


Recuerdo perfectamente el momento en que me compré el Transformer de Lou Reed, un día cualquiera mientras rebuscaba entre los cd's de "Discos La Metralleta" en un sótano del centro de Madrid, cuando podías encontrar allí casi cualquier cosa que buscaras al asequible precio de 6 euros. Al ver a Lou Reed sombreado en amarillo y negro en la carátula pegué un respingo, y emocionado lo abrí para ver si el cd interior estaba en buen estado. Sorprendentemente, el cd era completamente plateado y sin ninguna inscripción o dibujo que demostrara que se trataba realmente del mejor disco del "poeta de Nueva York" y no de otro disco cualquiera, que por equivocación hubiera terminado en esa caja, y aunque la explicación más probable era que se tratara de un cd grabado, yo estaba tan cegado por la emoción que aquello me pareció un mal menor.
Para resolver mis dudas, me dirigí al mostrador de la tienda y le mostré al dependiente el extraño cd plateado y sin leyenda alguna, como si de un platillo volante extraterrestre se tratase. El hombre de la tienda, no sé si disimulando para no perder una venta, o igualmente abducido por el extraño objeto, lo puso en un reproductor de cd's para resolver el misterio. Cuando Vicious empezó a retumbar por toda la tienda, supe que ese disco acabaría en mi mochila, porque original o no, contenía una obra maestra histórica. Con las afiladas y distorsionadas guitarras glam rock de Reed y Mick Ronson aún sonando de fondo, en el que era el tema de sonido más Velvet Underground del disco, el dependiente me ofreció una rebaja para compensar por el cd interior, dejándolo en 5 euros. Quizá eso fuera una prueba más de que el cd era grabado, pero a mí ya me daba lo mismo, era más grande mi "vicio" por aquel disco que cualquier otro pensamiento más coherente al respecto.
Ya en casa, y escuchando el disco al detalle, la combinación de las guitarras sucias de Lou Reed y el toque brillante que le dan a las canciones la producción y las aportaciones de David Bowie me resultaron todavía más evidentes, y me reafirme en que estaba ante una auténtica joya irrepetible, aunque no exenta de momentos menos inspiradores como en Hangin' Round, que como su nombre indica no es más que un divertido intento de "dar vueltas" sobre el concepto de las estrellas de rock clásico y callejero con las que Reed se relacionaba en The Factory en los tiempos de Andy Warhol y la Velvet Underground. Es solo un respiro más o menos prescindible, antes de llegar a uno de los momentos cumbres del álbum y de la carrera del neoyorquino, la excelsa Walk on the wild side, una historia sobre travestidos, fracasados y otros personajes condenados a transitar por el "lado salvaje de la vida", con una letra que es casi cinematográfica y en la que la intensidad del bajo, los coros femeninos y el solo de saxofón son tan legendarios como la propia letra, sin duda una de las mejores de su carrera.
Tras el paréntesis de New York Telephone Conversation, una anecdótica pieza de relleno en clave de comedia teatral con base de piano, sobre la ligereza y los cotilleos de las conversaciones telefónicas, llega la traca final con dos canciones tan contrapuestas como brillantes: I'm So Free es el rock alegre y vitalista, y la libertad y la alegría de su letra y de sus arreglos contrasta con el tono sombrío y bohemio de Goodnight Ladies, más cercana a las canciones ebrias y cabareteras de Tom Waits, en la que la tuba hace de nuevo su aparición en el disco, y el saxofón se luce junto a la voz profunda y deprimida de Reed.
Al ponerlas juntas al final del disco, es como si fueran parte de una misma escena cinematográfica, que comienza en un estado de alegría y optimismo extremos, que a lo largo de la noche se van transformando en decepción y resignación, como si el "día perfecto" de esa otra gran canción del disco no terminara como habríamos esperado, y solo quede volver a casa haciendo eses y apoyándose en cada farola del camino, con la esperanza de que, a la mañana siguiente, el nuevo día sea aún más perfecto, los cd's plateados sean claramente auténticos, y los dependientes sigan haciendo buenos descuentos. Hasta entonces, y como dice el bueno de Lou Reed para cerrar este enorme disco: ¡Buenas noches, señoritas!
