El disco de la semana 303: Ozric tentacles: Erpland

 A mediados de la década de 1980, había una nueva escena musical floreciente que salía de las zonas rurales de Inglaterra. Vivían el "ideal hippie" de un estilo de vida libre de responsabilidades, y que incluía muchos conciertos de música gratuitos. En el frente de la música, muchos de los grupos fueron influenciados por el relativamente desconocido grupo británico Here and Now, que mantuvo firmemente la idea de que la música debería ser libre. Para sobrevivir, las distintas bandas comenzaron a hacer casetes de producción propia que se intercambiaban y vendían en los distintos conciertos. Como suele ser el caso con movimientos como estos, muchos se cansaron del estilo de vida y siguieron adelante, y las propias bandas empezaron a consolidarse, y así las bandas más serias y talentosas llegaron a un nivel más profesional. Así como Metallica representó el movimiento thrash del Área de la Bahía, Ozric Tentacles se convirtió en el ícono de la escena Festival Psych del Reino Unido. Personalmente, no tenía idea de que esto estaba sucediendo en la década de 1980. "Erpland" fue mi introducción a la banda, tras mencionarlo una persona muy cercana a los componentes del blog, que puso el desafío en la mesa y nos retó a escucharlo y hacer disco de la semana y le toco al que menos familiarizado está con este estilo de musica, osea a mi. Lo primero que quiero decir es que para mis oídos, Ozric Tentacles es una banda en la que es muy fácil entrar, además te deja bastante satisfecho, tiene un sonido agradable al instante, pero a la vez también resulta duro como una roca.

"Eternal Wheel" es como una pieza de Jean Michel Jarre interpretada por una banda de rock, aunque más "ácida" y bastante más orientada al movimiento progresivo, se ha convertido en una de mis canciones favoritas de Ozric, comienza con una introducción de sintetizador en bucle a la que pronto se unen líneas de guitarra y bajo, después de un poco de improvisación caótica, pronto avanza a una sección completamente sumergida en un teclado relajante y hace que te sientas muy espiritual, como si estuvieras bajo una mística cascada japonesa. Este es el tipo de música que me hace amar estar vivo.  "Toltec Spring" se destapa como su tema más recurrente, compuesto de una textura cuasi-ambiental y cuasi-étnica. "Tidal Convergence" pillo cosas de King Crimson (la estructura intrincada) y  de Hawkwind(the space-rock) en su estilo y llevó su música a un nuevo nivel. "Mysticum Arabicola" es una especie de progresivo del Medio Oriente al que quizas lastra los nueve minutos que hace que se prolongue demasiado. "Crackerblocks" profundizó en las texturas de la nueva era, y puede ser una delgada línea entre un tapiz brillante y un aburrido fondo de pantalla de sonido. 

Han transcurrido bastantes minutos y no llevamos ni la mitad, a esta altura ya tienes que estar gozando a tope y pensando en lo que te queda, y una de esas cosas es "The Throbbe" otra delicatessen progresiva del Medio Oriente con tintes electrónicos, cuyo mejor activo es su ritmo desolado. "Erpland" realmente no ofrece nada nuevo, y podría decirse que es el progresivo de los 70 más tradicional del grupo, esencialmente es una canción progresiva de manual. "Snakepit" es uno de sus mejores temas, su estructura poligonal oriental funcionó muy bien con tan solo tres minutos. Todo se fue a la basura con el reggae prog-pop "Iscence", la verdad que te deja descolocado y no le encuentras muchos sentido, como despedida de nuevo diez minutos de canción en "A Gift Of Wings" lo cierto es que no ofrece nada nuevo aparte de una interpretación del kosmische-rock de los 70 a través de una visión más étnica. si no estáis dispuestos a escuchar el disco entero y si tuviera que recomendar una pista de este álbum, y quizás recomendar una pista de toda su discografía, sería la apertura del álbum 'Eternal Wheel'. Tiene todos los elementos de una gran composición de Ozric: el ambiente psicodélico, las progresiones alucinantes y los feroces clímax de la guitarra principal.

Unos 20 años después de "Erpland" nada ha cambiado, Ozric tiene más de una docena más de lanzamientos en estudio y en vivo y tras escuchar bastantes de sus temas posteriores llegas fácilmente a la conclusión de que no ha habido progresión, ni experimentación con otros sonidos, instrumentación e ideas, por eso se acuñó el "Ozricitis" que ahora se aplica a otras bandas que siguen un camino similar. Pero tampoco es del todo justo, ya que cada álbum, cuando se escucha solo, posee una calidad única. La clave para escuchar a Ozric Tentacles es no escuchar muchos de sus álbumes a la vez. Tome uno, degústalo con el tiempo, espere algunas semanas o meses y luego haga lo mismo con un álbum diferente.

0693-. Get Back - The Beatles

 

Get Back, The Beatles

     El 8 de mayo de 1970 el mítico cuarteto de Liverpool, The Beatles, publica su duodécimo álbum de estudio, Let It Be, el cual supondría el último debido a su separación. El disco es grabado entre febrero de 1968 y enero de 1969, y entre enero y abril de 1970, en los estudios Apple, EMI y Twickenham, todos situados en Londres, bajo la producción de Phil Spector, y publicado por la compañía discográfica Apple Records.

A pesar de haberse grabado en su mayoría a comienzos de 1969, es considerado el último trabajo del grupo puesto que fue lanzado después de Abbey Road, que fue publicado en septiembre de 1969. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde sus anteriores discos ya venían teniendo unas relaciones más que tensas entre ellos. No obstante, a pesar del ambiente en el que fue concebido, es considerado como uno de los mejores álbumes de la historia de la música, a pesar incluso de que no gozó de la adeptación de la crítica en aquel momento. 

Incluido en este disco se encuentra el corte Get Back, escrito principalmente por Paul McCartney pero acreditado finalmente al dúo Lennon / McCarteny. Como sencillo, lanzado el 11 de abril de 1969, alcanzó el puesto número 1 en Reino Unido, Estados unidos, Alemania Federal, Australia y México, siendo el único sencillo (junto con el lado B Dont't Let Me Down) donde comparten créditos con otros artistas (Billy Preston).

Las primeras versiones de la canción incluían la línea "No me gustan los paquistaníes". La canción comenzó como un comentario sobre la inmigración, diciéndole a la gente que "regresara" a sus propios países. Estaba destinada a burlarse de los defensores anti inmigrantes de Gran Bretaña. Paul McCarteny acabaría pensándoselo mejor al final y suavizó la letra de la canción. Get back iba a ser en un principio el título del álbum y de un documental sobre como harían el álbum. El grupo había dejado de hacer giras en 1968 debido al agotamiento, pero reavivaron su pasión por las actuaciones en vivo después de filmar la película promocional Hey Jude en septiembre de 1968. Get Back fue la canción que más cerca estuvo de captar el espíritu de un álbum que querían concebir como si se tratara de un directo, pero el disco acabó convirtiéndose en algo completamente diferente. Se le pidió a Glyn Johns, que diseñara y ensamblara las sesiones a partir de lo que en realidad eran cintas de ensayo. Después de ensamblar el álbum, se editaba el documental Let It Be a partir de la película del grupo ensayando en el estudio y tocando en la famosa azotea de Apple Records. Phil Spector, que había trabajado en la canción Instant Karma, fue contratado para producir el álbum Get Back, que acabaría siendo titulado Let It Be.

Álbum In Rainbows en el artista del #MesRadiohead

Álbum In Rainbows en el artista del #MesRadiohead

In Rainbows es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Radiohead. Fue autoeditado por la banda el 10 de octubre de 2007 como un álbum digital donde los fans podrían descarga las canciones, luego la banda hizo un lanzamiento de álbum a nivel internacional a través de XL Recordings y en América del Norte a través de TBD Records. Fue el primer lanzamiento de Radiohead después de que terminara su contrato de grabación con EMI con su álbum Hail to the Thief.

In Rainbows incorpora elementos de art rock, rock experimental, art pop, y electrónica. La pista de apertura, 15 Step, presenta un ritmo de palmas inspirado en Fuck the Pain Away de Peaches. Radiohead grabó los aplausos de un grupo de niños de Matrix Music School & Arts Center en Oxford; cuando los aplausos resultaron "no lo suficientemente buenos", grabaron a los niños vitoreando en su lugar.

Bodysnatchers, que Yorke describió como una combinación de Wolfmother, Neu! y dodgy hippy rock, se grabó cuando estaba en un período de "manía hiperactiva". En All I Need, Jonny Greenwood quería capturar el ruido blanco generado por una banda tocando a todo volumen en una habitación, algo que nunca ocurre en el estudio. Su solución fue hacer que una sección de cuerdas tocara cada nota de la escala, cubriendo las frecuencias.

