Mostrando entradas con la etiqueta Argentina. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Argentina. Mostrar todas las entradas

domingo, 12 de noviembre de 2023

Charly García - Piano Bar (Mes Charly García)

Piano bar, Charly García


     Piano Bar es un álbum icónico en la carrera del músico argentino Charly García, uno de los músicos más influyentes en la historia del rock en español. Con este disco, Charly marcó un punto de inflexión en su carrera y en la música latina en general. Es su tercer álbum de estudio en solitario, grabado en los estudios ION de Buenos Aires y mezclado en los Lady Studios de Nueva York durante 1984. Contó con la producción de Joe Blaney y de Charly García, y fue publicado el 22 de septiembre de 1984 por el sello discográfico Universal Music Group. La revista Rolling Stone llegó a colocar este disco en el puesto número 12 de su lista de los mejores discos del rock argentino, lo que nos da una idea de su impacto.

En 1984, Charly García ya se había forjado una solida carrera como músico y compositor, tanto en solitario como en bandas como Sui Generis y Serú Girán. En Piano Bar apostó por un enfoque más introspectivo y maduro, hecho que marcó un cambio en su estilo musical, alejándose del rock más convencional y acercándose a sonidos más experimentales y unas letras más poéticas. 


Estamos ante un disco que se mueve entre el pop rock y el new wave, y que tiene además una marcada influencia de la música clásica con el piano como protagonista principal del álbum, ya que se convierte en el eje principal en muchas de las canciones. Charly, a través del piano nos hará disfrutar de un disco donde fusiona elementos del rock, con el new wave, la música clásica o el jazz, creando un sonido único y distintivo. La letras también son muy destacables, pues el artista decidió explorar temas tan profundos como la soledad, la alienación o la nostalgia. Eso sí, estas letras a menudo son enigmáticas y poéticas, lo que dejará espacio a que hagamos nuestras propias interpretaciones. Estamos ante un estilo lírico que consiguió atraer a una audiencia más madura y crítica.


Todo esto podremos disfrutarlo en temas como Demoliendo hoteles, compuesta e interpretada enteramente por Charly García. Una canción que fue catalogada por la revista Rolling Stone y la MTV en el puesto número 16 de las mejores canciones de la historia del rock argentino. Charly escribió la canción dentro del marco político de la caída de la dictadura militar en Argentina (1976 - 1983). La democracia se había instalado el 10 de diciembre de 193 bajo la presidencia de Raul Alfonsín, pero dicha presidencia parecía débil y amenazada por las injusticias militares y sociales exacerbadas durante la dictadura. Sobre esta situación y escenario político en su país, escribió la canción Charly; Promesas sobre el bidet, otra de las canciones más destacadas de la obra de Charly. El músico se dirige a otra persona pidiéndole que "por favor, no haga promesas sobre el bidet", que "no le abra más los sobres y que no beba más y que no llore". Charly comentaba en una entrevista como se originó la letra de la canción. En aquel momento estaba viviendo las secuelas del famoso escándalo que protagonizó durante un recital en Córdoba (Argentina), al haberse bajado los pantalones y mostrar sus genitales, por lo que tenía abierto un proceso judicial. Cuando se realizó la entrevista, para el reportaje había que sacar unas fotos, y Charly decidió quitarse la ropa y realizar toda la sesión fotográfica desnudo. Al llegar a la redacción, el director y propietario de la editorial de la revista, decidió publicar una de las fotos, en la que Charly estaba desnudo sentado en el inodoro. El músico posteriormente se arrepintió e intentó frenar la publicación, fruto de su preocupación de como podía afectar esto a su procedimiento judicial ya abierto. No consiguió frenar su publicación. Charly escribió esta canción partiendo de esta anécdota; No se va a llamar mi amor, canción que se caracteriza por el inicio con una guitarra acústica saturada que da paso a un grito de Charly. El músico escribió la canción en el momento que caía la
última dictadura militar en Argentina (1076 - 1983).
Luis Alberto Spinetta y Charly García


A esta situación se refiere la letra de la canción. La canción inicialmente se iba a llamar "Mi amor", pero en esa época la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (Sadaic) no permitía que existieran dos canciones con el mismo título, por lo que finalmente se llamó "No se va a llamar mi amor"; o Total interferencia, escrita por Charly García junto a otro de los grandes referentes de la música argentina, Luis Alberto Spinetta. En el verano de 1984 Charly alquiló una propiedad en Buenos Aires por la que pasaron numerosos artistas a visitarlo. Uno de ellos fue Spinetta, con quien Charly mantenía una gran relación desde 1980, cuando ambos compartieron escenario con sus respectivas bandas, Spinetta con Jade y Charly con Serú Girán. Durante aquellas visitas, Charly propuso a Spinetta escribir una canción juntos, y se sentó al piano mientras Spinetta producía y dictaba los acordes del tema. Fue curioso aquello, pues Spimetta sugería la estructura y las partes, y eso era raro, pues Charly no se solía dejar dirigir por nadie. El resultado fue este brillante tema, el primero acreditado a esta gran dupla. 

La influencia de Piano Bar en la música latina y en la carrera de Charly es innegable. Se ha convertido por derecho propio en un clásico y ha sido citado como inspiración por numerosos artistas a lo largo de los años. La experimentación lírica y musical de Charly en este trabajo se convirtió en un referente para las futuras generaciones de músicos. Está claro que marcó un antes y un después en la música en español. Su mezcla de rock con música clásica, y sus poéticas y complejas letras lo convierten en una joya en la discografía del músico argentino.






viernes, 7 de abril de 2023

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

Amigos del rock, como cada vienes ponemos a vuestra disposición una recomendación de un disco, en este caso les traemos una banda Argentina, que salto a la fama en la década de los noventa. Estamos hablado de la banda La Portuaria, que es una banda con un sonido fusión, que incorporó ritmos hispanos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Un sonido alternativo que la banda supo muy bien explotar, y toda esa fuerza queda reflajada en su tercer álbum Devorador de corazones

Este álbum Devorador de corazones es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, que editado en 1993. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible, gracias al impulso dado por la canción "Selva" su corte de difusión del álbum, que obtuvo un Disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento.

La banda antes de lanzar Devorador de corazones había lanzado Rosas Rojas de 1989 y Escenas de la vida amorosa, en 1993 y como contamos llegaría el gran suceso para La Portuaria con el lanzamiento del álbum Devorador de Corazones. Su corte de difusión “Selva” fue, el mayor hit de la banda. Y dentro de la movida conocida como World Beat, la banda de Diego Frenkel, líder de la banda desarrollaba una fusión entre lo latino con el jazz, dando una interesante mezcla. Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como “Nada es Igual”, la hermosa "En la punta de un cabo", una interesante versión de "Zamba de mi esperanza" o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El álbum aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con “Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

Una banda por descubrir que esperamos que te guste.

