0314: Wild is the wind - Nina Simone

Wild Is the Wind fue escrita originalmente por Dimitri Tiomkin y Ned Washington para la película del mismo título, estrenada en 1957. La canción, grabada por Johnny Mathis para la película, se convirtió en single a finales de ese año, consiguiendo una nominación a la mejor canción original en los Oscars de 1958.

La versión de Nina Simone, que dio también título a su sexto álbum de estudio de 1966, ralentizaba la instrumentación y elevaba el nivel lírico y sentimental en una interpretación más intensa y conmovedora. La cantante estadounidense la interpretó en directo por primera vez en 1959, y aquella primera versión quedó registrada en el álbum en vivo Nina Simone at Town Hall, pero su interpretación más conocida acabó siendo la del disco Wild Is the Wind, incluido en los 1001 discos que debes escuchar antes de morir de Robert Dimery.

Wild Is The Wind fue también interpretada por David Bowie en su álbum de 1976 Station to Station, en una versión igualmente memorable e intensa. Bowie decidió grabarla tras un encuentro entre ambos músicos en 1975, y comentó que la versión de Nina Simone le había calado tan hondo, que decidió grabarla como homenaje a la genial intérprete y pianista.

La música en historias: Pornography - #MesTheCure

 

Pornography, The Cure

     The Cure en su primera etapa musical había desarrollado un estilo propio dentro de la corriente post-punk que imperaba por aquellos años, y gracias a su personal estilo fue considerado como grupo de culto dentro de la corriente dark wave (rock gótico). Durante esa primera mitad de los años 80 tanto la música como la actitud del grupo se había vuelto muy introspectiva, durante las actuaciones no solían atender a las peticiones e interpretar de su repertorio sus temas más antiguos y alegres. La situación llegaba hasta el punto de que Robert Smith tenía que abandonar los conciertos llorando debido a que se había metido tanto en el personaje que le tocaba interpretar que llegaba a afectarle.

En 1982 llegaría su punto más álgido, hasta el momento, con la publicación de Pornography, un disco que será considerado fundamental en la carrera de la banda. Pornography se convertirá en el último disco de la llamada Trilogía Gótica junto con sus dos anteriores discos: Seventeen Seconds (1980) y Faith (1981). Así, Robert Smith (voz, guitarra, chelo y teclados), Simon Gallup (bajo y teclados) y Laurence Tolhurst (batería y teclados), graban en los estudios RAK de Londres, entre enero y febrero de 1982 el material que verá la luz en Reino Unido bajo el sello discográfico Fiction Records, en Estados Unidos bajo el sello Elektra Records, y en el resto del mundo bajo el sello Polydor Records. El álbum cuenta con la producción del propio grupo y del compositor y productor discográfico británico Phil Thornalley. El encargado para el diseño de la carátula del álbum fue el fotógrafo Michael Kostiff , y el disco llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas del Reino Unido, así como buenas cifras en países como Países Bajos, Francia, Nueva Zelanda y Suecia. 

Para comprender Pornography hay que remontarse a finales del año 1981, pues por aquella época Robert Smith había sufrido una crisis personal, y la base del material de este disco fue concebido en aquella época. Justo antes de la publicación de Pornography, el grupo edito el sencillo Charlotte Sometimes, tema que únicamente alcanzó el puesto número 44 en las listas británicas. Para la grabación del video de este tema, el grupo se trasladó a un manicomio abandonado, donde al parecer, Robert Smith se encontró una calavera que usó para confesarse de manera análoga en plan soliloquio "ser o no ser" de Shakespeare, lo que a la postre inspiraría los versos del tema The Figuerehead. A partir de aquel momento Robert Smith empezó a sentir un gran interés por la salud mental, ya que aquel suceso le había servido para exorcizar sus demonios internos. Las relaciones con el resto de la banda habían empezado a deteriorarse y Robert Smith había empezado a monopolizar la faceta creativa de la banda. Todo esto sumado a la muerte por suicidio de Ian Curtis, líder de la banda Joy Division (que afectó prfundamente al vocalista), fueron el caldo de cultivo que dio como resultado Pornography.

Las letras de álbum nos hablan sobre la frustración, la muerte, la autodestrucción, la violencia, la moral, la fascinación por las drogas (los excesos con las drogas fueron una constante en aquella época) y el apocalipsis. Las letras, acompañadas por unos pesados y oscuros ritmos, nos trasladan a una atmósfera de auténtica desesperanza. Entramos en materia y nos encontramos abriendo la cara A y por tanto el disco One Hundred Years, donde unos tristes teclados y unas dolorosas guitarras con sus riffs, acompañan la oscura y duras letras de Robert Smith: "It doesn't matter if we all die / Ambition in the back of a black car / In a high building there is o much to do / Going home time / a story on the radio" - "No importa si todos morimos / Ambición en la parte trasera de un autobús negro / En un edificio alto hay tanto que hacer / Hora de irse a casa / Una historia en la radio". Demoledor comienzo y toda una declaración de intenciones sobre lo que nos espera en éste álbum. A Short Term Effect, donde las guitarras y la línea de bajo ayudan a recrear esa atmósfera para que el vocalista siga recreandose en la amargura y la oscuridad. The Hanging Garden, conocido también como A single, fue el único lanzado como sencillo del álbum. Publicado en 7 y 10 pulgadas, llegó a alcanzar el puesto numero 34 en las listas de sencillos del Reino Unido. Muy destacables los contínuos redobles de batería que hacen que el tema suene bastante menos oscuro y sea, en cuanto a sonido se refiere, el menos deprimente del disco . Cierra la cara A Siamese Twins, tema vuelve la oscuridad absoluta para hablarnos de un mundo apocalíptico donde prima la muerte. 

Abre la cara B The Figuerehead, donde el recitado de Shakespeare de "ser o no ser" inspiró unos versos donde Robert nos dibuja sobre un escenario frío y desolador un panorama de tristeza y desesperanza. A Strange Day, tema que sigue con es oscuridad que rodea el disco, con una batería y una línea de bajo casi hipnóticos mientras que el cantante nos lanza sus lamentos: "Move slowly through drowning waves / Going away on a strange day / My head falls back and the walls crash down" - "Muévete lentamente través de las olas que se ahogan / Irse en un día extraño / Mi cabeza cae hacia atrás y las paredes de derrumban". Cold, como su nombre bien indica, y gracias al chelo de Robert, es capaz de trasladarnos más aún si cabe a un ambiente y una atmósfera muy gélida y triste. Cierra la cara B, y por lo tanto este álbum impactante, Pornography, tema que da título al álbum, y que según va avanzando va creciendo hasta sumergirnos en esa oscura atmósfera en la que Robert Smith se encuentra atrapado. el comienzo de esta canción abre con una parte del debate que aconteció sobre el tema de la pornografía entre Germaine Greer, académica, escritora y locutora australiana considerada como una de las representantes feministas más importantes del siglo XX, y el comediante del conocido grupo Monty Python Graham Chapman. La canción, que trata sobre la pornografía, ya se encontraba escrita cuando el productor Phil Thornalley y Robert Smith se encontraron el debate por accidente, probaron a ensamblarlo en la canción, y sencillamente funcionó.

