Mostrando entradas con la etiqueta The Velvet Underground. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta The Velvet Underground. Mostrar todas las entradas

viernes, 27 de octubre de 2023

1030.- Paris 1919 - John Cale



"Paris 1919", incluida en el disco del mismo nombre publicado en 1973, es una de las canciones más relevantes de la carrera del músico, compositor y productor galés John Cale, conocido especialmente por formar parte de la mítica banda The Velvet Underground junto a Lou Reed, y por una más que interesante y prolífica carrera en solitario, que nada tiene que envidiar a la de su famoso compañero de banda.

El título de la canción evoca la elegancia y el glamour de los años veinte en la mágica ciudad francesa, y su contenido intenta también plasmar la musicalidad romántica y melancólica de aquella época de sofisticación y esplendor, consiguiéndolo a través de su exquisita melodía y sus elaborados arreglos orquestales de cuerdas y vientos, todo ello comandado por la elegancia del piano como instrumento clave y principal junto a la voz profunda y melancólica de John Cale

La letra es poética y enigmática, y ajena a una narrativa lineal, logrando generar en el oyente una sucesión de imágenes mentales de poderosa belleza y abstracción ("Calles doradas...", "Sangre en el ojo de un faisán..."), que permiten que quién la escuche pueda darle su propia interpretación. Así, algunos críticos vieron en ella una nostálgica reflexión sobre la pérdida de la inocencia, mientras que otros la consideran una oda al romanticismo y la belleza de tiempos pasados. Sea como fuere, lo que no es discutible es que "Paris 1919" es ya un clásico atemporal del repertorio de John Cale.

martes, 24 de octubre de 2023

1027.- Little Jack - The Velvet Underground

 

Little Jack, The Velvet Underground


     

     Squeeze es el quinto y último álbum de estudio de The Velvet Unerground. Este útlimo trabajo es grabado durante el otoño de 1971 en Londres, y publicado en febrero de 1973 por la compañía discográfica Polydor Records. El disco presenta a Doug Yule en la formación, quien se había unido al grupo en octubre de 1968 antes de que el grupo grabara su tercer álbum homónimo. Yule tras ls salidas de los miembros fundadores Lou Reed y Sterling Morrison, se posicionó como líder del la banda y grabó este disco con los músicos adicionales Malcolm (saxofón) e Ian Paice (batería). Tras una breve gira promocional del disco acompañado de músicos de acompañamiento, Yule decidió poner fín al grupo. El grupo volvería a aparecer en una reunión en el año 1993.

Aunque este último trabajo está considerado como uno de los trabajos menos influyentes de la banda, contiene alguna que otra notable canción, como Little jack, la canción de apertura que con un alegre ritmo nos relata la historia de un niño llamado Jack, quien ha tenido una difícil infancia, siendo ignorado hasta por su madre. A medida que crece, decide no tener ningún tipo de familiay vivir de forma libre e independiente. Squeeze es a menudo considerado como un desastre oportunista, un equivocado y descarado intento de continuar con el legendario sonido de la era Reed. Esto es así porque quizás no se han detenido a escuchar detenidamente el disco, pues tiene algunos destacables temas además de Little jack, y muestra una fase diferente y evolucionada, que puede se acertada o no, de The Velvet Underground después de la marcha de Lou Reed. Y es precisamente ese intento de evolucionar y de hacer algo diferente lo que hay que valorar en su justa medida.

jueves, 9 de febrero de 2023

0770.- Oh! Sweet Nuthin - The Velvet Undreground



 "Oh! Sweet Nuthin" es la canción final de  Loaded , el último álbum importante de Velvet Underground. La cancion habla de las historias de los descontentos, el pobre Jimmy Brown, el vagabundo y deprimido Ginger Brown, su compañera de la calle Polly May y la pobre Joanna Love, que se encuentran en un flujo interminable de relaciones fallidas. Entre eso y el estribillo de "Oh, sweet nuthin'/She ain't got nothing' at all", pensarías que esta es una canción miserable, una para escuchar cuando buscas esa última pizca de motivación. para cortarte las venas. Ese sería el enfoque fácil. Más bien, "Oh! Sweet Nuthin'" es una afirmación increíblemente vital, especialmente en la sección final donde el baterista Doug Yule  reemplaza a Moe Tucker que estaba de baja por maternidad, las guitarras crecen y la percusión continúa golpeando y se construye hasta que finalmente se resuelve en una repetición de "Ella no tiene nada en absoluto", que se siente como una recompensa en lugar de un lamento. ¿Quién dice que no se puede hacer algo de la nada?

