Black Sabbath - Technical Ecstasy (Mes Black Sabbath)

No estoy de acuerdo con muchos de los críticos, no creo que este sea el peor álbum de Sabbath de los 70, particularmente ese título se lo doy a "Never Say Die” si admito que el álbum está claramente a un paso de sus trabajos anteriores, esta fue sin duda una progresión lógica teniendo en cuenta que la banda logró la perfección absoluta en la combinación de progresivo y metal en el transcurso de sus dos últimos álbumes, estaba claro que era necesario otro desafío para mantener la dirección creativa de la banda en movimiento. "Technical Ecstasy" fue la respuesta. Vamos a sentar la primera base, este no es un álbum de hard rock o heavy metal, en todo caso, la mayor parte se acerca al pop-rock sifónico (con matices de boogie-woogie, blues, funk y hard rock/metal) aunque los mas optimistas diran que es la "ópera rock" de Black Sabbath. No hay nada malo en los cambios y la dirección que tomó la banda (al menos en concepto) pero si eso es lo que vas a hacer, ¡al menos intenta hacer que la música este cerca de lo que entregaste, por supuesto, hay algunas buenas canciones, en particular las dos mejores: You Won't Change Me y Dirty Women. Pero al mismo tiempo tenemos algunos de los peores trabajos de la banda, sobre todo la que posiblemente sea la canción más horrenda del grupo original: "Rock N' Roll Doctor". Technical Ecstasy es, con diferencia, el menor de los 8 álbumes originales de Black Sabbath, en el mejor de los casos, puede ser un álbum muy interesante y divertido. En el peor de los casos, es probablemente el único álbum original de Black Sabbath que puedes detestar.

 

"Back Street Kids" probablemente no tenga la letra mas apasionantes, pero en el estribillo muestran mucha creatividad, con frases retorcidas y disonantes y líneas de sintetizador brillantes. El puente también está muy bien arreglado y tiene un fuerte gancho vocal. A pesar del enfoque lírico juvenil, este es un tema de Sabbath decente, podemos decir que es una buena canción de hard rock que comienza con un riff que afloraría menos de un año después en "Barracuda" de Little Queen. "You Won't Change Me" es una cancion muy dramática con fantásticas armonías vocales que debería convertirse en una melodía clásica de Sabbath. Un poco pesados en los teclados a veces, pero de todos modos es una gran canción. En realidad, realmente no dañan la canción, a estas alturas de la escucha, ya está muy claro que la voz de Ozzy es mucho más clara y fuerte que en Sabbath Bloody Sabbath y, en menor medida, que en Sabotage. "It's Alright" es una canción que debería odiar, y estoy seguro de que muchos fans de Sabbath lo hicieron pero me convence, ss básicamente una canción de folk rock con la voz principal del baterista Bill Ward.. No necesariamente me interesaría escuchar un álbum completo de esto, pero durante 4 minutos definitivamente funciona. "Gypsy" fue uno de los 3 sencillos del disco (It's Alright & She's Gone son los otros 2) buena canción que adolece del innecesario blues del sintetizador, con un gran trabajo de apertura de Bill & Geezer. Para muchos es el punto más bajo del álbum a pesar de la actuación estelar de Ward y los ingeniosos estribillos, hay una verdadera falta de ganchos o imaginación lírica.

 "All Moving Parts" es un bonito corte clásico de medio tiempo, con un trabajo de bajo pulsante de Butler y melodías vocales enganchadas. El hammond y el clavinet también se utilizan mucho aquí, aunque prácticamente están enterrados en el arreglo. La ruptura del jazz en el medio también es excelente, con una sensación sincopada en bucle que te saca de la seguridad de los versos más convencionales. Este es un verdadero punto culminante del álbum, la joya de la ofrenda sin brillo. Trae las letras sociopolíticas que la banda logró difundir a lo largo de los primeros álbumes sin mucha fanfarria (A National Acrobat, War Pigs, Hand of Doom , Funeral Eléctrico, Wicked World, etc.). "Rock 'n' Roll Doctor" es lo más estúpido del disco, superando a Back Street Kids por un buen margen, sin embargo, quita el nombre de Black Sabbath de esto, ponle la cara B de Back Street Kids y tendrás un sencillo muy vendido de una banda de rock de la que los niños tal vez quieran escuchar más. El tipo de banda que habría sacado a Sabbath del escenario cuando estaban colapsando bajo las drogas y las luchas internas a partir de ese momento. "She's Gone" es probablemente la mejor balada de Sabbath jamás grabada, la voz increíblemente apasionada de Ozzy, las cuerdas melancólicas y las inquietantes guitarras acústicas ayudan a crear un ambiente innegablemente desesperado aquí... y el resultado es como un rayo en una botella. Perfección. El bajo de buen gusto de Butler también es lo más destacado. "Dirty Women" es una epopeya de rock de más de 7 minutos sobre la profesión más antigua del mundo. Lo que me encanta de este es que podemos escuchar a Ozzy dejar que todo salga bien, a veces, de la manera más gutural. El órgano está bien y la forma de tocar de Iommi es creativa y firme, pero las tendencias progresivas en algunos lugares llevan la vibra en demasiadas direcciones diferentes como para considerar esta una pista completamente desarrollada.

