0675.- Fire and Rain - James Taylor

James Taylor fue la encarnación del cantautor en los años 70, suaves composiciones que acariciaban como la brisa de Laurel Canyon y un particular estilo de fingerpickin’ a la guitarra que no solo coloreaba sus propios discos sino que también apareció en alguno de los discos más importantes de aquella década como el Blue de Joni Mitchell o el Tapestry de Carole King. Nacido el 12 de marzo de 1948 en Boston, bajo el nombre completo de James Vernon Taylor, se trasladó, con toda su familia, a Carolina del Norte, conooció a Danny Kortchmar, un aspirante a guitarrista neoyorquino con el que compartía una afinidad por el folk y el blues. A los 14 años Taylor compuso su primera canción y al año siguiente, en 1963, ya estaban tocando en todos los garitos del Vineyard como Jamie & Kootch. Su quebradizo estado emocional le jugó una mala pasada en el año 1965 cuando tuvo que ser internado en el Hospital Psiquiátrico McLean a causa de una fuerte depresión que le tuvo al borde de la muerte. En el año 1966, ya superada la fase depresiva, volvió a la carga con su idea de formar un grupo. Se juntó a su buen amigo Kootch y a Joel O’Brien y creó The Flying Machine, un conjunto que grabó un single (“Night Owl”) y varias canciones posteriormente recogidas en el disco “James Taylor And The Original Flying Machine” (1967). James se convirtió por esa época en un impulsivo consumidor de drogas, especialmente de heroína, sufriendo una intensa adicción que le llevó de nuevo a ingresar en un sanatorio, el Austin Riggs. Al poco tiempo la banda se disolvió y Taylor pasó a cantar en los parques solo con su guitarra, pasando posteriormente la gorra. Su adicción seguía creciendo y el dinero escaseaba, así que un día apareció su padre por Nueva York, le metió en su coche y se lo llevó de vuelta a Carolina del Norte. Alli consiguió que Peter Asher, el pelirrojo componente del dúo Peter & Gordon, en ese momento productor de Apple Records, se fijase en sus posibilidades como cantautor y, tras mantener una entrevista con Paul McCartney, James logró que el sello creado por los Beatles publicara su primer LP en solitario, titulado simplemente “James Taylor” (1968), un estupendo trabajo producido por Asher, quien también se convirtió en su representante. El LP pasó inadvertido en su época, pero por lo menos le sirvió para ser contratado para un buen número de conciertos por tierras estadounidenses que tuvieron que ser cancelados cuando James  sufrió un accidente de motocicleta que le rompió algunos huesos de sus manos. Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron “Sweet Baby James” (1970), un disco en el que colaboró Carole King y que le convirtió en estrella gracias a singles como “Fire And Rain”, “Country Road” o el homónimo “Sweet Baby James”, todos ellos con rasgos autobiográficos. El álbum llegó al número 1.

Fire and Rain es probablemente la pista más notable en el catálogo de James Taylor. Esta canción muestra un poco más del lado oscuro de la composición de Taylor. El primer verso alude al suicidio de una amiga llamada Suzanne, y el segundo verso pasa a la lucha personal de Taylor con la adicción a las drogas. Fire and Rain eventualmente sería una canción que rompió a Taylor en la radio, pero rara vez tocó temas tan oscuros en los sencillos de radio que siguen. La canción es incluso un caso atípico en el álbum. Carole King ha dicho que su canción You've Got a Friend (que Taylor grabaría en su próximo álbum) fue escrita en respuesta a Fire and Rain. Todos conocemos la canción, la hemos estado cantando desde que éramos niños y estoy seguro de que todos estamos aburridos hasta las lágrimas. Sin embargo, en manos de Taylor, es una canción hermosa, perfectamente reconocible, pero al escuchar a Taylor cantarla siento que la escucho por primera vez. El hombre es verdaderamente un músico dotado.

Pablo Honey - Radiohead #MesRadiohead

Pablo Honey es el primer álbum de la banda de rock británica Radiohead, sin embargo, a diferencia de sus futuros discos, apuesta por un estilo grunge, impulsado por la guitarra, similar a lo que bandas como Nirvana estaban haciendo por la misma época, se menciona a menudo en el contexto del grunge, pero también hay mucho shoegaze, con guiños a la grandilocuencia de los primeros U2 y la melancolía melódica de The Smiths. Es por esta razón que muchos fanáticos descartan este álbum. No creo que Pablo Honey sea un gran álbum, pero sí creo que es perfectamente decente, con un puñado de temas sobresalientes y nada que yo llamaría absolutamente horrible. La historia posterior a Pablo es algo así como que la banda tiene mejores ideas y refina su sonido casi en protesta directa por el álbum, sacando joya tras joya a lo largo de su carrera hasta el momento y dejando que su debut acumule polvo en el armario, demasiado pintoresco y cursi como para escucharlo.

 

You es un gran comienzo para el álbum, con sus voces altísimas y puñaladas de guitarra esporádicas, sin embargo, pero percibo que la voz somnolienta y nasal de Thom es realmente molesta, entiendo que todo su truco es tener un falsete mareado, pero en mi opinión esto va demasiado lejos. Mejora la canción por las guitarras resplandecientes, la progresión poco convencional y las letras profundas crean una experiencia maravillosa, animándome a seguir escuchando. Sin embargo, no puedo evitar sentir que falta algo. Simplemente no lo siento tan apasionado o emocional como las canciones posteriores de Radiohead, lo que dificulta tomarlo en serio. 

Creep es, con mucho, la canción más conocida de Radiohead, y puedo ver por qué, tiene un tema identificable, un riff de guitarra pegadizo y salió en la cima del boom del grunge de los 90, la mayoría de los fans de Radiohead disfrutan sumergiéndose en esta canción, esto se debe principalmente a la infame aversión de Thom por él, y se niega a tocarlo en muchos de los conciertos de la banda. Creep no se parece en nada al estilo más ambicioso, electrónico y experimental que dominaría su trabajo posterior. Pienso que Creep es una muy buena canción, estructura silenciosa, ruidosa y tranquila con riffs enormes y abiertos. La guitarra suena ruidosamente antes del riff, con las voces agudas y limpias posteriores. How do you? destaca por un sonido grunge pesado y ruidoso, en lugar del estilo de rock alternativo ligeramente menos intrusivo del resto del disco, la canción no ha envejecido bien se esfuerza demasiado por igualar el espíritu rebelde de bandas como Nirvana, como se ve a través de sus voces molestas y sus letras mezquinas. La "producción" no es buena en absoluto y las voces y las letras son muy molestas. Cuando aparece el coro, se percibe forzado y fuera de lugar, su principal gracia salvadora es que son solo 2:12. Stop Whispering es una gran canción sobre enfrentarse a los demás y expresarse, se disfruta la progresión sutil, el mensaje edificante y el clímax caótico, sin embargo, no hay mucho que decir sobre esta pista. Aun asi disfruto de Stop Whispering, su clímax intenso es una de las partes más memorables del disco, además su uso de metáforas lo hace más interesante líricamente que varios otros temas aquí, algo con lo que Radiohead llegaría a la cima muchas veces en sus álbumes posteriores, haciendo que Stop Whispering fuera un poco olvidable, pero nada malo. Thinking about you es, con diferencia, mi canción más aburrida del álbum, combina todos los rasgos del grupo sin alma, genéricos para crear una de las peores pistas de Radiohead. La canción presenta una sensación aburrida y sin vida. Las guitarras acústicas se sienten tan fangosas y suaves, especialmente en comparación con otros álbumes como In Rainbows. Los acordes simples y repetitivos no ayudan a esto, lo que hace una canción aún menos interesante. Anyone can play guitar es quizás una de las canciones más infames de Radiohead, pero dicho esto, sinceramente, me gusta mucho la canción. Vale, es súper cursi y todo eso, pero es cursi en el buen sentido, el concepto de extrañar a una chica es dolorosamente cliché. La canción puede tener cierta relación con "Creep", en cuanto al estilo.

