1018 - Many Rivers To Cross - Jimmy Cliff

Many Rivers To Cross, Jimmy Cliff

  

     El 7 de julio de 1972 se publica The Harder They Come, un álbum de Jimmy Cliff, y que resulta ser la banda sonora de la película del mismo nombre. El disco, que abarca géneros como el ska, el reggae o el rocksteady ( estilo musical surgido a mediados de la década de los 60 en Jamaica, sucesor del ska, y que fue el estilo musical dominante en Jamaica durante casi 2 años), es publicado por el sello discográfico Island Records. La película fue dirigida por Perry Henzell y protagonizada por el mismo Jimmy Cliff, sin embargo la banda sonora fue de largo mucho más famosa y tuvo mucho más impacto que la película, pues se dice que fue dicha banda sonora la que trajo el reggae al mundo. En el año 2021 La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos consideró que el álbum era "cultural, histórica o estéticamente significativo" y lo seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Grabaciones.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Many Rivers To Cross, escrita allá por el año 1969 por Jimmy Cliff, y que a lo largo de su historia ha sido grabada por multitud de artistas, incluidos Harry Nilson, John Lennon, Joe Cocker, Percy Sledge, Little Milton, Desmond Dekker, UB40, Cher, Eric Burdon & The Animals, Linda Ronstadt, Annie Lennox, Bryan Admas o Jimmy Barnes entre otros muchos. Jimmy Cliff tenía 25 años cuando escribió y grabó la canción, y sobre ella afirmó que escribió la canción debido a los problemas que estaba teniendo para convertirse en un artista de éxito después de haberlo alcanzado en su Jamaica natal desde los 14 años. Sobre su llegada al Reino Unido también afirmaba: "Cuando llegué al Reino Unido, todavía era un adolescente. Llegué lleno de vigor: lo lograré, estaré allí arriba con los Beatles y los Stones, Y en realidad no fue así, estaba de gira por clubes, sin abrirme paso. Estaba luchando con el trabajo, la vida, mi identidad, no podía encontrar mi lugar; la frustración alimentó la canción". 

Cliff cuando escribió la canción estaba trabajando para su segundo álbum para Island Records, pero la retuvo porque no creía que una balada fuera apropiada en este trabajo, hasta que llegó a Nueva York para mezclarla y añadirle sobregrabaciones. Es una de las únicas pistas en las que Cliff utiliza un órgano, lo que ayuda a darle una sensación de gospel junto con los coristas del tema. La canción originalmente fue publicada en su tercer álbum de estudio, titulado Jimmy Cliff en 1969. Pero donde alcanzó verdadero impacto fue en su inclusión en 1972 en la banda sonora de la película del mismo nombre, The Harder They Come. La canción fue clasificada por la revista Rolling Stone en el puesto 325 de su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos". 

Many Rivers To Cross es un imperecedero viaje a través de la resliencia, pues se ha convertido por derecho propio en todo un himno a la perseverancia y la resiliencia. Las hermosas letras nos relatan el conmovedor viaje de una persona que enfrenta numerosos desafíos y obstáculos en la vida. El protagonista se encuentra metafóricamente innumerables ríos, soportando adversidades de todo tipo y buscando un lugar de consuelo. La canción es un pilar fundamental de la historia, pues junto a la banda sonora de la película, atrajo la atención internacional hacia el género reggae. No estamos ante una canción más, estamos ante un viaje, un himno a la resiliencia del espíritu humano ante las adversidades, da igual donde te encuentres, pues la canción te dará consuelo sin importar el lugar y te guiará a través de los desafíos de la vida.

Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath (Mes Black Sabbath)

SABBATH BLOODY SABBATH introdujo arreglos compositivos aún más complejos que incluían más estilos de teclado y también algunas cuerdas y otros toques, si bien se intentó incluir un sitar y una gaita, fueron rechazados de la edición final, lo cual probablemente fue un acierto. Con los pesados riffs introductorios de la canción principal y las visiones de pesadilla de la portada del álbum de Drew Struzan, SABBATH recapturó las imágenes oscuras y las vibraciones oscuras del álbum debut y "Paranoid", pero también mostró un enfoque musical más maduro que en sus comienzos, riffs de heavy metal fortalecidos por desviaciones hacia coqueteos más sofisticados hacia el mundo del rock progresivo donde vemos a los miembros de la banda domando a sus demonios y asumiendo desafíos para mejorar su musica y seguir siendo relevantes en un negocio musical en rápida evolución. A pesar de casi separarse a principios del año 1973, la banda compuso algunos de los mejores materiales de su carrera, Black Sabbath aplica sus nuevas ideas con más sensatez y siempre encajan perfectamente con las canciones, sin chocar nunca con ningún sonido clásico de Black Sabbath y sin dañar la cohesión del álbum, como si ser los progenitores del heavy, doom y sludge metal no fuera suficiente, Black Sabbath pondría aquí las primeras semillas de lo que se convertiría en metal progresivo.

El álbum comienza con la canción principal, que bien podría ser la mejor canción del album "Sabbath Bloody Sabbath" muestra el nuevo sentido de dinámica de la banda, ya que la canción se abre típicamente con un riff brutal y letal a la que se une a la habitual voz vengativa de Ozzy Osbourne. Sin embargo, la canción te hace saber que esta vez te espera algo diferente, ya que cambia abruptamente a un tono más suave, con Ozzy siguiendo su ejemplo en su voz y la pesada guitarra eléctrica de Iommi siendo reemplazada por una sensible guitarra acústica. Luego, cuando crees que la canción ha mostrado sus cartas, justo después de la mitad, Iommi, desde un solo, conduce a un riff completamente diferente, incluso más pesado, que lidera el resto de la canción con la voz de Ozzy sonando más enfurecida que nunca. El último minuto de la canción termina con otro riff nuevo, galopando más rápido que en cualquier otra parte de la canción hasta la línea de meta antes de desvanecerse repentinamente y apagarse en un ataque de rareza psicodélica. "A National Acrobat" es otro punto destacado, pero desafortunadamente utiliza exactamente la misma melodía vocal que los versos de "Sabbath Bloody Sabbath", sin embargo, tiene un riff único y el toque psicodélico en el solo después del punto medio es magistral. La ultima parte de la canción avanza con un trabajo rápido de guitarra que en realidad tiene una especie de tono optimista. Lo que lleva a "Fluff", el único instrumental del álbum, un instrumental acústico alegre al que se une sólo ocasionalmente un piano. Quizás sea el mejor instrumental de Black Sabbath, pero está drásticamente fuera de lugar en este álbum, donde está ahora, perjudica el flujo del álbum, a pesar de su calidad como pista instrumental singular. "Sabbra Cadabra" también podría considerarse la canción principal del álbum, comienza como un verdadero heavy metal sobre un hombre enamorado de una mujer, poco después, en la canción, un sintetizado (tocado nada menos que por Rick Wakeman de Yes ) se coloca encima del riff de Iommi para lograr un efecto sorprendente y complementa los acordes a la perfección. La voz de Ozzy pronto regresa con un extraño efecto de estudio que lo hace sonar más genuinamente demoníaco que nunca. Un piano de blues es el último en unirse a esta fiesta y, como todo lo demás en el álbum, se desliza suavemente y encaja perfectamente. "Sabbra Cadabra", muestra que Black Sabbath ha aprendido el poder de la dinámica dentro de una canción y cómo controlar adónde lleva al oyente, y es el viaje más emocionante del álbum.

