1563.- Spread Your Wings - Queen

 

Spread Ypur Wings, Queen

     Nos encontramos en pleno auge del movimiento punk. En 1977, los grupos punk, encabezados por los Sex Pistols, provocaron una reacción masiva en contra de los artistas de rock conceptual, sinfónico y progresivo, entre los que se encontraba Queen. La respuesta de Queen fue la de simplificar su sonido sinfónico y orientarse hacia un hard rock más espontáneo. News of the World supuso el sexto álbum de estudio de la banda. Fue grabado en los Sarm East and Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo y de Mike Stone, quien también si hizo cargo de la ingeniería de sonido, y publicado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello discográfico EMI Records en Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos. El álbum alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 3 en la lista de los mejores álbumes de Estados Unidos, logrando también muy buenas cifras en todo el mundo.

La reacción crítica a News of the World fue inicialmente mixta,a una parte de la crítica le gustó el cambio de estilo musical de la banda y otra parte no. Sin embargo, con el tiempo ha llegado a ser considerado como uno de los mejores álbumes de Queen, mientras que We Are the Champions y We Will Rock You se han convertido desde entonces en himnos del rock. Incluído en este álbum se encuentra Spread Your Wings, una de las aportaciones del bajista John Deacon en este álbum. El vídeo musical se filmó en el jardín del baterista Roger Taylor en Surrey, Inglaterra. El suelo estaba cubierto de nieve y hielo, y la banda se sentía visiblemente incómoda. Brian May comenta durante la grabación del vídeo: "Mirando atrás, no se podía hacer allí, ¡no se podía hacer eso!". Durante el rodaje, el hielo y la nieve en el suelo complicaron las cosas, tanto que Brian May usó una réplica de su preciada guitarra Red Special para que no resultara dañada.

Disco de la semana 425: Argus - Wishbone Ash

 

Argus, Wishbone Ash

     Para la recomendación de esta semana traemos bajo el brazo un álbum considerado considerado el punto culminante en la carrera de la banda británica Wishbone Ash: Argus, el cual presenta una mezcla perfecta de hard rock, folk y rock progresivo, con complejas estructuras y unas armonías, tanto vocales como con las guitarras, impresionantes. Las twin guitars, o guitarras dobles, de Andy Powell y Ted Turner es una de las características más destacadas del disco, y la interpretación de ambos en este trabajo es sencillamente maravilloso.

El álbum es grabado, entre enero y marzo de 1972, en los De Lane Lea Studios de Londres, bajo la produccin del productor inglés Derek Lawrence, y publicado el 28 de abril de 1972. Fue uno de sus trabajos más exitosos, llegando a alcanzar el puesto número 3 en las listas de ventas del Reino Unido. Aunque el disco no fue concebido como un álbum conceptual, se inspiró en la mitología griega, y combina rock progresivo, folk y hard rock. Otro de su puntos fuertes es su evolución en las guitarras, pues dieron un gran paso en la evolución de la armonización de las guitarras solistas, algo que ya hacían también Allman Brothers band, y que posteriormente adoptarían bandas como Thin Lizzy, Judas Priest o Iron Maiden ntre otras muchas bandas. Si bien el productor de sonido fue Derek Lawrence, el ingeniero de sonido fue el gran Martin Birch. 

La portada del álbum fue diseñada por Storm Thorgerson y Aubrey "Po" Powell, de la famosa empresa que se dedicaba a hacer portadas Hipgnosis. dicha portada presenta a un guerrero contemplando un paisaje en las Gargantas del Verdon, en la provenza francesa.  El traje del guerrero se inspiró en el vestuario de la película "Los demonios" de Ken Russell (1971) . Thorgerson y Powell pretendían que el guerrero empuñara una espada además de una lanza, y habían alquilado la espada utilizada en la película "Macbeth" de Roman Polanski , también de 1971. Sin embargo, mientras seleccionaban la ubicación para la sesión, les robaron la espada, por lo que las fotografías se tomaron sin ella. La persona vestida como el guerrero era un asistente de Hipgnosis, Bruce Atkins. Se rumorea que el guerrero de la portada fue la principal inspiración para el diseño del personaje de Darth Vader en "Star Wars". Andy Powell reconoció este rumor, aunque él mismo nunca confirmó su veracidad. Esta portada también hizo que Jimmy Page, de Led Zeppelin, contactara con Hipgnosis y les pidiera que diseñaran la portada de su álbum de 1973, "Houses of the Holy".

La edición original de Argus consta de siete canciones, todas compuestas por la banda y con las letras escritas principalmente por el bajista y vocalista principal de la banda, Martin Turner. Comienza el álbum con Time Was, con una introducción acústica suave y melancólica, liderada por las guitarras de Andy Powell y Ted Turner. A medida que avanza, evoluciona hacia un segmento más eléctrico y enérgico. Las armonías vocales y los solos de guitarra destacan y marcan el estilo característico de "guitarras gemelas". La letra, que contiene un aire nostálgico, reflexiona sobre el paso del tiempo, la pérdida de la juventud y la fugacidad de la vida. Le sigue Sometime World, un introspectivo tema que aborda reflexiones sobre escapar de estecaótico y decepcionante mundo. Ojo al sólo de guitarra de Andy Powell aquí, para enmarcar. Le sigue uno de los grandes éxitos del grupo, Blowin' Free, que trata sobre Annalena Nordstrom, la novia sueca del bajista Martin Turner de su anterior época con el grupo Empty Vessels. Andy Powell afirmaba que la canción fue una de las pimeras que escriberon, más concretamente en 1971 en el Whisky A Go-Go de Sunset. Sobre como se le ocurrió el riff de guitarra a Powell, éste afirmó: "Estábamos de gira con The Who y me gustaron algunas de las progresiones de acordes que estaba haciendo Pete Townshend, así que todo lo que hice fue tomar algunas de sus ideas que se le ocurrieron y acelerarlas". Las armonías entre Martin Turner y Andy Powell brillan aquí, y el doble solo de guitarra es un ejemplo perfecto del estilo que influiría a bandas como Iron Maiden y Thin Lizzy. 

La cara B abre con The King Will Come. Martin Turner se inspiró para esta canción investigando y estudiando la Biblia. Trata sobre la idea cristiana de que, cuando el mundo se acabe, quienes crean se salvarán. En una entrevista Powell explicaba: "LA gente se identifica mucho con esta canción. No puedo decir que seamos una banda praticularmente cristiana, pero hay una sensación en ella, de que es un sentimiento, un sentimiento universal. Es bastante fuerte para la época de la que proviene. Y a todos les encanta la introducción; sencillamente pone a todo el mundo de buen humor". Leaf and Stream es una tranquila y delicada balada escrita por el baterista Steve Upton. La canción tiene un enfoque más folk con unas armoníasmuy suaves, lo que nos da un respiro frente a los temas más intensos del álbum. Las letras parecen hablarnos de la simplicidad y la belleza del mundo natural. Warrior es una de las piezas con una aire épico y mitológico. Con un aire sombrío y marcial, las guitarras son capaces de crear una sensación de conflicto y lucha, y la voz de Turner nos transite poder y fuerza por un lado, y vulnerabiilidad por otro lado. La canción está considerada como parte de la trilogía implícita del lado B del disco, junto con "The King Will Come" y Throw Down the Sword", aunque la banda nunca confirmó que este álbum fuera conceptual. Cierra la cara B, y por tanto este álbum, Throw Down the Sword, que tiene una letra que habla sobre las consecuencias de una sangrienta batalla. Colabora en los teclados en esa canción John Tout, que fue teclista de la banda de rock progresivo Renaissance durante la década de los años 70. La canción, como buen cierre, es un mensaje de redención, un canto a la paz, de dejar artrá la violencia y dejar sanar las heridas.

