Disco de la semana 428: Corpiños en la madrugada – Sumo: El rugido primitivo de una leyenda

Disco de la semana 428: Corpiños en la madrugada – Sumo: El rugido primitivo de una leyenda  

"En Argentina me curé, me salvé y me cagué de hambre... pero fui feliz." 

— Luca Prodan 

No hay forma de hablar de Corpiños en la madrugada sin hablar de ruido, caos y verdad cruda. Este disco no es un álbum en el sentido tradicional, sino una excavación arqueológica en el ADN de Sumo, una colección de grabaciones en bruto (1983-1984) que capturan el momento exacto en que una banda dejó de ser un proyecto de borrachos y se convirtió en un huracán.  

Publicado en 1992, cinco años después de la muerte de Luca Prodan, el disco funciona como un mensaje en una botella lanzado desde el under porteño. No hay producción pulida, ni hits radiofónicos: solo la esencia de Sumo antes de que el mito los devorara.  

Luca Prodan: El extranjero que reinventó el rock argentino

La historia de Sumo empieza con un italiano escapando de sí mismo. Luca Prodan, nacido en Roma, criado en Escocia y devorado por la heroína en Londres, llegó a Argentina en 1980 casi por casualidad. Un amigo le escribió: "Venite a las sierras de Córdoba, acá te desintoxicás". Lo que encontró fue un país gris, recién salido de la dictadura, pero con una energía subterránea que lo electrizó.  

En Buenos Aires, Prodan formó Sumo con un grupo de inadaptados brillantes:  

- Germán Daffunchio (guitarra), el cerebro musical.  

- Alejandro Sokol (bajo), luego reemplazado por Diego Arnedo.  

- Stephanie Nuttal (batería), una inglesa que añadió ritmos post-punk.  

- Roberto Pettinato (saxo), el caos personificado.  

No sonaban a nada de la escena local. Eran punk, pero con reggae. Eran rock, pero con jazz. Eran británicos, pero cantaban en porteño. Y, sobre todo, no pedían permiso.  

Corpiños en la madrugada: El disco que no debería existir

Este álbum es un fantasma. Grabaciones de ensayos, recitales en bares mugrientos (Café Einstein, Parakultural), demos hechas en casetes desgastados. No fue pensado como un disco, sino como un acto de resistencia: la familia de Luca y sus excompañeros lo rescataron para demostrar que Sumo no nació grande, se hizo a los golpes.  

¿Por qué el nombre?

La leyenda cuenta que en un recital, unas mujeres les tiraron corpiños (sosten) al escenario. Luca, en vez de sonrojarse, lo celebró: "Esto es rock and roll, che". El título captura esa mezcla de provocación, sexo y arte sucio.  

Canciones: Un viaje al corazón del monstruo 

Lado A: La noche que no termina

1. "Night and Day" (5:53)  

   - Un mantra oscuro, con un bajo que parece salido de Joy Division. Luca canta como un borracho filosófico: "Night and day, I think of you...".  

2. "Mejor no hablar (de ciertas cosas)" (5:30)  

   - La versión en crudo del himno que luego popularizarían Los Redondos. Aquí suena más desesperada, como un consejo dado entre resaca y depresión.  

3. "Banderitas y globos" (3:20)  

   - Una crítica social disfrazada de canción bailable. "Todo el mundo feliz, con banderitas y globos..." ¿Ironía o amargura? 

4. "Teléfonos que suenan en piezas vacías / White Trash" (8:46)  

   - El momento más experimental del disco. Empieza como un blues deprimido y estalla en un punk furioso.  

Lado B: Furia y sarcasmo  

1. "Una noche en New York City (La rubia tarada)" (3:37)  

   - El himno definitivo contra la frivolidad. Luca escupe: "Ella quería ser como las de las revistas...".  

2. "Divididos por la felicidad" (4:49)  

   - La canción que le daría nombre a la banda de Arnedo y Daffunchio. Aquí suena más cruda, más punk.  

3. "Quiero dinero" (2:51)  

   - Un middle finger al capitalismo, en menos de tres minutos.  

4. "Fuck You" (1:53)  

   - Puro punk visceral. Luca grita como si le ardiera la garganta.  

5. "Disco Baby Disco (De Be De)" (3:07)  

   - Una burla al disco y a la moda vacía. *"Disco baby, disco de be de..."*  

6. "Heroin" (cover de The Velvet Underground)  

   - La canción más dolorosa. Luca la canta no como un fan, sino como un adicto en recuperación.  

Legado: ¿Por qué importa este disco?

- Es Sumo sin máscaras. No hay estudio, no hay edits, solo la banda en estado salvaje.  

- Es Luca antes del mito. Se lo escucha vivo, imperfecto, humano.  

- Es el sonido del under porteño en los '80: sudor, cerveza y poesía mala.  

Un disco para oyentes, no para fans  

Corpiños en la madrugada no es un álbum para coleccionistas. Es para quienes quieran sentir el rock en las venas. Para quienes prefieran una toma imperfecta con alma, antes que un hit pulido sin sangre.  

Sumo no quería ser famoso. Quería ser libre. Y este disco lo prueba.  

¿Vos ya lo escuchaste? 🚬🎸

Daniel 

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Gol de Mujer (1998): El disco con el que Divididos redefinió el rock argentino #mesDivididos

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Gol de Mujer (1998): El disco con el que Divididos redefinió el rock argentino

Un álbum bisagra que mezcló rock, folclore, punk y experimentación sonora en plena crisis del rock nacional.

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Un viaje al corazón del disco más audaz de Divididos

Este mes de abril, en nuestra sección Artista del Mes, nos propusimos descubrir a una de las bandas más influyentes del rock argentino: Divididos. Y qué mejor manera de hacerlo que descubriendo Gol de Mujer, su cuarto álbum de estudio, lanzado en 1998.

En un contexto en que muchas bandas buscaban sonidos más comerciales o repetían fórmulas conocidas, Divididos rompió el molde con un disco que mezcla crudeza, poesía y raíces argentinas con un nivel de libertad creativa poco visto en el rock nacional.

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Reinventarse o morir: el contexto detrás de Gol de Mujer

Después de la partida del baterista Gustavo Collado, Ricardo Mollo y Diego Arnedo —la dupla que dio vida a Divididos tras la disolución de Sumo— enfrentaron uno de los momentos más complejos de su carrera.

Sin un baterista fijo, con el enorme peso de superar el éxito de La Era de la Boludez (1993), y ante la inestabilidad social del cambio de milenio, decidieron no ir a lo seguro: apostaron a la experimentación, al riesgo y a la identidad.

Producido por Alfredo Toth (ex Los Abuelos de la Nada) y grabado en el Estudio Del Cielito, el disco reúne 16 canciones que atraviesan géneros, estados de ánimo e ideas con una libertad total.

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¿Por qué se llama Gol de Mujer?

El título —inspirado, al parecer, en una jugada de fútbol femenino— combina fuerza y delicadeza, dos cualidades que definen al disco de principio a fin.

Y como si fuera poco, el track homónimo es una de las joyas más sensibles y complejas del álbum.

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Canción por canción: un mapa sonoro de Gol de Mujer

Te invitamos a recorrer el álbum completo, tema por tema:

1. Alma de budín

Apertura absurda y humorística al estilo Zappa. Marca el tono libre del disco.

2. Nene de antes

Riffs potentes y letra nostálgica. Uno de los temas más vigentes en vivo.

3. Luca

Homenaje a Luca Prodan. Rock pesado, emoción pura.

4. Clavador de querubín

Explosión punk en menos de dos minutos. Crudo y visceral.

5. Sobrio a las piñas / ¿Quién se tomó todo el vino?

Cuarteto y rock duro en una mezcla inesperada. Homenaje a La Mona Jiménez.

6. Amor japonés

Melodía introspectiva con arreglos orientales. Delicadeza sin perder fuerza.

7. Cabeza de maceta

Rock directo, poesía surrealista. Divididos al natural.

8. Letra gótica

Oscura y estilizada. Ritmo marcado y aura tenebrosa.

9. Cosas de Baboon

Funk bailable con bajo potente. La banda se divierte y se nota.

10. Gol de mujer

El corazón del disco. Melodía, fuerza, equilibrio.

