#MesTheBeatles: Revolver - The Beatles

 

Revolver, The Beatles

     Rubber Soul había marcado un verdadero paso adelante en la música de The Beatles, y con Revolver iban a dar otro más afianzando esa contínua evolución en su sonido. En Revolver los cuatro músicos se destapan con unas composiciones muy sofisticadas abarcando un amplio abanico de géneros musicales, que van desde arreglos de cuerda hasta el rock psicodélico. Es el primer álbum donde el grupo abandona la típica fotografía de los cuatro ocupando la portada del disco, siendo diseñada por su amigo, el diseñador, músico y fotógrafo alemán Klaus Voormann, al que conocían de sus días en Hamburgo. La portada consistía en un collage artístico en blanco  y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo del pintor e ilustrador británico Aubrey Beardsley.

Revolver, el séptimo álbum de estudio de la banda, fue grabado en los EMI Studios de Londres entre el 6 de abril y el 21 de junio de 1966, bajo la producción, como era habitual, de George Martin, y publicado el 5 de agosto de 1966 bajo el sello discográfico Parlophone. Como hemos comentado anteriormente, el disco supone una clara evolución en cuanto a sonido, abarcando desde los clásico arreglos de cuerda, hasta el art rock, rock pscodélico o el rock experimental. Además del grupo, que tenían ganas de experimentar cosas nuevas, se suma el hecho de que un jovencísimo Geoff Emerick es ascendido como ingeniero de sonido. En 1966 Norman Smith, el que había sido el ingeniero de sonido habitual de The Beatles desde su llegada a Abbey Road, dejaba su puesto de ingeniero para convertirse en productor, lo que dejaba la plaza ingeniero de sonido de The Beatles vacante. Así, de forma inesperada para él, Geoff con tan solo 19 años se convertía en el ingeniero de sonido de paul, John y compañía, y juntos  llevarían el sonido del grupo a otra dimensión.

En los meses anteriores a la grabción de Revolver, a Paul, Ringo, George y John les había picado la curiosidad por las grabaciones caseras y se habían comprado  magnetófonos. Paul había descubierto que el cabezal de borrado podía quitarse, lo que permitía añadir nuevos sonidos a los ya existentes cada vez que la cinta pasaba por encima del cabezal de grabación. Por aquel entonces la cinta se saturaba y empezaba a distorsionar, y era ese efecto el que atraía al grupo. El interés creativo y las ganas por probar cosas nuevas del grupo unido al mismo interés del nuevo ingeniero de sonido, Geoff Emerick, hizo que las sesiones de grabación del álbum se hicieran con rapidez y fluidez. La creatividad rodeaba todo el entorno del grupo, lo que se tradujo en un álbum con nuevos desarrollos estilísticos que serían más pronunciados en discos posteriores. Ideas como la de conseguir el característico sonido de batería de Ringo acercando micros y metiendo una manta dentro del bombo, o pasar la voz de John a traves de un altavoz Leslie para conseguir que su voz sonara como había pedido, "como cien monjes tibetanos".

Nos vamos centrar en la edición británica, que contiene tres temas más que la edción estadounidense. Abre la cara A Taxman, canción que era la primera de Harrison a la que se se le daba una posición tan destacada en un álbum, abriendo además el disco, lo que indicaba que era capaz de componer temas tan buenos como Lennon y McCartney. La grabación de Taxman comenzó el 20 de abril de 1966, sin embargo las tomas grabadas ese día no se utilizaron y el día siguiente se retomó la grabación, siendo grabadas ese día la batería, el bajo, la voz y las guitarras distorsionadas de Harrison, y los coros de Lennon y McCartney. La grabación del tema se terminaría el 21 de junio de 1066. Harrison le pidió a McCartney que colaborara con las guitarra y éste grabó el sólo de guitarra además del bajo, y Ringo, además de la batería, tocó la pandereta y el cencerro. Los Mr. Wilson y Mr. Heat de letra se referían a Harold Wilson y Edward Heath, quienes eran el primer ministro británico laborista y el líder conservador de la oposición, respectivamente en aquella época. Taxman hacía referencia al abusivo tipo de impuesto sobre la renta que pagaba la gente con grandes ingresos como The Beatles, que a veces llegaba a alacanzar el 95% de sus ganancias. Esto llevaría, en años posteriores, a muchos grupos de primera línea a exiliarse a otros lugares para evitar pagar impuestos. Eleanor Rigby,  escrita por Paul ayudado por John y acreditada al dúo como era costumbre. Contiene unos magníficos arreglos de cuerda ideados por Paul y grabados por George Martin bajo la dirección del propio Paul. El músico se inspiró para estos arreglos en la partitura que Bernard Herrmann había hecho para la película Fahrenheit 451, de François Truffaut. A Paul se le ocurrió el nombre de Eleanor de la actriz Eleanor Bron, quien apareció en la película del grupo Help! en 1965. Y Rigby se le ocurrió al ver una tienda en Bristol donde ponía "Rigby and Evens Ltd Wine and Spirit Shippers". Le gustó Eleanor Rigby porque sonaba natural y coincidía con el ritmo de la canción. Una bella canción que nos cuenta la historia de dos personas solitarias. I'm Only Sleeping, escrita por Lennon, es un tema donde las notas de guitarra principal y el doble sólo de guitarra fueron tocadas en orden inverso, y después revirtieron la cinta y la mezclaron de esta manera en la canción. Esta canción fue la primera donde se da un mensaje a la inversa. Fue un descubrimiento de Lennon después de estar cargando erróneamente una cinta de carrete hacia la inversa mientras se encontraba bajo los efectos de la marihuana. El efecto psicodélico de la canción se consiguió usando velocidades diferentes en los tonos de la canción. alrededor del minuto cincuentasiete de la canción se puede oir "Yawn Paul" (Bosteza, Paul), y a los 2:00 minutos de la canción se puede oir un bostezo. 

Love To You es otra aportación de Harrison y una de las canciones más aclamadas del álbum. El tema contiene claras influencias de música oriental, siendo la primera canción del grupo en usar únicamente instrumentos indios. George había comenzado su particular viaje por la filosofía y música oriental, el cual culminaría en el álbum posterior, Sgt. Peppers and Lonely Hearts Club Band. George la escribió usando un sitar, instrumento que estaba aprediendo  a usar de la mano del gran maestro Ravi Shankar. Here, There and Everywere, escrita por Paul y según el mismo una de las mejores canciones que él escribió. La canción, que contiene un alegre ritmo de soft rock, se inspiró en el Pet Sounds de The Beach Boys, más concretamente en God Only Knows. Paul escribió la canción mientras descansaba en la piscina de la casa de Lennon. Paul trató de cantar esta canción al estilo de Marianne Faithfull, la popular cantante de la década de los 60 y que era novia de Mick Jagger. Yellow Submarine, escrita por Paul y acreditada al dúo John Y Paul. Cuando Paul terminó de escribirla se la ofreció a a Ringo Starr, pues la canción fue pensada para él. Fue concebida como una divertida canción para niños. Paul cuando se  iba a dormir por las noches le daba vueltas a la cabeza pensando en que si tuvieran una canción infantil, molaría estar en un submarino amarillo donde todos los niños iban a divertirse. Paul utilizó deliberadamente palabras cortas para escribirla porque quería que los niños se aprendieran la letra rápidamente y con facilidad. Entre los efectos especiales podemos oir a John y Paul haciendo burbujas en un recipiente de agua, al chófer del grupo, Alf Bicknell, sacudiendo una cadena en una tina, y al músico de The rolling Stones, Brian Jones, chocando vasos de cristal entre sí. Al salir la canción casi todo el mundo pensó erróneamente que ésta estaba relacionada con las drogas. Cierra la cara A She Said She Said, escrita por Lennon. El músico se inspiró en un viaje de LSD que tomó con unos amigos entre los que se encontraban George Harrison y Peter Fonda. En aquel "viaje" Peter no paraba de decir "I know what it's like to be dead" (sé lo que es estar muerto), frase que se acabó convirtiendo en una línea clave en la letra. Según Peter Fonda, Harrison estaba teniendo un mal viaje porlo que él intentaba tranquilizarle dciéndole que sabía lo era estar muerto y que no tenía por qué temer ya que él se llegó a pegar un tiro en el estomago y casi muere. Según Lennon, en un entrevista en 1980, afirmó sobre la canción que él estaba tratando de asimilar la belleza de las chicas de la fiesta y la atmósfera del lugar y Peter Fonda no hacía más que venir susurrando "sé lo que es estar muerto, hombre". A Lennon le pareció aquella situación bastante molesta. Sea como fuere de aquel incidente surgió una de las canciones más psicodélicas del grupo.