The Times They Are A-Changin’ esta lleno de sangre hirviendo, crítica las deficiencias de la sociedad y señala con el dedo directamente a una clase dominante injusta que simplemente esta afilando sus cuchillos para el festín industrial militar que están a punto de desatar en el mundo. En 1963 el Sr. Zimmerman estaba experimentando mucha presión indirecta por parte de sus colegas de música folk (y también de la compañía discográfica) que querían que presentara un verdadero álbum de canciones de protesta. y lo que entregó fue su primer álbum compuesto únicamente por canciones originales, y en donde vemos que Dylan esta preparado para todo, no es un álbum tan brillante como el anterior, ya que probablemente adolece de homogeneidad y lo tiñe de un aspecto oscuro que no habíamos visto hasta entonces, el humor de su debut se ha desparecido, ya no hay canciones de amor despreocupadas, aqui solo hay un conjunto de canciones crudas y brillantemente observadas sobre el ambiente tenso en el que Dylan estaba rodeado en los años sesenta.
La letra de 'The Times They Are A-Changin' es excelente y la melodia se convirtió en bandera de un movimiento empeñado en cambiar el mundo para mejor, es un comienzo simple aunque conmovedor del viaje que uno emprende con este álbum. En Girl from the North Country la guitarra es más fina, más cansada, la voz humilde y distante se hace eco del sentimiento lírico de navegar a través de ese océano solitario de alguien a quien amas de verdad, amantes de la larga distancia, prepárense para llorar dulcemente en sus almohadas. The Balad of Hollis Brown es oscura y demoledora hasta la médula, cuenta la historia de un granjero de Dakota del Sur que, abrumado por la desesperación de la pobreza, mata a su esposa, a sus hijos y luego a sí mismo, una canción muy dura y deprimente. Otras destacada es With God on Our Side, de alguna manera es una secuela de Masters of War, criticando la actitud de mente cerrada y desinteresada de la sociedad humana, relacionada con quién tiene el derecho último (en contexto 'Dios') de su lado. Only a Pawn in Their Game advierte sobre los antecedentes de racismo de las élites blancas ricas en los EE. UU., que llevaron al asesinato del activista de derechos civiles Medgar Evers. Dolorosa, honesta y descorazonadora. When the Ship Comes In es una pequeña cancioncilla áspera llena de hermosas imágenes construidas alrededor de la llegada de un barco como metáfora de la victoria, presumiblemente una victoria del movimiento de derechos civiles. Con el disco a punto de acabarse, pasamos a una canción tan trágica como asombrosa, 'La saqué de un periódico y cambié la letra', dijo Bob Dylan sobre esta historia de racismo e injusticia a manos de Billy Zatzinger, un hombre que quitó a una persona de raza negra, de la que habla la canción The Lonesome Death of Hattie Carroll y solo cumplió 6 meses por su crimen, su villanía fue apropiadamente inmortalizada por Dylan. Podiamos seguir mencionando mas canciones pero nos quedamos aqui, si te gustan sus álbumes optimistas, te ofrece varios en su discografía, pero si te apetece algo un poco más sombrío, Dylan lo hace aquí muy bien, puede que resulte un album demasiado serio, y tal vez no haya envejecido tan bien como algunos de sus mejores trabajos, pero sigue siendo una obra genial de Dylan.
Este álbum debut de Leonard Cohen es uno de mis álbumes
favoritos y es quizás el álbum más perfecto jamás grabado. Es perfecto en el
sentido de que prácticamente no hay pasos en falso y cada canción es genial y
memorable (al menos). Como ha señalado el propio Bob Dylan, lo que la gente
tiende a olvidar con Cohen es su talento para la melodía, así como su lirismo,
y ese es un factor importante en el éxito de este álbum. Su poesía no tiene
rival, como sabemos, pero piensa en la progresión melódica de Sisters of Mercy
, o en el optimismo melancólico que irradia Master Song, donde las palabras
informan el tono, pero la música también dirige sutilmente esas emociones….
aunque la mayoría de sus cualidades están más allá de toda descripción, y
realmente solo necesitan ser escuchadas y sentidas por ellos mismos. Solo
hablaré de todas las canciones.
