1142.- Fluff - Black Sabbath

Estamos ante un joya instrumental de la legendaria banda británica Black Sabbath, "Fluff" esta incluida en su álbum de 1973, "Sabbath Bloody Sabbath" el quinto album de la banda y que es considerado por muchos como una de sus mejores discos. Fluff a menudo ha sido eclipsada por otras cancione del disco, pero esta pista instrumental ofrece una experiencia auditiva única y cautivadora que merece atención y apreciación.  Desde los primeros acordes, "Fluff" envuelve al oyente en una atmósfera etérea y serena, la guitarra acústica, interpretada magistralmente por Tony Iommi, establece el tono melódico de la canción, con suaves arpegios que fluyen con gracia. La simplicidad y la elegancia de la guitarra acústica son complementadas por una sección rítmica sutil pero efectiva, proporcionada por Geezer Butler en el bajo y Bill Ward en la batería. Juntos, crean una base sólida y fluida que permite que la melodía principal brille. A medida que la canción avanza, la guitarra eléctrica de Iommi se une delicadamente a la mezcla, añadiendo capas de textura y emoción. Su habilidad para transmitir tanto poder como delicadeza en su interpretación es evidente en cada nota, llevando al oyente en un viaje emocional a través de sonidos que van desde la melancolía hasta la esperanza. Lo que hace que "Fluff" sea tan especial es su capacidad para evocar imágenes y emociones sin la necesidad de letras. A través de su música, Black Sabbath logra contar una historia sin palabras, permitiendo que cada oyente la interprete de manera personal y única. Ya sea contemplando paisajes naturales, reflexionando sobre la vida o simplemente dejándose llevar por la belleza de la melodía, esta canción invita a la introspección y la conexión emocional. El título, "Fluff", sugiere una ligereza y suavidad que se reflejan perfectamente en la música misma. Es una pausa tranquila en medio del caos y la oscuridad que a menudo se asocia con el sonido característico de Black Sabbath. Aunque puede parecer atípico dentro del catálogo de la banda, "Fluff" demuestra la versatilidad y el talento musical de sus miembros, mostrando que son capaces de crear belleza en cualquier forma que elijan explorar.

Estamos ante una obra maestra musical que merece ser reconocida tanto como cualquier otra canción icónica de Black Sabbath. Con su melodía cautivadora, ejecución magistral y capacidad para evocar una amplia gama de emociones, esta pista instrumental perdura como una de las gemas ocultas en el vasto repertorio de la banda. Es un recordatorio de que la música trasciende las barreras del lenguaje y puede tocar el alma de cualquier persona que se tome el tiempo para escuchar con atención.

1023.- Dream On - Aerosmith

Aerosmith fue el disco debut homónimo de la banda de Boston, de todos modos, este álbum se conoce principalmente como el de 'Dream On'. Estoy seguro de que la mayoría de ustedes están cansados de esa canción, pero a mí me encanta. Si esperas más canciones como 'Dream On' en Aerosmith, no te molestes, quizás hayas escuchado 'Mama Kin', una canción de rock and roll alegre y divertida que habría encajado perfectamente en Exile on Main St. con temas como 'Rocks Off' y 'Happy'. Si te gusta esa canción, entonces este álbum es para ti, ya que todas las demás canciones tienen el mismo propósito. Publicado originalmente por Columbia a principios de enero de 1973, es una oferta cruda y fría basada en blues, que presenta material que la banda había estado tocando en vivo durante varios años. Los lanzamientos posteriores de la banda supusieron una mejora importante en la producción y la composición, pero el LP de Aerosmith ocupa un lugar especial en mi corazón. Son las raíces bajas y crudas de la banda las que definieron el raunch 'n' roll estadounidense durante los altos vuelos de los años 70. La voz de Steven Tyler, en particular, tiene un tono extrañamente más bajo y más blues en este álbum, y he escuchado a varias personas sugerir que ni siquiera está cantando en el disco porque suena muy diferente, pero cuando escuchas su característico agudo chirriante obviamente no es nadie más que el joven Steven. Hablando de eso, ves la portada del disco y te pueden parecen un grupo de inútiles de la escuela secundaria en la portada. Mire a Brad Whitford en el extremo derecho: parece que tenía frenillos y estaba sentado en su habitación escuchando un montón de discos de Led Zeppelin.

“Dream On” es una balada de rock que le abrió las puertas a Aerosmith, en su ciudad, Boston, “Dream On” se mantuvo en el número uno durante más de un año, incluso hoy en día, esta canción de rock clásico sigue siendo muy popular. Ahora, analicemos esta maravillosa balada, la guitarra de Joe Perry es realmente preciosa. Además, el solo es enorme y bastante variado, esta guitarra complementa bastante bien la voz de Steven Tyler. El ritmo general no es demasiado rápido, este tipo de tempo es bastante común en las baladas, sin embargo, en el estribillo acelera un poco el ritmo. Respecto al significado de esta canción, Tyler explicó: "Se trata del hambre de ser alguien: sueña hasta que tus sueños se hagan realidad". Y añadió: "Esta canción resume la mierda que soportas cuando estás en una nueva banda. La mayoría de los críticos criticaron nuestro primer álbum y dijeron que estábamos copiando a los Stones. Ese es uno de los motivos de mi enfado con la prensa y que todavía me dura. 'Dream On' surgió cuando tocaba el piano cuando tenía 17 o 18 años, y no sabía nada sobre escribir una canción. Fue solo este pequeño soneto que comencé a tocar un día, nunca pensé que terminaría siendo una canción real".

