0473 - Think - Aretha Franklin

0473 - Think - Aretha Franklin 

Think es una canción escrita por la cantante estadounidense Aretha Franklin y Ted White, y grabada por primera vez por Aretha Franklin.

Se publicó como sencillo en 1968, de su álbum Aretha Now. La canción alcanzó el número 7 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en el séptimo éxito de Aretha Franklin en el top 10 de los Estados Unidos. La canción también alcanzó el número 1 en el Hot Rhythm & Blues Singles de la revista, convirtiéndose en su sexto sencillo en la lista. La canción fue escrita por Aretha Franklin y su entonces marido Ted White. Aretha Franklin volvió a grabar la canción en el estudio de Atlantic Records de Nueva York para la banda sonora de la película de 1980 The Blues Brothers y en 1989 para el álbum Through the Storm. Pitchfork la situó en el número 15 de su lista de "Las 200 mejores canciones de la década de 1960".

Aretha Franklin hizo una sincronización labial con una nueva versión de la canción en una secuencia musical de la película de 1980 The Blues Brothers. Dado que Aretha Franklin no estaba acostumbrada a la sincronización labial, esta secuencia requirió varias tomas y una edición considerable, La versión de 3:15 de la canción aparece en el álbum de la banda sonora y, además de la canción de Aretha Franklin, cuenta con la banda de los Blues Brothers y los coros de la hermana de Aretha Franklin, Carolyn Franklin, y de su prima, Brenda Corbett.

Aretha Franklin grabó una versión actualizada de 3:38 titulada "Think (1989)" para su álbum de 1989 Through the Storm. Fue producida y arreglada por Arif Mardin con su hijo Joe Mardin. Volvió a grabar la canción para Mothers Against Drunk Driving como anuncio de servicio público a finales de la década de 1980.

Daniel 

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0472 - Walk on the Water - Creedence Clearwater Revival

0472 - Walk on the Water - Creedence Clearwater Revival

Walk on the Water es la cara B del single "I Put a Spell On You", el segundo single John Fogerty, Tom Fogerty, Stu Cook y Doug Clifford grabaron como Creedence Clearwater Revival. También aparece en su álbum debut autotitulado.

La versión del LP es un remake de la canción de la época de The Golliwogs titulada "Walking on the Water". El original "Water" fue lanzado como un single del sello Scorpio en agosto de 1966. Fue cantada por John Fogerty, que también ofreció un tenso solo de guitarra en la primera versión grabada de la canción.

El single "I Put A Spell on You" b/w "Walk on the Water" se lanzó con una portada similar en Alemania, Francia e Italia. Era diferente de la lanzada en España. La versión estadounidense no tenía foto de portada (Peter Koers, Green River: An Illustrated Discography, 1999).

Creedence Clearwater tocó la canción en Deno & Carlo's (más tarde Keystone Korner) en San Francisco cada semana desde el 2 de febrero hasta el 28 de abril de 1968. "Walk on the Water" permaneció en la programación de la banda hasta el verano de 1969. El cuarteto de la zona de la bahía también interpretó la canción en su primer concierto en Nueva York (Fillmore East) en octubre de 1968.

Daniel 

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#MesU2: Achtung Baby - U2

En 1991, los chavales de Getafe sentíamos un gran orgullo de pertenencia a la autoproclamada "Capital del Sur", pero paradójicamente, al mismo tiempo teníamos una actitud bastante "fronteriza" y separatista entre los que nos considerábamos normales (aunque desde el otro bando nos tildaran de "frikis") y aquellos a los que despreciábamos por ser "pijos". En esa particular situación de antagonismo entre los dos bandos, era inevitable sentirse identificados con los protagonistas de películas como West Side Story o Quadrophenia, y asignar a los despreciables "pijos" el merecido papel de "villanos", por jurar como juraban siempre por Snoopy, por no perderse un solo capítulo de Friends, por llevarse siempre a las mejores chicas y, sobre todo, por cantando con los brazos en alto y los ojos cerrados cada vez que el disc-jockey ponía una canción de Hombres G o, incomprensiblemente, de U2...

Esa, amigos, es la absurda, y a la vez más que justificada, razón por la que, aún hoy en día, no he escuchado ninguno de los álbumes de U2 anteriores a The Joshua Tree. Bajar la guardia y cantar con los ojos cerrados "Pride" o "Sunday Bloody Sunday" podía agenciarte el rechazo y la sospecha entre tus iguales. La cosa se puso aún más difícil con temas tan buenos como I still haven't found what I'm looking for, Where the streets have no name o With or without you, y aunque hasta los propios pijos empezaron a renegar y a mirar de soslayo el Rattle and hum, no hubo ninguna señal de aviso que nos preparara para el brutal cambio de acera de Achtung Baby, hasta la publicación del álbum y su adecuado título: Achtung significa "Atención" o "Cuidado", la palabra con la que en alemán se recuerda a los viandantes que deben tener precaución en los cruces y pasos de cebra. Así que el título de "Cuidado, chica" era todo un toque de atención sobre el cambio que el disco ofrecía.

Evidentemente, ni Bono ni el resto de miembros de U2 sabían nada de la profunda y verdadera razón por la que sus discos no se vendían bien en los barrios de Las Margaritas o La Alhóndiga, pero sí que estaban molestos por las críticas recibidas a nivel mundial por el álbum Rattle and Hum, y decidieron dar un giro a su música, alejándose de los himnos comerciales de los ochenta y dejándose llevar por las influencias del rock alternativo y de la música industrial y electrónica. El cambio se trasladó también a la temática de las composiciones, en un álbum mucho más oscuro e introspectivo. Dónde antaño aparecían grandilocuentes slogans políticos y sociales con los que parecían querer salvar al mundo, ahora su paleta narrativa se adentraba en temas más realistas y profundos sobre las relaciones humanas, el amor, la sexualidad, la soledad o el desengaño. 

Grabado e ideado en su mayor parte entre el Berlín del recién derribado muro y su Dublín natal, con Achtung Baby fue como si los irlandeses hubieran hecho un corte de mangas a Chandler y Rachel, mientras María rechazaba a su novio Jet para liarse con un friki, y el más famoso de los rockers se compraba una parca verde y una vespa para ir de peregrinación a Brighton. De repente, los U2 molaban y eran muy frikis, con un brillante y recién estrenado disco que no era apto para ser cantado en un bar con los ojos cerrados, sino para degustarlo en la soledad de tu cuarto, con unos buenos auriculares, y no perderte el más mínimo detalle de aquella impactante transformación sonora y narrativa.

La ruptura con lo que hasta entonces había sido el otro lado de su particular "muro" sonoro es evidente ya desde el arranque del disco. Las primeras notas distorsionadas de Zoo Station buscan conscientemente que el oyente habitual (el "pijo" en nuestra realidad local) creyera que el disco estaba defectuoso o que por error le hubieran vendido un disco de un grupo de música electrónica. El cambio de temática y estilo es aquí especialmente marcado, en la distorsión de las abruptas y crudas guitarras, como si este primer tema (que se barajó como posible título del disco) tuviera que cumplir de manera agresiva y cortante el rol de primera y directa declaración de intenciones.