Radiohead grabó una versión de Nude durante las sesiones de OK Computer, pero la descartó; esta versión presentaba un órgano Hammond, una sensación "más directa" y letras diferentes. Para In Rainbows , Colin Greenwood escribió una nueva línea de bajo para la canción, que Godrich dijo que "la transformó de algo muy directo a algo que tenía mucho más flujo rítmico". Reckoner se desarrolló mientras Radiohead trabajaba en otra canción, Feeling Pulled Apart by Horses. Presenta el falsete de Yorke, percusión "escarchada y sonora", una línea de guitarra "serpenteante", piano y un arreglo de cuerdas de Jonny Greenwood. Yorke lo describió como "una canción de amor... más o menos".

Yorke describió el proceso de composición de Videotape como una "agonía absoluta" y dijo que "pasó por todos los parámetros posibles". Inicialmente quería que fuera una "pista de trance post-rave", similar a la música de Surgeon, y Jonny Greenwood estaba "obsesionado" con cambiar el comienzo de la barra. Radiohead interpretó un arreglo de rock más convencional en la gira de 2006, con la batería de Selway llegando al clímax. Para el álbum, Godrich y Greenwood redujeron la canción a una balada de piano minimalista, con percusión de una caja de ritmos.

Daniel 

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0692 - The Beatles - Let it be

0692 - The Beatles - Let it be

Let It Be es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles, lanzada el 6 de marzo de 1970 como sencillo y en una mezcla alternativa como la canción principal de su álbum Let It Be. Fue escrita y cantada por Paul McCartney y acreditada a la asociación Lennon-McCartney. La versión single de la canción, producida por George Martin, presenta un solo de guitarra más suave y la sección orquestal mezclada en voz baja, en comparación con la versión del álbum, producida por Phil Spector, que presenta un solo de guitarra más agresivo y las secciones orquestales mezcladas en voz más alta.

McCartney dijo que tuvo la idea de Let It Be después de haber tenido un sueño sobre su madre durante el tenso período que rodeaba las sesiones de The Beatles ("The White Album") en 1968. Mary Patricia McCartney murió de cáncer en 1956, cuando tenía catorce años. Al ensayar la canción con The Beatles en enero de 1969, en lugar de la letra de "Mother Mary", McCartney ocasionalmente cantaba "Brother Malcolm", una referencia al asistente de The Beatles, Mal Evans. McCartney dijo más tarde: "Fue genial volver a visitarla. Me sentí muy bendecido de tener ese sueño. Eso me llevó a escribir 'Let It Be'". En una entrevista posterior, dijo sobre el sueño. que su madre le había dicho: "Todo estará bien, simplemente déjalo estar". Cuando se le preguntó si la frase "Madre María" en la canción se refería a María, madre de Jesús, McCartney generalmente respondió que los oyentes pueden interpreten la canción como quieran.

El single usó las mismas fotografías de portada que el álbum Let It Be y fue lanzado originalmente el 6 de marzo de 1970, respaldado por "You Know My Name (Look Up the Number)", con un crédito de producción de George Martin. Esta versión incluye orquestación y coros doblados el 4 de enero de 1970, bajo la supervisión de Martin y McCartney, con coros que incluían la única contribución conocida de Linda McCartney a una canción de The Beatles. Fue durante esta misma sesión que Harrison grabó el segundo solo de guitarra sobregrabado. En un momento dado, la intención era que los dos solos sobregrabados tocaran juntos. Esta idea se abandonó para la mezcla final del single, y solo se utilizó el solo del 30 de abril, aunque la sobregrabación del 4 de enero se puede escuchar débilmente durante el verso final. Martin mezcló la orquestación muy bajo en esta versión.

La mezcla del single hizo su debut en el álbum recopilatorio de The Beatles de 1967-1970. Las ediciones originales muestran erróneamente el tiempo de ejecución de 4:01 (del álbum Let It Be), y no el tiempo de ejecución de la versión single de 3:52. Esta versión también se incluyó en 20 Greatest Hits, Past Masters Volume 2 y 1.

El álbum Let It Be  de 1972 de Melodiya fue el primer lanzamiento de The Beatles en la Unión Soviética. El álbum de vinilo de 3 pistas y 7 pulgadas, también incluía "Across the Universe" y "I Me Mine".

Daniel 

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0691.- Across the Universe - The Beatles

Across the Universe hizo en su 40 aniversario honor a su título, y viajó "A través del Universo" el 5 de febrero de 2008, a las 00:00 UTC, en una transmisión de la NASA en dirección a la estrella Polaris, a 431 años luz de la Tierra, desde el DSN's Madrid Deep Space Communication Complex, en las afueras de Madrid. Casi treinta años antes, el que escribe estas líneas era solo un crío cuando en la radio escuchó por primera vez la que, desde entonces, es su canción favorita de The Beatles.

Compuesta por John Lennon en 1968, y acreditada como siempre al dúo Lennon-McCartney, antes de ser incluida en el disco Let it be (1970) apareció en un álbum benéfico titulado No One's Gonna Change Our World (1969). Tras una discusión con Cintia Powell, a Lennon le vino a la cabeza la frase "pools of sorrow, waves of joy" ("estanques de pena, olas de alegría"), y a partir de ahí construyó la canción, que poco después acabaría grabando con The Beatles en una única ocasión, aunque a partir de esa única grabación se editaran después dos versiones de la canción, con elementos añadidos que hacían que parecieran diferentes.

Lennon no estaba muy seguro de la grabación original, por lo que estuvo guardada en un cajón hasta 1969, cuando fue incluida en No One's Gonna Change Our World con el añadido de sonidos de pájaros. Los Beatles trabajaron con ella prescindiendo de los pájaros y acelerando la canción un semitono, hasta que el productor Phil Spector la ralentizó de nuevo, incluso por debajo de la velocidad original, para añadirle un coro y una orquesta. La versión original, tal y como la grabaron los "Fab Four", se encuentra en el disco Let It Be... Naked (2003), una reedición en la que McCartney eliminó los añadidos de Spector, intentando recuperar el alma del proyecto original de Let it be, pensado como una vuelta a los orígenes de los cuatro Beatles, en un disco "desnudo" de arreglos y añadidos. No en vano, el primer título del disco iba a ser Get Back ("Vuelve atrás"). El bueno de Macca no sabía que esa vuelta iba a ser en realidad un camino sin retorno, como si una gran explosión cósmica los hubiera lanzado a cada uno en una dirección, a toda velocidad, a través del Universo.

0690 - De Carton Piedra - Joan Manuel Serrat

0690 - De Carton Piedra - Joan Manuel Serrat

Vamos con una canción del año 1970, esta canción fue escrita por Joan Manuel Serrat y se titula De cartón piedra la letra de la canción contaba la historia de un hombre que se enamoraba de un maniquí. 

La ficción a veces es tan brutal y salvaje que se convierte en realidad. Y esta historia que canta Joan Manuel Serrat dicen que ocurrió en Hermosillo un pueblo a mediados de la década de los ochenta.

La canción trata de las historias de amor que están en el consciente colectivo de las personas, donde mayormente terminan en tragedia. 

Un hombre tal cual la letra de la canción de Joan Manuel Serrat fue durante varios todos los días a ver a su amada, a una tienda de novias, ella inanimada, parecía responder a las atenciones prestadas por su pretendiente.

Con su rostro inanimado, sus ojos de color y su eterna expresión de sobriedad, todos los días la visitaba con rigor militar a su escaparate, ataviada con su vestido de novia, y se quedaba ahí, observando, platicando, compartiendo sus intimidades en un diálogo que era la manifestación más nítida de que el amor es inexplicable.

Las canciones saben interpretar y contar estas historias maravillosas

Daniel 

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Hail to the thief - #MesRadiohead

Seguimos con el #MesRadiohead, y yo en concreto con mi particular cruzada de escucha de un grupo al que nunca le he llegado a encontrar los atributos por los tanta gente les venera. Más allá del excelso OK Computer (1997) y de cosas sueltas, nunca he pensado que la cosa fuera para tanto. Y al enfrentarme al #MesRadiohead y escuchar Amnesiac (2001) me encontré con un disco que era mucho mejor de lo que me esperaba, así que he afrontado la escucha de Hail to the Thief (2003), el tercer disco de Radiohead que he escuchado entero, con mucha mejor actitud y una mente mucho más abierta, y me ha sorprendido gratamente que en este disco se acercaran de nuevo al rock, y que las guitarras vuelvan a estar más presentes que en discos anteriores, más experimentales y electrónicos.