1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion

1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion

Black Sabbath, una de las bandas icónicas del heavy metal, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Su canción "Wheels of Confusion", proveniente de su álbum de 1972 titulado "Vol. 4", captura la esencia cruda y poderosa de su sonido característico.

La canción comienza con una introducción lenta y ominosa, creada por los riffs de guitarra de Tony Iommi y la voz distintiva de Ozzy Osbourne. Estos elementos establecen una atmósfera pesada que se adentra en los rincones más oscuros de la psique humana. A medida que la canción avanza, la batería de Bill Ward y el bajo de Geezer Butler se unen, creando una base rítmica que impulsa la canción hacia adelante con una intensidad implacable.

La letra de "Wheels of Confusion" aborda temas existenciales y de confusión mental, reflejando el estado de ánimo introspectivo y reflexivo que a menudo caracteriza a las canciones de Black Sabbath. Las letras exploran la lucha interna, el caos y la incertidumbre en el camino de la vida, y cómo estas "Wheels of Confusion" pueden hacer que uno se sienta atrapado y perdido. A pesar de la oscuridad en las letras, la canción también ofrece un sentido de catarsis a través de su intensidad y pasión musical.

La habilidad de Black Sabbath para combinar letras introspectivas con una instrumentación poderosa es evidente en "Wheels of Confusion". Los cambios de ritmo y las progresiones de acordes capturan la montaña rusa emocional que la canción intenta retratar. Desde momentos de calma y reflexión hasta explosiones de furia musical, la canción evoca una amplia gama de emociones en su audiencia.

"Wheels of Confusion" es un testimonio del legado duradero de Black Sabbath en la música. Su capacidad para explorar temas profundos y oscuros, al mismo tiempo que entregan un sonido que se convirtió en el molde para el género del heavy metal, es lo que hace que esta canción y la banda en su conjunto sean tan influyentes. A lo largo de los años, la canción ha mantenido su relevancia y sigue siendo un recordatorio de la maestría musical y lírica de Black Sabbath.

En resumen, "Wheels of Confusion" de Black Sabbath es una pieza musical que captura la esencia del heavy metal y la habilidad de la banda para explorar la psicología humana a través de su música. Con sus letras profundas, combinadas con una instrumentación intensa, la canción continúa dejando una impresión perdurable en la mente de los oyentes, llevándolos a un viaje emocional a través de las ruedas de la confusión.

Daniel 

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1004.- Changes Black Sabbath

 

Changes, Black  Sabbath

     Vol. 4 es el cuarto álbum de estudio de Black Sabbath. El grupo fue grabado en mayo de 1972 en los Record Plant Studios de Los Angeles, bajo la producción de Patrick Meehan y del propio grupo, y publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records. Este disco fue el primero no producido por Roger Bain, recayendo tal tarea en Patrick Meehan y en el propio grupo. La función de producción de Meehan, quien entonces era mánager de la banda, fue mínima, y aunque figuraba también el grupo, quien asumió realmente las tareas de producción fue el guitarrista Tony Iommi. 

La grabación estuvo repleta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran las sesiones de grabación. La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantadas haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Macmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco alcanzó en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, y las letras por Geezer Butler. 

Aunque la mayor parte del disco conserva el característico estilo pesado de la banda, en alguna canción muestran un lado más sensible, como en Changes, escrita por Tony Iommi (música) y Geezer Butler (letra), una balada de piano con mellotron.La canción se inspiró en la rupura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar el solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de una mansión de Bel-Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso Changes. Según Ozzy Osbourne: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas letras desgarradoras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". Changes es una rareza dentro de la obra de Black Sabbath, pues no incluye ni guitarra ni batería.

1003.- Snowblind- Black Sabbath

 

Snowblind, Black sabbath

     En mayo  de 1972 el grupo británico Black Sabbath se encierra en los Record Plant Studios de Los Angeles para grabar Vol. 4, que supondrá su cuarto álbum de estudio. Este disco fue el primero no producido por Roger Bain, recayendo tal tarea en Patrick Meehan y en el propio grupo. La función de producción de Meehan, quien entonces era mánager de la banda, fue mínima, y aunque figuraba también el grupo, quien asumió realmente las tareas de producción fue el guitarrista Tony Iommi. Fue publicado en septiembre de 1972 por el ello discográfico Vertigo Records.

La grabación estuvo repleta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran las sesiones de grabación. La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantadas haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Macmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco alcanzó en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, y las letras por Geezer Butler.

 Incluido en este disco se encuentra Snowblind, que es una clara referencia de labanda a la cocaína, la droga que la banda más consumía por aquel entonces. En las notas el grupo hace un juego de palabras agradeciendo a "la gran COKE-cola Company", otra clara alusión a dicha sustancia. La banda quería que este tema fuera el título del álbum, pero la compañía discográfica se negó por razones obvias. Según Ozzy Osbourne: "Snowblind fue uno de los mejores álbumes de Black Sabbath, aunque la compañía no nos permitió conservar el título... porque en aquellos días la cocaína era un gran problema y no querían la molestia de una controversia. No discutíamos".

