtiéndola en una rara perla en un disco, por lo general, basado en trallazos de tres minutos. 

Termina el disco con Ordinary World, un tema firmado en solitario por Billie Joe Armstrong, que aparece en la película del mismo nombre, que el líder de Green Day protagonizó en 2016, poniendo la guinda a un meritorio intento de revolución profesional, con la que dieron un golpe de timón a una carrera que empezaba a precipitarse al vacío tras una cuenta hacia adelante que no había convencido a casi nadie. Con Revolution Radio enderezaron el rumbo, y garantizaron que la próxima vez que sonaran en la radio, y les escucháramos contar "Uno, Dos y Tres" fuera para comenzar alguna de las doce descargas de decibelios que conforman esta apreciable vuelta a la intensidad y el talento de sus discos más celebrados.

0723 (They Long To Be ) Close To You - The Carpenters

 

Close To You, The Carpenters

     El 19 de agosto de 1970, el dúo estadounidense The Carpenters publica su segundo álbum de estudio, Close to You. El disco fue grabado entre 1969 y mediados de 1970 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción de Jack Daugherty, y publicado por el sello discográfico A&M / Polydor. El disco y sus sencillos alcanzaron un gran éxito, llegando a conseguir ocho nominaciones a los premios Grammy, incluyendo Álbum del año, Canción del año y Grabación del año, y ganando los premios a Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Contemporánea por un Dúo, Grupo o Coro. En cuanto a ventas, el álbum llegó al puesto número 1 en las listas de ventas de Canadá, alcanzando también la cima en las listas estadounidenses Billboard Hot 100 y Adult Contemporary. En Reino Unido llegó a entrar en el top 50 de su lista oficial, llegando a permanecer durante 76 semanas en la misma.

Uno de sus exitosos sencillos fue (They Long To Be) Close To You, una canción escrita por el dúo Burt Bacharach y Hal David, y que fue la primera canción de estos compositores que The Carpenters grabarían. Si bien es cierto que hubo varias versiones anteriores, entre las que se encuentran las realizadas por Richard Chamberlain (1963), Dionne Warwick (1964) o Dusty Springfield (1964), la canción no conseguiría un gran éxito hasta la versión hecha por The Carpenters con el respaldo instrumental de músicos de sesión de Wrecking Crew de Los Ángeles. 

En las primeras sesiones de grabación de la canción Karen Carpenter tocó la batería, pero al productor no le gustó, por lo que decidieron volver a grabarla con Hal Blaine a la batería, Joe Osborn al bajo, Chick Findley a la trompeta, Bob Messenger a la flauta, Karen Carpenter voz principal y coros y Richard Carpenter piano, piano electrónico, clavecín, orquestación y coros. La parte de la trompeta en el medio de la canción tampoco fue fácil, pues Richard Carpenter tenía un sonido muy específico en mente y tenía varias trompetas tratando de tocarlo. Al final sería Chuck Findley quien resolvería el problema, tocando todas las partes de trompeta él mismo y luego superponiéndolas para crear el sonido escurridizo que Richard quería.

Stars of the Lid - And Their Refinement Of The Decline #Píldora 16

Siempre he sentido que la música ambiental, cuando se hace de manera efectiva, puede manipular mis emociones de una manera única y poderosa cosa que no consigue cualquier otro tipo de música. Esta intensa manipulación emocional es algo que creo que Stars of the Lid ha captado perfectamente son su album And Their Refinement of the Decline. Gran parte de este disco consiste en oleajes en evolución que se unen, crecen y mueren en escalas de tiempo de segundos, el resultado es un disco que sube y baja como la respiración de un moribundo en paz con su tiempo en la Tierra. La fugacidad de estos sonidos hace que la música se sienta unida por un hilo, siempre inminentemente cerca de dispersarse por completo. Con este minimalismo sonoro, el grupo realiza una destilación de la emoción de su música hasta sus ingredientes más básicos, incluso mediante la introducción de grabaciones de campo y el mayor uso de instrumentación reconocible en la segunda mitad del álbum, nunca se presenta como un elemento mas sin un propósito estricto. Mi consejo es que te sientes, cierres los ojos, olvides tu dia a dia y sientas cómo el tiempo comienza a desvanecerse, si eres como yo, tus oídos comenzarán a aferrarse a cada sonido como si fuera el último que escucharán.

En este estado en el que te dejamos en el parrafo anterior, las hinchadas pensativas de “Articulate Silences, Pt. 1” se convierten en llamadas desgarradoras a tiempos más simples, y cortes plácidos como “The Evil That Never Arrived” y “Don't Bother They're Here” se convierten en momentos serenos de reflexión deslumbrante. “The Daughters of Quiet Minds” es el corte más largo y nos deja una sensación distintiva de tenue exuberancia juvenil, después de un torbellino inicial de sintetizadores, se asienta en un solo pasaje breve, hipnóticamente repetido, que mantiene al oyente en su lugar en un mundo lleno del optimismo de la infancia. “The Mouthchew” evoca perfectamente los sentimientos de decir adiós a los seres queridos y hacer las paces con tu vida. Similar a la música de "The Caretaker", donde casi puedes ver imágenes de tu pasado y la conciencia del presente desvaneciéndose mientras la escuchas.