"Killing Yourself to Live" no tiene la nueva paleta sonora de las pistas anteriores, pero no obstante es una canción clásica de Sabbath: un punto culminante del álbum con excelentes interpretaciones instrumentales y fuertes ganchos. La canción no cambia mucho hasta el último minuto, donde nuevamente acelera y hace referencia nuevamente al espíritu del rock and roll raíz que surgió en "Sabbra Cadabra". "Who Are You?" es la única canción del álbum impulsada por un sintetizador, más específicamente el sintetizador Moog de Ozzy que compró antes del álbum a pesar de no saber tocarlo. Es una canción un poco tonta en retrospectiva (como todo lo que alguna vez tocó un Moog), pero es adorable por su cursi y el piano que se une más adelante en la canción casi hace que la pista suene como si fuera una especie de obertura para la épica del heavy metal y las oberturas de sintetizador que se convertirían en un pilar eventual de los álbumes de metal progresivo, por lo que al menos esta es otra canción históricamente pionera, incluso si no es un punto culminante por sí solo. "Looking for Today" regresa al formato basado en guitarra, pero esta vez es la batería de Bill Ward lo más destacado de la canción, así como las flautas que se unen a la voz de Ozzy en el coro. Tonalmente, esta es la canción que suena más alegre del álbum, Ozzy gritando el título de la canción suena incluso optimista, pero la canción es crítica con la persona a la que se dirige, alguien cuya vida pasa de largo porque solo vive en el presente. "Spiral Architect" retoma las cosas nuevamente con una de las mejores canciones del álbum, que comienza con una delicada guitarra acústica antes de que suene el sonido eléctrico. El estribillo de la canción suena retorcido con los violines y la voz desafinada de Ozzy. Es un final radical para un álbum excelente y un buen resumen de los elementos que hacen de Sabbath Bloody Sabbath el mayor logro de Black Sabbath.

“Sabbath Bloody Sabbath” es probablemente el lanzamiento más progresivo en la discografía de la banda y por lo tanto debería escucharse más de una vez antes de calificarlo, no me gustó nada cuando lo escuché por primera vez pero creció en mí. y ahora lo considero como uno de los mejores álbumes de la banda. De modo que Sabbath ciertamente ha experimentado cambios y, a través de ellos, ha producido su primera obra maestra, todavía no es perfecta, debido a algunos problemas menores de ritmo y secuencia, pero en Sabbath Bloody Sabbath, la banda ha demostrado ampliamente que el metal puede ser colorido, diverso, melódico, pegadizo y conmovedor en igual medida sin sacrificar su esencia pesada. Escucha esencial, no sólo para los recién llegados a Sabbath, sino como algo que muy probablemente convertirá a aquellos que no están tan enamorados de los primeros álbumes de Sabbath o del heavy metal en general. Y a partir de ahí solo mejorarían...

1017.- Vitamin C - Can

El tercer álbum de CAN, pioneros del Krautrock (un subgénero musical surgido en Alemania a partir de los años 60 y que tuvo una importante influencia en el panorama creativo a nivel europeo y mundial. El periodo de mayor apogeo del krautrock tuvo lugar durante los años 70 y su estilo puede caracterizarse por una mezcla de elementos progresivos, electrónicos, psicodélicos y nuevas formas de generación y producción musical experimentales, que empezó como una forma casi despectiva de denominación (kraut es berza, repollo, en alemán) y ha acabado por ser un elemento insalvable para conocer la evolución musical de la última mitad del siglo XX) a veces se pierde en la larga sombra proyectada por su imponente trabajo "Tago Mago" (su innovador doble disco de 1971), pero en retrospectiva bien puede ser la grabación CAN por excelencia del grupos. "Ege Bamyasi" tiene todo lo que el oyente neófito necesita para entender por qué CAN fue una fuerza musical tan grande. Está todo aquí: las improvisaciones rítmicamente devastadoras y casi paranormales, las baladas más tranquilas e hipnóticas ("Sing Swan Song", con las vibraciones de bajo de dos notas características de Holger Czukay); un par de canciones pop típicamente sesgadas (una de ellas, "Spoon", un éxito menor en su país natal); y otra locura clásica de CAN, abreviada aquí a una fracción manejable de sus experimentos laterales anteriores.

"Vitamin C" tiene algunos sonidos de percusión muy impresionantes un organo después de 2 minutos y algunos sonidos espaciales extraños al final que también se mezclan con el comienzo de "Soup". Una canción en el que el japonés repite la frase “Hey you! You’re losing your Vitamin C” sobre la base rítmica absolutamente hipnótica de esa dupla única de Liebezeit-Czukay y los teclados fantasmales que al final se quedan solos tras el prematuro fade out al resto de los instrumentos, lo que tenemos claro es que 3 minutos y medio se hacen cortos. el estribillo es una sección musical icónica pero desconcertante que merece una consideración especial, con un ritmo perfecto para que haya suspenso después de cada '¡oye tú!' y cada tambor se llena. Tenga en cuenta que Liebezeit no siempre la toca de la misma manera, y tampoco lo hace Karoli en su guitarra: el hecho de que puedan pasar novedad por algo familiar ante sus ojos es, cuanto menos, intrigante, se nota peligroso, se siente como una trampa, parece sacado de una película de terror. Este tema ha sido utilizado en varias películas, entre ellas “Inherent Vice” (2014) de Paul Thomas Anderson o “Los Abrazos Rotos” (2009) de Pedro Almodovar, y en especial la rítmica ha sido sampleada por varios artistas, incluyendo al propio Czukay en su disco Good Morning Story (1999).

1016.- You are always on my mind - Elvis Presley

"You Are Always on My Mind" es una canción original de Wayne Carson, Johnny Christopher y Mark James, y ha sido interpretada por multitud de artistas a lo largo de los años, pero es la versión de 1972 de Elvis Presley, incluida en el álbum "Elvis Now" la que se convirtió en un atemporal himno al amor y la añoranza tras una relación rota, y pasó a engrosar las filas de las mejores canciones de la historia.

Con sus melancólicos arreglos de piano y cuerdas, y con la profunda y apasionada voz de Elvis, en la que es una de sus interpretaciones vocales más sentidas e intensas, la canción consigue que por encima de cualquier otra versión, sea la imagen de Elvis Presley la que se instale automáticamente en nuestra mente, al escuchar a cualquier locutor radiofónico anunciar que "You Are Always on My Mind" va sonar a continuación.

En el otoño de su exitosa carrera, y asentado como un gran icono del rock and roll, con "You Are Always on My Mind" demostró una vez más su capacidad para llevar sus registros al terreno de la balada emotiva, entregando una nueva maestra para su vasta colección de hits legendarios. El momento culminante llega cuando, tras una transición instrumental a mitad de la canción, Elvis retoma con intensidad el estribillo, para dejar constancia de la cruda realidad del amante abandonado: "Tú estás siempre en mi mente".

Disco de la semana 348: American III: Solitary Man - Johnny Cash

No creo que haya un regreso en la historia de la música que sea tan sorprendente como el de Johnny Cash en 1994, pero escribiré más sobre eso cuando revise American Recordings. Solitary Man sigue formando parte de su racha de grandes discos que provienen directamente de la mejor etapa musical de su vida, los últimos 10 años antes de su muerte. Lo que vemos aquí en este álbum es a un hombre consciente de que es viejo y que su cuerpo no funciona tan bien como antes. Los días del forajido y héroe country Johnny Cash han quedado atrás, aquí está la versión frágil de sí mismo en la que se ha convertido a lo largo de los años (en la que la mayoría de nosotros llegaremos a ser algún día), pero claramente su mente y su espíritu están tan vivos como siempre. American III: Solitary Man, el tercer álbum de Johnny Cash que fue producido y lanzado en el propio sello discográfico de Rick Rubens. En este punto, el 'regreso' de Johnny Cash estaba en pleno apogeo y surtiendo efecto no sólo en los fanáticos de toda la vida sino también en las generaciones más jóvenes de MTV y Grunge. Puse comillas sobre su regreso porque Johnny realmente nunca se fue, aunque la calidad y la honestidad de su música pueden haber sido comprometidas en los años 1980, todavía se vendía muy bien, al menos entre el campo country. En las notas de esta tercera entrega de la serie American Recordings, Johnny Cash escribió: "La canción es lo que importa. Antes de poder grabar, tengo que escucharla, cantarla y saber que puedo hacer que se sienta como mi propia, o no funcionará. Trabajé en estas canciones hasta que sentí que eran mías". Aunque es difícil escucharlo en las canciones más populares que versiona (las apariciones especiales de Tom Petty y Sheryl Crow tampoco ayudan mucho), las oscuras canciones carcelarias y las baladas country que Cash eligió interpretar suenan tan honestas y sinceras como las suyas. La continuación del decente pero algo decepcionante Unchained de 1996, American III: Solitary Man fue ampliamente criticado por los críticos tras su lanzamiento, alegando que el álbum estaba sobreproducido y que las voces a menudo sonaban tensas.