Dentro del tono oscuro general del disco, en Even better than the real thing se cuelan algunos de los mensajes más luminosos del disco, en la que es la canción más sexual y positiva, y The Edge combina su particular estilo de tocar la guitarra con la incorporación de efectos y sonidos de marcada influencia electrónica, que hacen que la canción suene mucho más adelantada al sonido de canciones similares del pasado reciente. Un pasado con el que querían romper, pero no les fue fácil encontrar la fórmula correcta para hacerlo. Para lograrlo, decidieron alejarse de la rutina y de los lazos familiares, y eligieron el Berlín del gran cambio socio-político del momento como fuente de inspiración, trasladando su campamento base a los estudios Hansa en los que se habían grabado discos como "Low" y "Heroes" de David Bowie o "The Idiot" de Iggy Pop, pero tras varias sesiones infructuosas, la moral y las relaciones en el seno del grupo se fueron poco a poco deteriorando, al no ponerse de acuerdo en la dirección a seguir.

Durante la grabación de Mysterious Ways, un complicado tema que combina ritmos bailables, inspirados en una breve estancia en Marruecos, con un riff de guitarra de corte sorprendentemente funky, la frustración llegó a su punto álgido, y la amenaza de la separación de la banda llegó a sobrevolar el ambiente. La llegada de Brian Eno para ayudar en la producción, demostrándoles que el trabajo que habían realizado era mejor de lo que pensaban, y el descubrimiento accidental de los acordes de One en una improvisación de The Edge, salvaron los muebles y recondujeron la complicada situación, convenciéndoles de que podían aunar a la vez canciones con capacidad comercial y nuevas y arriesgadas tendencias sonoras. One se convirtió en una de las canciones más relevantes de la historia de la banda, y una de las mejores canciones de todos los tiempos. Bono volcó en ella los sentimientos producidos por las difíciles relaciones en el seno de la banda y las incomodidades de la estancia en Berlín.​

Con las energías renovadas por la sensación de haber encontrado por fin el camino correcto, la creatividad y la determinación se dispararon y los nuevos temas siguieron rompiendo las barreras con las que habían limitado su capacidad musical y la temática de sus textos. En Until the End of the World profundizan en temáticas religiosas y apocalípticas, a través de una conversación entre Jesucristo y Judas Iscariote. Fue publicada como single, como también lo fue Who's Gonna Ride Your Wild Horses, el quinto y último sencillo extraído del álbum, una descripción de los problemas de pareja con melancólicas texturas musicales que de nuevo desafían las viejas fórmulas.

El tono melancólico sigue presente en So Cruel, un tema de atmósfera intimista en el que destaca la calidez de la voz de Bono, que en varias de las canciones de Achtung Baby trabaja en registros más bajos, logrando dar una mayor profundidad a las composiciones. El tono es de nuevo sombrío y derrotista, con referencias al amor no correspondido y la obsesión que esto puede generar en el desdichado enamorado. 

The Fly fue el primer single que se lanzó del disco, y una de las canciones más representativas del Mr. Hyde en el que se estaba convirtiendo la banda, dejando atrás la aburrida y previsible vida del (pijo) Dr. Jekyll para embarcarse en aventuras sonoras mucho más intrigantes. Mientras escribía la canción, Bono creó el alter ego de The Fly, un personaje ególatra vestido de cuero negro y oscuras gafas de sol, una especie de Elvis del lado oscuro, que se presenta en sociedad a través de la voz distorsionada de Bono en temas como éste o Zoo Station. Construida sobre una base hip hop y ritmos electrónicos combinados con oscuras y distorsionadas guitarras, The Fly surgió en las sesiones de Dublín, tras la fallida experiencia en Alemania, como parte de una larga suite que incluía también lo que posteriormente serían Zoo Station y Ultraviolet (Light My Way), esta última más emparentada narrativamente con los temas del tramo final del disco, que rozan lo conceptual en sus referencias a una mujer (la Luna) que seduce a un hombre (The Fly) llevándole al lado oscuro de la noche y la perdición amorosa.​

En Tryin 'to Throw Your Arms Around the World ese hombre vaga en estado de embriaguez, sin encontrar la salida a una relación tempestuosa, descrita también en Ultraviolet (Light My Way), mientras en Acrobat los problemas de pareja se entremezclan con una vuelta a las referencias religiosas que ya aparecieron en Until the end of the world,  y el lamento por el amor fallido de So Cruel es aún más desgarrador y sombrío en Love is Blindness, que nos revela que la historia de amor de este disco no tiene un final feliz.

El recorrido del disco sí que lo tuvo, a tenor de los 18 millones de copias vendidas, el Grammy al mejor álbum de rock, y la larga lista de premios que recibió por parte de la crítica especializada, que lo sigue considerando uno de los mejores álbumes de la historia. Achtung Baby está incluido en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir", y la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 63 de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos"), pero el gran mérito de este disco siempre será habernos dado a los "frikis" el único momento de gloria en nuestra desigual lucha contra los "pijos" cuando por primera vez empezó a sonar The Fly en los bares del centro de Getafe. Cuando estaban a punto de cerrar los ojos y levantar los brazos al cielo, notaron que algo no funcionaba. Aquellas guitarras distorsionadas les desconcertaban, y al mirar a su alrededor, vieron a un grupo de frikis rasgar al aire sus imaginarias guitarras. Algo había cambiado. Ellos seguían teniendo la ropa de diseño y las gafas de marca, pero el muro había caído, y de repente U2 era nuestro. Nos duró solo un par de discos más (Zooropa y Pop) pero nos supo a batalla ganada.

0471.- Suzie Q - Creedence Clearwater Revival

 

Suzie Q, Creedence Cleartwater Revival

     El 28 de mayo de 1968 de produce el debut de la mítica banda Creedence Clearwater Revival con su primer álbum de estudio, de título homónimo: Creedence Clearwater Revival. El disco es grabado en octubre de 1967 y entre enero y febrero de 1968 en los estudios Coast Recorders de san Francisco, California, y publicado bajo el sello discográfico Fantasy Records. El disco en un principio no fue muy bien valorado por la crítica musical, llegando a decir que lo único interesante era que John Fogerty era un buen cantante y un guitarrista interesante, no podían estar más equivocados.

El disco fue grabado por la banda poco después de cambiarse el nombre, ya que antes eran conocidos como The Golliwogs. Pero no sólo se cambian el nombre pues a la vez empiezan a definir su propio estilo y sonido basado en el swamp rock y l rock psicodélico.

Incluido en el álbum se encuentra Suzie Q, el primer tema exitoso de la banda. Originalmente el tema, de corte rockabilly, había sido grabado por Dale Hawkins, quien la había escrito junto a Robert Chaisson, su compañero de banda, pero cuando se lanzó, tanto Stan Lewis, el propietario de una discográfica y padre de Susan, la chica en la que se inspiró la canción, como Eleanor Broadwater, la mujer del conocido DJ de Nashville Gene Nobles, fueron acreditados como coautores para recibir una parte de las regalías. John Fogerty declaró que el proposito de grabar Suzie Q era hacer una canción que se reprodujera en KMPX, una conocida emisora de radio de funky y rock progresivo de San Francisco, razón por la que duraba más de ocho minutos. John quería además que Suzie Q fuera el tema que definiera el característico estilo que quería para el grupo. El músico sabía que necesitaba trabajar en los arreglos de la canción para que sonara a Creedence Clearwater Revival, y eligió este tema porque era más fácil trabajar soobre una canción ya hecha que tener que escribirla desde cero. 