Se nota que Hail to the Thief es un disco de un grupo consolidado, que ha exprimido una productiva etapa de experimentación y que aun regresando a algunos patrones de un pasado más guitarrero, sigue mirando hacia adelante, cuidando al máximo la producción de sus discos y planteando una propuesta diferente a las anteriores. Dado mi desconocimiento general sobre su trayectoria, no juzgaré este disco en comparación con otros del pasado, prefiero hacerlo como si fuera el primer y único disco de una banda que acabo de conocer, y si lo hago así, debo decir que el arranque de 2+2=5 es más que prometedor. La combinación de sonidos electrónicos con guitarras, y los acertados cambios de ritmo, la sitúan directamente en lo más alto. Dicen que este tema, junto con Go To Sleep tienen un sonido y planteamiento más cercanos  a los de sus dos primeros discos, y eso me hace pensar que, quizá, tenga que escucharlos.

Leo entonces que esos discos no son los más valorados de la banda, y de nuevo no entiendo nada, por lo que decido de nuevo abstraerme y seguir escuchando. Sit down, Stand up pasa sin hacer mucho ruido y sin captar mi atención, y la que sí que consigue captarla es la bella Sail To The Moon, que me recuerda a ese otro gran tema que es Subterranean Homesick Alien de, como no, mi venerado OK Computer. Perdón, dije que no iba a comparar, así que sigamos avanzando. Backdrifts vuelve a la electrónica que se suponía habían dejado algo de lado en esta obra, y la mencionada Go to Sleep mantiene mi interés por el disco, que no decae durante la escucha de Where I end and you begin y su poderosa línea de bajo.

We suck young blood no termina de despegar, demasiado quejumbrosa y minimalista, es el tipo de canciones de Radiohead que me disuaden de escuchar discos enteros. Perdón de nuevo si con esto hiero la sensibilidad de los que valoran la sensibilidad de este tipo de canciones tan intimistas y experimentales. Para gustos los colores, y yo no vuelvo a encontrar los que más me gustan hasta que, tras un nuevo episodio de fría electrónica en The Gloaming, me topo con la enorme There There. ¡Así sí, Thom Yorke y compañía! Puede que esté ante la mejor canción del disco, pero como aún me quedan otras cinco, voy a ser prudente y a esperar al resto. Y cuál será mi sorpresa, cuando en I will encuentro un tema dramático e intenso, que al parecer quedó fuera de Amnesiac. Se les olvidaría, claro, pero afortunadamente la acabaron repescando, porque es tan breve y tan desnuda, y con un ejercicio vocal tan cuidado, que junto a 2+2=5 pasa a formar parte del podio de este disco.

A punch at the wedding es otro tema asequible y directo, sin excesivas tristuras o minimalismos, y en este punto ya me decanto definitivamente por las canciones de guitarra de esta banda, por encima de los flirteos electrónicos que tanto gustan a la mayor parte de sus seguidores. Como minoría absoluta, le pongo un notable a este tema. Y otro a Myxomatosis, el tema más duro del disco. Scatterbrain recupera la línea de There There y A punch... con un toque más melancólico pero no por eso menos llevadero, y la gran sorpresa llega con A wolf at the door, con versos que incluso diría que tienen cierto toque a Beck o a Red Hot Chili Peppers (sin pasarse, pero queda curioso, en un tema intenso y que actúa de gran cierre). Y para acabar este singular "cuento del lobo", incumplo de nuevo mi promesa de no compararlo con los otros dos discos que he escuchado de ellos, pero lo hago para decir que me parece que Hail to the Thief, estando en un escalón por debajo de Amnesiac, y dos por debajo de OK Computer, es en conjunto un gran disco.

Y ahí llega mi gran duda... Si he escuchado tres discos de Radiohead, y en todos he encontrado cosas buenas... ¿Tendrán razón los que tan desproporcionadamente les veneran y les consideran la banda más grande del planeta? Mucho me temo que sigo sin estar de acuerdo, pero tendré que escuchar un cuarto disco, para salir de dudas. ¿Cuál me recomendáis?

0689.- Fiesta - Joan Manuel Serrat

En 1970 Joan Manuel Serrat publica su sexto álbum, nunca ha quedado claro porque porque este disco se le llama: "Mi Niñez", quizás por eso entre los fans es conocido como el álbum blanco y en la portada no aparece ningún titulo, en el lomo del disco tampoco, únicamente: "Joan Manuel Serrat", no se si el catalán lo tituló así o el apelativo responde a que coincide con el primer tema del disco...no lo sé. Siento una especial afinidad con este disco, además de ser uno de los Lps mas vendidos del artista, se trata de un disco que, a diferencia de otros de aquella primera época, no contaba con textos prestados por otros geniales poetas de la lengua de Cervantes, y todas las coplas están escritas por ese poeta que en nada debe envidiar a otros genios como Miguel Hernández o Machado y que se llama Joan Manuel. Además el álbum cuenta el trabajo en la dirección musical y los arreglos de Ricard Miralles, una labor absolutamente magistral, lo que hace que este disco suponga un salto incuestionable en el apartado musical, dando continuidad a la excelente labor ya realizada en el homenaje a Antonio Machado. El salto cualitativo respecto a su anterior trabajo en este idioma es considerable ya que nos encontramos a un Serrat mucho más maduro y seguro de sí mismo.

En la canción "Fiesta", Serrat utiliza la fiesta de la noche de San Juan Bautista como excusa para presentar una feroz crítica a la sociedad tradicionalista española a la que, aunque sea en forma indirecta, atribuye las represiones, desigualdades y arbitrariedades de la España franquista. Serrat hace esta crítica acompañando la voz de muchos, por lo que se asume que parte de la sociedad española de la época no "estaba" en esta situación, aunque sí la mayoría. Serrat no parece estar describiendo una fiesta sino una caracterización de la sociedad española de los años 40, 50, 60... Sin embargo, el hecho de haber elegido para la descripción una fiesta religiosa, marca la relevancia que, por lo menos en ese entonces, tenía la iglesia católica en la vida de muchísimos españoles. La contraposición entre lo religioso y lo profano se da en numerosos pasajes: la rima de "Dios en la alturas" con "recogieron las basuras" expresado además en forma inmediata, sin una pausa, el regreso del cura a sus misas, marcando la hipocresía de su permanencia en la fiesta hasta la salida del sol y además borracho... esta ambigüedad está enfocada al terreno de lo social. Serrat despliega una cascada de imágenes simbólicas en las que cada cosa tiene varios significados, imposibles de abarcar, la "fiesta" es el ámbito, entonces, en el que las miserias sociales (más que las humanas) dejan paso a la honestidad, y, por qué no, también al desenfreno. Se comparte todo: la comida y la pareja (mujer y galán), o el "gabán" en la versión inicial, por parte de "gentes de cien mil raleas". Compartir la pareja tiene un sentido directo en el baile, sin embargo podría ser también una crítica a la doble moral, aceptada en aquel entonces por muchos y admitida por nadie. Grande Maestro Serrat que nos deja una cancion ejemplo de unificación de las clases sociales para al final volver a la hipocresía con la que viven habitualmente.

0688.- Wigwam - Bob Dylan

 

Self Portrait es lo que a la gente le gusta llamar un álbum de Bob Dylan de "nivel experto". Con esto quiero decir que, bajo ninguna circunstancia, debe ser el primer disco que alguien que quiere acercarse a Dylan y su música debe escuchar, algo de conocimiento de los antecedentes e influencias personales e históricas de Dylan tampoco vendrrian mal. Los dos últimos discos de Dylan de los años 60 fueron al menos intentos un tanto deliberados de deshacerse de parte de su estatus de "portavoz de una generación" un San Benito que le habían colgado en la primera mitad de la década, cada disco fue un cambio más radical que el anterior, cuya culminación es Self Portrait. Dicho esto, es un trabajo que está lejos de ser perfecto, nos encontramos una mezcolanza, a veces es demasiado hinchada y desigual que no hace necesariamente a Dylan mejor artista pero si es el álbum que finalmente le dio espacio para respirar y volver a ser humano. Aún así, incluso si escuchamos Self Portrait sin concoer todas estas capas de significado oculto, sigue siendo un placer ya que se siente que Dylan nos ofrece una mirada generosa al santuario interior de su proceso creativo, el álbum flota con relativa brisa y ciertamente no es lo peor que puedes escuchar durante una perezosa tarde de domingo.