Abre la cara B Good Day Sunshine, acreditada en mayor parte a Paul aunque en realidad fue una colaboración entre los él y John. Es un simple tema lleno de energía y positividad con influencias del grupo neoyorkino The Lovin' spoonful, concretamente en su tema Daydream. La canción se grabó durante dos días, y el primer día se grabaron tres tomas de piano, bajo y batería y se elgió la mejor, y luego sobre eso se grabaron y se doblaron las voces de Paul, George y John. El segundo día Ringo agregó más partes de batería y el productor George Martin agregó el sólo de piano en una grabadora que funcionaba a un ritmo más lento para que sonara más acelerado,. Y por último se agregaron más armonías y aplausos. And Your Bird Can Sing, es otra de las contribuciones de Lennon.  El tema al parecer fue una respuesta a The Rolling Stones, a quienes Lennon veía a veces como imitadores de The Beatles, y más concretamente a Mick Jagger por haber intentado coquetear con Cynthia Powell, por entonces novia de John Lennon. Más adelante Lennon acabaría renegando de este tema diciendo que era una porquería. También hay quien sostiene que fue un toque a Mick Jagger por presumir de su por entonces novia Marianne Fatihfull (Bird / pájaro es la jerga británica para niña), de quien decía que era genial y podía cantar, y Lennon le dejó claro que por muy bien que vistieran Mick y los Stones nunca le podrían igualar a él y a The Beatles. For No One, escrita por Paul mientras se encontraba de vaciones. Fue compuesta tras una pelea entre Paul y u novia Jane Asher durante un viaje a los Alpes suizos a comienzos de 1966. Al parecer Paul quería que Jane se adpatara a su horario, le compañara en una gira y fuera la perfecta esposa Beatle, pero Jane tenía una vida y una carrera propias. El tema adquiere todo el sentido con un notable sonido pop barroco con un contenido nostálgico y triste. Muy notables también el piano manejado por Paul. Doctor Robert, concebido por Lennon, está basado en una persona real, al parecer en un doctor que los hizo probar el LSD. Una de las teorías defiende que se trata realmente de Bob Dylan, que fue el que hizo pobar la marihuana al grupo. Otra teoría defiende que el se trataba del doctor Robert Freymann, cuya farmacia estaba ubicada en la 78 East Street de Nueva York. En la década de los 60 la comunidad artística de Nueva York solía frecuentar al doctor, quien facilitaba todo tipo de sustancias lícitas e ilícitas. El mismo Lennon habría sido cliente del doctor. Y hay quien dice que es el pseudónimo del dentista John Riley, quien a espaldas de los cuatro músicos mezcló LSD con el té que les ofreció. Esta sería la primera vez que los cuatro probaron el LSD. 

I Want To Tell You, otra de las aportaciones de George, que en este disco demuestra estar al nivel compositivo de John y Paul. El guitarrista vuelve a inspirarse en la cultura india para escribir la canción, algo que deja muy patente con el sonido del bajo que predomina en el tema y con el piano distorsionado. En cuanto a la letra George nos habla de toda esa avalancha de pensamientos que son tan difíciles de escribir, contar o transmitir. Got to Get You into My Life, la última aportación que aparece en el álbum de McCartney. La canción fue un tributo a la música soul, y más concretamente un reconocimiento al sonido de Memphis del mítico sello discográfico Stax Records. Aunque pueda parecer que estamos ante una canción de amor y nos hable de un chico enamorado, en realidad es una oda a la marihuana. Cierra la cara B y el álbum Tomorrow Never Knows, escrita por Lennon. Estamos ante una de las primeras canciones piscodélicas que se grabaron en la época. La canción tiene cirtas influencias de la India al igual que las aportaciones de Harrison en el disco. La canción contiene varias innovaciones técnicas en el proceso de grabación tales como la guitarra inversa, los efectos procesados, la grabación vocal y el serpenteado de cinta. La letra se basó en un libro de Timothy Leary, The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, el cual era un reinterpretación del libro Tibetan Book of the Dead (Libro tibetano de los muertos), que su vez era un libro que Lennon solía leer mientras tomaba LSD. El título proviene de un juego de palabras que solía usar Ringo Starr, quien solía decir que el mañana nunca llegaba, porque cuando llegara el mañana, éste se convertiría en hoy. 

Con Revolver Paul, John, Ringo y George daban un claro paso hacia delante y se marcaban un disco muy adelantado a su tiempo tanto en sonido como en innovaciones técnicas en el proceso de grabación del mismo.

0408.- Mr. Soul - Buffalo Springfield

0408 - Mr. Soul - Buffalo Springfield

Mr. Soul es una canción grabada por la banda de rock canadiense-estadounidense Buffalo Springfield en 1967. Fue lanzada el 15 de junio de 1967 como cara B de su cuarto single "Bluebird" y posteriormente incluida en el segundo álbum del grupo Buffalo Springfield Again.

"Mr. Soul" trata de los problemas personales de Neil Young con la fama y el desprecio hacia el estrellato del rock. 

Fue escrita por Young tras sufrir un ataque de epilepsia después de un primer concierto con Buffalo Springfield en San Francisco. Mucha gente del público se preguntaba si era parte de la actuación. 

Mientras era paciente en el Centro Médico de la UCLA, escribió la canción una vez que estaba despierto y recuperado y le dijeron que volviera para hacerse más pruebas. 

La letra reflejaba la experiencia de Young, que se sentía como si estuviera a punto de morir, a partir de entonces, su médico le aconsejó que no tomara nunca LSD ni ninguna otra droga alucinógena. 

La canción esta compuesta con una guitarra acústica de doce cuerdas, la canción oscura y malhumorada está afinada en doble D, que Young utilizó en otras canciones, como "Ohio" y "Cinnamon Girl" En la tercera pista de Sugar Mountain - Live at Canterbury House 1968, Young declaró: "Muchas canciones tardan mucho en escribirse. Generalmente se tarda una hora y media o dos horas en escribirlas. Pero ésta sólo me llevó cinco minutos". Posteriormente, Young grabó otras versiones de la canción, a menudo con marcados cambios estilísticos.

Daniel 

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Disco de la semana 262: Girando - Los Ratones Paranoicos

Disco de la semana 258: Girando - Los Ratones Paranoicos 

Hoy les propongo una banda que lleva el estilo de las grandes bandas de rock, donde destaca el sonido del rock pasional, ortodoxo e indestructible, proponemos Girando álbum de la banda Argentina Los Ratones Paranoicos.

Y me refiero al sentir de, darle al play y escuchar cualquiera de los álbumes de bandas inglesas y norteamericanas que, periódicamente aparecen como salvadoras del rock, pero en cambio estamos hablando de Los Ratones Paranoicos que basta con un riff tan contundente como el de la canción Sigue girando, los críticos se desharía en elogios antes de llegar al segundo estribillo. 

Los Ratones Paranoicos nos sorprende, es porque estas estrellas del rock, quienes vienen de tierras Argentinas nos tienen malacostumbrados: después de tantos temas indestructibles, tantos shows incandescentes y tanto tiempo encarnando el espíritu vivo del rock & roll. 

Girando es el décimo álbum de estudio de la banda de rock argentina Los Ratones Paranoicos, y fue editado en 2003. Lo dicho 10 álbumes han pasado y la esencia del rock intacta. 