Wishbone Ash incursionó de manera muy notable en las principales corrientes del rock británico de principios de los años 70, pero al contrario que otras bandas como Yes, Pink Floyd, Led Zeppelin o Ten Years After, que se forjaron un arcado sello de identidad, nunca se decidió por un estilo o corriente concreta. En Argus la banda utilizó una amalgama única de todos esos estilos para crear su propio sonido. Esto sumado a los arreglos, con sus dos guitarristas principales y los espacios abiertos para improvisar, hace que el álbum destaque sobremanera, siendo el trabajo que mejor ha sido capaz de expresar la compleja visión del grupo. Y para terminar, no quiero dejar pasar una frase del bajista y fundador de Iron Maiden, Steve Harris, que para mí expresa claramente la importancia que ha tenido Wishbone Ash en el mundo de la música: "Creo que si alguien quiere entender los primeros trabajos de Maiden, en particular las guitarras de armonía, todo lo que tiene que hacer es escuchar el álbum Argus de Wishbone Ash ".

1562- Queen - We will rock you

1562 - Queen - We will rock you

Pocas canciones en la historia del rock han logrado un nivel de reconocimiento y poderío tan inmediato como "We Will Rock You" de Queen. Lanzada en 1977 como parte del álbum News of the World, esta pieza no solo se convirtió en un himno inmortal, sino que redefinió la interacción entre la banda y su público.

El tema fue compuesto íntegramente por el guitarrista Brian May, quien ideó la canción con una estructura rítmica inusual basada en golpes y palmas, buscando generar una conexión directa con los oyentes. La idea surgió tras un concierto de Queen en 1977, cuando la multitud siguió coreando canciones de la banda incluso después de que el espectáculo terminara. Inspirado en esa reacción, May diseñó un ritmo minimalista de "boom-boom-clap" que rápidamente se volvió universalmente reconocible. La canción, con una duración de apenas dos minutos, se basa en esta estructura rítmica repetitiva sobre la que Freddie Mercury despliega su enérgica voz en un tono desafiante y motivador.

A diferencia de la mayoría de las canciones de rock de la época, "We Will Rock You" carece de batería en casi toda su extensión, salvo por el solo de guitarra de May en la parte final. Este enfoque innovador le otorgó un carácter singular y convirtió la canción en una pieza ideal para estadios y eventos multitudinarios. Su simplicidad rítmica, combinada con su mensaje de determinación y fuerza, la hizo perfecta para que el público participara activamente, aplaudiendo y golpeando el suelo al unísono.

El impacto de "We Will Rock You" fue inmediato. Junto con "We Are the Champions" (también incluida en News of the World), la canción se convirtió en un himno global en eventos deportivos y conciertos. Su presencia en la cultura popular es ineludible: ha sido utilizada en innumerables películas, comerciales y competiciones deportivas de todo el mundo. Además, ha sido interpretada por la banda en todas sus giras posteriores a 1977, consolidándose como una de sus piezas más icónicas.

En cuanto a su legado, "We Will Rock You" sigue resonando en estadios y escenarios décadas después de su lanzamiento. Ha sido versionada y reinterpretada en diversos géneros, desde el pop hasta el heavy metal, y su estructura ha servido de inspiración para muchos artistas. En 2000, el título de la canción fue usado para nombrar el musical basado en la música de , reafirmando su relevancia en el tiempo.

"We Will Rock You" sigue siendo una de las expresiones más puras del poder del rock, una muestra del genio compositivo de Brian May y del impacto cultural de Queen. Su ritmo inconfundible y su capacidad de unir a multitudes aseguran que su eco no se apague jamás.

Daniel

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1561.- Hot Legs - Rod Stewart

 

"Hot Legs" ("Piernas calientes") es una de las grandes canciones de corte rockero que Rod Stewart grabó en los setenta, una década en la que el cantante británico facturó sus mejores discos, muchos de ellos separados en dos caras totalmente distintas, una para los temas más rock y blues rock, y otra para los temas más románticos y lentos.

Escrita por Rod Stewart y el guitarrista Gary Grainger, y lanzada en 1977 como parte del álbum Foot Loose & Fancy Free, "Hot Legs" se ha convertido con el paso de los años en un clásico en la discografía de Stewart y sigue siendo una favorita en sus conciertos. Buena parte de la culpa de su éxito la tiene su letra desenfadada y sexual, que aborda de manera directa y sin complejos la temática de la atracción física y la desinhibición del deseo.

Musicalmente, "Hot Legs" es un tema de rock clásico, cercano al estilo de The Faces o The Rolling Stones. La canción comienza con un potente riff de guitarra, acompañando a la característica voz rasposa de Stewart, mientras que la batería y el bajo proporcionan un ritmo vibrante a una canción de estructura aparentemente sencilla pero muy efectiva.

Acariciando lo Áspero - #MesDivididos

 

"Acariciando lo áspero" (1991) es el segundo álbum de estudio de la banda argentina Divididos, un álbum que combina de manera efectiva elementos del rock, el funk y blues, que se ha convertido con el tiempo en todo un clásico del rock argentino. La energía y la versatilidad de la banda queda ya patente desde el primer tema, "El 38", una canción de letras directas, y una marcada actitud rockera fundamentada en un potente riff de guitarra y en la característica voz de Ricardo Mollo. Más relajado es el ritmo de "Sábado", en la que el sonido es más calmado y envolvente, pero no menos efectivo, y que encaja muy bien con la temática de la letra, sobre la rutina, la monotonía y la falta de libertad.

"Cuadros Colgados" es una canción muy breve, pero que retoma el ritmo intenso y rápido del arranque del disco, y que destaca tanto por su crítica letra sobre la superficialidad como por la potente guitarra y los solos de Ricardo Mollo. Es una buena manera de retomar la senda rockera, y curiosamente no la abandonan en el siguiente tema, porque a pesar de que "Cielito Lindo" es una versión del célebre clásico mexicano, Divididos la toca a su manera, haciendo que la tradicional tonada cobre nueva vida y se convierta en un tema rock.

¿Qué Tal? No estoy preguntando qué tal estáis, ni qué tal va la reseña de "Acariciando lo áspero", sino que ese es el título que Divididos le da al quinto tema del disco, una juguetona pieza de ritmo funky con una poderosa línea de bajo y una despreocupada letra. Nada que ver con "Sisters", y es todo un acierto que pusieran una a continuación de la otra, porque nos da una idea de su increíble versatilidad e inquietud por diferentes géneros y atmósferas. "Sisters" es una de las canciones más largas del álbum, y la que tiene la estructura más compleja y la atmósfera más introspectiva, a base de densas guitarras y sintetizadores, creando un paisaje sonoro intenso y envolvente.

La energía y el ritmo acelerado vuelven con "Ala Delta", todo un himno del rock argentino, con una letra que celebra y defiende la libertad y el atrevimiento de la aventura. De nuevo, contrasta con el siguiente tema, porque en "Azulejo" Divididos vuelven a levantar el pie del acelerador, dejándose llevar por atmósferas más melancólicas y mensajes más poéticos y reflexivos. Sin tiempo para relajarnos demasiado, y dentro de la montaña rusa musical que es el disco, "El Burrito" nos devuelve a un escenario más desenfadado y divertido, con la banda jugando con influencias del blues con las guitarras y la armónica.

