Disco de la semana 385: Holy Diver - Dio

 

Holy Diver, Dio

     En la recomendación de esta semana nos vamos a detener en el álbum debut de uno de los grandes del metal, Ronnie James Dio, con su banda Dio. El álbum: Holy Diver. Dicho trabajo fue grabado en los Sound City Studios de California, bajo la producción del líder del grupo, Ronnie James Dio, y publicado el 25 de mayo de 1983 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Este primer disco de la banda está considerado como el mejor trabajo del grupo y uno de los clásicos y referentes del heavy metal. El disco fue aclamado por toda la crítica especializada, llegando a alcanzar la certificación de oro en Estados Unidos en septiembre de 1984 y la de platino en marzo de 1989. En Reino Unido tampoco le fue nada mal, alcanzando la certificación de plata en enero de 1986, al mismo tiempo que su siguiente álbum, The Last In Line.

El lanzamiento original en vinilo tenía una carátula de LP con un fotomontaje con imágenes del genial cantante Dio en sus días con Rainbow y Black Sabbath. La portada del álbum fue ilustrada por Randy Berret. En ella se veía a Murray, la mascota de la banda, una criatura demoníaca, tirando o azotando una cadena de metal rota, y un hombre con atuendo de sacerdote católico agitándose y chapoteando en el agua, envuelto y encadenado al otro extremo de la cadena rota. Sobre esta portada, Dio afirmaba que las apariencias podían engañar, ya que fácilmente podría tratarse de un sacerdote matando a un demonio. Con esto Dio quería decir que no había que juzgar un libro por su portada. La mascota Murray seguiría apareciendo en posteriores trabajos del grupo.

En la época en que se hizo el disco había crecido el interés y popularidad por las aventuras heroicas de la cultura popular, tales como El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien y los juegos de rol de Dungeons & Dragons. Durante su estancia de Black Sabbath, Ronnie James Dio había renovado y reformado la majestuosa fatalidad de los temas del grupo introduciendo conceptos como la locura y la desolación. La admiración de Dio por esta temática ya la había dejado patente en su banda ELF, donde había utilizado letras de fantasía inspirado por la obra literaria del escritor Sir Walter Scott. Sobre esto Dio llegó a afirmar en su juventud: "Cuando me convertí en compositor, pensé que no había mejor cosa que hacer algo que nadie más había hecho... contar cuentos de fantasía. Fue lo más inteligente que hice en mi vida". 

En cuanto al sonido de Holy Diver, presenta el característico sonido heavy metal con unas letras que abordan temas como el bien, el mal y la dualidad de la vida. Estamos ante un trabajo con una gran calidad y consistencia gracias a la suma de un excelente compositor y mejor cantante como Ronnie James Dio, y una selección de músicos de calidad. el baterista Vinny Appice, el bajista Jimmy Bain y el guitarrista Vivian Campbell. Comienza la cara A de este gran trabajo con Stand Up and Shout, una canción enérgica que abre el álbum con una gran fuerza y un vertiginoso ritmo. Le sigue la canción que titula el álbum, Holy Diver, uno de los grandes temas del álbum. En apariencia, la canción rata sobre Satanás y su descenso al infierno, sin embargo Dio advertía que hay mucho más y que el personaje principal no es realmente el Diablo, afirmando: "La canción trata realmente sobre una figura de Cristo, que en otro lugar, no en la Tierra, ha hecho exactamente lo mismo, que aparentemente hemos experimentado o se suponía que habíamos experimentado en la Tierra: morir por los pecados del hombre... entonces, en este otro planeta pasó lo mismo, y toda la gente de este planeta lo está llamando Santo Buceador porque está a punto de ir a otro mundo haciéndose matar para absolver a la gente de sus pecados". Continúa con Gypsy, una melódica balada donde Dio nos cuenta el relato de una misteriosa y mágica gitana. Caught in the Middle trata sobre el ingeniero de sonido Angelo Arcuri. Angelo era el ingeniero que trabajaba en el álbum Holy Diver, y a menudo solía recurrir a Dio cuando se le presentaba algún problema. A Dio se le ocurrió la canción una vez que Angelo se acercó durante uno de esos problemas que le surgían y le dijo que estaba "Atrapado en el medio de nuevo". La maravillosa Don't Talk to Strangers se encarga de cerrar la primera cara del álbum. Estamos, para mí, ante una de las grandes joyas del álbum, una balada con un tono oscuro donde Dio nos advierte de los peligros de confiar en extraños.

La cara B comienza con Straight Through the Heart, una rápida y agresiva canción con unos destacables solos de Campbell, que sirven de transición para Invisible, una canción que trata sobre uno mismo y de como lidiar con el trauma. la canción presenta a dos personajes antes de pasar a la primera persona y explicar los desafíos que el narrador ha atravesado en su viaje personal. Dio explicó que la canción trataba sobre tres personajes diferentes, y lo relataba así: "Un joven gay, una chica maltratada y yo. Quería escribirla desde el punto de vista de alguien que había sido herido psicológicamente, y eso fue lo que pasó en el caso del chico gay y la chica joven, siempre siendo maltratados, pateados y empujados por no ser lo que la gente espera que sean. Me incluí a mí mismo en la última parte porque he pasado toda mi vida en el escenario y he tenido muchos traumas. Sentí que merecía ser incluido en eso por lo que la mayoría de los músicos han tenido que pasar en sus vidas". Rainbow in the Dark es otro gran tema, una de las más populares de la banda. y es una gran metáfora sobre la depresión. En esta canción Dio se siente aislado y atrapado, incapaz de liberar el tremendo potencial que lleva dentro, como un arco iris en la oscuridad. Dio llegó a mencionar su etapa en Black Sabbath como inspiración para la letra; se sintió "sólo y rechazado" cuando dejó la banda. Luego formaría Dio junto al baterista Appice en 1983. Y cierra este brillante álbum Shame on the Night, una oscura y poderosa canción que nos habla sobre la redención.

Holy Diver es uno de los mejores álbumes de heavy metal que se hicieron en la década de los 80, siendo además uno de los puntos culminantes en la carrera de Ronnie James Dio. Rápidas e intensas guitarras de Vivian Campbell, el contundente y seguro sonido de la sección rítmica compuesta por el bajo de Jimmy Bain y la batería de Vinnie Appice, junto con la voz y las letras del maestro Ronnie James Dio se juntan y encastran a la perfección para reglarnos un momento épico y mágico.

1281.- C'mon and Love Me - Kiss

C'mon and Love Me, Kiss

Dressed to Kill es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado en febrero de 1975 en los Electric Lady Studios de Nueva York bajo la producción del propio grupo y de Neil Bogart, presidente de Casablanca Records, y publicado el 19 de marzo de 1975 por dicha compañía discográfica. El hecho de que el álbum fuera producido por la propia banda y por Neil Bogart fue porque, debido a la situación financiera de la compañía, Casablanca Records, no podían permitirse la contratación de un productor profesional.

Debido a la corta duración del álbum, las versiones originales del vinilo tenían largas pausas entre cada pista para hacer las caras más largas de lo que eran realmente. Cada cara duraba únicamente unos 15 minutos. La portada del álbum presentaba a los miembros en traje de negocios, pero el único que realmente tenía uno era el baterista Peter Criss. Los trajes usados por el resto de la banda eran propiedad del mánager Bill Aucoin. El álbum llegó a alcanzar el puesto 32 en la lista estadounidense Billboard 200, consiguiedo la certificación de disco de Oro en febrero de 1977. Fueron lanzados dos singles, Rock and Roll All Nite, y C'mon and Love, pero no consiguieron asentarse en las listas de ventas.

Nos vamos a centrar en uno de los dos temas mencionados anteriormente, C'mon and Love, que fue escrito en apenas una hora por Paul Stanley inspirándose e la canción "Question" del grupo The Moody Blues. La letra de la canción es una divertida narración que retrata a un "Don Juan" que adopta la singular táctica de ofrecerse a una romántica mujer. Esta divertida canción es un gran ejemplo de la combinación de rock y pop que utilizaba el grupo junto con unas letras sexualmente sugerentes.

La canción se convirtió en una de las favoritas de los fans y es habitual que sea tocada en sus directos. Paul Stanley afirmaba sobre la canción:  "Me encanta 'C'mon and Love Me'. Estaba hablando con alguien sobre cómo ser un mejor compositor, pero también puedes perder la esencia y la pureza de lo que te hizo al principio porque lo que hiciste desde el principio se basó en la libre asociación, simplemente purgándote y vendrían cosas geniales. 'C'mon 'N Love Me' fue escrito así. Fue muy autobiográfico y en gran medida un punto de vista del estilo de vida que estaba viviendo, pero no fue un estudio calculado. Realmente me gustó, todavía me gusta, el verso, el estribillo, todo. Esa es la primera vez que tocaba la guitarra solista en una canción de Kiss, ¡ese soy yo quien toca el papel principal al principio!".