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 14 de octubre de 2022

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

OK! Amigos esta semena vamos con un cantautor argentino, y con unos de sus álbumes que se titula, Por favor, perdón y gracias este es el decimotercer álbum de estudio del cantautor argentino León Gieco.
Y fue publicado en el año 2005 por el sello EMI y producido por León Gieco y Luis Gurevich
El álbum cuenta con invitados como Jimmy Johnson, Gustavo Santaolalla, Rubén Albarrán, David Kemper, Gustavo Cordera, Dean Parks, Andrés Ciro Martínez, Daniel Melingo, entre otros.

Este disco fue lanzado tras cuatro años después de Bandidos rurales y es, probablemente, el álbum más polémico de León Gieco, en donde critica al sistema y la tragedia donde en una sala de conciertos en Buenos Aires llamada Cromañón murieron más de un centenar de jóvenes. 
Tras estos problemas, el artista tuvo que enfrentar demandas judiciales por la polémica canción Un minuto sobre la tragedia de Cromañón, esta cancion tuvo que ser retirado del álbum a partir de su segunda edición, tras las quejas de los familiares de las víctimas, pero no sólo la canción Un Minuto trajo polémica al artista, sino Santa Tejerina, sobre el caso de Romina Tejerina, una joven que mató a su hijo recién nacido al ser fruto de una violación y habérsele denegado el aborto, por ello de lo polémico del álbum. 

Pero nada termina ahí, Leon Gieco apuesta fuerte desde la primera canción del álbum titulada Yo soy Juan hace referencia a la historia de Juan Cabandié Alfonsín, nieto recuperado n.° 77 por las Abuelas de Plaza de Mayo en 2003. La canción menciona su nacimiento en el ex Centro Clandestino de Detención ex ESMA, donde funcionaba una maternidad clandestina durante última dictadura militar en la Argentina.

El álbum también incluye el clásico tema El ángel de la bicicleta, que cuenta la historia de Claudio "Pocho" Leprati, quien fue asesinado por la policía de la ciudad de Rosario durante la crisis y protestas de diciembre de 2001 por evitar que la policía baleara un comedor infantil de un barrio pobre.

Pero lo cierto es que tras estas historias, León Gieco ha puesto a la luz algo que saben hacer muy bien los cantautores, que es dar vida etarnas a la historia, y León Gieco sabe muy bien hacer eso. 

Por favor, perdón y gracias, reúne a otros artistas que lo acompañan, y logran transformar sonidos como el flockore, la murga y el tanto, sonidos tran presentes en la cultura popular Argentina que son mezclados con el rock, el hard Rock y el folk rock, una verdadera muestra de fusión de estilos, se pueden escuchar en este álbum. 

Ya lo hemos dicho, muchas veces, el rock argentino nació como una manera de crítica a una sociedad, y en este álbum no ha perdido la esencia de las décadas 70s y 80s de levantar la voz. Y con esa voz levantada León Gieco nos cuenta la historia en sus canciones. Así que los ánimo a escuchar esas historias. 

Daniel 
Instagram storyboy 


jueves, 29 de septiembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos Soda Stereo

Éxitos y tropiezos Soda Stereo  

Todos sabemos del éxito de Soda Stereo y para quienes no lo han vivido. Soda Stereo fue una banda argentina de rock alternativo formada en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cerati su líder y guitarrista, Zeta Bosio en bajos y Charly Alberti en batería.

Es considerada por la crítica especializada como la banda de rock más importante, popular e influyente en español de todos los tiempos y una leyenda de la música latinoamericana.

Y esto lo demuestra sus logros, fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en Latinoamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock latinoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en Latinoamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música divertida de sus inicios, la new wave, el dark wave, el hard rock, el rock alternativo y el rock electrónico de sus finales.

Dentro de sus éxitos más sonados, esta su segundo álbum de estudio Nada Personal, que contiene una de las 500 mejores canciones del rock iberoamericano por la crítica Al Borde en 2006, que premió la canción Cuando pase el temblor con el puesto 84°, como así también esta dentro de las 100 mejores canciones del rock argentino por Rock.com.ar en 2007 premió la canción con el 74°. 

El video de Cuando pase el temblor fue nominado finalista del 12.º "World Festival of Video and TV" en Acapulco.

Otro gran éxito es su tercer álbum de estudio Signos, que es considerado por la mayoría de los críticos como el segundo mejor álbum de la banda, después de Canción animal, de 1990. En este álbum se destacan canciones como: Signos, Prófugos, El rito y Persiana americana.

Ya establecidos como un grupo de alcance internacional, la Gira Signos que promocionó el disco visitó Argentina, Paraguay, Bolivia, Ecuador, Colombia, Costa Rica, México, Venezuela, Chile y Perú.
Signos es destacado en la historia de la industria discográfica argentina: en 1987 se convirtió en el primer álbum de un artista argentino en ser lanzado en formato de CD. 

Canción animal es el quinto álbum de estudio, y es considerado como el mejor álbum de la banda en toda su carrera, y dejó una huella no solo en el rock argentino sino en todo el continente. Es considerado como uno de los discos más importantes y emblemáticos en la historia del rock en español, apareciendo entre los primeros puestos en múltiples listados de los mejores álbumes del rock en español de todos los tiempos.

El álbum posee un sonido roquero, más duro y sanguíneo que el de los anteriores de la banda, e instrumentalmente cuenta con gran protagonismo de la guitarra eléctrica en riffs y solos. Para hacer Canción animal, la banda se inspiró fundamentalmente en el sonido de las bandas de rock argentinas de los años setenta que habían escuchado durante su adolescencia, como Pescado Rabioso, Vox Dei, Color Humano y Aquelarre. Este cambio de sonido en Soda Stereo pronto influiría en la evolución que tomaría el rock en todo el continente.

Pero todos estos éxitos y muchos más que cosechó Soda Stereo, no evitaron que la banda se separace. 

Todos nos pregúntanos ¿Por qué se separó una de las bandas más importantes del rock en español?

Todavía retumba en los fanáticos de Soda Stereo, las palabras de Gustavo Cerati “¡Gracias… totales!”, que estuvieron acompañadas de un riff de guitarra. Ese momento quedó inmortalizado en el álbum en vivo ‘Último concierto’. Con el paso de los años, sigue la pregunta: ¿por qué se separó la banda más grande de Latinoamérica? 

Muchas cosas se especularon en su momento, se pensó en la agonía que provocó el álbum ‘Dynamo’ y su gira para promocionar la producción de 1993. La relación entre Gustavo, Zeta y Charly era inestable, se señaló que, tras una gira en Chile, Paraguay, Venezuela y México, Gustavo Cerati abandonó la agrupación y se fue con su pareja, Cecilia Amenábar, a disfrutar la espera de su hijo, por lo que dejó inconclusos conciertos en Estados Unidos y España

La decisión de abandonar la gira aumentó los problemas entre los integrantes de la agrupación, y a partir de ahí salieron a la luz varios reclamos como que Gustavo ganaba más dinero. Más tarde Gustavo respondería. 