Ripcord abre la segunda mitad de Pablo Honey y está bien, el principal problema es que apenas desarrolla su concepto más cuando trata de cuántos niños no están preparados para la edad adulta, no es un mal concepto, sin embargo, cuando tu canción solo tiene dos líneas por verso, se me hace difícil sumergirme en esta idea, el instrumental puede volverse muy cursi en algunos puntos. Estoy pensando específicamente en la apertura, con su repentino cambio de silencio a fuerte, y su clímax, con su rápido estallido de guitarras. Es difícil de describir, pero este es Pablo Honey , ¿a quién le importa?. Vegetable ¿Desde cuándo tener autocontrol es algo malo? Aparte de eso, esta canción está bien, el puente es interesante, las guitarras son decentes y el canto es tolerable, pero no tiene el corazón de otras canciones de Radiohead. Prove yourself una de las canciones más cortas del álbum, con solo 2 minutos y 25 segundos, el cambio abrupto de silencio a alto es cursi como el infierno, y el coro se vuelve muy repetitivo en algunos puntos, no es una mala canción, ya que el solo de cierre es fantástico y Thom ofrece voces muy emotivas y la instrumentación es bastante buena, pero tampoco es genial. I can’t es una especie de cancion indie pop-rock pegadiza... si no hubiera sabido que se trataba de una canción de Radiohead, podría haber adivinado que era una canción australiana de este género. Bajos sutiles, riffs y voces dulces por momentos. Se vuelve agotador ver que cada canción trata sobre el mismo tema exagerado, sin darle ningún giro el canto es atractivo, el instrumental es agradable y el final es genial, pero no es memorable en absoluto. Lurgee es bastante buena, no es sorprendente, pero ciertamente es mejor que la mayoría de las canciones que la precedieron. Agradable ambiente indie pop-rock con dos guitarras solistas... una de las cuales suena más limpia que la otra,Thom tiene una interpretación vocal muy sincera y las guitarras hipnóticas y arremolinadas son fantásticas. Sin embargo, se queda como un interludio sólido que conduce al final de este álbum. Blow out es ambiente jazzy de salón de cócteles desde el principio con los platillos y el sonido de la guitarra solista., la canción comienza con melancolía y suaves acordes de guitarra, creando un estado de ánimo triste. Y para un álbum lleno de pistas sombrías y desgarradoras, eso hace que este sea un tono bastante apropiado para terminar, Thom comienza a cantar, su voz es más tolerable que la mayoría de las otras canciones, sin embargo, la letra honestamente podría necesitar algo de trabajo. Al igual que las 4 canciones anteriores, Blow Out trata una vez más el tema de la duda. Sin embargo, todo lo que se hace para engalanar esta idea es introducir vagas referencias a la mitología griega, específicamente a Aquiles y Medusa.

 

Pablo Honey obtuvo algunos hits pero el álbum cae de bruces en la segunda mitad. Allí, vemos canción tras canción con los mismos temas y sonidos agotadores, pero a pesar de esto, todavía tiene algunas pistas realmente buenas, aunque comúnmente es considerado como el peor álbum de Radiohead, y es fácil ver por qué. No intenta nada nuevo, no tiene mucha alma, las ideas de las canciones son genéricas y el canto de Thom es doloroso. Sin embargo, hay suficientes pistas buenas en este disco para escucharlo varias veces.

 

 

 

Blur - The magic whip Píldora #9

The Magic Whip fue escrito durante una estancia de Blur en Hong Kong, allí se suponía que la banda tocaría en el Tokyo Rocks Music Festival, pero fue cancelado, así que los chicos estuvieron atrapados en Hong Kong durante cinco días y para pasar el tiempo decidieron ser creativos y empezaron a componer canciones y no le salió nada mal. El estilo sigue siendo es el mismo, sigue siendo irresistible, recubren este disco de una mezcla de melancolía poco convencional, pero siempre con la prominente actitud de ser ellos mismos, estos detalles son los que hace que la banda sea lo que es, y justamente esto es lo que se espera de ellos durante los últimos años. Se inicia el album con "Lonesome Street" y con esa sensación clásica de Blur que recuerda los mejores momentos, una canción de rock emocionante, divertida y llena de energía que recuerda más a su era Britpop ya que tiene una estructura de canción similares, es optimista mientras habla de cosas turbias en Lonesome Street. “New World Tower” suena como algo sacado directamente de Everyday Robots (álbum solitario de Damon Albarn), Damon hizo la grabación mientras estaba de gira con su proyecto en solitario, y en la cancion canta sobre sus experiencias de viaje (luces de neón, enormes torres en el nuevo mundo, posiblemente trata sobre Hong Kong ya que fue la principal inspiración detrás del álbum). En el sencillo principal de este álbum “Go Out”, es una canción pop fantástica, es uno de mis mejores momentos del álbum, lo de Lo-ooo-cal es tan pegadizo y destaca esa sucia distorsión de guitarra, con Coxon tocando algunos rellenos entre el riff principal, disfrutamos de un puro estilo rock-n-roll con muy pocas locuras, convirtiéndose en una de las canciones más duras del álbum. “I Broadcast” es una psicodelia pop infundida con sintetizadores muy enérgicos, Coxon trae una guitarra más espacial aquí con un distorsionado ocasional, la línea de bajo de Alex James es mejor de lo habitual. "There Are Too Many Of Us" es un himno, líricamente es similar a The Universal en cierto modo por lo global, hay señales de llamadas telefónicas en segundo plano y el pequeño interludio es todo sintetizadores espaciales y suena realmente bien. “Mirrorball" es otra de las grandes, con la guitarra limpia de Coxon, es una de las primeras canciones en los que fácilmente se nota que hay un piano presente en el álbum, no sabría decirte si es algo bueno o no, pero la canción es buena casi un punto culminante. Para ser un álbum que inicialmente no estaba planeado y que simplemente sucedió, es la demostración de la química y habilidad que estos 4 muchachos aún tienen. Hay un par de pistas desechables, pero incluso con su corta sesión de grabación han demostrado que después de 16 años separados todavía tienen ese talento raro especial para producir música hermosa y relevante.

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0674.- The Seeker - The Who

The Seeker ("El buscador") es una canción de The Who que salió publicada únicamente como single en 1970, con la composición de Roger Daltrey "Here for more" en la cara B, y posteriormente fue incluida en la recopilación de 1971 "Meaty Beaty Big and Bouncy". Como single, alcanzó el número 19 en las listas del Reino Unido y el número 44 del Billboard estadounidense.

Fue el primer tema en el que trabajaron después de Tommy, y es una de las canciones más valoradas por su autor, Pete Townshend. Incluye una colaboración al piano de Nicky Hopkins, habitual músico de sesión de los mejores discos de The Rolling Stones, entre muchos otros, y fue un tema habitual en la gira de The Who de 1970, pero desapareció después de las giras posteriores.

En la canción se mencionan los nombres de varios personajes relevantes de la época: Bob Dylan, The Beatles y Timothy Leary, gran defensor de las drogas psicodélicas, en una letra que trata sobre la desesperación de un hombre que acusa a todo el mundo de no preocuparse por él, mientras se comporta de un modo desagradable y egoísta y no hace nada por ganarse un trato diferente, confiado en que conseguirá lo que realmente busca en el momento de su muerte.

0673.- The Wizard - Black Sabbath

 

The Wizard, Black Sabbath

     El 13 de febrero de 1970 se producía el debut discográfico de Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y Ozzy Osbourne (voz), o lo que es lo mismo, Black Sabbath. El título del álbum sería publicado bajo el mismo nombre de la banda, Black Sabbath. Este disco está considerado por muchos como el primero de la historia del metal, y además punto de partida para la creación y desarrollo de dicho género. El álbum fue grabado en una única sesión el 16 de octubre de 1969 en los estudios Regent Sound de Londres. El grupo tardó unas ocho horas en grabarlo y tuvo un coste de unos 1200 dólares. El disco, producido por Rodger Bain, fue publicado bajo el sello discográfico Vertigo Records, y tras su lanzamiento llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 23 en la lista estadonidense Billboard 200.