0953.- School's Out - Alice Cooper

 

School's Out, Alice Cooper

     School's Out es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense alice Cooper. El disco fue grabado en los Records Plant Studios de Nueva York  bajo la producción de Bob Ezrin, y publicado el 30 de junio de 1972 bajo el sello discográfico Warner Bros. Records. Dicho álbum alcanzó el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard 200, y también el puesto número 1 en la lista RPM 100 Top Albums también de dicho país. La icónica portada original del álbum fue diseñada por el actor y diseñador gráfico estadounidense Craig Braun, famoso tambiń por sus portadas para discos de Andy Warhol y Tom Wilkes, y representa el clásico pupitre de madera de las escuelas. En su interior el vinilo estaba envuelto en unas bragas, aunque esto fue prohibido posteriormente al descubrirse que dichas bragas eran de papel y resultaban ser muy inflamables. El pupitre fotografiado y usado para la foto se encuentra exhibido en el famosos Hard Rock Cafe de Las Vegas.

Incluido en este disco se encuentra precisamente la canción que da nombre al mismo, School's Out, acreditada a Alice Cooper, Glen Buxton, Michael Bruce, Dennis Dunaway y Neal Smith. Alice Cooper se  inspiró para escribir la canción al responderse a la pregunta "¿Cuáles son los mejores tres minutos de tu vida?". Según Cooper: "Hay dos momentos durante el año. Un es la mañana de Navidad, cuando te estás preparando para abrir los regalos. El factor codicia está ahí. El siguiente son los tres últimos minutos del último día de clase, cuando estás sentado allí y es como un fusible que se quema lentamente. Dije: si podemos capturar esos tres minutos en una canción será tan grande!". También se inspiró en una frase que a menudo aparece en la saga de películas que grabaron entre 1946 y 1948 el grupo de personajes conocido como The Bowery Boys. Dicha frase aparecía a menudo cuando uno de los personajes le decía al otro: "Se terminó la escuela", lo que venía a significar algo así como "Hacerse sabio". Dicho grupo apreció concretamente en 48 películas, y eran jóvenes rudos de la ciudad de Nueva York que siempre andaban metidos en problemas. En una de las películas, el personaje llamado Sach hace algo estúpido, lo que provoca que otro de los jóvenes del grupo le diga: "¡Oye Sach, se acabó la escuela!". A Alice Cooper le gustó la forma en que sonaba la frase y la usó como base para la canción.

0938 - Deep Purple - Pictures of home

0938 - Deep Purple - Pictures of home

"Pictures of Home" es una canción de la legendaria banda británica de rock, Deep Purple. Apareció por primera vez en su álbum de 1972, "Machine Head", que es considerado uno de los mejores álbum de la banda y uno de los más influyentes en la historia del hard rock.

La canción comienza con un riff de guitarra memorable y enérgico, interpretado por Ritchie Blackmore, que establece el tono agresivo y poderoso de la pista. La sección rítmica formada por el bajista Roger Glover y el baterista Ian Paice impulsa la canción con un groove fuerte y sólido, mientras que el teclista Jon Lord aporta una capa adicional de textura y profundidad con sus arreglos de teclado.

La letra de "Pictures of Home" es enigmática y abierta a la interpretación. El cantante Ian Gillan canta sobre un lugar misterioso lleno de imágenes y recuerdos del hogar, donde se mezclan la realidad y la fantasía. Las letras sugieren un sentido de nostalgia y deseo de regresar a un lugar familiar y reconfortante.

Una de las características más destacadas de la canción es su sección instrumental central, donde cada miembro de la banda tiene la oportunidad de mostrar su virtuosismo individual. El solo de teclado de Jon Lord es particularmente impresionante, mientras que el solo de guitarra de Ritchie Blackmore es frenético y lleno de energía.

"Pictures of Home" encierra el sonido distintivo y la intensidad de Deep Purple. La combinación de guitarras poderosas, teclados atmosféricos y una sección rítmica contundente hace de esta canción un verdadero himno del hard rock. La canción ha resistido el paso del tiempo y continúa siendo una favorita de los fanáticos, así como una muestra de la habilidad musical y la creatividad de Deep Purple como banda.

Daniel

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0937.- When A Blind Man Cries - Deep Purple

When A Blind Man Cries, Deep Purple

     When A Blind Man Cries fue grabado en el Grand Hôtel de Montreux, Suiza entre diciembre de 1971, formando parte del material que el grupo estaba preparando para su sexto álbum de estudio, Machine Head. Dicho material iba a ser grabado en el Casino de Montreux, pero un desafortunado incidente que provoca el incendio del Casino mientras actúa Frank Zappa obliga al grupo a buscar alternativas. Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Paice (batería), Roger Glover (bajo) y Jon Lord (teclados) deciden mudarse junto con el productor Martin Birch y concebir Machine Head en el Grand Hôtel de Montreux.

Dentro de las sesiones de grabación para el álbum el grupo al completo compone otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, When A Blind Man Cries, pero el tema no es del agrado de Ritchie Blackmore, y aunque al resto del grupo si le gusta se impone Ritchie, por lo que el tema no se publica en Machine Head que aparece publicado el 25 de marzo de 1972. El tema aparece publicado como cara B del single Never Before, el cuál aparece en la cara A, el 18 de marzo de 1972.