Pornography, como hemos comentado anteriormente, suponía el cierre de la llamada Trilogía Gótica, un álbum que realiza un recorrido a través de la oscuridad, la depresión y la desesperanza, y que se convirtió, por derecho propio, en imprescindible y fundamental para la evolución de la música gótica.

0313: Summer in the city - The Lovin' Spoonful

Summer in the City, grabada por The Lovin Spoonful para su álbum de 1966 Hums of the Lovin' Spoonful, alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en lo más alto durante tres semanas consecutivas, y fue incluida en el puesto 401 dentro de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Necesitado de canciones para completar el tercer disco de la banda, John Sebastian tomo prestado un esbozo de canción que su hermano pequeño Mark Sebastian había dejado sin terminar, y que databa de su período de adolescencia en la ruidosa ciudad de Nueva York. John Sebastian añadió varios versos, y completó la canción con efectos de sonido de tráfico, bocinas de automóviles y martillos neumáticos, para reflejar el ruido de las calles de la ciudad.

La letra describe una puesta de sol en el corazón de la urbe, ese momento en el que el calor veraniego empieza a dar una tregua y la efervescencia de la vida nocturna empieza a desplegarse por toda la ciudad. Salir, bailar, conocer chicas, y anhelar que los días fueran siempre noches bajo el cielo estrellado de la ciudad que nunca duerme. Pero el sol termina siempre por salir de nuevo, y con él vuelve del desagradable calor del verano y el ruido ensordecedor del tráfico. Y todo vuelve a empezar de nuevo, al ritmo de las manecillas del reloj y de este brillante tema de Lovin' Spoonful.

Grandes éxitos y tropiezos: INXS

Grandes éxitos y tropiezos: INXS

Quienes hemos vivido el rock de la década de los '80 seguro que tenemos algún disco de esta banda australiana formada por los hermanos Farris a fines de los '70, en Australia más específicamente en la ciudad de Sídney.

Pero no venimos a contar su historia, sino a comprar sus discos, a llevarnos una colección de esta banda que tiene tantos géneros como discos ha logrado editar, Pop rock, new wave, rock alternativo, dance rock y  funk rock. 

Así que si quieres llevarte algo de esta banda de nuestra tienda virtual de 7dias7notas, aquí van algunos de sus mejores discos de estudio y álbumes en vivo que tiene la banda. Pero como en toda discografía o carrera artística, nos podemos encontrar con al tropiezo. 

INXS tiene en su haber 12 álbumes de estudio editados, y si no eres muy fanático de la banda también tienes para elegir cerca de 10 álbumes compilados que te podrían interesar, donde tendrás más de uno de sus éxitos. 

Y dentro de esos éxitos de la banda no te puede faltar The Swing, su cuarto álbum de estudio, disco que INXS lanzará en mayo de 1984. Este álbum se convirtió en un éxito de ventas y sobre todo el tema 'Original Sin', una canción que sonó en todas las radios del mundo. Después de haber publicado este álbum a la banda se le abrieron las puertas para participar en el concierto Live Aid de 1985.

Otros de los álbumes que no deberían faltar son Listen Like Thieves y Kick, que son dos de los álbumes que se podría decir de demuestran la consagración del grupo.  En 1985 lanzaron el álbum Listen Like Thieves, cuyo sonido es un poco más roquero pero sin dejar de lado sus influencias new wave, uno de los éxitos fue la canción What You Need se colocó, en el Top 10 en los Estados Unidos, convirtiéndose en el éxito internacional que sería consolidado con su siguiente disco Kick, el cual se lanzaría en 1987. Y podemos hablar de muchos de sus éxitos que se encuentran en este álbum, como New sensation, Need You Tonight, una balada única como Never Tear Us Apart, o también mencionar  Mystify.   

Y si quieres tener un álbum en vivo con todos sus éxitos no te puede faltar el Live Baby Live, su primer álbum en directo. Contiene temas grabados en diferentes ciudades, y fue lanzado al mercado el 11 de noviembre de 1991. 

Pero lamentablemente la banda tubo un golpe muy duro con la muerte de Michael Hutchence, su líder y vocalista, en el año 1997. La banda a pesar de la muerte de Hutchence, continuó como grupo reclutando a vocalistas temporales, entre ellos Terence Trent D'Arby, Suze DeMarchi y Jimmy Barnes, pero no fue lo mismo, y ha editado un último álbum en 2005, Switch, su undécimo álbum de estudio con el cantante J. D. Fortune, pero ya no será lo mismo sin la voz inconfundible de su líder Michael Hutchence. 

Una banda que ha marcado muchos éxitos en la historia de la música, y aquí hemos dejado una muy buena selección de discos que te puedes llevar a casa. 

Daniel

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0312 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel

0311 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel 

"The 59th Street Bridge Song" es una canción del dúo británico de folk-rock Simon & Garfunkel, está canción fue escrita por Paul Simon e incluida en su álbum de 1966 Parsley, Sage, Rosemary and Thyme.

Paul Simon ya se había inspirado en historias asociando lugares y momento en sus canciones, con esta canción saca su nombre del puente de la calle 59, (conocido también como Ed Koch Queensboro Bridge) que es un puente de la ciudad de Nueva York que se completó en 1909.

En la versión de estudio participan los miembros del Dave Brubeck Quartet Joe Morello (batería) y Eugene Wright (contrabajo). En la película Monterey Pop de 1967 aparecen imágenes de Simon y Garfunkel interpretando la canción, En su gira de despedida, Simon se "penalizó" por interpretar erróneamente la letra de otra canción cantando este tema, que confiesa odiar.

Un problema legal que tuvo la banda fue cuando se descubrió que el tema del programa de televisión infantil estadounidense H.R. Pufnstuf, compuesto originalmente por Sid y Marty Krofft, imitaba estrechamente "The 59th Street Bridge Song" después de que Simon lo demandara; posteriormente se añadió su crédito de autoría al tema de H.R. Pufnstuf.

Se han hecho varias versiones de esta canción, una de ellas la versión popular de 1967 fue grabada por el grupo californiano Harpers Bizarre, alcanzando el número 13 en el Billboard Hot 100 y el número 4 en la lista Easy Listening Su versión fue arreglada por Leon Russell, que tocó el piano en el tema. Otros músicos fueron Glen Campbell, Carole Kaye y el baterista Jim Gordon; también contó con una sección coral armónica a cappella y un cuarteto de vientos con flauta, oboe, clarinete y fagot.