Este tema fue el primer sencillo que lanzó la banda como Creedence Clearwater Revival. Antes ya habían lanzado el tema Porterville, pero con el nombre anterior, The Golliwogs. suzie Q llegó a alcanzar el puesto número 11 en las listas de ventas del país estadounidense, siendo además la única canción no escrita por John Fogerty en colarse dentro del Top 40 de éxitos de las listas.

0470.- In A Gadda Da Vida - Iron Butterfly

Iron Butterfly no les debió poner nada fácil a los locutores y DJ's de los programas de radio fórmulas de 1968 la presentación y programación de su, por entonces, nuevo tema. Con el extraño título de In-A-Gadda-Da-Vida y sus 17 minutos de duración, parecía un auténtico reto que la canción pudiera convertirse en un gran éxito, y el desafío se hizo extensible al álbum del mismo título, en el que In-A-Gadda-Da-Vida ocupaba toda la segunda cara.

El extraño título surgió de lo que conocemos como un "teléfono escacharrado", cuando el baterista Ron Bushy, mientras escuchaba el tema a través de unos auriculares, preguntó a Doug Ingle por el título que tendría aquella canción.  Con la música atronando por los auriculares, Ron no escuchó bien la respuesta de Doug, y convirtió In the Garden of Eden ("En el jardín del Edén") en In-A-Gadda-Da-Vida. Aquella anécdota les hizo tanta gracia, que decidieron que ese sería el título de aquella larga e intrincada canción en la que Adán declaraba su amor por Eva.

In-A-Gadda-Da-Vida es una de las primeras canciones del género "heavy metal" y una de las obras cumbre de la "Mariposa de Hierro", con un memorable y distintivo riff de guitarra y bajo, mantenido a lo largo de todo el tema, y actuando como base rítmica para extensos y elaborados solos de órgano y guitarra. La canción incluye también, en su tramo central, uno de los solos de batería más recordados de la historia del rock. Junto a Black Sabbath, abrieron la puerta al heavy metal y al rock progresivo y psicodélico, géneros que nos han regalado algunas de las obras más relevantes de la historia de la música, aunque muchos nunca hayan llegado a entenderlos del todo, perdiendo la oportunidad de pasar un buen rato "En el jardín del Edén".

Disco de la semana 271: Faith - George Michael

 

Despues de haber publicado varios sencillos en solitario de un gran calado popular en solitario "Careless Whisper", "A Different Corner" y "I Knew You Were Waiting (For Me)" mientras formaba parte del grupo Wham!, había llegado el momento en que George Michael publicara su primer álbum en solitario. Fue un gran esfuerzo de un hombre decidido a poner el mundo del pop a sus pies de una vez por todas, y a fe que lo consiguió, este Faith contenia 6 éxitos a nivel mundial y fue el detonante de una gira mundial solo superada en aquellos momentos por Michael Jackson, una gira donde no paro de recaudar premios y recompensas. Faith va más allá del reputado sonido “adolescente” de sus trabajos con Wham!, hacia un territorio más maduro musicalmente y áreas más escandalosas líricamente, Michael quería separarse de los cortos días de antaño, por lo que trató de tocar temas más adultos. Atrás quedaron los días frívolos de rapear sobre divertirse en el paro y regalar su corazón para Navidad: este era un artista serio. Vamos a desgranar un disco que para los que hemos nacido en los 70, fue un verdadero shock tanto musicalmente como en imagen.

 

El álbum abre con una referencia consciente a sus días en Wham! con una breve interpretación de órgano en solitario de su antiguo sencillo "Freedom", que es un poderoso mensaje simbólico de que sus días de adolescente habían terminado y estaba buscando algo más serio y artístico. De repente, un riff nítido de guitarra acústica revienta la canción de par en par con un infeccioso boogie de ritmo de Bo Diddley y comienza la icónica canción principal "Faith", el ritmo boogie, la batería ligera y la línea de bajo dan paso a un George Michael completamente nuevo, resaltado por la interpretación vocal arenosa pero coqueta de Michael que arroja apartes vocales sin esfuerzo como un rock 'n' roll de los años 50 de James Brown. La canción se nos hace corta con solo dos versos y tres coros junto con el solo de guitarra endiabladamente animado que canaliza a Chuck Berry y Elvis en su versión más country en igual medida. George Michael lo ha conseguido con su primera canción, ha realizado la canción pop perfecta, es breve y dulce, líricamente coqueta y segura, un estribillo para morirse en su simplicidad, un preestribillo que es posiblemente aún más, en menos de tres minutos, George Michael cambia toda su imagen de un rompecorazones adolescente a alguien que rezuma encanto y frescura de una manera completamente nueva y más madura. 

Y sin dejarte respiro en la siguiente canción nos regala la primera de muchas baladas apasionadas asombrosamente conmovedora "Father Figure", que comienza con un exuberante arreglo de sintetizador y el regreso del órgano gospel antes de que la canción se ponga en marcha con chasquidos de bajo impactantes y unos lujosos teclados que proporcionan la base para una interpretación vocal verdaderamente conmovedora de George Michael. Aquí se deshace de la astucia de "Faith" por algo más parecido a Aretha Franklin en la forma en que construye magistralmente la tensión no resuelta en los versos reservados con una entrega susurrada y coros de himnos antes de que el coro dé paso a una explosión de evangelio puro con un sonido completo la canción son seis minutos de soul puro que van desde los silenciosos y reservados hasta las improvisaciones escalofriantes y apasionadas que terminan la canción. Y no paramos en la tercera canción es otro éxito brutal, el tercero, un épico sex-jam en dos partes "I Want Your Sex (Parts 1 & 2)", que es muy provocativo y sensual para la época, sin embargo, aún más evidente es la marca de funk sintético sexy de Prince, quien es una gran influencia en casi todos los cortes de aquí. La primera parte de la canción es la más parecida a Prince con sus pesados ​​riffs de sintetizador, licks de bajo absolutamente gordos, golpes de cencerro y pausas funky de cuerno que convierten esta bagatela de synth-pop en un ejercicio completo de pop-funk.  George Michael interpreta a un hombre cuya amante se niega a complacerlo y él intenta todos los trucos del libro para convencerla de que esté con él. Si bien las técnicas de seducción idiosincrásicas de Michael no son tan suaves y pervertidas como las de Prince, lo da todo y su voz es admirablemente sensual, incluso si a veces parece más enojado que sexy. 

El primer lado concluye con otro gran éxito (hasta ahora, cada canción fue un éxito número uno o número dos, ¡qué hazaña!), la escalofriante e impactante balada poderosa "One More Try", el punto más alto del álbum hasta el momento y el verdadero tour de force vocal de George Michael, la canción comienza con tonos de teclado melancólicos pero relajantes que establecen el triste telón de fondo para la interpretación vocal más dramática y conmovedora de George Michael en su carrera. Su voz está al frente y al centro, por una buena razón, respaldada solo por teclados lujosos y batería y bajo de jazz, asegurándose de que sea la estrella legítima de la canción que se convierte en un punto culminante lírico, donde George teje la súplica semiambigua pero aún poderosa a su amante mayor a quien teme decepcionar y sus intentos de reconciliar su amor por ellos con su deseo de ser él mismo, es el golpe emotivo del álbum debido a la melodía verdaderamente hermosa pero simple y la interpretación de la voz completa de Michael que desafía a los mejores cantantes que lo precedieron.