De difícil pronunciación es Jamelosapoaí, y damos gracias a no tener que cantar eso a grito en el estribillo, en lo que es una breve pieza instrumental que funciona como interludio del disco. La guitarra es suave y melódica, en un nuevo ejercicio de calma que se verá nuevamente interrumpido por la siguiente canción (Paraguay), mucho más fácil de pronunciar y con un ritmo mucho más rápido y contagioso, y con letras directas y cargadas de crítica social y política. Sin tiempo para la pausa, llega después la segunda versión del disco, y esta vez le toca el turno al "Voodoo Chile" de Jimi Hendrix, en la que Ricardo Mollo demuestra su tremenda habilidad como guitarrista, en una interpretación que no desmerece respecto a la pieza original.

Todo lo bueno acaba, y con la introspectiva "Haciendo Cola Para Nacer" Divididos se despiden a lo grande, reflexionando sobre la vida y la muerte, cerrando a buen nivel un disco lleno de contrastes temáticos y sonoros, que en un impactante ejercicio de fidelidad a su título, logra llevarnos de la energía a la reflexión, y de lo suave a lo áspero, acariciando y golpeando nuestros oídos al ritmo de un puñado de buenas canciones tan diversas en intensidad como ricas en géneros y estilos, lo que hace de "Acariciando lo áspero" una obra relevante y un clásico del rock argentino por pleno derecho.

1560.- Anarchy in the UK - The Sex Pistols

 

"Anarchy in the UK" ("Anarquía en el Reino Unido") es, en un empate técnico con "God Save the Queen", la canción más emblemática del grupo punk The Sex Pistols, y todo un himno de la filosofía punk rock y de la rebeldía juvenil asociada al género. Lanzada en 1976 como el primer sencillo de la banda, esta canción capturó la esencia del movimiento punk y dejó una marca indeleble en la música y la cultura popular.

La mordaz letra de "Anarchy in the UK" es obra de su genial y polémico cantante "Johnny Rotten" (John Lydon), que volcó en ella todo el descontento y la frustración de la juventud británica de la época con las medidas políticas y sociales del gobierno británico, pidiendo a gritos que fuera sustituido por la más absoluta anarquía y la ruptura total con las normas, escupiendo un estribillo que se convirtió en un grito de guerra para una generación que buscaba un cambio radical en un país sumido en una profunda crisis social y económica.

Musicalmente, "Anarchy in the UK" es cruda y enérgica, con un distintivo e icónico riff y guitarras distorsionadas, un ritmo rápido y la voz agresiva y urgente de Johnny Rotten. La música fue creada en equipo por el resto de componentes de la banda: Steve Jones (guitarra), Paul Cook (batería) y Glen Matlock al bajo (antes de que abandonara la banda y fuera sustituido por el icónico Sid Vicious), y la producción de Chris Thomas logró capturar la intensidad y la urgencia de una banda que no tenía grandes conocimientos musicales, pero que lo contrarrestaba con una agresividad y una fuerza a medio camino entre la genialidad y el caos.

1559 - Rod Stewart - You're in My Heart (The Final Acclaim)

1561 - Rod Stewart - You're in My Heart (The Final Acclaim)

Rod Stewart ha sabido escribir canciones que atraviesan generaciones, y "You're in My Heart (The Final Acclaim)" es una de sus composiciones más emblemáticas. Lanzada en 1977 como parte del álbum Foot Loose & Fancy Free, esta balada romántica se convirtió rápidamente en un clásico, gracias a su combinación de letra sentimental, melodía envolvente y la inconfundible voz rasposa del cantante británico.

Rod Stewart, quien escribió la canción en solitario, logra capturar con maestría la nostalgia y la devoción de un amor duradero. La instrumentación es elegante pero sin excesos: una base de guitarra acústica, piano y arreglos de cuerdas que elevan la emoción sin opacar la voz principal. Su interpretación transmite una sinceridad palpable, lo que ha permitido que la canción resuene con el público durante décadas.

A lo largo de los años, se ha especulado sobre la inspiración detrás de la canción. Algunos sostienen que Rod Stewart la escribió para Britt Ekland, la actriz sueca con quien tuvo una relación en esa época. Otros creen que, además de ser una oda al amor, es un homenaje velado al Celtic Football Club, equipo del que es ferviente seguidor. Sea como sea, la canción ha trascendido cualquier anécdota personal y se ha convertido en un himno romántico atemporal.

Desde su lanzamiento, "You're in My Heart" tuvo un gran impacto comercial. Alcanzó el puesto número 4 en el Billboard Hot 100 y llegó al número 1 en Canadá, consolidando aún más la carrera de Rod Stewart en la cima de las listas internacionales. Su éxito no se limitó a la época de su estreno: ha sido incluida en numerosas recopilaciones, interpretada en conciertos multitudinarios y versionada por otros artistas.

Más allá de los números, lo que hace especial a "You're in My Heart" es su capacidad de conectar con el oyente. La canción es un recordatorio de que el amor, con sus altibajos, sigue siendo una de las mayores fuentes de inspiración en la música. En una discografía repleta de éxitos, esta balada se mantiene como una de las más queridas por los fanáticos y una de las mejores representaciones del talento de Rod Stewart para escribir melodías inolvidables.

Hoy, más de cuatro décadas después, "You're in My Heart" sigue sonando en radios, bandas sonoras y playlists de amantes de la música de todas las edades. Su vigencia demuestra que algunas canciones nunca pasan de moda y que la voz inconfundible de Rod Stewart seguirá emocionando a generaciones por venir.

Daniel
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1558.- God Save the Queen - The Sex Pistols

 

God Save the Queen, Sex Pistols

     Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols (a menudo abreviado como Never Mind the Bollocks ) es el único álbum de estudio de la banda inglesa de punk rock The Sex Pistols , lanzado el 28 de octubre de 1977 a través de Virgin Records en el Reino Unido y el 11 de noviembre de 1977 a través de Warner Bros. Records en los Estados Unidos. Como resultado de las volátiles relaciones internas de los Sex Pistols, la formación de la banda sufrió cambios durante la grabación del álbum. El bajista original Glen Matlock dejó la banda al principio del proceso de grabación, y aunque aparece acreditado como coautor de todas las pistas menos dos, solo tocó el bajo y cantó coros en una pista, Anarchy in the UK.

Las sesiones de grabación continuaron con un nuevo bajista, Sid Vicious , quien aparece acreditado en dos de las canciones escritas por la banda después de que se uniera. Si bien el bajo de Vicious apareció en dos pistas, su falta de habilidad en el instrumento significó que muchas de las pistas se grabaron con el guitarrista Steve Jones tocando el bajo. Las distintas sesiones de grabación fueron dirigidas alternativamente por Chris Thomas o Bill Price, y en ocasiones por ambos a la vez. Sin embargo, como las canciones de los álbumes finales a menudo combinaban mezclas de diferentes sesiones o no se documentaba adecuadamente quién estaba presente en la cabina de grabación en ese momento, cada canción aparece acreditada conjuntamente a ambos productores.

Para cuando se lanzó el álbum, los Sex Pistols ya eran polémicos, pues habían proferido groserías en directo por televisión, habían sido despedidos de dos discográficas y se les había prohibido tocar en vivo en algunas partes de Gran Bretaña. El título del álbum agravó la controversia, ya que algunos consideraron la palabra "bollocks" ofensiva. Muchas tiendas de discos se negaron a venderlo y algunas listas de éxitos se negaron a incluir su título, mostrando solo un espacio en blanco. Debido en parte a su notoriedad, y a pesar de las numerosas prohibiciones de venta en las principales tiendas, el álbum debutó en el número uno de las listas de álbumes del Reino Unido.

