1575.- How Deep Is Your Love - Bee Gees

Fiebre del sábado noche fue un éxito, recaudó más de 100 millones de dólares con un presupuesto de menos de 5 millones, en el floreciente año cinematográfico de 1977, recaudó más que cualquier otra película, salvo Star Wars o Encuentros en la tercera fase, convirtió en estrella a John Travolta, conocido principalmente por interpretar a un niño con aires de Tony Manero, fue nominado al Óscar y protagonizó la película más taquillera de 1978. Pero en términos de impacto cultural, la banda sonora de Fiebre del Sábado Noche posiblemente tuvo un impacto aún mayor que la película el álbum vendió decenas de millones de copias y sigue siendo uno de los 10 álbumes más vendidos de todos los tiempos. Llevó a los Bee Gees, ya en su época imperial, a dominar las listas de éxitos en 1978 a un nivel inaudito, la banda sonora generó cuatro sencillos número 1, más que cualquier otro álbum hasta entonces. Curiosamente, el primero de esos sencillos número 1 no es una de las canciones más icónicas. Es la balada de los créditos finales. Travolta ni siquiera baila la canción en la película.

Cuando escuchamos por primera vez "How Deep Is Your Love" en Fiebre del sábado noche, Tony Manero acaba de pasar una noche terrible. Está golpeado, aislado y deprimido, la policía ha rescatado el cadáver de su amigo Bobby C del agua bajo el puente Verrazano. Tony, sin saber qué hacer, se ha subido al metro y se ha ido a Manhattan para ver a la chica a la que acaba de intentar violar esa misma noche. Aquí suena "How Deep Is Your Love" para el montaje del tren. Unos minutos después, Tony encuentra a la chica en su apartamento y le pregunta si pueden ser amigos, probablemente sea una mala idea, pero ella acepta, y tenemos algo que, si entrecierras los ojos, casi parece un final feliz. Suena de nuevo "How Deep Is Your Love". Tony no está enamorado de Stephanie, la chica a la que ha ido a buscar, aunque podría estar enamorado de la vida mejor y más sofisticada que ella ha llegado a representar para él. Ella, desde luego, no está enamorada de él, pero en ese momento, de todos modos, tenemos una canción de amor. Es extraño.

Stigwood acertó. Lo mejor de "How Deep Is Your Love" son las voces de los Bee Gees. Existe un concepto conocido como armonía de sangre: la idea de que las personas de una misma familia pueden adquirir un tono vocal completamente diferente al cantar juntas. Comparten la misma genética y crecieron cantando juntas, así que algo sobrenatural y místico ocurre cuando sus voces se unen. Los aullidos de helio de los Bee Gees son tan distintivos. No suenan como nadie más, pero todos suenan como los demás. Y cuando cantan todos a la vez, algo encaja. En manos de cualquier otra persona, "How Deep Is Your Love" no destacaría del mismo modo, es una balada cálida y satisfactoria, tipo baile de graduación. Hay unos Fender Rhodes brillantes y un agradable toque disco a medio tiempo. En cuanto a la letra, Barry Gibb interpreta a un chico que se enamora y quiere oír que es real, que ella siente lo mismo que él: "Vivimos en un mundo de tontos/ Destruyéndonos cuando deberían dejarnos ser/ Pertenecemos a ti y a mí". No es ni de lejos la mejor canción de los Bee Gees, pero sus voces la llevan y la impulsan hacia el cielo. 

1554.- Sweet Talkin' Woman - Electric Light Orchestra

Sweet Talkin' Woman se grabó en los estudios Musicland de Múnich, Alemania, durante el verano de 1977. Originalmente, comenzó como una canción titulada Dead End Street, con una letra y un arreglo muy diferentes. Probablemente la letra que sobrevivió de esa versión se puede escuchar en el inicio del tercer verso, "He estado viviendo en una calle sin salida". Por razones desconocidas, Jeff no quedó satisfecho con la canción y escribió y grabó una letra completamente nueva. La canción se lanzó como sencillo de 7" en Inglaterra a través de Jet Records el 7 de octubre de 1978. En EE. UU., se lanzó siete meses antes, en marzo de 1978, como el decimocuarto lanzamiento de sencillo en EE. UU. Fue lanzado por Jet Records (distribuido por United Artists) con el número de stock "JT-XW 1145" y una edición de Fire On High en la cara B. Se publicó tanto en vinilo morado como en vinilo negro estándar. Aunque la edición en vinilo morado es interesante y buscada como artículo de coleccionista, la edición en vinilo negro es en realidad la más rara de las dos.

No está claro si la versión original de Dead End Street o la versión sin editar han sobrevivido. Lo más probable es que Dead End Street fuera destruida en el proceso de grabación de las nuevas voces para la canción. Seguramente la versión sin editar de Sweet Talkin' Woman fue respaldada antes de ser editada. En la década de 1970, el proceso de edición implicaba cortar trozos de cinta de grabación y descartarlos o volver a unirlos en un orden diferente. Un error y el trabajo se destruiría, por lo que tiene sentido que se hiciera una cinta de respaldo. Sin embargo, no está claro si la cinta sin editar sobrevivió. Es posible que haya sido borrada o grabada después de que se completara la mezcla final de la canción. En cualquier caso, corre el rumor de que las cintas multipista originales de Out Of The Blue se perdieron, por lo que incluso si esta primera versión de la canción se guardó en cinta, es probable que se haya perdido. El bajo de Bev Bevan se usa mucho en la canción, sobre todo en los coros a partir del cuarto estribillo. En los estribillos uno al tres, Jeff, Bev y posiblemente Kelly cantan los coros, la canción hizo un uso intensivo del Vocoder 2000, al igual que varias canciones del álbum Out Of The Blue. El vocoder después del tercer estribillo es muy sutil, dando la impresión de que el violín y los violonchelos dicen la frase en lugar del vocoder. El acento británico de Jeff destaca especialmente en la tercera estrofa. Los británicos tienden a añadir una "r" al final de las palabras que terminan con "ah", como "Donna" en "Donner", "panda" en "pander" e "idea" en "idear". Escuchen con atención y se puede oír claramente a Jeff cantando "insufficient dater coming through".

1553.- Blackout - David Bowie

 

En 1977, el punk irrumpió desde el underground en Estados Unidos y Gran Bretaña (y en menor medida en el resto de Occidente), y la reacción cultural contra la música "pretenciosa" o "exagerada" coincidió con la caída de gran parte del "rock dinosaurio", dejando a David Bowie y a muchos otros artistas en una encrucijada. Alemania, que contribuyó a allanar el camino para gran parte del punk y el rock artístico, fue un poco diferente al resto de los lugares. La "Trilogía de Berlín" de Bowie comenzó en enero con Low, y "Heroes", el único álbum de la trilogía grabado y mezclado íntegramente en Berlín, es una especie de evolución natural, pero también ofrece una colección bastante distinta a lo que había entregado, si hay un acontecimiento clave para el sonido de Heroes que tuvo lugar entre ambos álbumes, es Trans Europa Express de Kraftwerk, los pioneros de la electrónica de Düsseldorf incorporaron con éxito elementos de la música progresiva a la electrónica, creando una atmósfera mecánica, rítmica y, en ocasiones, aterradora, que transformó la música. Sin Trans Europa Express no existiría nada tan grande como "Heroes", pero ¿Qué es "Heroes"? Es un álbum oscuro, misterioso y con una fuerte temática que explora los horrores y las ansiedades de la Guerra Fría, sin una trama ni un concepto lineal, el álbum gira en torno a la agitación emocional y política de una guerra nuclear, ya sea que esté al borde del abismo o recién comenzada. Las letras, oscuras y a menudo sombrías, crean imágenes deprimentes y marcadamente frías, al igual que en Trans Europa Express (hasta cierto punto, ya que algunas canciones son animadas con letras oscuras) y The Idiot de Iggy Pop (en la que Bowie y Eno participaron activamente). La letra de la canción principal estaba directamente influenciada por el Muro de Berlín, y el Hansa Tonstudio estaba a solo unos cientos de metros del Muro. La agitación política y la constante amenaza de destrucción nuclear de la época influyeron mucho en el krautrock y el punk rock, y Bowie no fue la excepción. La canción principal describe una relación separada por un muro, solo para convertirse en "héroes" y morir trágicamente en la canción más emotiva jamás grabada. "Blackout" e "Sons of the Silent Age" detallan la paranoia y el surrealismo que rodean el concepto de guerra, o el espíritu de "¿Qué demonios le ha pasado al mundo?".