El sonido del grupo sigue teniendo esa cosa salvaje que hasta los Rolling Stones parecen ya haber perdido. Producidos con inteligencia por Toth y Guyot, los Ratones mantienen la llama encendida. Juanse su líder es un rock & roll animal , pero también tiene el corazón en su lugar y –esto es indudable– una vocación muy clara, casi de cruzado: “Ya no puedo dejar mi banda de rock& roll”, canta por ahí, como para que quede claro que esto es un monstruo de cuatro cabezas, donde sus integrantes, el Zorrito Von Quintiero ya logró la difícil tarea de reemplazar a Pablo Memi. Los temas rockeros siguen marcando los puntos más altos del disco, el principio, con “Girando”, “No me importa tu dinero” y ‘Cristal” es impactante, pero las baladas aportan un toque sensible que equilibra el ya clásico frenesí paranoico.

Alguna vez, hace unos diez años, don Andrés Calamaro comentaba, ante un auditorio escéptico, que había que ver qué temas podía llegar a componer si esa respuesta la tennis hoy con un Juanse una década más tarde. Es el tiempo, que no espera nadie, pero que a veces está de nuestro lado, y ese tiempo le ha dado razón, hoy, los chicos ya son hombres grandes. Y ya no tienen temitas de relleno, sino que sorprenden con reflexiones místicas como en “Simpatía”, o con un bello instrumental como “Exsitar”, con el que cierran un disco que pide el repeat automático. Sigue girando.

Daniel 

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0407.- Nights in white satin - The Moody Blues

 

Incluida en el álbum Days of Future Passed, y publicada como sencillo en 1967, Nights in White Satin es el éxito más recordado de The Moody Blues pese a que, en el momento de su publicación, no obtuvo gran reconocimiento por parte del público. Este relativo fracaso pudo deberse a que, a finales de los sesenta, el mundo de la música seguía girando alrededor de las principales emisoras de radio y los programas de actuaciones musicales, que impulsaban un formato de canción de menos de 3 minutos, y los más de siete minutos de las largas noches de blanco satén soñadas por The Moody Blues no encajaban bien en ese formato.

Pese a reducir la versión del sencillo a poco más de cuatro minutos, el tema acabó estancándose en el puesto 19 de las listas británicas. Pero ese no fue el final para Nights in White Satin ya que, aprovechando el boom posterior de otros temas largos y elaborados como el Hey Jude de los Beatles o el Layla de Eric Clapton con sus Derek & The Dominos, el tema fue relanzado en 1972, y para entonces la película cambió radicalmente para The Moody Blues, que alcanzaron el segundo puesto de las listas de ventas estadounidenses, el primero en las de sus vecinos canadienses, y el noveno puesto en las listas británicas que tanto se les habían resistido tres años atrás.

Inspirada literalmente en un juego de sábanas de satén que le habían regalado a su autor (Justin Hayward), Nights in White Satin es una romántica pieza de añoranza de un amor lejano, ya perdido o no correspondido, elevada a los altares musicales con la ayuda de los arreglos orquestales y los coros de la London Festival Orchestra, que brilla especialmente en la versión original del tema, barajada como primera opción para la apertura del film Apocalypse Now, antes de que los Doors le ganaran la partida y se llevaran el gato al agua con The End.

0406.- Alone again or - Love

1967 nos dejó The Summer of Love (El verano del amor) y uno de los grandes representantes de ese movimiento fue el álbum Forever Changes de Love, grabado durante ese verano, pero lanzado en noviembre es uno de los mas reconocidos ejemplos de lo que fue la música de ese mágico verano. Si bien el álbum no fue un éxito comercial cuando salió, a lo largo de los años se convirtió en un conocido ejemplo de la música psicodélica que arrasó la costa oeste de EE. UU. en la última parte de los años 60, un período de experimentación musical alimentado por sustancias químicas que llevó a los artistas a romper con los moldes convencionales y tratar de sonar diferente de cualquier manera posible: presentar instrumentos que se expandieron más allá de la guitarra/bajo/batería estándar, mezclar influencias étnicas de todo el mundo y lo más importante, pasar más tiempo en el estudio elaborando su música. Todo eso se puede encontrar en los tres minutos perfectos de Alone Again Or, una canción que pone el ánimo del oyente en un péndulo, oscilando entre la alegría y la desesperación. Love firmó con Elektra Records de Jac Holzman en 1966. El sello se especializó en música folk y blues durante los años 50 y principios de los 60 y comenzó a buscar talentos tocando un tipo de música diferente que surgió a mediados de los 60. Su primera incursión en el ámbito amplificado fue la Blues Band de Paul Butterfield, con la que tuvieron una gran racha de álbumes en los años 60. Su segundo fichaje fue Love, un movimiento que llevó al sello a la costa oeste en busca de otras bandas.

Alone Again Or se grabó en las sesiones finales del álbum en septiembre de 1967. La canción fue escrita por Bryan MacLean, quien también toca la hermosa introducción de guitarra acústica, influenciada por el flamenco, el baile español que su madre solía bailar en su juventud. Increible esa parte de guitarra, que abre cada uno de los versos vocales, y también el patrón que entra con las voces. Interesante uso de una mezcla estéreo, con la parte de guitarra de apertura completamente hacia un lado y la batería entrando por el otro lado. Arthur Lee tuvo la idea de agregar cuerdas y metales, y Botnick encontró a David Angel, un músico de jazz que trabajaba en Hollywood y hacía arreglos para cine y televisión, Lee cambio las cuerdas y las líneas de metales, quien las compuso y las arregló para una sección de cuerdas de siete piezas y una banda de mariachis de cinco piezas que tocaron en un álbum reciente de Tijuana Brass, también diseñado por Bruce Botnick. El uso de cuerdas y metales a lo largo de la canción es de buen gusto, y la guinda del pastel es el breve solo de trompeta, que proviene directamente de los álbumes de Tijuana Brass de Herb Alpert que eran tan populares en ese momento. Una cancion maravillosa, puede que sea porque su melodía está inspirada en la de "El Teniente Kijé" del grandísimo compositor ruso Prokofiev. Por cierto, el título original era "Alone again", pero Lee le añadió el "or" para darle un aire más misterioso, cosas que tenia el verano del amor y las sustancias que pululaban, pero claro que el rubiales Bryan McLean no se iba de rositas ya que poco después dejaría el grupo para dedicarse al ministerio cristiano de una iglesia llamada "the Vineyard", parece ser que como homenaje a su hermosa madre, bailarina de flamenco, (seguro que la canción os suena con aires españoles).

Grandes exitos y tropiezos: Duncan Dhu

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Hoy hablamos de Duncan Dhu, una de las mejores bandas que dio el panorama nacional en los años 80,. Fue alla en 1984 cuando tres amigos de San Sebastián, Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles, forman una de las bandas a la postre más exitosas de nuestro país. Como cualquier banda novel, empiezan a tocar en distintos cafés y pequeñas salas por poco o nada dinero, con un estilo rockabilly muy original y alejado del rock radical vasco imperante en la época. Se hacían llamar Duncan Dhu, como un personaje de “Las Aventuras de David Balfour (Secuestrado)” (1886) de Robert Louis Stevenson, un jefe de un clan escocés que había fascinado a Mikel por aquel entonces. Vamos a la tienda.