Incluído en este controvertido álbum se encuentra God save the Queen. Esta canción trata sobre la rebelión contra la política británica. Muchos jóvenes se sentían alienados por el dominio opresivo de la antigua monarquía real, y la Reina Isabel era su símbolo. John Lydon (Johnny Rotten) en una entrevista en la revista Rolling Stone llegó a declarar: "Expresaba mi punto de vista sobre la Monarquía en general y sobre cualquiera que implora su obligación sin pensarlo dos veces",  "Eso me parece inaceptable. Tienen que ganarse el derecho a contar con mi amistad y mi lealtad". Esta exagerada burla al himno nacional británico, de igual título que la canción, no lbien a la realeza inglesa. El representante de los Sex Pistols, Malcolm McLaren, publicó esto coincidiendo con el Jubileo de Plata de la Reina, una celebración que conmemora su 25.º aniversario en el trono. El Jubileo de Plata de la Reina se celebró el 7 de junio de 1977. Ese día, los Sex Pistols intentaron tocar esta cnción en el río Támesis, frente al palacio de Westminster. Fue una hábil maniobra de del representante MacLaren, que exageró como la banda conseguía eludir una "prohibición" tocando en el río en lugar de tocar en tierra firme. La actuación no llegó a consumarse, pues las atoridades consiguieron impedirla. La canción se llamaba originlmente No Future, y la banda la tocó en vivo y grabó una versión demo con ese título, pero lo cambió cuando al cantante principal, Johnny Rotten, se le ocurrió la idea de burlarse de la monarquía británica.

"40 Dibujos Ahí en el Piso": El Caótico Manifiesto que Revolucionó el Rock Argentino #mesDivididos

"40 Dibujos Ahí en el Piso": El Caótico Manifiesto que Revolucionó el Rock Argentino #mesDivididos

Abril: Un Viaje por la Discografía de Divididos

En el calendario del rock, abril será el mes de Divididos. Y qué mejor punto de partida que su álbum debut, "40 Dibujos Ahí en el Piso" (1991), un disco que funcionó como carta de presentación de una banda que redefinió los límites del género. Grabado en Estudios Panda bajo la producción de Tweety González, este trabajo marcó el renacer artístico de Ricardo Mollo y Diego Arnedo tras la disolución de Sumo, presentando un sonido más crudo, experimental y decididamente vanguardista.  

El álbum mezcla punk, funk, reggae y psicodelia con letras surrealistas, creando una propuesta sonora que desafió todas las convenciones de la época. Con una duración total de 42 minutos distribuidos en 13 tracks (incluyendo tres repeticiones de "Camarón Bombay"), el disco se convirtió en un objeto de culto que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos.  

Contexto Histórico: El Nacimiento de un Fenómeno

Para entender la magnitud de este trabajo, debemos remontarnos a diciembre de 1987, cuando la muerte de Luca Prodan dejó a Sumo en un limbo creativo. Mollo y Arnedo, junto al baterista Gustavo Collado (luego reemplazado por Catú Carcavallo), decidieron continuar bajo el nombre Divididos, heredando el espíritu transgresor de Sumo pero llevándolo a territorios aún más experimentales.  

El título del álbum proviene de una frase que el propio Prodan solía decir, manteniendo así un hilo conductor con su legado. La portada - un dibujo infantil y abstracto creado por Alfredo "Fredi" Sarsotti - refleja perfectamente la esencia del contenido: aparentemente caótico, pero con una coherencia interna que solo se revela al escuchar con atención.  

Análisis Musical: Deconstruyendo el Caos:

Lo primero que sorprende al escuchar "40 Dibujos..." es su estructura poco ortodoxa. El disco comienza y termina con versiones diferentes de "Camarón Bombay" (1:07 al inicio, 0:36 en el medio y 1:03 al final), creando una sensación cíclica que invita a volver a escucharlo.  

Esta decisión artística no fue casual. En una entrevista de 1992, Mollo explicó: "Queríamos que el disco fuera como un viaje en círculos, donde el final te lleva otra vez al principio". Este concepto se refuerza con la disposición de los temas, que alternan entre canciones completas y sketches musicales. 

El álbum es un verdadero collage sonoro donde conviven:  

- Funk acelerado ("Haciendo Cosas Raras")  

- Punk distorsionado ("Un Montón de Huesos")  

- Reggae psicodélico ("La Mosca Porteña")  

- Rock experimental ("Los Hombres Huecos")  

- Versionismo irreverente ("Light My Fire" de The Doors)  

Esta mezcla no era común en el rock argentino de principios de los 90, dominado entonces por el rock barrial y las bandas nuevas como Los Ratones Paranoicos. Divididos rompió ese molde con un sonido que anticipó tendencias que se harían populares años después.  

Las Letras entre el surrealismo y la Crítica Social. 

Las letras del álbum son un universo en sí mismas:  

- "Che, Qué Esperás?" parece interpelar a una sociedad apática  

- "De Qué Diario Sos?" critica la manipulación mediática  

- "Los Hombres Huecos" explora la alienación moderna  

- "La Foca" juega con el absurdo más puro  

Esta combinación de profundidad y humor absurdo se convertiría en una marca registrada de la banda.  

Si hablamos de cada uno de sus canciones:

1. «Camarón Bombay» (1:07)

Más que una canción, es una declaración de principios: 67 segundos de distorsión pura que desaparecen tan rápido como aparecen. El título (que combina un crustáceo con una ciudad india) refleja el surrealismo que dominará el disco.  

2. «Che, Qué Esperás?» (4:04) 

El primer tema "completo" del álbum establece el tono: un riff contagioso, cambios de ritmo abruptos y letras que oscilan entre la ironía y la protesta. El solo de guitarra (a los 2:38) es uno de los momentos más sublimes del disco.  

3. «La Mosca Porteña» (4:31)  

Aquí Divididos muestra su faceta más psicodélica. La letra ("Una mosca vino y se posó en mi sopa") puede interpretarse como metáfora de las pequeñas irritaciones cotidianas. Musicalmente, destaca el trabajo de bajo de Arnedo, creando una base hipnótica.  

4. «Haciendo Cosas Raras» (3:07)

El himno no oficial de la banda. La canción condensa en tres minutos toda la filosofía Divididos: experimentación, humor y actitud. El break de batería (2:15) es pura energía cruda.  

5. «Los Sueños Y Las Guerras» (4:00)

Un momento de respiro en el disco, con guitarras acústicas y un clima melancólico. La letra ("Los sueños se pierden, las guerras también") sugiere una reflexión sobre la fugacidad de los ideales.  

6. «Gárgara Larga» (4:26)

El título perfecto para esta canción que parece "hacer gárgaras" con distintos estilos: comienza como funk, deriva en reggae y termina en punk. El puente instrumental (3:10) es una de las partes más creativas del álbum.  

7. «Camarón Bombay» (0:36)

La reaparición del tema inicial, ahora más corto y distorsionado, como un eco fantasmal.  

8. «Un Montón De Huesos» (4:38) 

El lado más oscuro de Divididos. La letra ("Un montón de huesos en el placard") sugiere secretos inconfesables, mientras la música avanza como una apisonadora.  

9. «Light My Fire» (3:48) La versión más punk que se haya hecho del clásico de The Doors. Divididos lo transforma en un tema frenético, con Mollo cantando casi al borde del grito.  