Líricamente, es más oscuro que antes e incluso el sonido glam-meets-electrónico de canciones como Blackout no puede anular esta oscuridad. Partiendo de este tema, encontramos la canción de glam industrial que mejor representa la esquizofrenia paranoica y alucinatoria del resto del álbum, y funciona como uno de los temas más aterradores del extenso catálogo de Bowie. Presenta algunas de las técnicas de canto más extrañas de Bowie, que se descomponen en palabra hablada y versos rotos mientras golpes de batería esporádicos y salvajes danzan a su alrededor. Es esquizofrénico y revelador de las perspectivas globales de Bowie, al ver la vitalidad de Los Ángeles contrastar con la desilusión de Berlín, aquí nos entrega su himno esquizofrénico que ostenta un instrumental protoindustrial fuerte y abrasivo, muy apropiado para las letras frenéticas, inspiradas en los desmayos que Bowie experimentó en Berlín.

1546.- Watching the Detectives - Elvis Costello

 

Aunque ha variado su sonido y estilo a lo largo de los años, la música de Elvis Costello nunca se ha considerado innovadora ni original. Ciertamente, la música de My Aim Is True no tiene nada de nuevo: se deriva en gran medida de la época del rock and roll entre Buddy Holly y The Kingsmen, un sonido que evoca a Eddie Cochran, Gene Vincent y los grupos femeninos. No diría que las letras son la única razón para escuchar a Elvis Costello, pero sin duda son su principal atractivoa gran diversidad de sus letras es impresionante, y su calidad constante a lo largo de los años lo es aún más. Pero yo diría que el aspecto más importante de las letras de Elvis Costello es que están firmemente arraigadas en las estructuras y el lenguaje de la música popular, y a pesar del sesgo asociado con la etiqueta "popular", se consideran poesía en todos los sentidos de la palabra. Hay gente que mantiene que la mayoría de las letras de rock no tienen mucho sentido y que esto podría deberse a que la mayoría de los letristas de rock se dormían en clase de inglés o a que se formaron la creencia de que la poesía es algo pretencioso y no se ajusta a las motivaciones básicas (es decir, el impulso sexual) del rock and roll, es un tema de debate. Personalmente, creo que se debe a que escribir buenas letras es una tarea difícil y, de hecho, la mayoría de los rockeros se dormían en clase de literatura inglesa cuando no encontraban la manera de faltar a clase.

Elvis Costello publica en 1977 su primer álbum, My Aim Is True, se estrena en el año del punk con este disco llamado a hacer historia, lo deja bien claro desde esa fotografía de portada que cualquiera identifica como icónica de un solo vistazo: Gafas que honran a Buddy Holly y pose inconfundible con esas piernas semiflexionadas en un rictus que es puro rock and roll, como su nombre artístico: nada de medianías, se bautiza como el Rey y se apellida como su abuela. Encantador, ¿verdad?. El sonido de este trabajo es casi una isla dentro de su discografía, puesto que los músicos que acompañan solo se quedarían por este álbum y desaparecerían para convertirse en un grupo llamado 'News', esto, sumado a que las 12 canciones de My Aim is True fueron grabadas en tan solo 24 horas de estudio alquilado, generan un álbum que sin llegar a ser lo-fi ni mucho menos, se siente mucho más amateur y hogareño de lo que Costello llegaría a sonar posteriormente. Como siempre, el trabajo de Nick Lowe es funcional a más no poder, aportando incluso con coros y guiando la composición de ciertos números.

Nos detenemos en la canción Watching the Detectives, la inspiración para la canción surgió de otra banda icónica que también lanzó su álbum debut en 1977, Costello explica: «Estaba en mi piso a las afueras de Londres antes de convertirme en músico profesional, y llevaba treinta y seis horas despierto, de hecho, estaba escuchando el primer álbum de The Clash, cuando lo escuché por primera vez, me pareció terrible. Luego lo volví a escuchar y me gustó mucho, al final, me quedé despierto toda la noche escuchándolo con auriculares y me pareció brillante, fue entonces cuando escribí Watching the Detectives. Si bien la inspiración de las canciones surgió al escuchar a The Clash, el aspecto visual de la canción transmitido a través de las letras fue un ejemplo del tema noir constante de Costello que transmitía imágenes de detectives, mujeres, armas y cigarrillos como los que se ven en los programas de detectives estadounidenses. Costello tenía en mente un sonido de piano que utilizara el tipo de patrones cortos y repetitivos por los que era famoso el compositor de películas Bernard Hermann. "Waiting for the Detectives" es también el punto culminante musical del álbum, con su aire de reggae noir hitchcockiano. Lo que hace única a la canción son las sobregrabaciones de piano añadidas por Steve Nieve, cuyos acordes distorsionados aceleran el ritmo para crear una emocionante construcción que resalta el pasaje "shoot-shoot-shoot-shoot" del estribillo.

1502.- Lost in France - Bonnie Tyler

"Lost in France" es uno de los grandes éxitos de la cantante galesa Bonnie Tyler, para muchos la canción refleja la esencia de la transición musical de los años 70, fusionando el pop con toques de rock, y marcando el inicio de la carrera internacional de Tyler. La canción fue compuesta por Roger Ferris y David Mackay, se convirtió en un emblema de la música pop y rock de la época, y puso a Bonnie Tyler como una de las artistas más prometedoras de la escena musical británica, marcando un punto de inflexión para Bonnie Tyler en su carrera, "Lost in France" la catapultó al ámbito internacional. Su éxito fue particularmente notable en Europa, donde la canción alcanzó posiciones destacadas en las listas de popularidad.

La canción es un relato de una mujer que se encuentra atrapada en una situación de confusión tanto emocional como donde esta, ya que se siente completamente perdida en un lugar extranjero, en este caso, Francia. El tema trata de la búsqueda del amor y la sensación de desconcierto al estar lejos de casa, en un entorno desconocido, a través de sus letras, Tyler transmite una sensación de vulnerabilidad, pero también de fortaleza, en medio de la confusión y el desamparo. Desde el inicio, la energía hace acto de presencia y se hace con la canción, la voz potente de Bonnie Tyler destaca, sin duda es una de las características más destacada, Tyler es conocida por su timbre rasposo y emotivo, y en esta canción, esa cualidad vocal se convierte en una de las fuerzas principales que dan vida al tema. La interpretación vocal de Tyler es apasionada y desbordante de sentimiento, la intensidad de su voz subraya la sensación de desesperación y anhelo que recorre la letra de la canción, donde la protagonista está atrapada en la encrucijada de sentirse sola y perdida, pero también con la esperanza de encontrar algo o alguien que la ayude a encontrar su camino. La música tambien juega un papel crucial en la atmósfera de la canción, la base combina el sonido de guitarras eléctricas, batería y teclados, creando un contraste entre la suavidad de las melodías y la potencia de los riffs de guitarra. Es una mezcla de pop y rock suave, que con el paso de los años se consolidaría como un estilo característico de la cantante. Otra de las particularidades es que la introducción es tranquila y atmosférica, mientras que el estribillo se convierte en un estallido emocional, que se repite para acentuar el sentimiento de pérdida y desesperación. 

Aunque a lo largo de los años Bonnie Tyler ha evolucionado como artista, "Lost in France" permanece como una de sus canciones más queridas, una muestra de la honestidad y el poder de su música. La capacidad de esta canción para conectar con el oyente, tanto a nivel emocional como sonoro, es lo que la mantiene relevante incluso después de tantos años desde su lanzamiento.