 

El álbum se convierte con el synth-funk implacablemente maravilloso de "Hard Day", el pastiche de Prince más obvio del álbum, una canción montada en una pista de batería que golpea duro, un bajo funk palpitante y sintetizadores angulares, mientras que George Michael ofrece una súplica sensual y enfática a su amante para que deje su equipaje en la puerta y se lance con la pasión. Un tema engañosamente complejo, con pasajes de flauta sintetizada, líneas vocales rápidas y la hilarante coda de la pista donde Michael convierte la pista en un dúo improvisado con un alter ego femenino al estilo de Camille ala "U Got the Look". El álbum ofrece su única canción con cierta protesta con una lujosa balada de sintetizador "Hand to Mouth", una canción que narra desde tiroteos masivos hasta adopción, prostitución y viceversa, mientras condena el obsceno privilegio y la falta de caridad de la clase. Mientras que líricamente ofrece bastantes imágenes sólidas y melodías encantadoras, carece de coherencia general y de angustia, pero el arreglo es maravillosamente detallado, guitarra española, piano clásico melodioso y un ritmo de sintetizador, no deja una interpretación vocal discreta pero bonita que le da a la canción una emoción bien merecida. A continuación, llega el funky soul-rock de "Look at Your Hands", que parece ser la versión personal del arrogante Mick Jagger y The Rolling Stones con licks de guitarra blues, piano borracho, vientos metálicos, y una sección de ritmo oscilante. La canción es el rock and roll más directo que George Michael jamás escribiría y teje la historia de un ex que lo rechazó y terminó en un matrimonio abusivo y las súplicas de Michael para que ella se escape con él. Tiempo para otro sencillo de gran éxito, tiempo para la discoteca y "Monkey", un tema que luce la instrumentación más directa del álbum con un riff de sintetizador en espiral, tambores de club contundentes y un golpe de bajo impactante en el que Michael se enfrenta a su posible amante, obligándolos a elegir entre él y su adicción a las drogas. Si bien la canción es más que un poco anticuada, también está escrita de manera experta con múltiples ganchos, puentes y versos para que no se vuelva obsoleta como la mayoría de las pistas de club demasiado repetitivas. 

El álbum se cierra con el mejor y más subestimado corte del álbum (mi segunda favorita después de One More try), la dolorosamente hermosa balada de jazz de club nocturno “Kissing a Fool”, George Michael ha entregado un álbum lleno de grandes voces hasta este punto, pero aquí muestra un lado completamente nuevo de su voz, con un canto muy seguro y suave que evoca el encanto natural y el romanticismo de los cantantes de jazz de los años 40 y 50. La canción cuenta con el mejor arreglo de George Michael hasta la fecha, con una exuberante banda de jazz en vivo con batería ligeramente tocada, un trabajo de piano de jazz melodioso y contrabajo. La canción también es jazzística en su estructura, carece de un estribillo tradicional y en su lugar cuenta con un verso repetido hermoso y texturizado y dos puentes diferentes, el primero en un modo más conmovedor y de bajo perfil y el segundo llevando la canción a un clímax impactante con la melodía ascendente alcanzando los alcances más altos del rango de Michael de manera espectacular antes de cerrar la canción con un último verso desgarrador. Toma pistas de los grandes como Sinatra y Ella Fitzgerald, pero hace que la canción sea completamente suya imbuyéndola de una gran cantidad de alma y agregando algunos riffs vocales deslumbrantes en los puentes. El álbum termina con una nota perfectamente dulce y melancólica con el elegante verso final, entregando la letra del título desgarradora en la línea final de la canción con un aire de resignación.

Digamoslo alto, George Michael ha creado un disco pop perfecto, no solo es notablemente consistente sino también encantador y elegante, una palabra que no suele asociarse con el género ​​un álbum realmente magistral y aunque su futura carrera sería aún más madura, aquí encontró la combinación perfecta de vértigo pop y madurez conmovedora. Una obra maestra y uno de los mejores y más conmovedores discos de la década de 1980.

0469.- Paraules D'Amor - Joan Manuel Serrat

 

Joan Manuel Serrat aparece por primera vez en nuestro repaso, es sin duda uno de los mejores artistas que ha dado España, nace en 1943 en Barcelona el día 27 de diciembre de 1943. Fue un brillante estudiante pero la música y la poesía habían hecho presa en él. En 1965 ve la luz su primera grabación, el EP “Una Guitarra” (Edigsa, 1965), para su grabación Serrat cuenta con la ayuda de Marc Blond, como director de orquesta, y Salvador Gratacòs, que ejercería de director técnico de sus primeras grabaciones. Graba un segundo EP “Ara Que Tinc Vint Anys” (Edigsa, 1966) y obtiene un gran éxito obtenido, por lo que todo el mundo comienza a conocer a Serrat y a catalogarle como uno de los fundadores de la Nova Cançó catalana, al realizar su sus primero discos en la bella lengua catalana, posteriormente títulos como Ara Que Tinc Vint Anys su primer LP en 1967 o un año después Com Ho Fa El Vent donde encontramos esta bellísima Paraules d'amor, seguirían siendo publicados en su lengua natal, demostrado una gran sensibilidad y sobre todo un gran amor a su tierra y a todas aquellas tradiciones que desde bien joven habían calado profundamente en su espíritu. En 1968 ve la luz su primera grabación en castellano, el single “El Titiritero” (Zafiro / Novola, 1968) en cuya portada aparece como Juan Manuel Serrat y posteriormente la publicación del álbum La Paloma. Pero el gran éxito a nivel nacional le vendría dos años más tarde gracias a la valentía de adaptar musicalmente los poemas de poetas marginados por republicanos como Antonio Machado con Dedicado a Antonio Machado, Poeta y Miguel Hernández en Miguel Hernández donde encontramos esas maravillosas Nanas De La Cebolla y Para La Libertad. En 1970 en su disco Mi Niñez encontramos Fiesta que tendrá gran éxito y un año más tarde compone el que es, según nuestra opinión, el mejor disco en español de la historia como es Mediterráneo que le convierte en ídolo en todos los países de habla hispana y con el que iniciará una gira por todo el mundo.

Paraules d'amor es sin duda una de sus canciones más famosas y bellas de esos primeros años, la letra nos habla de ese primer amor lleno de ignorancia donde todo es novedad, pero también pleno de pasión y de verdad y aunque pases muchos años han conseguido un rincón en nuestro corazón y nunca olvidaremos ya que fue nuestro primer contacto y nuestro referente a lo largo de nuestra vida, podrás amar más, o menos pero nunca amaras como aquella primera vez. Fue su primera gran canción de amor, un amor adolescente, y a pesar de las décadas transcurridas sigue siendo una de las preferidas por parte de su público. La música arranca con unas notas de piano que preceden a la melancólica sección de viento y de cuerda. Entonces entra el bajo y la voz cantarina llena de ternura y sentimiento que nos trasmiten ese amor primero.