“Zeta decía que el grupo debía firmar todas las canciones. Eso me parecía válido, siempre y cuando el esfuerzo fuera compartido, pero cuando soy yo el que está haciendo prácticamente todo, no me parece justo”, expresó Gustavo Cerati a la revista Rolling Stone. 

Así llegó a su fin el ‘sueño’ de Soda Stereo, tras diversos reclamos y declaraciones de los integrantes, Soda Stereo se tomó una pausa durante año y medio. Sin embargo, una tragedia familiar los volvería a reunir, y es que el 4 de julio de 1994, Tobías, el hijo de tres años de Zeta, fue hospitalizado de emergencia. Charly y Gustavo acudieron a apoyar al bajista. 

A los pocos meses, se reunieron en una sala del estudio Supersónico para hablar si todavía podía continuar tocando juntos. Sin embargo, los primeros ensayos fueron catastróficos y tras varios días de intentarlo, lograron mantener una buena comunicación.

De acuerdo con Rolling Stone, en ese momento, cada integrante tenía sus proyectos personales. Gustavo Cerati ya había grabado ‘Amor Amarillo’ tras volverse un fiel seguidor de los ritmos electrónicos del acid house y ambient. Zeta era productor de grupos como Peligrosos Gorriones y Aguirre, mientras que Charly empezaba en los negocios.

Después de su exitoso ‘Sueño Stereo’ y la gira mundial que incluyó su presentación ‘Unplugged’, los integrantes siguieron con sus proyectos personales. Cerati volvió con la banda tras el lanzamiento de ‘Confort y música para volar’, pero nuevamente la banda emprendió una gira llena de altibajos y problemas. 

En las últimas etapas llegamos a ni hablarnos. Lo hacíamos sólo por medio de personas y para juntarnos a tocar”, recordó Zeta en una entrevista. 

A finales de 1996, Gustavo se reunió con Charly y Zeta para decirles que no estaba seguro del futuro de la banda y les pidió que descansaran por unos meses para ver cómo iban las cosas. Quedaron de verse en febrero para analizar la situación, pero Gustavo Cerati no apareció. 

En marzo, Zeta se enteraría de la disolución de Soda Stereo mediante una declaración a un periódico de Gustavo Cerati. El anuncio oficial de la banda se dio el primero de mayo de 1997. 
La etapa de Soda Stereo concluiría el 20 de septiembre de 1997 en el Estadio River. 

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 5 de agosto de 2022

Disco de la semana 287: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Disco de la semana 286: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Vamos con una banda de Reggae Argentina y pensar en Reggae en la Argentina es asociarlo directamente con Los Pericos, considerada la primera banda del género. Formada en 1986 por un grupo de amigos que, metidos en todo el movimiento iniciado en Jamaica con el gran Bob Marley, quisieron juntarse y expandir esa pasión por las latitudes argentinas.

Los Pericos grabaron su disco debut, editado en 1987 y lanzado un año después. Su primer álbum El Ritual de la Banana se convirtió rápidamente en un éxito de ventas, alcanzando el Triple Platino y dejando varios clásicos que aún perduran en el repertorio del grupo. Tiene un éxito inmediato la banda con 2 temas: “El Ritual de la Banana” y “Nada que perder”.

Otras de las canciones del álbum que se escucharon con gran éxito son "Welcome to Jamaica Reggae” se escucha en voz del Bahiano su ex-vocalista, luego las inconfundibles trompetas de inicio, dieran vida a esta muy buena producción. Grabado íntegramente en inglés muchas de las canciones del disco, promediando el álbum “El Ritual de la Banana”, es otra de las destacadas. Luego están temas como  “Halei Selassi” que se enfoca en las luchas de clases en África y “Movida Rastafari”.

Nada que Perder”, un clásico de la banda, cierra esta buena producción de una de las bandas pioneras del Reggae en el país y que supo cosechar éxitos en su extensa carrera.

Aquel éxito de Los Pericos, que también generó rechazos y críticas como suele ocurrir cada vez que un estilo nuevo gana notoriedad, El Ritual de la Banana” fue el primero de sus éxitos, y siguieron continuando después y continúa hasta el presente con una trayectoria no exenta de altibajos y cambios. Y a propósito de "El ritual de la banana", el tema que da nombre al álbum, uno de sus integrantes comento "La canción nació de casualidad, como jugando, y era tan informal, tan simple y con tan poca sustancia que, en un momento, pensamos en no grabarla y dejarla afuera del disco. Pero al final la incluimos y después explotó todo".

Un álbum de Reggae nacido bien al sur del continente americano, lejos de los fundadores del genero, pero que ha alcanzado llegar hasta aquí, con más 35 años después de su lanzamiento, Los Pericos estuvieron en Madrid para hacer una gira, por estos 35 años de carrera, estuvieron en el Teatro La Rivera donde han tocado todos sus éxitos, como gran parte de sus éxitos, estan en su primer álbum, y será por eso que hoy hemos recomendado este álbum para los que no estuvieron allí y puedan escucharlo, así que espero que les guste. 

Daniel
Intagram Storyboy

sábado, 28 de mayo de 2022

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos 

Vamos con otro de los álbumes de la banda Argentina Divididos, en especial porque este disco es uno de los discos con maypr influencia del floklore Argentino. 

Estamos hablando de su álbum Amapola del '66, que es el octavo álbum de estudio que ha sacado la banda de rock argentino Divididos, fue lanzado el 17 de marzo de 2010 por las discográficas La Calandria/DBN.
Divididos logra editar este álbum tras ocho años sin sacar un nuevo álbum, ya que el anterior había sido Vengo del placard de otro en 2002

Este álbum está compuesto por trece  canciones, muchos de los cuales ya habían sido presentados en los diferentes shows de la banda en el último tiempo como: "Hombre en U", "La Flor Azul" y "Todos". El álbum salió a la venta bajo el sello discográfico La Calandria que es un sello discográfico propio, también es el primero de los álbumes oficiales de Catriel Ciavarella el baterista de la banda. 

En un programa radial, la banda confirmó el lanzamiento ya anticipado de Amapola del '66 en versión de vinilo. El mismo cuenta con dos discos, con un orden de canciones distinto a la versión del CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker de "With a Little Help from My Friends" (la cual ya había sido ejecutada en varios conciertos en vivo) con invitados de lujo como Ciro Fogliata en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es "Pereta Voyeur" canción nueva, también ya ejecutada en recitales. El LP es edición limitada y pesa más de 160 gramos.

En 2015, Divididos lanzó una nueva edición de Amapola del '66, tratándose de la tercera edición de este álbum, que incluye, además de los trece temas originales, las canciones "Pereta voyeur", "With a Little Help from My Friends" (cover de The Beatles) y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película Infancia Clandestina, del director Benjamín Ávila. "Es como los alfajores, parecen iguales pero no lo son", dijo Mollo en la presentación del último volumen. Y cerró: "el que no compró el Amapola 1, ahora tiene el Amapola 3. Disculpen pero se fue dando así: fuimos creciendo a medida que fuimos creciendo nosotros también en edad porque ya tenemos unos años más."