Daniel 

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0311.- Scarbourg Fair / Canticle - Simon and Garfunkel

 

'Scarborough Fair / Canticle' como bien se comprueba en el titulo se compone de dos canciones, la primera Scarborough Fair es una canción cuya melodía y letra aparecieron alrededor del año 1300, que fue escrita y cantada por bardos medievales en toda la campiña inglesa. Se desconoce quién fue el autor de la canción de la que tratamos, ni tampoco en qué momento exacto se compuso o interpretó por primera vez, pero la hipótesis más aceptada sitúa su aparición en torno al siglo XII. En aquella época, la ciudad de Scarborough, ubicada en la costa oriental inglesa y bañada por el Mar del Norte, era uno de los nodos comerciales más importantes de la isla. De hecho, su feria -que comenzaba cada 15 de agosto- se prolongaba durante 45 días, atrayendo comerciantes de toda Gran Bretaña e incluso de la Europa continental, en un momento en el que el intercambio comercial era más intenso de lo que popularmente se suele creer. Como ocurre con la mayoría de la música folclórica, a medida que pasaba el tiempo, se añadían más letras y versos. Pero aparte sobre esa melodía Simon & Garfunkel agregaron "Canticle", la canción se vuelve legendaria no solo en un nivel estético sino en un nivel de genio. ENTONCES, agregue las octavas de rango inferior de Andy Williams y obtendrá ... una clase magistral de armonía. “Scarborough Fair” se basa en una balada inglesa y es más o menos una canción de amor. "Canticle" que es una reelaboración de "The Side of a Hill", con una nueva melodía compuesta principalmente por Art Garfunkel, incluyendo una letra antibélica que Paul Simon hizo en 1963 Es bastante común que ambas canciones se combinen en una, pero técnicamente son dos canciones separadas. Paul Simon conoció esta canción cuando estaba de gira por Inglaterra, donde la escuchó en boca de un popular cantante de folk llamado Martin Carthy. Cuando Carthy escuchó la interpretación de Simon & Garfunkel, acusó a Simon de robar la forma en que la cantaba él. Esto creo una serie de conflictos en tre Carthy y Simon que no se solución hasta el año 2000, cuando Simon le pidió a Carthy que la cantara con él en un espectáculo en Londres. Carthy dejó a un lado sus diferencias e hizo el espectáculo y en cierto modp Paul admitia que Carthy tuvo que ver mucho en la canción.

 

En cuanto a la temática, un joven le habla al oyente y le solicita que, en caso de que se dirija a la feria de Scarborough, hable con su antigua amada -que vive allí-, y le diga que solo podrá recuperar su amor en caso de completar una serie de tareas imposibles (que le teja una camisa de batista -un tejido de lino- sin costuras o remiendos, que le consiga un acre de tierra entre el agua del mar y la tierra, que siegue la tierra con una hoz de cuero…). En cada una de las estrofas se repite un verso: “parsley, sage, rosemary and thyme” (en español, “perejil, salvia, romero y tomillo”). Aunque no está del todo claro a qué se debe esta enumeración de hierbas, posiblemente se refiera a una pócima popular por aquel entonces se creía que si la tomabas podrías lograr el enamoramiento de la persona deseada.

Faith - The Cure #mesTheCure

Faith - The Cure #mesTheCure

Luego del exitoso debut de la banda, nos vamos a parar en su tercer álbum de estudio Faith, el cual se lanzó el año 1981 y el cual está considerado uno de los álbumes de culto de la banda Británica.

Y es parte de una trilogía de álbumes que sacó The Cure entre los años 1980 y 1982.

Pero el trasfondo del álbum que lleva a tener esa estética y estilo tan gótico, con sus letras existencial y carácter depresivo, pone en manifiesto la situación vivida tanto por el vocalista de la banda Robert Smith con la muerte de su abuela, y el baterista Lol Tolhurst con la pérdida de su madre. Esta situación vivida por ambos miembros de la banda se verán reflejada en la composición de las canciones de la banda.

Y así lo noto la crítica especializada, quien destacó un poso de angustia adolescente que hacía que uno no pudiera tomarse aquello demasiado en serio..., pero sin embargo desde su lanzamiento en 1981, Faith ha ido ganando peso dentro de la discografía de The Cure, como uno de los más importantes de su carrera.

La promoción del disco se hizo en una gira de presentación del disco Faith que se dividió en dos fases, la primera de ellas The Primary Tour tan solo en UK y Europa, y el The Picture Tour su segunda etapa, donde se le añadieron Estados Unidos, Australia y Francia.

El exito de The Cure desde sus inicios se había convertido en imparable y eso lo demuestra en sus comienzos, y lo continúa en este si tercer disco de estudio, tanto que Faith es remasterizado en el año 2005 como parte de las series Deluxe de la discográfica Universal. La nueva edición, de dos CD incluyó una versión remasterizada del LP original, y la canción «Carnage Visors» en el primer CD, así como una colección de demos, canciones en vivo y el sencillo «Charlotte Sometimes», no incluido en ninguno de los álbumes de la banda. También existe una edición monodisco, que incluyó el álbum original remasterizado. 

Por ello The Cure es una de las bandas de rock gótico más emblemáticas de todos los tiempos.

Daniel 

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0310 Homeward Bound - Simon & Garfunkel

 

Homeward Bound, Simon & Garfunkel

     El 24 de octubre de 1966 aparece publicado el tercer álbum de estudio de Simon & Garfunkel, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, bajo el sello discográfico Columbia Records. El disco es grabado entre diciembre de 1965 y agosto de 1966 en el estudio, y consiste en su mayor parte en piezas acústicas que fueron escritas en su mayoría durante el periodo que Paul Simon había pasado en Inglaterra el año anterior.

El disco fue considerado por parte de la crítica como un gran avance en el proceso de grabación del dúo y uno de sus mejores trabajos. Algo que se vio reflejado en las listas de ventas, alcanzando el puesto número cuatro en el Billboard Pop Album Chart de Estados Unidos, consiguiendo además la certificación triple platino en dicho país merced a sus ventas.

Incluido en dicho álbum se encuentra la canción Homeward Bound, compuesta por Paul Simon y producida por el conocido productor estadunidense Bob Johnston. La canción fue lanzada como sencillo el 19 de enero de 1966, fue grabada durante las sesiones de su anterior álbum, Sounds of Silence, e incluida en en ese disco en el Reino Unido, siendo incluida posteriormente en Parsley, Sage, Rosemay and Thyme. 