1 artista, 3 canciones: Frankie Goes To Hollywood

Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD

Frankie Goes to Hollywood surgió de la histórica ciudad musical de Liverpool, Inglaterra. El vocalista Holly Johnson había adquirido formado parte de una banda anterior de Liverpool, Big in Japan. El vocalista y bailarín Paul Rutherford tocó con The Spitfire Boys y Opium Eaters antes de unirse a Frankie Goes to Hollywood. Los demás miembros fueron Mark O'Toole en el bajo, Peter "Ped" Gill en la batería y Brian "Nasher" Nash en la guitarra. Iniciaron su andadura en 1980 actuando como teloneros de Hambi & The Dance, ya en 1982 consiguieron colocar una canción en la radio durante una sesión en vivo con el DJ David "Kid" Jensen. Pocos días después le llegó el turno a su debut televisivo: el programa era el famoso "The Tube", emitido por Channel 4, la ocasión era ideal para presentar también su primer vídeo, un cortometraje que "ilustraba" el tema que más tarde se convertiría en ‘Relax’.

 

Aún pasaría casi un año antes de que el single “Relax” se publicara en Inglaterra, cuando, en octubre de 1983 vio la luz, se desencadenó un alboroto: la letra de la canción escandalizaba a los "pulcros" ciudadanos de la clase media europea, e Inglaterra fue invadida por camisetas con frases como "Relax" o "Frankie says... Relax". Entre tanto, la primera versión del vídeo fue vetada por la televisión estatal, lo que obligó a la banda a rodar una segunda versión más casta, sin embargo, la prohibición acompañada de publicidad impulsó al sencillo de 1983 al número uno en la lista de éxitos del Reino Unido durante cinco semanas. “Two Tribes”, el segundo sencillo, alcanzó el número uno seis meses después, un himno contra la Guerra Fría que fue acompañado por un video popular que muestra al ex presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, y al ex líder del Partido Comunista Soviético, Konstantin Chernenko, peleando en un ring de lucha libre. Los dos primeros sencillos se convirtieron en platino, vendiendo más de un millón de copias cada uno, lo que convierte a Frankie Goes to Hollywood en el único grupo que tiene sus dos primeros lanzamientos de sencillos alcanzando este nivel de ventas. En 1984, su tercer sencillo, "The Power of Love", llegó a lo más alto de la lista, igualando el récord de los primeros tres lanzamientos de una banda que alcanzaron el número uno, un récord establecido por Gerry and the Peacemakers 20 años antes. El lanzamiento se utilizó más tarde como pista de acompañamiento para el primer anuncio de condones en televisión del Reino Unido. El cuarto sencillo, "Welcome to the Pleasuredome", llegó hasta el número dos, deteniéndose un lugar antes de lo que habría sido un récord de los primeros cuatro lanzamientos que alcanzaron el número uno.

 

Frankie Goes to Hollywood lanzó su álbum debut en 1984, Welcome to the Pleasuredome. en 1985, recibieron tres premios BRIT: Mejor debutante británico; Mejor Sencillo Británico por "Relax" y Mejor Productor, Trevor Horn. En agosto salió ‘Rage hard’, un pequeño adelanto de su nuevo álbum, Liverpool, que se publicó en octubre. Ya en 1987, el grupo comenzó en Manchester su última gira, no había mucho interés en la música de la banda, el exceso de éxito parecía haber extinguido la carga agresiva de FGTH en favor de un funky-pop moderado. Frankie Goes to Hollywood se separó en 1987, cuando tres de los miembros (sin incluir a Johnson o Rutherford) intentaron recrear el grupo, justo antes de firmar con Circa Records, Johnson impidió el uso del nombre de Frankie Goes to Hollywood y no se llegó a un acuerdo, Johnson firmó con RCA, y emprendio una lucha en los juzgados por el nombre del grupo, los miembros restantes de formaron The Lads e intentó capitalizar hasta la última nota con ¡Bang! The Greatest Hits of Frankie Goes to Hollywood, que fue lanzado por Atlantic en 1994. También en 1994, Johnson lanzó una autobiografía muy aclamada, A Bone in My Flute, así como el sencillo "Legendary Children". Casi diez años después de su lanzamiento inicial, "Relax", Welcome to the Pleasuredome , "The Power of Love" y "Two Tribes" fueron reelaborados y relanzados, experimentando un éxito comercial moderado en las listas del Reino Unido una vez más.

 

 

VOTACIONES

1.- Relax: En esta canción hay que detenerse sobre todo en la voz, cierto no es nada sublime, pero en el contexto de esta canción y la escena pop de la época, las voces funcionan muy bien son crudas, particularmente en los constantes estribillos del coro. También hay que destacar la sección electrónica en el medio de la canción con una versión más lenta del estribillo que rompe la canción y como no, una canción muy bailable, lo que probablemente fue un factor clave en sus ventas. Puedo imaginar que la gente se enamoró perdidamente de esta cancion en ese momento.

2.- Welcome to Pleasuredome: La búsqueda del máximo hedonismo que prevalece en las letras ciertamente fue un tema contemporáneo de mediados de los 80 como el siguiente paso lógico de las políticas de Thatcher, y el uso de la línea del exquisito poema de Coleridge sobre Kubla Khan fue una inspiración y reflejaba que estos los scousers tal vez tenían algo de talento después de todo. El ritmo rodante nos lleva en un viaje en autobús similar al de Speed, mientras Holly, casi gritando, nos da placer en su alcance para esos placeres terrenales sin límites.

3.- The power of love: Sin sonar como sus éxitos anteriores, 'The Power of Love' reflejó un lado más prosaico, hasta ahora invisible en la producción del grupo una balada lenta, a la deriva, casi orquestada, fue disfrazada en el video promocional como si tuviera un sentimiento navideño, pero la letra ciertamente no puede atestiguar lo mismo. El doloroso anhelo del Sr. Johnson eleva esta típica canción de amor, prometiendo protección contra todos los intrusos, incluso los sobrenaturales. Luchar contra demonios nunca ha sido tan precioso.

0468.- Born to be Wild - Steppenwolf

 

Born to be Wild, Steppenwolf

     El 29 de enero de 1968 la banda de rock,hard rock y rock psicodélico con base en California Steppenwolf debuta con su primer álbum de estudio, llamado también Steppenwolf. Este primer trabajo supuso un gran éxito para la banda gracias a temas como The Pusher, pero sobre todo a Born to be Wild. Para hablar de Born to be Wild hay que hacerlo también de cine, ya que este tema va ligado a este género,. Quién no recuerda la película Easy Rider al escuchar este tema y se imagina viajando sin ataduras y con total libertad por las interminables carreteras de Estados Unidos viviendo experiencias únicas.

     Easy Rider se gestó como una película independiente dramática, incluida en el genero llamado road movie, dirigida por Dennis Hopper e interpretada por el mismo y por Peter Fonda y Jack Nicholson. Esta película se inspiró en la película italiana de culto Il Sorpasso  (La Escapada) de 1962, dirigida por Dino Risi y protagoniazada por Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant. En Easy Rider sus personajes realizan un viaje en motocicleta cruzando el sur de Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Grass en Nueva Orleans, el famoso carnaval que se celebra un día antes del miércoles de ceniza. Por el camino, nuestros intrépidos motoristas se van encontrando a personajes de lo más diverso.

     Una película de culto como Easy Rider tiene a su vez una banda sonora también considerada de culto, donde podemos encontrar temas de The Jimi Hendrix Experience, Smith, The Birds, The Holy Modal Rounders, Fraternity Of Man, The Electric Prunes, Roger McGuinn y Steppenwolf. Una banda sonora que sería reeditada en edición de lujo en 2004 con los temas originales en la cara A y otros tantos añadidos como cara B.

