The Beta Band: The Three E.P.'s (Píldora #21)

The Beta Band es un colectivo bastante extraño, para empezar, son escoceses y son increíblemente inacesibles, dan la impresión de que viven en algún lugar de las tierras altas, deambulando ocasionalmente solo para grabar un EP o tres, prácticamente no se prodigaban en la prensa, ni siquiera para anunciar sus nuevos trabajos, parecían decididos a dejar que su música, y sólo su música hablara por ellos. Ni siquiera sabemos cuántos miembros componen la banda, ya que el folleto de este álbum no contiene información sobre la banda o las canciones (más allá de la información de derechos de autor, nombres de las pistas y agradecimientos). Sin embargo, este disco es bastante interesante por derecho propio, ya que es una colección de todas las portadas originales e ilustraciones de discos

La publicación de este trabajo es tan extraño como el grupo, no es realmente un álbum, sino (sorprendentemente) una compilación de los primeros tres lanzamientos de EP de Beta Band, reunidos en un solo lugar. Esto trae a primer plano uno de los mayores problemas de inmediato; es difícil escucharlo como un todo, y no recomendaría hacerlo. Cada tercio del álbum fue concebido como su propio EP, y en sí mismos, cada uno puede darnos una escucha diferente. En conjunto (aunque, para su crédito, ninguno de los estilos de las pistas de los EP choca demasiado), se convierte en una experiencia auditiva peligrosamente tediosa, simplemente porque las 12 pistas juntas apenas alcanzan el valor de un CD completo de música (78 minutos). La música en sí también es poco predecible, la palabra que siempre me viene a la mente para describirlo es "ecléctico", ya que contiene elementos de rock alternativo/indie en general, pero también folk, en cierta medida, y hip hop (incluidos samples), todo ello con un marcado carácter. Gran parte de la eficacia de la música se basa en la repetición, creando un efecto bastante fascinante y relajante, casi hipnótico, a veces. Me tomó mucho tiempo realmente sentarme y escucharlo más allá del gran single "Dry the Rain", especialmente el EP espacial, a menudo casi experimental, The Patty Patty Sound, pero cuando finalmente lo hice, me encantó lo que encontré. Porque afortunadamente, dada la naturaleza tenue y repetitiva de la música, Beta Band es realmente buena en lo que hace. Todas las canciones encajan en un ritmo desde el principio y se aferran a él en todo momento. El resultado son tres EP maravillosos, aunque uno de ellos demasiado largo.

Fleet Foxes - Fleet Foxes (Píldora #19)

 

Fleet Foxes es una de las mejores bandas surgidas en la década de 2000 y este álbum es también uno de los mejores debuts que he escuchado, es algo es muy diferente a todo lo demás, igual que sucede con el grupo, un sonido nuevo que es emocionalmente hermoso que debería ser amado por todo el mundo.

En el comienzo de Sun It Rises, parece que todos están borrachos cantando melodías de espectáculos, después hay variedades extremas de música, como las guitarras en el medio y las armonías vocales del final, quizás no es su mejor canción, pero comienza el álbum con una nota inquietante y misteriosa. White Winter Hymnal es una verdadera joya, una de las mejores que he escuchado, aunque la canción es muy corta, cada segundo es genial, especialmente al final, cuando Pecknold aúlla más fuerte y los instrumentos alcanzan su clímax junto con el rápido ritmo de la batería, luego tranquilidad mientras las voces se desvanecen maravillosamente. Quiet Houses es en cambio, ruidosa y con algo punk, pero consigue transmitir belleza, además esta muy bien escrita, les sale muy bien agregar un poco de punk ya que en ningún momento arruina las raíces folks indie, y consigue que el ritmo de esta canción te haa aplaudir como si estuvieras cantando en un estadio. Heard Them Stirring, es una canción rockera y las armonías son muy poderosas, aun así, es un tema relajante ideal para cualquier amante de la naturaleza, el sonido te puede llegar a adormecer mientras viajas con las armonías para luego despertar con lágrimas en los ojos.. Blue Ridge Mountains es mi canción favorita de este álbum con diferencia, bellísimo comienzo con la guitarra suave y la voz pegadiza y cargada de nubes de Robin Pecknold, la canción se vuelve más rápida y adorable, emotiva y celestial con la gran historia de su hermano y cómo lo ama, el coro también es fenomenal y sorprendente.

Wilson Pickett - The Exciting Wilson Pickett #Píldora 17

 

El disco The Exciting Wilson Pickett tiene unos musicos de acompañamiento excelentes (Cropper, Hayes, entre otros), pero se necesita Pickett para convertir este disco en uno de los grandes discos de soul de la época solo es capaz de entregar esa implacable dureza en su voz, pero que nunca nos resulta insoportable o áspera. Pickett es la estrella, obviamente, estamos escuchando a uno de los mejores cantantes de soul de su época y no importa si es alguna de las canciones no la conoces acaba impresionando cada tema, hace un trabajo excepcional por eso no es un título inapropiado, sumale a los MG (aquí sin Booker T, con Isaac Hayes en su lugar) que están en buena forma y sale algo casi perfecto. "Emocionante" fue el epíteto correcto para este semental de un disco: Pickett inicia el disco a la velocidad vertiginosa de "Land of 1000 Dances", y no lo suelta ni por un segundo. Incluso aunque todos hemos memorizado "Dances" y "Midnight Hour", no se dejen engañar pensando que son un par de éxitos en un mar de relleno: el disco es aterradoramente consistente y no tienes ningún momento para recuperar el aliento. Aunque la sección de llamada y respuesta "naa-na-na-na-naa" es la parte más icónica de "Land Of 1000 Dances", es realmente la introducción lo que me encanta de la canción. Las secciones de vientos pasan como un rayo mientras el bajo las impulsa hacia adelante, es una canción ejecutada a la perfección. Sin embargo, Pickett sigue siendo la estrella del espectáculo aquí, entregando todos y cada uno de los versos de introducción como un golpe limpio y usando las letras como dispositivos de látigo. El clásico "634-5789" es un himno glorioso del espíritu de los primeros R&B, y "Ninety-nine and One-half" construye un ritmo turbio donde Pickett da su actuación más agresiva y tensa del disco (bien por el público por hacer de esta canción un poco menos comercial un éxito). Atencion al rock duro y duro de "Ninety-Nine and a Half (Won't Do)", con su ritmo sólido, trompetas contundentes y la voz cruda y áspera de Pickett. Además, Isaac Hayes está al piano aquí. La versión individual alcanzó el R&B Top 15, mientras que su lado B, el ritmo "Danger Zone" también se incluye en este LP.