Incluido en este aĺbum debut se encuentra The Wizard, tema acreditado a toda la banda. Para su composición el grupo se inspiró en el personaje de Gandalf de El Hobbith y El Señor de los Anillos, las famosas obras de J. J. R. Tolkien. La canción trata de un mago que usa su arte, la magia, para animar a todo el que se encuentra a su paso. También se rumoreaba que la canción tenía un doble sentido y trataba de un vendedor de drogas que abastecía a la gente para hacerla "felíz". Toni Iommi aclararía el sentido de esta canción en su libro "Iron Man: My Journey Through Heaven and Hell with Black Sabbath", donde explicaba que Ozzy Osbourne y Geezer Butler iban un día contentos a causa de las drogas y vieron a un hombre haciendo el tonto fuera de un club, parecía una especie de elfo para ellos. Así nació la canción The Wizard. La canción fue utilizada como cara B del primer sencillo de Black Sabbath, Paranoid, que fue lanzado antes de su segundo álbum. The Wizard es un sensacional tema marcado por unos imponentes cambios de ritmo y la presencia de una armónica, la cual fue grabada por Ozzy Osbourne. Al igual que el tema Iron Man, The Wizard acabó conviriténdose en una especie de personaje y apelativo para el cantante de la banda Ozzy Osbourne, a quien llamaban The Wizard (El Mago).

Disco de la semana 300: Transformer - Lou Reed

Recuerdo perfectamente el momento en que me compré el Transformer de Lou Reed, un día cualquiera mientras rebuscaba entre los cd's de "Discos La Metralleta" en un sótano del centro de Madrid, cuando podías encontrar allí casi cualquier cosa que buscaras al asequible precio de 6 euros. Al ver a Lou Reed sombreado en amarillo y negro en la carátula pegué un respingo, y emocionado lo abrí para ver si el cd interior estaba en buen estado. Sorprendentemente, el cd era completamente plateado y sin ninguna inscripción o dibujo que demostrara que se trataba realmente del mejor disco del "poeta de Nueva York" y no de otro disco cualquiera, que por equivocación hubiera terminado en esa caja, y aunque la explicación más probable era que se tratara de un cd grabado, yo estaba tan cegado por la emoción que aquello me pareció un mal menor.

Para resolver mis dudas, me dirigí al mostrador de la tienda y le mostré al dependiente el extraño cd plateado y sin leyenda alguna, como si de un platillo volante extraterrestre se tratase. El hombre de la tienda, no sé si disimulando para no perder una venta, o igualmente abducido por el extraño objeto, lo puso en un reproductor de cd's para resolver el misterio. Cuando Vicious empezó a retumbar por toda la tienda, supe que ese disco acabaría en mi mochila, porque original o no, contenía una obra maestra histórica. Con las afiladas y distorsionadas guitarras glam rock de Reed y Mick Ronson aún sonando de fondo, en el que era el tema de sonido más Velvet Underground del disco, el dependiente me ofreció una rebaja para compensar por el cd interior, dejándolo en 5 euros. Quizá eso fuera una prueba más de que el cd era grabado, pero a mí ya me daba lo mismo, era más grande mi "vicio" por aquel disco que cualquier otro pensamiento más coherente al respecto.

El dependiente siguió probando el disco y saltó a la pista dos. Andy's Chest sonó entonces por los altavoces de la tienda, pero Andy "sacó pecho" solo unos segundos, apenas los necesarios para que la canción, de un corte más acústico que la anterior y aderezada con los coros del propio Bowie, fuera reconocible. Una vez comprobada, el dependiente saltó a la tercera pista, y el solemne y taciturno piano de Perfect Day inundó de notas el viejo sótano. Una canción tan tremenda es capaz, por si sola, de salvar el peor de los días y hacerlo perfecto, y no puede ser rechazada por la simple sospecha generada por un cd más plateado de lo normal. Los arreglos de violines y la solemnidad del estribillo tienen la firma del mejor Bowie, pero en la voz de Reed, más melódica que nunca, y en la solemnidad y la épica del estribillo, el tema adquiere una profundidad sin precedentes.

Ya en casa, y escuchando el disco al detalle, la combinación de las guitarras sucias de Lou Reed y el toque brillante que le dan a las canciones la producción y las aportaciones de David Bowie me resultaron todavía más evidentes, y me reafirme en que estaba ante una auténtica joya irrepetible, aunque no exenta de momentos menos inspiradores como en Hangin' Round, que como su nombre indica no es más que un divertido intento de "dar vueltas" sobre el concepto de las estrellas de rock clásico y callejero con las que Reed se relacionaba en The Factory en los tiempos de Andy Warhol y la Velvet Underground. Es solo un respiro más o menos prescindible, antes de llegar a uno de los momentos cumbres del álbum y de la carrera del neoyorquino, la excelsa Walk on the wild side, una historia sobre travestidos, fracasados y otros personajes condenados a transitar por el "lado salvaje de la vida", con una letra que es casi cinematográfica y en la que la intensidad del bajo, los coros femeninos y el solo de saxofón son tan legendarios como la propia letra, sin duda una de las mejores de su carrera.

Make Up aporta el toque cabaretero a un disco canalla y oscuro. Los arreglos de tuba de Herbie Flowers la convierten en otra rareza más del disco y de la obra de Reed, aunque su posición en el disco perjudique a su reputación y su calado, porque a la sombra de dos gigantes como Walk on the wild side y Satellite of love palidece bastante. De esta última destaca sobremanera la progresión que va teniendo, pasando de manera sublime de una austera base de piano y un tema de corte melancólico, a un tramo final en el que la épica vocal de los coros de Bowie la convierten en una odisea espacial y grandiosa. Tras ella, el disco va bajando el ritmo al ver ya cercana la estación de destino del viaje, y la "rueda del vagón" suelta chispas de rock eléctrico y acústico en Wagon Wheel, en la que vuelven a aparecer unos coros femeninos, algo poco habitual en un disco en el que predomina la dupla vocal de Reed en la voz principal y las apariciones esporádicas de Bowie en los coros.

Tras el paréntesis de New York Telephone Conversation, una anecdótica pieza de relleno en clave de comedia teatral con base de piano, sobre la ligereza y los cotilleos de las conversaciones telefónicas, llega la traca final con dos canciones tan contrapuestas como brillantes: I'm So Free es el rock alegre y vitalista, y la libertad y la alegría de su letra y de sus arreglos contrasta con el tono sombrío y bohemio de Goodnight Ladies, más cercana a las canciones ebrias y cabareteras de Tom Waits, en la que la tuba hace de nuevo su aparición en el disco, y el saxofón se luce junto a la voz profunda y deprimida de Reed.

Al ponerlas juntas al final del disco, es como si fueran parte de una misma escena cinematográfica, que comienza en un estado de alegría y optimismo extremos, que a lo largo de la noche se van transformando en decepción y resignación, como si el "día perfecto" de esa otra gran canción del disco no terminara como habríamos esperado, y solo quede volver a casa haciendo eses y apoyándose en cada farola del camino, con la esperanza de que, a la mañana siguiente, el nuevo día sea aún más perfecto, los cd's plateados sean claramente auténticos, y los dependientes sigan haciendo buenos descuentos. Hasta entonces, y como dice el bueno de Lou Reed para cerrar este enorme disco: ¡Buenas noches, señoritas!

672.- N.I.B. .- Black Sabbath

 “N.I.B.” empezó a tomar forma en Suiza, lugar donde la banda estuvo varias semanas antes de grabar el disco, para matar el tiempo hacían “sesiones” de una hora, y en una de ellas Butler practicó un solo de casi treinta minutos, del cual nació la intro “Bassicaly” y que es oro puro para un metalero. La letra de la canción tuvo la misma fuente de inspiración que las del resto del disco: los temas que les interesaban a los miembros del grupo por esos años y que referían a Gandalf, a Lovecraft, al atractivo de lo prohibido, a la provocación profana, a Lucifer. En el fondo “N.I.B.” habla sobre las múltiples tentaciones de la vida. La canción expresa el sufrimiento eterno y el encuentro con el demonio a cambio de obtener el amor de una mujer.

