El disco de la semana 359: Head Hunters - Herbie Hancock

 

Head Hunters, Herbie Hancock

     En la recomendación de esta semana traemos, Head Hunters, álbum de Herbie Hancock que se ha convertido en un hito en la historia del jazz fusión. Este disco desafió los límites del género al combinar el jazz con elementos funk y rock e incluso ritmos africanos, atrayendo a audiencias más amplias. Hancock creó pasajes sonoros innovadores, destacando su habilidad y creatividad para fusionar ritmos pegajosos con improvisaciones brillantes. Estamos ante un álbum que redefinió el jazz e influyó en la música contemporánea, dejando un legado que a día de hoy perdura en la escena musical. Se convirtió en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos hasta que fue superado por Breezin' de George Benson en 1976.

Head Hunters, el duodécimo álbum de estudio de Hancock, reputado pianista, teclista y compositor, fue grabado bajo la producción de David Rubinson y el propio músico, y publicado en septiembre de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. La imagen de la portada del disco, diseñada por Victor Moscoso, muestra a Hancock usando una basada en la máscara africana kple kple dela tribu Baoulé de Costa de Marfil y los desmagnetizadores de cabezales de cinta usados en las grabadoras de cinta de carrete de la época. Ubicados en el sentido de las agujas del reloj alrededor de Hancok desde la parte inferior izquierda están Mason, Jackson, Maupin y Summer, su grupo llamado The Headhunters. 

Para este nuevo álbum, Hancock reunió una nueva banda, The Headhunters, de la cual únicamente el músico Bennie Maupin había sido miembro del sexteto Mwandishi, que había grabado con el músico anteriormente. Hancock manejó todas las partes de sintetizador él mismo y decidió no usar la guitarra para grabar, prefiriendo usar el clavinet, que se convertirá en unos de los sonidos característicos del disco. Esta nueva banda de apoyo, además de a Bennie Maupin, presentaba una sección rítmica compuesta por Paul Jackson (bajo) y Harvey Mason (batería). Hancok concibió un trabjo con un sonido relajante y un aire muy funky que lo hizo atractivo para un público más amplio, consiguiendo combinar oyentes procedentes del jazz y del R&B. 

El álbum fue mezclado para sonido cuadrafónico en 1974. Columbia Records lanzó esta mezcla en un disco LP en formato de matriz estéreo cuadrafónica y cinta de 8 pistas. Las mezclas cuadrafónicas presentan elementos que no se escuchan en la versión estéreo, incluida una melodía de teclado adicional al comienzo del tema Sly. Las versiones con sonido envolvente del álbum han sido lanzadas varias veces en formato Super Audio CD y utilizan una transferencia digital de mezcla cuádruple original de cuatro canales reutilizada en sonido envolvente 5. 1. 

Lanzado en 1973, este disco marcó un punto de inflexión en la carrera de Hancock, que había dado un giro a su sonido fusionando el jazz con elementos de funk, rock y ritmos africanos, creando una amalgama sonora única. Consta de cuatro innovadoras pistas, siendo Chameleon la de apertura, que tiene una famosa línea de bajo interpretada por Hancock en un sintetizador. Su cautivador groove funk, impulsado por un bajo profundo y una percusión contagiosa, se convirtió en un himno al instante. Hancok y The Headhunters consiguen un equilibrio entre la base rítmica y la libertad creativa de la improvisación; le sigue Watermelon Man, la única que no fue escrita para el disco, pues era un éxito de hard bop de Hancock que apareció en su primer álbum, Takin' Off  (1962). El tema fue reelaborado por Hancock y Mason para este disco, con la colaboración del músico Bill Summers soplando en una botella de cerveza imitando una flauta hindewho, utilizada por los pigmeos mbuti de Zaire. La pista también presenta el uso de percusión africana. Hancock reinventó este clásico de los años 60 para darle un aire completamente diferente, fusionando funk y ritmos afrocaribeños; Sly es un tema dedicado a Sly Stone, líder de la banda de funky Sly and the Family Stone. Hancok vuelve a mostrar su gran creatividad en un tema que captura la esencia del funk con unos ritmos enérgicos y unos sólos de instrumentos que nos sacan de nuestra zona de comfort; Vein Melter es el tema que cierra este trabajo, una pieza de combustión lenta que lleva al oyente a un viaje hipnótico, con un ritmo y unas armonía que van fluyendo y dejando una sensación agradable y perdurable.

Head Hunters no solo revolucionó el jazz fusionando géneros, también desafió las expectativas del público, rompiendo barreras y atrayendo tanto a los aficonados al jazz como a otros oyentes que buscaban nuevos sonidos. Este álbum continúa siendo un faro de inspiración para músicos de diversas generaciones y sigue siendo una referencia crucial en la evolución del jazz y la música contemporánea. Estamos ante un disco de los más influyentes e innovadores de todos los tiempos donde donde Hancock cambió la percepción del jazz expandiendo los horizontes musicales del género. 