When A Blind Man Cries, al igual que Smoke On The Water, tiene como temática el incidente del incendio del Casino de Montreux, de la misión que tenía el grupo de grabar el álbum en esas fechas que coincidían con un breve descanso de la gira y de como tienen que reubicarse apresuradamente, encontrando el Grand Hôtel de Montreux. La habitación del casino donde se graba el material para Machine Head era en realidad un pasillo que tenía forma de T, los instrumentos se se instalaron cubriendo todos los rincones del pasillo y se instalaron bombillas rojas para crear un ambiente más cómodo.

El tema nunca ha sido tocado en presencia de Ritchie Blackmore, la primera vez que se toca en directo es el 6 de abril de 1972 en Quebec, Canadá, debido a que Ritchie se encuentra enfermo y es sustituido por el guitarrista Randy California. Habrá que esperar a la gira The Battle Rages On en 1993 donde el guitarrista es Joe Satriani para degustar el tema en directo. Con la llegada del guitarrista Steve Morse al grupo el tema se convierte en un habitual dentro del repertorio de la banda.  Además, el tema acabó incluyéndose dentro de la reedición especial del 25º aniversario del LP Machine Head en 1997.

0936.- Smoke on the water - Deep Purple

El riff más famoso de la historia del rock fue compuesto por Ritchie Blackmore e interpretado con una Fender Stratocaster. Tan famoso es el riff, y la canción que Deep Purple construyeron a partir de él, que si no hubiéramos puesto el nombre en el título, a estas alturas de párrafo estoy seguro de que todos habrías adivinando ya de que canción estoy hablando. Incluida en el disco Machine Head del año 1972, Smoke on the water ("Humo sobre el agua"), se basaba en un riff tan mágico como sencillo, acompañado por un órgano Hammond tocado a través de un amplificador Marshall distorsionado.

La letra de la canción es obra del cantante Ian Gillan, y cuenta lo ocurrido en el Casino de Montreaux, el 4 de diciembre de 1971, un día antes de que el grupo fuera a grabar allí algunas de las canciones de Machine Head. Ese día, Frank Zappa estaba dando un concierto en el Festival de Jazz de Montreux, y alguien del público arrojó una bengala al techo del escenario, provocando un incendio en las instalaciones. El humo del incendio sobre el Lago Leman fue la inspiración para que el bajista Roger Glover le pusiera nombre a la canción, y lo demás ya es historia.

Tan relevante fue este suceso para los integrantes de la banda (tuvieron que trasladar la grabación del disco a otro lugar) que en contra de lo que inicialmente habían planeado, acabaron por incluir la nueva composición en el disco, aún sin ser conscientes de que no estaban incluyendo una canción más, sino que estaban lanzando al mundo una de las canciones más famosas y representativas del rock de todos los tiempos, conocida como la "Para Elisa" del rock, por ser la canción con la que muchos empiezan a practicar con las seis cuerdas.

Curiosamente, se acusó a Deep Purple de haber copiado el riff de la canción "Maria Moita" (1964) del cantautor brasileño Carlos Lyra, algo que Ritchie Blackmore siempre ha negado, entre otras cosas porque dijo haber llegado a él tras tocar con la guitarra la melodía principal de la Quinta Sinfonía de Beethoven al revés, y probar después una variación de los acordes que la componían. El genial guitarrista se tomó a broma las acusaciones de plagio de Smoke on the water, alegando que "de deberle dinero a alguien, sería a Beethoven".

0935.- Highway star - Deep Purple

¡Un clásico! Eso es el album Machine Head, un clásico en todo el sentido de la palabra. La influencia que esta disco tuvo en otras bandas también es enorme, muchos de los grupos de heavy metal no tocarían si no hubiera salido este disco. Sí, es así de influyente. Después de la reacción ligeramente decepcionante a "Fireball",se habían atrevido a ralentizar el tempo y entregar una pieza folk que había hecho saltar las alarmas entre sus seguidores. Por ello todo el mundo miraba con expectación lo que sería capaz de hacer a continuación. Deep Purple decidió dejar de lado un tiempo de grabación específico para el próximo álbum y grabarlo de una sola vez en lugar de en sesiones más cortas. "Machine Head" fue lanzado en marzo de 1972 y se volvieron mas Deep Pruple que nunca, quizá para erradicar las dudas, abren el disco con la potencia de un clásico instantáneo y cañero que los moteros tomarían como himno, esa joya titulada 'Highway Star' el arquetipo de primera cancion en el escenario con que se presenta una banda, resonando a un millón de millas por hora pero sin sacrificar la melodía o la sutileza, para algunos es la grabación perfecta de Deep Purple y sigue siendo tan fresca y relevante hoy como lo fue en su lanzamiento. Blackmore brindando una de sus interpretaciones más rápidas y pesadas, magníficamente complementada por el remolino característico del órgano de Lord, la voz chillona de Gillan y el siempre confiable poder impulsor (gemido) de la sección rítmica de Paice y Glover. Aunque llamarlos simplemente una sección rítmica es algo así como un perjuicio. Highway Star tiene esa sintaxis de rock'n'roll que a veces se convierte en heavy metal, hay más frescura en los elementos barrocos de la canción, como la guitarra principal y las partes del órgano, a veces.