1435.- Roadrunner - The Modern Lovers

Después de graduarse de la escuela secundaria en 1969, Jonathan Richman se mudó a la ciudad de Nueva York. Después de nueve meses dambulando en Nueva York, Richman decidió que ya había tenido suficiente y regresó a su Boston natal con la intención de formar una banda de rock basada en lo que había aprendido observando a los Velvet y organizó rápidamente una banda con su amigo de la infancia John Felice como guitarrista, David Robinson en la batería y Rolfe Anderson en el bajo. Jonathan Richman, el genio flacucho que estaba detrás de todo esto, fue comparado por más de un crítico con su ídolo, Lou Reed, particularmente por su forma de cantar ronca y monótona. La verdad es que Richman fue capaz de transmitir cosas que Lou apenas podía ni siquiera conceptualizar. Los Modern Lovers tocaron por primera vez en septiembre de 1970, apenas un mes después del regreso de Richman. A principios de 1971, Anderson y Felice se marcharon, aunque Felice volvería a unirse al grupo más adelante, el grupo se hizo popular en los conciertos en vivo en Boston, y se corrió la voz sobre ellos. En el otoño de 1971, The Modern Lovers y grabaron la canción "Hospital" en el álbum The Modern Lovers de Beserkley tiene su origen en esta sesión. El éxito de The Modern Lovers como banda en vivo continuó sin obstáculos, pero en lo que se refiere a conseguir un contrato discográfico, la banda siempre fue una dama de honor, nunca una novia, pero nos dejaron un disco homónimo, The Modern Lovers. Los Lovers no llegaron a publicar otro disco. No lo necesitaban. Su álbum homónimo fue una especie de revolución silenciosa, que allanó el camino para una generación de estrellas de rock que no sentían la necesidad de adorarse a sí mismas ni de ser adoradas. Íconos enamorados que quieren tomarte de la mano y no te violarán después. Richman todavía hace giras en solitario, tocando principalmente música acústica, su legado solo es apreciado en esos ciertos rincones en los que esperarías que lo apreciaran, pero a él no le importa.

Y creo que nos dejaron una de las mejores canción de rock de todos los tiempos, Roadrunner, cualquiera puede tocarla, para empezar. Y mientras Richman se entusiasma con voz ronca sobre su amor por los detalles insignificantes de la luz de la luna moderna, yendo al Stop & Shop por la noche con la radio a todo volumen, cualquiera puede vivirla. Para adaptar una frase de la subestimada banda The Minutemen, “Roadrunner” que comienza con una explosión, robando el ritmo de dos acordes de su adorada " Sister Ray " de Velvet Underground. La forma en que Richman establece el escenario y donde la canción crece en el espacio en el que la mayoría de nosotros crecimos escuchando música con más pasión, es en tu coche y por la noche, recorriendo autopistas y callejones familiares, sin un lugar en particular al que ir, enamorado de la música de la radio. A pesar de las innumerables veces que la he escuchado, nunca dejo de enamorarme de nuevo de ese impulso creciente, de la insistencia enérgica y enérgica del ritmo de fondo, del centro de gravedad de la canción que siempre avanza sin descanso. Todos se sienten completamente atrapados en ese ritmo muy simple pero potente, sincronizado como una máquina bien engrasada. El baterista David Robinson, que más tarde se unirá a The Cars, marca el ritmo y, de manera emocionante, lanza algunos rellenos rápidos que mantienen la energía entre los cambios de acordes extremadamente básicos, de D a A, tan elementales como un corazón que late o un cambio de marcha repentino.  Mientras Richman habla y canta sobre el poder de la radio AM y del destello de las calles suburbanas que pasan a toda velocidad, y el futuro Talking-Head, Jerry Harrison, el arma secreta de la banda, toca un solo de teclado que ondula con gracia sobre el ritmo agitado como una mano que se agita desde una ventana abierta mientras el viento pasa rápidamente. Hacia el final, Richman empieza a cantar casi en un monólogo sobre todo lo que le está pasando a la vez: la radio, la noche, la carretera, la luz de la luna, la belleza de todo. La banda grita alentadoramente “¡RADIO ON!” detrás de él, acentuando su euforia como la reunión de ánimo más tonta de la historia, y la canción termina grandiosamente con algunos toques finales a esos dos acordes inmortales. La voz satisfecha de Richman nos dice adiós con un casual “bien, adiós” y nos informa que hemos llegado a nuestro destino, donde sea que esté.    

The Modern Lovers fueron una banda única por varias razones, y una de ellas, la menor, es que sobrevive muy poco de su trabajo. Aparte de algunos bootlegs en vivo, se trata principalmente de un solo disco homónimo que se grabó a principios de los 70 y se lanzó en 1976, que tiene una intimidad similar a la de un diario, en parte porque inicialmente se pretendía que fueran demos para un disco que nunca se haría debido a la separación de la banda. La instrumentación es potente pero sencilla, vibrante pero minimalista, lo que es un acompañamiento ideal para la gira sincera de Richman a través de sus alegrías y tristezas profundamente personales pero demasiado humanas. 

1434.- The year of the cat - Al Stewart

Al Stewart es un artista folk británico que se distinguió en la primera mitad de los años setenta por cantar páginas de la historia, su gran pasión. En 1976 escribió una canción, "El año del gato", que fue un éxito unos meses antes de hundirse en el olvido. El álbum que acompañó el lanzamiento de esta canción es un verdadero ejemplo del sonido relajado, liberado, floreciente y rico que se respiraba a finales de los años setenta en los estudios de Abbey Road, antes de que los sintetizadores de los años ochenta abrieran una nueva era. Stewart tocó una guitarra acústica Epiphone Texan, mientras que Tim Renwick fue el encargado de grabar los solos de guitarra acústica y eléctrica. “Tim tomó prestada una guitarra Guild de gran tamaño que me pertenecía para los solos acústicos”, recuerda Stewart. “Para el solo de guitarra eléctrica, tocó su fiel Strat del 62 a través de un amplificador de válvulas combo personalizado de Wallace que conoció a su creador cuando se derritió poco después de la sesión”. Aunque el acompañamiento estaba completo, el productor Alan Parsons sintió que faltaba algo, concretamente, un saxofón. “Para mí, los saxofones pertenecían al jazz”, dice Stewart. “Pensé que era una idea terrible y se lo dije, pero él dijo: 'Simplemente hazme caso y si no te gusta, lo borraremos'”. El saxofonista elegido por Parson fue Phil Kenzie, un contemporáneo de Liverpool de los Beatles. “Phil estaba viendo una película y no quería hacer la sesión”, dice Stewart. “Pero Alan le dijo: ‘Ven y haz una toma. Solo queremos escuchar cómo suena’”. A Stewart no le convenció la sesión. “No me gustó mucho”, dice, “pero a todos los demás sí. Dijeron: ‘¡Guau! Esto es diferente’. Así que en lugar de pelearme por ello, dejé que Alan hiciera lo que quisiera y lo puse al final del álbum como la última canción, así no tuve que preocuparme por eso”.

Lanzado como sencillo en los EE. UU. en octubre de 1976, "Year of the Cat" llegó al puesto número ocho en el Billboard Hot 100, con este tema Stewart consiguió su primer sencillo en las listas de éxitos de los EE. UU. y a dia de hoy sigue siendo un elemento básico en los sets en vivo del guitarrista. Él cree que los matices de cine negro de la canción y la instrumentación variada son fundamentales para que la canción siga cautivando al público. “Creo que simplemente atrae a la gente”, reflexiona. “Y también hay cuatro instrumentos diferentes tocando solos en el medio de la canción, donde se pasa de las cuerdas al solo acústico, luego al solo eléctrico y finalmente al solo de saxofón. La longevidad de la canción también confirma que uno debe escribir sobre lo que le interesa, sin tener en cuenta la moda o los favores del público. Que es exactamente lo que hice”.