Figuras de los 50: Steve Lacy

 

Steve Lacy, fue uno de los mejores saxofonistas sopranos de todos los tiempos, este maestro del jazz, alguna vez definió que para ejercer su profesión tenía que ser “una combinación de orador, cantante, bailarín, diplomático, poeta, dialéctico, matemático, atleta, animador, educador, estudiante, comediante, artista, seductor y en general buen compañero”. Nacido como Steven Norman Lackritz en la ciudad de Nueva York, Lacy fue el primer músico de jazz de vanguardia en especializarse en el saxofón soprano, un instrumento que había sido descuidado casi por completo durante la era del bop, de hecho, a Lacy se le atribuye haber traído el instrumento a la música moderna sin ayuda de nadie. A lo largo de su carrera, sus obras fueron admiradas por la belleza y pureza de su tono, por su incisivo sentido melódico y por mantener su música fresca y sin concesiones, además es reconocido por su afán de tocar con una amplia variedad de músicos y mantener esas colaboraciones musicales durante mucho tiempo.

 

Lacy comenzó su carrera a principios de los años cincuenta como acompañante, tocando en la escena revival de Dixieland en Manhattan, trabajó con algunos músicos de Duke Ellington, incluido el cornetista Rex Stewart, quien lo bautizó como "Lacy”, fue Cecil Taylor quien puso a Lacy en un nuevo camino cuando le presentó a Thelonious Monk, quien, junto con Duke Ellington, se convertirían en los músicos más influyentes de su vida. Otra de sus grandes influecias fue Gil Evans, con el que grabó en 1957 y continuó trabajando con él de manera intermitente hasta la década de 1980. En 1958, él y el pianista Waldron grabaron el album Reflections: Steve Lacy Plays the Music of Thelonious Monk, tras escucharlo el propio Monk no dudo un minuto en enviarle una invitación para unirse a su quinteto durante cuatro meses en 1960. Tras esta experiencia creó un cuarteto con el trombonista Roswell Rudd y se dedicaron exclusivamente a la música de Monk. En 1965, Lacy comenzó a actuar en Europa, encontró tanto en Italia como en Francia una legión de seguidores que acudían a sus conciertos con verdadera pasión. Conoció a su mujer en Roma en 1966 y a finales de los sesenta se establecieron en París, donde creó un quinteto que podía expandirse o contraerse desde un dúo o trío hasta una big band. Comenzó colaboraciones con bailarines (Merce Cunningham en particular), artistas y actores, también comenzó a trabajar con poetas como Brion Gysin, componiendo escenarios musicales de sus poemas.

Su esposa la también musico Irene Aebi ejerció una profunda influencia en el arte de Lacy, él la llamó “su musa”, y fue para quien escribió su primera composición, The Way (1967), basada en las palabras del filósofo chino Lao-Tzu. Continuó inspirándose en la voz de su esposa y escribió obras para ella basadas en poesía de Anna Akhmatova, Mary Frazee, Anne Waldman y Judith Malina. Lleo a escribir una ópera, The Cry, con la poeta bengalí Taslima Nasreen. Durante un período que abarco muchos años, compuso The Beat Suite, un ciclo de canciones de jazz basado en poesía de Jack Kerouac, Allen Ginsburg, Robert Creeley y otros poetas beat. Ese trabajo tuvo su estreno mundial oficial en 2003 y ha sido grabado en un CD Universal.

Sobre Lacy, se ha comentado “Era un artista extraordinario, el tipo de persona que aparece solo unas pocas veces en cada generación de músicos. Su presencia no solo afectó al mundo del jazz, sino también a la vida musical en general”. “No podemos encontrar otro músico que haya estado involucrado en tantos capítulos diferentes en la historia del jazz, desde Dixieland hasta Free Jazz, y todo lo demás. Steve ha aportado su combinación única de mentalidad abierta, humor, inteligencia, rigor y arte, con la excepción de Sidney Bechet y John Coltrane, ningún otro músico ha aportado un sonido tan personal al saxofón soprano y pocos otros músicos han aprovechado el repertorio inexplorado de Thelonious Monk”.

Steve Lacy es un grande del jazz, sus composiciones e improvisaciones están llenas de sabiduría y vida, nos enseñó el poder de las palabras a través de su música, escuchar su interpretación de soprano fue la experiencia que le cambió la vida, porque abordó su sonido, improvisación y técnica como si creyera que era una prueba de la sinceridad del hombre.

 

Disco de la semana 308: Mingus Ah Um - Charles Mingus

 

Mingus Ah Um, Charles Mingus

     Para la recomendación de esta semana traemos la figura de un bajista, pianista, compositor, director de orquesta y autor de jazz estadounidense. Este artista, considerado como uno de los mejores músicos y compositores de jazz de la historia, fue también uno de los grandes defensores de la improvisación colectiva. Nos referimos a la figura de Charles Mingus Jr. Además de sus interpretaciones con sus bandas de repertorio y como solista, tmabién tuvo tiempo de colaborar con otros músicos como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Herbie Hancock entre otros. Tal es la importancia de este músico, que la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos adquirió los documentos recopilados del artista, incluidas partituras, grabaciones de sonido, correspondencia y fotografías, en lo que describieron como "La adquisición más importante de una colección de manuscritos relacionados con el jazz en la historia de la biblioteca".

Charles Mingus (1922 - 1979), nació en Nogales, Arizona, y su padre, Charles Mingus Sr., era sargento en el ejército de los Estados Unidos. Mingus se crio en gran medida en el área de Watts, en Los Ángeles, y su ascendencia incluía germano americanos, afroamericanos y nativos americanos. En casa, la madre de Charles únicamente permitía música que estuviera relacionada con la iglesia, pero él pronto desarrolló una gran pasión por otra música, especialmente la de Duke Ellington. Todo esto le llevó a estudiar trombón y más tarde violonchelo, aunque con el violonchelo no pudo seguir profesionalmente porque en aquel momento era casi imposible para un músico negro hacer carrera en la música clásica, y el violonchelo no era aceptado como un instrumento en el jazz. A pesar de todo esto, y mientras estudió y comenzó a tocar el bajo, afirmaba que su instrumento seguía siendo el violonchelo. Gran parte de la técnica de violonchelo era aplicable al contrabajo, instrumento que tomó en la escuela secundaria. 