Stars of the Lid - And Their Refinement Of The Decline #Píldora 16

Siempre he sentido que la música ambiental, cuando se hace de manera efectiva, puede manipular mis emociones de una manera única y poderosa cosa que no consigue cualquier otro tipo de música. Esta intensa manipulación emocional es algo que creo que Stars of the Lid ha captado perfectamente son su album And Their Refinement of the Decline. Gran parte de este disco consiste en oleajes en evolución que se unen, crecen y mueren en escalas de tiempo de segundos, el resultado es un disco que sube y baja como la respiración de un moribundo en paz con su tiempo en la Tierra. La fugacidad de estos sonidos hace que la música se sienta unida por un hilo, siempre inminentemente cerca de dispersarse por completo. Con este minimalismo sonoro, el grupo realiza una destilación de la emoción de su música hasta sus ingredientes más básicos, incluso mediante la introducción de grabaciones de campo y el mayor uso de instrumentación reconocible en la segunda mitad del álbum, nunca se presenta como un elemento mas sin un propósito estricto. Mi consejo es que te sientes, cierres los ojos, olvides tu dia a dia y sientas cómo el tiempo comienza a desvanecerse, si eres como yo, tus oídos comenzarán a aferrarse a cada sonido como si fuera el último que escucharán.

En este estado en el que te dejamos en el parrafo anterior, las hinchadas pensativas de “Articulate Silences, Pt. 1” se convierten en llamadas desgarradoras a tiempos más simples, y cortes plácidos como “The Evil That Never Arrived” y “Don't Bother They're Here” se convierten en momentos serenos de reflexión deslumbrante. “The Daughters of Quiet Minds” es el corte más largo y nos deja una sensación distintiva de tenue exuberancia juvenil, después de un torbellino inicial de sintetizadores, se asienta en un solo pasaje breve, hipnóticamente repetido, que mantiene al oyente en su lugar en un mundo lleno del optimismo de la infancia. “The Mouthchew” evoca perfectamente los sentimientos de decir adiós a los seres queridos y hacer las paces con tu vida. Similar a la música de "The Caretaker", donde casi puedes ver imágenes de tu pasado y la conciencia del presente desvaneciéndose mientras la escuchas.

And Their Refinement of the Decline es una obra maestra y uno de mis álbumes ambientales favoritos de todos los tiempos, sus altibajos emocionales son trascendentales y los bajos desgarradores. Este es el tipo de álbum que espero que siempre pueda llevarme a su mundo sin importar cuántas veces lo escuche, no espero que todos tengan la misma experiencia que yo con este álbum, pero, en caso de que la tengas, te imploro que lo escuches y lo pruebes.

The Residents - Duck Stab/Buster & Glen #Píldora15

Podemos considerar este álbum como una gran introducción, aunque un poco incompleta, a una banda que desafía toda descripción, The Residents, el cuarteto anónimo de artistas y músicos de Louisiana, ha creado una variedad de música tan diversa a lo largo de su larga carrera que es muy difícil presentarlos a la gente con seriedad. Duck Stab fue originalmente un EP que luego se combinó con Buster Glenn. para formar un album, toma de Duck Stab las primeras siete pistas, el resto de Buster Glenn y juntos forman una lúcida pesadilla de canciones pegadizas. No estoy seguro si "Duck Stab" es el álbum más accesible en el catálogo de la banda, ya que lo que es "accesible" es subjetivo y todavía se vuelve mas extraño cuando hablamos de The Residents, lo que si puedo afirmar que es probablemente el álbum más convencional que hicieron durante los años 70, las pistas son bastante cortas, la más larga solo dura 3 minutos y medio.

“Constantinople” es uno de los temas que más te pueden abrir los ojos para disfrutar lo que nos espera, inicia el disco con distorsionados y metales acentuados que se complementan con panderetas y un extraño arpegio de sintetizador formando un ritmo pegadizo pero inquietante. Después del caos y la adrenalina del primer contacto, el disco se calma un poco con "Sinister Exaggerator", ofreciendo un ritmo mínimo que se desarrolla lentamente en un tentador plom, convirtiendose en algo casi psicodélico cion la forma en que cada nota se fusiona entre sí. Las voces, a pesar de ser más melódicas y ejecutadas en un tono de voz regular, aún suenan al borde de lo inhumano. "Blue Rosebuds", tiene un gancho cantarín que sirve para cerrar la pista como una canción de amor, pero tiene un verso en el medio que la transforma por completo, desde sus primeros momentos, el estribillo es muy directo y fácil de entender, pero la forma que tiene de sonar la música hace que no suene como la típica canción de amor. “Semolina” es uno de los grandes éxitos del álbum, con estos bajos sutiles pero hipnóticos que van muy bien con la suave melodía, también tiene uno de los estribillos más pegadizos de cualquier canción de Residents, lo que supongo que considerando la mayor parte de su repertorio no es decir mucho. "Birthday boy", trata sobre una persona que quiere que la dejen sola en su cumpleaños, pero nadie lo hace. Esto se comunica no solo en la letra, sino también en el instrumental que se siente como si estuviera hecho para sonar lo más desagradable posible con estos cables que suenan como si estuvieran saliendo de esas cosas que hacen ruido de fiesta y los sintetizadores deformados que yacen debajo de ellos.