The Stranger Song es una tapada entre tantas obras maestras en el álbum y lo hace de manera sencilla, solo con la voz, unos pequeños toques de guitarra, pero adornada con una letra realmente desgarradora e inquietante, hay que detenerse con delicadeza en el tema y saber disfrutar de esta pequeña obra oculta, prepárate a sentir con la voz de Cohen. Sister of mercy, podría ser mi segunda canción favorita del álbum y es que te detienes en la letra y te abrumas " Se tumbaron a mi lado, me confesé ante ellas, Tocaron mis ojos y yo toqué el rocío en sus ropas, Si tu vida es una hoja que las estaciones arrancan y condenan, Te cegarán con un amor que es delicado y verde como un tallo ".
Letras como esa son la razón por la que la poesía en la música es tan genial. El mensaje llega de una manera que puede aplicarse a la vida de casi cualquier persona y las palabras en sí mismas están tan perfectamente sintonizadas con la música que las palabras se convierten en música. El arreglo musical, con zanfona, acordeón y cuerdas ligeras, realmente lo hace interesante y hace un buen trabajo al aumentar la melodía sin abrumarla. También le dan un cierto tono de celebración a la pieza, aunque no estoy seguro de si pretendía ser irónico o no. Escuchar algo así de feliz de Cohen sería simplemente extraño, ya ves... So Long Marianne es la canción más "optimista" del álbum, lo que significa que cuando no tengo cuerpo para la tristeza del resto de las canciones, esta es la que me da por cantar al viento- Parece tener un toque escocés, y tiene cantantes de coros femeninas que se suman a la canción perfectamente. "Te fuiste cuando dije que tenía curiosidad / nunca dije que era valiente".Hey, that's no way to say goodbye, es una de las canciones más conocidas del álbum aunque reconozco que personalmente no me parece de lo mejor, quizás la aúpa que sea un tema más “fácil” y por momentos puede parecer cursi, pero Cohen ha sabido darle su toque y convertirla en un una canción inquietante, espiritual y honesta. Stories of the Street puede ser también una de las canciones que a priori te puede atraer menos del álbum, quizás una de las más planas, si bien hay que entender que venimos de un nivel muy alto, pero, aun así, basta bucear un poco en su letra para terminar estremecido… “Con una mano en un hexagrama, y una mano en la chica, hago equilibrio sobre el pozo de los deseos al que todos los hombres llaman el mundo. Somos muy pequeños entre las estrellas, muy largo es el cielo; y perdidos entre las multitudes de los subterráneos, intento llamar tu atención”. Teachers es otra joya escondida. Nunca una canción sobre tener problemas para conocer mujeres, parecía tan dolorosa, profunda y honesta. One of Us Cannot Be Wrong, es probablemente la canción más "deprimente" de este álbum ya de por sí deprimente. Es un gran acercamiento a los dolores y frustraciones del amor. La letra de cierre y la dolorosa armonización del tono desafinado al final, ponen un gran remate a este álbum perfecto.
Italia es un país donde la canción ha estado presente en toda su historia, pero nos vamos a detener en una de las personalidades más eclécticas y originales en la escena italiana en las últimas décadas, ha pasado por múltiples estilos musicales: inicios románticos, música experimental, vanguardia culta, ópera, música étnica, rock progresivo y música pop siempre logrando plasmar un gran éxito de público, construyendo una carrera inigualable, que también lo ha visto probar suerte en la dirección cinematográfica.
Nacido el 23 de marzo de 1945 en la provincia de Catania, después
de la muerte de su padre decide mudarse a Roma y posteriormente a Milán en
1965, donde publica dos singles para la revista de rompecabezas Nuova
Enigmistica Tascabile, que incluía discos de canciones famosas interpretadas
por cantantes poco conocidos, que hoy tienen un valor de colección muy alto. En
estas dos ocasiones, el artista aparece con el nombre de Francesco Battiato.
Con el paso a EMI en 1979 vuelve a la canción con ecos
orientales sin ceder nunca al gusto imperante, y obtiene un extraordinario y
merecido éxito de público en álbumes como La
era del jabalí (1979 ), Patriots
(1980), La voce del padrone (1981,
las primeras 33 rpm italianas en superar el millón de copias vendidas), Noah's Ark (1982), Lost Horizons (1983), Mondi
faranissimi (1985), Fisiognomica
(1988), Giubbe rossa (1989, su
primer disco en directo), Like a camel
in a gutter (1992), Cafè de la Paix
(1993) y El paraguas y la máquina de
coser (1994), último disco de EMI, realizado sobre textos de la el filósofo
Manlio Sgalambro, quien luego se convertirá en su colaborador más cercano.