 

En general, hay un tono muy futurista y cínico en el álbum, esto es algo que Sabbath aún tenía que explorar y, en retrospectiva, fueron sabios al hacerlo. Por otro lado, el álbum ciertamente alienó a una buena parte de su audiencia con sus tendencias art rock claramente a la vanguardia. Quizás este álbum fue realmente un simple caso de "demasiado, demasiado pronto". No lo sé, pero definitivamente es una entrada digna en el canon del sábado. No hace falta decir que los instrumentales están bien interpretados y hay más de un riff que vale la pena escuchar, una vez más como era de esperar. Seguramente la voz de Ozzy alcanzó su punto máximo en Sabotage, y de alguna manera en un año perdió no sólo la ira, sino prácticamente cualquier personalidad o energía. Seguramente no quería estar allí grabando este disco, pero eso no hace que su actuación sea menos mediocre. A pesar de todas sus deficiencias, sigue siendo una escucha bastante fácil y no molesta mucho.

Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath (Mes Black Sabbath)

SABBATH BLOODY SABBATH introdujo arreglos compositivos aún más complejos que incluían más estilos de teclado y también algunas cuerdas y otros toques, si bien se intentó incluir un sitar y una gaita, fueron rechazados de la edición final, lo cual probablemente fue un acierto. Con los pesados riffs introductorios de la canción principal y las visiones de pesadilla de la portada del álbum de Drew Struzan, SABBATH recapturó las imágenes oscuras y las vibraciones oscuras del álbum debut y "Paranoid", pero también mostró un enfoque musical más maduro que en sus comienzos, riffs de heavy metal fortalecidos por desviaciones hacia coqueteos más sofisticados hacia el mundo del rock progresivo donde vemos a los miembros de la banda domando a sus demonios y asumiendo desafíos para mejorar su musica y seguir siendo relevantes en un negocio musical en rápida evolución. A pesar de casi separarse a principios del año 1973, la banda compuso algunos de los mejores materiales de su carrera, Black Sabbath aplica sus nuevas ideas con más sensatez y siempre encajan perfectamente con las canciones, sin chocar nunca con ningún sonido clásico de Black Sabbath y sin dañar la cohesión del álbum, como si ser los progenitores del heavy, doom y sludge metal no fuera suficiente, Black Sabbath pondría aquí las primeras semillas de lo que se convertiría en metal progresivo.

El álbum comienza con la canción principal, que bien podría ser la mejor canción del album "Sabbath Bloody Sabbath" muestra el nuevo sentido de dinámica de la banda, ya que la canción se abre típicamente con un riff brutal y letal a la que se une a la habitual voz vengativa de Ozzy Osbourne. Sin embargo, la canción te hace saber que esta vez te espera algo diferente, ya que cambia abruptamente a un tono más suave, con Ozzy siguiendo su ejemplo en su voz y la pesada guitarra eléctrica de Iommi siendo reemplazada por una sensible guitarra acústica. Luego, cuando crees que la canción ha mostrado sus cartas, justo después de la mitad, Iommi, desde un solo, conduce a un riff completamente diferente, incluso más pesado, que lidera el resto de la canción con la voz de Ozzy sonando más enfurecida que nunca. El último minuto de la canción termina con otro riff nuevo, galopando más rápido que en cualquier otra parte de la canción hasta la línea de meta antes de desvanecerse repentinamente y apagarse en un ataque de rareza psicodélica. "A National Acrobat" es otro punto destacado, pero desafortunadamente utiliza exactamente la misma melodía vocal que los versos de "Sabbath Bloody Sabbath", sin embargo, tiene un riff único y el toque psicodélico en el solo después del punto medio es magistral. La ultima parte de la canción avanza con un trabajo rápido de guitarra que en realidad tiene una especie de tono optimista. Lo que lleva a "Fluff", el único instrumental del álbum, un instrumental acústico alegre al que se une sólo ocasionalmente un piano. Quizás sea el mejor instrumental de Black Sabbath, pero está drásticamente fuera de lugar en este álbum, donde está ahora, perjudica el flujo del álbum, a pesar de su calidad como pista instrumental singular. "Sabbra Cadabra" también podría considerarse la canción principal del álbum, comienza como un verdadero heavy metal sobre un hombre enamorado de una mujer, poco después, en la canción, un sintetizado (tocado nada menos que por Rick Wakeman de Yes ) se coloca encima del riff de Iommi para lograr un efecto sorprendente y complementa los acordes a la perfección. La voz de Ozzy pronto regresa con un extraño efecto de estudio que lo hace sonar más genuinamente demoníaco que nunca. Un piano de blues es el último en unirse a esta fiesta y, como todo lo demás en el álbum, se desliza suavemente y encaja perfectamente. "Sabbra Cadabra", muestra que Black Sabbath ha aprendido el poder de la dinámica dentro de una canción y cómo controlar adónde lleva al oyente, y es el viaje más emocionante del álbum.