La leyenda dice que "Highway Star" fue escrita rápidamente durante el viaje en autocar de Deep Purple a Portsmouth, Inglaterra, para el concierto de apertura de la gira británica de 1971, el grupo abrió su concierto esa misma noche con el furioso himno de la carretera abierta... ¡y el resto de la historia es historia callejera!. No importa cuándo o dónde se escribió "Highway Star", el corte devorador de gasolina del legendario Machine Head de Deep Purple, es un tema definitvo, y la mejor canción para conducir conocida por el hombre. No hay competencia, ya que las revoluciones de "Highway Star" son difíciles y agregan la importantísima referencia a las chicas. ¡Tomar esas curvas a alta velocidad es increíble!. "Highway Star" es oro puro del poderoso Deep Purple. Sube el volumen y trata de evitar que tu pie toque el suelo. Joder, no puedes. "Highway Star" está destinado a sonar desde la radio de un Boss 429 hasta un Mustang de 1970, derribando un amplio tramo abierto de la interestatal estadounidense plana, en una soleada tarde de junio. ¡"Highway Star" es alto octanaje, poder de desgarro en la carretera! Sientes la necesidad de velocidad...

0907.- Strange Kind Of Woman - Deep Purple

 

Strange Kind Of Woman, Deep Purple

     El quinto álbum de estudio de Deep Purple, Fireball, es grabado en diez meses, un periodo que puede parecer mucho, pero la realidad fue otra bien diferente. En el periodo que comprende la grabación del material que comprende Fireball, el grupo da nada menos que 120 conciertos, a los que podemos sumar las grabaciones de los proyectos en solitario Gemini suite de John Lord y Jesucristo Superstar de Ian Gillan. La actividad del grupo es frenética, quizás porque John Colleta y Tony Edwards, los mánagers que guian los designios de la agrupación púrpura, ya habían saboreado las mieles del éxito y no querían que sus gallinas de los huevos de oro dejaran de producir.

El resultado es Fireball, publicado en 1971 por la discográfica Warner Bros. Records. Para la grabación del disco se utilizaron tres estudios, los De Lane Lea Studios y los Olympic Studios, ambos de Londres, y The Hermitage, en Welcombe, una localidad al norte de Devon, Inglaterra. Musicalmente, el disco tiene toques muy rockeros, pasando por momentos folk y psicodélicos. Ninguno de los componentes del grupo, Gillan, Blackmore, Lord, Glover y Paice, quedaron contentos con el resultado, pues el disco, al contrario de su antecesor, In Rock, no tenía una dirección clara en cuanto a sonido. el grupo achacó este desconcierto compositivo al hecho de tener que componer y grabar el material a ratos, mientras estaban inmersos en la agotadora gira de conciertos del disco In Rock. Sin embargo, el disco alcanzó el puesto número 1 en Reino Unido, Bélgica, alemania, Dinamarca y Suecia, convirtiéndose además en el primer disco que triunfaba en el mercado japonés.

Como promoción del disco fue lanzado el single Strange Kind of Woman, un tema que no fue publicado en la edición europea, pero sí en la que se edita en Estados Unidos, Canadá y Japón, y en el cual nos vamos a detener, pues es junto a Fireball una de las joyas e este álbum. En la europea fue incluido el tema Demon's Eye, que incompresiblemente se quedó fuera de la edición para Japón, Canadá y Japón. Lanzado como sencillo de adelanto del disco, el tema cuenta la historia de una mujer llamada Nancy, quien a pesar de no tener un bello rostro vuelve locos a todos los hombres. Sobre el tema, Gillan ha dado diversas interpretaciones, una decía que el tema trataba de uno de sus amigos que estuvo cortejando a una mujer con la cual se  consiguió casar, pero tres día después de la boda ella murió. Otra de sus versiones fue que el tema trataba de una prostituta que intenta librarse de su profesión. De hecho el tema debía llamarse Prostitute, pero sabiendo que iban a tener problemas con la censura decidieron cambiar el título. En directo no concebimos este tema sin el mítico duelo que solían marcarse al final del tema Gillan con la voz y Blcakmore con la guitarra. El tema, incomprensiblemente no fue editado en la versión europea, y en su lugar se incluyó el blusero Demon's Eye, temazo que también debería haber sido incluido en la edición para Estados Unidos, Canadá y Japón.

0857 - Black Sabbath - Into the void

0857 - Black Sabbath - Into the void

"Into the Void" es una de las canciones más icónicas de la legendaria banda de heavy metal Black Sabbath. Lanzada en 1971 como parte de su álbum "Master of Reality", la canción tiene un sonido pesado y oscuro que es característico de la música de la banda.

La canción comienza con una introducción de guitarra enérgica que establece el tono de la canción. A medida que la canción avanza, la guitarra se une a la batería y al bajo para crear un sonido poderoso y lleno de energía que hace que el oyente se sienta como si estuviera siendo llevado a través de un abismo. La voz de Ozzy Osbourne se destaca en esta canción, proporcionando un contraste emocional al tono pesado y oscuro de la música.