La canción se abre con un ritmo increíblemente relajado de la guitarra y un simple golpe de batería detrás, junto con algunos sutiles rellenos del bajo, la cancion decide quedarse en ese sonido increíblemente relajado y relajado a lo largo de los dos primeros versos y coros, un sonido al que le viene perfectamente a Reed, afortunadamente, Reed recupera un poco su energía a lo largo del segundo coro, al menos ofrece algún tipo de contraste. Después del segundo coro, la banda se lanza a una sección instrumental que presenta una guitarra principal junto con algunos buenos rellenos de bajo antes de que Reed regrese con otra sección vocal. Algo que debo mencionar sobre esta pista es que la canción es significativamente más larga que la típica de Velvet (Mientras que la mayoría de las canciones de la banda duran unos cuatro o cinco minutos, esta canción dura siete y medio), así que espero que la banda cambie durante la segunda mitad de la cancion, pero desafortunadamente, la banda no altera mucho el sonido de la pista durante la segunda mitad, aunque le inyecta un poco mas de energía que la primera. Además, en esta mitad aparece otro solo de guitarra solista que es mucho más impulsivo que el primero, toda la instrumentación parece conducir mucho más durante la mayor parte de esta segunda mitad en comparación con la primera, pero aun así me hubiera gustado que la banda posiblemente hubiera explorado más en lugar de simplemente alterar ligeramente lo que establecieron en la primera mitad. Sin embargo, todavía encuentro que esta pista es bastante buena y agradable, aunque creo que podrían haberla reducido unos minutos.


miércoles, 8 de febrero de 2023

0769.- Rock and Roll - The Velvet Underground



"Rock 'n' Roll", escrita por Lou Reed e incluida en el disco Loaded (1970) de The Velvet Underground, relata el nacimiento del rock and roll, a través de la historia de Jenny, una niña a la que el rock and roll le acaba salvando la vida. Lou Reed se refirió después a "Rock 'n' Roll" como una canción que hablaba realmente sobre él mismo: "Si no hubiera escuchado rock and roll en la radio, no habría tenido idea de que había vida en este planeta".

La canción también aparece en The Velvet Underground Live (1969) y posteriormente en el disco en directo "Rock 'n' Roll Animal" (1974) de Lou Reed en solitario, en una generosa versión de diez minutos de duración. El título del disco es quizá un guiño a la canción y a su importancia tanto en el disco como en el cancionero del artista neoyorquino, y la banda aborda el tema con una intensidad particularmente salvaje, como corresponde a una canción que es como una bestia oscura que arrasara con todo lo que se encontrara a su paso, un auténtico Animal del Rock and Roll.

martes, 7 de febrero de 2023

0768.- Sweet Jane - The velvet Underground


Sweet Jane es una canción de la banda de rock estadounidense Velvet Underground; aparece en su cuarto álbum de estudio Loaded (1970). La canción fue escrita por Lou Reed, el líder de la banda, quien continuó incorporando la canción en presentaciones en vivo como solista.

Hay dos versiones distintas de Sweet Jane con variaciones menores, repartidas en sus primeros cuatro lanzamientos. 
El primer lanzamiento de la canción en el mes de noviembre de 1970 fue una versión grabada a principios de ese año e incluida en el álbum Loaded. En mayo de 1972, una versión en vivo grabada en agosto de 1970 apareció en Live at Max's Kansas City de Velvet Underground; versión diferente a él  lanzamiento del álbum Loaded.

En febrero de 1974, apareció una versión en vivo grabada en diciembre de 1973 en Rock 'n' Roll Animal de Reed. Con una elaborada introducción de guitarras gemelas en la versión Rock 'n' Roll Animal fue escrita por Steve Hunter e interpretada por Hunter y Dick Wagner, dos guitarristas de Detroit que luego tocarían con Alice Cooper. Cash Box dijo que "este rockero pesado" tiene una "producción sólida y un buen gancho", así como una "guitarra principal impresionante y la voz inimitable de Lou".

En septiembre de 1974, una versión en vivo de tiempo lento grabada a fines de 1969 se incluyó en 1969: The Velvet Underground Live, con una estructura de canción y letras diferentes. Cuando una versión restaurada del lanzamiento original en Loaded finalmente se presentó en Peel Slowly and See en 1995, resultó que algunas de las letras de 1969 también se había incluido originalmente en la versión Loaded, pero se eliminó en la edición final.