And Their Refinement of the Decline es una obra maestra y uno de mis álbumes ambientales favoritos de todos los tiempos, sus altibajos emocionales son trascendentales y los bajos desgarradores. Este es el tipo de álbum que espero que siempre pueda llevarme a su mundo sin importar cuántas veces lo escuche, no espero que todos tengan la misma experiencia que yo con este álbum, pero, en caso de que la tengas, te imploro que lo escuches y lo pruebes.

0722.- We've Only Just Begun - The Carpenters

The Carpenters en los años 70 dominaron las listas de éxitos y vendieron cientos de discos, y eso lo consiguieron sin obtener ningún tipo de alabanza por parte de la critica musical, han pasado mas de 50 años y ahora tenemos la previsión histórica y la nostalgia para reevaluar a The Carpenters. Si bien no estaba vivo en los años 70, todavía tengo algo de nostalgia por los Carpenters de mi infancia, y puedo decir con confianza que Close to You es un álbum pop superior al promedio de lo editado en aquellos años y contiene algunas de las mejores canciones pop de la historia, se pude decir que es un gran álbum, pero quizás para ser una joya le sobra alguna canción que esta de relleno. Gran parte del éxito se debe sin duda sus componentes, principalmente Karen Carpenter que es una cantante fantástica, a su lado, su hermano Richard Carpenter es un buen vocalista, pero un excelente arreglista musical, y la unión de ambos hace que suene realmente bien. No es la música más profunda, pero no necesariamente creo que el pop deba ser excepcionalmente profundo para ser genial.

La calidad prístina de 'We've Only Just Begun' tiene mucho más mérito cuando te das cuenta de que la canción fue compuesta originalmente para un anuncio bancario. En 1968, Crocker Bank se acercó a Paul Williams y Roger Nichols y les pidió que escribieran una canción que atrajera a jóvenes y recién casados a su institución. En declaraciones a una web Williams recuerda como "La agencia de publicidad nos llamó y dijo: 'Mira, vamos a mostrar a una pareja joven casándose, conduciendo hacia la puesta del sol, y va a decir: 'Tienes un largo camino por recorrer, nos gustaría ayudarlo a llegar al Crocker Bank. Y dije: Vale, ¿qué rima con Crocker? ¿Crocker qué? Y dijeron muy específicamente: "No, no queremos un jingle". Lo que pidieron es lo que hoy llamaríamos un video musical. Iba a mostrar a una pareja joven casándose, conduciendo hacia la puesta del sol. Después de la ceremonia, el primer beso y todo. Así que Roger y yo escribimos la canción que tocaría sobre eso”. La pareja terminó escribiendo los dos primeros versos de 'We've Only Just Begun'. Aunque la canción no encabezó las listas como lo hizo "Close To You" un par de meses antes, alcanzó el puesto número 2 en el Billboard Hot 100 y el número 1 en las listas Adult Contemporary. También ganó un Grammy por Canción del Año y Mejor Canción Contemporánea, y a diferencia de algunos estándares del pop que parecen convertirse en canciones de "cualquiera", donde la interpretación original se eclipsa o se olvida (piense en "Unchained Melody"), "We've Only Just Begun" se ha mantenido indeleblemente vinculada a The Carpenters, incluso después de innumerables versiones y mas de 50 años. Los tradicionalistas de línea dura pueden erizarse ante la idea de que una canción de 1970 esté clasificada entre los clásicos de la canción popular estadounidense. No les hagas caso, como cualquier gran clasico, "We've Only Just Begun" sirve para definir un tiempo y una generación, pero también es atemporal: suena tan actual y musicalmente convincente hoy como lo hizo en 1970.

The Carpenters llegaron incluso a tocar en 1972 en la Casa Blanca tras aceptar una invitación del presidente Richard Nixon. Musicalmente eran inofensivos, lo que los llevó a ser muy queridos por los medios de comunicación más conservadores, aunque lo que por entonces pocos sabían a ciencia cierta es que Karen no solamente estaba luchando contra el fantasma de la fama, sino también contra sí misma, sin duda fue una de las grandes voces de todos los tiempos, pero su corta vida transcurrió entre el desamor y la obsesión, como Janis Joplin, como Amy Winehouse, Karen tuvo una vida intensa, vertiginosa, una de esas vidas que suelen pasar, rápidamente, de la gloria al drama, del éxito al pesar más profundo. Y su trágica muerte visibilizo una enfermedad como la Anorexia, lacra del Siglo XXI para muchas niñas condenadas por una sociedad que exprime la imagen hasta secarlas y que en los años 70 del siglo pasado ya causaba dolor y muerte.