 

 

Estás tardando en comprarlo:

“Autobiografía” fue su tercera entrega y podemos asegurar sin ningún género de dudas que está entre los discos nacionales más importantes de los años 80, seguramente uno de los de más calidad musical y donde podemos escuchar distintos géneros musicales, Popvigorizado, campanillero, sinfónico, afrancesado, garajista, hawaiano, radiofórmula, folk, baladista, jazzero, pianístico, stoniano, beatle, dylaniano, rocanroleante, afrocaribeño...todos brillando con luz propia. No os asustéis a ver que es un doble LP y además muy extenso con 30 canciones que sin duda podría haber sido sometido a un filtrado previo, pero hay muchas buenas, y las que no lo son tanto, tampoco desentonan demasiado, las canciones presentan variedad emocional y temperamental, las hay enérgicas, animosas y extrovertidas; también delicadas, melancólicas o recogidas. Y es un acierto que Diego cante algunas ya que a pesar de poseer una voz muy limitada aporta matices diferentes. Aparecen múltiples instrumentos y voces corales, bajo, batería, guitarras -eléctricas, acústicas, española, de doce cuerdas-, metales, cuerdas, piano, órgano, contrabajo, violines, acordeón, mandolina, armónica.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Con poco menos de 3 años de existencia, la banda integrada aun por Juan Ramón Viles, Diego Vasallo y Mikel Erentxun, se lanzaba a la aventura de grabar el que sería su tercer disco (si incluimos su EP de debut) de estudio, "El Grito del Tiempo", que fue la consagración del grupo, vendiendo 400.000 copias. Con este disco la banda toca el cielo en popularidad, incluso en Latinoamérica, es un álbum con el aroma que desprenden los grandes clásicos de los 80. Y es que… ¿quién no ha oído alguna vez aquello de «una calle de París / me recuerda todo aquello que no fuí»? El resultado fue un disco exquisito, en el que el rock y el folk brillan intensamente. La producción está bastante cuidada, logrando una claridad sónica resaltable, sin llegar a sonar sobre producido. El valor de este disco no se limita al hit “En algún lugar”, destacan también “Tú sonrisa”, canción sumamente emotiva, la balada retro “Al caer la noche”, la intensa “La tierra del amor”, la campirana “Dirección sur”, la bellísima “Paloma blanca” y “Una calle en París”.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

"Supernova" es la demostración de que habían agotado los últimos restos de inspiración, el dúo donostiarra entrega un disco mediocre, de sonido sintético, dominado por unas baterías tan limpias que me suenan falsas, dominado en definitiva por una higiene que llega a la asepsia. Muy poco que echarse a la boca en la continuación del magnífico "Autobiografía" (1989), un esfuerzo torrencial que aquí se ve que los había dejado totalmente exhaustos. Aquí me quedo con la canción titular, "La casa azul", "Marionetas" y "Oro blanco". Chispazos que captan mi atención en medio de uno de los momentos más grises del dúo. Remontarían un poco con Piedras, sin llegar a la magia de sus tres primeros álbums, un disco pausado, en el que Mikel y Diego saben lo que quieren hacer y lo ejecutan a la perfección lejos de la experimentación que no les dio buenos resultados en Supernova.

Nuestro TOP 5

1.- Una calle de Paris

2.- Rosa Gris

3.- Mujer sobre el papel

4.- En algun lugar

5.- Cien gaviotas.

0405.- The fairest of the seasons - Nico

 

Nacida como Christa Päffgen el 16 de octubre de 1938 en Colonia (Alemania), Nico fue una de las artistas más enigmáticas e inclasificables de la música pop, sigue siendo más conocida por su breve permanencia como cantante en Velvet Underground y su aparición en las películas y producciones teatrales de Andy Warhol durante la década de 1960. Dotada de una voz de contralto inquietantemente profunda, Nico se convirtió en una cantautora, creando un sonido gótico único y austero. Mientras estaba en Inglaterra, Nico conoció al genio del arte pop Andy Warhol, quien la animó a viajar a Nueva York para formar parte de su círculo de "superestrellas". A principios de 1966, Warhol incorporó a Nico a Velvet Underground, un cuarteto de rock de vanguardia que dirigía, conocido por sus canciones decadentes y su sonido abrasivo y cargado de retroalimentación, pero aquello no funciono y Nico comenzó a cantar en el Dom, un club nocturno de Nueva York. Estas actuaciones prepararon el escenario para su primer álbum en solitario, Chelsea Girl, lanzado en 1967 por Verve Records. Ataviada con arreglos barrocos de cuerdas, Chelsea Girl solo insinúa el camino musical que seguiría más tarde.

 

Dentro de ese álbum destacamos “The Fairest of the Season” que fue la pista con la que empezaba su LP Chelsea Girl, una fusión perfecta de estética contracultural genial sin esfuerzo combinada con folk-pop. La canción (junto con varias otras pistas del álbum) fue escrita por un Jackson Browne antes de que saltara a la fama, quien también respalda a Nico en la mayor parte del disco. A él se unen los colaboradores anteriores de Nico, Lou Reed (quien también era su amante), Sterling Morrison y John Cale, todos de la Velvet Underground. La canción tiene unos brillantes arreglos de cuerdas, a cargo de Larry Fallon (quien también trabajó con Van Morrison, The Rolling Stones, Gil Scott-Heron y Jimmy Cliff, jactándose de haber arreglado créditos en discos clave de esos artistas). La canción (y el disco en su conjunto) logra mezclar el folk de cámara con el pop de los 60, y Nico logra darle su propia mirada profundamente iconoclasta al material entregando una música casi única y original. Si bien el disco no vendió muchas copias en 1967, después de aparecer en películas de Wes Anderson y Gus Van Zandt, finalmente encontró la audiencia más amplia que Nico anhelaba (aunque póstumamente), las pocas copias originales del LP son un codiciado objeto de coleccionismo. Temáticamente "The Fairest Of Seasons" nos presenta a Nico que está meditando si su relación amorosa tiene que seguir adelante, aunque ella no está segura. ¿Debería dejarlo mientras las cosas están bien? Parece que los sentimientos se han minimizado y tiene la sensación que no era el amor de su vida lo que estaba buscando, aunque sin duda es una relación muy cómoda que le reconforta. Cuando llega la mañana, comienza a ver las cosas un poco más claras, aunque todavía reconoce que irse será una decisión difícil. ¿Y si ella se arrepiente? Seguro que es joven. Hay mucho tiempo para encontrar a alguien. ¿Quién dice que no podría volver si cambia de opinión de todos modos? Al final, Nico decide que ahora es el momento de irse. Le trae una especie de alivio mientras que antes estaba aterrorizada. Entonces, decide irse en la más bella de las estaciones.

#MesTheBeatles: Help - The Beatles

 

A mediados de los años 60, la Beatlemanía se había apoderado de todo el planeta después de que se completara la invasión británica en estados Unidos y los “Fab Four” no podían producir suficiente producto como para satisfacer a un público rabioso obsesionado con sus íconos favoritos. Después de que la película "A Hard Day's Night" demostrara ser un éxito rotundo, había pocas dudas de que THE BEATLES continuarían con sus aventuras de comedia musical en forma cinematográfica mientras pudieran salirse con la suya. La banda no perdió tiempo en concebir una secuela en forma de Help! que vio a THE BEATLES alejarse de las travesuras de baja produccion de su primera película a un tipo de película encaminada al éxito de taquilla multicolor con un alto presupuesto que se filmó en una variedad de lugares extranjeros exóticos. Si bien “A Hard Day's Night” se basó en la locura que había con la Beatlemania que se desarrollaba en torno a los integrantes del grupo y sus reacciones al respecto, Help! se tomó libertades al establecer una trama artificial sobre un culto oriental que necesitaba sacrificar una mujer a la diosa Kaili, pero se dio cuenta de que no llevaba el anillo de sacrificio que de alguna manera se envió a Ringo Starr en una carta de fan. La película se desarrolla a través de una serie de travesuras caricaturescas que giran en torno al culto malvado que sigue a THE BEATLES para recuperar el anillo perdido y poder llevar a cabo sus prácticas rituales. Si bien podría extenderme mucho sobre la película, el tema de esta reseña es la banda sonora musical que la acompaña, que de acuerdo con el año de 1965 variaba según el lado del Atlántico en el que residías, sin mencionar que la banda sonora de la película es bastante diferente al álbum del mismo nombre.