11. Vientito del Tucumán

Poema inédito de Atahualpa Yupanqui. Fusión hermosa de folclore y rock.

12. Niño hereje

Breve, punk, provocador. Título fuerte, música también.

13. Zombie

Ritmo arrastrado, atmósfera decadente. Ideal para perderse.

14. El fantasio

Psicodelia, crítica social y teatralidad. Uno de los tracks más elaborados.

15. Salgan al sol

Cover de Manal. Breve, poderoso, directo desde los 70.

16. El gordo legüero

Cierre instrumental. Chacarera rockeada con bombo legüero. Mestizaje puro.

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¿Un fracaso comercial? Sí. ¿Una obra maestra? También.

Aunque Gol de Mujer no fue un éxito comercial masivo en su momento, su legado es profundo. El disco:

• Revalorizó el folclore desde una mirada contemporánea.

• Rompió con las estructuras del rock clásico a través de la experimentación.

• Demostró independencia creativa total, sin concesiones a lo comercial.

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Un disco que sigue vigente (y se escucha entero)

En una era donde la música se consume de forma cada vez más rápida y fragmentada, Gol de Mujer sigue siendo un disco para escuchar de principio a fin.

Su mezcla de potencia rockera, raíces argentinas, poesía surrealista y humor inteligente lo convierte en una obra única dentro del rock en español.

Más que un simple álbum, es un documento cultural que capturó el espíritu de una época y logró trascender su tiempo.

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¿Ya lo escuchaste?

Si no lo hiciste, ponete los auriculares y viajá.
Y si ya lo conocés, volvé a recorrerlo. Seguro encontrás algo nuevo.

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Daniel
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La Era de la Boludez - Divididos (Mes Divididos)

 

La Era de la Boludez, Divididos

     En septiembre de 1993, la banda argentina Divididos lanzó La Era de la Boludez, su tercer álbum de estudio, un trabajo que no solo consolidó su lugar en la cima del rock nacional argentino, sino que también se convirtió en un testimonio crudo y poderoso de una época marcada por contradicciones sociales y culturales en Argentina. Integrado por Ricardo Mollo (voz y guitarra), Diego Arnedo (bajo) y Federico Gil Solá (batería), este trío de Hurlingham logró un disco que fusiona la potencia del rock con influencias del funk, el folklore y la experimentación psicodélica.

El álbum es grabado entre junio y julio de 1993 en los estudios Can Am y Devonshirem, ambos en Estados Unidos, bajo la producción de Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, y publicado el 13 de septiembr de 1993 bajo el sello discográfico Polygram Records. Gracias a este disco, Divididos lograría, además de forjar su compacto y genuino sonido, alcanzar el reconocimiento genral del público argentino. La Era de la Boludez es un trabajo donde el trío se moja en el aspecto político y aporta una mirada crítica de su país, el cual llevaba unos años bajo la tutela de Carlos Menem. El excdelente trabajo de producción realizado en Estados Unidos corrió a cargo de Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel. 

Para entender La Era de la Boludez, hay que situarse en la Argentina de principios de los 90. El país vivía bajo el gobierno de Carlos Menem, una era de aparente bonanza económica que ocultaba una profunda crisis social y una superficialidad cultural que el título del álbum captura con ironía mordaz. Divididos, surgido de las cenizas de Sumo tras la muerte de Luca Prodan, ya había mostrado su potencial en discos anteriores como Acariciando lo áspero (1991). Sin embargo, fue con la llegada de Federico Gil Solá, un baterista argentino que había vivido 15 años en San Francisco, cuando la banda encontró la pieza final que le faltaba para su sonido demoledor. 

Con la producción de los citados Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, y con el ingeniero de sonido Tony Peluso, formaron un equipo que potenció la visión y el sonido del trío. Santaolalla, figura clave del rock latino, actuó como catalizador, llevando a Divididos a explorar nuevas texturas sin perder su esencia visceral. La participación de invitados como Bruce Fowler (excolaborador de Frank Zappa) en trombón, Luis Conte en percusión y Melissa Hasin en chelo añadió capas de sofisticación a un disco que, a pesar de su complejidad, nunca se alejó de su raíz rockera y popular. Estamos ante un trabajo que combina varios géneros. Temas como Salir a asustar y Salir a comprar destilan un funk contagioso, con líneas de bajo robustas de Arnedo y la batería implacable de Gil Solá, mientras que Rasputín y Paisano de Hurlingham son capaces de descargar la furia rockera que hizo de Divididos una banda de estadios. Pero lo que distingue al álbum es su capacidad para integrar además el folklore argentino, un elemento que ya habían incorporado en discos anteriores pero que aquí explotan con fuerza.

El lanzamiento de La Era de la Boludez marcó un antes y un después para Divididos. La gira promocional, que arrancó el 9 de abril de 1993 y se extendió hasta julio de 1995, incluyó 41 shows y llevó a la banda a llenar el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires 13 veces en un solo año, un récord que habla de su conexión con el público. Más allá de las ventas y los recitales, el disco ofrece una crítica implícita a la “boludez” de la época menemista: un país de pizza y champagne, de promesas vacías y desigualdad creciente. No es casualidad que el título, sugerido por Gil Solá, todo un grito de hartazgo disfrazado de burla.

El disco abre con Salir a asustar, que arranca con un poderoso riff y un groove funk. El tema, empujado por el bajo de Arnedo y la batería de Gil solá es una explosión de actitud, toda una declaración de intenciones. La letra, cargada de ironía, juega con la idea de salir a la calle a imponerse, a luchar contra la pasividad. Ortega y gases, una compleja pieza con unas letras crípticas sujetas a múltiples interpretaciones. Sigue la línea del álbum en cuanto a la sátira social de la Argentina de los años 90. El arriero es una versión del original de Atahualpa Yupanqui. El trío argentino transforma esta mítica canción en un poderosos tema rockero, pero respetando la esencia del toque folclórico de la canción. Salir a comprar tiene una fuerte influencia funk y demuestra la solidez de la base rítmica del bajo de Arnedo y la batería de Gil Solá, que marcan el ritmo mientras que el guitarrista Mollo se luce con sus riffs. Qué ves? es uno de los momentos culminantes del álbum. La letra de la canción muestra el desencanto de una sociedad atrapada entre el progreso ilusorio y la pérdida de indentidad de la nación. En cuanto a la música del tema, la base gira en torno al folclore. La utilización del charango (instrumento musical de cuerda perteneciente a la familia del laúd) a este tema con aire a reggae, aporta hipnotismo a la canción, que se suma para la segunda estrofa y que únicamente cesa en la coda del tema, la que se reparte entre el malambo y el vuelo guitarrístico de Ricardo Mollo. El trabajo de las voces es sutil y preciso. La canción sonó tanto en las radios por aquellos años que el grupo llegó a cansarse de su propio tema y dejaron de tocarlo en vivo durante años. En Pestaña de camello el grupo se sumerge en la experimentación. Mollo usa la guitarra como un sitar, y el tema e transform en la introducción perfecta para Rasputín / Hey Jude, toda una desarga de adrenalina con un gran riff pesado, perfecta para tocar en vivo. Hacia el final de la canción el trío hace su breve y pequeño homenaje con su versión del clásico Hey Jude de The Beatles.

Nos encontramos en el ecuador del álbum, que abre con Dame un limón, un hilarante tema con un "humor ácido". El riff inicial tiene un aire casi juguetón, mientras la letra refleja una mezcla de resignación y sarcasmo ante las pequeñas miserias de la vida. El bajo de Arnedo brilla aquí, sosteniendo un groove que nos invita a dejarnos llevar y mover los pies. Paisano de Hurlingham es puro rock and roll, un homenaje a las raíces del trío en el oeste del Gran Buenos Aires. La guitarra de Mollo descarga unos riffs crudos y la batería de Gil Solá golpea con furia, mientras la letra evoca imágenes de un “paisano” perdido en su propia tierra. Esta canción, junto con “Salir a comprar” y “Rasputín”, son necesarios, en el repertorio de la banda, para entender la crítica con una mirada cruda en el pasar de un país, que por aquel entonces llevaba casi una década de democracia y casi un lustro bajo la presidencia de Carlos Saúl Menem. Cristófolo Cacarnú tiene un toque teatral, psicodélico, casi absurdo, con unas letras que juega con nombres y situaciones disparatadas. La música ayuda mucho a dar ese aire de caos controlado, gracias a una genial mezcla de funk y rock. Indio, dejá el mezcal vuelve a jugar con esa sensación de descontrol. Es una especie de jam psicodélica con una breve y repetitiva letra. Huelga de amores explora el desencanto amoroso con una mezcla de melancolía y furia. La voz de Mollo transmite por momentos vulnerabilidad y rabia, mientras el arreglo incorpora detalles como el trombón de Bruce Fowler. Tajo C es un instrumental que no hcce sino destacar la habulidad técnica y química del trío. Con un denso y envolvente groove marcados por el bajo y la batería, la guitarra de Mollo va tejiendo la líeas melódicas. Cierra el álbum Pestaña de Camello (Reprise), donde resuenan variaciones de algunos momentos del disco y llaman a la imaginación, siendo este el tema más experimental del disco con el sonido del sitar en primer plano. 