10. «Los Hombres Huecos» (5:21)

El punto culminante del álbum. La adaptación del poema de T.S. Eliot es magistral, con arreglos que van desde lo minimalista hasta lo orquestal. La línea "Somos los hombres huecos, los hombres rellenos" adquiere nueva fuerza en este contexto.  

11. «De Qué Diario Sos?» (4:11)

Una crítica mordaz a los medios masivos, con un riff que se clava en la memoria. El estribillo ("De qué diario sos? De qué canal?") sigue siendo relevante hoy.  

12. «La Foca» (2:50)

El contrapunto humorístico del disco. La simpleza de la letra ("La foca vino a la ciudad") es engañosa: musicalmente es una pequeña obra maestra de ritmo y dinámica.  

13. «Camarón Bombay» (1:03)

El círculo se cierra. La tercera versión del tema inicial, ahora un poco más larga, como si el viaje hubiera dejado su marca.  

Si hablamos del legado e influencia de del álbum de Divididos, "40 Dibujos Ahí en el Piso". 

Aunque en su momento no tuvo el reconocimiento comercial de otros trabajos de la banda, "40 Dibujos Ahí en el Piso" sentó las bases para todo lo que vendría después. Su influencia puede rastrearse en:  

- Bandas posteriores como Babasónicos (en su etapa experimental)  

- El rock alternativo de los 2000 (Él Mató a un Policía Motorizado)  

- Incluso en nuevas generaciones como Conociendo Rusia

El crítico musical Eduardo Berti lo definió como "el disco que demostró que el rock argentino podía ser vanguardia y tradición al mismo tiempo".  

Tres décadas después, "40 Dibujos Ahí en el Piso" sigue sonando fresco y revolucionario. En una era de música prefabricada y algoritmos, este disco nos recuerda el valor de:  

1. La autenticidad (hacer música sin concesiones)  

2. La experimentación (romper géneros y estructuras)  

3. El humor (no tomarse demasiado en serio)  

Este abril, los invitamos a redescubrir este álbum fundamental y los que iremos conociendo juntos. Porque como dice Divididos: "Haciendo cosas raras, y no me importa nada".  

¿Cuál será tu tema favorito de este disco? ¿La caótica trilogía de "Camarón Bombay", la profundidad de "Los Hombres Huecos" o el puro funk de "Haciendo Cosas Raras"? 🎸🔥  

(Próxima parada en nuestro viaje en conocerte a fondo a nuestras banda del mes Divididos: "Acariciando lo áspero").

Daniel 

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1557 - Kansas - Point of know return

1557 - Kansas - Point of know return

La banda Kansas ha dejado una huella imborrable en la historia del rock progresivo, y Point of Know Return (1977) es una de esas canciones que encapsula su grandeza. Como parte del álbum homónimo, este tema combina magistralmente complejidad instrumental, letras evocadoras y una atmósfera que te transporta a un viaje sin retorno. Desde el primer acorde, la canción te envuelve en un aura de misterio y aventura, como si estuvieras a punto de zarpar hacia aguas inexploradas.

El intro de violín, ejecutado por Robby Steinhardt, es icónico. Su tono melancólico pero enérgico establece el ambiente épico de la canción, mientras que los teclados de Steve Walsh añaden un toque sinfónico que recuerda a las grandes obras del rock progresivo de los 70. La guitarra de Kerry Livrane, por su parte, aporta un riff pegadizo pero sofisticado, demostrando el equilibrio perfecto entre accesibilidad y virtuosismo. La base rítmica, con Phil Ehart en la batería y Dave Hope en el bajo, sostiene la pieza con un groove que evoca el vaivén de un barco en alta mar.  

Las letras de Point of Know Return son ambiguas y abiertas a interpretación, algo característico de Kansas. La frase "Your father, he said he needs you / Your mother, she says she loves you" introduce un diálogo familiar que contrasta con el llamado a la aventura. Pero es el estribillo el que se queda grabado: "How long to the point of know return?". Este juego de palabras (entre know y no) sugiere un momento crucial en el que el viajero ya no puede volver atrás, ya sea por decisión propia o por fuerzas mayores.  

Algunos interpretan la canción como una metáfora de la vida misma: ese instante en el que tomamos un camino sin posibilidad de retroceder. Otros la ven como una referencia a los viajes marítimos, inspirada en leyendas de navegantes que cruzaban el límite del mundo conocido. Sea cual sea la lectura, la narrativa es poderosa y universal.  

A más de cuatro décadas de su lanzamiento, Point of Know Return sigue siendo un referente del rock progresivo. Su estructura, que mezcla pasajes instrumentales intricados con momentos más melódicos, influenció a generaciones de músicos. Además, la producción del álbum, a cargo de Jeff Glixman, logró capturar la esencia en vivo de la banda mientras añadía capas de profundidad sonora.  

Lo más fascinante es cómo la canción mantiene su relevancia. En una era donde la música tiende a ser efímera, temas como este demuestran que las composiciones bien elaboradas perduran. Cada vez que el violín de Steinhardt entra en escena, es imposible no sentir esa mezcla de nostalgia y emoción por lo que está por venir.  

Point of Know Return no es solo una canción; es una experiencia auditiva que invita a reflexionar sobre los límites —reales o imaginarios— que enfrentamos en la vida. Kansas logró crear algo atemporal, una pieza que sigue resonando en quienes buscan algo más allá de lo convencional.

Daniel

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1556.- Dust in the Wind - Kansas

"Dust in the Wind" ("Polvo en el viento"), de los estadounidenses Kansas, es una de las baladas de rock clásico más recordadas y exitosas de los años setenta. Lanzada en 1977 como parte del álbum Point of Know Return, y escrita por Kerry Livgren, guitarrista y tecladista de la banda, se convirtió en el mayor hit de la carrera discográfica del grupo.

Kerry Livgren se inspiró para la letra en un libro de poesía nativa americana que estaba leyendo, del que sacó la tematica de la canción sobre la fragilidad de la existencia y lo inevitable de la muerte ("Todo lo que somos es polvo en el viento") y a partir de esa idea inicial creó una melodía sencilla que la acompañara, sin saber que lo que estaba componiendo sería una de las melodías más emotivas y pegadizas de la década.

Musicalmente, "Dust in the Wind" se caracteriza por esa mencionada sencillez, que contrasta con las producciones complejas y de rock progresivo que estaban de moda en esa época, y que es paradójicamente la que la dota de su impactante belleza sonora. Con apenas un ritmo de guitarra acústica, y el leve acompañamiento de un melancólico violín, consigue envolver en una atmósfera agradable y emotiva a la suave e introspectiva voz de Steve Walsh, la arriesgada elección de Kansas fue un inesperado gran éxito comercial y de crítica que se ha prolongado hasta nuestros días.