Y dentro de ese álbum con 24 pistas, casi casi al final encontramos este Wigwam Y así a Wigwam, una canción realmente encantadora, una canción de la que realmente quieres tener letras de Dylan, y sin embargo, nos atormenta con solo cantar la melodía. Creo que el único objetico que tenía Dylan era atormentar (o si lo prefiere, mandar a la mierda) a quienes le exigen que haga más canciones como Blonde y Highway 61. Para mí, él dice que esto podría tener que ver con cualquier cosa que tenga que ver con nuestros tiempos difíciles, contrastando nuestras preocupaciones con nuestros momentos más ligeros, pero no te estoy dando eso, porque eso te hace la vida demasiado fácil. No tengo que darte la letra que quieres, dice Dylan, no tengo que darte las interpretaciones perfectas de mis canciones clásicas, no tengo que darte nada en absoluto, si quiero, puedo tomarme un descanso y simplemente cantar melodías. Admitámoslo, no intenta ser nada que no es, básicamente actúa como el equivalente musical de extender un cálido apretón de manos con una gran sonrisa en la cara. Ese tipo de franqueza refrescante es el tipo de cosa que no obtienes en la carrera de Dylan en general, y solo a trompicones en este álbum en particular, y es un sonido bienvenido a medida que el álbum finalmente llega a su fin (es más de 60 minutos). El final de Wigwam es inesperado, pero también lo es el comienzo, escúchalo de nuevo y escucha el gruñido del bajo después de que entren las guitarras. Viene y va y viene y va. Sospecho que el 99% de las personas que han escuchado esta pieza ni siquiera lo han notado, pero reprodúzcalo de nuevo y escúchelo, hay algo extraño, algo que acecha debajo, esto no es solo una melodía bonita estamos antes su retrato histórico: una vida que pasa a la deriva. Lo mejor que puedo decir sobre esta canción es que probablemente suene mejor si estás afuera en tu porche, con una hielera llena de cerveza con hielo, mirando una puesta de sol realmente hermosa. Eso es algo bastante bueno para decir sobre una canción, ¿no crees?.

 

Jorge Drexler – Eco Píldora #11

No es la música típica de cualquier cantautor a solas con su guitarra, ni las letras típicas de amor. Aparte de la guitarra tenemos unos sonidos eléctricos que le dan un toque modernetea acompañado por el aspecto metafísico de algunas de las letras. La voz de Drexler es como una niña si la comparamos a las de Ricardo Arjona o Joaquín Sabina, pero esto no es una pega, sólo una peculiaridad. Estamos ante un álbum que todo oído hispano debe disfrutar alguna vez. Drexler ganó el Oscar por la canción principal con Al otro lado del río, de la película Diarios de motocicleta, una melodía muy suave y tranquila, del género folk alternativo, su voz canta en las notas altas de una manera nostálgica y de esperanza para el futuro y en las bajas es muy fluida, como la característica del agua. Destaca también La Milonga del moro judío, una de mis canciones favoritas de Jorge Drexler, que aprovecha para reflexionar sobre la importancia de la tolerancia hacia la diversidad y de esta manera sentirnos parte de la gran familia de la humanidad. Con Eco, Jorge Drexler nos entrega una colección de canciones Pop hábilmente escritas y arregladas, para cantar mientras conduces por la ciudad, es Pop pero ese Pop es moderno, déjate embaucar por su voz suave pero expresiva, su articulación clara, con ese encantador acento uruguayo/argentino.

El disco de la semana 302 - Re - Café Tacvba

El disco de la semana 302 - Re - Café Tacvba

Buscando que recomendar esta semana, he encontrado en mi haber, un disco de una banda Mexicana que muchos recuerdos me traen, y sobre todo, toda una revelación para ese momento donde la descubrí. 

Estamos hablando de la banda mexicana Café Tacvba, y uno de sus álbumes que para mi ha lanzado a la fama a esta banda, estamos hablando del álbum Re que es su segundo álbum de estudio de la banda mexicana Café Tacvba, y este fue lanzado en el año 1994. 

Este álbum fue producido junto Gustavo Santaolalla y grabado en Los Ángeles, California y Cuernavaca, Morelos. Como hemos dicho esta considerado su mejor material de estudio. Para este disco Café Tacvba contó con la participación de otros artistas como Luis Conte y Alejandro Flores. Rubén Albarrán, vocalista del grupo, es acreditado en este disco como "Cosme".

La banda experimenta con diversos géneros musicales, desde la música regional mexicana, como el trío, el huapango, la música norteña y banda, hasta otros tan diversos como el punk, el heavy metal, el funk, el grunge, el mambo, el samba brasileño y el ska jamaicano, el álbum fue recibido muy bien por la critica del genero musical tanto de México como de Estados Unidos, logrando llegar a vender casi medio millón de copias del álbum. 

Las canciones que le dan forma a Re como hemos dicho tiene una gran variedad de instrumentación e incorporación de diversos estilos musicales en una misma canción pero sin perder el tono uniforme del álbum. La banda quiso poner en valor y reconocer las diferencias culturales de un México diverso a través de lo cíclico del sonido.

Veremos a través de sus canciones, el sentido ecléctico de la propuesta del álbum que propone la banda, y esto se muestra en su primera canción que da inicio al álbum, El aparato, instrumentada por sonidos autóctonos y electrónicos y que cuenta una historia paranormal protagonizada por un tal Pablo.

La Ingrata, una parodia a la música norteña, en una especie de polka-ska, y que fue el máximo hit del álbum. la banda declarara en 2017 que no volvería a tocarla para evitar habla de darle dos balazos a una mujer. seguimos con el sencillo El ciclón, canción funk llevada por clavinet que hace eco a Billy Preston y su letra es quizás la que mejor grafica y resume el concepto de Re.​ 

El borrego es un estrambótico punk-metal industrial, que recuerda algo a Ministry, y su letra ironiza en primera persona la escualidez de la identidad y la ambigüedad ideológica, la banda pone como tributo a bandas de Rock Mexicano, como La Lupita y Maldita Vecindad. Continuamos con una de las que más destacada canciones del álbum, que es Esa noche, un canción con características de bolero y que en el arte del álbum aparece dedicado a Chavela Vargas.

24 Horas es una historia de amor desenfadada, pero cruzada por los ajetreos de la vida moderna en las grandes ciudades, el realismo mágico hace su presencia con Ixtepec cuyo remate sintoniza con el concepto circular del álbum la vida es un ciclo.

Trópico de cáncer es la canción más política del álbum, cuya letra crítica al llamado 'progreso', a la industria petrolera, y con un ritmo que oscila entre el bossanova y el sonido industrial. Le sigue la historia de amor enclaustrada de El metro, canción que hace mención de distintas estaciones del metro de la Ciudad de México. Otra alegoría de las grandes ciudades.

El Fin de la Infancia es una pieza que utiliza instrumentos metálicos de viento a manera de banda sinaloense, a manera de quebradita pero con una energía ska-punk. Luego del desenfreno bailable de la anterior canción, viene la picardía de Madrugal, un bolero breve y exquisito cuya letra encierra mucho humor. 

Pez es una canción que trata sobre las turbulentas sensaciones de un pez al asifixiarse tras ser atrapado por "algún ser" y sacarlo de su medio, luego continua la canción Verde muy corta, y es muy triste e industrial.

La negrita es una especie de fábula, a ritmo de samba, que habla de una mujer retornando dichosa a su terruño tras peregrinar en busca de una supuesta mejor vida; una alegoría de la migración. Le sigue El Tlatoani del barrio tiene un sonido completamente mestizo y cuenta la historia de cómo se conocieron los padres de Rubén Albarrán su vocalista (o "Cosme" como se hace llamar en este álbum, una particularidad del su vocalista, ha tomado diferentes seudónimos en su carrera musical).

Las flores es otro de los éxitos del álbum y aunque insinúa al comienzo una especie de ritmo llanero, desemboca rápidamente en un colorido ska psicodélico. Luego viene la sublevación de La pinta, que toma del aura grunge de la época, y cuya letra contrasta un acento español con mexicanismos. Para luego irrumpir El baile y el salón, otra canción de amor que resalta del álbum y una muy querida por los seguidores del grupo; de suave estilo pop de los setenta y con su característico coro Paparupapa eu eo. Luego de lleno entra después la impresionante fusión de mambo y bossanova de El puñal y el corazón, donde la letra personifica el orgullo herido de un hombre despechado. El álbum Re cierra de manera sublime con El balcón, cuya letra es un microcuento de amor entre dos esclavos, narrado en primera persona, pero su sonido recuerda más bien al jazz y al swing de los años 1940.

Un álbum del Rock Mexicano que recomiendo no dejar pasar de largo, más de una sorpresa te llevaras. 