En 2007, la revista Rolling Stone ubicó La Era de la Boludez en el puesto 7 de su lista de los 100 mejores discos del rock nacional, un reconocimiento a su influencia que tuvo en el país argentino. Hoy, han pasado más de 30 años de su lanzamiento, y sigue siendo un referente para bandas posteriores y oyentes, un recordatorio de que Divididos además de hacer música, supieron capturar la ira, el desánimo y la rabia de un país en un momento convulso.

"40 Dibujos Ahí en el Piso": El Caótico Manifiesto que Revolucionó el Rock Argentino #mesDivididos

"40 Dibujos Ahí en el Piso": El Caótico Manifiesto que Revolucionó el Rock Argentino #mesDivididos

Abril: Un Viaje por la Discografía de Divididos

En el calendario del rock, abril será el mes de Divididos. Y qué mejor punto de partida que su álbum debut, "40 Dibujos Ahí en el Piso" (1991), un disco que funcionó como carta de presentación de una banda que redefinió los límites del género. Grabado en Estudios Panda bajo la producción de Tweety González, este trabajo marcó el renacer artístico de Ricardo Mollo y Diego Arnedo tras la disolución de Sumo, presentando un sonido más crudo, experimental y decididamente vanguardista.  

El álbum mezcla punk, funk, reggae y psicodelia con letras surrealistas, creando una propuesta sonora que desafió todas las convenciones de la época. Con una duración total de 42 minutos distribuidos en 13 tracks (incluyendo tres repeticiones de "Camarón Bombay"), el disco se convirtió en un objeto de culto que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos.  

Contexto Histórico: El Nacimiento de un Fenómeno

Para entender la magnitud de este trabajo, debemos remontarnos a diciembre de 1987, cuando la muerte de Luca Prodan dejó a Sumo en un limbo creativo. Mollo y Arnedo, junto al baterista Gustavo Collado (luego reemplazado por Catú Carcavallo), decidieron continuar bajo el nombre Divididos, heredando el espíritu transgresor de Sumo pero llevándolo a territorios aún más experimentales.  

El título del álbum proviene de una frase que el propio Prodan solía decir, manteniendo así un hilo conductor con su legado. La portada - un dibujo infantil y abstracto creado por Alfredo "Fredi" Sarsotti - refleja perfectamente la esencia del contenido: aparentemente caótico, pero con una coherencia interna que solo se revela al escuchar con atención.  

Análisis Musical: Deconstruyendo el Caos:

Lo primero que sorprende al escuchar "40 Dibujos..." es su estructura poco ortodoxa. El disco comienza y termina con versiones diferentes de "Camarón Bombay" (1:07 al inicio, 0:36 en el medio y 1:03 al final), creando una sensación cíclica que invita a volver a escucharlo.  

Esta decisión artística no fue casual. En una entrevista de 1992, Mollo explicó: "Queríamos que el disco fuera como un viaje en círculos, donde el final te lleva otra vez al principio". Este concepto se refuerza con la disposición de los temas, que alternan entre canciones completas y sketches musicales. 

El álbum es un verdadero collage sonoro donde conviven:  

- Funk acelerado ("Haciendo Cosas Raras")  

- Punk distorsionado ("Un Montón de Huesos")  

- Reggae psicodélico ("La Mosca Porteña")  

- Rock experimental ("Los Hombres Huecos")  

- Versionismo irreverente ("Light My Fire" de The Doors)  

Esta mezcla no era común en el rock argentino de principios de los 90, dominado entonces por el rock barrial y las bandas nuevas como Los Ratones Paranoicos. Divididos rompió ese molde con un sonido que anticipó tendencias que se harían populares años después.  

Las Letras entre el surrealismo y la Crítica Social. 

Las letras del álbum son un universo en sí mismas:  

- "Che, Qué Esperás?" parece interpelar a una sociedad apática  

- "De Qué Diario Sos?" critica la manipulación mediática  

- "Los Hombres Huecos" explora la alienación moderna  

- "La Foca" juega con el absurdo más puro  

Esta combinación de profundidad y humor absurdo se convertiría en una marca registrada de la banda.  

Si hablamos de cada uno de sus canciones:

1. «Camarón Bombay» (1:07)

Más que una canción, es una declaración de principios: 67 segundos de distorsión pura que desaparecen tan rápido como aparecen. El título (que combina un crustáceo con una ciudad india) refleja el surrealismo que dominará el disco.  

2. «Che, Qué Esperás?» (4:04) 

El primer tema "completo" del álbum establece el tono: un riff contagioso, cambios de ritmo abruptos y letras que oscilan entre la ironía y la protesta. El solo de guitarra (a los 2:38) es uno de los momentos más sublimes del disco.  

3. «La Mosca Porteña» (4:31)  

Aquí Divididos muestra su faceta más psicodélica. La letra ("Una mosca vino y se posó en mi sopa") puede interpretarse como metáfora de las pequeñas irritaciones cotidianas. Musicalmente, destaca el trabajo de bajo de Arnedo, creando una base hipnótica.  

4. «Haciendo Cosas Raras» (3:07)

El himno no oficial de la banda. La canción condensa en tres minutos toda la filosofía Divididos: experimentación, humor y actitud. El break de batería (2:15) es pura energía cruda.  

5. «Los Sueños Y Las Guerras» (4:00)

Un momento de respiro en el disco, con guitarras acústicas y un clima melancólico. La letra ("Los sueños se pierden, las guerras también") sugiere una reflexión sobre la fugacidad de los ideales.  

6. «Gárgara Larga» (4:26)

El título perfecto para esta canción que parece "hacer gárgaras" con distintos estilos: comienza como funk, deriva en reggae y termina en punk. El puente instrumental (3:10) es una de las partes más creativas del álbum.  

7. «Camarón Bombay» (0:36)

La reaparición del tema inicial, ahora más corto y distorsionado, como un eco fantasmal.  

8. «Un Montón De Huesos» (4:38) 

El lado más oscuro de Divididos. La letra ("Un montón de huesos en el placard") sugiere secretos inconfesables, mientras la música avanza como una apisonadora.  

9. «Light My Fire» (3:48) La versión más punk que se haya hecho del clásico de The Doors. Divididos lo transforma en un tema frenético, con Mollo cantando casi al borde del grito.  

10. «Los Hombres Huecos» (5:21)

El punto culminante del álbum. La adaptación del poema de T.S. Eliot es magistral, con arreglos que van desde lo minimalista hasta lo orquestal. La línea "Somos los hombres huecos, los hombres rellenos" adquiere nueva fuerza en este contexto.  

11. «De Qué Diario Sos?» (4:11)

Una crítica mordaz a los medios masivos, con un riff que se clava en la memoria. El estribillo ("De qué diario sos? De qué canal?") sigue siendo relevante hoy.  

12. «La Foca» (2:50)

El contrapunto humorístico del disco. La simpleza de la letra ("La foca vino a la ciudad") es engañosa: musicalmente es una pequeña obra maestra de ritmo y dinámica.  

13. «Camarón Bombay» (1:03)

El círculo se cierra. La tercera versión del tema inicial, ahora un poco más larga, como si el viaje hubiera dejado su marca.  

Si hablamos del legado e influencia de del álbum de Divididos, "40 Dibujos Ahí en el Piso". 