En Estados Unidos el tema alcanzó el puesto número cinco en la lista Billboard Hot 100, permaneciendo en dichas listas durante doce semanas. También consiguió buenas cifras en países como Canadá, Países Bajos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Reino Unido y Australia. En cuanto a la temática del tema, Paul Simon escribió la canción mientras vivía en Inglaterra, concretamente en Brentwood, Essex. Ideó la canción en la estación de tren mientras esperaba el tren de regreso a casa después de haber estado en Wigan, donde tocaba habitualmente. La canción tiene un doble significado, pues además de hablar literalmente de querer un ticket de regreso a su casa por entonces en Brentwood, también hablaba del anhelo del artista por regresar a su hogar en Estados Unidos.

0309.- Here, there and everywhere - The Beatles

 

La última canción que repasamos del disco Revolver es una balada perfecta, hasta tal punto que John Lennon declararía que era la “única” canción compuesta por Paul McCartney que le parecía buena. Cuenta la historia de la canción que Paul fue a casa de John Lennon y mientras esperaba a que se levantara, al lado de la piscina empezó a trabajar en la canción, “Me senté al lado de la piscina con mi guitarra y empecé a tocar, poco después ya tenía algunos acordes. Para cuando Lennon se había despertado ya tenía casi terminada la canción, entonces entré y la terminé... “ Se inspiró, al menos en parte, en la canción de The Beach Boys, God Only Knows". A McCartney se le preguntó en 1990 sobre la influencia de The Beach Boys en esta canción, Paul comento con respecto al asunto: "En realidad, es solo la introducción la que está influenciada. John y yo solíamos estar interesados ​​en lo que los escritores anticuados solían llamar el verso, que hoy en día llamaríamos la introducción: todo este preámbulo de una canción, y quería tener uno de esos en la entrada.' John y yo estábamos muy interesados ​​en las canciones antiguas que solían tenerlas, estábamos haciendo armonías, y la inspiración para eso fueron los Beach Boys”. Las armonías estaban compuestas por Paul, John y George y fueron arregladas por George Martin, más tarde explicaría…. “Las armonías en esta canción son muy simples, solo tríadas básicas que los chicos tarareaban desde atrás, algo fácil de hacer, no hay nada extraordinario, no hay contrapunto, solo armonías, muy fácil pero muy eficaz, teníamos claro que las teníamos que meter durante la introducción.

El tema es muy reconocido por su tonalidad agridulce, por las armonías antes mencionados y por su sencillo y simple arreglo, la ayuda el hecho de que contiene una melodía muy dulce que junto a la interpretación la hacen una pequeña obra maestra. Fue McCartney, que siempre ha dicho que es uno de sus temas preferidos, quien mencionó en la serie de radio de 1989, McCartney On McCartney, que el comienzo de la canción con los coros de "ooh-aah" en el fondo, estaba planeado para tener un sonido como el de los Beach Boys. Here, There and Everywhere presenta uno de los rangos vocales más altos de McCartney, ya que, si bien la canción fue escrita con Jane Asher en mente, McCartney encontró inspiración para su voz en una fuente menos probable… “cuando la canté en el estudio, recuerdo haber pensado, la cantaré como Marianne Faithfull; algo que nadie sabría jamás ... Así que esa era una vocecita, utilicé una voz casi en falsete” En muchas ocasiones McCartney ha descrito esta canción como su favorita de todas las canciones de los Beatles, no es de extrañar, ya que es el tema musical más versionado del cuarteto después de “Yesterday”

Disco de la semana 248: Historias - La Beriso

Disco de la semana 248: Historias - La Beriso 

Hoy tenemos muchas Historias que contar, o que cantar, ya que de la mano de una banda de rock argentino con un estilo muy de las bandas de rock de barrio, nos trae este álbum cargado de emociones de la banda La Beriso.

Una banda oriunda del barrio de Avellaneda de la provincia de Buenos Aires, que espero descubrir junto a todos uds, por no conocer mucho de su discografía.

Historias es su quinto disco de estudio, que la banda de rock argentino ha lanzado a la venta, este disco se presentó en octubre de 2014, bajo el sello discográfico Sony Music Argentina, y se convirtió en el álbum más exitoso de la banda, hasta ese momento.

Una banda con un estilo muy particular al de las bandas rock de barrio, con el ADN del sonido del rock argentino, y con influencias de reggea en algunas de sus canciones. 

Pero en particular este disco contiene una carga emocional muy grande por parte su líder, ese mismo año Rolo Sartorio vocalista de la banda pierde a una de sus hermanas tras padecer un cáncer, pero ya la familia Sartorio había pasado por una situación similar unos años atrás con la pérdida de otras de las hermanas del vocalista. 

Tras esta penosa historia, creo creer que todo ellos se traslada en canciones tan sentidas como ser Como Olvídate donde no sólo su letra, sino una canción tan instrumental que cala hondo, es la canción número 10 del disco, un disco de 14 canciones o historias. 

Pero el disco comienzan con No me olvides con un comienzo suave que va subiendo el ritmo, buen comienzo buen rock, sin hacernos esperar Ella el segundo tema del disco marcado por las guitarras pero también una historia de violencia, que la banda enmarca en la lucha contra la violencia de género. Te burlaste sigue la línea de las primeras canciones del disco, el más puro rock para encerrar una historia de amor en este caso. 

Madrugada, la banda ahora cambia el ritmo y pasa a un sonidos de Reggae, está canción es parte de un sencillo anterior al lanzamiento del disco, con la participación Néstor Ramljak y Martín Mortola de la banda Nonpalidece. 

Traicionero vuelve al sonido del rock envuelto en una combinación de guitarra, bajo y batería, y fue otro de los cortes de difusión de la  banda para este disco, continuamos con Otra noche más, donde mantiene el sonido y pareciera ser como la continuación de la canción anterior, pero de repente nos vemos ante Donde Terminaré y Mañama dos canciones que suben el ritmo, cambia a un rock más eléctrico con un sonido de guitarras mas marcadas. 

Recuerdos no soy un experto, pero con un sonidos de country rock pareciera ponerle ritmo a esta canción y una nueva historia. Enloquecer nos trae una especie de balada, con una pero no abandona la banda las guitarras siempre presentes en cada canción, Resistir y Amargo Dolor vuelve el rock y las historias profundas un disco cargado de emociones no podría terminar de otra forma, Mi destino otra canción sentida junto a un piano que acompaña la voz del cantante, y así nos despedimos, con un disco repleto de historia, historias tan sentidas como vibrantes. 

Amigos, este disco me ha emocionado, y me ha hecho querer más de esta banda de rock, que con sus canciones me ha trasladado a cada una de las historias que su vocalista y líder Rolo Sartorio intenta contar, incluso historias propias del artista. 

La Beriso una banda de rock con el espíritu de la música de barrio en la sangre, el ADN de un rock que muy pocas veces se suele escuchar, porque las bandas creen, cambian, y esto no significa que sea malo, sino que es parte de la evolución, así que si tienen la oportunidad les recomiendo no dejarla pasar y escuchar a esta banda y en especial a este disco. 