La canción que abre Solitary Man, Won't Back Down de Tom Petty, de hecho suena como más de lo mismo. Quiero decir, es una pista de Tom Petty con Tom Petty cantando coros. Sin embargo, escucha y hay un cambio importante... no hay guitarra eléctrica ni batería. Y eso esencialmente crea la plantilla para la tercera salida de Cash y Rubin juntos. Al igual que los dos primeros, hay una mezcla de canciones modernas de fuentes inusuales, junto con gemas ocultas del catálogo anterior de Cash y números tradicionales que moldearon a Johnny como artista. Pero lo nuevo de este álbum es el énfasis en los arreglos acústicos y un mayor número de duetos, incluida la incorporación de algunos personajes sorprendentes. En las creíbles manos de Cash, la canción principal, “Solitary Man” de Neil Diamond, se reinstala exuberantemente como una balada de country alternativo sin tonterías, recordándonos que su autor alguna vez fue capaz de esto, sin las fanfarronadas exageradas del mundo del espectáculo. El enfoque funciona con una amplia gama de opciones de canciones, quizás lo mejor de todo sin caretas como “Lucky Old Sun”, previamente manejada en versiones desde Broadway hasta bluegrass y Deadhead, pero dulce y contundente desde una mecedora vestido de cowboy. Llega el momento del plato principal, One, la clásica y quizás mejor canción de todos los tiempos que U2 haya grabado queda completamente destruida aquí cuando 'Man in Black' una vez más la hace totalmente suya, es como si el original nunca hubiera existido, la versión de Cash está hecha perfectamente en su estilo tradicional de guitarra acústica, con una voz que brilla de sabiduría y motivación. "Nobody" es la canción perfecta para Cash, considerando especialmente su edad. Aunque Cash no se sentía solo ni miserable como el personaje de la canción, hace un buen trabajo al interpretar a un anciano solitario y gruñón en este tema arropada en una manta de ironia: “¡Y hasta que no obtenga algo de alguien, en algún momento/no tengo la intención de hacer nada por nadie, en ningún momento!” un devastador y afectuoso golpe contra la invisibilidad y el olvido ofrecido por primera vez por otro maestro del disfraz de cantante, The Man In Blackface, Bert Williams. Will Oldham canta junto con Johnny Cash en el coro de "I See a Darkness". Líricamente, esta canción de Bonnie Prince Billy (Will Oldham) del álbum del mismo nombre es una de mis favoritas. Cash y Oldham realmente tienen un gran impacto emocional juntos, es increíble lo que hacen, canciones que han sido antiguas desde antes del nacimiento de Cash, tranformadas en canciones cantadas por esta persona, y que hacen que todas y cada una de ellas resulten brillantes y actuales, tan llena de melancolía que es difícil no quedar atrapado en él mientras lo escuchas, debo admitir que tenía los ojos ligeramente húmedos cuando la escuché por décima vez. Creo que Will Oldham todavía es propietario de esa canción, pero su dueto aquí con Cash hace que sea cosa de dos desde el segundo uno. Otro de los momentos más destacados es "The Mercy Seat" de Nick Cave, que aquí es mucho mejor que el ya excelente original, con su desarrollo oscuro hacia el final que crea magistralmente una atmósfera inquietante y sombría, esta versión de Cash suena claramente diferente a la original, la guitarra acústica, el órgano y el piano son todos oscuros y misteriosos, Cash es muy convincente interpretando el papel de un hombre condenado a muerte. Esta no es la primera vez que Cash canta sobre la pena capital, quizás de manera más memorable a través del humor negro de 25 Minutes to Go. Pero también está la cara 1 de The Sound of Johnny Cash en la que el personaje de cada canción muere al final. La muerte ha estado siempre presente en las canciones de Cash, por lo que, si bien estos álbumes estadounidenses han sido criticados por ser demasiado oscuros, su morbilidad no carece de precedentes.  

La revitalización irónica (y conmovedora) que una lectura madura puede darle a una canción de un joven no es más evidente que en la lectura de Cash de “Would You Lay With Me (In A Field Of Stone)”. Escuchar a este hombre de 68 años probar un posible amor por ser verdadero antes de entregarse a ella es más convincente y de alguna manera más “inocente” de lo que podría haber sido la versión adolescente de Tanya Tucker y David Allan Coe (el autor de la canción). estado. De todos modos, la canción es casi una canción de cuna infantil, y aquí es inolvidable. Luego viene una aparicion de un invitado notable, Sheryl Crow y June Carter Cash cantando junto con Johnny en Field of Diamonds. Cash me rompe el corazón una y otra vez cada vez que escucho 'Before My Time', en ella encuentra puntos en común con aquellos que vinieron antes que él y cantaron sobre “sangre sobre sangre”, y con aquellos que han venido desde entonces, algo menos común para los viejos campesinos. "Nada ha cambiado excepto los nombres", nos dice. Es la única canción original nueva que se encuentra aquí y es un tema sombrío y pacífico. La guitarra de Johnny pasa a un segundo plano aquí y su voz es lo más destacado aquí, lo que la convierte en una de las mejores del álbum. "Country Trash" y "I'm Leavin' Now" provienen de sus álbumes olvidados de los años 70 y 80, y ambos son muy divertidos, el primero autocrítico y el segundo desafiante, ambos manteniendo un gran sentido de humor, calidez y personalidad sobre ellos, es prima de “Million Dollar Bash” de Dylan y de las fuentes antiguas que lo inspiraron. Si bien es un poco floja, también es absolutamente encantador y tradicional. Luego, escondidos al final hay dos números aún más antiguos que los tradicionales del primer lado. En el final encontramos Mary of the Wild Moors, una canción británica de principios del siglo XIX sobre una mujer traicionada que se queda sola con su hijo. El otro original que se destaca es “I'm Leaving Now”, que reúne, por fin, a Cash y su amigo y compañero, el viejo Merle Haggard. Me vienen a la mente los enfrentamientos en pantalla “por fin, años después” de Charlie Chaplin y Buster Keaton en Limelight, o el Pato Lucas y el Pato Donald en Roger Rabbit. Esta vez no es una batalla de chicos malos, sino una cómica doble sacudida de lucha “a la salida”, y no parece que ninguno de los dos lo sea. Y el tema final, Wayfaring Stranger, es un himno estadounidense del siglo XIX que recupera el tema tan visitado de Cash de cruzar el Jordán hacia la paz después de la muerte.

American III: Hombre solitario es tan digno como cualquier otro álbum de la serie American Recordings para un fanático de Johnny Cash o incluso para alguien nuevo para él. Y aunque puede que no tenga tantas canciones reconocibles al instante como otras suyas, es un álbum excelente en el que Cash obviamente puso todo su corazón y realmente lo demuestra. Ya sean versiones bien hechas, clásicos originales de Cash o canciones nuevas, cada una está llena de pasión y sabiduría, lo que crea una de las músicas más emotivas, inspiradoras y conmovedoras que existen de la leyenda que es Johnny Cash.

1015.- You're So Vain - Carly Simon

You're So Vain, Carly Simon

     No secrets es el tercer álbum de estudio de la cantautora estadounidense Carly Simon. Este trabajo fue grabado en los Trident Studios de Londres bajo la producción de Richard Perry, y publicado el 28 de noviembre de 1972 por el sello discográfico Elektra Records. Para la portada se utilizó una fotografía tomada por el fotógrafo, ilustrador y diseñador gráfico estadounidense Ed Caraeff, y fue tomada frente al hotel Portobello, en Stanley Gardens en Nothing Hill de Londres. El disco llegó a situarse en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200 durante cinco semanas.

Incluido en este disco se encuentra su sencillo principal, You're So Vain, que permaneció también en el puesto número 1 de la listas de ventas estadounidenses durante tres semanas. La canción fue escrita por la propia Carly Simon, y es una balada que a través de su pegajosa melodía nos narra la historia de una relación pasada. La letra refleja la decepción y el desencanto de la cantante hacia un amante egocéntrico y vanidoso. Carly relata la arrogancia de su ex pareja y como esta actitud narcisista conduce al fracaso de la relación. 