"Killing Yourself to Live" no tiene la nueva paleta sonora de las pistas anteriores, pero no obstante es una canción clásica de Sabbath: un punto culminante del álbum con excelentes interpretaciones instrumentales y fuertes ganchos. La canción no cambia mucho hasta el último minuto, donde nuevamente acelera y hace referencia nuevamente al espíritu del rock and roll raíz que surgió en "Sabbra Cadabra". "Who Are You?" es la única canción del álbum impulsada por un sintetizador, más específicamente el sintetizador Moog de Ozzy que compró antes del álbum a pesar de no saber tocarlo. Es una canción un poco tonta en retrospectiva (como todo lo que alguna vez tocó un Moog), pero es adorable por su cursi y el piano que se une más adelante en la canción casi hace que la pista suene como si fuera una especie de obertura para la épica del heavy metal y las oberturas de sintetizador que se convertirían en un pilar eventual de los álbumes de metal progresivo, por lo que al menos esta es otra canción históricamente pionera, incluso si no es un punto culminante por sí solo. "Looking for Today" regresa al formato basado en guitarra, pero esta vez es la batería de Bill Ward lo más destacado de la canción, así como las flautas que se unen a la voz de Ozzy en el coro. Tonalmente, esta es la canción que suena más alegre del álbum, Ozzy gritando el título de la canción suena incluso optimista, pero la canción es crítica con la persona a la que se dirige, alguien cuya vida pasa de largo porque solo vive en el presente. "Spiral Architect" retoma las cosas nuevamente con una de las mejores canciones del álbum, que comienza con una delicada guitarra acústica antes de que suene el sonido eléctrico. El estribillo de la canción suena retorcido con los violines y la voz desafinada de Ozzy. Es un final radical para un álbum excelente y un buen resumen de los elementos que hacen de Sabbath Bloody Sabbath el mayor logro de Black Sabbath.

“Sabbath Bloody Sabbath” es probablemente el lanzamiento más progresivo en la discografía de la banda y por lo tanto debería escucharse más de una vez antes de calificarlo, no me gustó nada cuando lo escuché por primera vez pero creció en mí. y ahora lo considero como uno de los mejores álbumes de la banda. De modo que Sabbath ciertamente ha experimentado cambios y, a través de ellos, ha producido su primera obra maestra, todavía no es perfecta, debido a algunos problemas menores de ritmo y secuencia, pero en Sabbath Bloody Sabbath, la banda ha demostrado ampliamente que el metal puede ser colorido, diverso, melódico, pegadizo y conmovedor en igual medida sin sacrificar su esencia pesada. Escucha esencial, no sólo para los recién llegados a Sabbath, sino como algo que muy probablemente convertirá a aquellos que no están tan enamorados de los primeros álbumes de Sabbath o del heavy metal en general. Y a partir de ahí solo mejorarían...

BlackSabbath - Vol. 4. (Mes Black Sabbath)

 

Vol. 4, Black Sabbath

     En mayo de 1972 el grupo británico Black Sabbath se encierra en los Record Plant Studios de Los Angeles para grabar su cuarto álbum de estudio, Vol. 4. Este disco será el primero que no produzca Rodger Bain, recayendo tal tarea en el que era por entonces mánager del grupo, Patrick Meehan y en la propia banda. Pero quien realmente asumió prácticamente las tareas de producción fue el guitarista Tony Iommi. Sobre la producción del disco, Ozzy Osboune afirmaba: "Es el primer álbum que hemos producido nosotros mismos...  Anteriormente teníamos a Rodger Bain como productor, y aunque es muy bueno, realmente no sentía lo que estaba haciendo la banda. Fue una cuestión de comunicación. Esta vez lo hicimos con Patrick Meehan, nuestro mánager, y creo que todos estamos muy contentos... Fue genial trabajar en un estudio americano". El disco fue publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records. 