Una pobre educación musical en su juventud, que impidió que pudiera leer las anotaciones musicales con rapidez, tuvo un serio impacto en sus primeras experiencias musicales, pues esto fue aislándole y alejándole de la música clásica. Estas experiencias y sus experiencias en la vida, quedaron reflejadas en su música, la cual se solía centrar a menudo en temas como el racismo, la discriminación y la injusticia. Su formación clásica se refleja sobre todo al comienzo de su carrera, pues escribió piezas que incorporaban elementos de la música clásica. 

Mingus empezó a ganar reputación como un prodigio del bajo, y su primer trabajo profesional importante fue tocando con el ex clarinetista de Duke Ellington Barney Bigard. En 1934 ya había hecho una gira con Louis Armstrong, en 1945 ya grababa en Los Ángeles en la banda dirigida por el trompetista estadounidense Russell Jacquet, y a finales de la década de los 40 tocó con el vibrafonista, pianista, percusionista y director de orquesta estadounidense de jazz Lionel Hampton. La fama y reputación de Mingus va creciendo, y antes de alcanzar el reconocimiento mundial toca en conciertos con Charlie Parker. Mingus consideraba a Parker el mayor genio e innovador en la historia del jazz, pero tenía una relación amor odio con el legado de Parker.

La década de los años 50 suele ser considerada como el periodo más productivo y fértil de Mingus, llegando a realizar 30 discos para varios sellos discográficos. Precisamente de esa época, concretamente 1959, es el disco recomendado para esta ocasión, Mingus Ah Um, uno de sus trabajos más conocidos. Mingus Ah Um fue grabado entre el 5 y el 12 de mayo de 1959 en los estudios Columbia 30th Street de Nueva York, bajo la producción del saxofonista y compositor estadounidense de jazz Teo Macero, y publicado en octubre de 1959 por el sello discográfico Columbia Records, siendo el primero realizado para este sello discográfico. La portada presenta una pintura del reputado diseñador gráfico estadounidense S. Neil Fujita, muy conocido por sus diseños de portadas de libros y discos. 

El disco es una delicia instrumental, del primer al último tema, desde que comienza con Better Git In Your Soul, inspirado en el canto gospel y la predicación de las iglesias con las que Mingus se había criado en su niñez en Watts, Los Ángeles; pasando por Goodbye Pork Pie Hat, una referencia al saxofonista Lester Young, el cual había fallecido poco antes de que se grabara el disco, y que era conocido por llevar sombreros de "pork pie" (ala ancha). A día de hoy este pieza es considerada un estándar de jazz; Boogie Stop Shuffle, un tema basado, como su propio título indica, en el hecho de detener el tiempo, para barajar y volver; Self-Portrait in Three Colors, escrita originalmente para la primera película de John Cassavetes como director, Shadows (Sombras), pero que nunca se llegó a utilizar por razones presupuestarias; Open Letter to Duke, un tributo a Duke Ellington que se basa en tres piezas anteriores de Mingus (Nouroog, Duke's Choice y Slippers); Bird Calls, tema del que se creía era una referencia Charlie Parker, algo que el propio Mingus se encargaría de desmentir, pues "No se suponía que debía sonar como Charlie Parker, se suponía que debía sonar como pájaros"; Fables of Faubus, un tema que generó cierta polémica, pues fue escrita como una protesta directa contra el gobernador de Arkansas Orval E. Faubus, el cual estaba en contra de la integración en las escuelas de Little Rock, Arkansas, llegando a desafiar las sentencias de la Corte Suprema de Estados Unidos. Columbia Records se negó a permitir que se incluyera la letra de la canción, por lo que esta se grabó como instrumental en el álbum. No sería hasta el 20 de octubre de 1960 que la canción fue grabada con letra para el álbum Charles Mingus Presents Charles Mingus bajo el sello independiente Candid. Debido a problemas contractuales con Columbia, la canción no pudo ser lanzada como Fables of Faubus, por lo que la versión de Candid se tituló originalmente Original Faubus of Fables; pasando por la mágica Pussy Cat Dues, hasta llegar al magnífico cierre del álbum, Jelly Roll, toda una referencia y tributo al pionero del jazz, el pianista Jelly Roll Morton.  

Mingus Ah Um es uno de los trabajos más conocidos del gran maestro Charles Mingus, un disco más que recomendable para iniciarse en la escucha de uno de los grandes del jazz, si no lo has hecho ya.