1427.- Wild is the wind - David Bowie

Lo primero que tenemos que saber es que estamos ante una version, esto no tiene nada de particular, versiones las ha habido de todos los colores, pero la que nos ocupa hoy es una version de uno de los mas grandes hacia una de las mas grandes, es decir David Bowie rendido a los pies de Nina Simone. Ciertamente si quieres saber algo mas de la versión original tenemos buenas noticias, fue nuestra canción 314 y si quieres saber algo mas de ella puedes pasarte por aquí:  0314: Wild is the wind - Nina Simone  ya que en este articulo lo que nos ocupa es la versión de Bowie aunque inevitablemente tendremos que retrotraernos a 1966.

En 1976 las seis canciones de Station To Station se han lanzado en sencillos (cinco de ellas como caras A), y "Wild Is The Wind" es la única que ha evadido el bisturí del editor. Como resultado, tenemos el placer de disfrutar de una de las mejores interpretaciones vocales de Bowie en todo su esplendor sin cortes. Como me encanta Nina Simone, tengo que decir que Bowie toma las claves vocales de la versión de Simone. Casi cada línea. Ella le inyectó a la canción una pasión anhelante y él la sacó del ritmo lento y deprimente. En conjunto, es lo que considero la versión definitiva. Bowie había escuchado la canción gracias a Nina Simone y, dado su historial de versiones dudosas, uno podría esperar razonablemente lo peor, pero aquí hay un cambio de rumbo. La experiencia de grabar Young Americans le había enseñado mucho sobre cómo controlar su voz. Echa un vistazo a la sección alrededor del minuto 3:40 - "Oigo el sonido de las mandolinas / Me besas" - donde cambia entre los extremos polares de su rango vocal en el espacio de dos palabras (aunque estirado hasta el olvido). La banda sensatamente pasa a un segundo plano aquí, pero Bowie sabe cuándo agregar un choque simbólico y la suntuosa guitarra principal de Earl Slick parpadea como la llama de una vela que se apaga a la luz de la luna. Es el punto perfecto para terminar el mejor álbum de Bowie: una serenata de San Valentín de un vampiro. Sinceramente, creo que esta es una de las mejores versiones que ha hecho David Bowie, la forma en que Bowie le dio forma a esta canción es muy diferente a la original de Nina Simone y, sin embargo, la potencia y el hipnotismo siguen siendo inequívocamente puros. Encaja muy bien con el álbum Station to Station y te deja sin aliento como último tema, la admiración de David Bowie por Nina Simone es evidente a través de esta canción y te deja asombrado por una canción tan conmovedora de una de las mejores voces del mundo, solo tienes que esperar al final de la canción para que la carne se te ponga de gallina, ¡el bajo de Gail! ¡el piano de Garson! El clímax es una supernova que te golpea duro en cada uno de tus sentidos…. Llegamos a los 5:15

¡WIIIIIIIIILD! ¡ISSS! ¡THEEEEE! ¡WIIIIIIIIIIIIIND!

Y luego llega el éxtasis del solo de guitarra de Earl Slick, escalofríos, cada vez que la oigo tengo que ir a recuperar el aliento... me quita el aire me quita la vida.

1365.- Evil Woman - The Electric Light Orchestra

¿Jeff Lynne tenía en mente a una mujer en particular cuando escribió Evil Woman ? No está del todo claro. Rara vez ha abordado el tema y cuando lo ha hecho, ciertamente no menciona nombres. Es posible que se trate de alguien que conozca. También es muy probable que no tuviera a nadie en mente cuando lo escribió y que solo esté bromeando sobre que se trata de alguien en particular. La respuesta sigue siendo desconocida.

“Evil Woman” es una de las canciones que más me ha llamado la atención de la Electric Light Orchest a lo largo de los años. Esta alegre melodía presenta una de las introducciones más impactantes e instantáneamente reconocibles de todos los tiempos. De principio a fin, esta canción te pide a gritos que salgas a la pista de baile y te relajes un rato. El ritmo funky, enfatizado por la fórmula característica de piano, cuerdas y batería de ELO, convirtió esta canción en una de sus obras más gloriosas. Fue lanzada en 1975 como sencillo de su álbum “Face the Music”, la canción se convirtió en el boleto de la banda al estrellato mundial al conquistar las listas de éxitos en Italia, Países Bajos, Canadá, Irlanda y otros países. Se necesita tiempo y mucha reflexión para crear una obra de arte atemporal, pero ese definitivamente no fue el caso de Jeff Lynne y “Evil Woman”. Las grabaciones del album “Face the Music ” ya estaban terminadas, pero Jeff no estaba listo para dar carpetazo al trabajo y en unos 30 minutos, “Evil Woman” estuvo lista, convirtiéndose en una de las más rápidas que había escrito. A pesar de las intenciones iniciales de tenerla como una mera pista de relleno para el álbum, la canción aparentemente era demasiado buena para que los fans la pasaran por alto. Escribir una canción que defina una carrera en solo 30 minutos es un logro que no muchos artistas podrían lograr. Pero, de nuevo, Jeff Lynne no es un músico común y corriente y nunca lo será. La letra no es difícil de entender y se resume perfectamente en el título: Ella lo manipuló, jugó con su cuerpo y corazón, destruyó las virtudes que el Señor le dio y se convirtió en un completo mentiroso. Él siempre acudirá a ella cuando llore porque la ama mucho, pero al final del día, ella solo lo está utilizando. Mucha gente ha estado en una situación similar, independientemente del género o el tipo de relación. Es una lástima lo cruel que puede ser alguien solo para lograr sus deseos egoístas. Curiosamente, las líneas “There's a hole in my head where the rain comes in” fueron escritas como un tributo a la canción de The Beatles “Fixing a Hole”. Hay dos secciones de cuerdas reutilizadas en Evil Woman. La más obvia es el breve interludio de cuerdas con flanger en el puente instrumental de la canción. Esto se toma de la grabación de la sección de cuerdas de la canción Nightrider de Electric Light Orchestra. En Evil Woman , se toca al revés y se agrega un efecto flanger. Este interludio de cuerdas se samplea y se usa varias veces en una canción llamada Beep de las Pussycat Dolls con Will.I.Am de los Black Eyed Peas. Otra sección de cuerdas reutilizada interesante y no tan obvia es una muestra de Evil Woman que se usa en Fire On High . Una sección de cuerdas que suena sobre la introducción de Evil Woman se invierte y se usa en la introducción de Fire On High , poco después del fragmento "la música es reversible". 

1328.- You're my best friend - Queen

Elegir una continuación de “Bohemian Rhapsody”, que rápidamente se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos después de su lanzamiento, el 31 de octubre de 1975, habría sido un desafío para cualquier banda. Sin embargo, Queen tenía la respuesta: una pegadiza canción de amor escrita por su bajista, John Deacon, y que recibió el nombre de “You're My Best Friend”. Deacon escribió una sola canción para A Night At The Opera , el cuarto álbum de estudio de Queen, “You're My Best Friend” fue escrita sobre su esposa, Veronica Tetzlaff, una ex maestra en prácticas de Sheffield, y resultó ser un éxito duradero.