Aunque en su momento no tuvo el reconocimiento comercial de otros trabajos de la banda, "40 Dibujos Ahí en el Piso" sentó las bases para todo lo que vendría después. Su influencia puede rastrearse en:  

- Bandas posteriores como Babasónicos (en su etapa experimental)  

- El rock alternativo de los 2000 (Él Mató a un Policía Motorizado)  

- Incluso en nuevas generaciones como Conociendo Rusia

El crítico musical Eduardo Berti lo definió como "el disco que demostró que el rock argentino podía ser vanguardia y tradición al mismo tiempo".  

Tres décadas después, "40 Dibujos Ahí en el Piso" sigue sonando fresco y revolucionario. En una era de música prefabricada y algoritmos, este disco nos recuerda el valor de:  

1. La autenticidad (hacer música sin concesiones)  

2. La experimentación (romper géneros y estructuras)  

3. El humor (no tomarse demasiado en serio)  

Este abril, los invitamos a redescubrir este álbum fundamental y los que iremos conociendo juntos. Porque como dice Divididos: "Haciendo cosas raras, y no me importa nada".  

¿Cuál será tu tema favorito de este disco? ¿La caótica trilogía de "Camarón Bombay", la profundidad de "Los Hombres Huecos" o el puro funk de "Haciendo Cosas Raras"? 🎸🔥  

(Próxima parada en nuestro viaje en conocerte a fondo a nuestras banda del mes Divididos: "Acariciando lo áspero").

Daniel 

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1509- La Máquina de Hacer Pájaros - Hipercandobe

1509 - La Máquina de Hacer Pájaros - Hipercandobe

La Máquina de Hacer Pájaros, una banda argentina formada a mediados de los 70, es reconocida por su enfoque progresivo y su capacidad para fusionar elementos del rock sinfónico con toques de vanguardia. Dentro de su discografía, "Hipercandobe", incluida en su álbum debut homónimo de 1976, destaca como una pieza que encapsula la esencia creativa y experimental del grupo. Compuesta por Charly García, líder y fundador de la banda, esta canción es un viaje sonoro que desafía las convenciones y transporta al oyente a un universo musical único.

Desde el inicio, "Hipercandobe" se presenta como una obra ambiciosa. La introducción, con sus arpegios de teclado y atmósferas etéreas, establece un tono misterioso y envolvente. La instrumentación es rica en texturas, combinando guitarras, sintetizadores, bajos pulsantes y una sección rítmica que fluye entre lo complejo y lo hipnótico. La producción, aunque limitada por los recursos técnicos de la época, logra capturar la esencia progresiva de la banda, permitiendo que cada detalle musical tenga su espacio.

La voz de Charly García, caracterizada por su expresividad y versatilidad, se convierte en un instrumento más dentro de este paisaje sonoro. Aunque la letra de "Hipercandobe" no sigue una narrativa lineal, sus versos abstractos y poéticos invitan a la interpretación personal. Frases como "Hipercandobe, el mundo se va a acabar" y "No sé por qué, no sé por qué" sugieren una reflexión sobre la incertidumbre y la fragilidad de la existencia, temas recurrentes en la obra de García. La canción no busca transmitir un mensaje directo, sino más bien evocar emociones y sensaciones a través de su lenguaje musical y lírico.

Musicalmente, "Hipercandobe" es una muestra del virtuosismo y la creatividad de La Máquina de Hacer Pájaros. Los cambios de tempo, las armonías complejas y los pasajes instrumentales demuestran la influencia del rock progresivo de bandas como Yes o Genesis, pero con un sello distintivo que refleja la identidad del grupo. Los solos de teclado y guitarra, ejecutados con precisión y emotividad, añaden capas de intensidad a la composición, mientras que la base rítmica, a cargo de Oscar Moro y José Luis Fernández, mantiene una coherencia que sostiene la estructura de la pieza.

A pesar de su corta existencia, La Máquina de Hacer Pájaros dejó una huella significativa en la música argentina, y "Hipercandobe" es un ejemplo claro de su legado. La canción no solo refleja la búsqueda constante de innovación por parte de García y sus compañeros, sino que también representa un momento crucial en la evolución del rock progresivo en América Latina. Su audacia para explorar nuevos territorios sonoros y su capacidad para crear atmósferas únicas la convierten en una obra que sigue siendo relevante para los amantes del género.

"Hipercandobe" es una pieza que trasciende el tiempo, no solo por su complejidad técnica, sino por su capacidad para evocar emociones y transportar al oyente a un mundo imaginario. La Máquina de Hacer Pájaros logró con esta canción capturar la esencia de una época y dejar un legado que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos y escuchas.

Daniel 

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Charly García - Piano Bar (Mes Charly García)

Piano bar, Charly García

     Piano Bar es un álbum icónico en la carrera del músico argentino Charly García, uno de los músicos más influyentes en la historia del rock en español. Con este disco, Charly marcó un punto de inflexión en su carrera y en la música latina en general. Es su tercer álbum de estudio en solitario, grabado en los estudios ION de Buenos Aires y mezclado en los Lady Studios de Nueva York durante 1984. Contó con la producción de Joe Blaney y de Charly García, y fue publicado el 22 de septiembre de 1984 por el sello discográfico Universal Music Group. La revista Rolling Stone llegó a colocar este disco en el puesto número 12 de su lista de los mejores discos del rock argentino, lo que nos da una idea de su impacto.

En 1984, Charly García ya se había forjado una solida carrera como músico y compositor, tanto en solitario como en bandas como Sui Generis y Serú Girán. En Piano Bar apostó por un enfoque más introspectivo y maduro, hecho que marcó un cambio en su estilo musical, alejándose del rock más convencional y acercándose a sonidos más experimentales y unas letras más poéticas. 

Estamos ante un disco que se mueve entre el pop rock y el new wave, y que tiene además una marcada influencia de la música clásica con el piano como protagonista principal del álbum, ya que se convierte en el eje principal en muchas de las canciones. Charly, a través del piano nos hará disfrutar de un disco donde fusiona elementos del rock, con el new wave, la música clásica o el jazz, creando un sonido único y distintivo. La letras también son muy destacables, pues el artista decidió explorar temas tan profundos como la soledad, la alienación o la nostalgia. Eso sí, estas letras a menudo son enigmáticas y poéticas, lo que dejará espacio a que hagamos nuestras propias interpretaciones. Estamos ante un estilo lírico que consiguió atraer a una audiencia más madura y crítica.

Todo esto podremos disfrutarlo en temas como Demoliendo hoteles, compuesta e interpretada enteramente por Charly García. Una canción que fue catalogada por la revista Rolling Stone y la MTV en el puesto número 16 de las mejores canciones de la historia del rock argentino. Charly escribió la canción dentro del marco político de la caída de la dictadura militar en Argentina (1976 - 1983). La democracia se había instalado el 10 de diciembre de 193 bajo la presidencia de Raul Alfonsín, pero dicha presidencia parecía débil y amenazada por las injusticias militares y sociales exacerbadas durante la dictadura. Sobre esta situación y escenario político en su país, escribió la canción Charly; Promesas sobre el bidet, otra de las canciones más destacadas de la obra de Charly. El músico se dirige a otra persona pidiéndole que "por favor, no haga promesas sobre el bidet", que "no le abra más los sobres y que no beba más y que no llore". Charly comentaba en una entrevista como se originó la letra de la canción. En aquel momento estaba viviendo las secuelas del famoso escándalo que protagonizó durante un recital en Córdoba (Argentina), al haberse bajado los pantalones y mostrar sus genitales, por lo que tenía abierto un proceso judicial. Cuando se realizó la entrevista, para el reportaje había que sacar unas fotos, y Charly decidió quitarse la ropa y realizar toda la sesión fotográfica desnudo. Al llegar a la redacción, el director y propietario de la editorial de la revista, decidió publicar una de las fotos, en la que Charly estaba desnudo sentado en el inodoro. El músico posteriormente se arrepintió e intentó frenar la publicación, fruto de su preocupación de como podía afectar esto a su procedimiento judicial ya abierto. No consiguió frenar su publicación. Charly escribió esta canción partiendo de esta anécdota; No se va a llamar mi amor, canción que se caracteriza por el inicio con una guitarra acústica saturada que da paso a un grito de Charly. El músico escribió la canción en el momento que caía la
última dictadura militar en Argentina (1076 - 1983).