Estamos ante un album qe todavía se mantiene como uno de los mejores ejemplos experimentales de los años 70, es un disco que pondrá a prueba tu paciencia. o incluso obligarte a pensar profundamente en ello para disfrutarlo pero a la vez resulta muy divertido con golpes pegadizos, melodías memorables y momentos que son tan extraños que probablemente se quedarán contigo mucho después de que los escuches. Es un punto de partida perfecto para adentrarse en la banda, o incluso en este tipo de música en general. En conclusión, The Residents son una banda con la que siento que siempre me dejara tocado, a veces, resultan demasiado raros, otras veces, traspasan los límites de la música y crean discos que respeto pero que no disfruto mucho. Sin embargo, álbumes como Duck Stab / Buster & Glen son extremadamente agradables incluso a través de todas las atmósferas extrañas, terroríficas y surrealistas que traen consigo.

Johnny Cash – At San Quentin #Píldora 14

Cualquiera que tenga un poco de conocimiento sobre la música y la personalidad de Johnny Cash sabe que el Hombre de Negro se sentía demasiado cerca de los presos y de aquellos que habían tenido problemas con la justicia, se relacionó con ellos casi como si tuvieran un parentesco. Y quizas por esa complicidad el mejor álbum en vivo de Johnny Cash es una actuación en una prisión, no es muy diferente de su anterior álbum en vivo, At Folsom Prison, si quereemos compararlos quizas en este album las canciones son más rápidas y animadas. El publico formado por prisioneros la actuación de Johnny Cash y él está más que dispuesto a seguirle el juego, creando momentos cómicos.  Además de eso, hay incluso más canciones y momentos inolvidables en este álbum que en Folsom Prison, nos regala un complemento perfecto para At Folsom Prison, sin duda At San Quentin es uno de mis álbumes en vivo favoritos.

Empezamos por destacar la versión de 'I Walk The Line' aquí es mejor que la grabación original de estudio, la autenticidad de esos gritos de alegría de los reclusos crea una atmósfera diferente a cualquier otra grabación en vivo que haya escuchado en mi vida, es su verdadera magia, también cabe destacar el dueto con su esposa June Carter Cash en 'Darling Companion', siempre es algo especial cuando los dos toman el micrófono juntos. "A Boy Named Sue", escrita por Shel Silverstein, es maravillosa, supongo que la mayoría de los lectores han escuchado esta canción, por lo que no hay necesidad de discutir más sobre su letra cómica, también disfruto de "Peace in the Valley", es algo único ya que rara vez me gusta la música espiritual/góspel.

Johnny Cash era tan rudo, en serio, recorriendo prisiones vestido de negro como un predicador caído, hablando de que no le importa la autoridad, cantando sobre matar gente, ir a la cárcel y finalmente dando una serie de canciones espirituales para amansar a las fieros, esos convictos endurecidos lo amaban, él era el artículo genuino. At XSan Quentin es una prueba de humildad hecha historia, chillarle al Hombre de negro y reírle sus chistes, sus provocaciones y sus órdagos a la administración de la prisión los llevo mas lejos de lo que nadie pudo imaginar. Y así se quedó, con el tupé, la chaqueta tejana, la guitarra acústica y el repertorio mohoso de tanto pasearlo por la intemperie oclusa de esas paredes demasiado altas para ser trepadas. Si solo desea tener dos álbumes de Cash en su colección, entonces 'Live at Folsom Prison' y 'Live at San Quentin' son todo lo que realmente necesita. Son mejores que las grabaciones de estudio porque realmente tienes la oportunidad de escuchar a Cash.

Kanye West - The College Dropout #Píldora 13

Kanye West, es para la sociedad alguien egocéntrico y egoísta que aparentemente odia mas ser humilde que a los cantantes de country, y que cree que debería estar presente en la versión moderna de la Biblia, sin embargo, este hombre ha sido capaz de cambiar un género de música más que nadie en los últimos años. Personalmente no me gusta la gente arrogante, no tiene nada de malo tener confianza en uno mismo, pero los egos demasiado grandes me asustan, sin embargo Kanye consigue para darnos motivos, hasta el punto que podamos creernos que su comportamiento está respaldado por actos que le encumbran dentro de un grupo y le coloca en un status único. El legendario cantautor, compositor y multimillonario, comenzó su carrera con The College Dropout, un álbum que incluye arreglos de cuerdas, coros y una muestra de soul característica, y al contrario de las letras de gángsters que eran tan populares en el hip-hop, sus letras giran principalmente en torno a temas de familia, materialismo, religión y racismo.

Caben  destacar varias canciones, por ejemplo “Graduation Day” nos muestra a Kanye siendo reprendido y expulsado de la Universidad por hacer que los niños canten sobre las drogas, esto también es un guiño a la incompatibilidad y la fantasía que presenta el sistema educativo, en él nunca encontraremos estabilidad, ni felicidad, ni éxito. Con “All Falls Down” disfrutamos del canto de Syleena Johnson de fondo, el rap y el mensaje general de Kanye, aderezados por unas brillantes partes de guitarra, ese conjunto lo hacen todo extremadamente bello, además tiene un gran mensaje en la letra, todo en esta canción es simplemente perfecto y posiblemente sea el tema que más me impacta del album. “Spaceship'' tiene uno de los mejores instrumentales del álbum y Kanye nos da un tono casi frustrante, nos transmite una desesperación melancólica perfectamente acompañada por las voces de fondo. Kanye está atrapado soñando con el día en que construirá una nave espacial y volará a un lugar más feliz. “Jesus Walks'' es la otra gran canción del álbum, la producción es asombrosa con la banda de música que te golpea con el "bum bum bum" y suena como si estuvieras en el cielo, una vez mas los vocalistas están increíbles.