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 2 de septiembre de 2022

Disco de la semana 291: White Light/White Heat - The Velvet Underground




Las decepcionantes ventas de su primer disco, el gran The Velvet Underground and Nico, el nulo interés de la prensa y la necesidad de generar ingresos (los integrantes de la banda vivían prácticamente en la pobreza) dieron al traste con su relación laboral-artística con Andy Warhol, el enfoque musical del grupo evolucionó hacia la rabia pura, el caos controlado. Este primer disco es historia por haber generado una cantidad increíble de rasgos estilísticos, desde los golpes de batería aporreadores y obsesivos (que luego se convertirán en la columna vertebral del punk y el post-punk), hasta las modulaciones mántricas indias, desde influencias de formatos de canciones tradicionales de varias metrópolis. , hasta ser casi totalmente el inventor de géneros como el dream pop, el indie rock, el art rock, el rock alternativo, y el iniciador de una larga y gloriosa serie de estrellas y actos maravillosos de "soft" rock. White Light/White Heat es, en cambio, su contraparte infernal, a la que se atribuye la completa invención del punk y el noise rock, fundamentales también para el desarrollo del no wave, new wave, metal, rock industrial e industrial; pero sobre todo, le regala a la música rock dos cajas de Pandora, dos tesoros ocultos que, una vez abiertos, han marcado el rostro de la música rock para siempre. El primero es su espíritu: rebelde, diabólico, pura apoteosis del caos con sus temas de sexo, drogas y compulsiones inconscientes, el espíritu caótico y fuertemente expresionista que dominará, con los años, el alma del rock, desde Stooges hasta Judas Priest , desde Led Zepelín a Contorsiones , de Desenrollado aThrobbing Gristle ya Dead Kennedys . El rock como música politizada, el rock como música perversa, el rock como música de la contracultura y el rock como el arte de los debutantes, Durante las sesiones de grabacion de White Light / White Heat surgieron diferencias entre Reed y Cale, las cuales terminarían por desencadenar la partida del galés meses después. Un foco de tensiones constantes era la elección de las tomas para enlatar el máster, cada integrante luchaba por que se eligiera la toma en la que mejor había tocado. La portada del álbum no se quedaba atrás con respeto al espíritu sórdido de su música, en base a la idea (no acreditada) de Andy Warhol de usar una imagen en negro sobre fondo negro, utilizaron la fotografía de un tatuaje de una calavera. Este tatuaje era de Joe Spencer (uno de los «actores» de Warhol). Es realmente difícil distinguir el tatuaje, lo cual le dio un aura de misterio a una portada considerada mítica.


El lanzamiento de White Light/White Heat, el 30 de enero de 1968, no se diferenció casi en nada con el del primer álbum. Peor aun, fueron directamente satanizados por parte de la crítica, y su sello discográfico, haciendo nuevamente de las suyas, directamente se olvidó por completo de cualquier tipo de promoción o distribución. Sólo llegó al puesto 199 en el Billboard. Sin embargo, White Light/White Heat con el tiempo adquirió el estatus de clásico absoluto, siendo una fuente de inspiración directa para el punk y el rock experimental. Es un álbum que hizo historia y a fecha actual sigue sonando rabiosamente actual.... empezamos: White Light/White Heat es la puerta al infierno un clásico infernal y palpitante en apenas dos minutos y medio resumen todo lo que proponía el debut, los instrumentos marcan el compás al unísono, un estribillo lascivo cantado/recitado por un Reed bañado en gloria que esta perfectamente complementado perfectamente por un coro de respaldo, la forma en que los elementos individuales se compenetran es lo que hace de ella una joya, un ritmo simple y obsesivo en primer plano, los golpes marciales de platillos orquestales, convirtiendola en un hipnótico rock garaje fuera de tiempo, podrido y a la vez celestial. Conmovedores espejismos del hedonismo desatado, paraísos solemnes de la metanfetamina, el placer del sexo y las drogas como única libertad frente al dolor de la vida. En menos de tres minutos, The Velvet Underground junta y supera todas las canciones del primer álbum con respecto a la idea de un  uso persistente de la percusión. El tema que da título al album es, efectivamente, la cima de la perfección formal de White Light/White Heat , un álbum que se revela perfecto desde el primer tema, una de sus mayores obras maestras a pesar de su relativamente corta duración. The Gift en una pista estéreo, por la derecha encontramos la repetición interminable, catártica y neurótica, que nos da un ritmo pulsante que rebota en las cadencias elásticas de un bajo resonante, un compás que por sí solo podría ser incluso bailable, pero aquí acelera a través de tics psicopáticos y obsesiones enloquecidas, comprimida por mil desasosiegos, por mil turbulencias inconscientes y repelentes, este ritmo es acompañado por una larga improvisación de guitarra, bajo y distorsiones letales que continuamente inyectan venenos tóxicos, escupen amenazadoramente con silbidos paranoicos, se encierran en ruidos podridos que se derrumban sobre sí mismos sin cesar. La parte instrumental de The Gift es uno de los intentos mejor conseguidos de la historia (no sólo de los años sesenta) de llevar unas estructuras vanguardistas al formato rock, es una revolución desproporcionada musicalmente, por las implicaciones de utilizar técnicas de vanguardia con tanta soltura. Por la izquierda encontramos un recitado informal de Cale, que hace el papel de un narrador aburrido y descuidado en una historia de decadencia moral y frustración sexual que se sumerge en el psicoanálisis freudiano, un lúcido sueño del absurdo, cinematográfico y profundamente psicológico. La narración se refiere a Waldo Jeffers, un joven enamorado que tiene una angustiosa relación a larga distancia con su novia de la universidad , Marsha Bronson. Después de que terminan sus períodos escolares, Waldo regresa a su ciudad natal de Locust, Pensilvania donde se vuelve cada vez más paranoico preocupado de que Marsha no le sea fiel como prometió, teme constantemente que ella se involucre en relaciones sexuales solo por placer. Al carecer del dinero necesario para visitarla en Wisconsin , inventa un plan para enviarse a ella por correo en una gran caja de cartón, esperando que sea una grata sorpresa para Marsha, el plan lo ejecuta un viernes, se mete en una caja y se envía el viernes. El lunes siguiente, Marsha tiene una conversación con su amiga Sheila Klein sobre Bill, un hombre con el que Marsha se acostó la noche anterior, cuando el paquete llega a la puerta, las dos luchan por abrir la caja mientras Waldo espera emocionado adentro, incapaces de abrir la caja por otros medios y frustrada, Marsha recupera un cortador de chapa de su sótano y se lo da a Sheila, quien introduce violenta y directamente a través de la caja y………