Daniel 

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0308: Tomorrow never knows - The Beatles

Tomorrow never knows, incluida en el disco Revolver de The Beatles, marca el comienzo de una historia muy especial narrada en "El sonido de los Beatles: Memorias de su ingeniero de grabación" de Geoff Emerick y Howard Massey. El ingeniero de sonido al que hace mención el título era el propio Geoff Emerick, que con aquel disco y con tan sólo 19 años, debutaba como ingeniero principal de los Beatles.

Las innovaciones sonoras que Emerick puso en práctica durante la grabación de esta canción son innumerables, como el uso del sistema ADT (que permitía duplicar el sonido de la voz) o la utilización, por vez primera en un tema de los Beatles, del altavoz Leslie (que generaba efectos de vibrato de la voz sin la necesidad de recurrir al habitual Hammond). Todo ello en respuesta a la rocambolesca petición de John Lennon de sonar como cien monjes tibetanos cantando en lo alto de una montaña, y para acabar convirtiendo a Tomorrow never knows en la canción más experimental y psicodélica del álbum.

Y la cosa no quedó ahí. Se incluyeron guitarras tocadas a la inversa (El solo de guitarra de Taxman se cortó en varias partes que fueron invertidas y adaptadas al tono del tema), mezcladas con instrumentos orientales como el sitar o el tanbur, efectos de saturación del sonido y una interminable sucesión de bucles y loops que Paul McCartney había grabado en su casa, y que incluían desde acordes orquestales extraídos de una sinfonía de Sibelius, hasta efectos de flauta y violines interpretados con un mellotron.

El origen del título está en un error gramatical de Ringo Starr durante una entrevista en la BBC en 1964. A una de las preguntas de la entrevista, Ringo respondió "Tomorrow never knows" ("El mañana nunca sabe", para expresar que no se puede saber lo que va a ocurrir mañana. A Lennon le hizo gracia aquel error, y acabó usando ese título para quitarle hierro a una canción inspirada en los efectos del LSD y el Libro Tibetano de los Muertos.​ Poco podía imaginar Emerick que, aquel día, estaba empezando a escribir la brillante historia sonora de una serie de discos insuperables (Sgt. Pepper's, Abbey Road...) pero es que "nunca se sabe lo que ocurrirá mañana". O como dijo Ringo, "El mañana nunca sabe".

Three Imaginary Boys - The Cure #mesTheCure

Three Imaginary Boys - The Cure #mesTheCure

En este mes de noviembre vamos con una banda originaria de Crawley, Inglaterra, que lanzó en el año 1979 edita su primer álbum de estudio bajo el nombre de Three Imaginary Boys, la banda tiene un muy buen comienzo ya que el debut del álbum empieza a tener éxito. 

Este primer gran álbum de la banda bajo el título Three Imaginary Boys, lo editaron en mayo del año 1979 y en junio ya entró en las listas británicas de música, llegando al puesto número 44, todo una gran proeza para el debut de una banda apenas conocida. Curiosamente, el álbum, cuyo diseño lo firmó Bill Smith, no incluía ninguna foto de la banda, ni créditos ni títulos de las canciones, sustituidos por pictogramas ideados por Robert Smith. 

Además, y para dar más misterio al asunto, al final de la cara B aparecía un instrumental no acreditado y que se descubrió que se titulaba The weedy burton.

En realidad lo que contiene Three Imaginary Boys es un conjunto de canciones de estructura pop pero dotadas de una pátina especial afterpunk que las hacían diferentes a lo que se hacía por entonces. Por ejemplo, es el caso de ‘Another day‘, un corte en el que se apuntaba la oscuridad que iban a tener sus canciones en el futuro.

Aparte de la cara B del primer single, un tema que es un clásico absoluto de The Cure, destacan del resto el aroma pop de ‘Grinding Halt‘ y ‘Fire in Cairo‘, el frío rock a ralentí que da título al disco , la contundencia rockera de ‘It’s not you‘ y una rarísima y extraña versión de ‘Foxy lady‘, de Jimi Hendrix, que el trío tocaba en sus ensayos y que en disco acaba siendo cantada por su bajista.

Cuando vas tan sobrado que tu mejor single está fuera del disco debut

Sin embargo, el siguiente single, que se editó un mes después de la salida al mercado de este primer LP, no estaba dentro del álbum; era Boys don’t cry, el tema más pop de aquellas sesiones y primer gran éxito de The Cure. Como curiosidad hay que recordar que para el mercado americano y australiano se editó en febrero de 1980 el álbum Boys Dont’ Cry, titulado así por el éxito de aquel tema en Estados Unidos, que incluía las caras A de los singles, inéditos y otros cortes del primer elepé.

Three Imaginary Boys apareció en una Deluxe Edition en 2004 remasterizado y con un segundo disco de veinte rarezas 1977-1979, donde nos encontramos con maquetas de estudio, maquetas caseras, out-takes, temas en vivo y temas extras como Jumping someone else’s train, que sería a la postre el tercer single que publicaron en noviembre de 1979.

Es un disco que, en realidad, poco tiene que ver con el grupo que acabaron siendo, pero las cosas iban demasiado rápido entonces. Apenas un año después, The Cure ya llegan a Seventeen Seconds. El salto temporal no se corresponde con el cambio musical: es como si ambos grupos vivieran en multiversos distintos.

Pero, como debut, Three Imaginary Boys es estupendo, un disco muy, muy notable con grandes canciones y suficientes requiebros como para ser válido incluso aunque el resto hubiese sido mediocre. Cosa que, es obvio, no lo fue: el resto es la historia de como The Cure se hicieron más grandes que la vida.

Por eso en este mes de noviembre recorreremos la discografía de esta banda.

Daniel 

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0307: Eleanor Rigby - The Beatles

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0307: Eleanor Rigby - The Beatles 

En 1966 la banda Británica The Beatles lanza la canción Eleanor Rigby y simultaneámente también la banda Británica lanza en el álbum Revolver y como sencillo doble en el lado-A.

La canción fue escrita por Paul McCartney con ayuda de Lennon, por ello esta acreditada a Lennon/McCartney.​ La canción continua con la transformación de la banda y esta es interpretada con un doble cuarteto de cuerdas orquestado por George Martin y la llamativa letra sobre la soledad, la canción hizo continuar la transformación del grupo, principalmente en el rock y el pop haciendo ver una banda de estudio más seria y experimental. La revista Rolling Stone la puso en el puesto número 137 de su listado de las 500 mejores canciones de la historia.

La canción fue grabada entre los días 28 y 29 de abril, y el 6 de junio de 1966, en los estudios 2 y 3 de EMI Studios, con Paul McCartney como voz principal y John Lennon y George Harrison haciendo los coros. 