No tengo grandes conocimientos del hip hop de esa época, pero sé lo suficiente como para saber que en una época en la que el gangsta rap era lo que te conseguía un contrato discográfico, este personaje realista de Jesús y su familia fue soplo de aire fresco para el género, por eso escucha The College Dropout, es bueno y exuda una personalidad peculiar, está claro que hay algunas canciones pesadas que llegan a cabrearte pero Kanye saca adelante un gran debut, un disco recomendado para la mayoría de las personas, ya que es bastante fácil de escuchar, quizás la parte central del álbum es más pesada, pero el resto brilla a un gran nivel y lo compensa.

The Mekons - Fear and Whiskey Píldora #12

The Mekons es una banda británica de post-punk creada a finales de los 70’s formada por estudiantes de la universidad de Leeds, con raíces del post-punk y sin ningún ánimo económico que promulgaban que cualquiera podía pertenecer a la banda y tocar su estilo musical. El colectivo Mekons se entregaron sin condiciones a la solidaridad y la creatividad, mientras la paranoia de la Guerra Fría y el capitalismo voraz estaban arruinando el mundo, ellos ponían música en sus cassetes, bebían, gritaban para que su flujo creativo fluyera. Probablemente querían que el mundo supiera que aquí estaban, que habían creado un grupo musical marginal en un momento horrible de la historia, pero no se imaginaban que los aburridos críticos de rock se abalanzarían sobre el álbum y lo definirían como un nuevo clásico.

El disco Fear and Whiskey es mencionado por muchos como el nacimiento del “alt country”, (mezcla de música folk, bluegrass, rock & roll, rockabilly, música acústica, honky tonk o punk rock), no tenemos la certeza de que sea así, pero si estamos ante un post punk notablemente único, especialmente en el Reino Unido. "Chivlary" es un tema folk agradable, aunque bastante anodino, pero contiene la gran letra de que le da al álbum su título ("Salí tarde la otra noche / El miedo y el whisky me mantuvieron en marcha / Juro que alguien me abrazó fuerte / Pero ahora no hay forma de saberlo"). "Trouble Down South" comenzó como un experimento de voz y teclado en 1982, destaca la paranoia, conseguida con un violín y un coro y crean una de las canciones más ominosas y desgarradoras jamás grabadas contra la guerra, el cantante Ken Lite canta y recita una triste narración sobre un pueblo indefenso amenazado por bombardeos aéreos. "Darkness and Doubt" es otro escaparate de Greenalgh, que comienza con una guitarra country 'n' western (el sonido de un caballo paseando), seguida de una extraña apertura: "La habitación estaba llena de luces intermitentes / Hablaron en lenguas alli) / La oscuridad y la duda me persiguen”. "Country" es sucia y apasionante, una diatriba asustada que se enfrenta al país de origen de Mekons con un claro mensaje "No estoy listo para esto / No estoy listo para esto / Una y otra vez, realmente no estoy listo en absoluto”. ¿Listo para qué? los poderes fácticos eran imparables en su destrucción de la democracia y la decencia humana. Mecánicos borrachos, violín efervescente, guitarras 'tocadas', sección rítmica jovial como si estuviera bajo los efectos de los tranquilizantes, y voces masculinas/femeninas tan humanas que dicen la verdad al poder y cuentan que la última noche fue un fracaso total, más pasión que exactitud, cánticos contra el mundo tal como existe, y esperanzas para el futuro. Un álbum sobre bombas y corazones rotos, miedo y whisky, The Mekons nunca sienten autocompasión, y siempre están listos para unirse a la lucha contra las imposiciones autoritarias y todos los que nos quieren gobernar, un álbum que en 2022 es necesario de nuevo, tal vez incluso más.

Jorge Drexler – Eco Píldora #11

No es la música típica de cualquier cantautor a solas con su guitarra, ni las letras típicas de amor. Aparte de la guitarra tenemos unos sonidos eléctricos que le dan un toque modernetea acompañado por el aspecto metafísico de algunas de las letras. La voz de Drexler es como una niña si la comparamos a las de Ricardo Arjona o Joaquín Sabina, pero esto no es una pega, sólo una peculiaridad. Estamos ante un álbum que todo oído hispano debe disfrutar alguna vez. Drexler ganó el Oscar por la canción principal con Al otro lado del río, de la película Diarios de motocicleta, una melodía muy suave y tranquila, del género folk alternativo, su voz canta en las notas altas de una manera nostálgica y de esperanza para el futuro y en las bajas es muy fluida, como la característica del agua. Destaca también La Milonga del moro judío, una de mis canciones favoritas de Jorge Drexler, que aprovecha para reflexionar sobre la importancia de la tolerancia hacia la diversidad y de esta manera sentirnos parte de la gran familia de la humanidad. Con Eco, Jorge Drexler nos entrega una colección de canciones Pop hábilmente escritas y arregladas, para cantar mientras conduces por la ciudad, es Pop pero ese Pop es moderno, déjate embaucar por su voz suave pero expresiva, su articulación clara, con ese encantador acento uruguayo/argentino.