Disco de la semana 258: In a Silent Way - Miles Davis

 

In a Silent Way, Miles Davis

     En septiembre de 1968 Miles Davis se casó con la modelo Betty Mabry, quien luego sería conocida como Betty Davis, quien se convirtió en una de las máximas exponentes del funk. El periodo que Miles pasó junto a Betty influenció enormemente al instrumentista, pues ella le introdujo en el mundo de la contracultura de la ciudad de Nueva York, empezando a desenvolverse en el mundo de la moda y conociendo gracias a ella a populares músicos de soul, funk y rock, entre los que se encontraban Sly Stone y Jimi Hendrix entre otros. Miles además gustaba de explorar otros sonidos además del jazz, como podría compobar por él mismo el crítico de jazz Lonard Feather, quien al visitar al músico al apartamento se sorprendió al encontrarlo escuchando álbumes de The Byrds, Aretha Franklin y Dionne Warwick. A Miles también le gustaba mucho James Brown, Sly & the Family Stone y Jimi Hendrix, este último había impresionado muchísimo a Miles con su grupo Band of Gypsys. De hecho sólo el fallecimiento de Hendrix arruinara una colaboración conjunta que ambos músicos tenían entre manos.

Todo esto influencia a Miles, quien en 1969 publica el álbum In a Silent Way, un trabajo con el que comienza un periodo con un sonido más eléctrico. In a Silent Way es grabado en una única sesión en 18 de febrero de 1969 en el CBS 30th Street Studio de Nueva York bajo la producción del saxofonista de jazz, productor y compositor Teo Macero, y publicado por el sello discográfico Columbia Records el 30 de julio de 1969. Este disco, primer trabajo de Miles donde se acerca a los sonidos de jazz - rock y jazz fusión, alcanzó en Estados Unidos el puesto número 134 de la lista Billboard Top LPs. Sin embargo levantó cierta controversia entre la crítica, quien estaba dividida, pues fue muy criticado por los más puristas, mientras que otra parte consideraba que se abría otra fase dentro del jazz gracias a la estructura musical experimental y el enfoque eléctrico que Miles Davis había dado a este trabajo. Con el tiempo In a Silent Way ha sido considerado como una de las obras más grandes e influyentes de toda la discografía del instrumentista. 

A principios de 1969 la banda con la que Miles trabaja se ha estabilizado, estando conformada por Wayne Shorter (saxofón), Dave Holland (bajo), Chick Corea (piano eléctrico) y Jack DeJohnette (batería). Para grabar In a Silent Way, Miles trae además a Tony Williams (batería) y Herbie Hancock (piano eléctrico), quienes habían acordado trabajar con él en futuros álbumes de estudio. Un mes después se unes a los siete músicos el tecladista austriaco Josef Zawinul y el guitarrista inglés John McLaughlin, gran seguidor de Miles Davis. Los nueve músicos se meten en el estudio y graban el que será el primer trabajo de Miles con un enfoque orientado hacia la fusión de estilos con un sonido más eléctrico, jazz fusión y jazz - rock. 

In a Silent Way se gesta a partir de una sesión de grabación de Miles y los músicos anteriormente citados de unas tres horas de duración en el CBS 30th Studio de Nueva York. La pieza que ocupa la cara A, Shhh / Paceful, una pieza de algo más de 18 minutos y compuesta por tres partes, Shhh/ Peaceful / Shhh, es compuesta por Miles Davis; mientras que In a Silent Way / It's About That Time ocupa la cara B, una pieza de casi 20 minutos de duración y compuesta por tres partes, In a Silent Way /It's About That Time / In a Silent Way. La sección central de In a Silent Way / It's About That Time, muy enérgica y ruidosa, está acreditada a Miles Davis, mientras que la sección de apertura y cierre, con un toque más atmosférico y ambintal, se basó en la composición In a Silent Way del tecladista Josef  Zawinul, el cual grabaría en su forma original en 1970 en su tercer álbum de solitario, Zawinul (1971). Zawinul presentó la melodía al grupo y éste empezó ensayando según la melodía original, pero Miles quería que aquello sonara más orientado hacia el rock por lo que eliminó y cambió varios acordes. Esto creó cierta controversia y malestar en Zawinul, quien creyó que Davis no debía haber eliminado ciertos acordes, y además culpó a Teo Macero de no atribuirle el crédito de la línea de bajo melódico y de la melodía descendente de It's About That Time, pues decía de él que "siempre juntaba las cosas para que saliera como si lo hubiese escrito Miles Davis". Por otro lado, John McLaughlin tuvo ciertas dificultades para tocar de la forma que Miles deseaba de él, pero finalmente lo consiguió. El punto de inflexión para que McLaughlin lo consiguiera fue cundo Miles le sugirió que tocara la guitarra como si fuera un novato. El 20 de febrero de 1969, dos días después de la sesión de grabación del material de In a silent Way, Miles Davis volvió al estudio y grabó dos piezas más, una composición suya, Ghetto Walk, y otra de Zawinul, Early Minor, con la intención de incluirlas en el álbum, pero finalmente fueron desechadas.

En un principio este trabajo enfureció a la comunidad más purista del jazz, pero abrió el camino a otra comunidad, la del rock, acercando el jazz y haciéndolo más accesible a ésta. Gracias a su particular y genial visión de la música, Miles Davis consiguió que In a Silent Way se convirtiera con el tiempo en uno de los álbumes más influyentes de toda su discográfia y también del género jazz, un disco que abrió el camino a la evolución del jazz y a su fusión con otros estilos.

Nina Simone.- A very rare evening (Mes Nina Simone)

 

A very rare evening - #MesNinaSimone

Hoy hablaremos de un disco de Nina Simone que ha sido grabado en la gira de la artista por Europa, en el año 1969, escenas capturadas de este disco, donde se puede ver a Nina Simone en un programa en vivo de la televisión alemana, junto a ella Weldon Irvine en el órgano, Don Allias en la batería y la leyenda del jazz Gene Perla (quien produjo el álbum) en el bajo.