Disco de la semana 307: Hermanos de Sangre - Viejas Locas

Disco de la semana 307: Hermanos de Sangre - Viejas Locas

Seguimos recomendando más rock nacional Argentino, y en este caso nos metemos más en la cultura del Rock and Roll Argentino, con un grupo llamado Viejas Locas es una banda de rock argentina que surgió en la década de 1990. Esta banda originaria de la ciudad de Buenos Aires, esta influenciada por la banda britanica The Rolling Stones y también por el género del blues, llegando a ser una de las más importantes dentro del subgénero stone durante los años '90.

En esta oportunidad estamos recomendando el álbum Hermanos de sangre que es el título de su segundo álbum de estudio del grupo de rock argentino Viejas Locas, fue lanzado en el año 1997 a través de la discográfica PolyGram en 1997.

La banda saco al mercado dos canciones con la intención de promocionar el álbum que fueron las canciones "Perra" y "Aunque a nadie ya le importe". Posteriormente, se realizaron los videoclips de cada una.

Todas las canciones del álbum fueron compuestas por su lider Pity Álvarez, a excepción de "Aunque a nadie ya le importe" y "Todo terminó" compuestas por Sergio Toloza y "Difícil de entender" compuesta por Fabián Crea, el álbum contiene 13 canciones. 

La banda tuvo una alta popularidad y sus shows fueron cada vez más aumentando en cantidad de fans que seguía a la banda. Y es cuando en 1997 entran nuevamente a un estudio de grabación para registrar los nuevos temas y darle forma a lo que sería Hermanos de sangre, el segundo trabajo discográfico de Viejas Locas, que salió a la venta los primeros días de agosto de ese año. Para este álbum se barajó la posibilidad de trabajar con Andrew Oldhman como productor viejo productor de The Rolling Stones, lo que finalmente no sucedió. El primer corte de Hermanos de Sangre que sonó en las radios fue "Perra" , del cual se hizo un videoclip. También tuvo un videoclip otra de las canciones que fue difundida como su segundo corte de difusión, "Aunque a nadie ya le importe".

Con Hermanos de Sangre la popularidad de la banda aumentó más, y, al año siguiente, se le presentó a Viejas Locas una gran posibilidad de tocar como soportes de The Rolling Stones. Cuando los ingleses volvieron a tocar en Buenos Aires, Viejas Locas participó como banda telonera en cuatro de los cinco shows que dieron en The Rolling Stones en el estadio River Plate de la ciudad de Buenos Aires, además, en estas presentaciones que duraron media hora aproximadamente, la banda experimento sobre el escenario con un set de vientos. Ser soportes del legendario grupo les permitía poder ser vistos y escuchados por gran cantidad de gente, quienes también pudieron apreciar el show de banderas en apoyo al grupo y bengalas que se daba en los recitales de Viejas Locas en Cemento una sala de conciertos muy popular de buenos aires. 

Por ello para este álbum Hermanos de Sangre, Viejas Locas especulo que Andrew Oldham, reconocido por trabajar con The Rolling Stones en los años sesenta, podía colaborar como productor, cosa que no sucedió y que sí lograrían otra banda argentina que ha hemos recomendado, los Ratones Paranoicos. 

Sin embargo, esto no detuvo la marcha de Pity Alvarez su líder y los suyos. En 1997 editarían su segundo disco Hermanos de Sangre en el cual se nota una cierta mejoría de la banda.

La evolución positiva llega porque Viejas Locas empieza a explorar nuevas variantes en su estilo. En Hermanos de Sangre no es solo rock and roll cuadrado, hay country y folk rock, como “Aunque a nadie ya le importe” y “Caminando con las piedras”. Por eso la primera parte del álbum es la mejor, porque además contiene los mejores temas de rock que puede ofrecer Viejas Locas. “Dámelo” es bueno por su dinámica y “Hermanos de sangre” también se destaca porque tiene un buen riff. Además esta el famoso single de difusión “Perra”, que tiene un estribillo tan cutre como pegadizo.

Ya en la segunda parte del disco, decae un poco la calidad de las canciones. Aparece un rock and roll más cuadrado que se puede escuchar más habitualmente, y que hacen todas las bandas de rock, esto lo podemos escuchar en el caso de “Difícil de entender” que es de lo más simple que nos ofrece Viejas Locas como sonido musical. “Puente de la noria”, “Dos nenas” y “Todo terminó” y esto se repite en estas canciones un rock bien corrientes y repetitivos. Y “Buey” difiere en que lo acompaña una armónica pero es bastante aburrido, a lo que nos acostumbro el lado A del álbum. 

A pesar de una lado B que no continua el ritmo de las primeras canciones, Hermanos de Sangre logra poner a Viejas Locas sobre el máximo de su popularidad, alcanzando la posibilidad de ser teloneros de The Rolling Stones cuando vinieron a la Argentina en los noventa.

Una banda que vale la pena experimentar escuchando este álbum que le recomendamos como sus otros álbumes que sacó la banda. 

Daniel 

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