1280.- That's the Way of the World - Earth, Wind & Fire

"That's the Way of the World" es la canción que da título al sexto disco de estudio de la banda estadounidense de soul y funk Earth, Wind & Fire, publicado en marzo de 1975 por la discográfica Columbia Records, y la banda sonora de la película "That's the Way of the World" estrenada ese mismo año.

El álbum llegó al primer puesto de la lista de Top Soul Albums y del Billboard 200 estadounidense, permaneciendo en lo más alto de estas listas durante 5 y 3 semanas, respectivamente, en buena parte gracias al éxito de la canción que le daba título, que publicada como single llegó al quinto puesto del Billboard Hot Soul Singles chart y al 12 del Hot 100 chart.

"That's the Way of the World" fue producida por Maurice White, líder de Earth, Wind & Fire, y escrita por él mismo junto a Charles Stepney y Verdine White. Elegante y sofisticada canción soul de casi seis minutos, este irresistible tema juega con ritmos cercanos a la bossa nova, suaves teclados y agradables guitarras rítmicas de estilo funk, consiguiendo una mezcla tan intensa como majestuosa, que mostró a muchos músicos posteriores el camino que el mundo de la música soul y funk debía seguir.

1279 - Invisible - Durazno Sangrando

1279 - Invisible - Durazno Sangrando

"Durazno Sangrando" es una canción del grupo de rock argentino Invisible, integrada por Luis Alberto Spinetta, Pomo Lorenzo y Machi Rufino. Esta pieza forma parte del álbum homónimo lanzado en 1975 y es una obra que ha dejado una marca significativa en la música argentina.

Luis Alberto Spinetta, líder de la banda, eligió esta canción para su interpretación en el famoso concierto Estrelicia MTV Unplugged en 1997. Durante este evento, Spinetta fue acompañado por los Socios del Desierto y otros músicos invitados, lo que permitió una reimaginación de la pieza original con nuevos arreglos y una frescura que solo una presentación en vivo puede ofrecer.

La canción "Durazno Sangrando" está profundamente inspirada por "El secreto de la flor de oro", un antiguo libro taoísta sobre meditación. Esta obra, traducida al alemán por Richard Wilhelm y enriquecida por el psicólogo Carl Jung, tuvo un impacto notable en Spinetta. Su interés por las filosofías y espiritualidades no occidentales le permitió escapar del eurocentrismo, agregando capas de significado y profundidad a su música.

A principios de 1976, Spinetta dedicó uno de sus conciertos a los "marginados y alienados del mundo", reflejando su sensibilidad hacia las realidades sociales y su deseo de conectar con aquellos que se sienten excluidos. Este gesto muestra su compromiso no solo con la música, sino también con las causas sociales y humanas.

Visualmente, el álbum "Durazno Sangrando" presenta una portada intrigante y simbólica. Spinetta describe que la imagen buscaba representar un rostro de manera abstracta, lo que resultó en una interpretación ambigua entre una brasa y un carozo. La contratapa es aún más evocadora, mostrando su brazo con un espejo y sangre azul, lo cual agrega una capa de misterio y poesía visual a la obra.

"Durazno Sangrando" es una canción que trasciende su época, fusionando música, filosofía y crítica social en una obra maestra que sigue resonando con fuerza en la cultura musical argentina. La profundidad de sus influencias y la dedicación de Spinetta a temas trascendentales hacen de esta canción un testimonio perdurable de su genio artístico.

Daniel 

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1278.- Only Women Bleed - Alice Cooper

 

El plato fuerte del álbum de debut en solitario de Alice Cooper "Welcome to My Nightmare" (1975), además del teatral rock de la canción que le daba título, fue sin duda la balada "Only Women Bleed", una canción que el guitarrista Dick Wagner había compuesto originalmente para su banda The Frost, pero que tras cambiarle el nombre y adaptar los textos originales al concepto del disco, acabó siendo el single de lanzamiento de "Welcome to my nightmare", el gran esfuerzo creativo de Alice Cooper por mostrarse al mundo desde el otro lado del espectro del terror, reflejando los miedos y sentimientos de los que sufren las pesadillas en lugar de los monstruos que las causan.

En "Welcome to my nightmare" el antaño depravado y necrófago sacrificador de pollos y serpientes se transforma en un alter ego infantil que vive aterrorizado por una extraña incapacidad para separar la realidad de las espeluznantes pesadillas que le abordan cada noche. Una de esas pesadillas recurrentes se refleja en la letra de "Only Women Bleed", criticada en su momento por frases consideradas machistas, obviando que lo que se estaba retratando en la canción era precisamente una pesadilla.

"Only Women Bleed" es en realidad una defensa de la mujer absolutamente pionera para los tiempos en los que fue creada, y la triste historia de una mujer que sufre y llora, atrapada en una relación violenta y abusiva, vista a través de los ojos del niño protagonista, se convirtió en la más icónica y a la vez polémica de las canciones de "Welcome to my nightmare". Como curiosidad, es la canción que Guns and Roses interpreta en todos sus conciertos como breve introducción a su mítica versión eléctrica y coral del "Knockin' on heaven's door" de Bob Dylan.

Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy - Elton John

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" de Elton John

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", lanzado en mayo de 1975, es una obra maestra autobiográfica que captura la esencia de Elton John y Bernie Taupin en su apogeo artístico. Este álbum, el noveno de la prolífica carrera de Elton John, no solo consolidó su estatus como uno de los músicos más influyentes de la década de 1970, sino que también ofreció una introspección profunda y sincera en la vida y la relación creativa del dúo.

El álbum se distingue por ser una narrativa cohesionada que relata el ascenso de Elton John (Captain Fantastic) y Bernie Taupin (the Brown Dirt Cowboy) desde sus humildes comienzos hasta alcanzar el estrellato. A diferencia de muchos álbumes conceptuales de la época, que a menudo se centraban en la ciencia ficción o en narrativas ficticias, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" es profundamente personal. Cada canción está impregnada de las luchas, los triunfos y las emociones reales del dúo, haciendo que el álbum sea tan íntimo como grandioso.

El álbum abre con la canción homónima, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", una pieza que establece el tono autobiográfico desde el principio. La letra de Taupin es un homenaje a su amistad con Elton John, narrando cómo trabajaron juntos en sus primeros años, enfrentando el rechazo y la incertidumbre. La música de Elton John, con su característico piano, captura la mezcla de nostalgia y esperanza.

"Tower of Babel" sigue con una crítica al sistema de la industria musical y las trampas del éxito. Esta canción presenta una de las actuaciones vocales más apasionadas de John, acompañada por una instrumentación rica y compleja. La frustración y el desencanto son palpables, mostrando una faceta más oscura del camino hacia la fama.

"Bitter Fingers" ofrece una mirada irónica a la vida de los compositores, destacando la presión de crear éxitos comerciales y la explotación por parte de las discográficas. La letra mordaz de Taupin y la interpretación melódica de Elton John se complementan perfectamente, creando una pieza que es tanto un comentario social como una declaración personal.

Uno de los puntos culminantes del álbum es "Someone Saved My Life Tonight". Esta canción es una confesión cruda y emocional sobre el intento de suicidio de Elton John y cómo un amigo intervino para salvarlo. La honestidad en la letra de Taupin y la desgarradora interpretación de John hacen de esta canción una de las más poderosas y emotivas de su carrera. La línea "Someone saved my life tonight, sugar bear" se convierte en un estribillo catártico que resuena profundamente con los oyentes.

En contraste, "Meal Ticket" ofrece una visión más cínica de la fama y la fortuna. La canción explora las dificultades de mantener la autenticidad en una industria que a menudo valora más el éxito comercial que el arte verdadero. La energía frenética de la música refleja la tensión y el conflicto descritos en la letra.

La producción del álbum estuvo a cargo de Gus Dudgeon, quien trabajó con John en muchos de sus álbumes anteriores. La producción es rica y detallada, con una instrumentación que incluye guitarras, pianos, cuerdas y percusiones, todo en perfecta armonía. Cada canción está meticulosamente arreglada, permitiendo que la voz y el piano de John brillen mientras se complementan con la letra de Taupin.

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" fue un éxito comercial inmediato, debutando en el número uno de la lista Billboard 200, una hazaña sin precedentes en ese momento. La crítica también fue en gran medida positiva, elogiando tanto la honestidad del álbum como su complejidad musical. Los críticos destacaron la capacidad de John para combinar elementos pop y rock con letras introspectivas y profundas, creando una obra que es tanto accesible como artística.

Con los años, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" ha sido reconocido no solo como uno de los mejores álbumes de Elton John, sino también como uno de los mejores álbumes conceptuales de todos los tiempos. Su influencia se puede ver en la forma en que los artistas contemporáneos abordan la autobiografía y la narrativa en sus trabajos. La honestidad y la vulnerabilidad demostradas por John y Taupin han resonado con generaciones de músicos y fanáticos.

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" es más que un álbum; es un viaje emocional y personal que captura la esencia de dos artistas en su lucha por el éxito y la identidad. Es una celebración de la amistad, la creatividad y la resiliencia, y sigue siendo un testimonio perdurable del talento y la visión de Elton John y Bernie Taupin.