La canción, a lo largo de su historia, está rodeada también de cierto misterio. Un misterio que viene por la incertidumbre de saber quien es el verdadero destinatario de la canción. A lo largo de los años han sido muchas las apuestas y las teorías sobre la identidad de esta persona. Una identidad que Carly ha mantenido en secreto durante décadas, y que no ha hecho más que añadir más misterio a la canción. Entre la multitud de teorías existentes, las más populares sobre quién inspiró la canción incluyen nombres como Warren Beatty, Mick Jagger o James Taylor (esposo de Carly en aquel momento). Durante todos estos años, Carly ha ido dando pistas vagas sobre la identidad de esta persona, pero nunca ha revelado quien es el protagonista de la canción.

You're So Vain se ha mantenido como un himno atemporal de la música pop y ha sido objeto de numerosas interpretaciones y versiones de otros muchos artistas. El atractivo y éxito de la canción radica en el misterio de la identidad del protagonista sumado a la pegajosa melodía y a unas letras que abordan temas como el amor, la desilusión y la vanidad.

BlackSabbath - Vol. 4. (Mes Black Sabbath)

 

Vol. 4, Black Sabbath

     En mayo de 1972 el grupo británico Black Sabbath se encierra en los Record Plant Studios de Los Angeles para grabar su cuarto álbum de estudio, Vol. 4. Este disco será el primero que no produzca Rodger Bain, recayendo tal tarea en el que era por entonces mánager del grupo, Patrick Meehan y en la propia banda. Pero quien realmente asumió prácticamente las tareas de producción fue el guitarista Tony Iommi. Sobre la producción del disco, Ozzy Osboune afirmaba: "Es el primer álbum que hemos producido nosotros mismos...  Anteriormente teníamos a Rodger Bain como productor, y aunque es muy bueno, realmente no sentía lo que estaba haciendo la banda. Fue una cuestión de comunicación. Esta vez lo hicimos con Patrick Meehan, nuestro mánager, y creo que todos estamos muy contentos... Fue genial trabajar en un estudio americano". El disco fue publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records. 

La grabación no estuvo exenta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran la sesiones de grabación. Sobre este asunto de las drogas, Ozzy en su biografía habla sobre las sesiones de grabación en Los Angeles: "A pesar de todos los problemas, musicalmente esas pocas semanas en Bel Air fueron las más fuertes que jamás hayamos tenido". También admitía: "Con el tiempo empezamos a preguntaros de dónde carajo venía toda la coca... esa coca era la sustancia más blanca, más pura y más fuerte que jamás puedas imaginar. Una inhalación y eras el rey del universo". Ozzy tambén relata la constante preocupación y ansiedad por la posibilidad de ser arrestados por este asunto en Estados Unidos, y que empeoró a raíz de ver la banda en el cine la película The French Connection (1971), sobre policías encubiertos en la ciudad de Nueva York que desmantelaban una red internacional de contrabando de heroína. Ozzy recordaba: "Cuando llegaron los créditos estaba hiperventilando". Geezer Butler también afirmaba que no fue consciente del problema que tenían hasta que llegó a casa y la chica con la que estaba no le reconoció.

La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantada haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Mcmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco llegó a alcanzar en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, mientras que la letra corrió a cargo del bajista Geezer Butler.

Este disco tiene su importancia, pues muestra un cambio, una evolución en el sonido de Black Sabbath, alejándose del enfoque puramente oscuro y pesado de sus primeros discos. El disco comienza con Wheels of confusion, tema que comienza con un riff poderoso y complejo que muestra ya desde el inicio la habilidad y maestría musical de la banda. La canción nos introduce en la vorágine de estar perdido entre las ruedas de la confusión, que es la forma en la que alguna vez nos hemos encontrado en la vida, perdidos sin rumbo. Tomorrow's Dream es una canción con rápido ritmo con el distintivo estilo de Iommi donde podemos apreciar el caracter potente y pesado de la banda, acompañado por la melancólica letra que canta Ozzy. Aunque el disco conserva el característico estilo pesado del grupo, en alguna canción se abren y muestran su lado más sensible, como en Changes, una balada de piano con mellotron. La canción se inspiró en la ruptura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de la mansión de Bel Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso la canción. Según Ozzy: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas desgarradoras letras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". La canción es toda una rareza en la obra del grupo, pues no incluye ni guitarra ni batería. Fx es una breve canción instrumental que consta de ruídos de eco del crucifijo que Tony Iommi lleva al cuello, golpeando su guitarra con efectos de eco adicionales. La canción surgió de forma espontánea, pues después de fumar hachís, el crucifijo que llevaba al cuello Tony Iommi empezó a golpear accidentalmente las cuerdas de su guitarra, y los demás miembros del grupo se interesaron por aquel extraño ruido. Tony definía esta canción como "Una broma total". Cierra la cara A Supernaut, canción que contiene unas crípticas letras que nos hablan del escapismo añadiéndole un toque de fantasía, y un poderoso riff de guitarra de Iommi, que no deja indiferente, pues el músico Beck Hansen ha catalogado este riff como su favorito de todos los tiempos. No solo a él le parece prodigioso, pues tanto John Bonham como el mismísimo Frank Zappa también lo nombran como uno de sus temas favoritos de siempre.

Snowblind abre la cara B, que es una clara referencia de la banda a la cocaína, la droga que consumían por aquel entonces. En las notas el grupo hace un juego de palabras de agradecimiento a "la gran COKE-cola Company", otra clara alusión a dicha sustancia. La banda quería que este tema fuera el título del álbum, pero la compañía discográfica se negó por razones obvias. Según Ozzy: "Snowblind fue uno de los mejores álbumes de Black Sabbath, aunque la compañía no nos permitió conservar el título... Porque en aquellos días la cocaína era un gran problema y no querían la molestia de una controversia". En esta canción colabora una orquesta en su grabación. Cornucopia es otra canción pesada con un pesado ritmo y con un excelente trabajo de Iommi con la distorsión de la guitarra. Es otro de los temas donde permanece intacto el característico estilo pesado del grupo. En Laguna Sunrise  el grupo muestra su evolución de sonido, un evocador instrumental de corte neoclásico. Después de estar despierto toda la noche y contemplar el amanecer en Laguna Beach, Tony Iommi compuso la canción. En el estudio, una orquesta acompaño al guitarrista, aunque dicha orquesta se negó a actuar hasta que sus partes estuvieran escritas adecuadamente. Es la misma orquesta que colaboró en Snowblind. El disco acaba con dos temas, la corta y enérgica St. Vitus' Dance, que muestra la versatilidad de la banda, y Under the Sun, que cierra el álbum con un poderoso riff mientras Ozzy nos habla de la inevitabilidad del cambio, un cambio que ni ellos mismos habían podido evitar al concebir este disco.

Vol. 4 muestra una firme evolución del grupo pero sin perder de vista su esencia, y además de estar considerado como uno del los discos clásicos del grupo, se convirtió en una clara influencia para infinidad de bandas de heavy metal que fueron surgiendo con posterioridad. 

1014 - Lou Reed - Perfect Day

1014 - Lou Reed - Perfect Day

"Perfect Day" es una canción del  músico y compositor Lou Reed, lanzada en su álbum de 1972, "Transformer". Esta canción es un ejemplo notable de la capacidad de Reed para crear letras poéticas y evocativas.

La canción se caracteriza por su melodía suave y la voz profunda y melancólica de Lou Reed. A primera vista, "Perfect Day" puede parecer una canción de amor simple, pero su belleza radica en su ambigüedad y sus versos cuidadosamente seleccionados que dejan espacio para múltiples interpretaciones.

Algunos oyentes la ven como una canción de amor aparentemente perfecta, mientras que otros sugieren un matiz de ironía o sarcasmo. Esto permite que "Perfect Day" resuene de manera única en cada persona que la escucha, lo que contribuye a su atemporalidad y a su estatus como una de las obras maestras del rock.