     Incluida en la banda sonora de la película nos encontramos con el tema Born To Be Wild, que incialmente no fue un tema que agradara a los editores de la película demasiado y que incluyeron simplemente por el hecho de que estaba compuesta por Mars Bonfire. En un principio, Peter Fonda, uno de los protagonistas de la película quería que se encargaran de la banda sonora de la misma Crosby, Still & Nash, pero al final serían Steppenwolf y los demás artistas anteriormente citados los que aparecerían en la BSO.

     Born To Be Wild aparece en el primer disco de Steppenwolf en 1968, titulado también Steppenwolf. La banda por entonces estaba formada por John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo). Steppenwolf era una banda canadiense, aunque se gestó y formó en California sobre la base de la banda canadiense Sparrow. El tema fue compuesto por Mars Bonfire, nombre artístico de Dennis Edmonton, quien era a su vez hermano de Jerry Edmonton, el batería de Steppenwolf. Mars escribiría además de esta algunas canciones más para la banda a lo largo de su historia.

     Mars Bonfire relataba cómo se le ocurrió la composición del tema: un día mientras estaba paseando por Hollywood Boulevard se fijó en un cartel que había en una ventana que rezaba "Born to Ride" con una imagen de una motocicleta saliendo de la tierra y rodeada de fuego alrededor. Por aquel entonces Mars se acababa de comprar su primer coche, un Ford Falcon, y rápidamente asoció la idea de la motocicleta saliendo en busca de la libertad al igual que la alegría y la libertad que sentía él con aquel coche, el cuál podía conducir cuando le apetecía e ir donde quería. Es en este tema donde aparece por primera vez el término "heavy metal", y hay quien define este tema como la canción original que dio el primer paso al género. Si es la primera o no eso dejo que lo valoréis vosotros, pero lo que si hay una cosa clara, cuando se referían a "heavy metal", se estaban refiriendo a una moto.

#MesU2: Rattle and Hum - U2

 

Rattle and Hum, U2

     A pesar de haber conseguido el cartel de ser una de las bandas con más éxito de la década de los 80, los irlandeses de U2 habrían de esperar hasta 1987 para alcanzar el estrellato absoluto. Sería con la publicación de su quinto álbum de estudio, The Joshua Tree, cuando alcanzarían dicho estatus, siendo además el primer disco de la banda irlandesa en alcanzar el puesto númer uno el las listas de ventas de Estados Unidos, y el tercero en alcanzar tal puesto en Reino Unido.

U2 decide dar un paso más allá y para su siguiente lanzamiento deciden filmar una película documental que captura y graba las experiencias del grupo durante la gira estadounidense del Joshua Tree Tour, grabando además un doble disco con canciones en vivo junto con material nuevo. A este proyecto se le llamó Rattle and Hum. El álbum incluía nueve pistas en estudio y seis presentaciones en vivo, incluidas colaboraciones con Bob Dylan y BB King. La película documental lograba unas pobres críticas por parte de los especialistas en la materia, y el álbum Rattle and Hum si lograba un gran éxito, si bien es cierto que en un principio una pequeña parte de la crítica musical mostró su incomprensión y menosprecio. Le costó entender a la crítica que este album era un homenaje a las raíces de la música popular norteamericana, y que además funcionaba como bisagra en la trayectoria del grupo, serviría como eje para cerrar su exitosa etapa que había tenido su momento cumbre con The Joshua Tree, y abrirse a nuevos horizontes musicales, pues en la década de los 90 la banda se reinventrá a través de una nueva dirección musical e imagen pública. 

El proyecto Rattle and Hum captura sus contínuas experiencias con la música de raíces estadounidense en el Joshua Tree Tour, incorpora elementos de blues rock, folk rock y música gospel en su sonido, y se nutre de una serie de canciones nuevas de estudio, presentaciones en vivo y versiones de canciones, incluyendo además colaboraciones con Bob Dylan, BB King y el coro de gospel Harlem's New Voices of Freedom. El álbum es grabado entre finales de 1987 y el primer semestre de 1988, Producido por Jimmy Lovine, y publicado el 10 de octubre de 1988 bajo el sello discográfico Island Records. Se grabaron 11 canciones nuevas que de por sí podrían haber configurado un disco enteramnte nuevo, pero el grupo quería hacer algo distinto, por lo que finalmente lanzaron un doble disco que se basaba en tres elementos: Versiones en directo de la gira Joshua Tree Tour (1987), grabaciones originales realizadas durante el tour (casi todas en los Sun Studios de Memphis, Tennessee), y nuevos temas grabados en su mayoría en los A&M Studios de Los Ángeles. Por ese hecho dos de los 11 temas grabados, Hallelujah y A Room At The Heartbreak Hotel, serían descartados y editados como lados B.

Entramos en materia en el álbum y comenzamos con la maravillosa versión de los Beatles grabada en vivo de Helter Skelter, a la que sigue Van Diemen's Land, escrito por The Edge, quien además la interpreta en su totalidad. La canción trata sobre la Gran Hambruna Irlandesa que ocurrió entre 1845 y 1849 debido a la falta de alimentos causada por las políticas económicas británicas. El título es además una referencia a a la deportación que sufrió, a la que a día de hoy es la actual Tasmania, el líder irlandés John Boyle O'Reilly por orquestar una rebelión contra los ingleses. Desire, escrita por Bono, fue además el  primer sencillo del álbum. Una canción que trata sobre la ambición y la dedicación necesarias de un grupo musical para tener éxito. También hace crítica a los predicadores estadounidenses que estafan dinero a sus fieles seguidores. Este tema incorpora el llamado "Bo Diddley Beat", un ritmo que el genial músico hizo famoso. Hawkmoon 269 es un tema inspirado en la localidad de Hawkmoon, en Dakota del Norte, por la que el grupo había pasado durante su gira. El número 269 hace referencia a la cantidad de mezclas que sufrió la canción antes de la grabación final. Según The Edge la banda estuvo trabajando en este tema unas tres semanas. Seguidamente viene la magnífica versión en diecto que se marcan de All Along The Watchtower de Bob Dylan, tema antesala de la interpretación en directo de la maravillosa I Still Haven't Found What I'm Looking For, uno de los grandes temas de siempre de la banda, y que había sido publicado en el anterior disco The Joshua Tree. Freedom For My People es un pequeño entreacto de paenas 40 segundos hecho a partir de una canción escrita por Sterling Magee, Bobb Robinson y Macie Mabins, y que era interpretada en las calles por el propio Magee y Adam Gussow, dos músicos que tocaban en las calles y que luego grabarían tres álbumes como dúo de blues bajo el nombre Satan and Adam. Tema que sirve de antesala para los dos temas que cierran el primer disco, Silver And Gold, interpretada en directo. Fue escrita por Bono después de viajar a una misión de ayuda en Etiopía. Es una canción que critica claramente el Apartheid, denunciando también como el dinero parece ser más importante que la libertad de las personas, y Pride (In The Name Of Love), interpretada también en directo. Esta canción fue el primer sencillo lanzado del álbum The Unforgettable Fire (1984).