Varias de sus canciones han entrado de lleno en la historia
de la música, no solo la italiana: basta mencionar La era del jabalí, El rey
del mundo, Up patriots to arms, Nevskji Prospect, White flag, Permanent center
of gravity, Cuccuruccuccu, Radio Varsovia, quiero verte bailar, Los trenes de
Tozeur (con el que en 1984 ocupó el quinto lugar en el Eurofestival emparejado
con Alice), La temporada del amor, La Cura y muchas otras, incluida la famosa
Patria Povera, una acusación muy dura contra poder político y poder en general.
En su música hay una búsqueda profunda y constante de la espiritualidad: ser
mencionado sobre todo Y vengo a buscarte, El océano del silencio y La sombra de
la luz.
En 1994 comienza a colaborar con el filósofo Manlio Sgalambro y la discográfica Virgin en álbumes de gran éxito como L'amboscata (1996), Gommalacca (1998), Ferro battuto (2000) y Ten stratagemmi (2004). Las canciones de esta época son menos utilizables, quizás con un sonido más difícil para el gran público que, sin embargo, siguen sin abandonarlo, y con razón, partiendo de la extraordinaria La cura (declarada en 1996 mejor canción del año y en 2005 votada como mejor canción de amor de los 90), luego Strange days, Shock in my town, The dance of power, Running contra la corriente (cantada con Jim Kerr de la banda Simple Minds) Hermenutics y Between sex and chastity. Continuando con su investigación sonora en territorios del rock y la electrónica, el artista publicó Gommalacca, estrenada en otoño de 1998, que representa uno de los mayores éxitos del artista y, al mismo tiempo, uno de sus experimentos musicales más atrevidos. Con el fin del milenio, el artista vuelve a huir del formato de canción y por encargo del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino graba para Sony los siete movimientos experimentales que componen el disco Magnetic Fields . La obra es un regreso momentáneo a las tendencias de vanguardia de principios de los setenta, ahora filtradas por el uso de la tecnología digital moderna. El disco se alterna con continuos flujos y muestreos electrónicos, ataques de percusión repentinos que dejan espacio para grabaciones líricas y de piano. No faltan las partes recitadas que tratan en particular de la ciencia empírica.
En el otoño de 1999, el cantautor
siciliano lanzó un nuevo álbum titulado
Fleurs , totalmente apoyado solo por piano y cuarteto de cuerdas. Es un
"álbum de portadas conceptual" compuesto (además de dos canciones
inéditas) de otras diez canciones, la mayoría de las cuales datan de los años
cincuenta y sesenta, todas arregladas para conjuntos de cámara. Repetiria en
2002 con Fleurs 3 y en 2008 con Fleurs 2 a pesar de no desearlo (si,
Battiato decidió nombrar al segundo con el número 3 para evitar sacando discos
de esta colección, pero no le sirvió de nada). La segunda década del siglo XXI,
Battiato la dedico a la experimentación más agresiva con Open Sesamo y Grupo
experimental de Joe Patti para cerrar en 2019 con un disco recopilatorio
grabado con la Royal Philharmonic Orchestra de Londres.
Todo tiene un principio y un final. Hasta las cosas más impensables, como que los Beatles fueran a separarse, o que después de hacerlo, no volvieran a reunirse. Todo el mundo albergó esa esperanza desde principios de los setenta, ese "es cuestión de tiempo", "se sentarán a hablarlo y lo solucionarán" o "volverán por una oferta suculenta e irrechazable". Pero en realidad, el final de los Beatles había sido simple y rotundamente eso: El final de los Beatles.
En la vida hay que quedarse siempre con los bueno, y lo bueno en este caso es que los cuatro tuvieron la oportunidad de expresarse en solitario, de probar otras cosas, y en el caso de John Lennon esa experiencia le llevó a Nueva York, a concienciarse sobre los problemas sociales, las desigualdades y el racismo todavía imperante en muchos aspectos de la sociedad estadounidense. Y cuando por fin más integrado estaba en la sociedad y en la ciudad que nunca duerme, el 8 de diciembre de 1980 un tipo llamado Mark David Chapman truncó cualquier esperanza de poder ver hacia dónde se habrían dirigido el Lennon músico y, simplemente, el John persona. No hay marcha atrás posible en la muerte, ni segundas oportunidades. No hubo "solución con el paso del tiempo", ni se le pudo hacer volver del más allá por una "oferta suculenta e irrechazable".