Daniel 

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0687-. The Devil's Triangle - King Crimson

 

The Devil's Triangle, King Crimson

     Después de la gira por Estado Unidos en 1969, Ian McDonald y Michael Giles abandonan King Crimson, camino que seguiría unos meses después Greg Lake. Esto deja a Robert Fripp como único miembro que queda en la banda, quien tiene que asumir el papel de tocar teclados y guitarra a partir de entonces. Es entonces cuando un desconocido Elton John es fichado para que se ocupe de cantar en las sesiones de grabación del siguiente álbum, In the Wake of Poseidon, pero Fripp se lo piensa mejor y finalente descarta su fichaje.

Al final Greg Lake acepta cantar en las grabaciones, pero negociando recibir como parte del pago el equipo de megafonía de King Crimson. Esa negociación le llevaría a grabar todas menos una de las pistas del disco, Cadence of Cascade, que sería cantada por el antiguo compañero de escuela de Fripp, Gordon Haskell. Para la grabación de este disco Fripp también contaría con la colaboración de Peter Giles (bajo), Michale Giles (batería), Mel Collins (saxofón y flauta) y Keith Tippett (piano). 

El disco es grabado entre enero y abril de 1970 en los Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción de Robet Fripp y Peter Sinfield, y publicado el 15 de mayo de 1970 por el sello discográfico Atlantic Records. Incluido en este disco se encuentra The Devil's Triangle, una adaptación de una pieza ajena, titulada Mars: Bringer of war, la cual fue compuesta por Gustav Holst, un compositor, arreglista y profesor británico, y que forma parte de The Planets (los Planetas), siendo el primer de los siete movimientos de dicha composición del artista. The Planets fue compuesta por Holst entre 1914 y 1917. La naturaleza innovadora de la música, y en especial de este pieza de Holst, provocó cierta hostilidad inicial entre una sección de la crítica del momento, pero la suite pronto se popularizó y a día de hoy sigue siendo muy influyente y ampliamente interpretada. No es extraño que Ian Mcdonald y Robert Fripp se inspiraran en dicha composición para componer The Devil's Triangle, un tema de casi doce minutos dividido en tres partes, Merday Morn, Hand of Sceiron y Garden of Wurm. Realmente, Ian Mcdonald sólo constaría acreditado en la primera parte de la pieza, Merday Morn. 

0686: Maybe I'm amazed - Paul McCartney

El álbum McCartney (1970) recibió en general malas críticas en el momento de su salida al mercado, quizá perjudicado por la atmósfera de disputa que Paul McCartney vivía con el resto de The Beatles, y durante mucho tiempo tanto los críticos como sus excompañeros solo tuvieron buenas para algunas pocas canciones del disco, en especial para Maybe I'm Amazed, el tema más completo y más elaborado de una grabación, en general, bastante casera y minimalista.

Aunque por decisión de McCartney no hubo ningún single de promoción del disco, Maybe I'm Amazed es, de facto, el sencillo estrella de aquel álbum, porque fue emitido en numerosas radios estadounidenses. Su compañero George Harrison la describió como "genial" junto a That Would Be Something, mostrando escaso interés en el resto del disco.

Fue una de las últimas canciones en ser grabadas para McCartney, cuando salió de su retiro en su granja escocesa, y regresó a los estudios de Abbey Road para dar los últimos toques a los temas ya grabados. Así, el 22 de febrero de 1970 grabó allí los que probablemente sean los dos mejores temas del disco: Every Night y Maybe I'm Amazed, una balada dedicada a Linda e interpretada al piano que se encuentra a la altura de los mejores temas de la carrera de McCartney tanto en solitario como con The Beatles. Ambas siguen hoy mostrando las dotes para la melodía del genial músico de Liverpool.

Grandes exitos y tropiezos: The Replacements

 

The Replacements combinó la intensidad del punk con ganchos melódicos y letras suaves para ese estilo musical y proporcionó un puente importante entre el movimiento punk de finales de la década de 1970 y el rock alternativo de finales de la década de 1980. Los miembros principales fueron el guitarrista y vocalista Paul Westerberg (n. 31 de diciembre de 1960, Minneapolis, Minnesota , EE. UU.), el baterista Chris Mars (n. 26 de abril de 1961, Minneapolis), el guitarrista Bob Stinson (n. 17 de diciembre de 1959, Mound , Minnesota—m. 15 de febrero de 1995, Minneapolis), y el bajista Tommy Stinson (n. 6 de octubre de 1966, San Diego , California). Formado en 1979 por Westerberg, Mars y Bob Stinson, todos adolescentes, y el hermano de 12 años de Stinson, Tommy, The Replacements surgieron de la próspera escena musical de Minneapolis de principios de la década de 1980 que también produjo a Prince y la influyente banda de hardcore. Hüsker Dü , con quien se comparó a The Replacements en virtud del sonido punk directo de su álbum debut, Sorry Ma, Forgot to Take Out the Trash (1981). Con una actitud tan petulante como la de sus primeras canciones, The Replacements eran famosos por sus actuaciones en vivo erráticas que iban desde la anarquía inspirada hasta el caos ebrio .

 

Estás tardando en comprarlo: Let it be

Estamos ante el disco en el que se están reinventando a sí mismos como los independientes que ven el mundo a su manera. De repente ya no son parte de la comunidad punk, sino una unidad independiente que quiere aprender algo del mundo, en lugar de luchar contra él. Entre eso hay música, con una suave combinación de acordes sencillos y un motivo pegadizo, te llega para en lugar de mover tus piernas mover tu corazón. Era un pop tan nostálgico e íntimo que sonaría fuera de lugar en una de las principales radios del país. Tenemos un solo de guitarra, un movimiento prohibido para los punks desde siempre, que no solo es odiosamente pegadizo sino que también se rompe en otro solo, tocado con mandolina (cortesía de Peter Buck de REM, quien más tarde adaptaría la mandolina a REM Records en „you -ahora-cuál-single”). Al final tienes una joya pop, muy atrevida y conmovedora pero que de alguna manera sigue siendo punk con la producción imperfecta, como si hubiera polvo en esas guitarras. No se trataba del aullido y la distorsión, sino de adónde ir ahora. Un disco de una banda de punk que proclamó su fragilidad, una especie de rendición al hecho de que no pueden ganar a la vida, solo adaptarse a ella.

 

Si te queda pasta, llévate también: Tim

Tim aparece en el precipicio de la edad adulta joven: el alboroto con la cara de mierda de su carrera temprana todavía está allí, pero está atenuado por los pensamientos más aleccionadores de arrepentimiento y responsabilidad. La imagen de la portada muestra un largo pasillo con puertas o pasadizos a lo largo de los lados, tal vez para representar las diversas elecciones que tenemos que hacer en nuestras vidas. Tim debería haber sido el álbum que llevara a The Replacements a una audiencia más amplia. Pero el desprecio de la banda por los videos musicales, junto con una infame actuación en estado de ebriedad en Saturday Night Live, redujo el impulso que recibió el álbum debido a sus enormes elogios de la crítica. En cambio. Tim descansa en medio de la santísima trinidad de álbumes del grupo, después de Let it Be y antes de Favored to Meet Me, como discos que inspiraron a la siguiente generación de grupos alternativos que los imitaría y convertiría en oro comercial.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor: All shock Down

All Shook Down es un álbum de The Replacements solo por el nombre, mas bien es un disco del cantante y compositor principal Paul Westerberg y podria ser básicamente su debut en solitario. Westerberg acababa de cumplir 30 años y, por lo que parece, ya no quería rockear. Por supuesto, todos se suavizan con la edad, pero apenas hay rastro de las raíces de la banda de garaje que dieron a The Replacements su fama, una explicación para el ruido que falta podría ser que Westerberg se había secado después de una década de beber mucho. Muy posiblemente, sin el alcohol, el deseo de subir el volumen simplemente no existia. Los mejores momentos, por lo tanto, son cuando Westerberg se vuelve acústico, o al menos rústico, con guitarra rítmica y batería enterradas profundamente en la mezcla. En estas canciones, Westerberg demuestra que no ha perdido su toque lírico, como en la triste canción de un padre, "Sadly Beautiful" o cuando da consejos a los descorazonados en "The Last".

 

0685: Man we was lonely - Paul McCartney

Hablar de Man we was lonely es hacerlo de un disco muy particular de Paul McCartney. Titulado simplemente McCartney (1970), su primer álbum en solitario fue gestado y publicado en una época convulsa en la que aún trabajaba en paralelo en los últimos temas de "Let it be" antes de partir peras definitivamente con The Beatles. Agobiado por una declaración privada de John Lennon en la que manifestaba su deseo de disolver el grupo, McCartney se retiró a su granja en Escocia, y en plena depresión personal grabó un disco en el que, salvo por la contribución de su esposa Linda McCartney en los coros, McCartney tocó todos los instrumentos.