La canción expresaba su devoción en una letra sincera: “Eres mi sol y quiero que sepas/Que mis sentimientos son verdaderos/Realmente te amo/Oh, eres mi mejor amiga”. Freddie Mercury dijo que siempre le gustó “el estilo casi Tamla Motown de las canciones de Deacon”. El bajista de la banda escribió la canción en casa. “A Freddie no le gustaba el piano eléctrico, así que me la llevé a casa y comencé a aprender con el piano eléctrico y básicamente esa es la canción que salió cuando estaba aprendiendo a tocar el piano”, dijo Deacon. “Fue escrita en ese instrumento y suena mejor en él”. La canción, que presenta arreglos ingeniosos que muestran la brillante armonización de la banda, fue grabada en agosto de 1975 en Londres. La hábil batería de Roger Taylor, con bajo, caja y charles, combinaba bien con el bajo Fender de Deacon. “John no escribió muchas canciones, pero cuando lo hizo –como con 'Another One Bites the Dust' y 'I Want To Break Free'– fueron grandes éxitos”, dijo May. “'You're My Best Friend' se convirtió en uno de los temas más escuchados en la radio estadounidense. El éxito del vídeo de Bohemian Rhapsody convenció a la banda de volver a utilizar esa herramienta promocional. El clip de You're My Best Friend, que muestra a la banda en un enorme salón de baile, con una lámpara de araña brillante y rodeada de más de mil velas, fue dirigido por Bruce Gowers. Se filmó en los estudios Elstree de Londres durante un día de primavera inusualmente cálido. No había aire acondicionado y el calor de las velas y las luces hizo que la sesión fuera incómoda. Para el vídeo, Deacon tocó un piano de cola, el mismo instrumento que Mercury utilizó cuando interpretó la canción en concierto. “Me negué a tocar esa maldita cosa”, dijo Mercury sobre el piano eléctrico. “Es diminuto y horrible y no me gustan. ¿Por qué tocarlos cuando tienes un piano maravilloso?” La canción de Queen ha aparecido en numerosas películas y programas de televisión, incluidos Los Simpson , Padre de familia y EastEnders . La dulce balada de Deacon, que también se reproduce al final de la parodia de la película de zombis Shaun Of The Dead , también ha sido versionada por otros artistas, incluidos The Supernaturals (1997) y Stevie Ann (2014). Décadas después del éxito de “You're My Best Friend”, Deacon vive tranquilamente en Londres y todavía está casado con Verónica, el amor de su vida, con quien crió seis hijos. “Si no has aprendido el significado de la amistad, en realidad no has aprendido nada”, dijo el boxeador Muhammad Ali, otro hombre capaz de conseguir grandes éxitos en los años 70. La canción de Deacon sigue siendo una de las más populares jamás escritas sobre el tema.

1308.- Jive Talkin' - Bee Gees

 

Incluso en sus años de folk-rock, siempre había habido un elemento de soul en los Bee Gees, en la forma en que esos tres hermanos combinaban sus voces sobrenaturalmente agudas entre sí. Pero el giro del grupo hacia el R&B fue una decisión repentina y consciente, los Bee Gees habían estado luchando durante algunos años cuando firmaron con Atlantic, el nuevo jefe del sello, Ahmet Ertegün, los emparejó con el productor Arif Mardin, que h se dedicó a rehacer a los Bee Gees como un grupo de R&B blanco y se mudaron a Miami, una ciudad con una fuerte cultura de club, y, de repente, descubrieron el ritmo. Los componentes afirman que el ritmo de “Jive Talkin'” (el tremendo rebote de cuatro por cuatro) lo sacaron del sonido que hacía su coche cuando pasaban por Julia Tuttle Causeway en Miami, me parece extraño, puede que los Brothers Gibb no supieran qué tipo de ritmo exigían los clubes, pero Arif Mardin sí. En cualquier caso, fue Mardin quien sugirió originalmente que cambiaran la canción, titulada originalmente “Drive Talking”, por “Jive Talkin'”, cuando terminaron el primer borrador de la canción, los Bee Gees pensaron que “jive talking” era una especie de baile. Mardin tuvo que explicar que significaba hablar engañando, y los Bee Gees reescribieron la canción para que encajara con esa idea, eran tan ignorantes del lenguaje negro americano que empezaron escribiendo la maldita canción equivocada.

 

Se podría argumentar, con bastante justificación, que los Bee Gees eran buitres culturales, baladistas de folk-rock que se abrieron paso a tientas hasta alcanzar un éxito masivo aprovechando una nueva ola de música underground que surgía de clubes gays y negros. Los Bee Gees no habían surgido de la cultura que producía la música disco, no sabían nada al respecto y en un par de años, se habían convertido en los rostros del género. Esa es una vieja historia de la cagada de la industria musical: estrellas de rock blancas y ricas que secuestran música que había pertenecido a la gente que vivía en la periferia. Mucha gente odia a los Bee Gees por eso, tienen razón, sin embargo, los Bee Gees eran tan buenos haciendo música disco que simplemente no puedo recriminarles nada, retorcieron el sonido para adaptarlo a sus propias voces y, en el proceso, lo elevaron al centro del pop. Aún no habían desarrollado por completo el lado disco de su sonido, Main Course, el álbum que produjo “Jive Talkin'”, estaba compuesto en su mitad por baladas soñolientas, Barry Gibb no aprovechó todo el poder de su falsete ensordecedor hasta que Mardin escuchó lo que podía hacer en “ Nights On Broadway ”, otro tema de Main Course, después de escuchar a Barry lanzar un gran gemido improvisado, Mardin le preguntó si podía “gritar afinado”, podía, y eso es básicamente lo que hizo durante el resto de su carrera.  Aun así, "Jive Talkin'" es una canción innegablemente elegante, un salto cuántico para los Bee Gees. La canción se construye con una gracia segura, sus scratches líquidos de guitarra y los brillantes pitidos del teclado se escuchan fuertes y contundentes, los aplausos, los timbales y las armonías chillonas llegan en el momento exacto.

 

 

1290.- Sister Gold Hair - America

En 1972, un joven londinense de 19 años escribió una canción falsa de Neil Young, y esa canción desbancó a una canción real de Neil Young del puesto número 1. “ A Horse With No Name ”, el primer éxito del trío estadounidense con base en Inglaterra America, fue una pieza de encantador sinsentido espectral, y condujo a una verdadera carrera. Durante los siguientes tres años, America logró cuatro éxitos más en el top 10, ninguno de los cuales es tan bueno como “A Horse With No Name”. Los tres miembros de America, que crecieron en las afueras de Londres, eran hijos de militares de las Fuerzas Aéreas estadounidenses. Idolatraban el sonido de California desde lejos y crearon su propia versión de ese sonido: tres fanáticos que hacían una parodia de la música de su patria compartida, apenas recordada. En cuanto tuvieron la oportunidad, los miembros de America se desarraigaron y se mudaron a Estados Unidos. Después del éxito de “A Horse With No Name”, se mudaron a Los Ángeles, la ciudad cuya música ya habían estado imitando.

El cantante y guitarrista Gerry Beckley, fue responsable de “Sister Golden Hair”, el segundo y último número uno de America. Beckley ha sido franco sobre cómo su compañero compositor de pop californiano Jackson Browne inspiró la canción: “Creo que Jackson puede deprimirme un poco, pero solo a través de su honestidad. Y fue ese estilo suyo el que me llevó a una canción mía, 'Sister Golden Hair', que probablemente sea la más LA de mis letras”. La canción terminó siendo mucho más grande que cualquier cosa que Jackson Browne haya hecho. Beckley también ha admitido que el uso del lap steel en la canción estaba fuertemente inspirado por George Harrison en general y por “ My Sweet Lord ” en particular. Pero la combinación de armonías vagamente exuberantes, arreglos cremosos de pop de Los Ángeles y vagos murmullos de honky-tonk terminó sonando mucho más como los Eagles que como Jackson Browne o George Harrison. Eso funcionó bien para Estados Unidos, ya que ese pegajoso sonido country-rock estaba en pleno auge en 1975. Una vez más, Estados Unidos encontró una ola en la que subirse. En cuanto a la letra, la influencia de Jackson Browne dio sus frutos, la letra de Bunnell para “A Horse With No Name” había sido un galimatías soñador, pero en “Sister Golden Hair”, Beckley escribió sobre situaciones de relaciones reales. En la primera línea, canta sobre estar tan completamente desmotivado donde pasa un día entero en la cama: “Bueno, intenté llegar el domingo, pero me deprimí tanto / que fijé mi vista en el lunes y me desvestí”. Te está diciendo esto para que sepas que no está preparado para manejar ningún tipo de relación comprometida. Pero aún depende de la compañía de esta mítica Sister Golden Hair: “No estoy listo para el altar, pero estoy de acuerdo en que hay momentos / en los que una mujer puede ser amiga mía”. Y así pasa la canción rogándole que sea paciente con él, no se va a comprometer con esta chica, pero le va a pedir que se quede de todos modos. Es una forma manipuladora de escribir una canción, pide compasión, se presenta como un ser indefenso, y más o menos no ofrece nada es una figura patética, que necesita cuidados, incluso sus expresiones de devoción son casi pasivo-agresivas: “No puedo vivir sin ti, ¿no lo puedes ver en mis ojos?”. Al escucharla, quieres decirle a esta “Hermana Cabello Dorado” que se vaya a la mierda y que nunca mire atrás. Beckley ha dicho que esa persona no existe, que la basó en una composición de las mujeres que había conocido. Musicalmente la canción suena genial, es rica y con capas, con espacio para guitarras western brillantes y armonías de acompañamiento al estilo de los Beach Boys, tiene el brillo ligero de gran parte del pop californiano de la época.