John Lennon ya no está con nosotros, aunque siempre estará en nuestro recuerdo. Y podremos traerle de nuevo, siempre que queramos, en iniciativas como este #MesJohnLennon que también, estos días, toca a su fin, y gracias al cual hemos hecho un extenso y emotivo repaso a todos sus discos en solitario, para recordar una vez más tanto la brillantez de sus momentos más álgidos, como los arriesgados desvarios sonoros en los que se sumergió en ocasiones, con los que fuimos indulgentes y comprensivos como lo seríamos con un hijo pródigo en el que siempre creeremos, porque le vimos crecer y deslumbrarnos con la irrepetible magia de sus canciones.En unos días desvelaremos la identidad del nuevo protagonista del mes de 7días7notas, otro genio indiscutible de la música, con curiosas conexiones con el último Lennon y su trágico final. De hecho, cuenta la leyenda que el asesino de Lennon manejaba como alternativa, en el caso de que el plan de matar a Lennon no fuera factible, asesinar a este otro gran mito de la música, con el que Lennon había colaborado en uno de sus discos recientes, y que se encontraba precisamente en Nueva York haciendo su propia transición hacia el exilio de la Gran Manzana, protagonizando una obra teatral sobre la desdichada vida del conocido como "Hombre Elefante".
Para finalizar y como conclusión quería comentar que tras su
audición veo que uno de los platos fuertes del álbum es que retrata a una
pareja de clase media ordinaria proyectando su vida, un disco sencillo que
muestra sus pensamientos, su amor, sus dificultades, la experiencia que
vivieron al envejecer. En pocas palabras están diciendo que no sabemos qué está
mal o qué está bien, simplemente vivimos una vida normal y tratamos de estar
bien, algo que los separa de la actitud de finales de los 60 y principios de
los 70.
Hace 40 años, John Lennon y Yoko Ono lanzaron su álbum de regreso, Double Fantasy. Esta publicación marcó el primer lanzamiento de Lennon desde su retiro autoimpuesto de cinco años del negocio de la música en 1975, tiempo durante el cual se describió como un "marido de casa" y paso eso años en Manhattan criando al hijo de la pareja, Sean, mientras Yoko administraba las finanzas de la pareja. Tras el lanzamiento del álbum, Lennon hizo una entrevista en la que dijo que sus canciones en Double Fantasy salieron solas. Contrariamente a lo que Lennon le dijo a la revista, la mayoría de la música de Double Fantasy en realidad data de varios años atrás, y no fue la única música que compuso durante su "retiro". Lennon había comenzado a grabar demos en 1976 para un par de proyectos que nunca vieron la luz del día: un séptimo álbum de estudio no realizado llamado Between The Lines, y un musical basado en su vida con Yoko, llamado The Ballad Of John And Yoko. La música y las letras de ambos proyectos inconclusos se abrieron camino en las canciones firmadas por Lennon en este disco
Cuando Lennon viajo a las Bermudas en junio de 1980, trajo
consigo una guitarra acústica y docenas de cintas de casete grabadas, que
contenían fragmentos de canciones, que finalmente se convirtieron en
"(Just Like) Starting Over" y "Beautiful Boy (Darling
Boy)", allí fue también donde compuso "Woman", una canción a la
que en broma se refirió como "la pista de los Beatles" debido a sus
armonías intrincadas y relajantes. Estas canciones, junto con "Watching
The Wheels" ya terminada, se convirtieron en la base de Double Fantasy.Después
de varios días de preproducción con los músicos en el apartamento de la pareja
en el Upper West Side, el Dakota, y en los estudios SIR, John y Yoko comenzaron
oficialmente a grabar Double Fantasy el 7 de agosto de 1980 en Hit Factory en
West 54th Street entre las avenidas Ninth y 10th. .