En la presentación en vivo se ambientó con la hélice de un molino (similar al de la tapa del álbum) y se tocó junto a músicos folclóricos, ambientando también canciones de discos anteriores de forma más folclórica con diversos instrumentos del género.la banda toco dos noches en el mítico estadio Luna Park, en donde se grabaron su primer y hasta ahora único DVD en vivo, Audio y agua.

Daniel 
Instagram storyboy 


sábado, 19 de marzo de 2022

Disco de la semana 267: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat


El disco de la semana 0261: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

Vamos con la recomendación de esta semana, vamos con una banda Argentina que tiene un estilo muy particular, no sólo su Rock and roll, sino una fusión de estilos latinos como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, el folklore y el candombe. 

Estamos hablando de Bersuit Vergarabat y vamos con su álbum doble que es la expresión del sentir nacional (Argentino). 

La Argentinidad al Palo es un disco doble editado en abril de 2004, con la producción de Gustavo Santaolalla y las canciones del álbum tienen letras de protesta social tras la crisis del 2001 en Argentina. 

Si hablamos de su difusión La Argentinidad al Palo fue un disco doble que salió a la calle en dos etapas. El primero en salir fue La argentinidad al palo (se es), mientras que el segundo, con un mes de diferencia en su salida a la venta, y se llamó La argentinidad al palo (lo que se es). Posteriormente saldría una edición que contendría los dos álbumes.

Pero vamos a la esencia del álbum donde el humor y la crítica están en primera persona. La argentinidad al palo, título que revelaría, a priori, algún tipo de exacerbación de lo nacional. O una versión devaluada y deformada de aquel frustrado Argentina potencia

La canción que da título al álbum una primera parte de un álbum doble que tiene como subtítulo Se es y una segunda parte que se llamará Lo que se es. 
Por ello las letras mezclan, como en un cambalache, toda la esencia como hemos dicho del sentir nacional, el dulce de leche, el Che, Cavallo (ex ministro de economía), el río más ancho del mundo, Favaloro (cardiologo argentino), la birome y la propia banda donde todos embarrados en la misma argentinidad. 

Pero esta lectura crítica del ser nacional adquiere otra simbología cuando La argentinidad al palo pasa a ser el título de este álbum. La banda del Pelado Cordera (su vocalista) casi siempre coqueteó con lo político desde siempre para denunciar el accionar de los políticos. 

La Argentinidad al Palo con mensajes políticos y bajo la visión artística de Gustavo Santaolalla, la Bersuit Vergarabat refuerza los ingredientes de un cóctel que más se ajustan a estos tiempos compromiso con el cambio contante de la banda, pero desde un pesimismo esencial, un vamos que tú puedes, a pesar de que eres un desastre igual que yo, el sentir de se es o lo que se es

El álbum fue muy bien sembrado en la Argentina, pero con expectativas de cosecha en el resto de Latinoamérica, fundamentalmente en México, y tuvo un éxito inimaginable, temas como El baile de la gambeta apuntan en esa dirección. Un poco de color local y otro poco de guiño genérico al rebelde estándar del sur del Río Grande hacia acá. Inclusive, esa alusión a la argentinidad peca de etnocentrismo, en tanto proyecta a nivel de conciencia nacional rasgos que cuadran más específicamente en el arquetipo del farabute porteño. 

El álbum tiene, como casi todos los álbumes de la Bersuit, notables hallazgos de humor y algunas dosis de mal gusto. 

Como es el humor áspero y cínico, de perdedores a los que les está yendo bien sin saber por qué. Habrá quienes se enganchen con el pegadizo Va por Chapultepec. En varios temas, lo que prevalece es una sensación de extrañar y de pérdida, como si los autores de las canciones quisieran manifestar su situación equívoca respecto del mundo. 

Así transcurre este álbum, siguiendo el andar ciclotímico de la banda, descubriendo sus fisuras anímicas y sus contradicciones porteñas. 

Los versos finales de la canción principal  del disco acaso ilustren lo que le pasa al país y lo que, en escala menor, les ocurre a ellos: Del éxtasis a la agonía/ oscila nuestro historial./ Podemos ser lo mejor/ o también lo peor, con la misma facilidad.

Un álbum realmente completo que muestra toda la fascinación por los estilos musicales y los mensajes de protesta.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 1 de marzo de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Vamos con una banda Argentina que fue fundada por Miguel Abuelo, cuyo nombre real es Miguel Ángel Peralta, y este un icono del rock argentino.

Quién en la década de los sesenta fue el fundador de la banda Los Abuelos de la Nada, pero esta primera etapa del grupo no tendrá existo, pero tendra una segunda oportunidad en los años ochenta, donde editaron sus mejores álbumes. 

La banda debutaria con el álbum Los Abuelos de la Nada que es el álbum debut de la banda argentina de rock Los Abuelos de la nada, y este fue publicado en 1982.

Luego de grabar algunas demos en 1981, se vio interesado Charly García quien decide producir a la banda. Así es como ingresan a los Estudios Panda en junio de 1982 para grabar un álbum que los presentaría en sociedad como una banda alegre, capaz de fusionar rock con pop y reggae.

La presentación del disco se lleva a cabo en de octubre de 1982 en el Teatro Coliseo. El sencillo de difusión Sin Gamulán compuesto por Andrés Calamaro, sería el éxito que impulsaría las primeras ventas de la banda.

Con este primer disco la banda resurge, y con esto un año más tarde deciden editar un nuevo álbum. 

Vasos y Besos es el segundo álbum de estudio de la banda argentina Los Abuelos de la Nada, publicado en 1983.

Ha sido posicionado en el puesto 199 en la lista de los 250 álbumes esenciales del rock iberoamericano de la revista norteamericana al borde y en el puesto 29 de los 100 mejores discos de rock argentino de la revista Rolling Stone.

La canción Mil horas incluida en el álbum logró el puesto 14° de Los 100 hits del rock argentino por Rolling Stone en 2002, el puesto 77° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,​ y el puesto 38° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La popularidad en ascenso de la banda logra por tercer año consecutivo edite su tercer álbum. 

Este Himno de mi corazón es el tercer álbum de estudio de la banda de Rock Los Abuelos de la Nada, publicado en septiembre de 1984.

La canción Himno de mi corazón que dio nombre al álbum se convirtió en una de las más emblemáticas de todo el rock en español: logró el puesto 50° en el ranking de las 100 mejores canciones del rock argentino por la Rolling Stone Argentina y MTV en 2002, puesto 13° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,1​ y puesto 213° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

Podemos decir que Cosas mías es su cuarto álbum de estudio y último álbum perteneciente al grupo de rock argentino Los Abuelos de la Nada editado en el año 1986. Sería el último trabajo discográfico de la banda y también el de su líder Miguel Abuelo.

Pero la decisión de que este sea su último álbum se debe a que su líder Miguel Abuelo, contragiera el virus del HIV.