Lady Godiva's Operation es una meditación india con un ritmo repetitivo vagamente oriental, sobre el cual giran las retroalimentaciones distorsionadas torpes de Reed, Cale y Morrison, un réquiem desolado y nostálgico,  cubierta de desechos, de tonos de guitarra debilitados antinaturalmente y de cacofonías enfermizas. Al contrario de la densa y oscura The Gift, esta cancion es mucho más onírica, a veces incluso onírica, una especie de la psicodelia, que en vez de pintar fantasías que se acolchan con colores, refleja con crudo realismo una escenario que es gris, pastoso, sórdido como una habitación de hospital. El tema es igualmente relevante: Reed canta los pensamientos de ansiedad y nostalgia, de melancolía y de esperanza de una mujer trans en una operación que durante toda la canción parece ser una cirugía de cambio de género, pero al final se revela como una lobotomía. En 1968, este fue un acto inedito de crítica social. Nada que ver con el disco tiene Here She Comes Now (cuyo título hace referencia a un orgasmo), una elegante y tierna miniatura de pop rock mágico y embrujado, una estampa melancólica e hipnótica que lleva a la perfección la sensación de trance onírico de Femme Fatale, en su haber, una sensación latente de peligro inminente, escondida tras el hipnótico beat de Maureen Tucker, el tono oscuro y ominoso del canto mántrico y el giro casi cursi de las guitarras, que regularmente se hunden en repetitivas, rasgueos ligeramente distorsionados, como si presagiaran una explosión que nunca llega.


Completamente al otro lado del espectro encontramos I Heard Her Call My Name, desenfrenado sobre un ritmo pesado y obsesivo y desgarrado por solos de guitarra distorsionados electrónicamente, un torrente de silbidos ensordecedores, de convulsiones chirriantes en medio de arcadas violentas, estallantes, que escupen ácido en todas direcciones, apoyado por el pulso corporal de los tambores, primitivos y psicóticos. Reed a veces entra en escena, contando la historia de un ataque de esquizofrenia con un par de estribillos heroicos, pero el verdadero protagonista de la canción es Cale, torturador despiadado y cirujano de la cacofonía, que disecciona enfermizamente la forma del "canto" como un buitre sobre su presa, como un caníbal que hunde los dientes y arranca y arranca la epidermis del cadáver de su botín, mostrando la piel viva. Por primera vez se cuentan, sin filtros, las historias de heroinómanos, de proletarios, de esquizofrénicos y marginados, de marginados sociales que luchan día a día por sobrevivir en la selva metropolitana. Angustias psicoanalíticas y sobredosis de libido sexual, deformaciones del yo y turbulencias freudianas se mezclan en un viaje desconectado y podrido en los rincones más inconfesables del subconsciente humano. El origen del "lado oscuro" del rock. Y si fuera poco lo expresado hasta ahora, hacemos un punto y aparte, cerramos los ojos, abrimos la mente y nos entregamos a algo que esta por encima de un album, preparados, os esperamos despues de los puntos suspensivos…….