Cuando Double Fantasy finalmente se lanzó el 17 de noviembre
de 1980, las críticas fueron variadas. Algunos críticos criticaron a Lennon
porque creían que las canciones de Double Fantasy mostraban que había perdido
su personalidad porque muchas de las canciones trataban sobre las alegrías de
la paternidad y la felicidad doméstica. Y, en un extraño cambio, las pistas de
Yoko, que en realidad fueron arregladas por Lennon, recibieron muchas críticas
favorables por lo que algunos críticos llamaron su uso innovador de ritmos de
baile orientados al funk. El 8 de diciembre de 1980, el día en que Lennon fue
asesinado, el primer sencillo del álbum, "(Just Like) Starting Over",
había alcanzado el número seis en la lista de sencillos y Double Fantasy
acababa de llegar a las listas de álbumes. Menos de tres semanas después de la
tragedia, el 27 de diciembre de 1980, "(Just Like) Starting Over"
encabezó el Billboard Hot 100 durante la primera de cinco semanas, mientras que
Double Fantasy llegó a la cima de las listas de álbumes durante ocho semanas. Después de la muerte de Lennon, se lanzaron
otros dos sencillos de Double Fantasy : "Woman", que pasó al número
dos, y "Watching The Wheels", que alcanzó el puesto número diez. El
24 de febrero de 1982, Double Fantasy recibió el premio Grammy de 1981 por
Álbum del año. La ceremonia marcó la primera aparición pública de Sean Lennon,
de seis años, cuando acompañó a su madre al podio para recoger el premio.
40 años después, Double Fantasy es un buen álbum, tiene un par
de canciones realmente geniales. Pero el asesinato de John Lennon y Double
Fantasy están indisolublemente vinculados. Evaluar el álbum independientemente
del asesinato, incluso 40 años después, es imposible.
La música en historias: Walls And Bridges #MesJohnLennon
En Inglaterra el álbum Walls And Bridges sale a la luz en el año 1974, será el noveno álbum en la carrera en solitario de John Lennon.
El álbum ingreso al ranking el 19 de octubre y llego solo al numero 6, permaneciendo en total durante 10 semanas en las listas de éxitos de Inglaterra.
En Estados Unidos se publico el 26 de setiembre de 1974. Fue número uno en la Billboard y disco de oro, permaneciendo durante 35 semanas en las listas.
John Lennon se inspiró en un encuentro futbolístico entre Arsenal y Newcastle para diseñar
la portada del álbum, la portada es un dibujo hecho por John Lennon en 1952 cuando era un niño. El dibujo es una recreación de la final de la FA Cup de 1952 entre los clubes Newcastle United y Arsenal, cuando el chileno Jorge Robledo anota el gol del partido, cerca del galés Walley Barnes y los ingleses George Swindin y Jackie Milburn.
El álbum fue grabado en los estudios Record Plant de Nueva York entre junio y julio de 1974 durante el periodo en que Lennon estuvo separado de Yoko Ono. A excepción de Nobody Loves You que se grabó en Los Ángeles. Versiones alternativas de varias de estas pistas se publicaron en Menlove Avenue en 1986.
Otras canciones que también se grabaron durante estas sesiones, Goodnight Vienna un demo, escrita especialmente para Ringo Starr. Only You, otro demo para Ringo. Move Over Mrs. L. una canción escrita originalmente para Keith Moon.
En principio la idea de John Lennon era darle un sonido acústico a las canciones de este disco, y aunque Elton John influyo en la inclusión de más instrumentos, el concepto original prevaleció en algunas canciones.
En el disco participaron varios músicos, entre los cuales se destacan Elton John, Arthur Jenkins entre otros.
Las canciones que contiene el álbum son, Lado A: Going Down On Love, Whatever Gets You Thru The Night, Old Dirt Road, What You Got, Bless You, Scared. Lado B: #9 Dream, Surprise, Surprise (Sweet Bird Of Paradox), Steel And Glass, Beef Jerky, Nobody Loves You (When You’re Down And Out), Ya Ya.
John Lennon no sabia cual canción debería ser el sencillo principal del álbum, y solicitó la ayuda de Al Coury, el vicepresidente de marketing de Capitol Records. Lennon quedó impresionado con la actuación de Al Coury que hizo que el álbum tenga un éxito comercial tremendo. Y fue el mismo Al Coury quien eligió Whatever Gets You Thru the Night como primer sencillo.