Sin embargo, el que la canción haya sido titulada como una sigla también dio origen a varias discusiones. La afirmación de que la canción significaba “Nativity in Black” tuvo tal relevancia, que logró que dos álbumes tributo a Black Sabbath llevaran ese nombre. En el primero de ellos (de 1994), Ugly Kid Joe fue la banda encargada de realizar la versión de “N.I.B.”, mientras que en el segundo (del año 2000) los responsables de reversionar el tema fueron Primus, en compañía de Ozzy. Muchos fanáticos a lo largo de los años han teorizado y debatido sobre lo que realmente significa "NIB”; las sugerencias populares son "Natividad en negro" o "Nombre en sangre", pero la respuesta real es mucho más simple. La letra real de la canción trata sobre Satanás, pero está pintada de una manera diferente a la de "Black Sabbath”. En "NIB" , Lucifer se enamora de una mujer y cambia su forma de ser, convirtiéndose en una buena persona. No tiene mucho sentido que el gobernante del mal sea redimido, pero habla del mensaje de que "nadie está más allá de la salvación". Esta pista legendaria comienza con un solo de bajo inocuo del siempre humilde Geezer Butler (titulado "Bassically"en la edición de EE. UU.), indicándonos que esta canción es su momento de brillar. Su riff de blues simple pero efectivo en la clave de C le da a este el sonido característico de Sabbath. A Butler también se le puede atribuir el primer uso registrado de un pedal wah-wah en un bajo en esta canción, lo que lo convierte en una figura muy influyente en la escena del stoner rock. Vocalmente, Osbourne ofrece una de sus actuaciones más poderosas en el disco, poniendo todo su empeño en alcanzar las notas altas y volviéndose teatralmente melodramático durante el coro. Él hace un gran trabajo al interpretar el personaje de Satanás, por así decirlo, ya que esta canción está escrita en primera persona. Si a eso sumamos el reconocidísimo riff, resumimos que en “N.I.B.” se encuentra la trascendencia de Black Sabbath y de esta canción como un manual del heavy metal y sus sub géneros. Bajo frenético, guitarra afinada de manera innovadora, batería pesada como el plomo, son atributos que lograron que la banda creara muchas generaciones de músicos y que este riff fuera coreado por millones de fans a lo largo de 50 años, y pasarán muchos más y los nativos de Birmingham seguirán siendo la banda referencial de todo el género metal.

Grandes éxitos y tropiezos: Phil Collins

Grandes éxitos y tropiezos: Phil Collins

Phil Collins, es un cantante, baterista, compositor, productor y actor británico, y uno de los artistas de mayor éxito de la música rock. Phil Collins ha liderado la lista de éxitos estadounidense Billboard Top 100 como cantante en ocho ocasiones, siete como solista y una con junto a la banda Genesis, se podría decir un artista de éxito.

La discografía completa de la carrera en solitario de Phil Collins, consta de ocho álbumes de estudio, un álbum en vivo , dos bandas sonoras, dos álbumes de compilación, un álbum de remezclas, un box set y cuarenta y cinco sencillos. Y ha vendido más de 33 millones de álbumes en los Estados Unidos, y en todo el mundo alrededor de 150 millones de discos.

El primer álbum como solista de Collins, Face Value, fue lanzado en el Reino Unido en febrero de 1981 y alcanzó el puesto número uno en el UK Albums Chart y fue certificado 5 veces por Platino por la Industria Fonográfica Británica (BPI). Su segundo álbum, Hello, I Must Be Going! , fue lanzado en 1982 e incluía el número uno del Reino Unido " No puedes apurar al amor ". El álbum alcanzó el número dos en el Reino Unido y fue certificado 3 veces de Platino.​ En 1984, Collins grabó "Against All Odds (Take a Look at Me Now)", la balada que disparó al número uno en los EE. UU. en el Billboard Hot 100 y el número dos en el Reino Unido. Él también realizó un dúo con Philip Bailey, para la canción "Easy Lover" (1985), que alcanzó el número dos en los EE. UU. y pasó cuatro semanas en el número uno en el Reino Unido. También en 1984, Collins participó con Bob Geldof en la Band Aid para la caridad los tambores de los proyectos, y tocó en el sencillo de Band Aid "Do They Know It's Christmas?".

A principios de 1985 Collins lanzó su tercer álbum, No Jacket Required, que contenía los éxitos "Sussudio" y "One More Night". También grabó la canción "Separate Lives", donde formó un dueto con Marilyn Martin, que alcanzó el número uno en los EE. UU. No Jacket Required debutó en el número uno en los EE. UU. y el Reino Unido, es el álbum más vendido de su carrera y ha sido certificado por Diamante en los EE. UU. por las ventas de más de 10 millones y seis veces Platino en el Reino Unido. En 1988, Collins contribuyó con canciones para la banda sonora de la película Buster, en el que también interpretó: "Two Hearts", y la contraportada de " Un lindo tipo de amor ", el último de los cuales se convirtió en un número uno por el Reino Unido y en EE. UU. En 1989, Collins produjo otro álbum exitoso álbum, ...But Seriously, con el himno de lucha contra la falta de vivienda "Another Day in Paradise", que alcanzó el número uno en los EE. UU. y el número dos en el Reino Unido. Un álbum en vivo, Serious Hits... Live! fue publicado en 1990.

El quinto álbum de Collins, Both Sides, fue lanzado en noviembre de 1993, a pesar de que tuvo menos éxito que sus anteriores discos, el álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido. Su siguiente álbum, Dance into the Light , fue lanzado en 1996 y fue aún menos exitoso, alcanzando el número cuatro en el Reino Unido y fue solamente certificado Plata. Una recopilación de grandes éxitos fue lanzado en 1998 y fue éxito, volviendo Collins al número uno y multi-platino en el Reino Unido y los EE. UU.

Collins también escribió e interpretó canciones para la película animada de Disney "Tarzán", y "Brother Bear". Testify fue el séptimo álbum de estudio de Collins y fue lanzado en 2002. Fue un éxito en Europa, con un pico en el número quince en el Reino Unido y dentro de los primeros cinco en Austria, Alemania y los Países Bajos. Después de la publicación de Testify, Collins anunció que iba a entrar en un semi-retiro, y lanzó dos compilados. En septiembre de 2010, Collins lanzó su octavo y último álbum de estudio, Going Back.

Pero no todo es éxito para el británico, una rebelde lesión en su espalda que le impide moverse con normalidad, un complejo divorcio y una recaída en el alcohol han marcado el camino reciente de la leyenda británica de 70 años, quien esta semana reapareció en los escenarios junto a Genesis, evidenciando su frágil estado de salud. "Apenas puedo sostener una baqueta", ha confesado el músico, quien tras una depresión y hasta pensar en el suicidio ha decidido darse una última oportunidad frente al público.

Daniel 

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0671 - Black Sabbath - Black Sabbath

0671 - Black Sabbath - Black Sabbath

Black Sabbath es una canción de la banda inglesa de heavy metal Black Sabbath, escrita en 1969 y lanzada en su álbum debut homónimo. En 1970, la canción apareció como cara A en un sencillo de 12 pulgadas de cuatro pistas, con  "The Wizard" también en la cara A y "Evil Woman" y "Sleeping Village" en la cara B, en el sello Vertigo de Philips Records. En Japón y Filipinas, se lanzó un sencillo de 7 pulgadas en el sello Philips.  con "Evil Woman, Don't Play Your Games with Me" en la cara A y "Black Sabbath" en la cara B.

Según la banda, la canción se inspiró en una experiencia que Geezer Butler tuvo en los días de la Tierra. Butler, obsesionado con lo oculto en ese momento, pintó su apartamento de negro mate y colocó varios crucifijos invertidos e imágenes de Satanás en las paredes. Ozzy Osbourne le dio a Butler un libro de ocultismo negro, escrito en latín y decorado con numerosas imágenes de Satanás. Butler leyó el libro y luego lo colocó en un estante al lado de su cama antes de irse a dormir. Cuando se despertó, afirma que vio una gran figura negra de pie al final de su cama, mirándolo. La figura se desvaneció y Butler corrió hacia el estante donde había dejado el libro antes, pero el libro ya no estaba. Butler le contó esta historia a Osbourne, quien luego escribió la letra de la canción basándose en la experiencia de Butler.