La canción ha sido utilizada en diversas películas y programas de televisión, lo que ha contribuido a su perdurabilidad en la cultura popular. En resumen, "Perfect Day" es una joya musical que captura la complejidad de las emociones humanas y sigue siendo una de las composiciones más destacadas en la extensa carrera de Lou Reed.

Daniel 

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1013.- Vicious - Lou Reed

"Vicious" es la primera canción del disco "Transformer" (1972) y un gran ejemplo del giro musical que, con la ayuda de su amigo David Bowie en la producción y los coros, Lou Reed quiso dar a su carrera y a sus nuevas composiciones. Era su segundo disco fuera del paraguas artístico de la Velvet Underground creada por Andy Warhol, pero el genial fotógrafo sigue siendo inspiración en las letras de "Vicious".

En palabras del músico neoyorquino, Warhol le dijo: ¿Por qué no escribes una canción titulada "Vicious"? Reed le respondió: ¿Qué tipo de "vicioso"? Y entonces Warhol le dijo: "Ya sabes, vicioso como alguien que te golpea con una flor". Lou Reed tomó la frase literalmente para la letra ("Vicious, I hit you with a flower...") y a partir de ella compuso el resto de una letra plagada de sarcasmo que en el disco Reed canta con un altanero e hipnótico desdén en la voz, que le da a la canción la carga irónica de parecer un sermón pronunciado por alguien aún más vicioso, rebelde y desfasado que el destinatario del mismo.

Musicalmente, la influencia del glam rock de Bowie es muy evidente, con su fiel escudero Mick Ronson poniendo el toque punk y glam rock con sus guitarras distorsionadas, y Reed acompañándole con la guitarra rítmica. La producción de Bowie es sobresaliente, y el arreglo rítmico de batería, congas y maracas con el que estos dos genios de la música completan la canción hace de "Vicious" una de las piezas más impactantes de "Transformer", y eso no es decir poco si tenemos en cuenta que es el disco de "Perfect Day", "Satellite of love" o "Walk on the wild side", entre otras.

1012 - Lou Reed - Satellite of love

1012 - Lou Reed - Satellite of love

"Satellite of Love" es una canción del cantautor estadounidense Lou Reed, lanzada en su álbum "Transformer" en 1972. Esta canción es una de las más destacadas de la carrera de Lou Reed y ha sido elogiada por su distintivo estilo y lírica evocadora.

La canción combina elementos de rock, pop y glam rock, y es conocida por su pegajosa melodía y armonías vocales. La letra de "Satellite of Love" habla de temas como la soledad, la distancia emocional y la necesidad de conexión humana. Lou Reed canta sobre su deseo de estar más cerca de alguien a quien ama, pero siente que está "en un satélite del amor" mirando desde lejos.

La producción de David Bowie en "Transformer" le dio a la canción un sonido único y distintivo que ha perdurado a lo largo de los años. La instrumentación y los coros de apoyo contribuyen a crear una atmósfera melancólica pero cautivadora.

A lo largo de las décadas, "Satellite of Love" ha sido versionada por varios artistas y ha aparecido en películas, programas de televisión y anuncios comerciales, lo que atestigua su duradera influencia en la música popular. La canción sigue siendo una de las favoritas de los fanáticos de Lou Reed y es un testimonio de su talento como compositor y músico.

Daniel 

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1011.- Walk On The Wild Side - Lou Reed

 

Walk On The Wild side, Lou Reed

     Transformer es el segundo álbum estudio del artista estadounidense Lou Reed. Dicho trabajo fue grabado en agosto de 1972 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Mick Ronson y de David Bowie, y publicado el 5 de noviembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Aunque su primer álbum tuvo cierto éxito, sería con Transformer cuando le llegaría el verdadero éxito, ya que este trabajo se convertirá con el tiempo en todo un himno del glam rock. Al igual que su primer disco, Transformer contiene canciones que Reed había compuesto mientras estaba en la formación Velvet Underground. Mick Ronson y David Bowie apostaron por producir Transformer ya que ambos habían sido influenciados por el trabajo de Reed en Velvet Underground. Bowie llegó a incluir notas en la portada de su disco Hunky Dory que hacían referencia al grupo de Reed, y  Mick Ronson, además de coproductor, colaboró en el disco como arreglista y músico de sesión tocando varios instrumentos.

Incluido en este álbum se encuentra todo un himno atemporal donde Reed nos habla de ese Nueva York del que nadie se atreve a hablar. Ese Nueva York al que los travestis se dirigían en busca de algo de fortuna y acababan ejerciendo la prostitución, todo un paseo por el lado salvaje de la ciudad. La canción no puede ser otra que  Walk On he Wild Side, Cada verso de la canción introduce un nuevo personaje, están Holly Woodlawn, Candy Darling, Joe Dallesandro, Jackie Curtis y Joe Campbell. Todos los personajes, al igual que Reed,  son compinches de la fábrica de Andy Warhol. Reed sentía empatía por todos estos personajes de la canción ya que el mismo estuvo luchando con su sexualidad durante la mayor parte de su vida. Sus padres incluso intentaron "curar" su homosexualidad cuando era joven. Según el propio Reed, fue la novela de Nelson Algren de 1956, A Walk on the Wild Side, la que le inspiró para crear la canción, y mientras avanzaba en la composición fue incorporando personajes de su propia vida. La canción también puede ser una alusión a la película Walk on th Wild Side de 1962, de Mack David y Elmer Bernstein, basada en la novela de Algren. 

Lo que está claro es que la canción no es solo uno de los buques insignia de Reed, es todo un himno generacional y atemporal que toca temas por entonces tabú como el de las personas transgénero, las drogas, la prostitución masculina o el sexo oral.

Black Sabbath - Master of Reallity. (Mes Black Sabbath)

El artista del mes: Black Sabbath - Master of Reallity #MesBlackSabbath

"Master of Reality": Un Viaje Profundo a la Oscuridad Musical de Black Sabbath

Black Sabbath, la banda que prácticamente inventó el heavy metal, alcanzó su punto culminante en 1971 con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, "Master of Reality". Este álbum no solo marcó un hito en la evolución del género musical, sino que también consolidó la posición de la banda como uno de los actos más influyentes en la historia del rock.

El álbum se abre con "Sweet Leaf", una canción que se ha convertido en un himno del rock, gracias a su inolvidable riff de guitarra y la voz distintiva de Ozzy Osbourne. La canción es un tributo al amor de la banda por la marihuana y establece inmediatamente la atmósfera psicodélica y pesada que dominará el álbum.

Lo que hace que "Master of Reality" sea verdaderamente especial es su sonido distintivo y su capacidad para explorar la oscuridad de manera musical. El uso de afinaciones de guitarra más bajas, especialmente en canciones como "Children of the Grave" y "After Forever", añade un peso adicional a las canciones, creando un aura de poder y misterio. Tony Iommi, el guitarrista de la banda, merece un reconocimiento especial por su habilidad para crear riffs que son al mismo tiempo pesados y melódicos.

La oscuridad de "Master of Reality" se manifiesta no solo en la música, sino también en las letras. "Lord of this World" y "Solitude" exploran temas de desesperación y alienación, mientras que "Into the Void" ofrece una visión sombría del futuro de la humanidad. Las letras de Black Sabbath en este álbum son introspectivas y a menudo pesimistas, lo que les dio una autenticidad y profundidad que resuenan con muchas generaciones de fans.

La estructura del álbum también es notable. Con solo ocho canciones, es relativamente corto en comparación con otros álbumes de la época. Sin embargo, esto juega a su favor, ya que cada canción tiene la oportunidad de brillar por sí misma. El equilibrio entre pistas pesadas y más suaves, como "Embryo" y "Orchid", muestra la versatilidad de la banda y su capacidad para crear una experiencia auditiva dinámica.

Una de las características más interesantes de "Master of Reality" es su producción. La banda optó por un enfoque más crudo y sin pulir en comparación con su álbum anterior, "Paranoid". Esto le da al álbum una sensación de autenticidad y una conexión directa con la energía en bruto de la música. Las guitarras suenan sucias y poderosas, la batería de Bill Ward es primitiva pero efectiva, y el bajo de Geezer Butler proporciona una base sólida para todo el conjunto.