America nunca volvería al número uno. Dos años después, Dan Peek dejó el trío y comenzó una carrera solista de rock cristiano en el sello de Pat Boone (murió en 2011). Los otros dos miembros de America siguieron adelante sin Peek y siguieron haciendo éxitos, logrando que sus canciones se ubicaran en el top 10 hasta 1982. 

1264.- Slippin' and Slidin' - John Lennon

Rock N Roll fue el sexto trabajo en solitario de John Lennon, grabado antes de Walls And Bridges pero lanzado después, encontramos al autor regresando a sus primeras raíces e influencias con un álbum completo de covers de la era prehistórica del rock and roll. La fotografía icónica de la portada del álbum, una toma de principios de los años sesenta de John Lennon merodeando en una puerta de Hamburgo, es probablemente más destacada que cualquier material grabado que se encuentre en el álbum en sí, pero eso no quiere decir que el Rock N Roll no sea un desastre sino que no pasa de una colección decente de canciones y dado que fue esencialmente una especie de liberación de obligación contractual para Lennon, semicomatoso y pronto semi-retirado, algo de eso es sorprendentemente bueno. El álbum fue grabado y coproducido por Phil Spector durante la segunda mitad de 1973, pero debido a una serie de importantes disputas legales y algún misterio inicial sobre el paradero de las cintas maestras (!), en realidad no se lanzó hasta principios de 1975: posteriormente llegó al top 10 en las listas de álbumes del Reino Unido y Estados Unidos. Por supuesto, Lennon estaba soportando su infame período de "fin de semana perdido" y estaba separado de Yoko Ono. No debería sorprendernos que su lanzamiento se haya retrasado tanto. Según todos los informes, las sesiones de grabación de Rock N Roll fueron un proceso bastante libertino e infundido de alcohol, y la supuesta mala atmósfera en el estudio se atribuyó más que en parte a la propia agresión de Lennon y su prevaleciente sensación de angustia (todo lo que necesitabas era amor, John). Al decir esto, la presencia de Spector sin duda añadió más leña a las llamas si las revelaciones sobre los propios hábitos de trabajo de Spector tienen algún elemento de verdad. Seamos honestos: Lennon y Spector presentan una combinación bastante explosiva. De hecho, después de completar el álbum Walls And Bridges, igualmente ordinario, en 1974, Lennon volvería a las cintas maestras de Rock N Roll (eventualmente aseguradas por Spector) para retocar las voces menos que impresionantes (léase: borracho), arreglar algunas de las voces más evidentes fallos técnicos y, según los informes, Lennon incluso llegó a grabar nueve temas nuevos.

La mejor pieza del álbum y la que ha quedado para la historia es Stand by me, pero me gustaría detenerme también en Slippin' and Slidin', la canción fue escrita por Little Richard, Edwin Bocage (Eddie Bo), Albert Collins y James Smith. Fue grabado por primera vez por Eddie Bo en 1956 con el título "I'm Wise", pero se le cambió el nombre cuando Little Richard grabó su versión ese mismo año. Lennon siempre ha tenido un gran aprecio a la canción, hizo unas declaraciones en este sentido: “La primera vez que escuché esta canción de Little RIchard, un amigo la importó de Holanda. Salió primero en Europa. Slippin' And Slidin' fue la cara B de Long Tall Sally, que es la primera canción de Little Richard que escuché y también fue grabada por Buddy Holly, por lo que cubre un poco de ambas. Era una canción que conocía. Era más fácil hacer canciones que conocía que intentar aprender algo desde cero, incluso si estaba interesado en las canciones.”

1117.- Candle in the wind - Elton John

La mayoría de oyentes relacionara esa canción del maestro Elton John con la princesa Diana, más concretamente con el fallecimiento de la princesa Diana de Gales, ya que en 1997 hubo un resurgimiento de este tema publicado 24 años antes a causa de este luctuoso acontecimiento.

La canción original “Candle In The Wind” no tenía nada que ver con la princesa Diana, que tenía 12 años cuando salió la canción por primera vez. Elton y su antiguo colaborador Bernie Taupin escribieron “Candle In The Wind” sobre Marilyn Monroe, que había muerto cuando Elton tenía 15 años. La canción es un conmovedor tributo a alguien a quien no se le concedió mucha dignidad durante su vida, y es también una especie de meditación sobre la fama. Años más tarde, Taupin le dijo a Rolling Stone que nunca se había sentido especialmente atraído por Marilyn Monroe, pero que ella constituía un vehículo eficaz para expresar lo que quería decir con la letra de la canción: “En realidad se trataba de los excesos de la celebridad, la temprana desaparición de celebridades y 'vive rápido, muere joven y deja un cadáver hermoso'”. Había tomado el título de algo que Clive Davis había dicho una vez sobre Janis Joplin. Bernie Taupin quedó impresionado por la personalidad de Marilyn Monroe tan accesible que parecía extenderse más allá de cualquier barrera en particular. Después de coescribir "Tiny Dancer", publicada en el álbum de estudio de 1971, Madman Across the Water , cuyo vídeo se realiza un homenaje a Monroe, Taupin siempre había querido escribir una canción sobre ella, le dijo a BBC News, “pero nunca encontré la manera correcta de hacerlo sin ser increíblemente vulgar”. Por mucho que “Candle in the Wind” sea sin duda una dedicatoria a Marilyn Monroe, habla de una tema mucho más punzante, ya que habla sobre las presiones que se ejercen sobre las celebridades. “Creo que el mayor error acerca de [esta canción] es que yo era un fanático rabioso de Marilyn Monroe, lo cual realmente no podría estar más lejos de la verdad”, ha dicho Taupin. "Es sólo que la canción fácilmente podría haber sido sobre James Dean o Jim Morrison, Kurt Cobain". También sugirió que fácilmente podría haber representado las vidas trágicas de autores tan innovadores como Sylvia Plath y Virginia Woolf. “Me refiero, básicamente, a cualquier persona, cualquier escritor, actor, actriz o músico que murió joven y se convirtió en esa imagen icónica de Dorian Gray, esa cosa en la que simplemente dejó de envejecer. Es una belleza congelada en el tiempo”, dijo.

 A Elton John le pidieron que cantara en el funeral de Diana en la Abadía de Westminster y él quería cantar una nueva canción. El libro de Bronson afirma que Elton llamó a Taupin a Los Ángeles y le pidió que escribiera algunos textos nuevos, y también mencionó que “Candle In The Wind” había estado recibiendo mucha difusión en la radio desde la muerte de Diana. Taupin “no entendió” y pensó que Elton le estaba pidiendo que escribiera una nueva letra para “Candle In The Wind”, así que eso fue lo que hizo. Taupin pasó dos horas adaptando “Candle In The Wind” para hacer frente a estas circunstancias cambiantes. Una canción sobre una celebridad corrosiva se convirtió en una despedida cariñosa y sentimental, y "adiós, Norma Jeane" se convirtió en "adiós, la rosa de Inglaterra".

Marilyn Monroe y la princesa Diana eran damas blancas bonitas y glamorosas que murieron a la edad de 36 años, pero no tenían mucho en común más allá de eso. En cierto nivel, es bastante cómodo reescribir una vieja canción querida, eliminando todos los matices y aplicando todo el sentimiento a una persona completamente diferente. Pero a la princesa Diana siempre le había encantado “Candle In The Wind” y había llegado a identificarse con la imagen de fama de la canción. Desde esa perspectiva, entonces, la reescritura fue Elton honrando a un amigo reutilizando una de sus canciones favoritas. Podría haber sido cómodo, pero no fue cínico.