Daniel 

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0670.- Ship of fools - The Doors

 A finales de 1969, The Doors se tambaleaban, en marzo de ese año Jim Morrison fue acusado, juzgado y condenado por obscenidad por supuestamente exponerse en un concierto en Miami. El resultado fue que los promotores cancelaron sus conciertos. El lanzamiento de julio de The Soft Parade proporcionó más incertidumbre, cansados del sonido que gobernaba sus anteriores trabajos, la banda incorporó arreglos de trompetas y cuerdas con una nueva accesibilidad melódica. Fue un cambio no deseado por los críticos (aunque alcanzó el número seis y fue reevaluado póstumamente). En noviembre entraron al estudio con el productor Paul Rothchild exhaustos, estresados y enojados. Volver a los conceptos básicos de blues y R&B parecía ser la única dirección a seguir.

“Ship Of Fools”, es una paradoja musical poética. Las letras de Jim Morrison contrastan con los ritmos sincopados y boyantes de la pista, ocupando un terreno familiar entre la creación y la desaparición. Como músicos, John Densmore (batería), Robbie Krieger (guitarra), Ray Manzarek (teclados) y el exmiembro de la Orquesta Don Ellis y el incondicional de la sesión Ray Neopolitan (bajo) se enganchan inmediatamente en un riff apretado y percolador de jazz, que se abandona una vez que comienza la voz de Morrison. A medida que los años 60 llegan a su fin, Morrison captura una visión un tanto apocalíptica sobre la conclusión de la era: "La raza humana se estaba extinguiendo / no quedaba nadie para gritar y gritar". Él trata de encontrar esperanza y da una perspectiva para buscar nuevos horizontes, "Gente caminando en la luna". Seré honesto y admitiré que si la canción continuara de esta manera, me aburriría bastante solo porque el tono es muy alegre y no suena tan bien. Sin embargo, después del primer verso, la canción comienza a adquirir un tono mucho más misterioso, gracias tanto a la línea de órgano de Manzarek principalmente como a la voz de Morrison. Después de esta sección, Krieger tiene un solo de guitarra antes de regresar a esa especie de sección de sonido alegre. El segundo verso es un reflejo poético adecuado de la contracultura de los años 60: "Todos estaban pasando el rato / Colgando y colgando / Colgando y aferrándose". Una vez más, Morrison contrarresta con la línea optimista "Espero que nuestro pequeño mundo dure". Después de un breve interludio de improvisación, la banda vuelve a acorralarse detrás de Morrison mientras unifica algunas imágenes religiosas y seculares obvias en el verso que comienza "Along came Mr. Goodtrips/Looking for a new ship".

0669 - Peace Frog - The Doors

0669 - Peace Frog - The Doors 

Peace Frog es una canción de The Doors, que fue lanzada en su quinto álbum de estudio Morrison Hotel en 1970, la música fue escrita y grabada primero, y su letra luego proviene de poemas del cantante Jim Morrison. 

La letra de la canción se deriva de tres poemas escritos anteriormente por Jim Morrison, titulados "Abortion Stories", "Dawn's Highway" y "Newborn Awakening". Sin embargo, debido al fracaso inicial de los compositores para escribir la letra, los otros miembros del grupo grabaron una versión instrumental de Peace Frog, en la que Jim Morrison luego superpuso su voz después de encontrar la letra apropiada para la música. 

The Doors realizó la versión instrumental en espectáculos en vivo durante 1969. El título originalmente era "Historias de aborto", pero a pedido del productor Paul A. Rothchild, Morrison lo cambió a Peace Frog, ya que temía que el título inicial creara cierta controversia.

Peace Frog presenta líneas inspiradas en hechos reales que rodean al líder de la banda, Morrison. La frase "Sangre en las calles de la ciudad de New Haven" es una referencia a su arresto en el escenario el 9 de diciembre de 1967, durante una presentación en vivo en New Haven Arena. Después del solo de guitarra, la canción entra en un verso de palabra hablada con las líneas "Indios esparcidos en la carretera del amanecer sangrando", que describe un accidente de carretera que ocurrió cuando él era joven. Según los informes, Morrison fue testigo de la muerte de nativos americanos mientras su familia cruzaba un desierto por carretera en Albuquerque, Nuevo México. Dijo: "Esa fue la primera vez que probé el miedo. Debía tener unos cuatro años". Morrison también se refería a las protestas de la Convención Nacional Demócrata de 1968 con la letra "Sangre en la calle / La ciudad de Chicago".

Daniel 

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0668.- Waiting for the sun - The Doors

 

Waiting for the sun es una canción de The Doors que tiene la particularidad de dar título a un álbum en el que no apareció (Waiting for the sun, 1968). Se desconocen los motivos por los que Waiting for the sun no fue lanzada en el disco del mismo título, pero lo más probable es que en aquel momento no estuviera del todo terminada... ¿Por qué titular entonces el disco con el nombre de una canción que se quedó finalmente fuera? Sin duda fue una extraña decisión, que solo puede comprenderse abriendo la mente y "las puertas de la percepción" y asumiendo los designios y las rarezas de Jim Morrison y sus Doors.

El sonido psicodélico y ensoñador de Waiting for the sun parece encajar más con la propuesta sonora de Waiting for the Sun (disco) que en la de Morrison Hotel (1970), álbum en el que encontró por fin su sitio tras no ser tampoco seleccionada para The Soft Parade (1969), y en el que el grupo empezaba a derivar hacia propuestas más blues rock, en clara transición hacia lo que sería L.A Woman (1971). No solo encontró acomodo en ese álbum de The Doors, sino que se convirtió además en uno de sus principales singles, con el tema Peace Frog en la cara B. 

Como siempre les ocurría cuando salía de fiesta, la noche debió ser larga para Jim Morrison, tanto que tuvimos que esperar dos discos para ver por fin salir del sol, y disfrutar de la canción que debió dar título a aquel disco, y que además lo habría mejorado sustancialmente. Es lo que tiene la espera, que cuanto más larga sea, más se disfrutará después lo que fuera que estuviéramos esperando, aunque solo sea ver salir el sol mientras suenan las notas de Waiting for the Sun.

Black and White America #Mes Lenny Kravitz

Black and White America es el noveno disco de estudio de Lenny Kravitz, publicado en el verano de 2011. Las expectativas eran muy grandes para este disco, a raíz de noticias que iban surgiendo sobre la grabación de un disco que sería un alegato antirracial y una vuelta al funk más puro. El proyecto nació con el nombre de "Negrophilia", y con esa idea en la cabeza Lenny se trasladó a su casa de las Bahamas, para centrarse en la composición y la grabación de los temas, y allí el proyecto fue mutando del Negrophilia original al Black and White America que finalmente vio la luz.

Es imposible saber cómo habría sido ese (a priori) interesante proyecto llamado Negrophilia, pero lamentablemente poco parece haber quedado de aquello en Black and White America. Paradójicamente, la canción que sustituye al título original cumple con todos los requisitos de canción de protesta social y de sólida estructura funky, siendo uno de los títulos más inspirados del álbum y un chorro de aire fresco en el cancionero de Kravitz. Suenan trompetas, saxos, y un espectacular bajo que sustenta el ritmo de una canción que rememora el sueño de Martin Luther King y recuerdos del racismo de los 60 y de la infancia de Kravitz. Y es la canción de Lenny Kravitz que más les gusta a mis hijos, así que poco más que decir. 

Algo parecido podría decirse de Come on get it, el primer single extraído del disco, una pieza de funk abrasivo y guitarras rockeras que recuerda al Kravitz de los primeros discos, con ásperos riffs de guitarra y letras sexuales combinados en un tema brillante. Tan prometedor arranque se ve truncado por canciones más comerciales como la melódica y popera In the Black, con cierto toque new wave y power pop, o la apagada e intimista Liquid Jesus, interpretada en falsete y con una ambigua letra que oscila entre el mensaje religioso y el sexual. Siendo temas correctos, no aportan la clarividencia y la luz que los temas anteriores habían mostrado, y que de no haberse apagado habrían llevado a Lenny a entregar su mejor disco en años.