La letra de la canción habla de un mundo distópico y apocalíptico, en el que la humanidad se ha destruido a sí misma y solo queda el vacío. Las letras oscuras y evocadoras se suman al ambiente de la canción y la hacen aún más memorable.

En resumen, "Into the Void" es una canción clásica del heavy metal que es imprescindible para cualquier fan del género. La música y las letras se combinan para crear una experiencia auditiva inolvidable que es un testimonio de la habilidad de Black Sabbath para crear música que resuena con sus oyentes.

Daniel 

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0856-. Children Of The Grave - Black Sabbath

 

Children of the Grave, Black Sabbath

     El 21 de julio de 1971 la banda inglesa Black Sabbath publica su tercer álbum de estudio, Master of Reality. El disco es grabado entre el 7 y el 15 de febrero y el 6 y el 13 de abril de 1971 en los estudios Island de Londres y los Record Plant de Los Ángeles bajo la producción de Rodger Bain, y publicado bajo el sello discográfico Vertigo Records. Durante la grabación y producción del disco, el guitarrista Tony Iommi y el bajista Geezer Butler bajaron la sintonía y la afinación de sus instrumentos, consiguiendo así un sonido más pesado. El disco alcanzó el puesto número 5 en las listas de ventas del Reino Unido, y el puesto número ocho en la lista estadounidense Billboard 200. El disco no fue bien recibido en sus inicios por la crítica, si bien con el paso del tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos.

Incluído en este disco se encuentra Children of the Grave, una canción que presenta el característico sonido del grupo con ese riff de guitarra con una afinación más baja y una sección rítmica muy pesada y contundente. La canción, que continúa con el mismo argumento y mensaje político, es un alegato contra la guerra al igual que en temas anteriores de la banda, como War Pigs o Electric Funeral. La canción, que se caracteriza por su gran riff pesado de guitarra, nos habla de la juventud y su lucha contra la guerra y la opresión. De hecho la canción fue una de esas que cabrían convirtiéndose en todo un himno para los jóvenes en la década de los 70. Esta canción está considera como una de las mejores de la banda, la revista Kerrang la clasificó en el año 2020 en el puesto número seis de su lista de "las 20 mejores canciones de Black Sabbath", y en 2021 la guía de rock en línea Louder Sound la clasificó en el puesto número cinco de su lista de "las 40 mejores canciones de Black Sabbath". 

0855 - Black Sabbath - Sweet Leaf

0855 - Black Sabbath - Sweet Leaf

"Sweet Leaf" de Black Sabbath es una canción emblemática del género del heavy metal que fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Master of Reality". La canción comienza con una introducción de guitarra distorsionada y la icónica línea de bajo de Geezer Butler, que establece el tono oscuro y pesado que caracteriza al grupo.

La letra de la canción, escrita por el vocalista Ozzy Osbourne, habla sobre su amor por la marihuana y cómo la hierba lo hace sentir. La letra es bastante explícita en cuanto a su consumo y su efecto sobre el autor, lo que fue bastante controvertido en la época en que se lanzó la canción.

A lo largo de la canción, la guitarra de Tony Iommi y la batería de Bill Ward se unen para crear un sonido pesado y oscuro que se convirtió en una de las marcas registradas de la música de Black Sabbath. La canción tiene varios cambios de ritmo y un solo de guitarra impresionante que muestra la habilidad de Iommi como guitarrista.

En general, "Sweet Leaf" es una canción icónica del heavy metal que ha resistido la prueba del tiempo. Su letra explícita y su sonido pesado la han convertido en una de las canciones más reconocidas y amadas del género. Es un gran ejemplo del talento y la habilidad de Black Sabbath como músicos y su capacidad para crear música innovadora y atemporal.

0814.- I'm eighteen - Alice Cooper

Todo el mundo recuerda "My Generation" de The Who como el himno de la adolescencia de finales de los 60 por antonomasia, pero siendo justos, ese honor debería corresponderle también a "I'm Eighteen" de la banda de rock Alice Cooper, publicada como single en noviembre de 1970, y cuyo éxito de ventas facilitó que los directivos de Warner Bros. se convencieran de contratarles para grabar un álbum ("Love It to Death", 1971). La letra describe de manera certera y urgente la ansiedad del paso de la infancia a la adolescencia ("Tengo dieciocho, y no se lo que quiero... Tengo dieciocho y me gusta").

Tengo la sensación de que con Alice Cooper he tenido que ir superando diferentes fases de confusión y engaño. En primer lugar, y sin haber escuchado aún ninguno de sus temas, pensé que ese era realmente el nombre de aquel extraño rockero de pose gore y satánica, que se merendaba serpientes en el escenario, para descubrir después que Alice Cooper era, en realidad, el nombre de la banda. Después pensé que un tipo tan oscuro y extremo sería un cruce entre Pantera y Marilyn Manson, pero al escuchar precisamente "I'm Eighteen" hace ya algunos años, me sorprendió la cercanía sonora a los Rolling Stones, con riffs de guitarra lentos y una interpretación vocal áspera pero contenida, completamente alejada de la sensación trash que transmitía su imagen.