Daniel 

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1277.- Welcome to my Nightmare - Alice Cooper

No sabemos si la separación de The Alice Cooper Band en 1974 fue una pesadilla para el propio Alice Cooper, pero parece claro que el otrora líder de la banda tenía mucho material onírico con el que jugar, porque su álbum de debut en solitario "Welcome to My Nightmare" ("Bienvenido a mi pesadilla"), publicado en 1975, fue toda una obra conceptual en torno a las diferentes pesadillas de un niño llamado Steven, que además vino acompañado de un programa de TV ("Alice Cooper: The Nightmare TV Special"), un tour a escala mundial y una película sobre la gira ("Welcome to My Nightmare concert film").

Alice Cooper quiso que la música de "Welcome to My Nightmare" tuviera, además de las habituales dosis de rock y hard rock, un mayor nivel de teatralidad que los discos de corte glam rock que había facturado con The Alice Cooper Band, y eso queda especialmente reflejado en la canción titular, un clásico del sonido Cooper al que le añade el toque teatralizado que tan bien caracterizará al álbum, en un gran esfuerzo creativo por hacer un disco diferente al tipo de música que le había hecho grande con The Alice Cooper Band.

El tiempo ha posicionado "Welcome to My Nightmare" como uno de sus mejores temas en solitario, y la espectacular gira promocional del disco es de las más recordadas de su carrera, aunque tuvo que superar momentos difíciles en los que la pesadilla a punto estuvo de volverse en su contra. A su paso por Australia, el ministro de Inmigración y Trabajo dijo que "No iba a permitir que un degenerado que pudiera influir poderosamente en los jóvenes y débiles mentales entrara en el país y montara ese tipo de exhibición". La respuesta de Alice Cooper, defendiendo la valía y la importancia de esta obra musical, visual y conceptual, fue simplemente brillante: "Nunca he hecho nada tan sangriento como El rey Lear o Macbeth, y eso se considera lectura obligatoria en todas las escuelas secundarias de Estados Unidos".

1276.- Take It To The Limit - Eagles

Randy Meisner escribió varias canciones para Eagles, pero "Take It To The Limit" es posiblemente su mejor trabajo, la nota alta de Meisner al final de la canción nunca deja de impresionar por muchas veces que escuches la canción, sin embargo, esta canción no fue sólo una exitosa coescritura para Meisner, sino que también causó discordia dentro de la banda. Un músico de gira lleva la vida al límite. Semanas y meses interminables viajando, actuaciones potentes cada noche y sueño limitado no son un ciclo que cualquiera pueda superar. Esa es la responsabilidad detrás de "Take It To The Limit" que se convirtió en el primer sencillo de Eagles en el que no aparecían Frey ni Henley como cantantes principales. Desafortunadamente, también se convirtió en el único en el que aparecía Meisner.

Hasta cierto punto, la canción fue víctima de su propio éxito: "Take It to the Limit" se convirtió en una de las canciones favoritas de los conciertos, y los fans se entusiasmaban con la voz imponente de Meisner, pero la relación de Meisner con la canción estaba cambiando y había comenzado a temer el momento en que se suponía que él debía brillar y ser protagonista. "Siempre fui un poco tímido", dijo Meisner más tarde a la revista Rolling Stone. "Querían que me parara en el medio del escenario para cantar 'Take It to the Limit', pero a mí me gustaba estar fuera del foco de atención". Todo llegó a un punto crítico en junio de 1977, cuando Eagles llegaron a Knoxville, Tennessee, Meisner estaba enfermo y se negó a cantar su canción. Eso llevó a una confrontación airada con Frey. "Hemos estado fuera durante un total de 11 meses y todo el mundo empezaba a sentir la tensión", le dijo Meisner al biógrafo Marc Eliot. "Mi úlcera estaba empezando a empeorar y también tuve un caso grave de gripe. Aun así, todos sonamos muy bien en el escenario, al público le encantó el espectáculo y nos llamaron para otro bis. "De ninguna manera", dije, “estaba demasiado enfermo y en general harto. Decidí que no volvería a salir". Según los partes Frey llamó a Meisner "maricón" y Meisner le golpeo, el daño ya estaba hecho. "Cuando terminó la gira, dejé la banda", dijo Meisner. "Esos últimos días en la carretera fueron los peores. Nadie hablaba conmigo ni se quedaba conmigo después de los conciertos ni hacía nada. Me convertí en un paria de la banda que había ayudado a fundar".

La canción “Take it To The Limit” comenzó como una canción simple, Randy Meisner comenzó a escribir la melodía como de costumbre, escribiendo algunas líneas después de una actuación de Eagles en el Troubadour. Luego, Glenn Frey y Don Henley se unieron al proceso de colaboración. "Yo escribía una o dos estrofas y listo", dijo Meisner en el documental The History of the Eagles, "y ellos me ayudaban a completar los espacios en blanco. "El verso llévalo al límite era para seguir intentándolo antes de llegar a un punto en tu vida en el que sientes que ya lo has hecho todo y lo has visto todo, una especie de sentimiento, ya sabes, parte de envejecer", dijo Meisner "Y simplemente llevarlo al límite una vez más, como todos los días, simplemente seguir intentándolo... Ese era el verso, y a partir de ahí la canción tomó un rumbo diferente". Las líneas más conmovedoras de la canción se encuentran al final de las estrofas: “Los sueños que he visto últimamente, siguen girando y ardiendo, y girando igual” y “Cuando no hay nada en lo que creer, aun así, regresas, regresas corriendo, regresas por más…” Estas frases por sí solas simbolizan gran parte de la vida de muchas personas. Corremos y corremos y aun así no podemos encontrar lo que buscamos

1275 - Roberta Flack - Feel Like Makin' Love

1276 - Roberta Flack - Feel Like Makin' Love

"Feel Like Makin' Love" es una de las composiciones de Roberta Flack, lanzada en 1974. Este tema no solo solidificó la reputación de Roberta Flack como una de las voces más distintivas del soul y el R&B, sino que también capturó de manera sublime la esencia del amor y la intimidad.

Desde la primera nota, la canción se caracteriza por una introducción suave y relajada, con un ritmo lento y una instrumentación minimalista. Este enfoque permite que la voz de Roberta Flack sea la protagonista indiscutible, destacando su habilidad para transmitir emoción y sensibilidad. La calidad aterciopelada de su voz, acompañada de susurros delicados, crea una atmósfera íntima que sumerge al oyente en un estado de serenidad y contemplación.

Las letras de "Feel Like Makin' Love" son un ejemplo perfecto de cómo expresar deseo y conexión emocional sin recurrir a lo explícito. Frases como "Strollin' in the park, watchin' winter turn to spring" evocan imágenes de momentos compartidos que son tanto simples como profundamente significativos. La canción no se centra en detalles gráficos, sino en la sensación de estar enamorado, utilizando metáforas naturales para sugerir renovación y esperanza.

La producción de Arif Mardin juega un papel crucial en la creación de esta atmósfera. Los arreglos instrumentales, que incluyen cuerdas sutiles y una línea de bajo suave, complementan la voz de Roberta Flack sin eclipsarla. Cada elemento instrumental está cuidadosamente colocado para reforzar el tono romántico y cálido de la canción, creando un paisaje sonoro que envuelve al oyente.

En el contexto de los años setenta, "Feel Like Makin' Love" se alinea con el resurgimiento del soul y el R&B, géneros que enfatizaban la expresión emocional y la destreza vocal. Sin embargo, la canción también trasciende su época, convirtiéndose en un clásico atemporal. Su capacidad para resonar emocionalmente con el público de diferentes generaciones es un testimonio de su calidad y la destreza artística de Roberta Flack.

El legado de esta canción es evidente en las numerosas versiones e interpretaciones que ha inspirado a lo largo de los años. La manera en que Roberta Flack conecta emocionalmente con su audiencia, combinada con su impecable técnica vocal, asegura que "Feel Like Makin' Love" permanezca como una piedra angular en el repertorio del soul y el R&B. La canción no solo destaca por su belleza melódica y lírica, sino también por su capacidad para capturar y expresar la experiencia humana de una manera profundamente conmovedora.

"Feel Like Makin' Love" es más que una simple canción; es una experiencia auditiva que refleja la maestría de Roberta Flack en la interpretación vocal y la narración emocional. Es una pieza que continúa inspirando y conmoviendo, demostrando que el verdadero arte es aquel que permanece relevante y poderoso a través del tiempo.

Daniel 

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Disco de la semana 384: Jar Of Flies - Alice In Chains

 

Jar Of Flies, Alice In Chains

     Jar Of Flies es el tercer trabajo de estudio de la banda estadounidense Alice In Chains, más concretamente un EP. Fue grabado entre el 7 y el 14 de septiembre de 1993 en el estudio London Bridge de Seattle bajo la producción del propio grupo, y publicado el 25 de enero de 1994 por el sello discográfico Columbia Records. Considerado como un disco acústico, fue el primer EP en la historia de la música en debutar en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200. Las canciones No Excuses, I Stay Away y Don't Follow fueron lanzadas como sencillos y el disco fue nominado a dos premios Grammy en 1995: "Mejor paquete de grabación" y "Mejor interpretación de Hard Rock" por "I Stay Away". Este trabajo de corta duración fue muy bien recibido también por la crítica, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más exitosos de la banda, y logrando certificación de doble platino, por vender más de 200.000 copias, en Canadá, y certificación de plata, por vender más de 60.000 copias, en Reino Unido.