Por mucho que estas canciones hasta ahora mencionadas sean revolucionarias, atrevidas y brillantes, por mucho que estén perfectamente construidas e impecables tanto en la teoría como en la práctica, por mucho que un disco formado por sólo estos 5 temas ya hubiera sido una inmensa obra maestra, todo palidece y todo desaparece frente a la infinita majestuosidad de la mayor composición de todo el movimiento rockero y de todos los tiempos, la suprema y definitiva obra maestra de toda la música, los 17 minutos y medio de locura sobrenatural que se conocen con el nombre, grabados en la piedra de historia del arte, como Sister Ray. Velvet Underground, da un salto prodigioso que basta para llevar este disco a cotas de calidad y perfección inimaginables y nos entrega una larga orgía de forma libre que es también el manifiesto último de la música como estruendo y ruido, una improvisación que viene directamente de las profundidades más negras del infierno, con todos los instrumentos preparados para dañar y desgarrar el tejido armónico con tanta violencia como sea posible: las desafinaciones monumentales de múltiples guitarras que chocan y se comen, el órgano distorsionado que pulsa como un meteoro enloquecido, el ritmo apremiante y abrumador , los zumbidos aulladores y colosales y las convulsiones psicóticas que constantemente parecen a punto de estallar, juntos forman un terrible terremoto musical cuyo poder es inhumano, el himno más extremo a la locura humana, a la inmoralidad, al hedonismo, a los instintos animales. Con un estribillo triunfal bestialmente gritado, los versos, cada vez más obscenos y vulgares, se desintegran en triangulaciones bestiales provenientes del free jazz, víctima y presa de una cacofonía extrema e inigualable, cuando Reed no está ocupado vomitando blasfemias la escena pasa a testarudos minimalismos de puntos, de toques de colores demacrados, aterrorizados y paralizados ante este inmenso horror cósmico, alucinación mística víctima de las pesadillas progresivamente más negras y progresivamente más abstractas regurgitadas por la cornucopia de signos sesgados y solemnes, apenas insinuados en la sobrecogedora y chamánica , vórtice monumental y catastrófico de distorsiones abominables, una delicada pintura abstracta en el estruendo ensordecedor de tan luciferina desintegración. Reed se eleva sobre tal caos enloquecido, presa de alucinaciones demoníacas y convulsiones maníacas, que grita histéricamente y proféticamente el destino final del hombre, un Día del Juicio espiritual a través de la parábola paradójica de una orgía donde los asistentes se inyectan heroína y son presa de su efectos, matar a algunos de los invitados. La hermana Ray , la anfitriona, interviene solo para advertir a los asesinos que mancharon su alfombra con sangre, y cuando la policía aparece para arrestar a todos, los personajes se niegan porque están "demasiado ocupados chupando un ding-dong", una farsa del absurdo donde es descarada la crítica social vitriólica de su sátira. Un Apocalipsis moral donde no hay distinción entre hombre y animal, donde se disgrega la frontera entre nuestro cuerpo y el resto del universo, donde se anula la naturaleza más alta y noble de la razón humana, favoreciendo todo lo superficial, primitivo, instintivo, y como tal, la concreción final de todo lo que la naturaleza humana quiere : sexo y muerte, aquí elevados a propósitos trascendentes. Lo divino se busca en lo humano y, peor aún, en lo infrahumano. Al hacerlo, Sister Ray se eleva a la representación terminal de la locura y, más en general, al manifiesto definitivo de toda condición humana.


Acabamos de disfrutar de uno de los álbumes más dramáticos, si no el más dramático, de todos los tiempos, el más inventivo, el más destructivo y caótico, el más conceptualmente cargado y uno de los más importantes de todos los tiempos. Uno de los mayores de este arte a la humanidad. Porque como siempre, el verdadero arte está en la destrucción del arte. Es perfectamente razonable concluir que, muy simplemente,White Light/White Heat es la obra más alta, sagrada y fundamental de la música en su conjunto.


sábado, 25 de junio de 2022

0541 - Pale Blue Eyes - The Velvet Underground

0541 - Pale Blue Eyes - The Velvet Underground

Pale Blue Eyes es una canción de la banda de rock alternativo. The Velvet Underground. 

Actualmente es una de sus canciones más populares, aunque nunca fue lanzada como un sencillo oficial para el álbum The Velvet Underground 

Dentro de los artistas que han versionado esta canción están 
Patti Smith interpretó la canción en vivo desde la década de 1960 hasta la década de 1970.
Edwyn Collins grabó la canción con Paul Quinn y la lanzó como sencillo en 1984.
REM. hizo una versión de la canción para la cara B del sencillo de "So. Central Rain", lanzado en 1984 y recopilado en su álbum Dead Letter Office de 1987 . 
Marisa Monte tiene una versión de la canción en su álbum de 1994 Verde, Anil, Amarelo, Cor de Rosa e Carvão (también conocido como Rose and Charcoal).
Hole hizo una versión de la canción en vivo en el Whiskey a Go Go en febrero de 1992, y la líder Courtney Love la presentó como "la nueva ola original".  La versión de Hole incluía versos alterados líricamente pero retuvo la letra del coro y la progresión de acordes.  La grabación finalmente terminó en el primer EP de la banda, Ask for It (1995).
Alejandro Escovedo incluye una versión en vivo de la canción, a dúo con Kelly Hogan, en su lanzamiento de 1999 Bourbonitis Blues.
Counting Crows hizo una versión de la canción varias veces en shows en vivo en 2003 y más tarde.
The Kills grabaron la canción en 2010 y la lanzaron como cara B a principios de 2012. 

Sin muchos los artistas que han hecho  un cover algunos de ellos muy famosos otros no tanto, pero marca lo importante que es esta canción en la historia del rock.

Pale Blue Eyes se escribió sobre alguien cuyos ojos eran color avellana, como señala Reed en su libro Between Thought and Expression. Se dice que la canción se inspiró en Shelley Albin, el primer amor de Reed, que en ese momento estaba casada con otro hombre.