El segundo vinilo de este doble álbum comienza con la poderosa Angel Of Harlem, otro de los grandes temas la historia de la banda. El tema es todo un tributo a la gran cantante estadounidense de jazz Billie Holiday, "El Ángel de Harlem". Billie Holiday se mudó a Harlem cuando era adolescente en 1928. Allí tocó en infinidad de clubes nocturnos haciéndose famosa por su capacidad para llegar a la gente. Tuvo que lidiar durante casi toda su vida con el racismo, las malas relaciones y los problemas con el alcohol. Love Rescue Me, basada en una antigua canción de Gospel. Bono había estado trabajando en un tema que empezó a componer una noche después de despertarse habiendo soñado con Bob Dylan. Curiosamente, durante la gira, Bono Recibió una llamada telefónica en la que le preguntaban si le gustaría visitar a Dylan, no se lo pensó dos veces. Bono visitó a Dylan en Malibú y éste le ayudo a terminar la canción en la que había estado trabajando. Bono le dió los créditos como coautor de la canción. When Love Comes to Town, tema que se convirtió en el tercer sencillo del doble álbum y en el que colabora BB King poniendo su voz junto a Bono. En 1987 BB King había tocado en Dublín, en aquel concierto descubrió que entre el público se encontraban los componentes de U2, los cuales acababan de lanzar al  mercado The Joshua Tree. El maestro blusero se sintió muy honrado de saber que eran grandes admiradores no sólo de él, tembién del género blues. Acabado el concierto King pudo conocer a la banda y le pidió a Bono que pensara en él y en algún tipo de colaboración cuando escribiera una canción, y este tema fue el resultado. Heartland, canción que se gestó a raíz de un viaje que el bajista Adam Clayton y Bono hicieron. La canción está llena de pequeños fragmentos de los viajes que había plasmado Bono en un diario. La canión comenzó a escribirse en 1984 durante las sesiones de The Unforgettable Fire, siendo retomada durante las sesiones de The Joshua Tree. God (Part II), es una respuesta a la canción God de John Lennon. En God, Lennon nombraba una lista de las cosas en las que no creía, y en este tema Bono sigue la misma formula creando su propia lista. The Star Spangled Banner, interpretada en directo, es el tributo de la banda a la performance que Jimi Hendrix hizo del himno nacional estadounidense. Bullet the Blue Sky, la banda toca en directo este tema, grabado en su anterior álbum, The Joshua Tree, toda una crítica a las políticas exteriores de los países del primer mundo que tenían como fín defender su bienestar a base de promover o mantener guerras en países del tercer mundo. El Broche de oro de este segundo vinilo y que cierra por tanto el álbum lo pone All I Want Is You, tema que fue además el cuarto y último sencillo publicado de Rattle and Hum. La canción fue un homenaje de Bono a su esposa, donde le expresaba a partir de los tranquilos versos del tema su amor hacia ella, y donde los potentes riffs de guitarra de The Edge al final del tema son la reacción de ella a su declaración de amor. 

U2 cerraban con Rattle and Hum una etapa que habían abierto con The Joshua Tree, su Ópera Magna hasta el momento. La década de los 80 se esfumarían, y U2 como los conocíamos hasta ese momento también, pues volverían en la siguiente década reinventándose a sí mismos y agrandando más si cabe su leyenda... 

0467 - Lazy Sunday - Small Faces

0467 - Lazy Sunday - Small Faces 

Lazy Sunday es una canción de la banda inglesa Small Faces, que alcanzó el número dos en la lista de singles del Reino Unido en 1968.

Fue escrita por el dúo de compositores de Small Faces, Steve Marriott y Ronnie Lane, y apareció en el álbum de la banda de 1968 Ogdens' Nut Gone Flake. 

Lazy Sunday tiene un sonido de music-hall tradicional del East End de Londres. La canción se inspiró en las rencillas de Marriott con sus vecinos y también destaca por sus marcados cambios vocales. Marriott canta gran parte de la canción con un acento cockney muy exagerado, lo hizo en parte debido a una discusión que tuvo con los Hollies, que decían que Marriott nunca había cantado con su propio acento. En el puente final y los dos últimos estribillos, vuelve a su acento transatlántico habitual. 

John Lydon citó a los Small Faces como una de sus pocas influencias como vocalista de los Sex Pistols, y la evidencia de la influencia de Marriott se puede encontrar en esta canción.

Según el teclista de los Small Faces, Ian McLagan, las líneas vocales "rooty dooty di" de Lane eran una imitación de un miembro del equipo de carretera de los Who; las dos bandas habían realizado recientemente una gira conjunta por Australia. 

Lazy Sunday aparece como pista seis en el álbum Ogdens' Nut Gone Flake, y es la última pista de la cara A de la edición en vinilo.

La canción se utilizó en la película cómica británica de 2009 The Boat That Rocked

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Mecano

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Y nos vamos a detener en uno de los grupos que más éxito ha tenido en nuestro país: Mecano. El grupo surge en Madrid, en la década de los ochenta, como un grupo surgido de lo que se denominó la movida madrileña, pero nadie les ha englobado en esa corriente, tampoco se les puede equiparar en lo que en Europa se denominó New Romantic. Mecano iban por libre, se les tildaba de demasiado comerciales, pero en el fondo eran gente joven, con ganas de hacer cosas y con hambre de música con un inicio muy situado en el tecno-pop, aunque a lo largo de los años fueron capaces de transformarse y adaptarse a los tiempos cambiantes. El trío Mecano estaba compuesto por los hermanos José María y Nacho Cano, además de la vocalista Ana Torroja. Su ambición por hacerse un hueco en el mundo de la música les lleva rápidamente a contactar con distintas discográficas, despertando el interés de la CBS, con la que firman un contrato. Tras algunas audiciones graban su primer sencillo, "Hoy no me puedo levantar". Tras lanzar el sencillo y darle muy poca promoción, la CBS se desentiende un poco del grupo, sin estar muy convencidos de que la historia pueda funcionar, pero ellos no iban a tirar la toalla, ellos mismos compran varias copias del sencillo y empiezan a promocionarlo por su cuenta en emisoras de radio y gente relacionada con el mundillo. La reacción del público es muy positiva y la canción comienza a sonar en todos los locales de moda de Madrid. Y por fin, en 1982 Mecano publica su primer álbum, titulado "Mecano", tras una presentación espectacular y una promoción masiva por parte de la compañía, el disco se convierte en un auténtico éxito, vendiendo más de 100.000 copias en pocas semanas. Mecano aparecía en todas las fiestas que se celebraban en Madrid y aparecían en infinidad de programas de televisión, aumentado espectacularmente el caché del grupo e iniciando una carrera imparable hasta su disolución en 1992.