Disco de la semana 424.- Sound of Silver - LCD Soundsystem

 

Sound of Silver es un LP que muchos declaran como el mejor de la carrera de LCD Soundsystems, es un paso esencial para el grupo, no solo porque ayudó a solidificar su importancia con canciones escritas conscientemente agudas como New York, I Love You But You're Bringing Me Down, sino también por el territorio que pisa en el género de la música dance. Es atrevido, pero aún sigue siendo bailable, maravilloso y agradable a los sentidos, un rasgo que se trasladó bien de su primer disco y algo que ha mejorado enormemente en este proyecto. James Murphy tiene una relación realmente interesante con Nueva York, algo que se aprecia plenamente en este álbum. Por un lado, la ama, ha pasado toda su vida como artista profesional en esta ciudad y se enorgullece de ella, pero no ignora sus problemas, es muy consciente de los defectos de la Gran Manzana y los aborda con ingeniosos golpes a lo largo del álbum. Además de sus opiniones personales sobre la ciudad, la influencia de su escena musical ha inspirado la mayoría de los sonidos de este disco, es una mezcla de Talking Heads, excéntricos y complejos, una televisión sinuosa y emotiva, y el ingenio sardónico de Velvet Underground, además su sonido también está fuertemente influenciado por las obras de David Bowie, Kraftwerk y Can, llevando su música a tener lo que en el papel suena como un desastre, pero en la ejecución es la mejor fusión de punk y música de baile que he escuchado jamás. Cada canción de Sound of Silver es una sólida mezcla de instrumentación orgánica e inorgánica. Toda la instrumentación orgánica, la batería, la guitarra y la percusión, es nítida y contundente, en contraste con la estructura sintética que sustenta este álbum. El uso que Murphy y compañía hacen de sintetizadores graves y groove en temas como Someone Great y Get Innocuous! es magistral, creando así algunos de los temas más pegadizos de toda su carrera. Sin embargo, algunos de los mejores temas serían aquellos que utilizan estos dos elementos instrumentales con igual excelencia, como All My Friends, Us V Them, North American Scum y Watch the Tapes. A pesar de que Sound of Silver revela una clara evolución, el álbum aún conserva la irónica arrogancia y los diálogos ingeniosos del debut. El proyecto se lanzó con "North American Scum", una diatriba paranoica sobre el antiimperialismo y un reconocimiento poco entusiasta de su validez, todo con el telón de fondo de unas swashes dance brutales. Lo que convierte a este álbum en un auténtico clásico es la sutil forma en que sumerge al oyente en la escena antes de desatar inesperadamente una avalancha emocional. La canción principal inserta un estribillo repetido, bastante embarazoso, en una obra bailable de hermosa factura, en la que es evidente que el Sr. Murphy ha encontrado nuevos trucos bajo la manga, envolviendo el ritmo en capas cada vez más intrincadas, rematando todo con una fantasía flotante de xilófono para un momento de puro éxtasis.

 

El tema inicial, Get Innocuous! se empapa de The Robots de Kraftwerk en metal líquido durante unos buenos minutos antes de asestar un desgarrador golpe de paranoia con una voz inquietante, casi indescifrable, sobre los horrores de aferrarse a una vida normal. El tema es puro fuego con su inspirada mezcla de percusión electrónica y orgánica, y cuando la vocalista invitada me arrastra a su rítmico canto "You-can-normalize, don't it make you feel alive", pierdo toda sensibilidad. Su ímpetu es tan abrumador que una nota de cuerda, lentamente deformada y escalofriantemente tensa, que da inicio a la canción, se desbarata por completo en un momento de caos pasmoso. Time to Get Away por su parte, resopla y gruñe al ritmo de un ritmo descarado que serpentea hacia una utopía de sintetizadores distorsionados, con salvajes aullidos principescos, es Murphy en modo cool disfrutando de un buen cencerro, a la vez funky e irremediablemente blanco pero orgulloso de ser ambas cosas, las partes 'hoo hoo hoo' son quizás un poco exageradas por su parte, pero siguen siendo algo icónicas de todos modos. North American Scum es unasátira electrizante que no sabe exactamente qué está satirizando pero apropiadamente no le importa, porque, verás, es transparentemente música para cantar y/o citar mientras estás borracho. Trata menos sobre los norteamericanos de verdad y más sobre un tipo que pensó que sería divertido escribir una canción sobre ellos, pero eso trivializaría injustamente el humor de la canción. Y bueno, cualquiera que haya intentado vivir en otro lugar que no sea el Bronx, Queens y (uf) Weehawken puede identificarse con el grito de Murphy: "¡Nueva York es lo mejor si consigues que alguien pague el alquiler!". De hecho, al diablo con eso; cualquiera puede identificarse con un verso así. Porque somos humanos, y todos nos hemos sentido como James Murphy alguna vez, aunque no queramos admitirlo. O bueno, si es una afirmación un poco exagerada, al menos, todos hemos sentido algo de autodesprecio alguna vez. 

La brutalmente honesta Someone Great captura los sentimientos asociados con la pérdida de un ser querido. Es indietrónica clásica en su forma más genuinamente ligera y elegante, quizás al principio parezca desfasada par
a esta banda, pero finalmente se revela como una melodía notablemente conmovedora, manteniéndose contenida incluso cuando uno esperaría que subiera de volumen en cualquier momento. Piensa en las cosas que crean ese ritmo: un pad de sintetizador brillante que aparece y desaparece gradualmente, un pulso de bombo esquelético, chispas de descargas eléctricas en el fondo, apenas ocho notas de sintetizador de bajo y un sintetizador chiptune brillante que parece extrañamente contenido... como si fuera triste.Un músico menos experimentado probablemente habría intentado extraer una melodía diferente del glockenspiel, pero Murphy, acertadamente, permite que solo duplique su voz, porque (1) el contraste tímbrico es lo que hace que la mezcla sea tan intrigante, y (2) demasiada melodía parecería demasiado caótica e irreal. Murphy no es un hombre sentimental, así que las palabras pueden resultar a veces extrañas, pero entre líneas hay una honestidad brutal: «A decir verdad, lo vi venir», «La voz del otro lado», «Lo peor es el buen tiempo», «Y sigue viniendo... hasta que se detiene». De nuevo, unidireccional, como el mejor minimalismo. Pero ahora es un réquiem melancólico. Perverso, ¿verdad?

 

Un frenético loop de piano impulsa la arrolladora All My Friends, la pieza central del álbum, que transporta al oyente a través de los vericuetos de la vida. Incluso me cuesta escribir sobre ello, porque he considerado esta canción como una de mis canciones más queridas a lo largo de los años, y honestamente no puedo pensar en ninguna otra canción que suene como ella y al mismo tiempo intente llegar tan lejos . ¿Cómo no podría ser una canción perfecta? ¿No es un conjunto de estética puramente destilada cuyo objetivo es provocar pánico existencial? No lleva ni ocho minutos hacerlo, aunque dada la paciencia que parece mostrar en la forma en que se construye, parece que crear ese gran muro de sonido necesitaría doce o quince minutos. El puente a los cinco minutos es conmovedor, es el momento en que la batería empieza a moverse erráticamente, a tambalearse aquí y allá, como si la forma de caminar se hubiera visto afectada por una fuerza puramente psicológica. La instrumentación se construye lentamente con una línea de bajo melódica que enorgullecería a New Order y una percusión estelar que evoca la magia de "Teenage Wildlife" de Bowie, antes de preparar el terreno para esta sentida historia sobre el dolor de la vejez. La historia comienza con una inocente nostalgia, pero gradualmente evoluciona hacia una concesión frenética de lo rápido que se nos escapa la vida. Se proyecta una amplia gama emocional, con saludables dosis de alegría, abatimiento, desesperación, desafío, majestuosidad, reminiscencias cautivadoras y autodesprecio que se agitan en el caldero. Cinco años dedicados a seguir con el plan se reflejan en otros cinco más para reconectar con amigos, que rápidamente se convierten en diez años de abandono "tan rápido como puedas" y una crisis de la mediana edad que propicia un viaje de tres meses a Francia. Cada letra aquí es un éxito, concisa y visceral como los agudos lamentos de la guitarra que intensifican la atmósfera. No hay catarsis, y las exasperadas súplicas de "si pudiera ver a todos mis amigos esta noche" quedan sin resolver mientras la percusión locomotora se detiene lentamente. Y ese, amigos míos, es un momento que se puede describir mejor con la visión de mi mandíbula abierta que con cualquier palabra que pudiera emanar de él. ¡Guau!. ) Us v Them, ocho minutos de ritmo al estilo Talking Heads con un cencerro saludable que va ganando impulso progresivamente y pasando por tres o cuatro ganchos diferentes en el proceso, todos pasando de sólidos a absolutamente maravillosos. Watch the Tapes es otro divertido corte dance-punk con una buena línea de bajo, que quizás no habría mantenido el interés si hubiera sido más largo, pero afortunadamente sigue siendo el tema más corto del álbum y New York, I Love You but You're Bringing Me Down es la única canción "rock" del álbum, una nana con aires de vals y preocupación dedicada al pequeño pueblo natal de Murphy ("sigues siendo la única piscina donde me ahogaría con gusto") que se vuelve un poco demasiado desordenada para su propio bien hacia el clímax, pero funciona como una parada final bastante melancólica. Mientras se revuelca en sus críticas con una vulnerabilidad vocal cautivadora, es evidente que ama la ciudad, ya que "sigue siendo el único estanque donde [él] se ahogaría felizmente". A medida que la desesperación crece en su voz, también lo hace el fondo instrumental, que culmina en un solo de guitarra abrasador que estalla con frustración y termina el álbum de manera épica: un momento de vigorización que te golpea el pecho, por así decirlo.