 

Help! Sirvió para abrir el álbum y titular la película y el álbum, el título original de la canción y la película era "Eight Arms To Hold You". Las primeras copias del sencillo decían que era de la película "Eight Arms to Hold You". En una entrevista de 1971 con Rolling Stone, Lennon dijo que este es uno de sus discos favoritos de los Beatles porque "lo decía todo en serio, era real". El ex Beatle agregó: "La letra es tan buena ahora como lo era entonces. No es diferente, y me hace sentir seguro saber que era tan consciente de mí mismo entonces. Era solo yo cantando “ayuda” y solo quería decir eso ya que Help! reflejaba el estado de ánimo de un Lennon abrumado por el vertiginoso éxito de los Beatles, y agobiado por la espiral de acoso que vivían tanto por parte de los fans como de los medios. Es, por tanto, una de las canciones más personales y honestas que escribió para los Beatles, y una de sus favoritas de aquella época. Lennon concibió la canción en un tiempo más lento que el que finalmente tuvo, pero al ser un encargo para el disco y la película, la aceleraron y edulcoraron para convertirla en el inmenso hit que llegó a ser. Él siempre consideró que al cambiarla la cargaron de una ligereza que impidió que el mensaje original llegara de una manera más clara a los que la escucharan, porque lejos de estar escribiendo una canción bailable, en palabras del propio Lennon: "En realidad estaba pidiendo ayuda a gritos...". The Night Before es una de las canciones menos conocidas de los Beatles, muchos fanáticos la consideran una de sus piezas más subestimadas. Es una canción pop ligera sobre problemas en las relaciones, con las armonías de John Lennon y George Harrison respaldando la voz principal de Paul McCartney que fue el autor de la canción. La canción sale interpretada en Salisbury Plain en la película, Help!. John Lennon tocó un piano eléctrico Hohner Pianet en esta pista y se le puede ver en la película. 

You've Got to Hide Your Love Away es una clara muestra de la influencia de Bob Dylan sobre las composiciones de Lennon, y una de las primeras donde participa otro músico ajeno a la banda (tocando la flauta). El texto de la canción tiene referencias a la homosexualidad entre líneas, estando indirectamente dedicado al gerente del grupo, Brian Epstein. En apoyo de esta idea lo sostuvo el músico / cantante Tom Robinson, quien señaló que, de hecho, Epstein tuvo que "esconder su amor" en un momento en que la homosexualidad todavía era un crimen en Gran Bretaña. Escrita por John Lennon (pero también acreditado a Paul McCartney), es una de las primeras grabaciones del grupo en verse afectada por la influencia del folk americano y Bob Dylan, contaminación presente en muchas de las canciones del propio álbum, así como futuros, como por ejemplo Norwegian Wood, contenida en Rubber Soul. Lennon, en el momento de la grabación del álbum Help! estaba impresionado por Bob Dylan, tanto por la composición como por la forma de cantar, y se inspiró en una canción de él de 1964 titulada I Don't Believe You. You've Got to Hide Your Love Away suena en la película Help!, cuando el jefe de la secta Clang (Leo McKern) aparece debajo de los alcantarillados de la Ailsa Avenue, Londres. La canción es interpretada en el apartamento de Lennon, donde la banda está vigilada por Ahme (Eleanor Bron). Al final de la canción, George se desmaya al ver la jeringa gigante que Ahme saca para Ringo, el portador del anillo. 

I need you fue escrita por George Harrison para su novia Pattie Boyd que ha sido la inspirado par muchas canciones como Something y Eric Clapton escribió "Layla" y "Wonderful Tonight" para ella. Ella y Harrison se divorciaron oficialmente en 1977. Ella y Clapton estuvieron casados ​​entre 1979 y 1988. El extraño sonido de guitarra es Harrison tocando con un pedal de tono. Dado que esta fue la única canción suya en la película. Another Girl nos da la oportunidad de escuchar a Paul con buen humor y es sorpresa en sí misma. Las armonías son fuertes, la voz segura de sí mismo de Paul es divertida, pero el verdadero deleite aquí es la guitarra. You're Going To Lose That Girl tiene un gran arreglo y nos cuent como un tipo va a robarte a tu novia que abandonastes Me encanta la alegría en sus voces cuando exclaman "Me aseguraré de quitártela", a lo que Paul y George siguen. "mira lo que haces". Incluso aquellos que no han visto la película seguramente notarán el debut de Ringo en uno de mis instrumentos favoritos, los bongos, que en sí mismo lleva a esta canción a la grandeza. Ticket To Ride es un medio tiempo, amargo y disonante, con un ritmo pesado repleto de guitarras eléctricas y timbales, de hecho, este tema fue considerado por John Lennon como "Una de las primeras grabaciones de heavy metal". El tema tiene el honor de ser la primera grabación de los Beatles que sobrepasaba la barrera de los tres minutos. En cuanto a la temática del tema, ha sido objeto de multitud de interpretaciones a lo largo de los años. Hay quien sostiene que hacía referencia a los ferrocarriles británicos y "ticket" se refería a boleto y "Ride" se refería a la ciudad de Ryde, en la isla de Wight, donde la prima de McCartney y su marido regentaban un pub que los Beatles habían visitado. También hay otra teoría que apunta a que el tema se refiere a las enfermedades de transmisión sexual y que fue inspirado por las prostitutas que el grupo había conocido en una gira anterior por Alemania. En cualquier caso, Paul McCartney comentó sobre el tema que si bien trataba principalmente de una chica que al sentirse atada abandonaba al narrador, era consciente del potencial doble sentido del tema.

Act naturally fue originalmente grabada por Buck Owens, y era una canción de Country y Western que llego al número 1 en 1963. Esta canción fue escrita por Johnny Russell y Voni Morrison. Russell fue un prolífico compositor de música country y Morrison fue miembro de la banda de respaldo de Owens. La letra de Russell se inspiró en lo que le dijo a su novia cuando ella le preguntó por qué se fue a Los Ángeles: "Me van a poner en el cine, me van a convertir en una gran estrella". Ringo cantó el plomo en esto. Era fanático de la música country, y esta se convirtió en su canción principal. Los Beatles tocaron esto en su tercera aparición en vivo en el Ed Sullivan Show. Le dio a Ringo la oportunidad de cantar en el programa. Grabado poco después de la filmación de Help!, la letra trata sobre aparecer en películas. Sobre It's Only Love John Lennon dijo una vez que esta era la única canción que escribió que realmente odiaba. Lennon le dijo al periodista británico Ray Connolly: "Es la canción más vergonzosa que he escrito. Todo rimaba. Letras repugnantes. Incluso entonces estaba tan avergonzado de las letras que apenas podía cantarlas. You like me too much, la composición de canciones de George Harrison evolucionaría en los próximos años y florecería con composiciones introspectivas como "Something" y "Within You Without You", pero en esta canción, escribió sobre estar enamorado de una chica y saber que, a pesar de sus amenazas, ella se enamorara de ti, nunca dejes de intentarlo, después de todo, a ella le gustas demasiado. En esta canción se utilizaron tanto un piano de cola Steinway como un piano eléctrico Hohner Pianet. Tell Me What You See es una pista de relleno, quizás la peor del álbum, está escrita por John y Paul. Tanto Ringo como George aportan una interesante percusión, en claves y guiro respectivamente, al servicio de una canción que no merece tanta atención. I've Just Seen a Face, suena revolucionada en su prisa por describir a la chica de la que te has enamorado instantáneamente, y la melodía basada en guitarra acústica tiene que darse prisa para alcanzarlo. 