Las grabaciones fueron, por lo general, caseras y sin grandes arreglos, en lo que pretendía fuera un retorno a la simplicidad que había intentado con el concepto original de "Get Back" (que después se convertiría en "Let it be"). McCartney cantó las canciones acompañado por una guitarra acústica antes de rellenar las pistas restantes con una segunda guitarra o un acompañamiento de bajo y batería. En el caso de Man we was lonely, la canción surgió posteriormente cuando McCartney estaba de vuelta en Londres para pulir en secreto las canciones que había grabado en su estudio casero, reservando los estudios en los que grababa con el pseudónimo de Billy Martin.

Finalmente, en Abbey Road terminó de pulir las canciones y realizó las últimas grabaciones que compondrían McCartney. Allí, El 25 de febrero de 1970 compuso y grabó Man we was lonely, con Linda en los coros. Las críticas se cebaron con la práctica totalidad del disco, por su atmósfera general de canciones que parecían retazos inacabados, y el tono paródico de "country saloon" con el que Macca emulaba a Johnny Cash en Man we was lonely no fueron tampoco bien recibidos, pero el tiempo ha hecho cada vez mejor a ésta y muchas otras canciones de "McCartney". Hoy, en retrospectiva, tienen todas un encanto algo harapiento y básico, y un valor inapreciable como declaración personal de un músico que mostraba su vulnerabilidad ante la pérdida de un sueño, en un momento en el que estaba solo y le "resultaba duro encontrar una sonrisa".

McCartney refleja su soledad de un modo extremadamente literal, asumiendo todos los instrumentos y bromeando con la sensación de sentirse realmente "lonely". En palabras de Neil Young: "Era simplemente Paul. No había adornos en absoluto... No había ningún intento de competir con las cosas que había hecho. Y así salió de la sombra de The Beatles".

Amnesiac - #MesRadiohead

En los años ochenta y noventa, si decías que no habías leído "El Quijote" te acusaban de ser un inculto. Eso desembocó en una gran mentira colectiva, ya que a todo el que le preguntaban decía haberlo leído para evitar el rechazo público, cuando en realidad muchos de los que preguntaban tampoco lo habían leído. ¿Y qué tiene que ver esto con Radiohead y su disco "Amnesiac"? Pues, sencillamente, en muchas ocasiones me he sentido como aquellos que confesaban no haber leído "El Quijote" cuando reconocía que nunca le había encontrado el punto a Radiohead y que no compartía la admiración general que despiertan, y me pregunto a veces si no estaremos todos cayendo de nuevo en otra gran mentira colectiva, queriendo aparecer ante el resto como grandes y sesudos eruditos musicales, cuando en realidad los que nos preguntan no hayan tampoco escuchado nunca OK Computer, Kid A o el Amnesiac que protagoniza esta reseña.

Este pensamiento tan utópico no me lo parece tanto, cuando para informarme para esta reseña me he puesto a leer varias críticas sobre el disco, y todas ellas hablan, poco más o menos, de la quintaesencia musical contenida en sus surcos. No es mi ánimo polemizar con nadie, ni tampoco quiero con esto transmitir que Amnesiac me parezca un mal disco. Todo lo contrario, es un disco con buenas canciones, de marcados tintes electrónicos y perfectamente ejecutado, contando además con una ambiciosa producción a cargo de Nigel Godrich, con el que grabaron al mismo tiempo las sesiones de Amnesiac (2001) y las de Kid A (2000), pero eso no significa que tengamos que perder la cabeza y pasarnos de frenada en las alabanzas al grupo y a éste su quinto disco de estudio, hasta el punto de considerarlo, como muchos comentan, su mejor obra.

En mi opinión, esa medalla le correspondería a OK Computer, un disco con el que nunca miento cuando digo que lo he escuchado, al completo, y muchas veces. Pero esa reseña ya estaba hecha en 7días7notas, y aunque quisiera estar "Amnésico" para no recordar ese pequeño detalle y poder escribir sobre aquel disco, la realidad es que, irónicamente, me ha tocado "recordar" este otro, y al hacerlo vuelvo a sentir que algo parecido a lo que ocurría con "El Quijote" nos está pasando con Yorke y compañía, si temas como Packt like sardines in a Crushd Tin Box, que de manera curiosa pero algo fría mezcla de música electrónica con sonidos de percusión metálica en el arranque del disco, o la extraña e innecesaria Pulk/Pull Revolving Doors son considerados la cumbre creativa de este grupo.

Afortunadamente, entre ambas está el single Pyramid Song, un gran tema de piano y arreglos de cuerda con cierto regusto a jazz en la batería y un tono atmosférico y dramático en los teclados que la hacen grande. La cosa sigue mejorando en el progresivo crecimiento en intensidad de You and Whose Army, un tema con aires de himno intenso y melancólico, o en I might be wrong, el tema de ritmo y estructura más reconocibles y convencionales, que lo hacen también más digerible y disfrutable que las experimentaciones anteriores. Le sigue Knives out que es, con todo merecimiento, el segundo single del disco tras Pyramid Song. Una canción triste y melancólica en la línea de las mejores composiciones del grupo, que tardaron más de un año en completar, y que tiene ciertas influencias de la guitarra de Johnny Marr en The Smiths.

El tono de lamento profundo y sombrío no es puntual, y tras mantenerse en temas como Morning Bell/Amnesiac o Dollars and Cents, la escucha empieza a hacerse demasiado costosa, como en su momento lo fue la lectura de alguno de los capítulos centrales de la obra de Miguel De Cervantes de la que, mientras escucho la extrañamente eléctrica e instrumental Hunting Bears, o la densa y experimental Like Spinning Plates, ya no quiero o no puedo acordarme. ¿Veis como sí que tenía algo que ver el libro que contiene la frase más famosa sobre la amnesia, con este disco de Radiohead?

Mientras Don Quijote y Sancho Panza se alejan a lomos de sus monturas en mi imaginación, el trompetista de jazz Humphrey Lyttelton y su banda convierten Life in a Glasshouse en la mejor banda sonora para una despedida, la de un disco de esos que nadie olvida, y no solo por lo buenos que son, sino por si en algún momento alguien pone cara de interesante y pregunta si "has escuchado este disco de Radiohead". En ese momento, sufrir de amnesia sería un error imperdonable que haría que todo el mundo nos señalara con el dedo, tal y como hacía Donald Sutherland en La Invasión de los Ultracuerpos, quién sabe si tras descubrir que Brooke Adams nunca había escuchado a Radiohead. 

0684.- Te quiero, te quiero - Nino Bravo

 

Te quiero, te quiero es el título del álbum debut del cantante español Nino Bravo y fue editado por Fonogram en junio de 1970. En este álbum él se compilaron la totalidad de los sencillos que había grabado hasta la fecha, sumados al tema grabado en 1969 "No debo pensar en ti" y otros tres más. En primer lugar, fue editado simplemente con el nombre del cantante, pero dado el éxito de la canción "Te quiero, te quiero" se hizo una reedición a finales de 1970 donde ya se tituló así. Fue conocido en los círculos más cercanos al cantante como el disco negro y en su portada se mostraba una fotografía del cantante en una de sus actuaciones. Nino no cosecharía buenas críticas entre los periodistas musicales del país, muestra de ello es el siguiente artículo, publicado en el diario La Vanguardia, que reproducimos a continuación:

«Nino Bravo es uno de los cantantes solistas españoles en quien más se puede confiar. Todo el mundo ve en él posibilidades de auténtica primera figura y todo el mundo, también, lamenta que Nino Bravo no haya sabido dar con un repertorio que ponga en evidencia la verdad de sus virtudes interpretativas. Esto ha durado largo tiempo y se ha convertido ya en tópico, a fuerza de permanente unanimidad. Y ahora aparece este «long play», que hemos escuchado ávidamente, deseando en lo más profundo que ese fatídico problema de repertorio se haya resuelto por fin. Y no. Con todo el dolor de nuestro corazón hemos de admitir que todavía no. Es el mismo tipo de repertorio de siempre, cancioncillas «de Benidorm» por dar un indicativo, con el que ni Nino Bravo ni el lucero del alba sería capaz de producir un impacto verdadero en la masa consumidora a nivel internacional. Lástima, una vez más».