Los demás músicos que participaron en la grabación de este tema son: Tony Gilbert, Sidney Sax, John Sharpe y Jurgen Hess en los violines; Stephen Shingles y John Underwood en las violas, y Derek Simpson y Norman Jones en los violonchelos.

En 2008, se subastó un documento acerca de Eleanor Rigby. El manuscrito es un registro salarial del hospital de la ciudad de Liverpool y presenta el nombre y la firma de Eleanor Rigby, una asistente de cocina que había firmado por su pago mensual. Sus ganancias anuales sumaban 14 libras. Este documento estaba en poder de Paul McCartney hasta que fue donado para una fundación de ayuda a las personas con discapacidad.

Daniel 

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0306 Taxman - The Beatles

 

Taxman, The Beatles

     El 5 de agosto de 1966 el mítico grupo The Beatles publica su séptimo álbum de estudio, Revolver. El disco es grabado en los EMI Studios de Londres entre el 6 de abril y el 21 de junio de 1966 bajo la producción de George Martin, y publicado el 5 de agosto de 1966 por el sello discográfico Parlophone.

Aunque el grupo ya había empezado a experimentar en la composición de las canciones, será con Revolver con el que se involucren de forma definitiva en la exploración de otros sonidos, siendo este disco considerado como una de las obras cumbres del rock psicodélico. Incluido en el álbum se encuentra Taxman, tema que además se encarga de abrir la cara A. La canción era la primera de Harrison a la que se se le daba una posición tan destacada en un álbum, abriendo el disco, lo que indicaba que era capaz de componer temas tan buenos como Lennon y McCartney. 

La grabación de Taxman comenzó el 20 de abril de 1966, sin embargo las tomas grabadas ese día no se utilizaron y el día siguiente se retomó la grabación, siendo grabadas ese día la batería, el bajo, la voz y las guitarras distorsionadas de Harrison, y los coros de Lennon y McCartney. La grabación del tema se terminaría el 21 de junio de 1066. Harrison le pidió a McCartney que colaborara con las guitarra y éste grabó el sólo de guitarra además del bajo, y Ringo, además de la batería, tocó la pandereta y el cencerro.

Los Mr. Wilson y Mr. Heat de letra se referían a Harold Wilson y Edward Heath, quienes eran el primer ministro británico laborista y el líder conservador de la oposición, respectivamente, en aquella época. Taxman hacía referencia al abusivo tipo de impuesto sobre la renta que pagaba la gente con grandes ingresos como The Beatles, que a veces llegaba a alacanzar el 95% de sus ganancias. Esto llevaría, en años posteriores, a muchos grupos de primera línea a exiliarse a otros lugares para evitar pagar impuestos.

0305.- It’s a Man’s Man’s Man’s World - James Brown

 

El título de esta canción es un juego de palabras inspirado la comedia de 1963, It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World, la canción fue incluida en la lista las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone (en el puesto 123) y además de James Brown, fue interpretada por artistas como Etta James, Cher, Seal, Christina Aguilera (mención especial su versión ya que la interpretación realizada en homenaje a Brown en los Grammy de 2007 se considera una de las mejores actuaciones de los Premios Grammy de todos los tiempos), Seal y Joss Stone.

La canción fue grabada primero por Tammy Montgomery, de 18 años, quien había sido cantante de respaldo con James Brown durante sus conciertos, pero solo llego al puesto 99 en el Billboard (dos años después, Montgomery fue descubierta por Berry Gordy Jr. . de Motown Records, Gordy firmó con un contrato discográfico y cambió su nombre a Tammi Terrell).

Esta balada demuestra el lado romántico y sentimental de Brown y fue un gran éxito, puede sorprender este aspecto de su personalidad, es menos conocida que su explosiva y extravagante personalidad en el escenario donde todo es excesivo, rápido y por momento revolucionado. En la canción pesa que nunca fue lanzado como single, es difícil de entender dado el nivel de la canción, pero fue debido a una disputa que había entre King Records, el sello al que pertenecía James Brown en ese momento, y Mercury Records , quien poseía los derechos de algunas de sus primeras grabaciones, pero nada podría frenarla, dada la majestuosidad que se mostraba en las actuaciones de Brown y el emotivo acompañamiento instrumental, la canción fue un éxito. Alcanzó el puesto número 1 en la lista de R&B. Mostrando el humor característico de Brown, el título era una obra de teatro con el título de la película de comedia de 1963 It's a Mad, Mad, Mad, Mad World . Si bien el significado de la canción es muy controvertido, las facetas de la civilización mencionadas en la letra "no significan nada sin una mujer o una niña" para el maestro del funk. Esta canción fue grabada como si fuera un sermón. Enumera las invenciones que han mejorado la vida del hombre, Brown atribuye todas las obras de la civilización moderna: el coche, el tren, el barco - "Como Noé hizo el arca", y la luz eléctrica - a los logros de los hombres, además, los hombres son quienes, con su poder adquisitivo económico por sus sueldos, son capaces de comprar juguetes para sus "niñas y ... niños". El mundo pintado en la canción es un mundo donde los hombres son los creadores y los que participan en el comercio entre ellos, en la esfera pública descrita en la canción, las mujeres son invisibles, pero el cantante afirma que nada de esto tiene sentido sin la compañía de una mujer. James Brown escribió esta balada a partir de algunas letras escritas por una mujer: Betty Newsome. Muchas de sus palabras fueron retomadas de la Biblia y sus experiencias con algunos de sus ex-novios, incluyendo al mismo "padrino del soul".

0304 Over Under Sideways Down - The Yardbirds

 

Over Under Sideways Down, The Yardbirds

     El 15 de julio de 1966, el grupo británico The Yardbirds publica su tercer álbum de estudio, bajo el título Roger the Engineer en Reino Unido, y bajo el título Over Under Sideways Down en Estados Unidos, Francia, Alemania e Italia. El disco es grabado entre los meses de abril y junio de 1966 en los estudios Advision de Londres bajo la producción de Simon Napier-Bell y Paul Samwell-Smith, y publicado bajo el sello discográfico Columbia Records. El disco alcanzó el puesto número 20 en las listas de éxitos del Reino Unido y el número 52 en las listas Billboard 200 de Estados Unidos, convirtiéndolo en el disco más exitoso de la banda hasta la fecha.

Incluido en Roger the Engineer se encuentra Over Under Sideways Down, tema que sirvió para titular el álbum en países como Francia, Alemania, Italia y Estados Unidos como hemos comentado anteriormente. La canción fue lanzada como primer sencillo del disco el 27 de mayo de 1966, y la revista Rolling Stone la clasificó en el puesto número 23 de su lista de las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos. 