This Mortal Coil - It'll end in tears Píldora #10

This Mortal Coil es el esfuerzo colaborativo de Ivo Watts-Russell y una lista de superestrellas post-punk de los 80, Ivo es conocido por cofundar el sello discográfico británico 4AD, que ha sido el hogar de artistas como Bauhaus, Dead Can Dance, Cocteau Twins o Pixies. It'll End In Tears es una colección inquietante de ambient, dream pop, devastadores paisajes sonoros industriales y evocadores arreglos a cappella. Cada canción adopta un enfoque ligeramente diferente para crear el mismo estado de ánimo y creo ese es uno de los aspectos más notables del álbum. “Kangaroo” es una composición de Alex Chilton, cantante de Big Star, grupo norteamericano de cierto éxito a principios de los años setenta, la interpretación corre a cargo de Gordon Sharp acompañado por Simon Raymonde aunque la presencia del violonchelo de Martin McCarrick es muy notable. La canción estrella tiene como protagonista a Elizabeth Fraser, de Cocteau Twins, proporciona su gran voz para la impecable versión de "Song to the Siren" de Tim Buckley, Fraser interpreta con absoluta maestría una canción extraordinaria que ha conocido muchas versiones sin que ninguna haya conseguido acercarse a ésta, llena de sensibilidad y elegancia Destaca la conmovedora interpretación al piano de Howard Devoto de "Holocaust" de Alex Chilton, y la sensación inquietante de Watts-Russell, los espeluznantes ruidos industriales de Fryer en "Fyt", o la deslumbrante aventura de olas etéreas en "Dreams Made Flesh", de Lisa Gerrard de Dead Can Dance. El álbum sigue explorando sonidos de ensueño, a la deriva, ambientales e inquietantes, en una aventura bastante inspiradora con pistas como “Another Day” o “Waves Become Wings” otras grandes canciones que disfrutar.

 “It´ll End In Tears” destila sabiduría, nos habla de la vida y de sus imprevisibles condicionantes, y de personas que se encuentran atados a circunstancias y situaciones no deseadas. Cualquier alma sensible, encuentra en la audición de estas canciones esa complicidad existencial tan deseada por las personas solitariasAdemás suena muy fresco a pesar de que este álbum salió en 1984, consigue ser  tremendamente tranquilo, etéreo y, a veces, hermoso o incluso fascinante, algunas pistas como "Fond Affections" y "Kangaroo" pueden ser demasiado relajantes o minimalistas, pero sin ellas el álbum podría ser bastante monótono.

Blur - The magic whip Píldora #9

The Magic Whip fue escrito durante una estancia de Blur en Hong Kong, allí se suponía que la banda tocaría en el Tokyo Rocks Music Festival, pero fue cancelado, así que los chicos estuvieron atrapados en Hong Kong durante cinco días y para pasar el tiempo decidieron ser creativos y empezaron a componer canciones y no le salió nada mal. El estilo sigue siendo es el mismo, sigue siendo irresistible, recubren este disco de una mezcla de melancolía poco convencional, pero siempre con la prominente actitud de ser ellos mismos, estos detalles son los que hace que la banda sea lo que es, y justamente esto es lo que se espera de ellos durante los últimos años. Se inicia el album con "Lonesome Street" y con esa sensación clásica de Blur que recuerda los mejores momentos, una canción de rock emocionante, divertida y llena de energía que recuerda más a su era Britpop ya que tiene una estructura de canción similares, es optimista mientras habla de cosas turbias en Lonesome Street. “New World Tower” suena como algo sacado directamente de Everyday Robots (álbum solitario de Damon Albarn), Damon hizo la grabación mientras estaba de gira con su proyecto en solitario, y en la cancion canta sobre sus experiencias de viaje (luces de neón, enormes torres en el nuevo mundo, posiblemente trata sobre Hong Kong ya que fue la principal inspiración detrás del álbum). En el sencillo principal de este álbum “Go Out”, es una canción pop fantástica, es uno de mis mejores momentos del álbum, lo de Lo-ooo-cal es tan pegadizo y destaca esa sucia distorsión de guitarra, con Coxon tocando algunos rellenos entre el riff principal, disfrutamos de un puro estilo rock-n-roll con muy pocas locuras, convirtiéndose en una de las canciones más duras del álbum. “I Broadcast” es una psicodelia pop infundida con sintetizadores muy enérgicos, Coxon trae una guitarra más espacial aquí con un distorsionado ocasional, la línea de bajo de Alex James es mejor de lo habitual. "There Are Too Many Of Us" es un himno, líricamente es similar a The Universal en cierto modo por lo global, hay señales de llamadas telefónicas en segundo plano y el pequeño interludio es todo sintetizadores espaciales y suena realmente bien. “Mirrorball" es otra de las grandes, con la guitarra limpia de Coxon, es una de las primeras canciones en los que fácilmente se nota que hay un piano presente en el álbum, no sabría decirte si es algo bueno o no, pero la canción es buena casi un punto culminante. Para ser un álbum que inicialmente no estaba planeado y que simplemente sucedió, es la demostración de la química y habilidad que estos 4 muchachos aún tienen. Hay un par de pistas desechables, pero incluso con su corta sesión de grabación han demostrado que después de 16 años separados todavía tienen ese talento raro especial para producir música hermosa y relevante.

Otros articulos de BLUR en el blog:

El disco de la semana 42: "The Great Escape", Blur

Grandes exitos y tropiezos

1 artista, 3 canciones: Blur

Canciones que nos emocionan: Blur "Under the Westway"

Canciones que no soporto: Parklife, Blur

The B-52's - Wild Planet. #Píldora 8

Wild Planet es una continuación muy interesante del primer trabajo de The B-52's, aunque no tiene pistas muy memorables, realmente es un gran disco donde las guitarras post-punk ásperas aún dominan el sonido, y la interacción vocal entre los tres cantantes que sigue siendo muy divertida. Al igual que con su debut, este es un disco alocado, bailable, vagamente surfero y extremadamente cursi, pero que resulta muy divertido, el hecho de que contenga canciones antiguas que el grupo ya tocaba en directo desde sus comienzos, hace que la conexión se multiplique. The B-52 caen en manos de los "conspiradores" Brian Eno y Rhett Davies, y los resultados, aunque no son exactamente Eno si muestran a la banda moviéndose en una dirección un poco más artística, más "seria" de lo que su tonto debut podría haber sugerido. Empezando por esa estética de The B-52’s que estaba muy influenciada por el pop art y el placer por lo kitsch. Las portadas glamorosas y monocromáticas de sus primeros dos álbumes parecen pinturas de Andy Warhol, pero también encontraban en la ciencia ficción una fuente estética.