1077 - Steely Dan - My old school

1077 - Steely Dan - My old school

Steely Dan, una banda icónica de jazz rock fundada por Donald Fagen y Walter Becker en 1972, ha dejado una marca indeleble en la historia de la música. Su enfoque sofisticado y su fusión única de jazz, rock y pop los distinguen. Uno de sus temas más destacados es "My Old School", una joya musical que refleja la habilidad magistral de la banda para contar historias a través de su música.

"My Old School" es un viaje nostálgico que transporta a los oyentes a la década de 1970. La canción se inspira en los recuerdos de Fagen y Becker durante su tiempo en la Universidad de Bard, donde enfrentaron ciertos desafíos. La narrativa de la canción se desenvuelve con elegancia, retratando la resistencia contra la adversidad y la celebración de la libertad individual.

El distintivo sonido de Steely Dan se destaca en "My Old School" con su uso sofisticado de arreglos instrumentales. La fusión de guitarras pulidas, teclados vibrantes y la característica voz de Fagen crea una experiencia auditiva cautivadora. La habilidad de la banda para incorporar complejas progresiones armónicas y ritmos jazzísticos agrega capas de profundidad a la canción, elevándola por encima de la música convencional.

La letra de "My Old School" no solo captura la esencia de la nostalgia, sino que también aborda temas universales como la superación de obstáculos y la persistencia. La narrativa lírica es rica en detalles, pintando un cuadro vívido de la experiencia de los músicos en la universidad. La incorporación de referencias culturales y personales enriquece la conexión emocional con la audiencia, haciéndola más accesible y personal.

La producción impecable de la canción es un testimonio del perfeccionismo de Steely Dan en el estudio. Cada elemento, desde la instrumentación hasta la mezcla, está cuidadosamente elaborado para lograr un sonido pulido y distintivo. La atención a los detalles se traduce en una experiencia auditiva que sigue resonando con oyentes de todas las generaciones.

"My Old School" también destaca por su capacidad para trascender las etiquetas musicales. Aunque enraizada en el jazz rock, la canción tiene un atractivo universal que ha resistido la prueba del tiempo. Su influencia perdura en artistas contemporáneos, demostrando la atemporalidad de la música de Steely Dan.

En resumen, Steely Dan y su canción "My Old School" representan la culminación de la maestría musical y la narración emotiva. Su capacidad para fusionar géneros, contar historias vívidas y crear una experiencia auditiva única asegura que su legado perdure en la historia de la música.

1076 - Chicago - Feelin' Stronger Every Day

1076 - Chicago - Feelin' Stronger Every Day

"Feelin' Stronger Every Day" es una joya musical que encapsula la esencia del grupo Chicago y su capacidad para fusionar el rock y el pop de una manera distintiva. Lanzada en 1973 como parte del álbum "Chicago VI", la canción se destaca por su poderosa energía y letras reflexivas.

Desde los primeros acordes, la melodía cautiva con su dinamismo. La introducción, impregnada de guitarras vibrantes y metales resplandecientes, establece el tono optimista que define la canción. La habilidad de Chicago para incorporar elementos de jazz y rock progresivo se manifiesta plenamente en esta pista, creando una amalgama musical única.

La voz característica de Peter Cetera añade una capa adicional de emotividad a la interpretación. Su entrega apasionada se combina perfectamente con la instrumentación rica, llevando al oyente a un viaje emocional. Las armonías vocales, una firma distintiva de Chicago, se despliegan de manera magistral, aportando profundidad y calidez a la experiencia auditiva.

La letra de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio de resistencia y superación. En medio de la travesía de la vida, la canción comunica un mensaje de fortaleza y esperanza. La repetición del estribillo, con la afirmación de sentirse más fuerte cada día, se convierte en un mantra que resuena en la mente del oyente. La conexión entre la música y la letra es palpable, creando una narrativa cohesiva que eleva la canción a un nivel más profundo.

El puente instrumental es un punto culminante de la pista. Los solos de guitarra y trompeta se entrelazan de manera magistral, demostrando la destreza técnica de los músicos de Chicago. Este interludio musical no solo sirve como una exhibición de habilidades, sino que también intensifica la emoción que subyace en la canción.

La producción de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio del dominio técnico de Chicago en el estudio. La mezcla equilibrada de los diversos instrumentos permite que cada elemento brille sin eclipsar al otro. La meticulosidad en la producción es evidente, lo que contribuye a la atemporalidad de la canción.

La longevidad de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio de su impacto perdurable en la escena musical. Su capacidad para trascender décadas y seguir siendo relevante es un testimonio de la maestría artística de Chicago. En resumen, esta canción no solo es un hito en la discografía de la banda, sino también un recordatorio atemporal de la capacidad de la música para inspirar, motivar y fortalecer el espíritu humano.

Daniel 

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0989.- Ben - Michael Jackson

 

El 14 de Octubre de 1972, Michael Jackson fue número 1 en Billboard, una fecha para recordar pues era la primera vez que el cantante ocupa ese puesto en solitario, años mas tarde escribiría la historia sobre todo con dos de sus albums. Este primer numero 1 fue gracias a la canción “Ben”, una emotiva balada que retrata la amistad entre un niño y una rata, pero lo que esconde este single es que fue hecho originalmente para una película de terror sobre una rata sanguinaria. El filme que tiene el mismo nombre que la afamada canción es la secuela de Willard (1971). En esta película, Ben es una rata entrenada por un humano, Willard Stiles, para que actúe a su voluntad, al igual que los otros roedores que habitan en su casa. Es así como estos animales matan cuando se le ordena, pero al final se vuelven contra él. En la segunda parte de este thriller, un niño, Danny Garrison, se vuelve amigo de Ben, quien es una enorme rata. Sin embargo, se vuelve malvada y recluta a más roedores asesinos que atacan y matan a los ciudadanos de Los Ángeles. Ciertamente, una trama que se aleja de la ternura de la balada interpretada por Jackson. Si bien Ben no le fue muy bien taquilla, la canción fue un éxito superó 1.7 millones de copias solo en Estados Unidos. Con este track el joven Michael ganó un Globo de Oro a Mejor Canción y estuvo nominada a un Oscar a Mejor Canción Original en 1973. La canción de mayor éxito del segundo álbum en solitario de Michael Jackson fue "Ben" que también da título al álbum, ganó el Globo de Oro por mejor canción original y estuvo nominada para un Óscar por mejor canción original.

 

“Mi primera relación con el cine llegó cuando interpreté la canción que daba título a la película ‘Ben’ de 1972. ‘Ben’, significa muchísimo para mí. Nunca antes había hecho nada me emocionara tanto como ir al estudio a poner mi voz en el filme. Me lo pasé fenomenal”, mencionó Michael Jackson en su libro Moonwalk. Pocos fans del músico sabían realmente el trasfondo de la historia de Ben, ya que se comercializó independientemente de la película y nunca supieron que estaba dirigida a una rata… violenta y asesina. En contraste al horror descrito en la película, Ben es una tierna balada, una canción sobre la amistad, emotiva y tierna, no hay referencia alguna a los roedores: "Ellos no te ven como lo hago/ Me gustaría que lo intentaran/ Estoy seguro que lo pensarían otra vez, si tuvieran una amiga como Ben". En su libro biográfico, Jackson señalaba: "Me encanta la canción y adoro la historia". Y comparaba la trama de 'Ben' con la del filme de Steven Spielberg 'E.T., el extraterrestre', en la que él cantaba el tema Someone in the dark. Jackson explicaba: "la gente no entendió el amor del chaval por esta pequeña criatura. Él estaba moribundo, aquejado de alguna enfermedad, y su única amiga verdadera era Ben, la lideresa de las ratas de la ciudad en la que vivían. Mucha gente pensaba que la película era un poco extraña, pero yo no era uno de ellos".

0134: Surfer girl - The Beach Boys

Nos enfrentamos al tercer álbum del grupo The Beach Boys que iba a empezar a marcar las características del grupo y su pieza fundamental, salvo dos temas tradicionales, Brian Wilson compone todas las canciones del disco (rarísimo en 1963, los Beatles también lo harían con “A hard day’s night” un año después, pero era muy poco habitual), pero, además produce el disco. Con 21 años tiene absoluto control sobre su obra, caso único en la época. ”Brian es los Beach Boys, nosotros somos sus mensajeros”, dijo Dennis tiempo después.