La grabación no estuvo exenta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran la sesiones de grabación. Sobre este asunto de las drogas, Ozzy en su biografía habla sobre las sesiones de grabación en Los Angeles: "A pesar de todos los problemas, musicalmente esas pocas semanas en Bel Air fueron las más fuertes que jamás hayamos tenido". También admitía: "Con el tiempo empezamos a preguntaros de dónde carajo venía toda la coca... esa coca era la sustancia más blanca, más pura y más fuerte que jamás puedas imaginar. Una inhalación y eras el rey del universo". Ozzy tambén relata la constante preocupación y ansiedad por la posibilidad de ser arrestados por este asunto en Estados Unidos, y que empeoró a raíz de ver la banda en el cine la película The French Connection (1971), sobre policías encubiertos en la ciudad de Nueva York que desmantelaban una red internacional de contrabando de heroína. Ozzy recordaba: "Cuando llegaron los créditos estaba hiperventilando". Geezer Butler también afirmaba que no fue consciente del problema que tenían hasta que llegó a casa y la chica con la que estaba no le reconoció.

La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantada haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Mcmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco llegó a alcanzar en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, mientras que la letra corrió a cargo del bajista Geezer Butler.

Este disco tiene su importancia, pues muestra un cambio, una evolución en el sonido de Black Sabbath, alejándose del enfoque puramente oscuro y pesado de sus primeros discos. El disco comienza con Wheels of confusion, tema que comienza con un riff poderoso y complejo que muestra ya desde el inicio la habilidad y maestría musical de la banda. La canción nos introduce en la vorágine de estar perdido entre las ruedas de la confusión, que es la forma en la que alguna vez nos hemos encontrado en la vida, perdidos sin rumbo. Tomorrow's Dream es una canción con rápido ritmo con el distintivo estilo de Iommi donde podemos apreciar el caracter potente y pesado de la banda, acompañado por la melancólica letra que canta Ozzy. Aunque el disco conserva el característico estilo pesado del grupo, en alguna canción se abren y muestran su lado más sensible, como en Changes, una balada de piano con mellotron. La canción se inspiró en la ruptura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de la mansión de Bel Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso la canción. Según Ozzy: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas desgarradoras letras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". La canción es toda una rareza en la obra del grupo, pues no incluye ni guitarra ni batería. Fx es una breve canción instrumental que consta de ruídos de eco del crucifijo que Tony Iommi lleva al cuello, golpeando su guitarra con efectos de eco adicionales. La canción surgió de forma espontánea, pues después de fumar hachís, el crucifijo que llevaba al cuello Tony Iommi empezó a golpear accidentalmente las cuerdas de su guitarra, y los demás miembros del grupo se interesaron por aquel extraño ruido. Tony definía esta canción como "Una broma total". Cierra la cara A Supernaut, canción que contiene unas crípticas letras que nos hablan del escapismo añadiéndole un toque de fantasía, y un poderoso riff de guitarra de Iommi, que no deja indiferente, pues el músico Beck Hansen ha catalogado este riff como su favorito de todos los tiempos. No solo a él le parece prodigioso, pues tanto John Bonham como el mismísimo Frank Zappa también lo nombran como uno de sus temas favoritos de siempre.

Snowblind abre la cara B, que es una clara referencia de la banda a la cocaína, la droga que consumían por aquel entonces. En las notas el grupo hace un juego de palabras de agradecimiento a "la gran COKE-cola Company", otra clara alusión a dicha sustancia. La banda quería que este tema fuera el título del álbum, pero la compañía discográfica se negó por razones obvias. Según Ozzy: "Snowblind fue uno de los mejores álbumes de Black Sabbath, aunque la compañía no nos permitió conservar el título... Porque en aquellos días la cocaína era un gran problema y no querían la molestia de una controversia". En esta canción colabora una orquesta en su grabación. Cornucopia es otra canción pesada con un pesado ritmo y con un excelente trabajo de Iommi con la distorsión de la guitarra. Es otro de los temas donde permanece intacto el característico estilo pesado del grupo. En Laguna Sunrise  el grupo muestra su evolución de sonido, un evocador instrumental de corte neoclásico. Después de estar despierto toda la noche y contemplar el amanecer en Laguna Beach, Tony Iommi compuso la canción. En el estudio, una orquesta acompaño al guitarrista, aunque dicha orquesta se negó a actuar hasta que sus partes estuvieran escritas adecuadamente. Es la misma orquesta que colaboró en Snowblind. El disco acaba con dos temas, la corta y enérgica St. Vitus' Dance, que muestra la versatilidad de la banda, y Under the Sun, que cierra el álbum con un poderoso riff mientras Ozzy nos habla de la inevitabilidad del cambio, un cambio que ni ellos mismos habían podido evitar al concebir este disco.

Vol. 4 muestra una firme evolución del grupo pero sin perder de vista su esencia, y además de estar considerado como uno del los discos clásicos del grupo, se convirtió en una clara influencia para infinidad de bandas de heavy metal que fueron surgiendo con posterioridad.