Miguel Abuelo tenían arreglada una actuación en el Velódromo Municipal de Buenos Aires, la cual fue suspendida repentinamente por una altísima fiebre que había sufrido Miguel Abuelo. Rumores hablaban de que se encontraba infectado con el Virus de Inmunodeficiencia Humano (VIH). Ese mismo día se retiró definitivamente de la música, viviendo lo que eran sus últimos días de vida.

El 26 de marzo de 1988, Miguel Abuelo falleció en la Clínica Independencia de Munro (provincia de Buenos Aires) sólo cinco días después de cumplir cuarenta y dos años de edad. 

Pero como hemos dicho sus primeros singles no fueron del todos un éxito, y tuvieron que pasar muchos años para que logren el éxito. 

Oye niño / ¿Nunca te miró una vaca de frente? (1968)

Diana Divaga / Tema en Flu sobre el Planeta (1968)

La Estación (1969)

Una banda que se podría decir que sus tropiezos fueron al comienzo de su carrera y tuvieron una segunda oportunidad, y un tropiezo del destino por la muerte de su líder. 

Daniel
Instagram storyboy

sábado, 12 de febrero de 2022

Disco de la semana 262: Girando - Los Ratones Paranoicos

Disco de la semana 258: Girando - Los Ratones Paranoicos 

Hoy les propongo una banda que lleva el estilo de las grandes bandas de rock, donde destaca el sonido del rock pasional, ortodoxo e indestructible, proponemos Girando álbum de la banda Argentina Los Ratones Paranoicos.

Y me refiero al sentir de, darle al play y escuchar cualquiera de los álbumes de bandas inglesas y norteamericanas que, periódicamente aparecen como salvadoras del rock, pero en cambio estamos hablando de Los Ratones Paranoicos que basta con un riff tan contundente como el de la canción Sigue girando, los críticos se desharía en elogios antes de llegar al segundo estribillo. 

Los Ratones Paranoicos nos sorprende, es porque estas estrellas del rock, quienes vienen de tierras Argentinas nos tienen malacostumbrados: después de tantos temas indestructibles, tantos shows incandescentes y tanto tiempo encarnando el espíritu vivo del rock & roll. 

Girando es el décimo álbum de estudio de la banda de rock argentina Los Ratones Paranoicos, y fue editado en 2003. Lo dicho 10 álbumes han pasado y la esencia del rock intacta. 

El sonido del grupo sigue teniendo esa cosa salvaje que hasta los Rolling Stones parecen ya haber perdido. Producidos con inteligencia por Toth y Guyot, los Ratones mantienen la llama encendida. Juanse su líder es un rock & roll animal , pero también tiene el corazón en su lugar y –esto es indudable– una vocación muy clara, casi de cruzado: “Ya no puedo dejar mi banda de rock& roll”, canta por ahí, como para que quede claro que esto es un monstruo de cuatro cabezas, donde sus integrantes, el Zorrito Von Quintiero ya logró la difícil tarea de reemplazar a Pablo Memi. Los temas rockeros siguen marcando los puntos más altos del disco, el principio, con “Girando”, “No me importa tu dinero” y ‘Cristal” es impactante, pero las baladas aportan un toque sensible que equilibra el ya clásico frenesí paranoico.

Alguna vez, hace unos diez años, don Andrés Calamaro comentaba, ante un auditorio escéptico, que había que ver qué temas podía llegar a componer si esa respuesta la tennis hoy con un Juanse una década más tarde. Es el tiempo, que no espera nadie, pero que a veces está de nuestro lado, y ese tiempo le ha dado razón, hoy, los chicos ya son hombres grandes. Y ya no tienen temitas de relleno, sino que sorprenden con reflexiones místicas como en “Simpatía”, o con un bello instrumental como “Exsitar”, con el que cierran un disco que pide el repeat automático. Sigue girando.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 20 de abril de 2021

La música en historias: Pescado Rabioso y la censura argentina

 

Me gusta este tajo, Pescado rabioso


     1971 es el año que ve nacer en Argentina a la banda de blues rock y hard rock Pescado Rabioso. La banda estaba integrada por el mítico Luis Alberto Spinetta (voz y guitarra), Black Amaya (batería) y Osvaldo "Bocón" Frascino (bajo).

En 1972 el trío compone la que se convertirá en una de las canciones memorables de la banda argentina, Me gusta este tajo. La canción fue compuesta por Spinetta, Amaya y Frascino, y lanzada por el sello discográfico Microfón como sencillo ocupando la cara A, y siendo acompañada en la cara B por Credulidad.

Me gusta este tajo es un blues con una pegadiza melodía, y contiene unos magníficos solos tanto de guitarra como de piano. En cuanto a la letra del tema, está repleta de fuertes y directas connotaciones sexuales. La palabra "Tajo" se utiliza en argot argentino para referirse a la vagina, y dicha expresión fue propuesta por Black Amaya, después Spinetta trabajó en la letra de la canción y Bocón y Amaya en la música del tema. La letra nos habla de las relaciones sexuales libres, sin ningún tipo de connotación amorosa. 

La canción tuvo que convivir con la dictadura militar argentina, lo que hizo que el tema tuviera serios problemas con la censura en el país, quedando fuera del repertorio del primer álbum de estuio de la banda, Desatormentándonos. El tema fue compuesto durante el segundo trimestre de 1972, y el disco fue pulbicado en septembre de 1972. Posteriormente, el tema en cuestión fue incluido durante la ultima dictadura militar argentina (1976-1983) en la lista de temas censurados por la COMFER (Comité Federal de Radiodifusión). No ayudó tampoco mucho el hecho de que además de las connotaciones sexuales del tema se usara la palabra "mierda", una palaba inusual que ayudaba a reforzar el lenguaje transgresor y agresivo del tema y que se vinculaba a la libertad sexual y la rebeldía social.

Finalizada la dictadura, y recuperada la democracia, el tema fue agregado como bonus track en la reedición del disco Desatormentándonos de 1985. 

Me gusta ese Tajo
Que ayer conocí
Me gusta ese Tajo
Que ayer conocí
Ella me calienta
La quiero invitar a dormir
Me gusta ese tajo
Que ayer conocí
Me gusta ese tajo
Que ayer conocí
Ella me calienta
La quiero invitar a dormir
Con sus lindas piernas
Ella me hace pensar
Debo destruir la mierda
De mi gran ciudad
Me gusta ese tajo
Que ayer conocí
Ella me calienta
La quiero invitar a dormir

viernes, 9 de abril de 2021

El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema


El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema

Hola!, esta semana volvemos con un disco Argentino de una banda que vio la luz principio de la década de los '90, esta banda se llama Los caballeros de la quema una banda de rock alternativo, que tras publicar 4 álbumes, su 5to. álbum de estudio editado en 1998, La paciencia de la araña llego para alcanzar su pico de popularidad.

Este nuevo disco de la banda obtendrá gran popularidad con el corte "Avanti Morocha", tema que se instalara en radios y televisores, pero este disco tendrá muchos más temas tan fuertes como "Rajá Rata" y "Malvenido" que abren la placa de manera potente, con arreglos de vientos que lo acercan al reggae y a estilos que no eran frecuentes para la banda.