Dirty Back Road” esta influenciada por la aurora retro futurista de los alemanes Kraftwerk pero la razón por la que esta es una obra maestra de la música dance de los 80 es la simbiosis vocal entre las dos cantantes femeninas del grupo, Kate Pierson y Cindy Wilson. El sonido narcótico de la banda encuentra su mejor forma en “Private Idaho”, un hit esquizofrénico que alterna paranoia y locura. Devil In My Car: es simplemente una de las mejores canciones que jamás escribieron los B-52, y es el mejor indicativo de la excelente dinámica del rock and roll de la banda. Runnin’ Around y Strobe Light son canciones más sencillas pero no por ello menos intensas, es una pena que los B’52 nunca hayan intentado más cosas de este estilo porque se adapta muy bien al camino inspirado en el punk de la banda. Creo que Wild Planet a menudo se pasa por alto injustamente, realmente vale la pena escuchar este álbum, entregarse a sus voces, a sus sonidos, a su fiesta y sus ganas de ponerlo todo por la música

Bob Dylan - The Times They Are A-Changin’ #Píldora 7

The Times They Are A-Changin’ esta lleno de sangre hirviendo, crítica las deficiencias de la sociedad y señala con el dedo directamente a una clase dominante injusta que simplemente esta afilando sus cuchillos para el festín industrial militar que están a punto de desatar en el mundo. En 1963 el Sr. Zimmerman estaba experimentando mucha presión indirecta por parte de sus colegas de música folk (y también de la compañía discográfica) que querían que presentara un verdadero álbum de canciones de protesta. y lo que entregó fue su primer álbum compuesto únicamente por canciones originales, y en donde vemos que Dylan esta preparado para todo, no es un álbum tan brillante como el anterior, ya que probablemente adolece de homogeneidad y lo tiñe de un aspecto oscuro que no habíamos visto hasta entonces, el humor de su debut se ha desparecido, ya no hay canciones de amor despreocupadas, aqui solo hay un conjunto de canciones crudas y brillantemente observadas sobre el ambiente tenso en el que Dylan estaba rodeado en los años sesenta.

La letra de 'The Times They Are A-Changin' es excelente y la melodia se convirtió en bandera de un movimiento empeñado en cambiar el mundo para mejor, es un comienzo simple aunque conmovedor del viaje que uno emprende con este álbum. En Girl from the North Country la guitarra es más fina, más cansada, la voz humilde y distante se hace eco del sentimiento lírico de navegar a través de ese océano solitario de alguien a quien amas de verdad, amantes de la larga distancia, prepárense para llorar dulcemente en sus almohadas. The Balad of Hollis Brown es oscura y demoledora hasta la médula, cuenta la historia de un granjero de Dakota del Sur que, abrumado por la desesperación de la pobreza, mata a su esposa, a sus hijos y luego a sí mismo, una canción muy dura y deprimente. Otras destacada es With God on Our Side, de alguna manera es una secuela de Masters of War, criticando la actitud de mente cerrada y desinteresada de la sociedad humana, relacionada con quién tiene el derecho último (en contexto 'Dios') de su lado. Only a Pawn in Their Game advierte sobre los antecedentes de racismo de las élites blancas ricas en los EE. UU., que llevaron al asesinato del activista de derechos civiles Medgar Evers. Dolorosa, honesta y descorazonadora. When the Ship Comes In es una pequeña cancioncilla áspera llena de hermosas imágenes construidas alrededor de la llegada de un barco como metáfora de la victoria, presumiblemente una victoria del movimiento de derechos civiles. Con el disco a punto de acabarse, pasamos a una canción tan trágica como asombrosa, 'La saqué de un periódico y cambié la letra', dijo Bob Dylan sobre esta historia de racismo e injusticia a manos de Billy Zatzinger, un hombre que quitó a una persona de raza negra, de la que habla la canción The Lonesome Death of Hattie Carroll y solo cumplió 6 meses por su crimen, su villanía fue apropiadamente inmortalizada por Dylan. Podiamos seguir mencionando mas canciones pero nos quedamos aqui, si te gustan sus álbumes optimistas, te ofrece varios en su discografía, pero si te apetece algo un poco más sombrío, Dylan lo hace aquí muy bien, puede que resulte un album demasiado serio, y tal vez no haya envejecido tan bien como algunos de sus mejores trabajos, pero sigue siendo una obra genial de Dylan.

David Crosby - If I Could Only Remember My Name #Píldora 6

 

Crosby, Stills, Nash & Young, lanzaron sus propios lanzamientos en solitario, Neil Young lanzó After The Gold Rush, Stephen Stills lanzó su álbum homónimo y Graham Nash lanzó Songs For Beginners, Crosby el álbum en el que su totalidad un lamento a su novia de toda la vida. Crosby había sufrido recientemente la pérdida de su novia en un accidente automovilístico y él mismo estaba sucumbiendo a la bebida y las drogas, por lo que no estaba exactamente en un buen momento durante la creación de este disco. Etiquetado por algunos como "Hippy drippy drive", el álbum tiene una honestidad ingenua, una maestría musical brillante, magníficas armonías, grandes canciones, una dimensión social/política y una atmósfera general que te transporta a un lugar extraño. Nos entregamos a un disco increíblemente relajante, pero en ningún momento feliz, son canciones nerviosas e inestables de un tipo que no está satisfecho con lo que está pasando a su alrededor. Uno tras otro los temas suenan como si uno estuviera mirando a través de un catalejo en blanco y negro, sin saber quiénes son las personas, pero apreciándolas y sintiendo en carne propia sus lamentos. Esta música representa a una generación, un movimiento social y un estado de ánimo, que incluye Flower Power, Psychedelia, Woodstock, Social Awareness e Enlightenment, fue el único Renacimiento que experimentó el pueblo estadounidense en su toda la historia.