Pero Lenny decidió tirar por otra senda distinta, la de temas más directos y digestibles de pop rock para el gran público, como el efectivo rock melódico de Rock Star City Life, de guitarras y estribillos pegadizos pero algo ligeros y carentes de ese alma funk que estábamos esperando en este álbum. Habríamos perdonado sin problema estas pequeñas cucharadas de edulcorante rebajando la carga funk del disco, porque en conjunto estamos ante un buen disco de un artista que de talento va sobrado, pero Lenny dio un paso más hacia el abismo en temas como Boongie Drop, en el que se cuelan Jay Z y Dj Military para cocinar un pastel de electrónica y rap-funk de difícil digestión. Al escucharla, tengo claro que acerté al no decirle a Kravitz dónde estaba la sección de hip hop de la FNAC de Callao, pero es evidente que acabó encontrándola por su cuenta y riesgo.

A estas alturas del disco, el sueño de Martin Luther King, y el de todos los que esperábamos con ansia Negrophilia ha muerto, pero eso no hace que el disco merezca ser enterrado. Stand mejora algo la cosa, y fue el segundo single que se extrajo del álbum, pero transita de nuevo en la vertiente comercial y pegadiza de los últimos tiempos del artista estadounidense. Tiene un riff rockero destacable, y de nuevo la producción vira hacia el power pop efectivo y los sintetizadores edulcorados.

El siguiente tramo del disco está a la altura de lo mejor del principio, y es con la sexual y rítmica Superlove, una pieza de funk sugerente y elegante, y muy especialmente con Everything, en la que vuelven los mejores riffs, las melodías efectivas y los ritmos energizantes, con las que el disco despega y resucita, y mantiene el pulso con baladas efectivas como I Can’t Be Without You, que demuestra que el genio sigue estando ahí. En Looking Back On Love se acerca de nuevo al soul-funk clásico de Marvin Gaye e Isaac Hayes, y la guitarra funky y el solo de teclado salvan una buena canción de complemento, un buen entremés para el bombazo funk que viene a continuación, un Life Ain’t Ever Better Than It Is Now en el que no oculta las influencias de James Brown.

De nuevo nos habíamos ilusionado, pero en la parte final nos topamos con The Faith Of A Child, correcta canción romántica que suena igual que muchas de sus baladas más comerciales, y no aporta nada nuevo a lo que ya nos dieron las anteriores, y especialmente con Sunflower, en la que junto al rapero Drake, asesta el segundo y definitivo puñetazo en las costillas con el que este disco se convierte en otro prometedor púgil que acaba besando la lona, en un extraño e innecesario cocktail de rap y de algo parecido a la samba que hacen que cada vez que escucho el disco me salte este corte, para encontrar rápidamente en Dream el consuelo orquestal y espiritual que en ese momento necesito, y en Push (tercer single del disco) el toque de pop-rock de aires gospel necesario para terminar el disco en positivo, pero no lo suficiente como para no echar de menos lo que habría sido ese idealizado Negrophilia, que se quedó en un buen disco que sufre demasiado en los tramos en los que Lenny se alejó del blanco y negro original, para pensar en el comercial color verde de los billetes.

0667.- Roadhouse Blues - The Doors

 

Roadhouse Blues, The Doors

     El 9 de febrero de 1970 el grupo californiano The Doors publica el que  sunpondrá su quinto álbum de estudio, Morrison Hotel. El disco es grabado entre noviemebre de 1969 y enero de 1970 en los Elektra Sound Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Paul A. Rothchild, y publicado por el sello discográfico Elektra Records.

Morrison Hotel significa la vuelta del grupo a sonidos como el blues y el rock psicodélico, marcado en parte por la fría recepción de los fans a su anterior trabajo, The Soft Parade, disco con un enfoque más hacia el jazz. En este disco la banda también hizo alguna que otra incursión en sonidos como el hard rock, el raga rock e incluso el jazz, y las letras que Morrison compuso fueron más profundas. El disco fue todo un éxito comercial, alcanzando el puesto número 4 en la lista estadounidense Billboard 200, el puesto número 12 en las listas del Reino Unido, y el 6 en las listas de ventas de Países Bajos.

Incluido en este disco se encuentra Roadhouse Blues, toda una declaración de intenciones y un decálogo de modo de vida al más puro estilo Jim Morrison. Roadhouse Blues se convertiría con el tiempo en uno de los temas más redondos e inspirados del grupo, llegando a trasladar con éxito las ideas y textos de Morrison al formato de canción de rock. Cuando Jim Morrison se emborrachaba le gustaba cantar blues en jam sessions, y esta canción surgió en una de esas sesiones. Joan Sebastian, del grupo Lovin' spoonful, tocó la armónica, y el gran guitarrista Lonnie Mack el bajo. The Doors por lo general no solían usar bajista.

The B-52's - Wild Planet. #Píldora 8

Wild Planet es una continuación muy interesante del primer trabajo de The B-52's, aunque no tiene pistas muy memorables, realmente es un gran disco donde las guitarras post-punk ásperas aún dominan el sonido, y la interacción vocal entre los tres cantantes que sigue siendo muy divertida. Al igual que con su debut, este es un disco alocado, bailable, vagamente surfero y extremadamente cursi, pero que resulta muy divertido, el hecho de que contenga canciones antiguas que el grupo ya tocaba en directo desde sus comienzos, hace que la conexión se multiplique. The B-52 caen en manos de los "conspiradores" Brian Eno y Rhett Davies, y los resultados, aunque no son exactamente Eno si muestran a la banda moviéndose en una dirección un poco más artística, más "seria" de lo que su tonto debut podría haber sugerido. Empezando por esa estética de The B-52’s que estaba muy influenciada por el pop art y el placer por lo kitsch. Las portadas glamorosas y monocromáticas de sus primeros dos álbumes parecen pinturas de Andy Warhol, pero también encontraban en la ciencia ficción una fuente estética.

Dirty Back Road” esta influenciada por la aurora retro futurista de los alemanes Kraftwerk pero la razón por la que esta es una obra maestra de la música dance de los 80 es la simbiosis vocal entre las dos cantantes femeninas del grupo, Kate Pierson y Cindy Wilson. El sonido narcótico de la banda encuentra su mejor forma en “Private Idaho”, un hit esquizofrénico que alterna paranoia y locura. Devil In My Car: es simplemente una de las mejores canciones que jamás escribieron los B-52, y es el mejor indicativo de la excelente dinámica del rock and roll de la banda. Runnin’ Around y Strobe Light son canciones más sencillas pero no por ello menos intensas, es una pena que los B’52 nunca hayan intentado más cosas de este estilo porque se adapta muy bien al camino inspirado en el punk de la banda. Creo que Wild Planet a menudo se pasa por alto injustamente, realmente vale la pena escuchar este álbum, entregarse a sus voces, a sus sonidos, a su fiesta y sus ganas de ponerlo todo por la música

0666.- Instant Karma - John Lennon

Instant Karma! (We All Shine On) es una canción publicada por John Lennon en formato single en 1970. Lennon se despertó una mañana con la idea de una canción sobre el concepto de que las consecuencias de las propias acciones fueran inmediatas, en lugar de irse desarrollando durante la vida. Escribió la letra y trabajó en el piano de su casa una melodía que encajara con aquella primera composición, y quiso después grabarla de inmediato, así que llamó a George Harrison, y acto seguido al productor Phil Spector, al que le dijo simplemente: "Ven a Apple rápido, acabo de escribir un monstruo".

La canción fue creada, escrita, grabada y lanzada en tan solo diez días, convirtiéndose en una de las canciones más rápidas en ver la luz en la historia de la música, algo que Lennon resaltó durante la promoción del single, comentando que "se escribió para el desayuno, se grabó para el almuerzo y se sacó para la cena". Fue grabada en los estudios de Abbey Road, con John Lennon a la voz y la guitarra acústica y con la contribución de George Harrison (guitarra eléctrica), Klaus Voormann (bajo), Alan White (batería) y Billy Preston (órgano) en la pista básica de la canción, a la que después se añadieron los múltiples overdubs característicos del "muro de sonido" de Spector.

Lennon pidió a Spector que Instant Karma! tuviera el sonido y el eco de las viejas grabaciones de los 50, y para crear el efecto deseado y el muro de sonido con tan solo cinco músicos, Lennon añadió un piano de cola, mientras Harrison y White compartían otro piano y Voormann hacía lo propio a las teclas de uno eléctrico. El que fuera ayudante de los Beatles, Mal Evans, tocó unas campanillas, y se incluyo una segunda parte de batería amortiguada. En lugar de un solo instrumental, Lennon soltó una serie de ruidos y gruñidos, y para grabar los coros invitaron a los clientes de un pub cercano a que se unieran a la grabación. Spector quiso después agregar sus habituales secciones de cuerda y orquesta, pero Lennon insistió en que Instant Karma! estaba ya completa.