Luis Alberto Spinetta y Charly García

A esta situación se refiere la letra de la canción. La canción inicialmente se iba a llamar "Mi amor", pero en esa época la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (Sadaic) no permitía que existieran dos canciones con el mismo título, por lo que finalmente se llamó "No se va a llamar mi amor"; o Total interferencia, escrita por Charly García junto a otro de los grandes referentes de la música argentina, Luis Alberto Spinetta. En el verano de 1984 Charly alquiló una propiedad en Buenos Aires por la que pasaron numerosos artistas a visitarlo. Uno de ellos fue Spinetta, con quien Charly mantenía una gran relación desde 1980, cuando ambos compartieron escenario con sus respectivas bandas, Spinetta con Jade y Charly con Serú Girán. Durante aquellas visitas, Charly propuso a Spinetta escribir una canción juntos, y se sentó al piano mientras Spinetta producía y dictaba los acordes del tema. Fue curioso aquello, pues Spimetta sugería la estructura y las partes, y eso era raro, pues Charly no se solía dejar dirigir por nadie. El resultado fue este brillante tema, el primero acreditado a esta gran dupla. 

La influencia de Piano Bar en la música latina y en la carrera de Charly es innegable. Se ha convertido por derecho propio en un clásico y ha sido citado como inspiración por numerosos artistas a lo largo de los años. La experimentación lírica y musical de Charly en este trabajo se convirtió en un referente para las futuras generaciones de músicos. Está claro que marcó un antes y un después en la música en español. Su mezcla de rock con música clásica, y sus poéticas y complejas letras lo convierten en una joya en la discografía del músico argentino.

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

Amigos del rock, como cada vienes ponemos a vuestra disposición una recomendación de un disco, en este caso les traemos una banda Argentina, que salto a la fama en la década de los noventa. Estamos hablado de la banda La Portuaria, que es una banda con un sonido fusión, que incorporó ritmos hispanos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Un sonido alternativo que la banda supo muy bien explotar, y toda esa fuerza queda reflajada en su tercer álbum Devorador de corazones. 

Este álbum Devorador de corazones es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, que editado en 1993. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible, gracias al impulso dado por la canción "Selva" su corte de difusión del álbum, que obtuvo un Disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento.

La banda antes de lanzar Devorador de corazones había lanzado Rosas Rojas de 1989 y Escenas de la vida amorosa, en 1993 y como contamos llegaría el gran suceso para La Portuaria con el lanzamiento del álbum Devorador de Corazones. Su corte de difusión “Selva” fue, el mayor hit de la banda. Y dentro de la movida conocida como World Beat, la banda de Diego Frenkel, líder de la banda desarrollaba una fusión entre lo latino con el jazz, dando una interesante mezcla. Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como “Nada es Igual”, la hermosa "En la punta de un cabo", una interesante versión de "Zamba de mi esperanza" o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El álbum aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con “Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

Una banda por descubrir que esperamos que te guste.

Daniel 

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El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

OK! Amigos esta semena vamos con un cantautor argentino, y con unos de sus álbumes que se titula, Por favor, perdón y gracias este es el decimotercer álbum de estudio del cantautor argentino León Gieco.

Y fue publicado en el año 2005 por el sello EMI y producido por León Gieco y Luis Gurevich. 

El álbum cuenta con invitados como Jimmy Johnson, Gustavo Santaolalla, Rubén Albarrán, David Kemper, Gustavo Cordera, Dean Parks, Andrés Ciro Martínez, Daniel Melingo, entre otros.

Este disco fue lanzado tras cuatro años después de Bandidos rurales y es, probablemente, el álbum más polémico de León Gieco, en donde critica al sistema y la tragedia donde en una sala de conciertos en Buenos Aires llamada Cromañón murieron más de un centenar de jóvenes. 

Tras estos problemas, el artista tuvo que enfrentar demandas judiciales por la polémica canción Un minuto sobre la tragedia de Cromañón, esta cancion tuvo que ser retirado del álbum a partir de su segunda edición, tras las quejas de los familiares de las víctimas, pero no sólo la canción Un Minuto trajo polémica al artista, sino Santa Tejerina, sobre el caso de Romina Tejerina, una joven que mató a su hijo recién nacido al ser fruto de una violación y habérsele denegado el aborto, por ello de lo polémico del álbum. 

Pero nada termina ahí, Leon Gieco apuesta fuerte desde la primera canción del álbum titulada Yo soy Juan hace referencia a la historia de Juan Cabandié Alfonsín, nieto recuperado n.° 77 por las Abuelas de Plaza de Mayo en 2003. La canción menciona su nacimiento en el ex Centro Clandestino de Detención ex ESMA, donde funcionaba una maternidad clandestina durante última dictadura militar en la Argentina.

El álbum también incluye el clásico tema El ángel de la bicicleta, que cuenta la historia de Claudio "Pocho" Leprati, quien fue asesinado por la policía de la ciudad de Rosario durante la crisis y protestas de diciembre de 2001 por evitar que la policía baleara un comedor infantil de un barrio pobre.

Pero lo cierto es que tras estas historias, León Gieco ha puesto a la luz algo que saben hacer muy bien los cantautores, que es dar vida etarnas a la historia, y León Gieco sabe muy bien hacer eso. 

Por favor, perdón y gracias, reúne a otros artistas que lo acompañan, y logran transformar sonidos como el flockore, la murga y el tanto, sonidos tran presentes en la cultura popular Argentina que son mezclados con el rock, el hard Rock y el folk rock, una verdadera muestra de fusión de estilos, se pueden escuchar en este álbum. 

Ya lo hemos dicho, muchas veces, el rock argentino nació como una manera de crítica a una sociedad, y en este álbum no ha perdido la esencia de las décadas 70s y 80s de levantar la voz. Y con esa voz levantada León Gieco nos cuenta la historia en sus canciones. Así que los ánimo a escuchar esas historias. 

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos Soda Stereo

Éxitos y tropiezos Soda Stereo  

Todos sabemos del éxito de Soda Stereo y para quienes no lo han vivido. Soda Stereo fue una banda argentina de rock alternativo formada en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cerati su líder y guitarrista, Zeta Bosio en bajos y Charly Alberti en batería.

Es considerada por la crítica especializada como la banda de rock más importante, popular e influyente en español de todos los tiempos y una leyenda de la música latinoamericana.

Y esto lo demuestra sus logros, fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en Latinoamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock latinoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en Latinoamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música divertida de sus inicios, la new wave, el dark wave, el hard rock, el rock alternativo y el rock electrónico de sus finales.

Dentro de sus éxitos más sonados, esta su segundo álbum de estudio Nada Personal, que contiene una de las 500 mejores canciones del rock iberoamericano por la crítica Al Borde en 2006, que premió la canción Cuando pase el temblor con el puesto 84°, como así también esta dentro de las 100 mejores canciones del rock argentino por Rock.com.ar en 2007 premió la canción con el 74°. 

El video de Cuando pase el temblor fue nominado finalista del 12.º "World Festival of Video and TV" en Acapulco.

Otro gran éxito es su tercer álbum de estudio Signos, que es considerado por la mayoría de los críticos como el segundo mejor álbum de la banda, después de Canción animal, de 1990. En este álbum se destacan canciones como: Signos, Prófugos, El rito y Persiana americana.

Ya establecidos como un grupo de alcance internacional, la Gira Signos que promocionó el disco visitó Argentina, Paraguay, Bolivia, Ecuador, Colombia, Costa Rica, México, Venezuela, Chile y Perú.

Signos es destacado en la historia de la industria discográfica argentina: en 1987 se convirtió en el primer álbum de un artista argentino en ser lanzado en formato de CD. 

Canción animal es el quinto álbum de estudio, y es considerado como el mejor álbum de la banda en toda su carrera, y dejó una huella no solo en el rock argentino sino en todo el continente. Es considerado como uno de los discos más importantes y emblemáticos en la historia del rock en español, apareciendo entre los primeros puestos en múltiples listados de los mejores álbumes del rock en español de todos los tiempos.