El acompañamiento instrumental cuenta con intensas improvisaciones de guitarra de fondo, interpretadas a menudo por más de un guitarrista al mismo tiempo, da otra dimensión a esta música compleja y de múltiples capas. Me gustaría hacer hincapié en dos bellezas, la acústica "Traction In The Rain", especialmente cuando ese riff de guitarra descendente de dos acordes entra en acción y domina la canción, y “Laughing", que seguramente debe figurar entre los mejores trabajos de cualquiera de una banda de rock, una canción rica y maravillosa, con una letra filosófica y perspicaz sobre una melodía soberbia y flotante que se basa en la simple frase “Me equivoqué”, explotando en tres palabras todas las esperanzas y sueños de la Generación del Amor. Music is love también es una pista increíble... genial fusión phycadelic jazz boost y acid fusion de gran altura, no es lo que esperaríamos , pero es igualmente fascinante. Siempre pensé erróneamente en el Sr. Crosby como el miembro menos talentoso y nunca se me pasó por la cabeza determe en sus trabajos en solitario, pero después de escuchar "If I Could Only Remember My Name" descubro que es absolutamente brillante.

Mago de Oz - Finisterra #Píldora 5

 

Finisterra sin duda es el disco donde Mägo de Oz alcanzó su plenitud como banda dentro del escenario español inicio su recorrido por Latinoamerica y llamo la atención de nuevos oyentes, además de empezar a dar qué hablar en los medios musicales. El disco se acompañaba de una mini novela escrita por Txus que nos llevaba a 2199, un futuro post apocalíptico en el que una guerra nuclear había devastado todo, el oxígeno era un bien racionado y había surgido una dictadura gobernada por políticos y militares. En este disco percibimos a un Mago de Oz más compacto, con un estilo claramente asimilado por todos y cada uno de los miembros del grupo, la riqueza musical se ve potenciada notablemente por Kiskilla en los teclados y Fernando Ponce en los instrumentos de viento. Fiesta Pagana se lleva los focos en este disco, una obra alucinante, energética, divertida y muy emocional, con ese dueto de tin whistle y violín que da inicio a la canción y ese mitico coro que todos hemos gritado alguna vez. "Los renglones torcidos de dios” es sublime, con una excelente letra, una gran combinación de guitarras machaconas, una bateria que da el tempo perfecto y por encima de todo el sonido folk de violin que es la cereza en el pastel.

Magistral en el aspecto musical y muy bien en las letras, cosa difícil de lograr en un disco conceptual además de las mencionadas hay qyue destacar “El que quiera entender que entienda”, “Hasta que el cuerpo aguante” o “La danza del fuego”.

Finisterra, te entrega tranquilidad y la agresividad, con altos y bajos muy bien logrados, su duración tal vez es un poco cuestionable, pero sin duda cada parte está en su lugar, finalizando el disco doble de los madrileños de la mejor manera.

Solange - A Seat at the Table. Píldora #4

Es posible que la reconozcas por sus carreras temporales con Destiny's Child, o por cualquiera de sus 3 álbumes anteriores, que abarcan fechas de lanzamiento entre 2002 y 2012. Lo más probable es que, si no conoces a Solange, conozcas al menos a su hermana superestrella, Beyonce. Pero Solange había dejado en claro en sus primeros pasos que no era solo una copia de su hermana, su estilo musical, su imagen y energía reflejaban a una artista que todavía intentaba encontrar una voz y buscaba algo más grande. El atractivo de A Seat at the Table esta en su radicalidad, muestra cómo Solange se desarrolló como persona y se enorgullecía de cada aspecto, no solo tiene una carga política, también es increíblemente personal para ella y su familia, con sus padres apareciendo y compartiendo sus experiencias y aprendizajes de las injusticias raciales, un disco con más de 21 pistas y menos de una hora de duración, logra esto al colocar una breve pista de interludio entre casi todas las canciones. Estos interludios contienen mensajes importantes de personas cercanas a Solange, incluidos sus propios padres.

"Don't Wish Me Well", es un frenesí de sintetizadores en cámara lenta, la música retrocede y permite a Solange llevar a cabo su mejor interpretación vocal en un disco lleno de ellos, el efecto emocional combinado, culmina en un baño de lamentos ininteligiblemente hermosos. Todo este álbum es delicadeza, musica tierna y elegante de R&B muy bien producido lleno de alma y calidez sincera puesta en él, pero al mismo tiempo tiene mucho que decir, ya que sirve como una pieza de denuncia racial muy interesante. Cranes in the sky, es una sus mejores canciones, letra potente, tan suave pero confiada en su ejecución con tantos pequeños detalles que sobresalen en la parte instrumental... Me encanta lo sincera y personal que percibimos en esta canción, sin ninguna grandiosidad innecesaria.

A Seat at the Table es impresionante, una declaración temáticamente unificada y musicalmente aventurera sobre el dolor y la alegría de la feminidad negra y Solange se retrata a sí misma como una mujer que realmente se ha convertido en sí misma.