La portada del álbum también es icónica, con su diseño minimalista y el logo de la banda. Este enfoque simple se suma a la atmósfera misteriosa y siniestra del álbum, sugiriendo que lo que te espera dentro es un viaje a lo desconocido.

En retrospectiva, "Master of Reality" no solo es un hito en la carrera de Black Sabbath, sino que también dejó una huella indeleble en la historia del rock y del metal. Su influencia se puede sentir en innumerables bandas posteriores que han adoptado el sonido pesado y oscuro que Black Sabbath perfeccionó en este álbum. Desde Metallica hasta Nirvana, la sombra de "Master of Reality" se extiende sobre la música que vino después.

En conclusión, "Master of Reality" de Black Sabbath es un álbum que merece ser celebrado y revisitado una y otra vez. Su combinación de letras sombrías, riffs de guitarra poderosos y atmósfera única lo convierten en una obra maestra del heavy metal y un testimonio del talento y la creatividad de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Si eres un amante del rock y el metal, este álbum es esencial en tu colección musical y sigue siendo tan impactante hoy como lo fue hace más de cuatro décadas.

Daniel

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1010.- You Turn Me On I’m a Radio - Joni Mitchell

Joni Mitchell es una de las intérpretes más veneradas e influyentes de su tiempo, pero su prodigiosa producción contiene muy pocos éxitos en las listas, en gran parte porque no escribió canciones del gusto popular aunque tiene varios álbumes clásicos en su haber y quizás sea mejor conocida por su melancólica obra maestra Blue , seguramente uno de los mejores álbumes de cantautores en una época repleta de ellos, pero un año después, escribió y grabó el subestimado For the Roses, una mirada íntima y poética a la desaparición de una pareja de celebridades, décadas antes de que Internet hiciera tan transparentes los altibajos de tales relaciones.

You Turn Me On, I'm a Radio' nació por el interés de su discografica por conseguir un éxito y, si bien carece de estribillo o ganchos obvios, la tematica de la canción que habla sobre locutores y emisoras de radio, lo que la ayudó a obtener una gran difusión. El tema se incluiría en el álbum For The Roses de Mitchell de 1972 y fue lanzado como el primer sencillo del LP y fue el primer gran éxito de Mitchell, alcanzando el puesto 25 en el Billboard Hot 100 y entre los diez primeros en su Canadá natal. Con una duración ordenada de 2:40, contiene una introducción de 19 segundos, lo que les da a los locutores mucho tiempo para hablar sobre la canción (¡y mencionar ese increíble título que tanto les gustaría) la canción cumplió su objetivo y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Mitchell en Estados Unidos como artista. Había llegado a las listas como compositora, con la versión de Judy Collins de "Both Sides Now" en el puesto número 8 en 1968 y la versión de Crosby, Stills, Nash & Young de "Woodstock" alcanzando el puesto 11 en 1970. Graham Nash, David Crosby y Neil Young participaron en las sesiones de la canción, pero en el lanzamiento final solo se utilizó una parte de armónica de Graham Nash. La letra de la canción es una metáfora en la que la narradora se compara con la radio de un automóvil y una estación de radio, con la esperanza de complacer a su oyente La estación siempre está ahí para servirle y, aunque no siempre tenga una señal clara, sabe lo que usted quiere escuchar, esta emisora de radio también podría verse como otra metáfora de una persona que también busca agradar. Vale la pena indicar que la canción se parece a "You've Got a Friend", una canción que recientemente había sido un éxito número uno para James Taylor (de quien algunos escritores han sugerido que es la persona a la que se dirige este tema) 

Disco de la semana 347 - Favourite worst nightmare - Arctic Monkeys

¿Es Favourite Worst Nightmare (2007) el "mejor medio disco" inglés de los 2000, o es solo la "peor pesadilla favorita" de mi familia?

Para contestar a tan existencial pregunta, tengo que remontarme a un disco de la semana anterior. Hace ya muchas lunas, recomendé en esta sección el álbum "Whatever people say I am, that's what I'm not" (2006), el glorioso disco de debut de los Arctic Monkeys. Tanto me gustó al escucharlo por primera vez, que comencé a buscar el resto de su discografía, y me cuidé mucho de hacerlo cronológicamente, para poder vivir la evolución musical de la banda a través de sus trabajos. No estuve solo en esa búsqueda y descubrimiento, y cuando en el cd del coche empezó a sonar "Brianstorm", el furioso y vertiginoso primer single, y la pieza con la que abre Favourite Worst Nightmare, mi mujer y mis hijos fueron también testigos de aquella tremenda tormenta sonora. Tras escucharlo entero, comenzó una pauta que se ha repetido hasta la saciedad en todos y cada uno de los viajes familiares, en los que llevar el segundo disco de estudio de los Arctic Monkeys en la guantera ha sido un requisito imprescindible.

La pauta consiste en escuchar del tirón las cinco primeras canciones del disco: La ya mencionada "Brianstorm", su gemela en intensidad "Teddy Picker" (un himno en toda regla y una auténtica lección magistral sobre como combinar melodía y ritmos de afiladas guitarras y baterías desatadas), la no menos vibrante "D Is For Dangerous" (tremendo tema que podría haberse llamado directamente Favourite Worst Nightmare y dar nombre al disco, ya que incluye la frase que le da título en el estribillo), la más experimental y pseudo-funk "Balaclava" (en la que el bajo de Nick O'Malley destaca por encima incluso del brillante ejercicio de sus compañeros), y "Fluorescent Adolescent", un medio tiempo brillante y pegadizo, que en mi opinión es la mejor canción del disco y una de mis favoritas de la banda.

A veces pienso en que la mal llamada "pesadilla" habría sido uno de mis grandes sueños cumplidos (el de encontrar alguno de esos escasos discos que son perfectos de principio a fin), si la segunda parte del álbum hubiera sido como el torrente sonoro y creativo de esas cinco primeras canciones, pero el segundo tramo de lo que, hasta ese momento, es un tren a toda velocidad, tiene vagones que siempre acabamos desenganchando. Es lo que ocurre con "Only Ones Who Know", balada minimalista e inoportuna que rompe la atmósfera del disco e interrumpe el subidón de adrenalina al que los Monkeys te llevan en los temas anteriores. Tras saltar ese tema, el jurado popular de mis viajes en coche indulta siempre a "Do Me A Favour", que comienza tranquila y va creciendo progresivamente, con cambios de ritmo y dos partes muy diferenciadas, y que sin llegar al nivel de las "big five" del arranque del disco, entra sobrada en la Q3 de un álbum que, por lo general, transcurre a velocidad de bólido de Fórmula 1.

Tras ese indulto esporádico e intermedio, el resto del disco intenta emular la intensidad de los primeros temas y la actitud de los hits del primer disco, pero la sensación al escuchar "This House Is A Circus", "If You Were There, Beware", "The Bad Thing" o "Old Yellow Bricks" es que la chispa ya no es la misma, motivo por el cuál de "Do Me A Favour" saltamos casi siempre a la canción que cierra el disco, la sublime y crepuscular "505" (con la colaboración en la guitarra de Miles Kane, con quién Turner fundaría su grupo paralelo "The Last Shadow Puppets"). "505" es la séptima elegida para la gloria, de un disco que llegó al primer puesto de las listas de ventas de Reino Unido, y del que todos sus temas entraron en el Top 200 del UK Singles Chart, siendo "Brianstorm" (puesto nº 2), "Fluorescent Adolescent" (puesto nº 60) y "505" (puesto nº 74) los más exitosos.