En la canción Ya – Ya, donde Julian Lennon toca la batería. John sorprendió a Julian al incluir su nombre en los créditos del álbum. Y según recordó May Pang, Julian le dijo a John: ¡Si lo hubiera sabido, lo iba tocar mejor!
La primera edición en CD se publico el 20 de julio de 1987 sin ningún bonus track. El 4 de octubre de 2010, en conmemoración del 70 aniversario del nacimiento de John Lennon, fue reeditado como parte de Signature Box.
Cuando se le preguntó su opinión sobre Walls And Bridges durante la conferencia de prensa de su gira norteamericana de 1974, George Harrison lo describió como un álbum “encantador“. Ringo Starr dijo que admiraba todo el trabajo de Lennon, excepto Some Time in New York City, y elogió a Walls and Bridges como “el mejor álbum de los últimos cinco años“. Paul McCartney dijo que era un “gran disco“, pero agregó: “Sé que puede hacerlo mejor“.
En 2003, Hawley lanzó Lowedges, cuyo título hace referencia a uno de los barrios de Sheffield, quizá (¿por qué no?) similar a "Las Margaritas", el humilde barrio obrero en el que se levantaba el primer estadio del Getafe C.F, y en el que, en sus pequeñas calles con nombres de flores, pasamos la eterna primavera de la infancia, y el sofocante verano de la adolescencia. A Lowedges le seguiría Coles Corner, considerado su obra maestra, y llamado así por el lugar de Sheffield en el que los enamorados quedaban siempre al comienzo de sus citas. En este punto, es inevitable el paralelismo con la "Plaza del General Palacio" o, simplemente "La plaza Palacios", obligado punto de partida del Getafe nocturno de los noventa.
Más difícil es encontrar un alma gemela getafense para Lady's Bridge, llamado así por un puente situado en el centro de Sheffield. El enterramiento de la vía del tren, entre las estaciones de Getafe Centro y Las Margaritas derribó todos los puentes que unían estos barrios con el de La Alhóndiga, impidiendo entre otras cosas que este artículo pudiera quedar más redondo. Discos posteriores, como Truelove's gutter (una vieja calle de Sheffield) o Standing at the Sky's Edge (ladera con vistas al centro de la ciudad) continuaron esta tendencia tan marcada de Hawley de homenajear a su ciudad, pero para su octavo disco de estudio, pareció comprender que la evolución era necesaria, y que la nostalgia finalmente acaba por estancarnos, no permitiéndonos crecer e "ir más allá" (Further). Con este disco, realizó su primera entrega sin referencias claras a Sheffield, pero con todas las señas de identidad de sus mejores obras.
Las rotundas guitarras de Off My Mind muestran un esfuerzo por la renovación, y aunque en toda huida hacia el futuro hay momentos en los que nos sentimos solos (Alone), la reconfortante mirada hacia atrás (My Little Treasures) solo tiene sentido si el camino nos lleva hacia adelante. La profunda voz de crooner de Hawley, y su habilidad para las intensas composiciones melódicas, nos terminan de conquistar precisamente en Further, la canción que da título al disco, si es que no lo han hecho ya en los cortes previos. Durante el largo viaje, hay momentos para la sonrisa acústica y agridulce (Emilina Says) o el orquestal y épico deseo de desconectar y trasladarse a momentos más felices (Is there a pill).
Hay también encuentros con bellas cocineras (Galley Girl) con las que luchar contra el sentimiento de soledad (Not Lonely), hasta conseguir que la melancolía se desvanezca y que el tiempo esté por fin de nuestro lado (Time is). El viaje de Hawley es elegante, y el tren de la medianoche (Midnight train) camina seguro y firme por los raíles, sin apenas caer en baches creativos, y llegando con entereza al cierre del disco, una paradójica declaración de apertura frontal de las puertas de la mente (Doors). Getafe nunca ha dado al mundo, como Sheffield, músicos de la talla de Pulp, Arctic Monkeys o el propio Richard Hawley, al que agradecemos profundamente que haya dejado este Further sin un origen establecido, para que podamos adoptarlo aunque sea por un momento, y poner con él en nuestras cabezas una bella banda sonora que acompañe a las alicaídas calles de otras ciudades, que como Getafe atravesarán la primera Navidad sin el colorido y el calor de la gente caminando, sin miedo al contagio, por todos esos rincones que habrían merecido poner título al disco de nuestras vidas.