Según el baterista Jim McCarthy, para la composición del tema se inspiraron en Rock Around the Clock, de Bill Haley and His Comets. El grupo había escuchado la canción en la radio después de un concierto creían que podían adaptarla a su estilo. En una sesión de grabación Jeff Beck empezó a tocar la línea de bajo de la canción, y poco después el grupo ya estaba trabajando en la adaptación y los arreglos del tema. En cuanto a la temática de la canción trata sobre lo que para el grupo, en plena juventud, era pasar un buen rato en los 60, como gastarse el sueldo en aquella época, coches, chicas, salir a beber, fumar, y pasarlo bien. Según McCarthy el tema trataba de los excesos y de la decadencia que aquello suponía en realidad.

0303: I put a spell on you - The Animals

I Put a Spell on You es una canción mágica ya desde su título ("Te hechicé"), y su embrujo te lleva desde lo que comienza como una balada sobre el amor perdido hasta el paroxismo rockero del amante despechado, que reclama violentamente lo que ya no puede tener. Ya en su origen, la canción compuesta e interpretada por Screamin' Jay Hawkins en 1956 hizo ese camino "in crescendo", ya que estaba planteada como balada de blues, pero la sesión de grabación desembocó en una fiesta de alcohol que acabó derivando hacia una interpretación mucho más salvaje del tema.

Diez años después, y como no hay nada más salvaje que un animal, los Animals versionaron la canción de Hawkins para su disco Animalisms (Animalismos). El grupo británico, que había alcanzado la fama con temas como The house of the rising sun o Don't let me be misunderstood, había sufrido varios cambios en su formación original, y los miembros que permanecieron tenían la sensación de estarse volviendo demasiado comerciales. La consecuencia fue la ruptura con EMI, para embarcarse ese mismo año 1966 en un contrato discográfico con MGM (para Estados Unidos y Canadá) y Decca Records (para el resto del mundo), con los que editaron el que sería su último disco como The Animals.

Como si de un cruel hechizo se tratase, The Animals se disolvieron poco después, en medio del caos financiero y las desavenencias internas, dejando para la historia esta paradójica versión de un lamento sobre lo que un día se tuvo y se escapó entre los dedos. Una vez más, y como por arte de magia, la balada blues se convirtió en una explosión de furia animal, que se llevó por delante a Eric Burdon y Cía, los únicos capaces de hechizarnos y, acto seguido, dilapidarse en un puro y salvaje ejercicio de animalismo.

0302 You Can't Hurry Love - The Supremes

0302 You Can't Hurry Love - The Supremes 

"You Can't Hurry Love" es una canción de 1966 grabada originalmente por The Supremes por el sello Motown. Y otro éxito de The Supremes.

Esta canción fue escrita y producida por el equipo de producción del sello discográfico Motown, por Holland-Dozier-Holland, como nos tenía acostumbrados The Supremes logró con la canción alcanzar el primer puesto en la lista de singles pop del Billboard de los Estados Unidos, se situó en el top 5 del Reino Unido y en el top 10 de la lista de singles de Australia. Se publicó y alcanzó su punto máximo a finales del verano y principios del otoño de 1966. 

El éxito de la canción hizo que dieciséis años después, se convertiría en un número uno en el Reino Unido cuando Phil Collins volvió a grabar la canción. Llegó al número uno en la lista de singles del Reino Unido durante dos semanas a partir de enero de 1983 y alcanzó el número 10 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos ese mismo mes.

Billboard incluyó la canción en el número 19 de su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. La BBC situó "You Can't Hurry Love" en el número 16 de la lista The Top 100 Digital Motown Chart, que se basa únicamente en las descargas y transmisiones de todos los tiempos de los lanzamientos de Motown en el Reino Unido. "You Can't Hurry Love" fue el segundo sencillo del álbum de The Supremes. 

La canción, es un recuerdo de las palabras de aliento de una madre ("Mi mamá decía 'no puedes apurar el amor/Sólo tienes que esperar'") que le decía a su hija que con paciencia encontraría a esa persona especial algún día, es un ejemplo de la fuerte influencia de la música gospel presente en gran parte de la música R&B y soul. "You Can't Hurry Love" se inspiró y se basó parcialmente en "(You Can't Hurry God) He's Right on Time" ("No puedes apresurar a Dios/Sólo tienes que esperar/Confía y dale tiempo/Sin importar el tiempo que tome"), una canción gospel de los años 50 escrita por Dorothy Love Coates de The Original Gospel Harmonettes.

The Supremes alcanzó el número uno en la lista de pop Billboard Hot 100 en Estados Unidos, y el número tres en el Reino Unido. La versión de The Supremes ha sido incluida en la colección permanente del Salón de la Fama del Rock and Roll de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll.

Daniel 

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Disco de la semana 247: Power, Corruption & Lies - New Order

 

New Order es una de las grandes bandas de la historia, e incluso en los discos más flojos podemos encontrar cosas por las que hay merecido escuchar el álbum por encima de todos su tuviera que quedarme con uno solo me decanto por Power, Corruption & Lies. Descubrí este disco hace un año, fue uno de los primeros de la ronda que estoy haciendo de #Los4000de7d7N (fue la parada 17 de las 4000) y me enamoré instantáneamente. Cada canción de este álbum es un descubrimiento, los sonidos únicos de este álbum lo convirtieron en un álbum esencial en el género synthpop, al tiempo que conserva las influencias del rock de Joy Division y los primeros trabajos de New Order. Comparado con el álbum debut del grupo, Movement, este es un gran salto.

El álbum comienza maravillosamente con Age of consent y una línea de bajo de Peter Hook unida por guitarras tintineantes y un sintetizador bajo. Esta canción habla del amor y el desamor, la canción se vuelve más fluida canta "Te he perdido, te he perdido" repetidamente. Esta canción, como muchas pistas del álbum, no tiene coro, sino lo que se denomina un coro instrumental, mientras que la guitarra y el bajo permanecen igual, Gillian toca una melodía de sintetizador agudo que simplemente te engancha a la cancion, y entre tantas alabanzas a los instrumentos no olvidemos a Stephen y su gran trabajo de batería en esta canción, que es increíblemente rápida y bien sincronizada. Age of Consent es un buen comienzo para el álbum, aunque es muy diferente de muchas de las otras pistas del álbum. Tiene un estado de ánimo feliz pero triste al mismo tiempo, casi melancólico. We all stand es un pequeño bajonazo, una canción de ritmo más lento y mucho oscura que Age of Consent, parece un tema fuera del álbum, además es una canción difícil de interpretar, aunque tiene referencias a los soldados y una playa ensangrentada. Con una instrumentación más pobre, el canto de Bernard aumenta en algunos puntos y eso es quizás lo más destacable. Con The Village nos cambian de nuevo el paso y nos entregan una canción pop alegre, un sintetizador brillante inicia la pista con un ritmo de baile, junto a Hooky en su bajo, la pista comienza y te envuelve como un cálido abrazo. 5 8 6 empieza demasiado tranquila, casi no hay música durante el primer minuto, una caja de ritmos, sintetizadores funky y una línea de bajo oscura después de aproximadamente un minuto y medio, todo se detiene y aparece un ritmo más energético y bailable, con un ritmo que te atrapa y es que instrumentalmente, esta pista es bastante interesante, y nos puede recordar al legendario single Blue Monday del grupo, esta es una de las canciones más interesantes del álbum para mí, ya que las letras son en gran parte un misterio.