Weezer - Weezer (Blue álbum) Píldora #3

El álbum Weezer (Blue album), se encuentra entre los mejores discos de debut de todos los tiempos, con el legendario Ric Ocasek a la cabeza como productor, Blue Album es una amalgama perfecta de power pop crujiente y letras azucaradas pero entrañables. Este debut se enmarca en una época en la que el rock alternativo estadounidense era dominado por el grunge, a pesar de que el lo-fi, el pop punk y otros estilos intentaron emerger contrastados con el indie de otras latitudes más enfocado al pop. Weezer no hizo nada innovador musicalmente, pero lo que hizo, lo hizo tan bien que no queremos otra cosa que lo que nos dan, sencillamente esto es pop-rock del más alto nivel, que suena como una versión actualizada del pop de los 60 y el álbum brilla líricamente.Al igual que en la década de 1960, la década de los 90 también fue una época de cambios culturales y cambios musicales, y gran parte de las influencias musicales populares giraron en torno a un sentimiento similar de angustia, rebelión y agravios con el mundo en el que vivían. The Blue Album es un lugar para que estudiantes universitarios, estudiantes de secundaria y fanáticos afines se reúnan y disfruten de un disco que parece haber sido escrito solo para ellos, que resume muchas de las emociones y experiencias angustiosas que conforman sus vidas. La angustia, la energía, la emoción, la identificación y la pasión son palabras que vienen a la mente cuando se piensa en el Blue album, 41 minutos y diez pistas únicas en un proyecto que se quedado en la memoria la primera vez que lo escuchas.

No One Else es una de las canciones más básicas y descarnadas del Blue Album, una canción satírica que se cuenta desde el punto de vista de un personaje demasiado celoso y protector con su novia. "Undone, the Sweater Song" es el sencillo principal de este álbum, me parece una canción agridulce de ruptura sobre el impacto emocional cuando tu novia te deja, algunas personas llaman a esta canción "divertida", yo pienso que es más bien agridulce. "Say It Ain't So" es una pieza lenta pero rockera sobre el padre alcohólico de Rivers, mientras que "In the Garage" trata sobre cómo Rivers se esconde con sus recuerdos geek en el único lugar donde puede ser él mismo. Buddy Holly no necesita presentación, la canción más popular de Weezer, retrata un amor de pareja y lo perfectos que se ven uno para el otro, al igual que Buddy Holly y Mary Tyler Moore, no importa lo que la gente diga de ellos, saben que se pertenecen el uno al otro.

En definitiva, la química entre Rivers Cuomo y Brian Bell es lo que hace que las guitarras de este álbum suenen tan masivas, con fenomenales riffs de bajo de Matt Sharp y una batería sólida cortesía de Patrick Wilson hacen un conjunto imprescindible en la música.

Mocedades - Mocedades 4. Píldora #2

Mocedades 4 incluye el tema “Eres tú” una canción que batió records por todos lados. Ha sido la canción española más votada en la historia de Eurovisión, aunque hubo de conformarse con el segundo lugar. Entró en la lista Billboard Hot 100 la semana del 12 de enero de 1974 y se mantuvo en ella durante 17 semanas consecutivas alcanzando su puesto más alto las semanas del 23 y 30 de marzo en las que llegó al 9.º lugar, de ella se han hecho más de setenta versiones. Fue la primera canción de un intérprete español que cantada en castellano que alcanzó el top 5 USA, y Mocedades 4 fue el primer disco del grupo que llegó en España al número 1 absoluto de ventas en sencillos y LP. La trayectoria de Mocedades era larga cuando llega su apoteósica actuación en el festival de Eurovisión de 1973. Desde que las hermanas Uranga comenzaran en esto de la música en 1968, el grupo Mocedades había pasado por el folk hasta decantarse por la canción melódica. Como ocurre tantas veces, el tema no gustó al principio a su compositor, que en realidad unió dos temas previos, cogiendo de uno la estrofa y del otro el estribillo. Tampoco la letra convencía a Juan Carlos Calderón, que prefería menos metáfora y más víscera.

Elvis Presley - Elvis Presley. Píldora #1

 

Elvis no inventó el Rock n' Roll como tal, más bien fue una figura como la de Cristóbal Colón, estaba en el lugar adecuado, en el momento correcto, ya estaban Bill Halley y los Comets, pero no podemos pasar por alto el impacto de Elvis en la escena musical de ese momento. Con tan solo 21 años cuando salió el álbum, el joven Elvis hace alarde del alma y la arrogancia que impregnaron su música temprana, captura un momento en el tiempo que nunca se podrá repetimos, un álbum de un casi desconocido lanzado un mes antes de que "Heartbreak Hotel" se convirtiera en su primer sencillo #1.

"Elvis Presley" comienza a funcionar con "Blue Suede Shoes", aunque solo alcanzó el puesto 20, el sonido de rockabilly salvaje que impregnaba los discos de Sun se moderó un poco para hacer que el atractivo de sus propuestas músicales fueran más suaves, llegará a todo el público y de paso dar un poco de tranquilidad a los padres en ese momento. Casi todas las canciones de este álbum son excepcionalmente buenas, cualquier simple melodía de rockabilly se hundirá en tu alma después de escucharla, la energía con la que está hecho este álbum supera todos sus defectos (que los tiene) e incluso los convierte en virtudes. Por ejenploTutti Frutti es una fuerza de la naturaleza, aunque fuera un error tratar de igualarse en ingenio con el mismísimo Little Richard, quien hizo que "Tutti Frutti" sea imposible de igualar, no se puede imitar su pura potencia de fuego. Hay canciones como "Trying To Get To You", donde una aparente balada country tiene un bajo resonante y que aparece aquí buscando un sonido de Rhythm & Blues, y termina con un gran lamido de blues, demuestra en las baladas, como "Blue Moon", que puede hacerte llorar de melancolía.

Elvis Presley es esencial para la historia del rock 'n' roll y para la comprensión de la cultura juvenil de finales de la década de 1950, adorado por millones de adolescentes, sólo Frank Sinatra en la década de 1940 y The Beatles en los 1960 serían capaces de igualarlo, este trabajo no es de los mejores de la historia pero tiene su lugar en él.