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 24 de junio de 2022

0540.- After hours - The Velvet Underground

 


Septiembre de 1968, Lou Reed acaba de informarles a Moe Tucker y Sterling Morrison que John Cale está fuera de la banda, tratan de persuadirlo, pero Reed lanza un ultimátum: se va Cale o es el fin para The Velvet Underground. A regañadientes y ese mismo mes, poco tiempo después de su último concierto con The Velvets en el Boston Tea Party, Morrison le informa a John Cale que está despedido. El lugar de Cale lo ocupó Doug Yule de la banda The Grass Menagerie, inicialmente en el bajo y el órgano, así iniciaron las sesiones para grabar su tercer álbum en los TTG Studios en Hollywood, California, durante noviembre y diciembre de 1968, bajo la producción de la banda. Puede que este no sea el álbum más importante o revolucionario de The Velvet Underground, pero sin duda es igualmente de interesante, lo primera razos es que aquí tenemos un álbum completamente distinto y diferente a lo que nos habían netregado hasta este momento, quizás el álbum donde se mueven por mas estilos diferente, y donde demostraron que podían sonar tan bien en tempos más bajos y volúmenes más suaves de como lo hicieron en los volúmenes ensordecedores en The Velvet Underground & Nico y White Light/White Heat ocasión perfecta para ver como los siempre experimentales giran a un sonido más pop, con este cambio tan radical podrías pensar que la banda se perdería y fracasaría en el viaje, pero todo lo hacen perfecto mantienen el tono melancólico de los álbumes anteriores, al mismo tiempo que crea un sonido que es mucho más accesible, una apuesta arriesgada que da como frutos un sonido agradable que también tiene sus momentos de belleza.

 

"After Hours" es una de las tres canciones de Velvet Underground que canta la baterista Maureen "Moe" Tucker, las otras dos son "The Murder Mystery" y "I'm Sticking with You". Lou Reed eligió que Tucker la cantara porque era "inocente y pura" perfecta para la personalidad y la voz de Tucker, esta elección, ya sea intencional o por casualidad, dio origen a una canción muy querida por los seguidores de Velvet ya que estamos ante una pieza casi única en el catálogo de la banda. Tucker suena un poco vacilante, incluso un puede parecer nerviosa a lo largo de su actuación. Sin embargo, este ligero temblor queda perfecto en la canción, ya que "After Hours" se trata de una persona encerrada en su casa que mira con envidia el mundo exterior nocturno y desea poder participar en él. Esta situación con la visión de cualquier otra banda probablemente se convertiría en un homenaje a la vida nocturna y fiestas, pero esta canción va un nivel más allá, la cantante ve a la gente bailar y "divertirse tanto", pero se da cuenta que no forma parte de eso. Una de las partes más conmovedoras de la canción es cuando Tucker canta "Ojalá pudiera pasarme a mí", con una voz tan descontenta y absolutamente humana que reconocemos nuestros propios deseos y la manera en que ella siente envidia y deseos de esa vida nocturna, pero sin embargo no se atreve a unirse a ella.  Aunque Lou Reed escribió la letra, es difícil imaginar una interpretación más perfecta que la de Tucker, la convierte en una canción inocente y pura, y el hecho de que Tucker no estaba acostumbrada a cantar lo amplifica.

sábado, 19 de marzo de 2022

0443.- Here she comes - The Velvet Underground

 


La canción más corta del álbum White Light/White Heat es una pequeña delicatesen de poco más de dos minutos titulada Here She Comes Now, la interpretación y la mezcla de la canción se consideran simples y tradicionales, lo que la hace algo distinta de las otras canciones del álbum, todas las cuales contienen cierto grado de experimentación o vanguardia. elementos en términos de sonido, aunque había que romper moldes y el título hace referencia a un orgasmo, convirtiéndola en una elegante y tierna miniatura de pop rock mágico y embrujado, una estampa melancólica e hipnótica que lleva a la perfección la sensación de trance onírico, precursor directo de lo que luego harán los Velvet Undergroung en su tercer álbum. Sin embargo, no le falta ni un ápice de una sensación latente de peligro inminente, escondida tras el hipnótico beat de Maureen Tucker, el tono oscuro y ominoso del canto mántrico y el giro casi cursi de las guitarras, que regularmente se hunden en repetitivas, rasgueos ligeramente distorsionados, como si presagiaran una explosión rumorística que nunca llega. Heres he comes es sin duda una de las pistas más bellas de White Light/White Heat, dotada de una instrumentación como delicada y en un señorío acústico excelente, es algo espectacular detenerse en los sonidos porque la guitarra es muy delirante y la batería se suma a una hermosa atmósfera, la reverberación retardada le da a la canción un borde dulce y melancólico sobre el resto del álbum dejándonos como un mantra calmante que sirvió como un breve momento de descanso entre el ruido abrasador, una luz vacilante en la oscuridad agitada.