 

Augusto Algueró había compuesto “Te quiero, te quiero” para que Lola Flores la incluyese en una de sus películas, La Faraona la grabó, pero el compositor y la productora tuvieron conflictos y la canción fue retirada de la banda sonora y del disco, fue entonces cuando Augusto ofreció a Nino Bravo esa canción y aunque a la discográfica no le gustaba fue el cantante, sin embargo, al cantante le gustó desde el primer momento. El amor es la temática de la letra, y mas que el amor es de las consecuencias que tiene sobre las personas cuando el amor nos atropella, es un sentimiento que nos traspasa, que necesitamos y que en todo momento condiciona nuestra vida a una persona, a un placer que queremos tener siempre a nuestro lado. Esta temática y los años 70 cuando los jóvenes de este país habían dado un paso adelante hizo que la canción fuera un superéxito, a eso hay que sumar la increíble voz de Nino Bravo que si bien llevaba mas de 8 años en los escenarios, empezando con 18 años en el conjunto Los Hispánicos junto a dos amigos que se dedicaban a actuar en presentaciones falleras y ferias locales,  mas tarde se incorporaría a Los Superson que fue donde le descubrió  Miguel Siurán, que lo bautizó con el nombre artístico Nino Bravo, con quien consiguió hacer algunos recitales en solitario y participar en el festival de Barcelona de la canción con un mal resultado, pero esa actuación y la voz que pudieron comprobar muchos productores fue clave para que le presentaran la canción e iniciar un despegue a la fama y el éxito que fue abruptamente cortado por un accidente de tráfico.

0683 - Teddy Boy - Paul McCartney

0683 - Teddy Boy - Paul McCartney

Teddy Boy es una canción de Paul McCartney incluida en su primer álbum en solitario McCartney, lanzado en abril de 1970. Según Ernie Santosuosso de The Boston Globe, describe la forma en que se destruye una relación cercana entre una viuda y su hijo adulto. por su nuevo interés romántico.

Paul McCartney escribió Teddy Boy durante la visita de los Beatles a la India en 1968. En 1970, McCartney describió la canción como "Otra canción que comencé en India y completé en Escocia y Londres gradualmente. Esta fue grabada para la película Get Back, pero luego no se usó".

McCartney tocó la canción por primera vez a los otros Beatles el 9 de enero de 1969.  Los Beatles no volvieron a la canción hasta el 24 de enero, grabando varias tomas. Esta grabación incluye algunos casos de retroalimentación de guitarra. Durante una interpretación de la canción, se escucha a John Lennon llamar "do-si-do" y otros pasos de baile cuadrado, algo que tanto el musicólogo Walter Everett como el historiador de los Beatles Mark Lewisohn atribuyen al aburrimiento de Lennon con la canción. El musicólogo y escritor Ian MacDonald escribe que cualquier intento de grabar la canción "fue saboteado por el continuo murmullo de parodia de Lennon". MacDonald describe "Teddy Boy" como una "cancioncilla molesta y caprichosa, notable únicamente por su cambio de tonalidad de re mayor a fa sostenido mayor". 

The Beatles volvieron a grabar "Teddy Boy" el 28 y 29 de enero.

McCartney grabó la versión de McCartney de "Teddy Boy" en su casa en Cavendish Avenue, St John's Wood. Comenzó el álbum alrededor de la Navidad de 1969, grabando en una grabadora Studer de cuatro pistas entregada recientemente, sin mesa de mezclas, y, por lo tanto, sin pantallas VU como guía para los niveles de grabación. McCartney describió su configuración de grabación casera como "Studer, un micrófono y nervio". Había terminado de grabar la pista básica de "Teddy Boy" el 12 de febrero de 1970, cuando llevó sus cintas a Morgan Studios. Estas cintas se transfirieron de cintas de cuatro a ocho pistas, agregando un silbido audible a la grabación. En Morgan Studios, McCartney completó la pista sobregrabando la batería, un bombo y aplaudiendo.

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0682: Funky Drummer - James Brown

James Brown es uno de los artistas que más veces ha sido sampleado por DJ's y músicos de rap o de hip hop, y buena parte de la culpa de este "récord" honorífico la tiene el tema Funky Drummer, publicado como single en 1970, y en concreto su espectacular ritmo de batería, surgido de una improvisación del baterista Clyde Stubblefield.

De hecho, la mayor parte de la canción se basa en la improvisación, no solo de la batería, sino también de las guitarras, teclados y saxofones, formando una enérgica base que Brown iba dirigiendo con sus característicos gritos y declamaciones vocales, con los que arengaba al grupo y daba las indicaciones sobre hacia dónde quería que fuera la música. En el caso de Stubblefield, en un momento determinado Brown pide "darle algo al baterista", en clara referencia a que el resto de la banda le deje solo, para después indicarle que "No tienes que hacer ningún solo, hermano, solo quédate con lo que tienes ... No lo sueltes, porque es una madre".

Stubblefield mantuvo el ritmo mientras el resto de instrumentos le dejaban solo, y Brown quedó tan impresionado con el tramo de batería, que decidió llamar a la canción "Funky Drummer", y publicarla como sencillo, separada en dos partes para cubrir las dos caras del single. La canción cosechó cierto éxito (llegó al 20 en la lista de R&B y al 51 en la lista pop de Estados Unidos), pero sus números no hacían imaginar que, años después, hablaríamos de una de las canciones más sampleadas de la historia de la música.

Kid A - #MesRadiohead

Kid A - #MesRadiohead

Vamos con los artistas de este mes, que son la banda Británica Radiohead, con su sonido de Rock Alternativo, que nos trae esta propuesta, el álbum Kid A que es su cuarto álbum de estudio de la banda de rock Británica Radiohead, este álbum fue lanzado el 2 de octubre del año 2000. Fue producido por el productor Nigel Godrich en París, Copenhague, Gloucestershire y su ciudad natal de Oxford, Inglaterra.

Radiohead consideró lanzar este álbum como álbum doble, pero decidió que era demasiado; y con todo el material no incluido editaron Amnesiac, ocho meses después.

Después del estrés de promocionar el aclamado álbum OK Computer de Radiohead de 1997, el compositor, Thom Yorke, quería alejarse de la música rock. Con influencias de la música electrónica, la música ambiental, el krautrock, el jazz y la música clásica del siglo XX, Radiohead utilizó instrumentos como sintetizadores modulares, ondas Martenot, metales y cuerdas. Procesaron sonidos de guitarra, incorporaron muestras y bucles, y manipularon sus grabaciones con software como Pro Tools y Cubase. Yorke escribió letras impersonales y abstractas, recortando frases y juntándolas al azar.

Kid A fue muy esperado. Alejándose de la práctica de la industria, Radiohead no lanzó sencillos ni videos musicales y realizó pocas entrevistas y sesiones de fotos. En cambio, se convirtieron en uno de los primeros actos importantes en utilizar Internet como herramienta de promoción; Kid A estuvo disponible para transmitir y se promocionó con cortometrajes animados con música y obras de arte. Se compartieron copias piratas de las primeras actuaciones en los servicios de intercambio de archivos y el álbum se filtró antes del lanzamiento. En 2000, Radiohead realizó una gira por Europa en una carpa hecha a medida sin logotipos corporativos.

Kid A debutó en la cima de la lista de álbumes del Reino Unido y se convirtió en el primer álbum número uno de Radiohead en el Billboard 200 en los EE. UU., donde vendió más de 207.000 copias en su primera semana. Su desviación del sonido anterior de Radiohead dividió a fanáticos y críticos, y algunos lo descartaron como pretencioso, deliberadamente oscuro o derivado. Sin embargo, más tarde atrajo elogios; al final de la década, Rolling Stone, Pitchfork y The Times clasificaron a Kid A como el mejor álbum de la década de 2000, y en 2020 Rolling Stone lo clasificó en el puesto 20 en su lista actualizada de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos". Al igual que OK Computer, ganó el Premio Grammy al Mejor Álbum Alternativo y fue nominado al Premio Grammy al Álbum del Año. Ha sido certificado platino en Australia, Canadá, Francia, Japón, Estados Unidos y el Reino Unido. Kid A Mnesia, una reedición de aniversario que compila Kid A, Amnesiac y material inédito, se lanzó en 2021.

Radiohead trabajó en el primer tema, Everything in Its Right Place, en un arreglo de banda convencional en Copenhague y París, pero sin resultados. En Gloucestershire, Yorke y Godrich transfirieron la canción a un sintetizador Prophet-5, y la voz de Yorke se procesó en Pro Tools usando una herramienta de limpieza. O'Brien y el baterista, Philip Selway, dijeron que la pista los ayudó a aceptar que no todas las canciones necesitaban que todos los miembros de la banda la tocaran. O'Brien recordó: "Estar genuinamente encantado de que hayas estado trabajando durante seis meses en este disco y haya resultado algo grandioso, y tú no hayas contribuido, es un sentimiento realmente liberador". Jonny Greenwood lo describió como un punto de inflexión para el álbum: "Sabíamos que tenía que ser la primera canción, y todo siguió después".