El disco se abre con la excelsa Surfer Girl, una canción de una belleza increíble que se eleva aún más por las extraordinarias armonías del grupo, la voz de Brian y el arpa tocada por la hermana de Mike, un clásico imprescindible dentro de la discografía del grupo, y una osadía, cuando todos el mundo demandaba hits para que la juventud surfer de California la cantara y disfrutara, Wilson, ni corto ni perezoso ofrece una balada en un movimiento de maestro que marca un atrevimiento relevante y una ambición distinta y ya casi desatada de Brian Wilson por darle una personalidad a la banda basada en la belleza melódica. Wilson pasó de cantar 'Cuckoo clock' en su primer álbum de forma no tan pulida y como excepción a cantar tres canciones en su segundo álbum 'Surfin' USA', transformándose en segundo vocalista de la banda de forma más clara exhibiendo un estilo vocal será directamente excelente, así 'Surfer girl' completa el circulo y sitúa de forma completa al Brian Wilson que veremos crecer de aquí en adelante como el líder absoluto del grupo. Este tema también es de su sola autoría y cumple con todos los requisitos estilísticos y melódicos para definir y resolver un estilo propio para el grupo, las armonías del final son de otro planeta e invitan al escuchante a reconocer a Wilson como un cantante excepcional que se está tomando el protagonismo de la banda.

Wilson ha declarado a lo largo de los años que fue la primera canción que compuso, era tanto su amor por la música que nunca estaba lejos de un piano, pero en realidad como declaro más tarde, escribió la canción mientras conducía en dirección a un puesto de perritos, de repente la melodía se le metió en la cabeza y la dibujo por completo sin la ayuda de un instrumento, me la canté a mí mismo, ni siquiera la canté en voz alta en el auto. Cuando llegué a casa ese día, terminé la canción, escribí el puente, armé las armonías y la llamé 'Surfer Girl'. Más tarde confesaría que para crear la melodía se inspiró en "When You Wish Upon A Star", de la película de Disney Pinocho. A pesar de que es una canción de amor y sobre una chica, Wilson nunca ha confesado en quien se inspiró para realizar el tema, todos sospechamos que fue en su novia por aquel entonces Judy, pero él ha dejado claro una y otra vez que está dedicada a todas las chicas surfistas que disfrutan encima de la tabla.

0121: Please Please Me - The Beatles

 

Please Please Me, The Beatles

     El 11 de septiembre de 1962, los Beatles realizaron en los EMI Studios una primera grabación del tema Please Please Me, tema que daría título a su primer álbum de estudio, y que sería lanzado como sencillo para promocionar dicho disco. Esta primera grabción no convenció al productor George Martin, que emplazó al grupo a intentarlo más adelante.

John Lennon era un gran seguidor de Roy Orbison, y escribió Please Please Me inspirándose en el estilo de canto dramático que Roy Orbison solía imprimir a sus temas. En cuanto a la letra del tema, John Lennon le pide a una chica que le complazca al igual que él hace con ella. Muchos asumieron que se refería al sexo oral, algo que los Beatles siempre negaron y que iba en contra de la impoluta imagen que aquellos chicos tenían en aquel entonces.

El 26 de noviembre de 1962 el grupo regresó a los EMI Studios para otra sesión de grabación, y George Martin no faltó a su palabra en cuanto a la grabación del tema, pero sugirió que grabaran el tema más acelerado y le añadieran armonías vocales. Justo al finalizar la regrabación del tema, George Martin quedó tan entusiamado que cogió el micrófono del intercomunicador y le dijo al grupo "Chicos, acabáis de grabar vuestro primer número 1.", y no se equivocaba.

Please Please Me fue publicado como sencillo por Parlophone en Reino Unido el 11 de enero de 1963, y posteriormente el 30 de enero de 1964 por Vee-Jay Records en Estados Unidos. El tema sería incluido en el primer álbum  de la banda, al que además da título, y que fue publicado el 22 de marzo de 1963. El sencillo alcanzó el puesto número 1 el 22 de febrero de 1963 en las listas de sencillos del Melody Maker y del New Musical Express, la lista de éxitos más reconocida del momento, y el puesto número 2 en la lista del Record Retailer, lista que acabaría evolucionando hasta convertirse en la Lista Oficial del Reino Unido.

0120: Twist and shout - The Beatles

 

Twist and shout además de una de las canciones mas conocidas de la primera etapa de The Beatles fue el título del primer EP del grupo de Liverpool que incluían las canciones “Twist and Shout” y “A Taste of Honey” por la cara A y “Do you Want to know a secret?” y “There’s a Place” por la cara B. 

Estamos ante una de las grandes joyas del repertorio de los cuatro de Liverpool y, de hecho, solía ser el tema con el que abrían sus intervenciones cuando todavía tocaban en los salones de baile de su ciudad y en el emblemático Cavern Club. Entró en el repertorio en vivo de The Beatles en 1962, existe una versión grabada en vivo del Star-Club de Hamburgo en diciembre de ese año aunque nunca se ha editado. La primera versión conocida, sin embargo, fue grabada para el programa de radio Talent Spot de la BBC el 27 de noviembre de 1962 en el Paris Studio de la corporación en Londres. La canción había sido originalmente compuesta por Bert Berns, un pionero del rock and roll y de la música soul en los años sesenta y luego popularizada por los Isley Brothers en 1962.

Este tema siempre ha estado mal vista entre los miembros del grupo, creando polémicas que el tiempo y el éxito borraron, la más trascendente la protagonizaba Lennon ya que decía que se sentía incómodo por tocar ese tema cuando había un artista negro en el mismo evento que ellos. Al respecto, llegó a declarar públicamente en 1963: "No parece correcto. Me siento un poco avergonzado... Siempre siento que ellos podrían hacer la canción mucho mejor que nosotros". Y es que Twist and Shout nos pudo costar la existencia del grupo más grande de la historia, ya que cuando Lennon y sus compañeros finalmente grabaron la canción en 1963 como parte del disco Please Please Me, la interpretación vocal de John prácticamente desgarró sus cuerdas vocales, la historia es que estaban al final de la sesión de grabación y el cansancio hacia mella en músicos y cantante, nadie puede recordar quién lo hizo pero alguien sugirió cerrar la sesión con "Twist And Shout" (posiblemente George Martin), pero a pesar de que la voz de John se había ido especialmente en ese momento, accedió a regañadientes a cantarla. Lennon chupo un par de Zubes (dulces para la garganta), hizo gárgaras con un poco de leche, se quitó la camisa (por alguna razón) y regresó con la banda para grabar la última canción del día.  Debido al mal estado de la garganta de Lennon, todos sabían que tenían que hacerlo bien la primera vez, incluso en la cabina de control… y salió, no obstante, empezaron a grabar una segunda toma pero la voz de Lennon se quebró sin haberla terminado, con lo que esa primera toma seria la que incluirían en el álbum, The Beatles tocaron aquella noche en vivo exactamente lo que escuchas en el disco hasta el día de hoy, no se necesitaron sobregrabaciones. Esa actuación legendaria de aquella noche aproximadamente a las 10:15 pm tuvo un efecto tremendo en todos los presentes. Richard Langham, uno de los ingenieros presentes ese día histórico, calificó esta toma como "una demostración asombrosa". El propio George Martin exclamó asombrosamente en ese momento: “No sé cómo lo hacen. Hemos estado grabando todo el día, pero cuanto más avanzamos, mejor se vuelven”, para McCartney es una de las actuaciones vocales más memorables de la historia del grupo.

 

La versión fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964, con «There’s a Place» en la cara B, por el subsello discográfico Tollie, de Vee-Jay Records. En las listas de éxitos alcanzó el segundo puesto el 4 de abril de 1964, la semana en que los primeros cinco puestos del Top-Ten fueron ocupados por canciones de The Beatles.