 

A medida que he envejecido, he descubierto que es mucho más difícil que la música nueva galvanice mis emociones hasta un punto de fiebre incontrolable. Por eso, ahora, a mis 52 años, aprecio mucho más esos momentos. A los críticos generalmente se les enseña a esforzarse por ofrecer una valoración imparcial, pero que me aspen si no me deleita hasta la médula que un álbum pueda generar tal renacimiento de fanatismo adolescente, ciego y desmesurado, que me vuelve irremediablemente incapaz de mostrar un atisbo de objetividad. «El sonido de la plata me habla, te hace sentir como un adolescente. Hasta que recuerdas los sentimientos de un adolescente emocional de verdad». Lo siento, James, no hace falta que lo pienses dos veces.

1555.- Heroes - David Bowie

"Heroes" es una de las canciones más emblemáticas de la discografía de David Bowie, y del mundo del rock en general. Lanzada en 1977 como parte del álbum del mismo nombre, se convirtió desde el primer momento en todo un himno generacional y, al mismo tiempo, en una canción mítica y atemporal. Escrita por el propio Bowie en colaboración con Brian Eno, y producida por Tony Visconti, destaca por su poderosa instrumentación y la emotiva interpretación vocal de Bowie.

La inspiración para la letra de "Heroes" le vino a Bowie mirando por la ventana del estudio de Berlín en el que estaba grabando, al ver a una pareja besándose junto al muro, y de ahí surgió la idea de los dos amantes que sueñan con ser "héroes solo por un día", abrazados a la esperanza y el sentimiento de resistencia ante la adversidad y la privación de libertad que el muro de Berlín significaba.

Musicalmente, "Heroes" es una obra maestra del rock experimental de finales de los años setenta, gracias a la innovadora producción de Tony Visconti, que grabó la voz de Bowie en tres micrófonos colocados a diferentes distancias, creando un singular efecto de eco y de profundidad, y combinó el gran riff de guitarra de Robert Fripp con los sintetizadores de Brian Eno e incluso con el sonido de un cenicero arañando la mesa al desplazarlo, creando una atmósfera intensa y futurista.

Una recomendación rockera y sabrosa

Hoy os traemos una recomendación muy curiosa, un libro sobre música con un enfoque bastante peculiar y sorprendente. “Las Recetas de Loretta Clark” (Comida en clave pop rock) recopila cuarenta recetas inspiradas en platos y alimentos que han dado título a canciones y discos del rock, el pop y el cancionero popular tanto nacional como internacional.

Las recetas de Loretta Clark: Cocina en clave pop rock (Spanish Edition): Clark, Loretta: 9798860672604: Amazon.com: Books

En la introducción, Loretta Clark cuenta cómo surgió la idea para escribir este peculiar libro. Aficionada por igual a la música y a la cocina, casi nunca hacía una sin escuchar la otra, y una noche, mientras preparaba la cena antes de sentarse a comer frente al televisor, empezó a sonar en la radio la canción “TV Dinners” (“Cenas de televisión”) de ZZ Top, en lo que para ella fue “una mágica y casual conexión entre la comida y la música, que hizo que prendiera en mí la idea de escribir un libro que combinara ambas pasiones”.

Días después de aquella coincidencia, y mientras leía “Vida”, la autobiografía de Keith Richards, encontró en las palabras del genial guitarrista el impulso definitivo para poner en marcha su idea y, según sus propias palabras “recoger el guante que, días antes, me habían lanzado los ZZ Top”. Hacia el final del libro, cuando ya no tenía mucho más que contar, Richards se desmarcaba de las autobiografías al uso con una inesperada receta sobre cómo le gustaba preparar las salchichas. Al leer la receta, Loretta tuvo claro que su misión en la “Vida” no era otra que “encontrar la mayor cantidad posible de referencias a platos y comidas en el mundo de la música”, para después buscar las recetas y recopilarlas en un libro.

Así nació “Las recetas de Loretta Clark”, un trabajo de búsqueda y recopilación que no se queda en la mera mención y descripción de las canciones, sino que incluye las recetas completas de los platos, con todos sus ingredientes e instrucciones para prepararlos de una manera clara y sencilla. Y para los que penséis que la cosa va solo del “Cocidito madrileño” de Manolo Escobar o el “Arroz con bacalao” de Lolita, os sorprenderá que las recetas incluyan “recomendaciones” de intérpretes y grupos internacionales como Prince, De La Soul, Weezer, Guns and Roses, B’52, Led Zeppelin, The Beatles o The Supremes, y de artistas patrios como Joaquín Sabina o Siniestro Total, en un apetecible menú de música y cocina al que te recomendamos que le hinques el diente en formato kindle o tapa blanda, en Amazon.es:

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1554.- Sweet Talkin' Woman - Electric Light Orchestra

Sweet Talkin' Woman se grabó en los estudios Musicland de Múnich, Alemania, durante el verano de 1977. Originalmente, comenzó como una canción titulada Dead End Street, con una letra y un arreglo muy diferentes. Probablemente la letra que sobrevivió de esa versión se puede escuchar en el inicio del tercer verso, "He estado viviendo en una calle sin salida". Por razones desconocidas, Jeff no quedó satisfecho con la canción y escribió y grabó una letra completamente nueva. La canción se lanzó como sencillo de 7" en Inglaterra a través de Jet Records el 7 de octubre de 1978. En EE. UU., se lanzó siete meses antes, en marzo de 1978, como el decimocuarto lanzamiento de sencillo en EE. UU. Fue lanzado por Jet Records (distribuido por United Artists) con el número de stock "JT-XW 1145" y una edición de Fire On High en la cara B. Se publicó tanto en vinilo morado como en vinilo negro estándar. Aunque la edición en vinilo morado es interesante y buscada como artículo de coleccionista, la edición en vinilo negro es en realidad la más rara de las dos.