Yesterday es uno de los muchos himnos, y porque no, el más reconocible que nos dejó como legado la banda de Liverpool, es una de esas canciones que captura de una forma u otra, los momentos más grandiosos de sus vidas e incluso tiene la capacidad de disolverlos en la realidad del presente. Es todo un logro, la capacidad que tienen sus notas para lograr una fotografía brillante del pasado y ponerla en valor de nuevo, sintiendo como el amor, la verdad o el deseo permanecen por mucho que las personas asociadas a ellos se hayan ido de nuestras vidas. La magia que siempre vuelve y que nos deja ante el poder imborrable de las marcas del tiempo en nuestra memoria. Lunes 14 de junio de 1965, era el momento de grabar Yesterday y una melodía con la que Paul se despertó un día en su cabeza y que no lograba recordar donde la había escuchado, hasta el punto que estaba convencido que la melodía le vino en un sueño, con más miedo que ilusión se la toco al grupo, y les explico que, seguro que esta melodía tan perfecta tiene dueño, pero nadie del grupo la conocía y decidieron tirar hacia adelante. Paul tenía la melodía, pero faltaba acompañarla de un letra a su altura, letra que no llegaba así que las primeras pruebas las hizo con la frase “Scrambled eggs, oh baby how I love your legs” ("huevos revueltos, oh baby, como amo tus piernas")… vale, no estaba a la altura pero casaba perfectamente con la melodía, finalmente Paul McCartney compuso la mayor parte de la letra durante un viaje en carretera de cinco horas a Portugal en 1965 cuando estaba de vacaciones con Jane Asher que en aquel año era su novia, pero aún faltaba el título y quería que fuese solo una palabra, había considerado Yesterday como una opción, cursi, pero una opción, hasta que George Martin lo convenció de que esta era la opción correcta. Y de paso le impuso una locura, incluir un cuarteto de cuerdas clásico para acompañar el tema, Paul no estaba muy convencido. “Oh no, George. Somos una banda de rock 'n' roll y no creo que sea una buena idea”, dijo. Finalmente cedió y Yesterday se convirtió en una de las primeras canciones de pop en incluir elementos de música clásica en su melodía. La letra, ensalza la añoranza del ayer, el amor perdido y las oportunidades que no vuelven, se convirtió en el emblema de toda una generación, incluyendo la cultura hippie, esta inocente canción, que apunta al ayer con un dejo de melancolía, realmente se inspira en que el ayer es como una especie de animal salvaje, que asalta el pensamiento y los recuerdos cuando uno menos se espera. Yesterday sigue siendo una de las canciones más populares del siglo XX, de hecho, es la canción con más versiones de la historia, así a bote pronto estamos ante una canción de la que han hecho su propia versión los siguientes artistas: Ray Charles, Elvis Presley, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Frank Sinatra, Bob Dylan ... podríamos seguir mencionado a los más de 1600 artistas que la han hecho suya, pero con esta retahíla sobran lo demás…. Disfruten del ayer, disfruten de The Beatles y dejen correr una lagrimita de emoción cuando escuchen los primeros acordes…. Los recuerdos nos hacen sentir más vivos.

0404.- Waterloo Sunset - The Kinks

Waterloo Sunset ("Anochecer de Waterloo") es uno de los temas más famosos e universales de la banda británica The Kinks. Su temática local y cercana (el paseo de dos amantes por un puente del Támesis, hacia la estación de Waterloo), la convirtieron además en todo un himno del modo de vida y el orgullo británico, hasta el punto de ser una de las canciones elegidas para ser interpretada en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012.

Lanzada como single en mayo de 1967, e incluida en Something Else, el sexto álbum de estudio de la banda, se convirtió en uno de los éxitos más grandes del grupo en el Reino Unido, y se vio además impulsada por el rumor de que los dos amantes estaban inspirados en personalidades reales del momento, en concreto la relación entre los actores Terence Stamp y Julie Christie, lo cual fue posteriormente negado por Ray Davies, compositor de la canción, desmontando aquel castillo de naipes mediático al desvelar que la misteriosa pareja estaba formada, en realidad, por su hermana y su novio.

La grabación de la canción no fue especialmente compleja, pese a que dedicaron muchas horas a la búsqueda de un nuevo sonido para las guitarras, que le diera al tema un toque diferencial con respecto a otras grabaciones anteriores de la banda. Lo consiguieron utilizando efectos de eco, al estilo del que se empleaba en los viejos hits del rock and roll de los años cincuenta, que aplicados a la estructura de su canción, le dieron el componente de novedad y distinción que habían estado buscando para la descripción de un amanecer tan bello como el que puede verse desde un puente del Támesis, cerca de la estación de Waterloo.

0403.- Sunshine of Your Love - Cream

 

Sunshine of Your Love, Cream

     En 1967 la formación británica Cream publica su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears. Un álbum donde la banda mezcla el blues con un sonido más psicodélico. La portada del álbum fue creada por Martin Sharp, un conocido artista, dibujante, compositor y cineasta australiano. Sharp además crearía posteriormente también la portada del álbum de la banda Wheels Of Fire, y co-escribió Tales Of Brave Ulysses junto con Eric Clapton. La portada del disco consiste en un collage psicodélico con el título centrado y el nombre del grupo a continuación, rodeado de un arreglo floral. Lo que Martin Sharp intentó fue captar el sonido de la música de la banda en la portada del disco, un sonido que definió como "sonido fluorescente clásico".

Disraeli Gears fue grabado en los Atlantic Studios deNueva York en el mes de mayo de 1967, ya que el sello discográfico de Cream, ATCO, no era más que una subsidiaria que pertenecía al poderoso sello Atlantic Records. De la producción del disco se encargaría Felix Pappalardi, quien luego se forjaría una brillante carrera como miembro del grupo Mountain junto con Leslie West. En cuanto al título del álbum, este fue concebido a partir de que el roadie de la banda Mike Turner pronunciara mal una palabra. El roadie al parecer, cuando se encontraba hablando de bicicletas, para referirse al cambio de las mismas, el cual se pronunciaba Di-rail-yer (un cambio que se usaba frecuentemente en las bicicletas de 10 velocidades que había por entonces), pronunció la palabra de la siguiente manera, Disraeli, y curiosamente Disraeli hacía referencia a un primer ministro británico del siglo XIX, Benjamin Disraeli. El grupo en ese instante tuvo claro cuál debía ser el título del álbum. El álbum fue publicado en noviembre de 1967 en Reino Unido y en diciembre de 1967 en Estados Unidos bajo el sello discográfico Atco Records.

Incluido en el este disco se encuentra Sunshine of Your Love, tema escrito por Eric Clapton, Jack Bruce y Pete Brown, éste último un poeta beat amigo de Ginger Baker y Jack Bruce . El sencillo se convirtió en la canción más comercial y más vendida del grupo y de la discográfica Atlantic Records a través de su sello Atco Records en aquel momento. Fue grabada en en mayo de 1967 y publicada como sencillo en enero de 1968. La famosa primera línea de la letra fue escrita por Pete Brown después de estar toda la noche trabajando con Jack Bruce en el tema al ver la salida del sol. La canción fue ideada después de que Jack Bruce y Eric Clapton asistieran a un concierto de Jimi Hendrix en el Saville Theatre de Londres. Jack Bruce al regresar a casa se le ocurrió el riff de guitarra el cual está basado en un riff de bajo, luego Pete Brown y Bruce escribieron la letra en una sola sesión que duró toda la noche, Bruce y Clapton se encargaron de la música y Clapton ideó y escribió el estribillo.

0402.- Heroes and Villains - The Beach Boys

0402 Heroes and Villains - The Beach Boys

Heroes and Villains es una canción de la banda de rock estadounidense The Beach Boys que fue incluida en su álbum Smiley Smile de 1967. 

Escrita por Brian Wilson y Van Dyke Parks, Brian Wilson imaginó la canción como una comedia musical con temática del Viejo Oeste. Y su sencillo fue el primer lanzamiento de la discografíca Brother Records, pero no cumplió las expectativas comerciales y de la crítica, aunque fue un disco de éxito, alcanzando el número 12 en Estados Unidos y el número 8 en el Reino Unido.

Brian Wilson había estado trabajando en Heroes and Villains durante un tiempo antes de pedirle a Van Dyke Parks que le ayudará con la letra en de julio de 1966. 