Yorke escribió una versión temprana de The National Anthem cuando la banda aún estaba en la escuela. En 1997, Radiohead grabó la batería y el bajo para la canción, con la intención de desarrollarla como cara B para OK Computer, pero decidió conservarla para su próximo álbum. Para Kid A, Greenwood agregó ondes Martenot y sonidos muestreados de estaciones de radio, y la voz de Yorke fue procesada con un modulador de anillo. En noviembre de 1999, Radiohead grabó una sección de metales inspirada en el "caos organizado" de Town Hall Concert del músico de jazz Charles Mingus, instruyendo a los músicos para que sonaran como un "atasco de tráfico".

Las cuerdas de "How to Disappear Completely" fueron interpretadas por la Orquesta de St John's y grabadas en Dorchester Abbey, una iglesia del siglo XII a unas cinco millas del estudio de Radiohead en Oxfordshire. Radiohead eligió la orquesta porque habían interpretado piezas de Penderecki y Messiaen. Jonny Greenwood, el único miembro de Radiohead formado en teoría musical, compuso el arreglo de cuerdas multipista de sus ondas Martenot. Según Godrich, cuando los miembros de la orquesta vieron la partitura de Greenwood, "todos se echaron a reír, porque no podían hacer lo que él había escrito, porque era imposible, o imposible para ellos, de todos modos". El director de la orquesta, John Lubbock, los animó a experimentar y trabajar con las ideas de Greenwood. La directora de conciertos Alison Atkinson dijo que la sesión fue "más experimental" que las reservas habituales de la orquesta.

"Idioteque" muestra dos piezas de música por computadora, "Mild und Leise" de Paul Lansky y "Short Piece" de Arthur Kreiger. Ambas muestras fueron tomadas de Electronic Music Winners, un LP de música experimental de 1976 con el que Jonny Greenwood tropezó mientras la banda estaba trabajando en Kid A. La pista se construyó a partir de un patrón de caja de ritmos que Greenwood creó con un sintetizador modular y una muestra de "Mild und Leise". Le dio la grabación de 50 minutos a Yorke, quien tomó una pequeña sección y la usó para escribir la canción. Yorke también se refirió a la música electrónica de baile cuando habló de "Idioteque", y dijo que la canción era "un intento de capturar ese sonido de ritmo explosivo donde estás en el club y el PA es tan fuerte que sabes que está haciendo daño".

"Motion Picture Soundtrack" se escribió antes del sencillo debut de Radiohead "Creep", y se grabó una versión en piano durante las sesiones de OK Computer. Yorke lo grabó en un órgano de pedales, influenciado por el compositor Tom Waits; los otros miembros de la banda agregaron muestras de arpa y contrabajo, intentando emular las bandas sonoras de las películas de Disney de la década de 1950. Radiohead también trabajó en varias canciones que no se completaron hasta las sesiones de grabación de futuros álbumes, incluyendo "Nude", "Burn the Witch" y "True Love Waits".

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0681: Big Yellow Taxi - Joni Mitchell

Compuesto por la cantautora canadiense en 1970, Big Yellow Taxi apareció originalmente en el álbum Ladies of the Canyon. Como buena profeta en su tierra, la canción llegó al puesto 14 en Canadá, cosechando además buenas posiciones en Reino Unido (nº 11) y Australia (nº 6). En Estados Unidos no logró tanta repercusión, llegando solamente al puesto 67 de las listas de ventas, pero todo cambió unos años después cuando, en 1974, una versión en directo se convirtió en todo un hit en el país de las barras y estrellas.

En palabras de su autora, Big Yellow Taxi' surgió durante un viaje a Hawaii. Al llegar, un taxi la trasladó al hotel y, a la mañana siguiente, al descorrer las cortinas de su habitación contempló un espectacular paisaje de verdes montañas en el horizonte, que contrastaba con lo que se veía al mirar hacia abajo, un gran parking que llegaba hasta dónde alcanzaba la vista. La idea de todo lo que se habría destruido para construir aquel parking fue la que le llevó a sentarse a escribir esta gran canción de concienciación medioambiental, un tema que hoy en día tiene, si cabe, todavía mayor relevancia.

En el verso final de la canción, el trasfondo político muta en una reflexión mucho más personal, cuando Mitchell relata cómo ve partir a su "viejo" en un "gran taxi amarillo", en lo que parece una referencia a la muerte de un ser querido, sin quedar claro si ese "old man" es un novio o un padre. También se ha interpretado el taxi amarillo como un coche de policía de Toronto, porque las patrullas solían tener ese color, y en ese supuesto sería la autoridad la que se estaría llevando al ser querido, para detenerlo o para acompañarlo hacia un lugar sin retorno, ese al que las decisiones medioambientales parecen estarnos llevando.

This Mortal Coil - It'll end in tears Píldora #10

This Mortal Coil es el esfuerzo colaborativo de Ivo Watts-Russell y una lista de superestrellas post-punk de los 80, Ivo es conocido por cofundar el sello discográfico británico 4AD, que ha sido el hogar de artistas como Bauhaus, Dead Can Dance, Cocteau Twins o Pixies. It'll End In Tears es una colección inquietante de ambient, dream pop, devastadores paisajes sonoros industriales y evocadores arreglos a cappella. Cada canción adopta un enfoque ligeramente diferente para crear el mismo estado de ánimo y creo ese es uno de los aspectos más notables del álbum. “Kangaroo” es una composición de Alex Chilton, cantante de Big Star, grupo norteamericano de cierto éxito a principios de los años setenta, la interpretación corre a cargo de Gordon Sharp acompañado por Simon Raymonde aunque la presencia del violonchelo de Martin McCarrick es muy notable. La canción estrella tiene como protagonista a Elizabeth Fraser, de Cocteau Twins, proporciona su gran voz para la impecable versión de "Song to the Siren" de Tim Buckley, Fraser interpreta con absoluta maestría una canción extraordinaria que ha conocido muchas versiones sin que ninguna haya conseguido acercarse a ésta, llena de sensibilidad y elegancia Destaca la conmovedora interpretación al piano de Howard Devoto de "Holocaust" de Alex Chilton, y la sensación inquietante de Watts-Russell, los espeluznantes ruidos industriales de Fryer en "Fyt", o la deslumbrante aventura de olas etéreas en "Dreams Made Flesh", de Lisa Gerrard de Dead Can Dance. El álbum sigue explorando sonidos de ensueño, a la deriva, ambientales e inquietantes, en una aventura bastante inspiradora con pistas como “Another Day” o “Waves Become Wings” otras grandes canciones que disfrutar.

 “It´ll End In Tears” destila sabiduría, nos habla de la vida y de sus imprevisibles condicionantes, y de personas que se encuentran atados a circunstancias y situaciones no deseadas. Cualquier alma sensible, encuentra en la audición de estas canciones esa complicidad existencial tan deseada por las personas solitariasAdemás suena muy fresco a pesar de que este álbum salió en 1984, consigue ser  tremendamente tranquilo, etéreo y, a veces, hermoso o incluso fascinante, algunas pistas como "Fond Affections" y "Kangaroo" pueden ser demasiado relajantes o minimalistas, pero sin ellas el álbum podría ser bastante monótono.

0680-. Every Night - Paul McCartney

 

Every Night, Paul McCartney

El 17 de abril de 1970 se produce el debut en solitario de Paul McCartney tras la separación de The Beatles con el disco titulado McCartney. El disco fue grabado entre el 1 de diciembre de 1969 y el 25 de febrero de 1970 entre la casa de Paul McCartney en Londres, los Morgan Studios de Willesden, Londres y los EMI Studios también de Londres, bajo la producción del mismo artista y publicado bajo el sello discográfico Apple Records.

McCartney llevó la grabación del disco en secreto utilizando equipos básicos de grabación en su casa de St John's Wood, en Londres. La mezcla y las grabaciones se llevaron a cabo en los estudios anteriormente citados. A parte de alguna que otra contribución ocasional de su esposa Linda, Paul grabó él sólo todo el disco, sobregrabando una cinta de cuatro pistas. El disco recibió en un principio críticas en su mayoría negativas, además de ser el artista vilipendiado, pues se le acusaba de haber acabado aparentemente con los Beatles. Posteriormente sería reconocida la importancia de este disco para los llamados músicos DIY (autogestionados) y los estilos musicales lo-fi (baja fidelidad). 

Incluida en este álbum se encuentra la canción Every Night, una canción que Paul escribió durante unas vacaciones en Grecia, y donde refleja la depresión que sufrió tras la ruptura de los Beatles. La canción también es toda una declaración de amor por su esposa Linda. McCartney llegó a declarar como se sentía: "Tienes que imaginar cómo te sentirías si tus tres mejores amigos de repente están en tu contra. Y sí, debo admitirlo, bebía alcohol y tomaba sustancias. Ese fue un periodo muy difícil para mí".