No está claro si la versión original de Dead End Street o la versión sin editar han sobrevivido. Lo más probable es que Dead End Street fuera destruida en el proceso de grabación de las nuevas voces para la canción. Seguramente la versión sin editar de Sweet Talkin' Woman fue respaldada antes de ser editada. En la década de 1970, el proceso de edición implicaba cortar trozos de cinta de grabación y descartarlos o volver a unirlos en un orden diferente. Un error y el trabajo se destruiría, por lo que tiene sentido que se hiciera una cinta de respaldo. Sin embargo, no está claro si la cinta sin editar sobrevivió. Es posible que haya sido borrada o grabada después de que se completara la mezcla final de la canción. En cualquier caso, corre el rumor de que las cintas multipista originales de Out Of The Blue se perdieron, por lo que incluso si esta primera versión de la canción se guardó en cinta, es probable que se haya perdido. El bajo de Bev Bevan se usa mucho en la canción, sobre todo en los coros a partir del cuarto estribillo. En los estribillos uno al tres, Jeff, Bev y posiblemente Kelly cantan los coros, la canción hizo un uso intensivo del Vocoder 2000, al igual que varias canciones del álbum Out Of The Blue. El vocoder después del tercer estribillo es muy sutil, dando la impresión de que el violín y los violonchelos dicen la frase en lugar del vocoder. El acento británico de Jeff destaca especialmente en la tercera estrofa. Los británicos tienden a añadir una "r" al final de las palabras que terminan con "ah", como "Donna" en "Donner", "panda" en "pander" e "idea" en "idear". Escuchen con atención y se puede oír claramente a Jeff cantando "insufficient dater coming through".

1553.- Blackout - David Bowie

 

En 1977, el punk irrumpió desde el underground en Estados Unidos y Gran Bretaña (y en menor medida en el resto de Occidente), y la reacción cultural contra la música "pretenciosa" o "exagerada" coincidió con la caída de gran parte del "rock dinosaurio", dejando a David Bowie y a muchos otros artistas en una encrucijada. Alemania, que contribuyó a allanar el camino para gran parte del punk y el rock artístico, fue un poco diferente al resto de los lugares. La "Trilogía de Berlín" de Bowie comenzó en enero con Low, y "Heroes", el único álbum de la trilogía grabado y mezclado íntegramente en Berlín, es una especie de evolución natural, pero también ofrece una colección bastante distinta a lo que había entregado, si hay un acontecimiento clave para el sonido de Heroes que tuvo lugar entre ambos álbumes, es Trans Europa Express de Kraftwerk, los pioneros de la electrónica de Düsseldorf incorporaron con éxito elementos de la música progresiva a la electrónica, creando una atmósfera mecánica, rítmica y, en ocasiones, aterradora, que transformó la música. Sin Trans Europa Express no existiría nada tan grande como "Heroes", pero ¿Qué es "Heroes"? Es un álbum oscuro, misterioso y con una fuerte temática que explora los horrores y las ansiedades de la Guerra Fría, sin una trama ni un concepto lineal, el álbum gira en torno a la agitación emocional y política de una guerra nuclear, ya sea que esté al borde del abismo o recién comenzada. Las letras, oscuras y a menudo sombrías, crean imágenes deprimentes y marcadamente frías, al igual que en Trans Europa Express (hasta cierto punto, ya que algunas canciones son animadas con letras oscuras) y The Idiot de Iggy Pop (en la que Bowie y Eno participaron activamente). La letra de la canción principal estaba directamente influenciada por el Muro de Berlín, y el Hansa Tonstudio estaba a solo unos cientos de metros del Muro. La agitación política y la constante amenaza de destrucción nuclear de la época influyeron mucho en el krautrock y el punk rock, y Bowie no fue la excepción. La canción principal describe una relación separada por un muro, solo para convertirse en "héroes" y morir trágicamente en la canción más emotiva jamás grabada. "Blackout" e "Sons of the Silent Age" detallan la paranoia y el surrealismo que rodean el concepto de guerra, o el espíritu de "¿Qué demonios le ha pasado al mundo?".

Líricamente, es más oscuro que antes e incluso el sonido glam-meets-electrónico de canciones como Blackout no puede anular esta oscuridad. Partiendo de este tema, encontramos la canción de glam industrial que mejor representa la esquizofrenia paranoica y alucinatoria del resto del álbum, y funciona como uno de los temas más aterradores del extenso catálogo de Bowie. Presenta algunas de las técnicas de canto más extrañas de Bowie, que se descomponen en palabra hablada y versos rotos mientras golpes de batería esporádicos y salvajes danzan a su alrededor. Es esquizofrénico y revelador de las perspectivas globales de Bowie, al ver la vitalidad de Los Ángeles contrastar con la desilusión de Berlín, aquí nos entrega su himno esquizofrénico que ostenta un instrumental protoindustrial fuerte y abrasivo, muy apropiado para las letras frenéticas, inspiradas en los desmayos que Bowie experimentó en Berlín.

1552.- Yes Sir, I Can Boogie - Baccara

Yes Sir, I Can Boogie, Baccara

     Baccara es un dúo musical formado en 1977 por las cantantes y artistas españolas María Teresa Mateos Guillén "Mayte Mateos" (Logroño, 7 de febrero de 1951) y María Eugenia Martínez Mendiola "María Mendiola" (Madrid, 4 de abril de 1952 - Madrid, 11 de septiembre de 2021).

Corría el año 1976 cuando María Mendiola, entonces primera bailarina del ballet de Alberto Portillo, tuvo la idea de formar un dúo inspirándose en las populares Hermanas Kessler (par de gemelas populares en Europa, especialmente en Alemania e Italia, desde los años 50 y 60 y hasta el día de hoy por sus canciones, sus bailes y actuaciones). Mendiola le propuso el proyecto a Mayte Mateos y esta aceptó. Probaron fortuna bajo el nombre de Venus en una sala de fiestas de Zaragoza, pero fueron despedidas por ser consideradas demasiado elegantes. El entonces marido de Mendiola les consiguió un contrato en el Hotel Tres Islas en Fuerteventura (Canarias) donde serían descubiertas por tres gerentes de la RCA Records, quienes las invitarían a grabar un disco en Hamburgo (Alemania).

Mendiola, la única que hablaba inglés, sirvió de puente entre los jefes de promoción y ellas para llegar a un acuerdo. A principios de 1977 serían lanzadas al mercado musical como Baccara, cuyo significado se halla en la denominación de una variedad de rosa color rojo oscuro de tallo largo. Su primera canción, Yes Sir, I Can Boogie arrasó en las listas de éxitos y las llevó hasta el Libro Guinness de los récords como las primeras artistas españolas en conseguir un número 1 absoluto en el Reino Unido. También fue el primer dúo femenino en alcanzar dicha gesta. Después de ellas, Julio Iglesias repetiría esa hazaña. Fue un éxito en toda Europa y se mantuvo un récord de 20 semanas en el número 1 en Suecia. No se lanzó en Estados Unidos porque a su discográfica no le gustó. La letra y la música de acompañamiento se escribió la noche antes de que Baccara volara a Alemania para grabarla. Cantaron dos canciones, incluyendo esta, y luego volaron inmediatamente de vuelta a España para grabar un programa de televisión. Yes Sir, I Can Boogie se convirtió en una de las canciones favoritas de la selección nacional de fútbol de Escocia después de que el defensa Andrew Considine bailara al ritmo de la canción durante su despedida de soltero en 2015. Tras la dramática victoria de Escocia en la tanda de penaltis contra Serbia en noviembre de 2020, que les permitió alcanzar su primer gran torneo desde 1998, los vídeos del equipo (incluido Considine) coreando la canción en la sala de baile se hicieron virales en redes sociales. Esto reactivó la popularidad del sencillo de Baccara de los 70 entre los Tartan Army, lo que llevó a la canción a regresar a la lista de sencillos del Reino Unido, alcanzando el puesto número 57.