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Mind Games, John Lennon |
A John Lennon parecían perseguirlo los problemas en la época previa a la gestación de Mind Games. Su anterior disco con Yoko Ono y la Plastic Ono Band, Some Time in New York City, había supuesto un estrepitoso fracaso, pero la mayoría de sus problemas vienen derivados de su gran activismo político en pro de la contracultura. Lennon interviene en multitud de actos en contra de la guerra de Vietnam, y el detonante se produce cuando el gobierno de Nixon empieza a oir rumores de la participación de Lennon en un concierto que se va a celebrar en en San Diego durante la Convención Nacional Republicana. Nixon cree que las actividades de Lennon pueden costarle la reelección, y en marzo de 1972 el gobierno de Nixon comienza una ofensiva contra Lennon iniciando contra él un proceso de deportación.
A mediados de 1973, en medio de este periodo tan convulso, con una cruzada personal contra su persona, con el fiasco de su anterior disco con Ono y la Plastic Ono Band, y con un crisis matrimonial que acaba con la separación temporal de Lennon y Ono, período conocido como el "Lost Weekend", Lennon publica bajo el sello discográfico Apple Records su tercer álbum de estudio en solitario, Mind Games. Un disco que se publica en octubre de 1973 para el mercado estadounidense y en noviembre de ese mismo año para el británico. El disco es grabado entre julio y agosto de 1973 en los Record Plant Studios de Nueva York, y Lennon, que en sus anteriores trabajos ha contado con la producción de Phil Spector, decide prescindir de éste y producir el disco el sólo. La intención de Lennon con este disco es la de producir un disco más aceptado que su anterior trabajo, más audible y comercial. Su lanzamiento marcará el inicio del período de año y medio en el que estuvo separado de Yoko Ono, el ya mencionado "Lost Weekend".
En cuanto a la temática del disco, Lennon intenta relatar su vida en las canciones de Mind Games, donde expresa sus sentimiento encontrados, sus dudas sobre su separación, su gratitud hacia Yoko Ono o sus problemas de inseguridad, pero también hay temas con contenido socio-político. En un principio, el disco obtiene reseñas negativas de la crítica especializada, pero supera en ventas a Some Time in New York City, llegando a alcanzar la certificación de disco de oro en Estados Unidos y Gran Bretaña. Con el tiempo, la prensa especializada ha ido cambiando las reseñas negativas, y ha señalado este disco como un trabajo relevante y recomendable dentro de la discografía de John Lennon.
Comienza la cara B con Intuition, una alegre composición pop rock donde destacan el bajo y los teclados. Un tema que quizá no pega con la dinámica del disco, pues resulta bastante banal si lo comparamos con el resto de temas. Out The Blue, otro de los temas dedicados a Yoko Ono, donde además de hablarnos de sus dudas hacia sí mismo, muestra su gratitud hacia Yoko por aparecer de la nada y contagiarle de una gran energía vital. I Know (I Know), tema que contiene guiños hacia el que fuera su compañero en los Beatles, Paul McCartney, y puede considerarse como una canción donde le pide disculpas por todo los problemas que hubo entre los dos. You Are Here, balada escrita por Lennon durante el periodo en el que estaba separado de Yoko Ono. El título fue tomado de una exposición de arte que había en la Galería Robert Fraser de Londres en julio de 1968, y que estaba dedicada a Yoko Ono. Tema donde habla de su amor hacia ella, y donde también nos habla del amor como unión entre los países, las personas y las culturas. Cierra la Cara B, y por tanto el disco el tema Meat City, canción que comenzó a escribir Lennon al poco de llegar a Nueva York allá por 1971, y que reescribió a finales de 1972. Lennon nos relata su fascinación por la ciudad a la que acaba de mudarse, y su amor por el rock and roll.
Mind Games es un disco que, pese a las reseñas negativas del principio, funcionó muy bien a nivel de ventas, y poco a poco fue ganando el lugar que se merece, convirtiéndose en uno de los trabajos más destacados de su etapa post Beatles. En mi humilde opinión tiene mucho valor y mérito, pues es un disco que Lennon fue capaz de concebir en medio de una de sus etapas vitales más convulsas.