La canción recibió críticas muy positivas y es considerada como una de las mejores grabaciones de la carrera en solitario de Lennon, elogiando que tenía un sonido retro único y decadente que nunca antes había conseguido en sus grabaciones con The Beatles. Comercialmente fue también un éxito, llegando al nº 3 del Billboard y el nº 5 de las listas británicas. Todo un "Instant hit!" en palabras de Chris Welch de la revista Melody Maker. Un éxito directo e inmediato, como el Karma del que todo el mundo hablaba, que para Lennon era como el café de los anuncios de televisión. Lo pensó, lo grabó y lo presentó al mundo en muy poco tiempo, para que su idea del Karma instantáneo nos atrapara en un abrir y cerrar de ojos.

Disco de la semana 299: Tres Hombres - ZZ Top

 

Tres Hombres, ZZ Top

     Año 1973, y los componentes de la formación de rock sureño ZZ Top, Billy Gibbons (guitarra y voz), Dusty Hill (bajo y coros) y Frank Beard (batería y percusión) se embarcan en una nueva aventura que se materializa en julio de 1973 con la publicación de su tercer álbum de estudio, Tres Hombres.

     El álbum es grabado entre los Brian Studios y Ardent Studios de Memphis, Tennessee, y publicado por el sello London Records bajo la producción de Bill Ham, el productor de confianza del grupo hasta el año 1996 donde las funciones de producción las empezaría a realizar el mísmo Gibbons. El título del disco es una clara alusión a los tres componentes de la formación, con un sonido basado en el blues rock con toques de rock & roll y boggie rock. En su momento fue declarado por la crítica especializada como el mejor álbum de la formación de la década de los años 70, teniendo también una buena repercusión comercial, la mejor de la banda hasta el momento, alcanzando el puesto número 8 en la lista estadounidense Billboard 200.

Tres Hombres es un álbum de rock sureño donde también tiene cabida el blues rock e incluso el hard rock. Gran parte de culpa de este magnífico álbum, además del conjunto de buenas canciones que trajo bajo el brazo el grupo, la tiene el productor Bill Ham, quien supo entender y descubrir como grabar de una manera tan simple pero a la vez tan eficaz al trío de Houston para que sonara tan contundente y poderoso. Ese sonido sucio, las guitarras de Billy Gibbons, el empuje del bajo de Dusty Hill y la sección rítmica llevada a la perfección por Frank Beard, hace que todo encaje a la perfección y nos regalen un señor álbum con mayúsculas, 

Abre la cara A Waitin' for the Bus, compuesta por Gibbons y Hill, un tema que durante años las estaciones de radio estuvieron tocando junto con el siguiente corte,  Jesus Just Left Chicago, manteniendo la transición natural del disco. Dusty Hill afirmaba que la canción trataba sobre gente trabajadora, y contaba que una vez fue a Austin desde Houston, decidiendo ir en autobús, algo que no había hecho en mucho tiempo. Aquel viaje fue muy enriquecedor, pues conoció a gente muy singular durante aquel viaje; Jesus Just Left Chicago, acreditada a Gibbons, Hill y Rube Beard, también conocida como Jesus Done Left Chicago, y como hemos comentado anteriormente, el tema que sigue a Waitin' for the Bus, que solía pincharse seguido y sin cortes por las emisoras de radio. Ambas canciones se escribieron por separado, y en el proceso de compilar las pistas para el álbum hubo un "afortunado" error de cálculo del ingeniero que hizo que las dos canciones parecieran una sola. Esta canción tiene una dimensión ciertamente espiritual, y Gibbons relataba que se le ocurrió la idea de esta canción cuando era un adolescente. Se encontraba hablando por teléfono con un amigo conocido como R&B Jr. Este particular amigo tenía en su léxico muchos dichos raros y extraños, y un día estaban hablando cuando éste soltó Jesus Just Left Chicago! (¡Jesús acaba de salir de Chicago!). Beer, Drinkers & Hell, una de las pocas pistas donde la parte vocal corre a cargo del bajista Dusty Hill. Fue compuesta inspirándose en un viaje después de un concierto en Phoenix. Iban conduciendo a través de una tormenta de viento y buscaban un lugar seguro, cuando de repente surgieron las luces nocturnas de un antro al borde de la carretera. Según Billy Gibbons, aquel lugar estaba repleto de gente como ellos, su tipo de gente, no podían estar en mejor sitio. Master Of Sparks, basada en una historia real de Billy Gibbbons en su juventud. El y algunos amigos soldaron una bola con una jaula de acero que ataron a la parte trasera de un camión. Uno de ellos de subía al interior y luego ponían el camión a una velocidad de unas 60 millas por hora. Lo mejor de todo es que dentro de aquella jaula iba alguien siempre en el interior. Tenían que pasar por aquella aventura para recibir el título de Master of Sparks. Indudablemente uno de los que se doctoraron fue Billy Gibbons. Cierra esta trepidante cara A Hot, Blue and Rightheous, un blues cocinado a fuego lento con el que podemos cargar fuerzas para lo que nos espera en la segunda parte.

La cara B comienza con Move Me on Down The Line, un portentoso Rock and Roll que por momentos nos recuerda a los mismísimos Rolling Stones. Precious Grace, donde cuentan la historia en la que Gibbons y Hill tuvieron un encuentro un viernes por la noche con un par de mujeres autoestopistas que acababan de salir de la carcel. Shiek, tema que contiene uno de los mejores trabajos solistas de guitarra, a cargo de Giboons, del álbum. Have Your Heard?, tema que se encarga de cerrar el disco, es un cálido tema de corte sureño. 

Con estos temas ya tendríamos un disco más que redondo, y si encima le añadimos el que falta, el cual me he saltado ha proposito, convenientemente colocado entre Precious Grace y Shiek, pasa a la categoría de obra maestra, La Grange, toda una oda al boogie rock cuyo ya memorable riff de guitarra se inspiró en el tema Shake your Hips de Slim Harpo. Compuesto por los tres componentes, Gibbons, Hill y Beard, el tema hace referencia a un burdel que exisitió de verdad en llamado Chicken Run, el cuál se encontraba situado en las afueras de la ciudad de La Grange, Texas. El burdel Chicken Run también era conocido como La casa de huéspedes de la señorita Edna. Al parecer las señoritas de compañía del burdel tenían visitas semanales con el médico para prevenir cualquier tipo de enfermedad, pues a la señorita Edna le gustaba llevar el negocio en condiciones, preocupándose también por el futuro de la comunidad, pues cuando la ciudad necesitó dinero para la construcción de un nuevo hospital, Edna también fue la primera en hacer una donación, siendo ésta la más grande con diferencia del resto. El burdel Chicken Run fue abierto en 1905, y sería definitivamente cerrado en 1973, ya que un Reportero de televisión de Houston puso su objetivo sobre éste local, iniciando una cruzada personal hasta conseguir que el Gobernador de la ciudad ordenara su cierre definitivo. En la actualidad, el edificio que albergara Chicken Run, y que fue motivo de inspiración para Gibbons y compañía, se encuentra abandonado.

0665 - Moondance - Van Morrison

0665 - Moondance - Van Morrison

Moondance se grabó en Mastertone Studio en la ciudad de Nueva York en agosto de 1969, con Lewis Merenstein como productor.

La canción se toca principalmente acústicamente, anclada por una línea de bajo, el bajo eléctrico es tocado por John Klingberg, con acompañamiento de piano, guitarra, saxofones y flauta con los instrumentos tocados con un suave swing de jazz. 

Es una canción sobre el otoño, la estación favorita del compositor. Hacia el final de la canción, Van Morrison imita un saxofón. La canción también presenta un solo de piano, interpretado por Jef Labes, seguido inmediatamente por un solo de saxofón alto de Jack Schroer. La canción termina con un trino de la flauta durante la cadencia que se desvanece. El solo de Schroer a menudo se destaca como uno de los solos de saxofón más influyentes en la música popular. 