De este modo Heroes and Villains fue la primera canción que Wilson y Parks escribieron juntos. Al igual que con las demás que escribieron para el álbum Smile, Parks escribió la letra mientras Wilson componía la música, dicen que cuando le presentaron la melodía, Parks recordó la canción "El Paso" de Marty Robbins de 1959 e inmediatamente concibió la línea inicial: "Llevo tanto tiempo en este pueblo que en la ciudad me han dado por perdido y desaparecido y desconocido durante mucho, mucho tiempo". 

Antes del lanzamiento de Smiley Smile, the Beach Boys intentaron grabar un álbum en directo conocido como Lei'd in Hawaii. Debido a las dificultades técnicas, decidieron grabar el álbum en los estudios Wally Heider, una sesión que incluía un ensayo de Heroes and Villains. Una cinta de audio que se conserva de esta actuación incluye un monólogo hablado sobregrabado, a cargo de Mike Love, en el que ridiculiza la canción, ya que los comentarios de Mike Love pasan de ser burlones y amargamente sarcásticos y se vuelve aún más mordaz a medida que avanza en la crítica de la canción. Se supone que otra voz risueña en el audio pertenecía a Wilson, y que éste podría haber coordinado la grabación él mismo.

Daniel 

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#MesTheBeatles: A hard day´s nigh - The Beatles

A Hard Day's Night - The Beatles #mesTheBeatles 

Amigos vamos con una de las bandas de rock que ha revolucionado la escena de la música, y en este mes de febrero que hemos denominado el #mesTheBeatles.

Y hoy hablaremos de A Hard Day's Night que es el tercer álbum de estudio, The Beatles, publicado este álbum el 10 de julio de 1964 bajo la discográfica Parlophone.

La fama que ya tienen en la década de los '60, hace que The Beatles alcanzará la posición número uno y superará su anterior álbum, y permaneciendo en esa posición durante veintiún semanas de las treinta y ocho que se mantuvo en lista.

El álbum, fue un gran éxito, y ya se veía el talento de los cuatro de Liverpool, este fue el primer disco del grupo en contener solo composiciones originales y el único en que el catálogo musical estuviera firmado enteramente por Lennon-McCartney. Normalmente, John Lennon y Paul McCartney contribuían a partes iguales con sus canciones en la confección de cada álbum de The Beatles, pero en A Hard Day's Night fue preponderante la autoría de Lennon en la composición de los temas, siendo el responsable de la mayoría de las trece canciones que se presentaron en este disco. 

Este fue también uno de los tres álbumes de The Beatles, junto con Let It Be y Magical Mystery Tour; en que Ringo Starr no aparecía en ningún tema como vocalista principal, aunque sí lo haría en la canción «Matchbox», una versión de un tema de Carl Perkins grabado simultáneamente con las canciones del álbum A Hard Day's Night, y que fue publicado en el EP Long Tall Sally, editado el 19 de junio de 1964.

El álbum contenía algunas de sus canciones más famosas, incluida la que le daba título y Can't Buy Me Love, las dos número uno a ambos lados del Atlántico. Tanto el álbum como la película retrataba perfectamente la clásica imagen del grupo, tal como se les veía en la cúspide de la Beatlemanía.

El sonido de la guitarra solista de 12 cuerdas de George Harrison tendría una enorme influencia en los demás grupos musicales, este álbum llevó a la fama también con la película hizo que los Byrds, entonces intérpretes de música folk, decidiesen asimilar el género del rock and roll en su grupo, creando así el género del folk rock, que tanta influencia tendría después en los mismísimos The Beatles a partir de 1965. Igualmente, el éxito de The Beatles en los Estados Unidos hizo que se abriesen las puertas estadounidenses a otros grupos musicales británicos, como The Rolling Stones, los Animals, o los Kinks. Inspiraron a su vez a grupos jóvenes estadounidenses como los Beau Brummels, los Lovin' Spoonful, y otros, a escribir sus propias canciones, tomando ejemplo de lo que hacían Lennon y McCartney.

El título del álbum y de la película fue, al parecer, una creación accidental del baterista Ringo Starr. Aunque la frase ya constaba por entonces en el libro contemporáneo de John Lennon In His Own Write, y aparentemente ya había sido usada por él en sus días de Hamburgo.

La cara uno del álbum contenía las canciones que aparecían en la película interpretada por ellos, A Hard Day's Night. La cara dos incluía temas que fueron grabados para la película, pero que finalmente no se llegaron a usar en ella, aunque una edición del filme en los años 80 incluía un prólogo antes de los títulos de crédito, en el que sonaba el tema I'll Cry Instead. Este fue asimismo el primer álbum de The Beatles en grabarse sobre cintas de cuatro pistas, y permitió así un mejor mezclado de las canciones para su posterior edición estereofónica.

El álbum incluía los temas Can't Buy Me Love y You Can't Do That, aparecidos previamente en formato sencillo el 20 de marzo de 1964. El mismo día en que se había publicado el álbum, también se editó el sencillo A Hard Day's Night/Things We Said Today.

El éxito de The Beatles es indiscutible, y lo demuestran en toda su carrera artística, realmente son los creadores de una cultura musical que a marcado la historia del rock. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0401.- Massachusetts - The Bee Gees

 

Massachusetts, The Bee Gees

     Entra en escena uno de los grupos musicales británicos de pop rock que más exito cosechó entre las décadas de los  60 y 70: Bee Gees. En 1967 los hermanos Barry, Robyn y Maurice Gibb escriben la canción Massachusetts, que luego sería incluida en el álbum Horizontal, el cual sería publicado a comienzos de 1968. La canción fue grabada entre el 9 y el 17 de agosto de 1967 en los estudios IBC de Londres, y publicada por el sello Polydor en Reino Unido y pulicado en septiembre de 1967. En Estados Unidos fue publicado en noviembre de 1967y por el sello Atco Records.

Robin Gibb se encargó de de la voz proncipal esta canción, siendo el primer tema del grupo donde se atrevió a hacerlo. La canción se convirtió en una fija en prácticamente todos los conciertos del trío. Massachusetts se convirtió en el primer gran éxito de Bee Gees, alcanzando el puesto número 1 en las listas del Reino Unido y de doce países europeos más. En Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista Billboard Hot 100. 

Al parecer, la canción fue escrita en el Hotel Regis de Nueva York durante una gira de la banda por Estados Unidos. La canción pretendía ser una antítesis de de las canciones de la época que representaban el movimiento del Flower Power, tales como Let's Go To San francisco o San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair), temas donde los protagonistas contaban que habían estado en San Francisco para unirse al movimiento hippie. En Massachusetts el cantante, Robin, nos relata que tiene añoranza por regresar a Massachusetts, lugar donde dejó a una chica con el corazón roto. Curiosamente los hermanos no habían estado nunca en Massachusetts, pero les gustó el sonido del nombre.

Disco de la semana 261: No need to argue - The Cranberries

Escrito en gran parte durante una gira para apoyar a Everybody Else Is Doing It en 1993, No Need To Argue encontró a O'Riordan en un mal momento emocional a causa de una ruptura reciente mientras lidiaba con el éxito de su primer álbum. Pero también se expandió más allá de esta introspección para examinar los eventos del mundo que la rodeaba, lo que le dio al álbum una composición temática más amplia que su predecesor.

El álbum comienza con “Ode To My Family”, la canción habla sobre "tener éxito de repente y mirar hacia atrás a casa y preguntarse dónde quedo mi infancia", como reflexionó O'Riordan para Rolling Stone , la canción es un recuerdo lento y sombrío pero teñido de nostalgia de su juventud donde enfrenta las dificultades de su presente con los de su pasado, y específicamente con la percepción del público que tiene de ella, como se evidencia en el segundo verso de la canción. El ritmo se acelera con "I Can't Be With You", una canción de ruptura llena de arrepentimiento que encuentra a O'Riordan añorando un amor pasado y la historia que compartieron juntos. Sin embargo, funciona como una declaración de desafío e independencia, ya que reconoce que la relación no está diseñada para la longevidad y que no puede prolongar lo inevitable, aunque todavía alberga fuertes sentimientos por su pareja. 