Estos temas fueron los primeros cortes del disco, que si bien tuvo su momento, pasó totalmente desapercibido después de que "Avanti Morocha""Oxidado" salieran a la calle como segundo y tercer corte respectivamente para la promo del disco. La siguiente canción del álbum es "Todos atrás y Dios de 9", una de las mejores del disco, con la poesía futbolera de Iván Noble su vocalista, en su máxima expresión que nunca falla y que tanto nos cautiva.

"Oxidado", otro de los hits y otra canción de amor de esas que a Noble le salen tan bien en su etapa de Caballeros, y también en la solista, claro. Un rock simple, pero que abrió puertas y portones. "Mas de lo menos", es en lado B del disco esta el costado crudo de la banda, ese que otros discos como Manos vacías y Sangrando nos dieron a conocer.

La segunda parte tiene una trilogía que marca el mejor momento del disco de La Paciencia de la araña, "De mala muerte", una balada para poner en un marco y escucharla con una buena bebida en la mano; y otros temas que notan popularidad son "Huelga de princesas", y "Me voy yendo", un reggae perfectamente ejecutado y que renovó credenciales luego de "No chamulles" (del disco Perros, Perros y Perros).

Once son las canciones de este disco: la 10 es "Avanti morocha", de la cual no vale la pena hablar mucho, la número 9 es "Cerrá bien cuando te vayas", otra de las letras furiosas que nacieron de un momento de ira de la pareja. La banda tocando al palo y mostrando que no se dejaron de lado las raíces. El último apela a lo emotivo "Madres", y es el homenaje a las Madres de Plaza de mayo, dando un cierre a una placa que vale la pena repasar todo el tiempo.

La Paciencia de la Araña representa un pico creativo de una de las bandas insignia de los ‘90, una de las tantas que se perdieron y que nos privaron de muchos buenos discos, gracias a lucha de egos o a la razón que sea. Iván Noble estaba en un momento único, lo que siguió fue Fulanos de Nadie, otro material repleto de buenas canciones, pero que marcaron el adiós de la banda, Caballeros de la quema una banda de rock con un estilo único que ha marcado un estilo en la música argentina.

Daniel 
Instagram Storyboy


viernes, 26 de febrero de 2021

El disco de la semana 214: Los Auténticos Decadentes - Hoy Trasnoche

El disco de la semana 214: Hoy Trasnoche - Los Auténticos Decadentes

Hoy Trasnoche es el sexto álbum de la banda argentina de ska, Los Auténticos Decadentes publicado el 14 de septiembre de 2000, podría poner como nota destacada, pero lo cierto es que sería muy injusto en decir o encasillar a Los Auténticos Decadentes en un solo género.

Y esto se demuestra en este, su sexto álbum que tiene 15 canciones que encierran 14 diferentes géneros, desde el Ska, se podría decir su originario sonido de la banda, más el Pop Rock, Pop, Hard Rock, Ska Punk, Jazz, Reggae y el mismísimo Rock, pero Los Auténticos Decadentes suman muchos más ritmos populares como la Murga, Bossa Nova, Cumbia, Guaracha, o sonidos aún menos convencionales como el Ragtime, que me han costado hasta encontrar, y sin pecar de creerme con un oído muy aguado o preciso no están ausentes la música Disco y las Baladas

Ahí están 14 diferentes géneros nos deleita esta banda, que acostumbrados a bandas de rock con 4 o 5 integrantes también se enorgullecen de ser 13 los integrantes, será que la diversidad de sus géneros les obligan a ser un verdadero ejército de músicos. Pero lo cierto es que esta banda fusiona en sus canciones muchos ritmos populares que le hacer única, logrando un alcance mayúsculo entre el público de todos los géneros. 

Hoy Trasnoche es un disco que me cuesta mucho catalogar en mi discografía personal, pero tiene todo lo que llevaría a un fiesta, por ello es la recomendación del disco la semana no podría faltar esta recomendación, con solo seguro de escuchar los tres cortes de promoción que tuvo el disco te enganchara para escucharlo, así que apunta "No puedo" que ocupa el número 2 en la lista de canciones del disco, y los temas "El dinero no es todo" y "Besándote", que son las canciones 6 y 7 respectivamente del disco. 

Así que amigos, no dejar de escuchar esta particular banda de Rock Argentina, que tiene un sonido propio, y tan particular, que sus seguidores podrían ser desde un viejo Heavy Metal como un amante de la cumbia colombiana, así que todo puede pasar. 

Daniel 
Instagram Storyboy

viernes, 15 de enero de 2021

El disco de la semana 208: Los Tipitos - Armando Camaleón


El disco de la semana 208: Los Tipitos - Armando Camaleón

Esta semana hemos sacado del arcón de los discos de rock que fueron en cierta forma revelaciones para su época, y el disco que resonaba en el año 2004, era un disco de la banda Los Tipitos, una banda de Rock Alternativo oriundos de la ciudad de Mar del Plata, provincia de Buenos Aires, Argentina.

Una banda de carrera que estaban en al escena del rock desde 1994, y hasta entonces había tenido muy buenas producciones, pero le faltaba a Los Tipitos un paso más para lograr el reconocimiento del publico. 

Luego de editar otros discos que llevaron menos repercusión, sale a la luz "Armando Camaleón", bajo la producción de Pablo Guyot, haberlo elegido a Pablo fue un gran acierto, él sabía cómo lograr que Los Tipitos transformaran sus canciones en verdaderos hits. Willy Piancioli y Raúl Ruffino integrantes de la banda, encontraran en la producción de Pablo la pieza que faltaba para que sus letras lleguen a los lugares desconocidos hasta el momento para Los Tipitos. La banda tenía diez años de vida y seis discos en la calle, y era el momento justo de madures para salir con "Armando Camaleón"

Recorramos cada una de las canciones del disco Armando Camaleón, donde encontraremos el primer corte del disco “Campanas en la noche” (que se convirtió con el tiempo el mayor hit del disco), “Brujería” (primer corte de difusión que eligió la banda) y “En el cielo” estas tres primeras canciones del disco conforman la apertura y presentación perfecta para que te enganche con el disco. Estribillos potentes que quedan grabados en la cabeza de quien los escucha, y estas melodías simples permiten que Los Tipitos popularicen rápidamente sus canciones. 

“Algo”
es una vieja canción de la banda, con otro coro pegadizo, que aparece entre “Sábados blancos”, “Silencio“ y “Por qué”, nuevamente la banda construye un bloque de canciones que pegan más en lo emocional bajando el ritmo, pero no por esa bajada de ritmo escatiman en calidad. La aparición de León Gieco en “Solo figuras”, una de esas canciones que se tocan frente al fogón que tan bien les salen a Los Tipitos, sigue marcando el crecimiento en intensidad del disco. No hay que olvidarse de “Mil intentos”,  y su frase “Tan cansado estoy de oírme y no quiero quedarme callado”.

El disco se despide con tres últimas canciones que son “Habla conmigo”, “Para entender” y “Camaleón”, logrando un excelente resumen de las otras nueve. 