Pero este disco no fue lanzado hasta 1979 bajo la discográfica PM Records, esta leyenda del Jazz y Blues incluirá de su gira por Europa del 1969, clásicos de la artista, y versiones raras de canciones escrita por Aretha Franklin, Barry Gibb, Randy Newman y Pete Seeger.

Algunas de las canciones de los artistas mencionados serán, “In The Morning”, que escribió Barry Gibb en 1966, cuando tenía apenas veinte años, y es interpretada por la artista al inicio del álbum, continuara con una versión de “Turn! Turn! Turn!”, del artista Pete Seeger, un clásico que fue escrito a finales de la década de los ’50, la letra es una copia casi literal de un artículo bíblico, donde da lugar a que existe un tiempo y un lugar para todas las cosas: la risa y el dolor, la curación y la muerte, la guerra y la paz, en favor de la paz mundial, enfatizando la estrofa final: "un tiempo para la paz, te juro que no es demasiado tarde."Esta estrofa y la frase del título "Turn! Turn! Turn!" son las únicas partes de la letra escritas por el propio Seeger.

El siguiente tema de este álbum no necesita presentación un clásico de todos los tiempos “To Love Somebody”, Nina Simone realizó en este disco la versión de los Bee Gees que vale la pena escuchar una y mil veces más.

Luego de pasar por la versión de To Love Somebody, Nina (Simone) interpretara la canción Ain't Got No, I Got Life, la canción fue publicado en 1968 por la pianista, cantante y compositora Nina Simone en su álbum “Nuff Said” y contribuyó a que la artista gane notoriedad entre los jóvenes, es un popurrí de dos canciones, “Ain’t Got No” y “I Got Life”, del musical “Hair” (1967), con letra de James Rado y Gerome Ragni y música de Galt MacDermot.

La siguiente canción cambia el ritmo del disco “The Other Woman”, es penetrantemente triste, Simone le canta a la victoria silenciosa de una esposa sobre la amante de su esposo, creyendo en que su hombre siempre volverá a ella. Además de ser un sutil indicativo de triunfo de las dinámicas del momento entre hombre y mujer, la canción puede eludir a las batallas internas que vivió Simone, la exitosa y pionera "sacerdotisa del soul", y la impredecible bipolaridad que sufrió y que le descubrieron a través de exámenes mentales antes de que estas cosas fueran comúnmente diagnosticadas. El ritmo no cambia con “I Think It's Going to Rain Today” es una canción del cantautor estadounidense Randy Newman.

En cambio, en las dos últimas canciones, vuelve una Nina Simone, con “Save Me” del álbum Silk & Soul (1967), vuelve el sonido al Soul, y finalmente "Revolution" es una canción de respuesta de 1969 del músico de jazz estadounidense Nina Simone y Weldon Irvine. Fue lanzado como single en 1969 y en el álbum To Love Somebody en 1969.

Así que nuestro homenaje a esta artista que fue una de las artistas más extraordinarias del siglo XX, un ícono de la música estadounidense.

Daniel 

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El disco de la semana 194: John Coltrane - A Love Supreme

 

 

Hay estilos musicales que no terminan de engancharme, como el son cubano o el flamenco a pesar de haber escuchado maravillas del nivel de las obras de monstruos de la talla de Buena Vista Social Club o Camarón de la Isla. Vale, es cierto que ninguno de ellos son ejemplos puros de sus géneros, y que coquetearon y experimentaron con esquemas del blues y del rock en sus magistrales propuestas, pero es a lo más a lo que he podido llegar en esos terrenos, de los que me he alejado clara y conscientemente.

 

En ese mismo cajón debería haber estado el jazz, con el que no he llegado a entender o a sentir lo que los grandes defensores del género experimentan al escuchar a los Miles Davis, Charlie Parker, Thelonius Monk o en este caso, John Coltrane, por citar solo a algunos. Pero al contrario que con el son cubano o el flamenco, una fuerza invisible me atrae a seguir intentándolo con el jazz, a esforzarme en conseguir desentrañar ese placer oculto, que veo que otros experimentan. Con ese objetivo, he ido haciendo acopio y esforzada escucha de algunos de los discos más relevantes del género, pero sólo en algunas ocasiones he llegado a conseguirlo. Una de ellas fue con este A Love Supreme, grabado por el cuarteto de John Coltrane en 1964 en un estudio de Nueva Jersey. Un disco cargado de exquisita y pura magia, oculta y repartida en momentos concretos de los cuatro movimientos que lo componen:

 

Acknowledgment: "Reconocimiento", del valor de unos músicos virtuosos, lanzados a la desenfrenada improvisación, a partir de una idea o esquema básico de canción, a una altura interpretativa al alcance de solo unos pocos. Un tema sorprendente, que rompe la atmósfera instrumental de otras piezas del género, con la inclusión de unos breves coros finales que repiten "A love supreme", el título de esta gran obra, enfocada por su autor también como una búsqueda de superación personal.

Resolution: "Resolución". Lo que ocurre cuando algo por fin se consigue, la recompensa a haber seguido nadando entre las, a veces, turbulentas aguas del jazz, hasta encontrar ese disco con el que, por fin,  comprender a los expertos. Al beber de las fuentes de "A love supreme", todo se ve más claro, y se entiende y se disfruta con una inesperada nitidez.