"Twenty One" es una mirada hacia O'Riordan, que tenía solo 21 años cuando publicó el álbum debut de su banda en marzo de 1993, y en la canción enfrenta la relación entre su pasado y su presente y celebra la libertad que acompaña la transición de la adolescencia a la edad adulta, que puede, al menos simbólicamente, protegerla de las dificultades del pasado y ayudarla a seguir adelante con su vida. Llegamos al gran tema del álbum “Zombie” esta inspirada en el atentado con bomba del IRA de 1993 en Warrington, Inglaterra, que mató a dos niños e hirió a decenas más, la mencionada "Zombie" es una apasionada canción de protesta. Denuncia toda la violencia sin sentido y la victimización, “Podría hacer que la gente reflexione un poco sobre nuestra sociedad y en lo que nos hemos convertido”, explicó O'Riordan durante una entrevista de Los Angeles Times en noviembre de 1994 . “Sé que la guerra ha estado ocurriendo durante siglos y siglos, pero se supone que debemos volvernos más civilizados”. Según cuenta la historia, Island Records inicialmente intentó disuadir a la banda de dar luz verde a "Zombie" como el primer sencillo debido a su gran contenido, pero finalmente no lograron convencer a una firme O'Riordan y sus compañeros de banda. La sinfónica "Empty" es una reflexión inquietantemente hermosa sobre el arrepentimiento y la pérdida que conduce a emociones vacías, un hilo temático que resurge más tarde en las tristes "Everything I Said" y "Disappointment".

 

El momento más conmovedor del álbum llega con "The Icicle Melts", inspirado en el asesinato desmedidamente trágico de 1993 de un niño de dos años (James Bulger) en Liverpool, Inglaterra. A pesar de la profunda tristeza del tema de la canción, O'Riordan ofrece un mensaje de esperanza y redención en el coro, mientras canta: "Hay un lugar para el bebé que murió / Y hay un tiempo para la madre que lloró / Y ella lo sostendrá en sus brazos en algún momento / Porque nueve meses es demasiado, demasiado, demasiado tiempo”. "No creerías cuántos hombres hay en la industria de la música que miran a una mujer en un sentido sexual y solo quieren conocerte para llevarte a la cama", reveló O'Riordan durante un Hot Press de enero de 1994, al hacer referencia el ímpetu de "Ridiculous Thoughts". “Incluso personas que alguna vez respetaste y que creías que te valoraban por tu mente, tu alma, tu talento, terminan queriéndote por una sola cosa y eso realmente puede ser decepcionante… Y peor aún, algunos de ellos quieren poseerte, lo cual es aún más aterrador”. El punto culminante supremo del álbum, en mi opinión, la introducción etérea de la canción da paso a un trabajo de guitarra cargado en el que O'Riordan muestra su amplio rango vocal, mientras exorciza el desencanto que surge al encontrar el engaño y la traición entre personas en las que alguna vez confiaste. Sin embargo, no todo es pesimismo a lo largo de No Need To Argue , ya que la entrañable y melancólica canción de amor "Dreaming My Dreams" es optimista y repleta de cuerdas dedicada a su entonces esposo Don Burton, el ex gerente de gira de Duran Duran y el responsable de producción de The Cranberries en ese momento. “Yeats' Grave" traen algo de folk-rock celta a la mesa y presentan una interpretación vocal fuerte y sorprendente en un elegante homenaje al famoso poeta del siglo XX, W. B. Yeats. “Daffodil Lament”, es un tema donde la voz de O'Riordan trasciende por encima de la música donde escuchamos a O’Riordan describir una decisión difícil de terminar un romance con una pareja que no es agradable. La canción es más larga del álbum, ya que contiene una acumulación inquietante al principio con una transición a una canción más alegre in crescendo y se nota que es importante para Dolores. Una de las cualidades brillantes de la banda se muestra en esta canción en particular, y esa es la poderosa presencia femenina que O’Riordan aporta al álbum, y aportaría a muchos más, ya que sus letras comienzan a agregar un tema fuerte y desafiante al grupo. Música para hacer historia y dejar otro gran lugar para la música de Irlanda junto a campeones de la talla de U2 o Thin Lizzy. “No need to argue”, la canción, engarza, como un guante con el final de Daffodil Lament, pero ofrece el colosal registro de voz de la hoy fallecida intérprete, acompañado, únicamente, con un órgano. Con ese final que pone los pelos como escarpias… Una canción para los momentos malos que, singularmente, refuerza el ánimo.

 No Need to Argue sigue siendo el álbum más vendido y ampliamente aclamado del grupo y no es difícil ver por qué. Se mantienen los tonos del álbum anterior, pero hay un poco más de oscuridad en cuanto a las letras y la pesadez de algunas pistas que se centran en los resultados de la guerra y el dolor. Si bien el último álbum tuvo megaéxitos que se destacan como sus firmas, de principio a fin encuentro que No Need to argue es más disfrutable con pistas que nunca me dejan con ganas de un poco más, estoy satisfecho.

0400.- Pata Pata - Miriam Makeba

Miriam Makeba fue una cantante sudafricana que con su voz cálida y agresiva se consolidó a nivel internacional gracias a un repertorio compuesto tanto por cantos populares africanos y afroamericanos como por canción ligera. Conocida como Mamá África, fue además una destacada activista antiapartheid condenada al exilio durante más de tres décadas. Hija de un sangoma o chamán de la tribu xhosa, Miriam Makeba pasó su infancia en Pretoria y comenzó a cantar en Sophiatown, un suburbio de Johannesburgo famoso por ser un vibrante centro multicultural antes de que el gobierno del apartheid obligara a sus residentes negros a abandonar la zona bajo los términos de la Ley de Áreas de Grupos. Grabó su primer single, Lakutshona Llange, en el año 1953, como vocalista del grupo Manhattan Brothers, donde conocería al trompetista Hugh Masekela, quien más tarde se convertiría en su primer marido. En 1958 fundó su propia banda, The Skylarks, una formación íntegramente femenina que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana. La gran oportunidad le llegó en 1959 cuando, junto a los Manhattan Brothers, protagonizó el musical King Kong. En una de sus actuaciones llamó la atención del cineasta estadounidense Lionel Rogosin, quien la incluyó en el controvertido documental Come Back, Africa, un alegato antiapartheid que causó conmoción ese mismo año en el Festival Internacional de Cine de Venecia y que dio a la cantante renombre internacional. Tras el éxito del filme, Makeba fue invitada a dar conciertos en Europa y Estados Unidos, donde el cantante y activista social afroamericano Harry Belafonte le pidió que lo acompañara en una serie de actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Cuando intentó regresar a su país para asistir al funeral de su madre, descubrió que le habían revocado el pasaporte. Comenzaba así un largo exilio (Venecia, Londres, Estados Unidos, Guinea-Conakry) que duraría más de tres décadas. Su aparición ante la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1963 denunciando la política del apartheid suscitó aún más las iras del gobierno sudafricano, que respondió prohibiendo sus grabaciones.

La canción en la que nos vamos a detener, Pata Pata, es un tema de pop soberbio, exuberante y alegre que debería estar junto a lo mejor de Southern Soul y Motown como uno de los grandes sencillos pop de la década de 1960. Miriam Makeba hizo una adaptación muy bailable de un tema popular sudafricano antiguo, y realizó una grabación superexitosa en el año 1967. La letra (en lengua Xhosa) es prácticamente intraducible, ya que se trata más bien de palabras sueltas de sentido onomatopéyico, que no tienen ningún sentido textual. Por eso Miriam Makeba introdujo, a mitad de la canción un recitado libre en el que, en inglés, viene a invitar a todo el mundo a bailar y divertirse con la música. La canción popular original es una danza de "toca, toca" que es lo que viene a significar PATA PATA. Si bien, la letra no tiene un significado textual concreto en el contexto tradicional de la danza sugiere la representación de un joven que le gustaría tocar a la chica de sus sueños, y a pesar de que la chica es huidiza el chico sigue insistiendo, pero al final la chica grita pidiendo ayuda a su madre.