El periodista musical Erik Hage escribió que la importancia de la canción "está en su enfoque directo del jazz", ampliando esa observación con "Astral Weeks tenía sugerencias de jazz, pero esta canción tomaría el género de frente. Se convertiría en la canción más exitosa y exitosa de Van Morrison". composición de jazz definitiva". El crítico musical Johnny Rogan describió Moondance como una "celebración de la naturaleza", "expresada a través de una unión de amantes en el aire nocturno". 

 Moondance fue escrito y desarrollado mientras Van Morrison vivía en Cambridge, Massachusetts. Comentó: "Con 'Moondance', escribí la melodía primero. Toqué la melodía en un saxo soprano y sabía que tenía una canción, así que escribí la letra para acompañarla. Esa es la forma en que la escribí. Realmente no tengo palabras para describir particularmente la canción, sofisticado es probablemente la palabra que estoy buscando. Para mí, 'Moondance' es una canción sofisticada. Frank Sinatra no estaría fuera de lugar cantando eso".

El guitarrista de su banda en ese momento, John Sheldon, recuerda que durante el verano de 1968, en un ensayo, la banda tonteaba con un tema de Broadway llamado “Lazy Afternoon” lanzado en 1967 en una versión de jazz de Grant Green. Van Morrison solicitó algunos cambios y comenzó a cantar una melodía que eventualmente se convertiría en "Moondance".

Daniel 

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0664.- Gwendolyne - Julio Iglesias

 

Julio Iglesias ganó sorpresivamente en el año 1968 el Festival Internacional de la Canción de Benidorm con el tema "La vida sigue igual", que compone durante su convalecencia tras un accidente automovilísticos, lo que le valió la firma de un contrato con la sección latina de Columbia Records, Discos Columbia. En febrero de 1969 participó en el Festival Internacional Ciervo de Oro de la ciudad rumana de Brașov. Durante este año, también grabó su primer disco «Yo canto», en los estudios DECCA en Londres e hizo su primera gira en España. Participó en el X Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile. También actuó en el Festival de la Canción de San Remo y protagonizó su primera película, un filme autobiográfico que llevaba por título el nombre de su primer éxito musical, La vida sigue igual, pero faltaba el escaparate final el festival por el que han pasado miles de artistas de talla mundial, nos referimos al Festival de Eurovisión, y fue en 1970, un año en el que el madrileño se enfundó un traje azul chillón para cantar uno de los temas más aclamados de la época, ‘Gwendolyne’, con la que quedó en cuarta posición a pesar de que fue considerado el ganador moral de la edición y conquistó a toda Europa.

 

La canción de ‘Gwendolyne’ le abrió las puertas de la fama, y es que se mantuvo como el número uno en ventas durante nueve semanas y fue elegida la mejor canción en el programa ‘El gran musical’. De hecho, tal fue su éxito que Julio editó la canción en varios idiomas. El tema de Julio Iglesias fue el más escuchado de todo el Festival de Eurovisión, y ello le llevó a que las discografías se peleasen por él. Sin embargo, los problemas empezaron a llegar para Julio, y es que el artista español tuvo que enfrentarse a diferentes quejas por plagio, pues muchos asemejaban ‘Gwendolyne’ a ‘Je reviens te chercher’, la canción que publicó Gilbert Bécaud dos años antes, en 1968. Unos problemas que no hicieron que la canción desapareciese, sino que lo hizo su vida sentimental, tal y como lo contó después el artista en sus propias memorias, ‘Entre el cielo y el infierno’, asegurando que Gwendolyne fue su primer amor: “Gwendolyne fue muy importante en mi vida. Mi primer amor en libertad. Gwendolyne era hermosa, muy hermosa. Era de una familia noble de exiliados rusos. Quizás la sobrina de un príncipe de tipo eslavo: con pómulos marcados, ojos grises, rubia. Debo decir que jamás he amado a una mujer más bella”. Fue precisamente ese amor olvidado el que hizo que Julio también olvidase la canción. Igual que Gwendolyne desapareció de vida, también lo hizo ‘Gwendolyne’, una canción que casi nunca incluye en su repertorio y que quizás esta tan asociada a ese primer gran amor que prefiere olvidarla para no remover heridas, aun asi, en su biografía tuvo un recuerdo para ella, la canción y su amor perdido. “Gwendolyne fue seleccionada para representar a España. De esa chica rubia con la que iba a casarme no me quedaba más que una canción. Recuerdo el Festival de Benidorm, Gwendolyne en el aeropuerto de París... Sus rasgos se han borrado un poco en mi memoria, pero le debo esta canción que me ha permitido darme a conocer en Europa, estar en Eurovisión, aunque no haya ganado. Por todas estas razones, querida Gwendolyne, te doy las gracias"

 

It Is Time for a Love Revolution - Lenny Kravitz #mesLennyKravitz

It Is Time for a Love Revolution - Lenny Kravitz #mesLennyKravitz

Vamos a hablar de un álbum que en su primera semana de debut vendió más de 73 mil copias, hablamos de It Is Time for a Love Revolution que es el octavo álbum de estudio del cantautor, multiinstrumentista, productor y arreglista estadounidense Lenny Kravitz, su fecha de lanzamiento fue el 5 de febrero de 2008.  

El álbum produjo cuatro sencillos lanzados entre 2007 y 2008. Y fue el último álbum de Lenny Kravitz bajo la discográfica Virgin Records.

En esta ocasión Lenny Kravitz, quien repite una fórmula de éxito de su carrera y recicla ritmos y riffs de previos trabajos, el hard rock psicodélico de finales de los 60 y comienzo de los 70, el funk o el soul de la misma época, y con todo ello Lenny Kravitz logra este magnífico álbum repleto de referentes, que comienza con Love Revolution, dominado por un potente riff distorsionado de hard-rock, que reclama, a un John Lennon, como uno de sus máximos refereremte, una revolución.

Seguimos con Bring It On que conecta claramente con Led Zeppelin en su hard-blues-rock, sin perder aportes psicodélicos. Y en su letra afirma que la fe y las alabanzas a Dios le ayudan a enfrentarse con sus demonios.

Good Morning, con grandes arreglos de cuerdas, que se muestra más optimista en su letra, que toma esa inspiración de The Beatles como del boogie rock.

Love Love Love es un dinámico corte funk-rock con calcos de nuevo de Led Zeppelin, sin olvidar a James Brown, George Clinton o el propio Prince. Dice que no necesita televisión, ni drogas, ni políticas, ni joyas, ni cirugía estética, ni modas de París, ni revistas, ni islas privadas, que estando con su novia y con Dios ya es suficiente, la referencia a dios se repiten en sus letras, dios es de nuevo el centro de If You Want It, corte blues-gospel-rock con sonidos de órgano y combinación de acústica en las estrofas y eléctrica en el estribillo y la intro en donde ya hace proselitismo con consejos de liberación de cadenas y levantamientos de cruces, con invitaciones a que Jesus marque tu camino.

El single I’ll Be Waiting es una hermosa balada de piano, que recuerda demasiado a otros cortes previos de Kravitz, aquí se centra en una mujer que ha sido abandonada por su pareja, y un tercero, el narrador, espera entra en su vida, a destacar la intensidad del estribillo, el crescendo y el puente enfático con uso de cuerdas.

El final del disco es bastante pesado. Will You Marry Me y Dancin’ Til Dawn es funk rutinario; I Love the Rain, balada melancólica con crisis de pareja y paseos por el Sena con estallido emocional en su tramo final, A Long And Sad Goodbye redunda en su baladerismo de piano, ahora casi a lo Lionel Ritchie, con una reprimenda a su padre por abandonarlo cuando era un niño, de nuevo John Lennon flota en el ambiente, This Moment Is All There Is, elegante pero aburrido pop-soul; A New Door, de nuevo con Dios como centro; o Back in Vietman, hace un llamado al belicismo y sus consecuencias con intro de la canción Street Fighting Man de The Rolling Stones.

Un álbum cargado de referencia y guiños a grandes artistas del rock por otro grande y referente del rock como Lenny Kravitz, podría agregar que es un tributo a esos grandes artistas. 

Daniel 

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