"I'm Eighteen" comenzó siendo una improvisación de ocho minutos, pero el productor Bob Ezrin les convenció para que la acortaran, hasta llegar al rotundo y áspero himno de tres minutos en que se convirtió la versión final. Fue su primer gran éxito, y el tema que más influencia ha tenido en muchas otras bandas de metal, punk y hard rock. Joey Ramone escribió su primera canción para los Ramones basándose en ella, y Johnny Rotten la cantó en la audición en la que fue seleccionado como cantante de los Sex Pistols. Son solo algunos ejemplos de adolescentes que, con Alice Cooper, descubrieron lo que querían hacer, quizá por haber cumplido ya los dieciocho, y haberse dado cuenta de que esa era la música que les gustaba.

0813-. Ballad of Dwight Fry - Alice Cooper

 

Ballad of Dwight Fry, Alice Cooper

     El 9 de marzo de 1971, la banda de Phoenix, Arizona, Alice Cooper, liderada por Vince Fournier, quien adoptaría como nombre artístico el de la banda, Alice Cooper, publica su tercer álbum de estudio, Love it to Death. Este fue el primer disco de la banda que conseguía tener éxito comercial, y fue también el disco que consolidaría el sonido de la  banda, que apuesta por un sonido más rockero y agresivo en detrimento del sonido psicodélico y experimenal de sus anteriores trabajos. El álbum fue grabado en los estudios RCA Mid-American Recording Center de Chicago, Illionois (Estados Unidos), bajo la producción de Jack Richardson y Bob Ezrin, y publicado por el sello discográfico Straight, perteneciente a Warner Bros.

La portada del grupo originó cierta controversia, pues presentaba al cantante, Alice Cooper, posando con el pulgar sobresaliendo para que pareciera que era su pene. Warenr Bros. pronto reemplazaría la portada por una versión censurada. Un joven llamado Bob Ezrin, quien a la postre trabajó con artistas como Lou Reed, Aerosmith, Kiss, Pink Floyd, Deep Purple o Peter Gabriel entre otros muchos, se une al proyecto de la banda como productor y anima al grupo a que mejore su composiciones,por lo que la banda estuvo ensayando durante dos meses entre diez y doce horas al día. Ezrin tenía la intención de desarrollar un sonido cohesivo para el disco, aunque su seriedad y rigor fue objeto de humor y bromas por parte de la banda. 

Incluido en este disco encontramos el tema Ballad of Dwight Fry, en homenaje al actor Dwight Frye, quien intepretó a personajes maniacos en muchas películas de terror producidos por Universal, incluido el personaje de Renfield, de la película original de Drácula (1931). En el título de la canción se eliminó la "e" final del apellido para evitar una posible demanda judical. El cantante Alice Cooper escribió este tema junto al por entonces guitarrista y compositor de la banda Michael Bruce. Curiosamente la voz del niño en la introducción de la canción fue en realidad grabada por una mujer de unos 20 años que era amiga de la banda, y el productor Bob Ezrin tuvo la de idea de que Cooper, para grabar la canción, se acostara en el suelo rodeado por una jaula de sillas de metal para crear un elemento de realismo en los gritos frenéticos del cantante.

0730 - Black Sabbath - Iron Man

0730 - Black Sabbath - Iron Man

Iron Man es una canción de la banda inglesa de heavy metal Black Sabbath, que fue lanzada en 1970 en forma conjunta con su segundo álbum de estudio de la banda.

Si escuchamos la canción, alcanzaremos a escuchar el riff de la guitarra principal de Tony Iommi, en el primer ensayo, el vocalista Ozzy Osbourne comentó "que sonaba como un gran tipo de hierro caminando", con Iron Bloke convirtiéndose en el título provisional de la canción, pero esto por un corto tiempo, mientras la banda resolvía el tema de la letra. A medida que se desarrolló la letra de la canción, el título evolucionó a Iron Man.

Mucho tiempo después Iron Man se usó en los créditos finales de la película Iron Man de 2008, así como en su adaptación de videojuego y el tráiler de la secuela de 2010, Iron Man 2. El personaje Tony Stark, el alter ego de Iron Man, también usa una camiseta de Black Sabbath en la película de 2012 Los Vengadores. La canción ganó el puesto número 317 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos a partir de 2004. Iron Man fue clasificada como la sexta mejor canción de Black Sabbath por Rock - Das Gesamtwerk der größten Rock-Acts im CHECK, y VH1 clasificó la canción como la mejor canción de heavy metal de todos los tiempos. Otros logros de esta canción fue alcanzar el puesto 52 en la lista Billboard Hot 100 en 1972, convirtiéndose así en el single The Black Sabbath en llegar al puerto más alto en ese momento. También alcanzó el puesto 68 en el Top 100 de la revista Canadian RPM Magazine.  

Daniel 

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0729.- Electric Funeral - Black Sabbath

 “Electric Funeral” no es la canción más destacable de Paranoid , sin duda, pero a su manera, es un tema esencial para el resto del álbum. No es "War Pigs" y no es "Iron Man", pero es algo muy grande. El album Paranoid es una suite de ciencia ficción, los peligros no están en el mundo demoníaco, sino en el mundo construido por el hombre, la imaginería evocadora en la letra es fantástica, principalmente porque somos conquistados por robots. Escuchar “Electric Funeral” evoca ese miedo a la lluvia radiactiva, algo que las generaciones actuales han sentido con la Guerra Fría y la vida posterior al 11 de septiembre. La letra es espantosa y aterradora: "flores de plástico, sol que se derrite, luna que se desvanece cae sobre / mundo moribundo de radiación, víctimas de frustración loca / globo ardiente de fuego de oxígeno, como una pira funeraria eléctrica". Gracias a artistas como Dalí, podemos imaginar cómo sería ese mundo que se derrite. Sabbath, habiendo vivido en Birmingham, un paisaje devastado por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, habla de ese paisaje de destrucción y tierra baldía.