Cada una de las distintas facetas de este disco demuestran la calidad de la producción que hace que sea único en la carrera de Los Tipitos, disco que fue presentado en el Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires, y les permitió fama y reconocimiento hasta el punto de editar su primer DVD de la banda (TipitoRex, 2006).

Los Tipitos una banda de carrera que llego a lo más alto de su carrera a través de este disco "Armando Camaleón". La banda no llegara a tener nuevamente ese pico de popularidad con los álbumes siguientes, pero lograron acceder a un lugar en la historia del Rock, por ello queremos recomendarte este disco para la que disfrutes. 

Daniel 
Instagram: Storyboy

viernes, 4 de diciembre de 2020

El disco de la semana 202: Riff - Ruedas de Metal

El disco de la semana 202: Ruedas de Metal - Riff

Vamos con la recomendación de esta semana, en particular quiero recomendar este disco, porque es parte importante del rock argentino, marca una época de descubrimientos en nuevos estilos y nuevas bandas de rock en Argentina. 

En 1980 se realizó el último recital de la banda Pappo's Blues que se conoció como “Adios Pappo’s Blues, Bienvenido Riff”. Y este evento marcará el punto de partida de una nueva banda de rock, a la cual la bautizarIan Riff. 

La historia cuenta que Riff se formaría luego de que el Pappo retornara de su travesía en Europa. Fue durante su viaje que tomó la influencia del New Wave of British Heavy Metal, es decir de bandas como Motörhead y Judas Priest, para armar su nuevo proyecto que se acercaba a un sonido más metalero y se alejaba del Blues.

Luego de esta experiencia por el viejo mundo la banda no tardaría en producir un nuevo álbum y en 1981 editarían Ruedas de Metal. Su portada con una estética similar a Motörhead pero con una moto en lugar de una imagen cadavérica o diabólica ya nos da las pautas de lo que vamos a encontrar. 
Pappo, como el motoquero que siempre fue, junto a su banda nos ofrece un sonido bien duro y potente, sin embargo nunca alcanza la intensidad y velocidad del Thrash que sí tenía la banda de Lemmy Kilmister. No, Riff es más bien una banda como AC/DC, ubicada sin problemas entre el Hard Rock y el Heavy Metal. De hecho comparten ciertas similitudes, mientras que AC/DC se apoya en los riff ultra poderosos de Angus Young, Riff se apalanca en las cualidades de Pappo. Y cuando alguno se atreve a criticar a AC/DC argumentando que “sus canciones son todas iguales”, a Riff también se le puede reprochar la misma característica.

Toda esta experiencia que tiene Pappo con Riff se demuestra en la estética que pone la banda en su primer disco Ruedas de Metal lo primero que quiero remarcar es que su hard rock es terriblemente reiterativo. ¿Cuantas bandas de los setenta hicieron un disco como este? Montones. Sin embargo, también quiero decir que su hard rock genérico es irresistiblemente entretenido, aplastante e impecable. Ninguna canción de Ruedas de Metal tiene desperdicio, todas tienen un nivel que van de muy bueno a excelente. Resaltándose algunas por alguna cualidad en particular, como el riff arrollador de la homónima “Ruedas de Metal”, el tremendo solo de guitarra de “El Marques Bajo La Luz” y la potencia impactante de “Alas del Mal”. El resto de sus temas son también remarcables, pero diluyen sus virtudes en sus semejanzas.

Pappo lo volvió a hacer con Riff. No solo hizo que su gente no extrañara a Pappo’s Blues, sino que creo una nueva banda de rock que consolidaria aún más su estilo y su imagen como un sello de la música Argentina y del Rock Argentino. 

Daniel 
Instagram Storyboy

jueves, 26 de noviembre de 2020

Maradona (1960 - 2020)



Maradona (1960 - 2020

Como en la música y en el deporte existen personajes amados y odiados, pero por suerte es más fuerte el cariño de sus fans, ayer tuvimos la noticia que Diego Armando Maradona nos
dejaba, y las repercusiones de los medios de comunicación y las redes sociales se han hecho eco de esta noticia, y debo decir que he visto comentarios de todo tipo, por ello no voy a juzgar a nadie sino poner en valor una frase que resuena con fuera en todos lados, y me quedare con ello en señal de respeto y adiós!

HASTA SIEMPRE, DIEGO | No te juzgo por lo que hiciste con tu vida, te amo por lo que hiciste con la nuestra

Daniel
Instagram Storyboy 

martes, 10 de noviembre de 2020

Un país, un artista: Argentina - Luis Alberto Spinetta


Un país, un artista: Argentina - Luis Alberto Spinetta

En esta nueva sección que hemos incorporado en 7Días7Notas, ha recaído en mi hablar de un exponente de la música en Argentina como país elegido, y mucha gente en las redes sociales, fue generando debate de quien debería ser ese exponente que representara a la Argentina, pero ese exponente debería ser tan facetico que abarcara la esencia de un país, y Argentina debo decir que no es fácil de describir.

Por ello debía ser un artista que tuviera tatuada ese ser nacional, y representara al Rock Argentino, y tras recordar a muchos artistas, que por respeto o comparación no diré, me he decidido por uno de ellos, no es un desvelo de intriga ya que el titulo de este post, desvela toda intriga de quien se trata, pero porque no darle esa presentación merecida a un artista que lo ha tenido todo, su multifacética visión permitió al El Flaco (porque no llamarlo como sus amigos) ser cantante, guitarrista, poeta, escritor, intelectual, dibujante, compositor y productor musical, y ahí lo tienen amigos, un exponente tan multifacética, que me atrevería a decir (con miedo a equivocarme ya que no soy un experto, sino un simple fans de la música, como en muchas ocasiones lo he dicho), que todos los Argentinos tenemos el gen del Flaco.

Se que suena algo exagerado, pero la exageración es parte de ese gen de ser argentino, acaso de seguro te diría otro argentino, todas las virtudes de ser argentino, pero no hemos venido aquí a exagerar, porque no es necesario, Luis Alberto Spinetta “El Flaco” ya lo hemos dicho lo era todo.

Y esa complejidad en sus obras, que nos entregaba este artista de carrera le valió el reconocimiento mundial, y en 1997 la revista Billboard lo definió como el “Icono del Rock Argentino”, pero vamos a comenzar por el principio.

Luis Alberto Spinetta nació en 1950, nació en una familia que de muy pequeño lo influencio con la música, su padre un cantante de tango aficionado, impulso al artista en sus primeros pasos a cantar tango, promovido por sus tíos, tanto su padre como sus tíos serán los encargados de darle al artista esa influencia tanguera en su obra.

Pero por la década del '50 no era época de rock en argentina, aunque en el mundo se estaba transformado de la mano de Elvis Presley, la revolución del rock llegaría un poco más tarde, pero esa demora se debía, a mi entender que aun su creador no había acabado el colegio.