Durante la extensa gira mundial para su disco Dirt, el grupo despidió al bajista Mike Starr debido a su problema con el consumo de drogas, y fue fichado el bajista Mike Inez, que estaba tocando en aquel momento con Ozzy Osbourne. Al regresar a su Seattle natal después de la gira, el grupo se vio desalojado de su residencia por no pagar el alquiler, por lo que se mudaron al London Bridge Studio de Seattle. El baterista del grupo, Sean Kinney, recordaba aquel momento: "Después de tocar música a todo volumen durante un año, volvíamos a casa y lo último que queríamos era subir los amplificadores de inmediato. Esas cosas se escribían en los autobuses y cada vez que teníamos tiempo de inactividad. Hicimos Jar Of Flies para ver cómo era grabar con el nuevo bajista, Mike Inez. Entramos en el estudio sin canciones escritas, para comprobar la química. Todo encajó, lo sonidos y los tonos eran realmente buenos. Pensamos que sería un desperdicio no publicar todo aquel material que surgió". 

La primera sesión de grabación tuvo lugar el 7 de septiembre de 1993, y el grupo iba al estudio armados únicamente con guitarras acústicas para ver que pasaba. La publicación del material se gesta al escuchar la compañía discográfica el material resultante, le había encantado. Para el grupo, según el vocalista Layne Staley, sólo fue un experiencia de cuatro chicos que se juntaban en un estudio y hacían algo de música. Las sesiones del álbum duraron entre 14 y 18 horas al día, y la grabación se completó en 7 días. El álbum fue grabado en cinta en una mesa de mezclas Neve 80-68 porque se pretendía que el sonido acústico del álbum fuera lo más natural posible. Las pistas del disco se grabaron en su mayoría en una o dos tomas. Está considerado como un álbum acústico debido al dominio de los instrumentos acústicos, y en el se muestra un amplio rango de texturas acústicas con elementos de blus rock y jangle pop.

El título del álbum se originó a a partir de un experimento científico que el guitarrista y vocalista Jerry Cantrell llevó a cabo en la escuela tercer grado. El experimento consistía en mantener dos frascos llenos de moscas. Las moscas de un frasco estarían sobrealimentadas, mientras qe las moscas del otro tarro estarían mal alimentadas. Las moscas que fueron sobrealimentadas reprodujeron rápidamente, pro luego murieron por hacinamiento. Las moscas que estaban mal alimentadas lograron sobrevivir durante todo el año. La portada del álbum fue realizada por el fotógrafo Rocky Schenck, que hizo la fotografía en su comedor el 8 de septiembre de 1993. A la banda se le había ocurrido la idea del título y quería que la portada fuera un niño mirando un tarro de moscas. La primera impresión del disco compacto de Jar Of Flies incluyó moscas de plástico visibles en la parte frontal de CD.

El grupo de Seattle, en este trabajo, tiene concretamente un sonido conocido como "Seattle Sound" o "Grunge" basado en una dualidad vocal que los reúne con el estilo de Nirvana pero con un toque más duro que los hizo prisioneros de un sonido más orientado hacia heavy metal, quizás también del pesimismo constante de sus letras. Aparte, consiguieron llegar al público con este nuevo subgénero comercialmente más significativo. En su segundo álbum, Dirt, habían vendido más de 2 millones de discos, por lo que a priori se presentaba un panorama complicado ya no de superar, si no de igualar. En 1991 habían grabado Sap, un disco EP, es decir, un disco corto, y con este disco poco comercial que a priori no era el punto fuerte de Alice in Chains, vendieron más de un millón de copias, por lo que obtuvieron el éxito suficiente para continuar la siguiente gira.

Jar of Flies se aleja mucho del término grunge de sus anteriores publicaciones, aunque no abandona dicho sonido. El álbum es una colección de temas muy íntimos y personales, por lo que tuvo una corta promoción en directo realizando tan solo una docena de conciertos íntimos y acústicos. El grupo admitía que en este disco prefirieron no hablar del significado de las canciones para que cada uno lo interpretara a su manera. El material y las canciones empezaron a fluir, grabándose el álbum en tan solo una semana, lo que da una idea de la enorme compenetración y química que los cuatro músicos tenían entre sí en aquel momento.

1274.- Bad Sneakers - Steely Dan

 

Bad Sneakers, Steely Dan

     Katy Lied es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Steely Dan. Fue grabado entre noviembre de 1974 y enero de 1975 en los ABC Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Gary Katz, y publicado el 1 de marzo de 1975 por el sello discográfico ABC Records. En Estados Unidos el disco alcanzó el puesto número 13 en la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tape, y fue certificado como Disco de Oro en el país norteamericano. Este disco fue el primero grabado por el grupo después de que el guitarrista Jeff "Skunk" Baxter y el baterista Jim Hodder abandonaran el grupo debido a la decisión de Walter Becker y Donald Fagen de dejar de hacer giras para centrarse únicamente en realizar grabaciones en estudio con músicos de sesión. El guitarrista Denny Dias, miembro fundador de la banda, el vocalista Michael McDonald y el baterista Jeff Porcaro, contribuyeron en la grabación de este álbum. El baterista Jeff Porcaro, con apenas 20 años, tocó en todas las pistas del álbum excepto en "Any World (That I'm Welcome To)". Walter y Fagen no acabaron nada satisfechos con la calidad de sonido del disco debido a un mal funcionamiento del equipo con el por entonces nuevo sistema de reducción de ruido dbx. El daño fue reparado en su mayor parte después de consultar con los ingenieros de dbx, pero Becker y Fagen aún así renegaron del resultado y se negaron a escuchar el álbum completo.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Bad Sneakers, que fue lanzado como segundo sencillo del álbum. Más tarde, el productor Gary Katz se arrepentiría de no haber lanzado este tema como primer sencillo. Es una de las primeras canciones de la banda que cuenta con la voz de Michael McDonald, quien continuaría interpretando voces de fondo para el grupo hasta 1980. La canción fue escrita por Donald Fagen y Walter Becker, y presenta unas letras enigmáticas. La canción se caracteriza por su complejidad en la composición, y aborda temas como la nostalgia y el anhelo, además de reflexionar sobre cuestiones de la vida urbana. La canción presenta en su relato una serie de imágenes vividas y aparentemente dispares, como pueden ser por ejemplo unas "Bad Sneakers" (Zapatillas viejas) o una "piña en la ventana".

1273.- At Seventeen - Janis Ian

Lo que esta claro es que Janis Ian ha sido casi olvidada por todos después de 50 años, básicamente, nunca se la menciona cuando se habla de aquella época, ni siquiera cuando era adolescente y mi primer contacto con ella fue el uso de "At Seventeen" en un episodio de Los Simpson. Pero este álbum fue bastante grande, encabezó las listas en septiembre de 1975, gracias a "At Seventeen", que de manera inexplicable sólo llegó al puesto número 3. Así que supongo que es una falta de reputación crítica la que explica por qué es menos conocida que otros compositores exitosos de la época. Ian es un letrista decente -quizás ella sea una buena letrista- con un sentido de la melodía decente, cuyas canciones están ahogadas en clichés de cantautores de los años 70, cada época tiene sus extrañas manías musicales, y poner orquestas en canciones confesionales tocadas en una guitarra o piano fue una de las manías de los años 70. 

At Seventeen es la segunda pista del álbum de Ian de 1975, Between the Lines, fue producido por Brooks Arthur en su estudio 914 Sound en las afueras de la ciudad de Nueva York, al producir este disco, Arthur y sus ingenieros trataron cada instrumento con algo cercano a la reverencia, buscando la mayor fidelidad al sonido original en el seguimiento y produciendo una mezcla final que entrelazó ingeniosamente las interpretaciones de primer nivel de los músicos. "At Seventeen" es menos que cuando la hoy por primera vez pero sigue siendo excelsa, siento que cuando lo escuché por primera vez, a una edad impresionable pensé: "¡¿Quién escribió esto ?!?!" Su voz es claramente el instrumento dominante y la instrumentación a menudo flota en el fondo, por lo que no es como si la estuviera ahogando, una cantautora inspirada comparte sus sentimientos más personales. Lo que realmente me sorprende de At Seventeen es lo exuberante y estratificado que es, pero cómo nada del arte de los músicos eclipsa la voz de Ian en ningún momento. Un productor competente pero conservador, al escuchar la fuerza de la composición y la vulnerabilidad de la letra, habría alentado a los músicos a tocar lo menos posible, sentarse y dejar que la voz y la guitarra de Ian llevaran la canción, la mezcla de Arthur aseguró que, a pesar de toda la ornamentación y detalle del arreglo, el enfoque del oyente siga estando directamente en la voz a menos que te apartes para escuchar en otro lugar. At Seventeen trata sobre no ser popular en la adolescencia y no encajar, tiene un suave ritmo de samba e Ian, es una intérprete consumada con sensibilidad para la guitarra de cuerdas de nailon, también fue brutalmente honesto con su pluma. En una época en la que Jobim y otros músicos sudamericanos (y aquellos influenciados por su estilo) utilizaban los tonos redondos de la guitarra clásica para evocar imágenes de bebés de bronce y arena cálida, Ian estaba listo para explorar la parte más vulnerable de la bossa,  “Aprendí la verdad a los diecisiete años/Que el amor era para reinas de belleza/Y chicas de secundaria con sonrisas de piel clara/Que se casaron jóvenes y luego se jubilaron…Y aquellos de nosotros con rostros destrozados/Careciendo de las gracias sociales/ Desesperadamente se quedó en casa/ Inventando amantes por teléfono/ Que llamó para decir ven a bailar conmigo/ Y murmuró vagas obscenidades/ No es todo lo que parece a los diecisiete años.”