Lou Reed originalmente tenía la intención de que Nico cantara la canción, quien la había cantado en algunas ocasiones durante los eventos de Exploding Plastic Inevitable , sin embargo, su colaboración con el grupo había terminado antes de que comenzara la grabación de White Light/White Heat asi que Lou Reed decidió hacerse cargo de la voz de la canción

viernes, 18 de marzo de 2022

0442.- Sister Ray - The Velvet Underground

 

Sister Ray, The Velvet Underground


     Tras el mediocre resultado en las listas de ventas de The Velvet Underground & Nico, el álbum debut de The Velvet Underground, en 1967 la banda prescinde de los servicios del mánager de la misma, Andy Warhol, y posteriormente de la cantante Nico. A mediados de septiembre la banda se encierra en los Scepter Studios de Nueva York y en tan sólo unos días graba el material que compone su segundo disco de estudio, White Light/white Heat. El resultado es el disco con el sonido más crudo que la banda publicará en su carrera, conteniendo sonidos que van desde el rock experimental, pasando por el proto-punk y el art rock, hasta el noise rock (subgénero del rock alternativo que incorpora elementos de disonancia, guitarras distorsionadas y feedbacks a una estructura basada en otros subgéneros del rock como el rock alternativo, el punk y el metal). De hecho este disco está considerado como uno de los más saturados y distorsionados de la historia del rock.

Incluido en White Light/White Heat se encuentra el tema Sister Ray. Acreditada a Lou Reed, John Cale, Maureen Tucker y Sterling Morrison, y escrita la letra por Lou Reed, es un canción donde el vanguardismo se entremezcla con el punk rock, rock psicodélico y noise para regalarnos el tema más largo de álbum con casi 18 minutos de duración. El tema contiene más de 10 minutos de improvisaciones y fue grabado en una sola toma, aceptando la banda cualquier error que se cometiera durante la grabación. Curiosamente carece de bajo, John Cale, el bajista de la banda, toca el órgano en esta canción. La canción comienza de una forma convencional, con un riff de guitarra basado en el rock psicodélico y en la experimentación con sonidos del proto-punk, pro el tema de repente vira y se convierte en una larga improvisación llena de noise, sonidos propios del avant-garde (Vanguardismo), efectos de distorsión y feeedback, destacando el órgano de John Cale, el cual fue grabado utilizando un amplificador de guitarra distorsionado  para sacar su sonido. En cuanto a la letra, Lou Reed nos relata la historia de varios personajes, centrándose en Sister Ray. Una historia donde se entremezclan las drogas, la violencia, la homosexualidad y el travestismo, temáticas poco habituales, pero no para esta banda, pues ya las había tratado en su álbum debut. Sobre la letra, Lou Reed afirmaba que escribió "una historia que contiene ocho personajes, un tipo es asesinado y nadie hace nada. Una historia que escribió sobre una escena de total  libertinaje y decadencia. Pensaba en Sister Ray como una travesti traficante de heroína, una historia donde varios drag queens se llevan a varios marineros a su casa, les dan heroína y tienen una orgía que termina con la llegada de la policía".

jueves, 17 de marzo de 2022

0441.- White Light White Heat - The Velvet Underground



White Light/White Heat fue el single de lanzamiento del segundo disco de The Velvet Underground, que llevó además el título de la que era su canción estrella del momento. Grabada en los Scepter Studios de Manhattan, es junto a I'm Waiting for the Man un claro ejemplo de la música vanguardista que la Velvet Underground estaba realizando en aquella época, con un fuerte ritmo de piano de rock and roll pesado, acompañado de un bajo eléctrico distorsionado y de la oscura y pesarosa voz de Lou Reed.

La canción comparte además temática con Heroin, otro de los temas emblemáticos de la Velvet, pero dónde el mítico tema del disco The Velvet Underground & Nico reflejaba el proceso completo de un episodio de consumo de heroína, en White Light/White Heat se detallan las sensaciones producidas por el consumo de meta-anfetamina.

Lou Reed grabó una versión en solitario de este tema para su disco en vivo Rock 'n' Roll Animal de 1974, y son notables las versiones de The Raconteurs, Julian Casablancas, Metallica o David Bowie. Este último la adoptó de manera regular para sus conciertos desde las giras de Hunky DoryZiggy Stardust, llegando a publicarla como sencillo en 1983. En la celebración del 50 cumpleaños de Bowie en un concierto en el Madison Square Garden, Reed salió al escenario para interpretar a dúo Queen Bitch, I'm Waiting For The Man, Dirty Boulevard y, por supuesto, White Light/White Heat.

viernes, 17 de diciembre de 2021

0351: I'm waiting for the man - Velvet Underground

 

Estoy esperando a el hombre, tengo 26 dólares en la mano... Así comienza I'm Waiting for the Man, un intenso viaje en clave proto-punk y garage rock, hacia los infiernos del Harlem neoyorquino en busca de heroína. Escrita por Lou Reed, que comentó sobre la letra que "Todo acerca de esa canción es cierto, excepto el precio", podría interpretarse como una precuela de la mítica Heroin, incluida también en el disco The Velvet Underground & Nico.