El álbum posee un sonido roquero, más duro y sanguíneo que el de los anteriores de la banda, e instrumentalmente cuenta con gran protagonismo de la guitarra eléctrica en riffs y solos. Para hacer Canción animal, la banda se inspiró fundamentalmente en el sonido de las bandas de rock argentinas de los años setenta que habían escuchado durante su adolescencia, como Pescado Rabioso, Vox Dei, Color Humano y Aquelarre. Este cambio de sonido en Soda Stereo pronto influiría en la evolución que tomaría el rock en todo el continente.

Pero todos estos éxitos y muchos más que cosechó Soda Stereo, no evitaron que la banda se separace. 

Todos nos pregúntanos ¿Por qué se separó una de las bandas más importantes del rock en español?

Todavía retumba en los fanáticos de Soda Stereo, las palabras de Gustavo Cerati “¡Gracias… totales!”, que estuvieron acompañadas de un riff de guitarra. Ese momento quedó inmortalizado en el álbum en vivo ‘Último concierto’. Con el paso de los años, sigue la pregunta: ¿por qué se separó la banda más grande de Latinoamérica? 

Muchas cosas se especularon en su momento, se pensó en la agonía que provocó el álbum ‘Dynamo’ y su gira para promocionar la producción de 1993. La relación entre Gustavo, Zeta y Charly era inestable, se señaló que, tras una gira en Chile, Paraguay, Venezuela y México, Gustavo Cerati abandonó la agrupación y se fue con su pareja, Cecilia Amenábar, a disfrutar la espera de su hijo, por lo que dejó inconclusos conciertos en Estados Unidos y España

La decisión de abandonar la gira aumentó los problemas entre los integrantes de la agrupación, y a partir de ahí salieron a la luz varios reclamos como que Gustavo ganaba más dinero. Más tarde Gustavo respondería. 

“Zeta decía que el grupo debía firmar todas las canciones. Eso me parecía válido, siempre y cuando el esfuerzo fuera compartido, pero cuando soy yo el que está haciendo prácticamente todo, no me parece justo”, expresó Gustavo Cerati a la revista Rolling Stone. 

Así llegó a su fin el ‘sueño’ de Soda Stereo, tras diversos reclamos y declaraciones de los integrantes, Soda Stereo se tomó una pausa durante año y medio. Sin embargo, una tragedia familiar los volvería a reunir, y es que el 4 de julio de 1994, Tobías, el hijo de tres años de Zeta, fue hospitalizado de emergencia. Charly y Gustavo acudieron a apoyar al bajista. 

A los pocos meses, se reunieron en una sala del estudio Supersónico para hablar si todavía podía continuar tocando juntos. Sin embargo, los primeros ensayos fueron catastróficos y tras varios días de intentarlo, lograron mantener una buena comunicación.

De acuerdo con Rolling Stone, en ese momento, cada integrante tenía sus proyectos personales. Gustavo Cerati ya había grabado ‘Amor Amarillo’ tras volverse un fiel seguidor de los ritmos electrónicos del acid house y ambient. Zeta era productor de grupos como Peligrosos Gorriones y Aguirre, mientras que Charly empezaba en los negocios.

Después de su exitoso ‘Sueño Stereo’ y la gira mundial que incluyó su presentación ‘Unplugged’, los integrantes siguieron con sus proyectos personales. Cerati volvió con la banda tras el lanzamiento de ‘Confort y música para volar’, pero nuevamente la banda emprendió una gira llena de altibajos y problemas. 

“En las últimas etapas llegamos a ni hablarnos. Lo hacíamos sólo por medio de personas y para juntarnos a tocar”, recordó Zeta en una entrevista. 

A finales de 1996, Gustavo se reunió con Charly y Zeta para decirles que no estaba seguro del futuro de la banda y les pidió que descansaran por unos meses para ver cómo iban las cosas. Quedaron de verse en febrero para analizar la situación, pero Gustavo Cerati no apareció. 

En marzo, Zeta se enteraría de la disolución de Soda Stereo mediante una declaración a un periódico de Gustavo Cerati. El anuncio oficial de la banda se dio el primero de mayo de 1997. 

La etapa de Soda Stereo concluiría el 20 de septiembre de 1997 en el Estadio River. 

Daniel 

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Disco de la semana 287: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Disco de la semana 286: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Vamos con una banda de Reggae Argentina y pensar en Reggae en la Argentina es asociarlo directamente con Los Pericos, considerada la primera banda del género. Formada en 1986 por un grupo de amigos que, metidos en todo el movimiento iniciado en Jamaica con el gran Bob Marley, quisieron juntarse y expandir esa pasión por las latitudes argentinas.

Los Pericos grabaron su disco debut, editado en 1987 y lanzado un año después. Su primer álbum El Ritual de la Banana se convirtió rápidamente en un éxito de ventas, alcanzando el Triple Platino y dejando varios clásicos que aún perduran en el repertorio del grupo. Tiene un éxito inmediato la banda con 2 temas: “El Ritual de la Banana” y “Nada que perder”.

Otras de las canciones del álbum que se escucharon con gran éxito son "Welcome to Jamaica Reggae” se escucha en voz del Bahiano su ex-vocalista, luego las inconfundibles trompetas de inicio, dieran vida a esta muy buena producción. Grabado íntegramente en inglés muchas de las canciones del disco, promediando el álbum “El Ritual de la Banana”, es otra de las destacadas. Luego están temas como  “Halei Selassi” que se enfoca en las luchas de clases en África y “Movida Rastafari”.

“Nada que Perder”, un clásico de la banda, cierra esta buena producción de una de las bandas pioneras del Reggae en el país y que supo cosechar éxitos en su extensa carrera.

Aquel éxito de Los Pericos, que también generó rechazos y críticas como suele ocurrir cada vez que un estilo nuevo gana notoriedad, “El Ritual de la Banana” fue el primero de sus éxitos, y siguieron continuando después y continúa hasta el presente con una trayectoria no exenta de altibajos y cambios. Y a propósito de "El ritual de la banana", el tema que da nombre al álbum, uno de sus integrantes comento "La canción nació de casualidad, como jugando, y era tan informal, tan simple y con tan poca sustancia que, en un momento, pensamos en no grabarla y dejarla afuera del disco. Pero al final la incluimos y después explotó todo".

Un álbum de Reggae nacido bien al sur del continente americano, lejos de los fundadores del genero, pero que ha alcanzado llegar hasta aquí, con más 35 años después de su lanzamiento, Los Pericos estuvieron en Madrid para hacer una gira, por estos 35 años de carrera, estuvieron en el Teatro La Rivera donde han tocado todos sus éxitos, como gran parte de sus éxitos, estan en su primer álbum, y será por eso que hoy hemos recomendado este álbum para los que no estuvieron allí y puedan escucharlo, así que espero que les guste. 

Daniel

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El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos 

Vamos con otro de los álbumes de la banda Argentina Divididos, en especial porque este disco es uno de los discos con maypr influencia del floklore Argentino. 

Estamos hablando de su álbum Amapola del '66, que es el octavo álbum de estudio que ha sacado la banda de rock argentino Divididos, fue lanzado el 17 de marzo de 2010 por las discográficas La Calandria/DBN.

Divididos logra editar este álbum tras ocho años sin sacar un nuevo álbum, ya que el anterior había sido Vengo del placard de otro en 2002. 

Este álbum está compuesto por trece  canciones, muchos de los cuales ya habían sido presentados en los diferentes shows de la banda en el último tiempo como: "Hombre en U", "La Flor Azul" y "Todos". El álbum salió a la venta bajo el sello discográfico La Calandria que es un sello discográfico propio, también es el primero de los álbumes oficiales de Catriel Ciavarella el baterista de la banda. 

En un programa radial, la banda confirmó el lanzamiento ya anticipado de Amapola del '66 en versión de vinilo. El mismo cuenta con dos discos, con un orden de canciones distinto a la versión del CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker de "With a Little Help from My Friends" (la cual ya había sido ejecutada en varios conciertos en vivo) con invitados de lujo como Ciro Fogliata en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es "Pereta Voyeur" canción nueva, también ya ejecutada en recitales. El LP es edición limitada y pesa más de 160 gramos.