En conjunto, lo que más impresiona del segundo disco de los Arctic Monkeys, quizá sea el talento y el derroche musical de un grupo de adolescentes que aún estaban superando el acné juvenil, comandados por el desparpajo de la voz de su líder Alex Turner, las afiladas guitarras del propio Turner y Jamie Cook, el efectivo bajo de Nick O'Malley y, sobre todo, el descomunal trabajo de batería de Matt Helders. Entre todos, consiguen mezclar de manera brillante garage-rock, brit-pop, rock alternativo y post-punk, soltando ramalazos de punzantes guitarras sin perder con ello el gusto por la melodía, los cambios de ritmo y los estribillos efectivos. Algo así debió pensar mi hijo mayor cuando, al dejarle elegir en mi lugar el disco de la semana, optó sin dudarlo por Favourite Worst Nightmare. Para un "adolescente en plena fluorescencia", la respuesta a la pregunta que abría esta reseña era muy clara: Es el "mejor medio disco" que ha escuchado, y una "peor pesadilla favorita" imprescindible en cualquier viaje.

1009.- Mama Weer All Crazee Now - Slade

 

Mama Weer All Crazee Now, Slade

     Slayed? es el tercer álbum de estudio del grupo británico, pionero del glam rock, Slade. Fue grabado bajo la producción de Chas Chandler, y publicado en noviembre de 1972 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista nada menos que 34 semanas. También se convirtió en el disco más exitoso del grupo en Estados Unidos de la década de los 70, llegando a alcanzar el puesto 69 en dicho país y permaneciendo durate 26 semanas. En el año 2001fue incluido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir, y en el año 2010 la revista especializada Classic Rock consideró Salyed? como un "clásico esencial", incluyendo además que la grandeza y majestuosidad de este disco residía en las baladas melancólicas.

Incluido en este álbum se encuentra Mama Weer All Crazee Now, lanzada como sencillo principal del álbum. La canción llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de sencillos del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista durante diez semanas. Esta fue la primera canción que el bajista Jim Lea escribía por su cuenta, siendo la letra escrita por Noddy Holder, quien se inspiró al ver el escenario después de un concierto en Londres y observando el estado en el que habían quedado los asientos, al borde del destrozo. Entonces pensó que todos debían haber estado como locos aquella noche, lo que le sirvió de inspiración. La canción se tituló originalmente My My We're All Crazy Now, el cual fue cambiado por su mánager Chas Chandler, y el error ortográfico intencional que aparece se convirtió en una marca registrada del grupo, mucho antes incluso de que Prince hiciera algo similar.

1008.- Reelin' in The Years - Steely Dan

 

Reelin' In The Years

     En noviembre de 1972 la banda de rock estadounidense Steely Dan lanza su álbum debut, Can't Buy a Thrill. El disco es grabado en los estudios The Village Recorder de Los Angeles, California, bajo la producción de Gary Katz, y publicado en agosto de 1972 bajo el sello discográfico ABC Records. Está considerado uno de los discos más eclécticos de la banda, merced a su mezcla de sonidos que abarcan, soft rock, folk rock, jazz-rock y pop, y a unas letras muy filosóficas. El disco alcanzó un notable éxito comercial, llegando a alcanzar el puesto número 17 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Este disco es el único que presenta a David Palmer como vocalista, ya que fue reclutado después de que Donald Fagen expresara su preocupación a la hora de cantar en directo. Fagen fue convencido posteriormente para que asumiera el papel de vocalista principal en los siguientes discos. Estamos ante un disco con aroma a suave rock en el que se entremezclan otros elementos como el mambo, el swing, el jazz y los elementos latinos. En cuanto al título del álbum, es una referencia a la primera línea de la canción de Bob Dylan It Takes a Lot to Laugh, It takes a Train to Cry. La portada del disco presenta un fotomontaje realizado por Robert Lockart que incluye una imagen de una fila de prostottas paradas en una zona de Rouen, Francia, esperando clientes. Esta portada fue prohibida en España y sustituida por una fotografía de la banda tocando en concierto. 

Incluido en este álbum se encuentra Reelin' in the Years, que fue lanzada como segundo sencillo del disco. La canción llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 15 en las listas de Canadá. La canción nos habla sobre recordar momentos con una novia y también trata de una ruptura romántica. Curiosamente, este tema está dentro del estilo de canciones más populares de la banda, pero de las que menos gustaban a la banda, que la consideraban como una canción tonta pero eficaz. 

Steely Dan era conocido por su meticuloso trabajo con el sonido, cada nota debía ser perfecta. Esta canción a veces a sido criticada precisamente por eso, por incluir música convencional de los 70 demasiado pulida. El sólo de guitarra fue grabado por el músico de sesión Elliot Randall, que no era miembro del grupo y que había pasado por el estudio por invitación de Skunk Baxter mientras estaban grabando. Acabó tocando el solo de guitarra y fue grabado en una sola toma. La mezcla cuadrafónica de esta  canción tiene rellenos de guitarra solista adicionales de Elliot Randall que no se escucha en la versión estéreo de dos canales. En 1999, en la revista Classic Rock, el guitarrista Jimmy Page llegó a catologar el solo de Randall como su solo favorito de todos los tiempos.

1007.- Dirty Work - Steely Dan

"Dirty Work", incluida en "Can't Buy a Thrill" (1972), el disco de debut de la banda de rock y jazz fusión Steely Dan, es una elegante y melodiosa canción que destaca por sus efectivas armonías vocales, sobre una melancólica base musical de guitarras acústicas y órgano.

La voz principal corre a cargo de David Palmer, vocalista invitado para la ocasión, que aporta a la canción la calidez y emoción necesarias. Liderados por Donald Fagen y Walter Becker, Steely Dan siempre se caracterizaron por las armoniosas y suaves voces con las que arreglaban sus canciones, y "Dirty Work" no es una excepción a esa regla. 

Aunque a primera vista pueda parecer simplemente una balada suave, "Dirty Work" es una muestra de la capacidad de la banda de escribir canciones que son al mismo tiempo accesibles y emocionalmente profundas. Las letras hablan de un desengaño amoroso, y el protagonista se refiere a la traición de su pareja recordando los "trabajos sucios" que ha realizado a sus espaldas. El mensaje supura tristeza y desamor, pero la interpretación vocal y la melodía suavizan el conjunto y le dan un tono agridulce que se convertiría después en una seña de identidad en muchas otras canciones de Steely Dan.

Black Sabbath - Black Sabbath. (Mes Black Sabbath)

¿Fue el 13 de febrero de 1970 la fecha en la que nació el heavy metal? Antes de esa fecha, grupos como Led Zeppelin o Deep Purple habían bebido del blues y de esquemas clásicos para crear un rock eléctrico de gran intensidad y complejos desarrollos instrumentales, pero en la fecha antes comentada se publicó un disco que cambiaría el paisaje sonoro reinante hasta el momento: el álbum debut de Black Sabbath.

El disco "Black Sabbath" no solo abrió la puerta a un nuevo género musical marcado por una mayor oscuridad y dureza de sonido con respecto a bandas y conceptos anteriores, sino que lanzó internacionalmente a Black Sabbath como uno de los grupos más influyentes e icónicos del género recién creado y de la historia del rock en general. Formados en Birmingham en 1968, los Black Sabbath se componían de Tony Iommi (guitarra eléctrica), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y el carismático Ozzy Osbourne como vocalista.

El disco comienza con la canción que da título tanto al álbum como a la banda, la inquietante "Black Sabbath" y su célebre introducción conocida como el "Trítono del diablo", un icónico riff de guitarra que al instante se convirtió en referencia para los seguidores de la banda y del naciente heavy metal en general. Sombría y misteriosa, la canción describe a una figura oscura y siniestra, en un tono y una atmósfera lúgubres que predominarán a lo largo de las ocho canciones del álbum. Casi tan oscura es "The Wizard", pero aquí la banda da rienda suelta a un mayor derroche de destreza instrumental, y la inclusión de una hipnótica armónica la convierte en una pieza destacada y distintiva. El mago del título no es otro que Gandalf, el personaje de "El Señor de los Anillos", aportando al disco ese toque de fantasía épica y medieval que tan habitual sería después en el género del heavy metal.

Igualmente inquietante es "Behind the Wall of Sleep", con una marcada línea de bajo y una intensa interpretación vocal, y añadiendo para la ocasión un cierto aire psicodélico. La oscuridad sigue reinando en los surcos con "N.I.B.", en la que de nuevo es el potente bajo el que marca el camino hacia las sombras. Ozzy Osbourne pone aquí voz a un Lucifer enamorado, mientras la aportación de la guitarra eléctrica de Tony Iommi hace que la canción roce la categoría de obra maestra.