Elton John - Caribou (Mes Elton John)

Lanzado en 1974, el octavo álbum de estudio de John, Caribou se basó en el éxito de sus lanzamientos anteriores y continúa destacando las extraordinarias habilidades de escritura de John y Bernie Taupin; porque su capacidad para crear canciones y melodías memorables conocía pocos límites. Sí, se podría decir que Caribou no es tan fuerte como Goodbye Yellow Brick Road , pero si lo miramos por sí solo, Caribou es una obra maestra por derecho propio; siempre, por supuesto, que ignores las pistas extra del CD remasterizado de 1995. Afortunadamente, puedo optar por no incluir esas canciones en mi biblioteca digital y tengo la suerte de tener la reedición en vinilo de 2017 que no tiene material extra. Es una reedición encantadora, particularmente sonoramente, ya que suena significativamente mejor que la remasterización digital antes mencionada con una presentación más completa e inmersiva. La carátula del álbum, sin embargo, se ha reproducido a partir de una fuente escaneada, ya que se obtienen las bandas en la portada que son comunes en dichos procesos de reproducción. La funda interior está mejor producida, pero podría haber sido un poco más nítida ya que el texto es fácilmente legible, pero las fotografías asociadas son un poco suaves. Sin embargo, cuando un disco suena así de bien, no me voy a quejar demasiado de los atajos tomados con los diseños de las portadas.

El álbum comienza con el icónico sencillo The Bitch Is Back, un comienzo perfecto que no pierde el tiempo, a diferencia de “Funeral For A Friend/Love Lies Bleeding” de su predecesor, no hay una introducción de sintetizador de 2 minutos, solo un riff de guitarra eléctrica clásico de Elton John de los 70 y un estribillo que les dice todo lo que necesitan saber: damas y caballeros, “la perra” ha vuelto, puede ser una copia de los Stones (me viene a la mente “Bitch” de 3 años antes). John solo se sumergió en el espectro musical del hard rock, podría haber ido aún más lejos porque sus rocks son tan memorables como sus melodías pop y baladas, el estribillo contagioso y el ritmo de la canción la convierten en un clasico instantáneo y, por lo tanto, es el comienzo perfecto para Caribou. Pinky es la primera de muchas canciones de este álbum que tienen un título estúpido pero que en realidad son potencialmente las mejores canciones del álbum. Este, en particular, tiene una letra sorprendentemente conmovedora, que supongo que trata sobre alguien llamado Pinky que tiene un buen sueño. Es tonalmente hermosa y ofrece un ligero cambio de ritmo, avanzando hacia una presentación sonora más introspectiva y reflexiva que incorpora el sonido de rock de piano característico de John. Grimsby tiene un ritmo adictivo, estarás dando golpecitos con los pies y con la cabeza desde la primera nota. Además, la afinación única del riff de guitarra, que se encuentra en todas partes, es lo que sólo puede describirse como perfección sonora. ¡Me encanta!, siguiendo nuevamente la tradición de malos títulos, pero grandes canciones, ese riff de guitarra de octava es perfecto, no tengo idea de qué es un Grimsby pero aparentemente ninguno se puede comparar con él. Olvídate de Dixie Lily, es una estúpida canción country que es la más saltable de todo el asunto, tal vez sea mi poco apego general por el country lo que impide que me guste, pero esta canción simplemente me parece perezosa, habría sido más adecuada para su inclusión en Tumbleweed Connection, ya que se siente un poco fuera de lugar en Caribou. Dicho esto, después de todos estos años, no puedo imaginarme a Caribou sin Dixie Lily. La siguiente canción, Solar Prestige A Gammon, vuelve a seguir la línea de títulos horribles, pero la canción, de nuevo, es buena. Sentimiento semifrancés con letras sin sentido, en mi opinión es una peculiar pieza experimental que muestra la voluntad de John de explorar diferentes vías musicales. Si bien es poco probable que atraiga a todos los amantes de la música, Solar Prestige A Gammon crece en ti cuanto más lo escuchas. Yo, posteriormente, la he considero una joya escondida. Tu So Static se deja escuchar, supongo que el título es extraño, pero no lo suficientemente extraño, nos devuelve a un sonido más orientado al rock, con su instrumentación enérgica y su estribillo pegadizo.

Dale la vuelta al disco, sólo tienes cuatro canciones, pero yo diría que todas, como mínimo, son buenas. I've Seen The Saucers podría considerarse una secuela de "Rocket Man", siempre y cuando estés dispuesto a aceptar que todas las canciones de Elton John están conectadas en algún gran canon de Elton John. Ambas son líricamente similares, musicalmente esta es la canción estándar para piano de Elton, comienza maravillosamente con un ritmo magnífico y un sonido atmosférico. La voz de John está algo inspirada en el jazz y, a medida que la canción continúa su flujo lineal, se convierte en una melodía sólida de pop/rock. Dicho esto, si a esta canción se le hubiera aplicado un poco más de pulido y pulido, podría haber sido un gran éxito. El resultado es que hay una obra maestra escondida, justo debajo de la superficie, que permanecerá oculta para siempre. Stinker no es exactamente una castaña, pero tampoco es destacable, se inclina hacia un estilo de blues rock, ofreciendo una experiencia musical cruda y cruda, pero escúchala porque la siguiente es el momento que todos estaban esperando... Don't Let The Sun Go Down On Me es una balada épica que de la que al final, Elton nunca estuvo realmente orgulloso, un clásico de mi juventud y el cierre perfecto del álbum. Excepto que no es el cerrador perfecto porque el cerrador perfecto real es el cerrador, Ticking, una de las favoritas de los fans, es súper oscuro y es lo más destacado, es otra de esas joyas escondidas que tanto me gustan. No hay nada de malo en las canciones favoritas de los fans, por supuesto, pero John tiene tal diversidad en su catálogo, con tantas grabaciones memorables, que cada vez que escucho sus álbumes clásicos, puedo experimentar un nivel de frescura musical, una hermosa canción que permite contemplar el álbum que acabas de escuchar y al mismo tiempo te obliga a tocar Caribou nuevamente.

Algunas de las canciones de Caribou fueron sin duda descartes rápidos, pero cada una de ellas tiene sus encantos. Éste no es uno de los grandes logros de John en la música pop. En cambio, Caribou representa el simple placer de un brillante compositor e intérprete de rock que trabaja rápidamente en la cima de su juego, rodeado de una banda increíble. Incluso si sus ambiciones son pequeñas, las realiza plenamente. Caribou no tiene que ser un clásico para ser una buena escucha.

1272 - Eagles - Lyin' eyes

1273 - Eagles - Lyin' eyes

"Lyin' Eyes," una de las canciones más icónicas de la banda estadounidense Eagles, fue lanzada en su álbum "One of These Nights" en 1975. La canción, escrita por Don Henley y Glenn Frey, captura la esencia del country rock con una narrativa lírica que se ha mantenido relevante a lo largo de los años. La historia que narra, combinada con la distintiva armonía vocal de los Eagles, ofrece una experiencia auditiva que trasciende generaciones.

La canción empieza con una melodía suave y melancólica que inmediatamente sumerge al oyente en un ambiente de introspección. La letra cuenta la historia de una mujer que, a pesar de estar casada, busca consuelo en los brazos de otro hombre. La trama se desenvuelve en un entorno urbano, con descripciones vívidas de la vida nocturna y los suburbios, lo que añade una capa de realismo y empatía a la narrativa.

Uno de los aspectos más destacados de "Lyin' Eyes" es su habilidad para pintar una imagen detallada y emotiva a través de sus letras. La canción comienza con la línea, "City girls just seem to find out early, how to open doors with just a smile," estableciendo desde el inicio el tono de la historia. A medida que la narrativa avanza, se exploran los sentimientos de desilusión y anhelo que la protagonista experimenta. La frase "You can't hide your lyin' eyes" sirve como un estribillo poderoso, encapsulando la verdad inevitable que subyace en sus acciones.