En 2015, Divididos lanzó una nueva edición de Amapola del '66, tratándose de la tercera edición de este álbum, que incluye, además de los trece temas originales, las canciones "Pereta voyeur", "With a Little Help from My Friends" (cover de The Beatles) y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película Infancia Clandestina, del director Benjamín Ávila. "Es como los alfajores, parecen iguales pero no lo son", dijo Mollo en la presentación del último volumen. Y cerró: "el que no compró el Amapola 1, ahora tiene el Amapola 3. Disculpen pero se fue dando así: fuimos creciendo a medida que fuimos creciendo nosotros también en edad porque ya tenemos unos años más."

En la presentación en vivo se ambientó con la hélice de un molino (similar al de la tapa del álbum) y se tocó junto a músicos folclóricos, ambientando también canciones de discos anteriores de forma más folclórica con diversos instrumentos del género.la banda toco dos noches en el mítico estadio Luna Park, en donde se grabaron su primer y hasta ahora único DVD en vivo, Audio y agua.

Daniel 

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Disco de la semana 267: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

El disco de la semana 0261: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

Vamos con la recomendación de esta semana, vamos con una banda Argentina que tiene un estilo muy particular, no sólo su Rock and roll, sino una fusión de estilos latinos como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, el folklore y el candombe. 

Estamos hablando de Bersuit Vergarabat y vamos con su álbum doble que es la expresión del sentir nacional (Argentino). 

La Argentinidad al Palo es un disco doble editado en abril de 2004, con la producción de Gustavo Santaolalla y las canciones del álbum tienen letras de protesta social tras la crisis del 2001 en Argentina. 

Si hablamos de su difusión La Argentinidad al Palo fue un disco doble que salió a la calle en dos etapas. El primero en salir fue La argentinidad al palo (se es), mientras que el segundo, con un mes de diferencia en su salida a la venta, y se llamó La argentinidad al palo (lo que se es). Posteriormente saldría una edición que contendría los dos álbumes.

Pero vamos a la esencia del álbum donde el humor y la crítica están en primera persona. La argentinidad al palo, título que revelaría, a priori, algún tipo de exacerbación de lo nacional. O una versión devaluada y deformada de aquel frustrado Argentina potencia. 

La canción que da título al álbum una primera parte de un álbum doble que tiene como subtítulo Se es y una segunda parte que se llamará Lo que se es. 

Por ello las letras mezclan, como en un cambalache, toda la esencia como hemos dicho del sentir nacional, el dulce de leche, el Che, Cavallo (ex ministro de economía), el río más ancho del mundo, Favaloro (cardiologo argentino), la birome y la propia banda donde todos embarrados en la misma argentinidad. 

Pero esta lectura crítica del ser nacional adquiere otra simbología cuando La argentinidad al palo pasa a ser el título de este álbum. La banda del Pelado Cordera (su vocalista) casi siempre coqueteó con lo político desde siempre para denunciar el accionar de los políticos. 

La Argentinidad al Palo con mensajes políticos y bajo la visión artística de Gustavo Santaolalla, la Bersuit Vergarabat refuerza los ingredientes de un cóctel que más se ajustan a estos tiempos compromiso con el cambio contante de la banda, pero desde un pesimismo esencial, un vamos que tú puedes, a pesar de que eres un desastre igual que yo, el sentir de se es o lo que se es. 

El álbum fue muy bien sembrado en la Argentina, pero con expectativas de cosecha en el resto de Latinoamérica, fundamentalmente en México, y tuvo un éxito inimaginable, temas como El baile de la gambeta apuntan en esa dirección. Un poco de color local y otro poco de guiño genérico al rebelde estándar del sur del Río Grande hacia acá. Inclusive, esa alusión a la argentinidad peca de etnocentrismo, en tanto proyecta a nivel de conciencia nacional rasgos que cuadran más específicamente en el arquetipo del farabute porteño. 

El álbum tiene, como casi todos los álbumes de la Bersuit, notables hallazgos de humor y algunas dosis de mal gusto. 

Como es el humor áspero y cínico, de perdedores a los que les está yendo bien sin saber por qué. Habrá quienes se enganchen con el pegadizo Va por Chapultepec. En varios temas, lo que prevalece es una sensación de extrañar y de pérdida, como si los autores de las canciones quisieran manifestar su situación equívoca respecto del mundo. 

Así transcurre este álbum, siguiendo el andar ciclotímico de la banda, descubriendo sus fisuras anímicas y sus contradicciones porteñas. 

Los versos finales de la canción principal  del disco acaso ilustren lo que le pasa al país y lo que, en escala menor, les ocurre a ellos: Del éxtasis a la agonía/ oscila nuestro historial./ Podemos ser lo mejor/ o también lo peor, con la misma facilidad.

Un álbum realmente completo que muestra toda la fascinación por los estilos musicales y los mensajes de protesta.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Vamos con una banda Argentina que fue fundada por Miguel Abuelo, cuyo nombre real es Miguel Ángel Peralta, y este un icono del rock argentino.

Quién en la década de los sesenta fue el fundador de la banda Los Abuelos de la Nada, pero esta primera etapa del grupo no tendrá existo, pero tendra una segunda oportunidad en los años ochenta, donde editaron sus mejores álbumes. 

La banda debutaria con el álbum Los Abuelos de la Nada que es el álbum debut de la banda argentina de rock Los Abuelos de la nada, y este fue publicado en 1982.

Luego de grabar algunas demos en 1981, se vio interesado Charly García quien decide producir a la banda. Así es como ingresan a los Estudios Panda en junio de 1982 para grabar un álbum que los presentaría en sociedad como una banda alegre, capaz de fusionar rock con pop y reggae.

La presentación del disco se lleva a cabo en de octubre de 1982 en el Teatro Coliseo. El sencillo de difusión Sin Gamulán compuesto por Andrés Calamaro, sería el éxito que impulsaría las primeras ventas de la banda.

Con este primer disco la banda resurge, y con esto un año más tarde deciden editar un nuevo álbum. 

Vasos y Besos es el segundo álbum de estudio de la banda argentina Los Abuelos de la Nada, publicado en 1983.

Ha sido posicionado en el puesto 199 en la lista de los 250 álbumes esenciales del rock iberoamericano de la revista norteamericana al borde y en el puesto 29 de los 100 mejores discos de rock argentino de la revista Rolling Stone.

La canción Mil horas incluida en el álbum logró el puesto 14° de Los 100 hits del rock argentino por Rolling Stone en 2002, el puesto 77° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,​ y el puesto 38° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La popularidad en ascenso de la banda logra por tercer año consecutivo edite su tercer álbum. 

Este Himno de mi corazón es el tercer álbum de estudio de la banda de Rock Los Abuelos de la Nada, publicado en septiembre de 1984.

La canción Himno de mi corazón que dio nombre al álbum se convirtió en una de las más emblemáticas de todo el rock en español: logró el puesto 50° en el ranking de las 100 mejores canciones del rock argentino por la Rolling Stone Argentina y MTV en 2002, puesto 13° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,1​ y puesto 213° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

Podemos decir que Cosas mías es su cuarto álbum de estudio y último álbum perteneciente al grupo de rock argentino Los Abuelos de la Nada editado en el año 1986. Sería el último trabajo discográfico de la banda y también el de su líder Miguel Abuelo.

Pero la decisión de que este sea su último álbum se debe a que su líder Miguel Abuelo, contragiera el virus del HIV.

Miguel Abuelo tenían arreglada una actuación en el Velódromo Municipal de Buenos Aires, la cual fue suspendida repentinamente por una altísima fiebre que había sufrido Miguel Abuelo. Rumores hablaban de que se encontraba infectado con el Virus de Inmunodeficiencia Humano (VIH). Ese mismo día se retiró definitivamente de la música, viviendo lo que eran sus últimos días de vida.

El 26 de marzo de 1988, Miguel Abuelo falleció en la Clínica Independencia de Munro (provincia de Buenos Aires) sólo cinco días después de cumplir cuarenta y dos años de edad. 

Pero como hemos dicho sus primeros singles no fueron del todos un éxito, y tuvieron que pasar muchos años para que logren el éxito. 

Oye niño / ¿Nunca te miró una vaca de frente? (1968)

Diana Divaga / Tema en Flu sobre el Planeta (1968)

La Estación (1969)

Una banda que se podría decir que sus tropiezos fueron al comienzo de su carrera y tuvieron una segunda oportunidad, y un tropiezo del destino por la muerte de su líder. 