Estás tardando en comprarlo:

La repercusión que tuvo Mecano en España con Descanso dominical fue impresionante; se sacó casi entero en singles. Todo el mundo tarareaba las canciones, representó el cúlmen de una carrera. Abordaron temas diversos, desde el lesbianismo en "Mujer contra mujer" al ligue urbano en "Los amantes", retrataron a los españolitos en "Un año más" y el trato al español en EE.UU. en "No hay marcha en Nueva York" con mucha ironía en ambos casos. Otras canciones importantes fueron "El cine", "Eungenio Salvador Dalí", "El blues del esclavo", "Héroes de la Antartida" y "Laika". Esta última junto con "Hermano Sol, hermana Luna" no aparecieron originalmente en el vinilo. Para mí, a partir de este disco vino la cuesta abajo del grupo, por otro lado, normal, por su edad y la calidad alcanzada en él. También tuvo éxito la canción instrumental "Por la cara" interpretada a la guitarra por Tomatito y que fue usada en algún programa de radio como entrada. Seamos serios: Mecano no fueron los Beatles, pero fueron tan grandes que demostraron que se podía hacer música netamente comercial (nadie más ha vendido como ellos) no exenta de calidad.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Con una combinación de letras sublimes que cantan al amor y temas que abordan la crítica social, con este disco subieron varios peldaños de golpe y superaron por mucho lo que habían hecho anteriormente. En Entre el cielo y el suelo canción es como una crónica o un cortometraje con el sello inconfundible de Ana Torroja como vocalista, que, si bien no posee una voz impresionante, le atribuye características definidas al grupo integrado también por los hermanos Cano. En Hijo de la luna, Mecano presenta de forma magistral el origen de la leyenda gitana sobre las fases lunares. Cruz de Navajas, un clásico de este trío, es una extraordinaria composición que plantea una historia de amor e infidelidad entre sus protagonistas, Mario y María, dejando a la imaginación del que escucha cuál sería la tercera cruz. Con una manera particular y poética de contar las cosas, Ana, Nacho y José María saben llevar a su público por un fascinante viaje que dura entre 2 a 4 minutos. Me cuesta tanto olvidarte es una de las canciones más hermosas que jamás haya presentado Mecano.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Ya viene el sol se lanzó y publicitó como el disco "arriesgado" de Mecano. Los notables primeros singles del disco: 'No pintamos nada' y 'Japón', se acercaban un sonido tecnopop más contundente y rompedor con incluso algún tímido flirteo semi-industrial en el caso de Japón, aunque por supuesto las melodías ultrapegadizas marca de la casa, odiables o adorables, o ambas cosas a la vez, seguían estando allí. Aún así, el disco fue inicialmente un fracaso total, no vendió ni la décima parte que el debut, aunque cuando ya se daba al disco ( y casi al grupo también) por muerto el último single del disco, la anodina 'Hawaii - Bombay', se convirtió inesperadamente en una de las canciones del verano del 85. 'Ya viene el sol' quedó para la historia como disco de transición entre el nuevo y el viejo sonido, no marcó época, pero cerró dignamente su primera etapa.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.- Hijo la luna

2.- Me cuesta olvidarte

3.- Barco a Venus

4.- Maquillaje

5.- Mujer contra mujer

0466.- La La (Means I Love You) - The Delfonics

La La (Means I Love You) es el sencillo título del single de éxito de los Delfonics lanzado en 1968. Con letra y música de Thom Bell y William Hart, llegó al cuarto puesto del Billboard estadounidense, y a un meritorio puesto 19 en las listas del Reino Unido. Tuvo un éxito casi instantáneo, pero la auténtica medida del valor intrínseco de esta oda en clave soul al sentimiento de alegría que se experimenta al estar enamorado, es la influencia que ha tenido en las generaciones de músicos y cineastas posteriores.

Con su estribillo facilón (los la-la-la's del título) y su irresistible y suave melodía, consiguió conquistar a directores de la talla de Spike Lee, que la incluyó en la banda sonora de Crooklyn (1994), o Quentin Tarantino, que la incorporó a la música de Jackie Brown (1997). Es, además, la canción que Nicolas Cage le canta a su amada (Tea Leoni) en The Family Man (2000).

En el ámbito de la música, son remarcables las versiones de Booker T. and The MG's (para su disco Soul Limbo de 1968) o la de Michael Jackson y sus Jackson 5 en su álbum ABC (1970). Otras versiones interesantes serían las de Todd Rundgren en el disco A wizard, a true star (1973) y la de The Manhattan Transfer en Tonin' (1995). En 1996, Prince hizo una versión de la canción para su álbum Emancipation, adaptando el título a su particular escritura ("La, La, La Means Eye Love U") y convirtiéndola en la que probablemente sea la única canción versionada y grabada en estudio por los dos grandes tótems de la música negra de los ochenta.

0465.- Summer Wine - Lee Hazlewood and Nancy Sinatra

 

Curiosa pareja la que traemos hoy, a la izquierda Nancy Sinatra, la hija mayor de Frank Sinatra y Nancy Sinatra (de soltera Barbato), y es ampliamente conocida por su gran éxito publicado en 1965, These Boots Are Made for Walkin y muchos de nosotros consideramos que 'You Only Live Twice' es el tema definitivo de Bond y ella estaba a la voz. A la derecha, Lee Hazlewood, hijo de un trabajador petrolero, pasó sus años de juventud moviéndose por los estados del sureste de los EE. UU. y creció escuchando la música pop y de raíces de la región, ingresó en el negocio de la música, inicialmente como disc jockey, pero rápidamente logró el puesto de productor musical y compositor de gran éxito y a raíz de esto fue Frank Sinatra quien se acercó a Hazlewood y le preguntó si podía resucitar la carrera de su hija mayor, Nancy. Cuenta la leyenda que Lee Hazlewood, en su rol de productor libertino, demiurgo malintencionado y genio en la sombra tomando todas las decisiones, aconsejó a Nancy Sinatra que cantara la letra de “These boots are made fo walking” como si fuera una quinceañera que entra en un bar de camioneros. O sea, que su interpretación apuntara directamente a la entrepierna de los hombres que tienen el cerebro justo ahí mismo.

El dúo es hoy en día una rara elección en la música popular, podría decirse que los mejores resultados son cuando se combinan voces masculinas y femeninas para crear un tono contrastante pero complementario. Su escasez contemporánea es algo desconcertante cuando se escuchan los ejemplos clásicos de años pasados. Nancy Sinatra y Lee Hazelwood hicieron muchas de estas colaboraciones, siendo la primera el clásico de tema ambiguo "Summer Wine". Sinatra es quizás una seductora siniestra, una prostituta con el robo en mente, con Hazelwood habitando el papel de un vaquero cansado que se convierte en su víctima involuntaria. ¿O es quizás una historia de los peligros del uso de drogas, Hazelwood el adicto lánguido y Sinatra la voz de su droga preferida? De cualquier manera, la cautivadora melodía y la exuberante orquestación de esta canción elaborada por expertos hechizan al oyente. Agregue algunos cuernos estilo James Bond y el evocador arreglo cinematográfico de barrido no puede dejar de conquistarte con su encanto seductor. Al igual que el narcótico que tal vez informa el subtexto de las canciones. La canción describe a un hombre (parte cantada por Hazlewood) que conoce a una mujer (Sinatra) que le invita a tomar una copa de vino con ella. Más tarde el hombre se despierta resacoso y la misteriosa mujer le ha robado su dinero. ¡Así que ya saben señoras y señores! tengan cuidado con quién se toman más de un vino.

Si hablamos de versiones de la misma, se han atrevido con ella artistas de la talla de Lana Del Rey junto a Barrie-James O'Neill de Kassidy, The Coors, Ville Valo de HIM junto a Natalia Avelon o Conchita Wurst, aunque desde mi humilde punto de vista, ninguna ha conseguido ese encanto especial de la que nos ocupa, si es verdad que en 2017 la cadena de ropa H & M utilizó este tema en su campaña de primavera/verano y resucitó la canción para las nuevas generaciones.