Musicalmente, "Lyin' Eyes" es un ejemplo sobresaliente del estilo distintivo de Eagles. La combinación de guitarras acústicas y eléctricas, junto con la armonización vocal característica de la banda, crea una atmósfera cálida y resonante. El solo de guitarra a mitad de la canción añade un toque de nostalgia y profundidad emocional, reforzando el impacto de la letra.

El éxito de "Lyin' Eyes" no solo se debe a su calidad musical, sino también a su capacidad para conectar con el oyente en un nivel personal. La temática de la infidelidad y la búsqueda de la felicidad en lugares equivocados es universal y atemporal, lo que permite que la canción resuene con personas de diversas experiencias y generaciones. La honestidad y la vulnerabilidad que Henley y Frey aportan a la composición son evidentes, y su interpretación vocal captura perfectamente la tristeza y el anhelo subyacentes en la historia.

"Lyin' Eyes" es una obra maestra que destaca tanto por su narrativa lírica como por su composición musical. La canción es un testimonio del talento de Eagles para crear música que no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión y a la conexión emocional. Con su mezcla de country rock y letras conmovedoras, "Lyin' Eyes" sigue siendo una pieza fundamental en el legado musical de los Eagles, y una canción que continuará siendo apreciada por los amantes de la música durante muchos años más.

Daniel 

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Goodbye Yellow Brick Road - Elton John (Mes Elton John)

La obra cumbre de la etapa más progresiva de Elton John es sin duda el disco "Goodbye Yellow Brick Road" (1973), su séptimo álbum de estudio y el primer disco doble publicado por el célebre artista británico. No era la intención inicial de Elton John y de la discográfica sacar un disco doble, pero el período de composición y grabación fue tan productivo que se encontraron con mucho material de calidad para el disco, y pese a descartar varias canciones, 17 fueron los temas que pasaron el corte y constituyeron el brillante equipaje con el que Elton realizó su particular viaje por "el camino de baldosas amarillas", en una clara referencia a la película de "El mago de Oz".

Los primeros bocetos del disco se planearon en Jamaica bajo los títulos provisionales de "Vodka and Tonics" y "Silent Movies, Talking Pictures", con Bernie Taupin escribiendo las letras y Elton John encargándose de la composición de la música en el Hotel Pink Flamingo en Kingston en enero de 1973, pero los múltiples problemas con el sonido y las continuas manifestaciones por la complicada situación política y económica del país, les llevaron a decidir mudarse al Castillo de Hérouville en Francia, al mismo estudio en el que habían grabado los discos Honky Château y Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player.

El disco comienza de manera apabullante con "Funeral for a Friend / Love Lies Bleeding", un tema plagado de teclados futuristas, intensos acordes de piano y progresivos cambios de ritmo que está entre los mejores temas de la carrera de Elton John, y que corresponde en realidad a la mezcla de dos de las canciones que se grabaron para el disco, convertidas en una sola canción de rock progresivo de más de 11 minutos. Solo este tema ya garantizaría un single de éxito (aunque lidiando con la problemática de su larga duración), pero es que a continuación suena nada más y nada menos que "Candle in the wind", obra cumbre de la dupla compositiva John / Taupin, en aquel momento dedicada a Marilyn Monroe y años después adaptada para homenajear a la tristemente desaparecida Lady Di. Y por si esto fuera poco, la cara A cierra con el tema "Bennie and the Jets", que publicado como sencillo alcanzó el primer puesto de las listas de ventas de Estados Unidos.

La cara B comienza con "Goodbye Yellow Brick Road", la canción que finalmente dio título al álbum, una metáfora cinematográfica que profundiza en la nostalgia de la infancia y de un tiempo pasado mejor, y la acompañan agradables temas de piano ("This Song Has No Title") intensos medios tiempos rítmicos de fastuosa instrumentación ("Grey Seal"), referencias al período jamaicano de la gestación del disco ("Jamaica Jerk-Off") y nuevos guiños a la temática cinematográfica de algunas de las letras del disco ("I've Seen That Movie Too").

La sofisticación y la dulzura vuelven al comienzo de la cara C con el piano y la melodía de "Sweet Painted Lady", dando paso después al aire teatral y de himno melancólico de "The Ballad of Danny Bailey (1909–34)". La fórmula funciona, y Elton John la sigue explotando en la correcta "Dirty Little Girl" y la rotunda y pegadiza "All the Girls Love Alice", buenos temas que no logran evitar estar un pequeño escalón por debajo de las grandes obras que conforman el primero de los discos de "Goodbye Yellow Brick Road", que retomará su fuerza en la cuarta cara del álbum, y de que manera, con temas como "Your Sister Can't Twist (But She Can Rock 'n Roll)" y muy especialmente con el grandioso ejercicio de actitud de rock and roll de "Saturday Night's Alright for Fighting", un tema inspirado en un pub que Taupin frecuentaba en su juventud, que llegó a grabarse en Jamaica en una primera versión, pero la versión final del disco y la del sencillo de lanzamiento del álbum fue la grabada en los estudios de Francia.

Tras esta obra maestra, la última parte del disco aún desgrana otro tema de homenaje a figuras y referencias cinematográficas en la bella y melancólica pieza de aires country "Roy Rogers". Menos trascendental pero igualmente marcada por referencias country es "Social Disease", un agradable preámbulo para el gran cierre del disco con "Harmony", un tema que llegó a plantearse como cuarto single, y pese a publicarse finalmente como cara B del sencillo estadounidense de "Bennie and the Jets", pasó tres semanas en el primer puesto de la lista de la emisora estadounidense WBZ-FM en junio de 1974.

"Goodbye Yellow Brick Road" fue un éxito inmediato, debutando en el no. 17 en el Billboard 200 y ascendiendo rápidamente al primer puesto en solo cuatro semanas, lugar en el que permaneció durante ocho semanas consecutivas, convirtiéndose en el álbum más vendido en Estados Unidos en 1974. Con los años, ha llegado a vender más de treinta millones de copias en todo el mundo, lo que le llevó a entrar en 2003 en el "Hall of Fame" de los Premios Grammy, y a ser incluido en 2005 en el libro "1001 discos que hay que escuchar antes de morir". Considerado por la mayor parte de la crítica especializada como el mejor álbum de la carrera de Elton John, su ascenso al éxito fue tan idílico como el mundo imaginario del Mago de Oz en el que se inspiraba, y escucharlo hoy en día sigue siendo un agradable paseo por un camino de brillantes baldosas amarillas.

1271.- California Sun - The Dictators.

El guapo Dick Manitoba, llamado Richard Blum por sus padres, es el cantante principal de The Dictators, su infancia la pasó en el Bronx. "Era un bonito lugar para crecer", recuerda de su antiguo barrio. "Jugué a la pelota, cené con la familia e hice mi tarea, como todos los demás en Estados Unidos". Manitoba y el futuro guitarrista de The Dictators, Scott "Top Ten" Kempner, se conocieron cuando tenían diez años y rápidamente se convirtieron en amigos. En 1971, el bajista Andy Shernoff asistía a SUNY New Paltz en el norte del estado de Nueva York, formó su primer grupo (Grand Funk Salinsky), publicó un fanzine mimeografiado ( Teenage Wasteland Gazette ) y ocasionalmente contribuyó a la revista CREEM. Un amigo en común le presentó a Manitoba a Shernoff. "El tipo dijo: 'Este es mi amigo, el rockero Andy'", recuerda Manitoba. Mientras tanto, el héroe de la guitarra en ciernes Ross "The Boss" Friedman (también conocido como FUNichello) optó por no inscribirse en Lehman College, en cambio, se juntó a un grupo hippie llamado Total Crudd y se mudó a New Paltz, "Ross era uno de esos guitarristas 'pistoleros' del barrio", dice Manitoba. "Era uno de los tipos con reputación".

En marzo de 1975 y tras guardar el trabajo durante mucho tiempo Epic publicó The Dictators Go Girl Crazy. La portada del disco podría haber mostrado a Manitoba en todo su esplendor de aspirante a luchador, pero todavía había una lucha interna obvia por el micrófono: Shernoff cantaba la mayoría de las canciones, mientras que Manitoba apoyaba en algunas. Los créditos de la contraportada ni siquiera incluían a Manitoba como miembro de la banda, contenía  canciónes festivas llenas de humor, entre ellas "The Next Big Thing", "(I Live For) Cars and Girls" y "Teengenerate". Además, hubo un par de covers perfectamente ejecutados ("California Sun" y "I Got You Babe").  CREEM calificó con entusiasmo cada melodía como "un sueño tosco", y Trouser Press dijo que era "una obra maestra tremendamente divertida, brillantemente interpretada y desesperadamente ingenua del rock 'n' roll autoindulgente y sabelotodo". Incluso Robert Christgau (que le puso una "B") admitió de mala gana: "Si amas a los Dolls, te gustarán The Dictators, tal vez". Fue el primer LP que representó el fenómeno cultural que pronto sería identificado como Punk Rock, no tienes que ir más allá de la introducción de Go Girl Crazy para saber The Dictators era algo completamente diferente a lo que sonaba en el resto del país. Sin duda se estaban divirtiendo más que cualquier otra banda de Rock & Roll en América, disfrituando de la lucha libre, McDonalds, los autos, las chicas y toda la diversión que Estados Unidos podía ofrecer. Tenía el potencial de ser uno de los álbumes de Rock & Roll más importantes producidos por una banda estadounidense ese año, el hecho de que no lograra levantar ni un aplauso es una prueba más de que la industria musical no tenía tiempo para el punk y un reflejo de cuán desconectado estaba Estados Unidos de su propia cultura. 