Mientras que, hacia la mitad del disco, Heroin relata con pelos y señales la adicción del protagonista y el momento de "pegarse un chute", I'm Waiting for the Man suena casi al comienzo, describiendo la tensa espera de la compra de la droga entre la Avenida Lexington y la 125, sintiéndose "enfermo y sucio" y "más muerto que vivo", esperando a un camello que "nunca llega a tiempo, siempre llega tarde, lo primero que aprendes es que siempre tendrás que esperar".

Construida sobre un machacón ritmo de piano, bajo y guitarra, que ha sido copiado y versionado por toda una legión de músicos de diferentes generaciones, es una de las mejores canciones de la Velvet Underground. Su amigo David Bowie la llevó magistralmente a su terreno en directo, con la formación de los Spiders from Mars y en otras giras posteriores. Es también curioso escucharla en la voz suave y femenina de Vanessa Paradis en su disco de debut, producido por su entonces pareja Lenny Kravitz. Son solo algunos ejemplos de las múltiples visitas a la Avenida Lexington con la 125, para hacer suya una canción de incalculable valor. O quizá la consigas por solo 26 dólares, pero siempre te tocará esperar.

miércoles, 15 de diciembre de 2021

0349: Heroin - The Velvet Underground


Heroin es sin duda la obra maestra de Velvet Underground, siete minutos de pseudoespiritualismo, en los que un poeta entona la divinidad de su adicción, escuchas la canción y la sola experiencia es tan real e insoportable que quieres lanzarte a su cuello y salvarlo, pero a la vez quieres ser él. Pero no solo te descoloca la voz y letra de Lou Reed sino que también quieres meterte en la viola chillona que te taladra o en esa batería de Mo Tucker que no para de imitar los latidos del corazón. La canción se basa en la tensión entre un ritmo acelerado y los acordes de la guitarra que dan una descripción en tiempo real de un estado bajo los efectos de la droga. ¿Demoledor verdad?, estos tíos eran de otra pasta y están a otro nivel, mientras los Beatles cantaban que todo lo que necesitas es amor, Reed declaraba que todo lo que necesitaba eran drogas y redefinía cómo debería sonar el rock. El fracaso se veía venir, pero ellos fueron hasta el final, en serio alguien podía imaginar que canciones como ‘Heroin’ podían ser emitidas por las radios en 1967, los Beatles cantaban sobre amores que se acaban y lo más fuerte que llegaron a cantar los Rolling Stones fue ‘Sympathy for the Devil’. Y de repente sale un grupo que va y canta cosas como “Cuando estoy en mi carrera / siento que soy el hijo de Jesucristo”o “Heroína, sé mi muerte. Heroína, es mi esposa y es mi vida. Porque una dosis en mi vena conduce al centro de mi cabeza y entonces estoy mejor que muerto. Porque cuando el golpe comienza a fluir, realmente no me importa nada más”. Cada acorde, cada frase de Heroin deja a las claras las influencias que tuvo el álbum en la música rock, ¿Te has preguntado alguna vez cuándo el rock se obsesionó de manera tan nihilista y autodestructiva con los temas de las drogas y el sexo? Aunque sea simplificarlo es probablemente que comenzara con el debut de Velvet Underground. Lou Reed habló claramente sobre las drogas de una manera poco glamorosa con "I'm Waiting for the Man" y "Heroin". Aunque muchos artistas escribían sobre drogas y sexo antes de que Lou Reed llegara a la escena, el enfoque de Reed sobre el tema —no romántico, explícito y torturado— era realmente algo nuevo. Y aunque Heroin en muchas ocasiones nos la han vendido como una exaltación del decadente mundo de la droga, lo que contribuyó a una especie de libertad del uso de drogas como una parte esencial de la escena del rock en las décadas siguientes, la intención de Reed era realmente exponer lo que realmente es la droga, y el viaje que todos experimentamos indirectamente a través de Lou Reed en "Heroin" es desgarrador.

 

Si por algo se define a The Velvet Underground es por el sentido de experimentación de la banda, la cultura musical, la experiencia y el estilo de John Cale son en gran parte responsables, el caos chirriante que crea en el clímax de la canción prefiguran elementos comunes del rock artístico actual. Un "zumbido" es una nota sostenida, que se prolonga durante un minuto, durante toda la duración de una canción, o incluso durante horas y horas. Según la prensa, Brian Eno dijo que no mucha gente se compró el álbum The Velvet Underground & Nico, pero todos los que lo hicieron intentaron formar una banda de rock. El propio grupo de Eno de mediados de los 70, Roxy Music, fue influenciado directamente por el rock experimental de Cale en temas como "Heroin". Desde entonces, el sonido influenciado por Cale en Brian Eno lo ha convertido en un elemento básico del rock de arte ambiental.