Electric Funeral abre con un riff icónico de Tony Iommi que tiene un fuerte efecto wah, la banda busca un sonido simple, pero un sonido que ciertamente suene bastante oscuro y pesado.Después de pasar por dos estrofas y algunas pausas instrumentales entre las dos, la canción cambia de humor por completo y el pesado riff wah-wah da paso a un ritmo de batería frenético seguido de una serie de acordes de guitarra más oscuros que finalmente culminan en una sección más rápida. Aunque la acumulación de esta sección más rápida parecía que iba a conducir a una sección un poco más oscura, debo admitir que todavía disfruto la energía que emana de esta sección. Otra cosa destacable de esta pista es que el bajo que se vuelve increíblemente prominente a lo largo de esta sección. Una pero que tengo contra esta pista es que después de que termina esta sección más rápida, que es genial en sí misma, la transición de regreso al riff pesado de wah es inexistente, y debido a las grandes diferencias en el tempo y el estado de ánimo general, una transición suave. Fue realmente crucial allí para hacer que la secuencia fuera limpia en lugar de abrupta y un poco incómoda. Sin embargo, en general, Electric Funeral es una canción excelente y por qué es tan conocida y elogiada no es una cuestión difícil de entender. Estos tipos son muy grandes y mas de 50 años despues compruebas atonito como jovenes de 17 años siguen disfrutando de su música, y no es ningún farol, la cara de farol se me quedo a mi cuando el hijo de unos buenos amigos y compañero de mi hija en el Instituto en una celebracion le dije que pusiera la musica que quisiera, y ni corto ni perezoso nos hizo escuchar a todos este album. Grande Manu! 

0728.- Paranoid - Black Sabbath

El segundo álbum de los británicos Black Sabbath iba a llamarse inicialmente "War Pigs", pero debido a la fuerte carga política y antibelicista de la canción que iba a darle nombre, la discográfica presionó para que se cambiara. La elegida para dar nombre al disco pasó a ser entonces "Paranoid", una descarga eléctrica de dos minutos que podría englobarse tanto en el terreno del heavy metal como del "protopunk" de The Stooges o The Ramones, y que se había incluido en el disco como relleno, ya que los Sabbath no terminaban de verla como un hit. Grabado y publicado en 1970, "Paranoid" fue nº1 en Reino Unido, lo que significó el primer gran éxito de la banda, y se convirtió después en un disco de culto para las generaciones posteriores.

Pero quizá lo más sorprendente para el grupo no fuera el éxito del disco, sino que una canción que habían compuesto en apenas media hora de descanso entre sesiones de grabación, y que apenas contaba para ellos, se convirtiera en el tema más exitoso de su carrera. La canción surgió cuando Tony Iommi, mientras esperaba a que el resto de la banda volviera de buscar unas cervezas, empezó a tocar un riff que surgió de la nada. No tenía grabadora, así que estuvo tocando el riff hasta que los demás volvieron, para que no se le olvidara. La letra vino después, y en línea con el resto del disco, se centró en la parte más negativa de la condición humana. En el caso de "Paranoid", y como su propio nombre indica, lo que se cuenta es la angustia y la desesperación de un enfermo mental.

El sencillo de "Paranoid" se completó con la canción "The Wizard" en la cara B, y alcanzó el nº4 de las listas de Reino Unido, siendo nº1 en Alemania​ y nº2 en Países Bajos, Bélgica y Suiza. Sorprendentemente, fue en Estados Unidos, la tierra de los mencionados Stooges y Ramones, dónde peores resultados obtuvo, quedándose en el puesto 61 de las listas USA, pero ese pequeño traspiés no hizo que Ozzy Osbourne y compañía se volvieran "paranoicos" al respecto, y acabaron por conquistar también a los oyentes del otro lado del Atlántico.

0727- War Pigs - Black Sabbath

 

War Pigs, Black Sabbath

     En febrero de 1970 el grupo publica bajo el sello discográfico Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consiguió acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco, que estuvo mucho tiempo posicionado en las listas, obtuvo certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se negó, pero al parecer fueron maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy les fabricó a cada uno de los integrantes una cruz de plata que debían llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo.

Y precisamente uno de los temas que nos sumerge en este viaje por la oscuridad de la condición humana es War Pigs, el tema que se supone iba a dar nombre al álbum y una auténtica joya. Un trallazo donde el grupo habla de los horrores de las guerras y lanza una dura crítica a éstas, concretamente a la guerra de Vietnam, a los militares y a los políticos, a los que califican como "Cerdos de guerra". Al grupo se le ocurrió la idea de escribir el tema mientras se encontraban tocando por Europa en una base de la Fuerza Aérea Estadounidense. El tema fue escrito en algún lugar de un desierto de Zurich, Suiza, cuando aún se encontraban tocando para audiencias más pequeñas.