Daniel
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Disco de la semana 262: Girando - Los Ratones Paranoicos

Disco de la semana 258: Girando - Los Ratones Paranoicos 

Hoy les propongo una banda que lleva el estilo de las grandes bandas de rock, donde destaca el sonido del rock pasional, ortodoxo e indestructible, proponemos Girando álbum de la banda Argentina Los Ratones Paranoicos.

Y me refiero al sentir de, darle al play y escuchar cualquiera de los álbumes de bandas inglesas y norteamericanas que, periódicamente aparecen como salvadoras del rock, pero en cambio estamos hablando de Los Ratones Paranoicos que basta con un riff tan contundente como el de la canción Sigue girando, los críticos se desharía en elogios antes de llegar al segundo estribillo. 

Los Ratones Paranoicos nos sorprende, es porque estas estrellas del rock, quienes vienen de tierras Argentinas nos tienen malacostumbrados: después de tantos temas indestructibles, tantos shows incandescentes y tanto tiempo encarnando el espíritu vivo del rock & roll. 

Girando es el décimo álbum de estudio de la banda de rock argentina Los Ratones Paranoicos, y fue editado en 2003. Lo dicho 10 álbumes han pasado y la esencia del rock intacta. 

El sonido del grupo sigue teniendo esa cosa salvaje que hasta los Rolling Stones parecen ya haber perdido. Producidos con inteligencia por Toth y Guyot, los Ratones mantienen la llama encendida. Juanse su líder es un rock & roll animal , pero también tiene el corazón en su lugar y –esto es indudable– una vocación muy clara, casi de cruzado: “Ya no puedo dejar mi banda de rock& roll”, canta por ahí, como para que quede claro que esto es un monstruo de cuatro cabezas, donde sus integrantes, el Zorrito Von Quintiero ya logró la difícil tarea de reemplazar a Pablo Memi. Los temas rockeros siguen marcando los puntos más altos del disco, el principio, con “Girando”, “No me importa tu dinero” y ‘Cristal” es impactante, pero las baladas aportan un toque sensible que equilibra el ya clásico frenesí paranoico.

Alguna vez, hace unos diez años, don Andrés Calamaro comentaba, ante un auditorio escéptico, que había que ver qué temas podía llegar a componer si esa respuesta la tennis hoy con un Juanse una década más tarde. Es el tiempo, que no espera nadie, pero que a veces está de nuestro lado, y ese tiempo le ha dado razón, hoy, los chicos ya son hombres grandes. Y ya no tienen temitas de relleno, sino que sorprenden con reflexiones místicas como en “Simpatía”, o con un bello instrumental como “Exsitar”, con el que cierran un disco que pide el repeat automático. Sigue girando.

Daniel 

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La música en historias: Pescado Rabioso y la censura argentina

 

Me gusta este tajo, Pescado rabioso

     1971 es el año que ve nacer en Argentina a la banda de blues rock y hard rock Pescado Rabioso. La banda estaba integrada por el mítico Luis Alberto Spinetta (voz y guitarra), Black Amaya (batería) y Osvaldo "Bocón" Frascino (bajo).

En 1972 el trío compone la que se convertirá en una de las canciones memorables de la banda argentina, Me gusta este tajo. La canción fue compuesta por Spinetta, Amaya y Frascino, y lanzada por el sello discográfico Microfón como sencillo ocupando la cara A, y siendo acompañada en la cara B por Credulidad.

Me gusta este tajo es un blues con una pegadiza melodía, y contiene unos magníficos solos tanto de guitarra como de piano. En cuanto a la letra del tema, está repleta de fuertes y directas connotaciones sexuales. La palabra "Tajo" se utiliza en argot argentino para referirse a la vagina, y dicha expresión fue propuesta por Black Amaya, después Spinetta trabajó en la letra de la canción y Bocón y Amaya en la música del tema. La letra nos habla de las relaciones sexuales libres, sin ningún tipo de connotación amorosa. 

La canción tuvo que convivir con la dictadura militar argentina, lo que hizo que el tema tuviera serios problemas con la censura en el país, quedando fuera del repertorio del primer álbum de estuio de la banda, Desatormentándonos. El tema fue compuesto durante el segundo trimestre de 1972, y el disco fue pulbicado en septembre de 1972. Posteriormente, el tema en cuestión fue incluido durante la ultima dictadura militar argentina (1976-1983) en la lista de temas censurados por la COMFER (Comité Federal de Radiodifusión). No ayudó tampoco mucho el hecho de que además de las connotaciones sexuales del tema se usara la palabra "mierda", una palaba inusual que ayudaba a reforzar el lenguaje transgresor y agresivo del tema y que se vinculaba a la libertad sexual y la rebeldía social.

Finalizada la dictadura, y recuperada la democracia, el tema fue agregado como bonus track en la reedición del disco Desatormentándonos de 1985. 

Me gusta ese Tajo

Que ayer conocí

Me gusta ese Tajo

Que ayer conocí

Ella me calienta

La quiero invitar a dormir

Me gusta ese tajo

Que ayer conocí

Me gusta ese tajo

Que ayer conocí

Ella me calienta

La quiero invitar a dormir

Con sus lindas piernas

Ella me hace pensar

Debo destruir la mierda

De mi gran ciudad

Me gusta ese tajo

Que ayer conocí

Ella me calienta

La quiero invitar a dormir

El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema

El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema

Hola!, esta semana volvemos con un disco Argentino de una banda que vio la luz principio de la década de los '90, esta banda se llama Los caballeros de la quema una banda de rock alternativo, que tras publicar 4 álbumes, su 5to. álbum de estudio editado en 1998, La paciencia de la araña llego para alcanzar su pico de popularidad.

Este nuevo disco de la banda obtendrá gran popularidad con el corte "Avanti Morocha", tema que se instalara en radios y televisores, pero este disco tendrá muchos más temas tan fuertes como "Rajá Rata" y "Malvenido" que abren la placa de manera potente, con arreglos de vientos que lo acercan al reggae y a estilos que no eran frecuentes para la banda.

Estos temas fueron los primeros cortes del disco, que si bien tuvo su momento, pasó totalmente desapercibido después de que "Avanti Morocha" y "Oxidado" salieran a la calle como segundo y tercer corte respectivamente para la promo del disco. La siguiente canción del álbum es "Todos atrás y Dios de 9", una de las mejores del disco, con la poesía futbolera de Iván Noble su vocalista, en su máxima expresión que nunca falla y que tanto nos cautiva.

"Oxidado", otro de los hits y otra canción de amor de esas que a Noble le salen tan bien en su etapa de Caballeros, y también en la solista, claro. Un rock simple, pero que abrió puertas y portones. "Mas de lo menos", es en lado B del disco esta el costado crudo de la banda, ese que otros discos como Manos vacías y Sangrando nos dieron a conocer.

La segunda parte tiene una trilogía que marca el mejor momento del disco de La Paciencia de la araña, "De mala muerte", una balada para poner en un marco y escucharla con una buena bebida en la mano; y otros temas que notan popularidad son "Huelga de princesas", y "Me voy yendo", un reggae perfectamente ejecutado y que renovó credenciales luego de "No chamulles" (del disco Perros, Perros y Perros).

Once son las canciones de este disco: la 10 es "Avanti morocha", de la cual no vale la pena hablar mucho, la número 9 es "Cerrá bien cuando te vayas", otra de las letras furiosas que nacieron de un momento de ira de la pareja. La banda tocando al palo y mostrando que no se dejaron de lado las raíces. El último apela a lo emotivo "Madres", y es el homenaje a las Madres de Plaza de mayo, dando un cierre a una placa que vale la pena repasar todo el tiempo.

La Paciencia de la Araña representa un pico creativo de una de las bandas insignia de los ‘90, una de las tantas que se perdieron y que nos privaron de muchos buenos discos, gracias a lucha de egos o a la razón que sea. Iván Noble estaba en un momento único, lo que siguió fue Fulanos de Nadie, otro material repleto de buenas canciones, pero que marcaron el adiós de la banda, Caballeros de la quema una banda de rock con un estilo único que ha marcado un estilo en la música argentina.

Daniel 

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