Pursuance: "Persistencia, continuación". De algo que ya se ha comenzado, y que por mi parte, tras la escucha de "A love supreme" no hará sino proseguir, hasta desenterrar todas las joyas que el género ha mantenido ocultas a mis ojos, o mejor dicho a mis oídos de torpe e iluso profano.

Psalm: "Salmo, oración". Siendo, como fue este disco, concebido como una obra de carácter introspectivo y espiritual, no podía faltar un gran salmo final, en mi caso una plegaria de alabanza y de agradecimiento por la gran experiencia que ha supuesto su escucha. Gracias sinceras a John Coltrane (Saxo Tenor), McCoy Tyner (Piano), Jimmy Garrison (Bajo) y Elvin Jones (Batería), por hacer de la escucha de un disco una experiencia de "Amor Supremo" para alguien históricamente incapacitado para amar el jazz.

La música en historias: El doble bombo

Louie Bellson

     Que el doble bombo en la batería está asociado al mundo del rock y el metal es un hecho, pues los resultados explosivos le dan más caracter a sus temas. Podemos encontrar multitud de baterías que usan doble bombo, Keith Moon de The Who ó Ginger Baker de Cream ya lo usaban en los 70's, cómo también lo usaban dentro de la escena del hard rock Ian Paice de Deep Purple ó Les Binks de Judas Priest. ¿Pero quién fue el primer batería que uso doble bombo? Pues curiosamente no lo vamos a encontrar en el género rock ni el hard rock, nos tenemos que ir al jazz, y remontarnos mucho antes, concretamente al año 1939.

     Luigi Paulino Alfredo Francesco Antonio Balassoni, más conocido como Louie Bellson, nació en 1924 en Rock Falls, Illinois (Estados Unidos). Su padre era dueño de una tienda de música, por lo que desde muy pequeño y atraído por la música empieza a tocar la batería con tan sólo 3 años. a los 17 años consigue ganar el concurso que la marca de fabricación de instrumentos musicales Slingerlan había lanzado, consiguiendo imponerse a más de 40.000 bateristas que se habían presentado.

     En la década de los 40 ya tocaba en grandes bandas, trabajando con gente de la talla de Benny Goodman, Tommy Dorsey, Harry James ó Duke Ellington entre otros. En la década de los 50 también compaginó su frenética carrera como baterista con la de director musical, grabando también como lider para las discográficas Norgran Records y Verve Records. Ya en la década de los 60 Bellson regresaría a la orquesta de Duke Ellington. Es en esa etapa cuando escribiría el Centenario de la proclamación de la Emancipación, llamado A Concert of a Sacred Music.
A Concert o a Sacre Music son tres conciertos que compuso Bellson, el primero en 1965, el segundo en 1968 y el tercero y último en 1973, y según él estos conciertos fueron "Lo más importante que he hecho".
Estas composiciones tuvieron una gran recepción entre la crítica, siendo consideradas como históricas y como parte de un movimiento que surgió en los años 60 y que mezclaba jazz y música religiosa.

     A Louie Bellson se le atribuye el honor de ser el primer baterista en usar doble bombo, una innovación técnica que inventó en su clase de arte de la escuela secundaria, en 1939 cuando tenía sólo 15 años.
Louie Bellson, además de ser un gran baterista, compositor y tocar con los más grandes de la escena del jazz, también se preocupó de dar difusión a todo el aspecto educacional de dicho instrumento.

El disco de la semana 110.- Glenn Miller - The best of

Nunca hasta ahora habíamos retrocedido tanto en el tiempo en 7dias7notas, pero aunque nuestro leitmotiv es el rock en todas sus extensiones, no queremos dar la espalda otros géneros, otros tiempos que nos hacen sentir la pasión por la música de la misma manera. Es el caso que nos ocupa con el disco que hemos elegido para esta semana y el viaje nos retrotrae 80 años atrás en el tiempo y nos traslada a Estados Unidos, concretamente a 1938 donde el swing y las orquestas triunfaban plenamente en aquel país. El artista elegido es Glenn Miller, quizás uno de los mas representativos de aquella época.

Glenn Miller nació en 1904 y tras fracasar en sus estudios decidió dedicarse con total intensidad a su pasión desde niño, la música, y se convierte en trombonista, uniéndose a la banda del entonces

célebre Ben Pollack, en esa banda años mas tarde, el clarinetista, Benny Goodman, era proclamado "rey del swing". Una vez que la banda llega a Nueva York, Glenn decide dejar la formación pasando a tocar por distintos locales y clubs hasta que en 1935, recibe el encargo de formar una banda Swing que le catapulta al éxito y la fama, pasan dos años y es cuando decide montar su propia banda, "Glen Miller Orchesta", que sera un referente en el mundo de la música, mas si cabe cuando sus recitales empezaron a radiarse de costa a costa. A partir de entonces cada grabación era esperada por entusiastas fans, la orquesta seguía su senda del éxito hasta que en 1942 Glenn Miller decidió alistarse a las fuerzas armadas y acudir a la segunda Guerra Mundial, con la intención de dar concierto a los soldados americanos allí desplazados. Así estuvo durante 2 años hasta que el 15 de Diciembre de 1944 subió a un avión mono-motor en Londres con la intención de acudir a dar un concierto para celebrar la liberación de París, el avión desapareció, sin que se haya encontrado ninguno de los cuerpos de los integrantes que viajaban en él. Glenn Miller fue muy querido en su país, y su desaparición fue un verdadero shock para la sociedad.