¿Necesito recordarles que The Ramones lanzaron su debut un año después de este álbum? Está bastante claro que escuchaban a The Dictators, hasta el punto de que luego versionarían la canción, California Sun (originalmente de The Rivieras ), que aparece en este álbum, en manos de Thr Dictators se convierte en una explosión de energía punk que revitaliza el clásico de los 60 y se transforma en una celebración de esta corriente musical, voces contundentes, una instrumentación fuerte con guitarras rapidas y agresivas dan un nuevo sentido al tema, además la letra que evoca la imagen de una soleada y despreocupada California adquiere un matiz mas desafiante y menos inocente.

1270.- Boulder to Birmingham - Emmylou Harris

 

Bouder to Birmingham, Emmylou Harris

     Pieces of the Sky es el segundo álbum de estudio de la artista de música country estadounidense Emmylou Harris. Grabado bajo la producción del productor y guitarrista canadiense Brian Ahern, fue publicado el 7 de febrero de 1975 por el sello discográfico Reprise Records. Aunque Harris había debutado en 1969 con Gilding Bird, Pieces of the sky se convirtió en el disco que lanzó la carrera de la artista. Entre estos dos álbumes, Harris forjó una relación musical con el cantante, compositor, guitarrista y pianista estadounidense Gram Parsons, quien influyó notablemente en la carrera musical de Harris. Pieces of the Sky consiguió ocupar el puesto número 7 en la lista estadounidense Billboard Country Albums Chart. También ha sido incluido en los "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" de Robert Dimery.

Incluido en este álbum se encuentra Boulder to Birmingham, canción que Emmylou Harris coescribió con Bill Danoff después de la muerte de Gram Parsons. La canción se hizo famosa por su desgarrador estribillo "I would rock my soul in the bosom of Abraham / I would hold my life in his saving grace / I would walk all the way from Boulder to Birmingham / If i trought i could see, I could see your face" (Merecía mi alma en el seno de Abraham / Mantendría mi vida en su gracia salvadora / Caminaría desde Boulder hasta Birmingham / Si pensar que puedo ver, podría ver tu cara). La canción trataba específicamente sobre Gram Parsons, pero se convirtió en una fuente de consuelo para muchas personas que se identificaban con el sentimiento de perdida de alguien cercano. 

Harris escribió la letra y Bill Danoff compuso la letra. Al principio de su carrera, después de su primer álbum de estudio, Harris realizó una gira con Parsons y cantó en su álbum GP de 1973. Parsons, que era una figura innovadora dentro de la escena country-rock, se convirtió en el mentor de Harris en un momento en que la carrera de la artista no pasaba por un buen momento y además tenía dificultades económicas, su álbum debut no había conseguido apenas éxito y ella no conseguía despegar. Parsons y Harris se conocieron y demotraron tener una química especial tanto en sus grabaciones como en sus actuaciones conjuntas. Durante el año 1973, Parsons y Harris se encontraban trabajando juntos en un álbum cuando Parsons murió a causa de una sobredosis de drogas, y Harris, devastada por la muerte de Parsons, expresó toda esa tristeza en esta conmovedora canción.

1269 - Sui Generis - Alto en la torre

1269 - Sui Generis - Alto en la torre

"Alto en la torre" es una canción de la banda argentina Sui Generis, integrada por Charly García y Nito Mestre. Esta canción forma parte del segundo álbum de estudio del dúo, titulado "Confesiones de invierno", lanzado en 1973. La canción destaca no solo por su letra profunda y poética, sino también por su rica composición musical, que refleja la esencia del rock progresivo y el folk que caracterizaba a la banda en sus primeros años.

La letra de "Alto en la torre" es una reflexión sobre la soledad, el aislamiento y la búsqueda de la libertad. Charly García, autor de la canción, utiliza la metáfora de una torre para simbolizar la distancia y el encierro que siente el protagonista. Desde lo alto de esta estructura, el narrador observa el mundo desde una perspectiva diferente, alejado de las trivialidades cotidianas, pero también atrapado en su propia introspección. Esta dualidad entre el deseo de escapar y la necesidad de conexión humana es un tema recurrente en la obra de Charly García, quien a menudo exploraba las tensiones entre el individuo y la sociedad.

Musicalmente, "Alto en la torre" es una obra maestra del rock argentino. La canción comienza con una suave introducción de piano, interpretada por Charly García, que establece un tono melancólico y contemplativo. A medida que avanza, la melodía se enriquece con la incorporación de la guitarra acústica de Nito Mestre y la flauta, que añade una capa de profundidad y textura al arreglo. La combinación de estos instrumentos crea una atmósfera nostálgica y evocadora, que complementa perfectamente la temática lírica de la canción.

Una de las características más destacadas de "Alto en la torre" es la capacidad de Sui Generis para fusionar influencias del rock progresivo y el folk, generando un sonido  y distintivo. La estructura de la canción es compleja, con cambios de ritmo y dinámica que mantienen al oyente en constante anticipación. Esta sofisticación musical es una muestra del talento y la creatividad de Charly García y Nito Mestre, quienes a pesar de su juventud, demostraban una madurez artística notable.

En cuanto a la interpretación vocal, la voz de Charly García transmite una emoción cruda y auténtica, resonando con la vulnerabilidad y la sinceridad de la letra. Su entrega vocal, junto con los armoniosos coros de Nito Mestre, crea un contraste poderoso que realza el mensaje de la canción. Esta capacidad para comunicar emociones profundas a través de la música es uno de los elementos que han cimentado el legado de Sui Generis en la historia del rock en español.

"Alto en la torre" es una canción que trasciende el tiempo, ofreciendo una mirada introspectiva y poética que sigue resonando con las nuevas generaciones. La combinación de su rica lírica, su compleja composición musical y su emotiva interpretación hacen de esta pieza una joya invaluable en el repertorio de Sui Generis y un testimonio perdurable del talento de Charly García y Nito Mestre.

Daniel 

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1268.- Kashmir - Led Zeppelin

"Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven” dijo Robert Plant sobre una de las canciones estrella de Physical Graffiti (1975), el sexto álbum de estudio de la banda y su último gran disco, una obra repleta de intensos riffs marca de la casa en la que Led Zeppelin va mucho más allá de la concepción de un disco de rock, abriendo su paleta estilística a una impresionante variedad de estilos musicales, que van del hard rock al rock and roll, y de las baladas orquestales a los intensos blues acústicos o a los sonidos étnicos de Kashmir, su canción cumbre.

Llamada inicialmente "Driving to Kashmir", fue planeada en un primer momento como un instrumental en el que John Paul Jones tocaba el mellotron, acompañado por una orquesta de músicos de sesión que interpretaban arreglos orquestales de influencias arábicas. Robert Plant aportó entonces una letra que había escrito durante un viaje por el desierto del Sáhara, y las piezas encajaron al instante en Kashmir, una grandiosa pieza de rock progresivo y sinfónico en la que incluyeron una espectacular sección de orquesta de instrumentos de metal y cuerda.

Kashmir es para los miembros de Led Zeppelin "la canción definitiva" de la banda, el momento cumbre en el que lograron aunar lo mejor que cada uno de ellos podía ofrecer por separado al sonido de la banda, y una canción en la que lograron cotas máximas de intensidad sin la necesidad de moverse en los tradicionales arquetipos del heavy metal, una etiqueta de la que los cuatro músicos siempre intentaron huir. Y finalmente lo lograron, "conduciendo hacia Kashmir" y adoptando de manera brillante sonidos de la música de Marruecos y de Oriente Medio.

Disco de la semana 383: "Algo Mejor" de Fabiana Cantilo

Disco de la semana 383: "Algo Mejor" de Fabiana Cantilo 

El álbum "Algo Mejor" de Fabiana Cantilo, lanzado en 1991, es una obra significativa en su carrera y en la escena del rock argentino. Producido por Fito Páez, el disco destaca por su mezcla de estilos y la colaboración de destacados músicos y compositores. Aquí se presenta una revisión detallada de las canciones del álbum, así como una visión general de su producción y relevancia.

"Algo Mejor" se lanzó en un momento en que el rock argentino estaba en una etapa de evolución y madurez. Fabiana Cantilo, quien había ganado reconocimiento como corista y colaboradora de figuras importantes como Charly García y Fito Páez, se estableció con este álbum como una artista solista con voz propia. La producción a cargo de Fito Páez garantiza una calidad sonora elevada y cohesión artística. El álbum incluye composiciones de varios autores, incluyendo Fabiana Cantilo, Páez, Andrés Calamaro, y Celeste Carballo, entre otros.