Pero ya llegaría la hora del rock, los vientos de cambio nacerían con los sonidos de Los Gatos, una de las primeras bandas de rock argentino en cantar en español, y finales de los 60 un joven Luis Alberto (Spinetta) conformaría junto a Rodolfo Garcia la banda Almendra.

Spinetta con Almendra propondría un estilo de música única, por su sonido y sobre todo por su interpretación, un sonido muy característico del artista, junto a Almendra el artista conseguiría una de sus mejores canciones Muchacha ojo de papel, que por los medios especialistas (Revista Rolling Stone y la cadena MTV) se encuentra en el puesto nro. dos de las canciones más influyentes del rock argentino, pero con Almendra un Spinetta prometedor no solo seria el autor de muchas de sus canciones, sino su multifacética expresión artística le daría la ilustración de su portada en su primer álbum de estudio, un dibujo hecho por el propio Luis Alberto (Spinetta) que encierra un código que destaca cada una de las canciones del disco.

El tiempo de Almendra había pasado, la separación de la banda se puede definir como muy compleja, debido a que los integrantes habían comenzado a crecer mucho en sus carreras y fueron derivando a proyectos diferentes.

Y comenzaría una etapa donde el artista se uniría, y sin querer en este artículo, sumaremos a escena a otro exponente de nuestra música, Norberto Aníbal Napolitano conocido como Pappo, Luis Alberto conformarían una relación de admiración y afecto por Pappo, que nuevamente permitiría influenciar en su música, pero esta unión no terminaría del todo bien.

Ya en la década del '70 llegaría Pescado Rabioso, esta nueva propuesta del artista, le permitiría estar entre las bandas más destacadas del que hacer popular argentino, nuevamente Luis Alberto compartiría escena con hoy grandes artistas reconocidos, un David Lebón que lo acompañaría en Pescado Rabioso, pero que pasaría por bandas como Pappo’s Blues, Sui Generis, Serú Girán entre otras bandas, nuevamente sin querer se entrelazan nuevos exponentes de la música argentina.

Pescado Rabioso, no era más que una expresión del artista de un movimiento punk, también se correspondía con el momento social que atravesaba el país y en especial los jóvenes, la banda grabo dos álbumes. Ambos discos de carácter diferencial un Desatormentándonos, es un álbum con un sonido a psicodelia, blues y rock pesado. En cambio, Pescado 2, sería un disco doble de la banda, donde este segundo álbum aporta un nuevo sonido al rock latino, en tanto que las letras de Spinetta adoptan abiertamente el contenido poético-filosófico que se volvería característico en sus obras. Luego de este segundo álbum la banda se separaría, y Luis Alberto comenzaría una experiencia como solista.

Con esta nueva aventura en la carrera del artista, surge el álbum Artaud, una obra cúspide del artista, aunque en diferentes foros, este álbum se menciona como de Pescado Rabioso, esta obra será pura y exclusivamente una obra del artista, quien invita a diferentes artistas a participar de la obra. El disco está compuesto en un momento crucial de la historia sudamericana, ya lo hemos dicho la corriente del rock en argentina no solo representaba a los jóvenes y su rebeldía, sino que era una expresión política en ocasiones.

Y un nuevo proyecto traería entre manos el artista conformando la banda Invisible, pero esta nueva tapa de su vida también llegaría con su paternidad.

El sonido de Invisible se destacará por un rock progresivo y jazz fusión, y la banda lograría editar tres álbumes de estudio, Invisible (1974), Durazno sangrando (1975) y El jardín de los presentes (1976), pero esta banda se separará al principio de 1977, en plena popularidad de la banda, y ofrecerá dos conciertos en los meses de agosto y diciembre de ese año en el mítico estadio Luna Park.

La separación de la banda coincide con el nacimiento del primer hijo de los cuatro que tendría el artista, cuya relación también estaría unida a la música.

La popularidad del artista, le permite en los años siguientes crear diferentes bandas, incluso mostrarse como solista, el sin fin de artistas que este exponente de la música logra unir incluyen artistas de la talla de Charly Garcia, interpretando el tema “Rezo por vos”.

Creo que El Flaco (Luis Alberto Spinetta) nunca se imagino en sus comienzo hasta donde llegaría, pero la talla de artistas de su nivel no tienen techo, y marcan la escena popular de un país como es Argentina, en el año 2011 se dio a conocer que el musico tenía un cáncer de pulmón, y su perdida fue muy rápida, el artista fallece el 8 de Febrero de 2012 a causa de la enfermedad, pero los artistas nunca mueren, son seres inmortales que trascienden a nosotros los simples mortales. Spinetta no es la excepción vivió abocado a su arte, tan multifacética como musico, escritor y todos los adjetivos que pudiéramos dar, así que como una simbiosis única este artista estará unido en su representatividad con la Argentina.

Daniel
Instagram Storyboy


viernes, 28 de febrero de 2020

El disco de la semana 167: La Renga - A donde me lleva la vida




A donde me lleva la vida - La Renga

Un amigo me venia preguntado porque no he recomendado nada de Hard Rock Argentino, y la realidad que mucho del hard rock no soy, pero si recordaba que en mis años de instituto, unos compañeros de instituto eran muy fanáticos de un grupo de hard rock que apenas por esos años se conocían, pero resonaba mucho un casete de una banda que se llama La Renga. 

Comienzos 
Banda nacida en el barrio de Mataderos en la ciudad de Buenos Aires, quienes por 1993 editarían su segundo disco titulado "A donde me lleva la vida", por ello esta recomendación de este disco, quizás no es por el disco en si, sino por recordar una etapa de mi vida, donde de
una u otra forma el hard rock se colo en mi vida.

Pero no fue de repente que el más duro de los géneros del rock fue calando, en mis gustos musicales, te diría que pasaron muchos años después, en reconocer que La Renga y su música me comenzaran a gustar. 

Este disco con apenas 11 canciones, donde muchas de ellas se destaca el Rock and Roll, porque no todas las canciones son de un puro hard rock, acaso un blues se mezcla caprichoso entre sus lineas.

Así que yo creo, que para quienes no son del puro hard rock como soy yo, sería un muy buen disco para comenzar a escuchar esta banda.

A donde me lleva la vida La Renga

1 El camino del deshielo
2 Cortala y olvidala
3 El rito de los corazones sangrando
4 Blues cardíaco
5 Pis y caca
6 El sátiro de la mala leche
7 El mambo de la botella
8 Debbie el fantasma
9 El Circo Romano
10 2 + 2 = 3
11 Triste canción de amor

Entre mis favoritos de la banda, paradójicamente es un blues, que hablar de un loca lindo, que ha podido ir más allá de las matemáticas, así que te invito a escucharlo.




Este disco que recomiendo, realmente egoístamente, podría decir que también permitió llevarme a un tiempo atrás, que me hace que sonría, porque sin estos pequeños hallazgos vaya a saber uno, que cosas me habría perdido.

Amigos, un disco de La Renga, banda de Hard Rock Argentino, entre otros géneros como el Rock y el Blues, que vale la pena descubrir.

Daniel 
Instagram Storyboy