Ademas de ser músico Glenn Miller llevo una filosofía de vida muy marcada por el amor a su país y a la música, que fue el centro de su vida hasta el punto de que la combinación de ambas fue la que a la postre desencadenó su muerte, pero ademas de eso era un estudioso de la música. Fueron celebres algunas de sus frases y a mi me gustaría destacar un par de ellas, la primera de ellas “No tengo una gran banda de jazz y no la quiero. Algunos críticos nos acusan de renunciar al verdadero jazz. Quizás sí o quizás no. Todo depende de lo que usted entienda como verdadero jazz.” o aquella que decía “Los duros años de estudios con profesores reconocidos me permiten escribir ricas armonías con arreglos poco comunes, muchas de ellas nunca antes usadas por una banda.”. Siempre con la música en la cabeza y conscientemente realista de lo que era él en el mundo de la música. En 1953 el gran director de cine Anthony Mann realizo en Hollywood una biografía sobre el autor titulada "Música y Lagrimas", y protagonizada por James Stewart .

El álbum que hemos elegido para esta semana es un grandes éxitos de todo el recorrido de la Orquesta y en él podemos encontrar muchos de sus grandes éxitos empezando por "Moonlight Serenade" el tema iconico de la orquesta, un tema que se ha interpretado y versionado multitud de veces y que es considerado casi como un himno de la época en Estados Unidos, una canción muy seductora en la que el cantante acompaña a su amante a la luz de la luna en una noche de Junio. "The old black magic" otro de los temas multitud de veces versionado, desde Ella Fitzgerald hasta Robbie Williams y que sirvió como canción estrella del musical "Fantasía de estrellas". También podemos deleitarnos con "Chattanooga Choo Choo"que de nuevo sirvió como canción estrella para una película musical de Hollywood titulada "Tu seras mi marido". Para crearla se inspiró en una locomotora de vapor de leña propiedad de Cincinnati Southern Railway que viajaba de Cincinnati a Chattanooga. Letra de esta canción cuenta la historia de un hombre que viaja hacia el sur en un tren desde la estación de Pensilvania en Nueva York, a través de Baltimore y llegando a Chattanooga, Tennessee, donde se reunirá con su chica. Es una canción muy alegre que repasa todos los aspectos del viaje en tren, una delicia, incluso el silbato suena durante la canción. "In the mood" es otro de los grandes éxitos, y el titulo hace referencia a una expresión que indica un deseo de tener relaciones sexuales. Es bastante inocente ahora, pero era un bastante atrevido en ese momento, como curiosidaa el productor de los Beatles, George Martin, hizo que la orquesta tocara un poco esta canción al final de All You Need Is Love.

El disco de la semana 37: Allan Holdsworth - Road Games

Road Games

     Eddie Van Halen, Steve Morse, Tom Morello, Joe Satriani, Steve Vai, Greg Howe, Gary Moore, Carlos Santana, Yngwie Malmsteen, Frank Zappa, David Gilmour, John Petrucci, todos son enormes guitarristas de talla mundial, pero ¿Que nexo de unión y por consiguiente tienen todos en común? un nombre, Allan Holdsworth, todos los anteriores ha manifestado su admiración hacia este músico y la influencia que ha creado en todos ellos ¿pero quién es Allan Holdsworth?

    Allan Holdsworth, guitarrista británico de jazz fusión, nace en Bradford (Inglaterra) en 1946, y en 1969, con apenas 23 años forma ya su primera banda Igginbottom, con la que lanza un único álbum de estudio, Igginbottom Wrench, un disco donde ya muestra el tipo de sonido novedoso que hace, una mezcla de jazz fusión y rock progresivo. A raíz de aquí el famoso saxofonista de jazz Ray Warleig se fija en Allan y le introduce en el circuito profesional de jazz del Reino Unido.

 

En 1971 forma parte del grupo Sunship, una banda especializada en jam session donde Allan se destapa como un excelente músico de improvisación. Al año siguiente, 1972, Allan disfruta ya de una excelente fama y es considerado como uno de los músicos con mayor prestigio y potencial de la escena británica, lo que le vale para ingresar en el grupo de rock progresivo Tempest, una banda con un sonido más roquero  y con toques folk y jazz. Con Tempest graba el álbum llamado Tempest el cuál obtiene una gran recepción entre la crítica especializada pero no logra la mísma recepción en las listas de ventas. Con Tempest llega a grabar un segundo disco "pirata" en directo, y es justo después de grabarlo cuando decide abandonar el grupo, el motivo, Tempest quería fichar un segundo guitarrista para alternar los trabajos del grupo a la guitarra, algo con lo que Allan no estaba de acuerdo.

     Después de dejar Tempest, la actividad de Allan sigue siendo muy activa, forma parte de bandas como Soft Machine, a la que da un aire renovado con su estilo en el disco Bundles el cuál llama la atención de los medios especializados. Colabora con el el gran batería Tony Williams (famoso por tocar con gente de la talla de Miles Davis). Después de su paso por la formación de Tony Williams toca en varias bandas más como el grupo de Jean-Luc Ponty (Frank Zappa), UK ó Bruford.