"Llegó Tarde" abre el álbum con una mezcla de rock y melodía suave. La letra trata sobre la sensación de haber llegado tarde a momentos importantes, capturando una melancolía universal. La interpretación de Fabiana Cantilo es emotiva, complementada por una instrumentación rica y bien producida.

"Kitty" es una canción alegre y desenfadada, caracterizada por su melodía pegajosa y letra lúdica. El personaje de Kitty es descrito con una mezcla de encanto y vivacidad. La interpretación de Fabiana Cantilo es vibrante, ofreciendo un contraste dinámico dentro del álbum.

Con una letra surrealista que evoca imágenes de la infancia y la fantasía, esta canción combina elementos de pop y rock. La colaboración entre Fabiana Cantilo y Páez resulta en una pieza única y nostálgica. La interpretación vocal de Fabiana Cantilo es especialmente destacada, transmitiendo un sentimiento de ensueño y reminiscencia.

"Cosas que Pasan" es una balada introspectiva que trata sobre las experiencias cotidianas y los altibajos de la vida. La letra reflexiva y la melodía suave permiten que la voz de Fabiana Cantilo se destaque, creando una atmósfera de contemplación y serenidad.

Esta canción ofrece una narrativa sobre una chica tratando de encontrar su lugar en la gran ciudad. La letra ingeniosa y la melodía dinámica capturan la sensación de aventura y desubicación. La interpretación de Fabiana Cantilo es enérgica y auténtica, resonando con cualquiera que haya experimentado la sensación de ser un forastero.

"Arcos" es una pieza instrumental que destaca por su estructura melódica compleja y rica instrumentación. Sirve como un interludio atmosférico en el álbum, demostrando la capacidad de Cantilo para crear paisajes sonoros evocadores sin necesidad de palabras.

"Mi Enfermedad" es una de las canciones más icónicas del álbum. Originalmente escrita por Andrés Calamaro, la versión de Fabiana Cantilo es intensa y emocional. La letra trata sobre la obsesión y el dolor del amor no correspondido, con una interpretación vocal apasionada que captura la desesperación y el anhelo.

Esta canción celebra la conexión y la unión entre dos personas. La melodía animada y contagiosa, junto con la letra positiva, ofrecen un mensaje de amor y cohesión. La interpretación de Fabiana Cantilo es alegre y optimista, destacando por su energía positiva.

"Ayer Soñé con Walter" es una canción nostálgica que evoca recuerdos de una persona especial. La letra es evocadora y la melodía melancólica, creando una atmósfera de sueño y memoria. La interpretación de Fabiana Cantilo es suave y emotiva, añadiendo profundidad a la narrativa.

"Buscando Siempre" es una canción sobre la búsqueda constante de sentido y propósito en la vida. La letra es introspectiva y la melodía tiene un tono esperanzador. La voz de Fabiana Cantilo transmite una sensación de perseverancia y determinación, haciendo de esta una canción inspiradora.

El tema que da título al álbum es un himno de esperanza y optimismo. La letra habla de la búsqueda de algo mejor en la vida y la capacidad de superar las adversidades. La melodía es pegajosa y el estribillo potente. La interpretación de Fabiana Cantilo es emotiva y apasionada, capturando perfectamente el espíritu del álbum.

"Algo Mejor" es un álbum que demuestra la versatilidad y el talento de Fabiana Cantilo. A través de letras sinceras y emotivas, y una interpretación vocal poderosa, Fabiana Cantilo nos lleva en un viaje emocional que resuena profundamente. Este álbum no solo consolida su lugar en el rock argentino, sino que también destaca su capacidad para crear música atemporal y universal. La producción impecable y las colaboraciones estelares hacen de "Algo Mejor" una pieza fundamental en la discografía de Fabiana Cantilo y en la historia del rock en español.

Daniel 

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1267.- Custard Pie - Led Zeppelin

El sexto álbum de estudio de Led Zeppelin fue "Physical Graffiti", las sesiones de grabación comenzaron inicialmente en Headley Grange en Hampshire, Inglaterra, en noviembre de 1973, estas sesiones fueron abortadas cuando John Paul Jones expresó su deseo de dejar la banda y convertirse en director del coro de la catedral de Winchester. Catedral. Sin embargo, el tiempo de la sesión no fue en vano, ya que sus nuevos compañeros de sello, Bad Company, utilizaron las instalaciones para grabar su exitoso álbum debut. Con Jones de nuevo a bordo y comprometido a quedarse, la banda se volvió a reunir a principios de 1974 y comenzó a trabajar en serio en el nuevo álbum. Inicialmente no había intención de hacer de “Physical Graffiti” un álbum doble, pero las ocho nuevas canciones que se escribieron y grabaron eran demasiado largas para el lanzamiento de un solo álbum. Incapaz de decidir qué pistas omitir y reacia a editar, la banda optó por utilizar material previamente grabado pero inédito para extender el álbum a la duración de un doble. Los 'ocho graffiti' originales eran 'Custard Pie', 'In My Time of Dying', 'Trampled Underfoot', 'Kashmir', 'In The Light', 'Ten Years Gone', 'The Wanton Song' y 'Sick Again'. '. 'Bron-Y-Aur' fue un sobrante de III. 'Down By the Seaside', 'Night Flight' y 'Boogie With Stu' se grabaron en las sesiones del cuarto álbum, mientras que 'The Rover', 'Black Country Woman' y, más obviamente, 'Houses of the Holy' se grabaron en el Sesiones 'Casas de los Santos'. Physical Graffiti es una culminación gloriosa de todos los diferentes estilos musicales que Led Zeppelin había explorado en sus salidas anteriores, su debut con infusión de blues y hard rock, el riff cargado en el segundo, las inclinaciones folk rock de su tercer álbum, la combinación magistral de luces y sombras en el cuarto y el enfoque de múltiples capas en 'Houses of the Holy', todo esto está presente en Physical Graffiti pero es más suave, más divertido, más dinámico y más poderoso que cualquier cosa que hayan hecho antes. Pero este álbum no es simplemente una amalgama de esfuerzos anteriores. Tiene un carácter propio. Es audaz y dinámico y al mismo tiempo logra permanecer cálido y atractivo, y es denso y complejo al mismo tiempo que conserva un brillo de accesibilidad.

El álbum comienza con el atronador 'Custard Pie', un clásico y duro comienzo de album que está lleno de más insinuaciones sexuales que un doble acto de David Coverdale/Frankie Howerd. Parece que habla de una especie de adicto y una persona que se entrega a esas actividades durante mucho tiempo, el tono de la canción no parece sugerir nada más oscuro a lo que se dice, pero es muy posible que tenga un problema con esa persona, es casi como si lo necesitara para vivir. El solo de wah-wah de Pages, que se tocó a través de un sintetizador ARP, es tan bueno como cualquier solo pesado que haya tocado y Jones usa un clavinet eléctrico, se necesita una canción tremendamente funky para poder hacer que un Clavinet no suene sintetizado y cursi, Zeppelin, a pesar de lo que son, no son originales, son uno de los grupos más talentosos y de rock más duro que jamás hayan subido al escenario o al estudio. Plant incluso contribuye con un solo de armónica en el medio, instando al objeto de su deseo a que le permita "masticar un trozo de su pastel de natillas". 

1266.- Little Lady - Status Quo

 

Little Lady, Status Quo

     On the Level es el octavo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Status Quo, integrada en aquel momento por Francis Rossi, Richard Parfitt, Alan Lancaster y John Coghlan. La portada del disco presenta a los miembros del grupo en una habitación distorsionada que crea ilusiones ópticas. Fue grabado durante el verano de 1974 en los IBC Studios y en los Phonogram Studios, ambos de Londres, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 21 de febrero de 1975 bajo el sello discográfico Vertigo Records para Reino Unido y por el sello Capitol Records para Estados Unidos. Cuando se lanzó este disco, el grupo ya contaba de una gran popularidad, algo que ayudó y se vio reflejado en las ventas, llegando a alcanzar los primeros puestos de dichas listas.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Little Lady, escrito por Rick Parffit. Musicalmente, Little Lady es una muestra clásica del estilo boogie rock de Status Quo. La canción está impulsada por un ritmo acelerado y constante, con una línea de guitarra principal que es tanto melódica como contundente. La estructura de la canción es relativamente simple, lo que es característico de muchas de las canciones de la banda, pero esta simplicidad permite que el talento instrumental de los miembros de la banda brille. Rick Parfitt, además de ser el autor de la canción, también aporta su voz principal, acompañada por los coros de Francis Rossi y Alan Lancaster. La combinación de las guitarras de Parfitt y Rossi crea una textura sonora densa y poderosa, que se complementa perfectamente con la base rítmica sólida proporcionada por Lancaster en el bajo y John Coghlan en la batería. La letra, directa y sencilla, nos habla de una relación amorosa con un tono optimista y positivo, enfocándose más en transmitir una emoción y energía que en contar una historia compleja.