Tras tanta oscuridad, una canción como "Evil Woman" es, por su sonido más abierto y de blues rock, un resquicio de luz colándose entre los barrotes de una lúgubre mazmorra. Se trata de una versión de un tema de la banda británica Crow, pero encaja igualmente en el conjunto del disco. La luz que ha dejado entrar el blues no se disipa en el siguiente corte, "Sleeping Village", pieza instrumental que trae consigo inesperados aires frescos y melódicos, y que funciona como efectivo interludio antes de la de la gran pieza final.

Un disco tan oscuro solo podía terminar con una gran coda final. "Warning" es una gran versión extendida de la canción "Retaliation" de Aynsley Dunbar, plagada para la ocasión de largos solos de guitarra que la dotan de una intensidad y una energía enormes. Es una muestra más de la influencia del blues rock en el género, pero con un tratamiento totalmente diferente al de los anteriormente mencionados Led Zeppelin o Deep Purple, que tocaban con las cortinas descorridas, mientras que los Black Sabbath lo hicieron desde lo más profundo de un oscuro sótano, en el que reinan la oscuridad y la crudeza más opresivas.

1006.- Sweet Surrender - Tim Buckley

Greetings from L.A. es una oda al desmoronamiento cínico en Los Ángeles post-hippie, y las intensas lecturas de sus letras encapsuladas, a menudo inmaculadas, logran superar la escasa producción y los deslices en la aceleración del ritmo, por raros que sean. Una síntesis perfecta entre lo social y lo personal, la mentira y la verdad absoluta, el sexo y la desesperación, el vals de la guitarra acústica y los shakedowns de órgano y conga. Sin mencionar la inminente proposición edípica del hecho de que la palabra "¡mamá!" aparece al menos cien veces en este mismo disco. Lástima que la mayor parte de la comunidad indie nunca reconocerá esto como lo que es y seguirá aferrándose a a la dulce juventud de Tim, o, Dios no lo quiera, a su hijo. Después de todo, muchas personas consideran que muchos temas como la revolución sexual y California son demasiado abstractos e inadecuados para una existencia con gafas y suéteres, en cuanto a los demás, desahoguen su sexo sin sentido, esta es la herramienta elegida por el señor Tim Buckley y mas si se encuenta acompañado de el guitarrista de Cokefiend, Joe Falsia, un verdadero genio, déjame decirte que las guitarras de "Hong Kong Bar" en realidad respiran una fusión inaudita de folk, blues y boogie rock (piensa en esta última frase), y "Sweet Surrender". serpentea de manera tan inteligente y, al mismo tiempo, tan apasionada que está completamente más allá de toda descripción: un número de crooner ampliado más allá de toda medida, mezclado con ritmos latinos y adoración a la tecnología de los 70 sintetizada, y estas son las dos pistas que no son funk.

Y esta ultima canción, Sweet Surrender es la que vamos a destacar, vo tenía un amigo que sabía mucho de música, especialmente jazz, blues, música clásica y material para depresivos (Radiohead, Muse, etc.) y Tim Buckley. Un día voy a su casa y al cruzar el umbral de su puerta escucho los cánticos de música suave con una voz que me congela directamente. Por supuesto, con la curiosidad que tengo, le pregunté qué era, me dice el color y luego le digo que me acaba de matar, una vez más. ¡¡¡Me presentó a TIM BUCKLEY, nada menos que al Sr. Tim Buckley!!!. La canción que sonaba era Sweet Surrender. Se me erizaron los pelos de los brazos, provocando escalofríos por todo el cuerpo, y no voy a exagerar al decir que se me llenaron los ojos de lágrimas y lloré. ¡Era la segunda vez que me pasaba esto desde Nina Simone! Era magnífico ! Yo, fanático del punk, del hard metal, de los pogos y de otras agitaciones preadolescentes, allí descubrí otra naturaleza escondida en mí. Emocionalidad a través de la calma musical, la trascendencia vocal. Esta canción es LA canción, el asesino sin nombre que debes haber escuchado al menos una vez en tu vida, sentado tranquilamente, con los ojos cerrados o con los ojos mirando al frente y durante los 6'50 de la canción, la película de tu vida. Pasa, tus recuerdos resurgen, tu sensibilidad está al límite, la nostalgia llama a la puerta de tu corteza. Sensación única, sensación abrumadora. Experiencia única.

1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion

1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion

Black Sabbath, una de las bandas icónicas del heavy metal, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Su canción "Wheels of Confusion", proveniente de su álbum de 1972 titulado "Vol. 4", captura la esencia cruda y poderosa de su sonido característico.

La canción comienza con una introducción lenta y ominosa, creada por los riffs de guitarra de Tony Iommi y la voz distintiva de Ozzy Osbourne. Estos elementos establecen una atmósfera pesada que se adentra en los rincones más oscuros de la psique humana. A medida que la canción avanza, la batería de Bill Ward y el bajo de Geezer Butler se unen, creando una base rítmica que impulsa la canción hacia adelante con una intensidad implacable.

La letra de "Wheels of Confusion" aborda temas existenciales y de confusión mental, reflejando el estado de ánimo introspectivo y reflexivo que a menudo caracteriza a las canciones de Black Sabbath. Las letras exploran la lucha interna, el caos y la incertidumbre en el camino de la vida, y cómo estas "Wheels of Confusion" pueden hacer que uno se sienta atrapado y perdido. A pesar de la oscuridad en las letras, la canción también ofrece un sentido de catarsis a través de su intensidad y pasión musical.

La habilidad de Black Sabbath para combinar letras introspectivas con una instrumentación poderosa es evidente en "Wheels of Confusion". Los cambios de ritmo y las progresiones de acordes capturan la montaña rusa emocional que la canción intenta retratar. Desde momentos de calma y reflexión hasta explosiones de furia musical, la canción evoca una amplia gama de emociones en su audiencia.

"Wheels of Confusion" es un testimonio del legado duradero de Black Sabbath en la música. Su capacidad para explorar temas profundos y oscuros, al mismo tiempo que entregan un sonido que se convirtió en el molde para el género del heavy metal, es lo que hace que esta canción y la banda en su conjunto sean tan influyentes. A lo largo de los años, la canción ha mantenido su relevancia y sigue siendo un recordatorio de la maestría musical y lírica de Black Sabbath.

En resumen, "Wheels of Confusion" de Black Sabbath es una pieza musical que captura la esencia del heavy metal y la habilidad de la banda para explorar la psicología humana a través de su música. Con sus letras profundas, combinadas con una instrumentación intensa, la canción continúa dejando una impresión perdurable en la mente de los oyentes, llevándolos a un viaje emocional a través de las ruedas de la confusión.

Daniel 

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1004.- Changes Black Sabbath

 

Changes, Black  Sabbath

     Vol. 4 es el cuarto álbum de estudio de Black Sabbath. El grupo fue grabado en mayo de 1972 en los Record Plant Studios de Los Angeles, bajo la producción de Patrick Meehan y del propio grupo, y publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records. Este disco fue el primero no producido por Roger Bain, recayendo tal tarea en Patrick Meehan y en el propio grupo. La función de producción de Meehan, quien entonces era mánager de la banda, fue mínima, y aunque figuraba también el grupo, quien asumió realmente las tareas de producción fue el guitarrista Tony Iommi. 

La grabación estuvo repleta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran las sesiones de grabación. La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantadas haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Macmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco alcanzó en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, y las letras por Geezer Butler. 

Aunque la mayor parte del disco conserva el característico estilo pesado de la banda, en alguna canción muestran un lado más sensible, como en Changes, escrita por Tony Iommi (música) y Geezer Butler (letra), una balada de piano con mellotron.La canción se inspiró en la rupura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar el solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de una mansión de Bel-Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso Changes. Según Ozzy Osbourne: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas letras desgarradoras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". Changes es una rareza dentro de la obra de Black Sabbath, pues no incluye ni guitarra ni batería.