     En 1980 Allan decide crear su propia formación, I.O.U., con la que graba su disco homónimo en 1982, un álbum que vuelve a recibir grandes críticas de los medios especializados. Por estas fechas Allan ya había llamado la atención del guitarrista Eddie Van Halen, que si bien ya había hablado del talento de Allan anteriormente, ahora llega a decir "Allan es capaz de hacer con cuatro dedos lo que yo hago con dos manos". su sonido ya había llamado la atención de famosos guitarristas, y consideraban a Allan como uno de los guitarristas más influyentes del panorama musical.

Van Halen pone en conocimiento de su productor Ted Templeman la existencia de este genial guitarrista y éste le ficha para la todopoderosa Warner Bros. Una vez fichado y bajo la producción de Templeman Allan publica Road Games, un disco del que llegó a declarar que era su peor trabajo publicado, por culpa de la presión ejercida por Templeman en la producción, lo que creó contínuas desavenencias a la hora de enfocar el trabajo.

El disco pese a su escasa repercusión en ventas, se convierte en disco de culto e incluso es nominado a los premios Grammy. Estos hechos hacen que Allan tome la determinación de no volver a fichar por una discográfica grande jamás.

     Holdswoth decide fichar por la discográfica Enigma, compañía que le permite fichar a sus propios músicos y además le deja controlar los aspectos creativos, y en 1985 publica Metal Fatigue, disco que es considerado por la crítica como el mejor trabajo hecho por él en toda su carrera musical.

     En 1986 publica Atavachron, un álbum que se convierte en referencia  y él en precursor del uso del SynthAxe, un controlador MIDI parecido a una guitarra eléctrica (creado por Bill Aitken, Mike Dixon y Tony Sedivy en 1986), y es básicamente un instrumento electrónico similar a una guitarra electrónica y que permite manejar el tono con el aliento.

     La actividad de Allan Holdsworth hasta abril de 2017, fecha de su fallecimiento seguió siendo muy prolífica, tanto en solitario como en multitud de colaboraciones y estilos como el acid jazz, free jazz, musica eléctrónica, metal progresivo ó rock.

     Me he dacantado como disco recomendado para esta ocasión por Road Games, precisamente el considerado peor trabajo por el mismísimo Allan, y lo hago precisamente porque cuando lo escuché me encantó, ¿Si éste era el peor trabajo de Allan Holdsworth, dicho por el mísmo, Cómo serían sus demás discos? Ahí lo dejo. Un disco con sólo seis temas, pero repletas del virtuosismo instrumental donde Allan demuestra como es capaz de fusionar estilos como el jazz o el rock progresivo con una facilidad y una naturalidad increíble.

     Allan, un músico que se quejaba amargamente de que sus trabajos no se pusieran más en los medios, pues de su música se decía que era demasiado rockera para ponerla en las emisoras de jazz y demasiado jazz para ponerlo en las emisoras de Rock.

Van Halen, Satriani, Morello, Moore, Petrucci, Malmsteem, Santana, y tantos otros no pueden estar equivocados al nombrar a Allan Holdsworth como una de sus grandes referencias de la guitarra, Frank Zappa llegó  a decir de él: "Allan es uno de los chicos más interesantes del planeta a la guitarra".

Allan Holdsworth, Guitarrista al que yo me atrevo a llamar "Maestro de Maestros", por su forma de entender y ser capaz de modernizar la forma de tocar la guitarra y marcar el camino de grandes guitarristas que se han declarado seguidores incondicionales de su estilo y sus técnicas innovadoras.
     

La musica en historias: Django Reinhardt

 EL ESPÍRITU DE DJANGO REINHARDT

Anthony Frank Iommi tenia 17 años y trabajaba en una fábrica. Un fatídico día, sufrió un accidente trabajando y perdió parte de las falanges de dos dedos de su mano derecha. Anthony, que era zurdo, y tocaba la guitarra, frustrado por no poder hacer desde ese momento lo que más le gustaba, no quería ni oír hablar de música. Un capataz de la fábrica, amigo suyo, le dijo que no tenía por qué dejarlo, le habló de un tal Django Reinhardt, y le animó a que lo escuchara y que siguiera intentando tocar la guitarra.

Anthony, ante la insistencia de su amigo, decidió escucharlo, y nada más hacerlo quedó prendado de este músico, que también era guitarrista, pero además descubrió que Django había desarrollado un método pata tocar la guitarra, ya que en un accidente casero, además de otras partes del cuerpo, le quedó dañada la mano con la cual tocaba la guitarra, y solo podía usar dos dedos. Anthony, animado por aquello, se fabricó unas prótesis caseras, e intentó seguir tocando la guitarra.

Años más tarde, Anthony, más conocido como Tony Iommi, integrante de la banda de rock Black Sabbath, llego a ser el creador de algunos de los riffs mas famosos del heavy metal, y uno de los guitarristas más influyentes del rock. Y todo gracias a Django Reinhardt, músico de jazz, nacido en Bélgica en 1910, de origen gitano y precursor del llamado gipsy-jazz, considerado uno de los músicos de jazz más influyentes de Europa.

Una noche, estando Django en su caravana, ésta se incendió,  y Django sufrió quemaduras muy graves, dejándole su mano izquierda muy maltrecha. Pero Django no se rindió, ideó un sistema para seguir tocando y llegó a ser muy grande. No dejéis que nada os impida seguir persiguiendo vuestros sueños. Gracias a Django y gente como él por demostrarnos que no hay nada imposible.