La segunda parte del álbum empieza más tranquila con Your Silent Face, reproducida con un tempo mucho más lento, esta canción crea un ambiente diferente al de muchas de las otras pistas del álbum. La pista comienza con un patrón de sintetizador más lento con una fuerte reverberación, se une a un sintetizador que toca una hermosa sección de cuerdas que crea el ambiente para toda la pista, finalmente, una melódica interpretada por Bernard. Aunque la canción no es triste, tiene una energía muy melancólica con hermosas cuerdas de sintetizador y el bajo de Hooky, así como el elemento más importante del tema, la melodía. Ultraviolence abre con un ritmo de baile y una línea de bajo de sintetizador funky, es otra de las canciones oscuras de PC&L, tanto lírica como instrumentalmente, he leído en varios sitios que esta podría ser una de las peores canciones de New Order, no estoy de acuerdo, más bien me parece que está bastante subestimadas de New Order, sabemos que la instrumentación de esta canción, aunque repetitiva, es muy interesante. Hay muchos sonidos y ritmos de batería diferentes que mantienen la canción en movimiento. La línea de bajo de Hooky también es bastante interesante y Bernard se une a la pista tocando la guitarra. 

Ecstacy es bastante similar a Ultraviolence, aunque se hace menos cargante los sintetizadores de la pista suenan muy extraños, empezando porque la canción abre con una línea de bajo de sintetizador oscilante y un bombo junto con algunos otros efectos antes de cambiar a un ritmo disco. Esta canción me trasmite cierta sensación de estar drogado o con algún tipo de droga alucinógena, tal vez LSD. Las voces codificadas por voz pueden representar confusión y alucinaciones como si mientras estás drogado con este tipo de droga. Cierra el álbum con Leave Me Alone es una canción post-punk melancólica que oscila entre la felicidad y la tristeza, a menudo es citada como la mejor pista del álbum, es una pista muy relajante que sirve como una buena despedida final para este maravilloso disco, a diferencia de las otras canciones del álbum, esta pista no cuenta con sintetizadores y se maneja principalmente con la guitarra.

 

0301: Land of 1000 dances - Wilson Pickett

El single Land of 1000 dances de Wilson Pickett fue todo un éxito de 1966, y aunque no era una grabación original, se convirtió en la versión más inmortal de este tema. Curiosamente, una de las partes de la canción que más culpa tuvo en el éxito de la versión de Pickett (el famoso “naaa, nanananaaaa, nanananaaaa, nanana, nananaaaa, nanananaaaaaaaa”) no estaba presente en la primera versión de la canción, lanzada por el músico de Nueva Orleans Chris Kenner en 1962. Kenner quiso que fuera Fats Domino el intérprete de su canción, y éste aceptó a cambio de aparecer como compositor y recibir la mitad de los derechos de autor. Pese al nivel del cantante elegido, aquel primer Land of 1000 dances no tuvo ningún éxito.

La segunda versión del tema corrió a cargo de los rockeros Cannibal And The Headhunters, llegando hasta el número 30 de las listas estadounidenses. ¿Y qué aparecía en esta canción, que no estaba en la versión original, y que hizo del tema un éxito?  Pues precisamente los famosos "naaa, nanananaaaa, nanananaaaa, nanana, nananaaaa, nanananaaaaaaaa” aparecieron por primera vez. Lo curioso es que su presencia no fue una premeditada aportación de los integrantes del grupo de Los Angeles sino que, simple y llanamente, al cantante se le olvidó la letra, e improvisó tarareando.

La canción se hizo bastante popular en el circuito de bares y a nivel local, hasta llegar a manos de Wilson Pickett, que 1000 danzas después de la canción de Kenner y Domino, grabó una nueva versión con tarareo incluido. Su Land of 1000 dances arrasó en las listas hasta llegar al nº 1 de R&B. Su éxito y relevancia llegan hasta nuestros días, y el mítico tema ha sido interpretado por artistas como Ted Nugent, y sampleado por Devo o Public Enemy, además de haber puesto ritmo a películas como Forrest Gump o Full Monty.

On the Night - Dire Straits (Mes Dire Straits)

On the Night - Dire Straits #mesDireStraits 

Amigos en este mes de Dire Straits, vamos a recordar un álbum de esta banda británica, que será su segundo disco en vivo, estamos hablando de On the Night, que fue lanzado en el año 1993.

La banda en un principio los diseño para que se lanzará en un disco doble, pero a fin de cuentas la idea fue descartada y se publicó solo un disco, el motivo de porque no fuera así era para que no compitiera con el disco Alchemy, su primer álbum en vivo grabado. 

Este disco en vivo On the Night incluirá los éxitos más notables de la última época del grupo, incluyendo "Walk of Life" y "Money for Nothing", no se sabría  entonces, pero ese año de 1993 fue el año en la que Dire Straits entraría en la lista de éxitos del Reino Unido con un nuevo álbum por última vez. 

El disco On The Night, era un recuerdo de la enorme gira de 216 fechas de 1991-92 en apoyo de lo que resultó ser su último lanzamiento de estudio, On Every Street.

La gira comenzó en Dublín en agosto de 1991, al principio de una etapa europea que se prolongó hasta mediados de octubre. El itinerario era tan grande que Dire Straits volvió a Europa para una segunda gira inmensa, desde la primavera de 1992 hasta la conclusión de la gira en octubre. Entre medias, realizaron extensas giras en Australia y Nueva Zelanda, y luego en Norteamérica.

On The Night constaba de dos compromisos, uno de cada etapa europea, el primero fue el de tres noches en el Ahoy Stadium de Rotterdam, Holanda, y el segundo un trío de actuaciones en Les Arènes en Nimes, Francia.

Llegando nueve años después de su primer álbum en vivo, Alchemy, el nuevo disco reflejaba la elevación de Dire Straits en el ínterin a la realeza del rock de estadios y arenas, por mucho que Mark Knopfler estuviera, a estas alturas, desilusionado con las expectativas de los incesantes conciertos a tan inmensa escala.

On The Night presentaba dos de las canciones que habían formado parte de su aparición, y del conjunto Alchemy, "Romeo and Juliet" y "Private Investigations". También ofreció versiones en directo de nada menos que cuatro piezas del multimillonario álbum Brothers In Arms. Apareció un cuarteto de canciones de On Every Street, incluyendo los singles "Calling Elvis" y "Heavy Fuel".

El álbum entró en la lista de éxitos del Reino Unido en su posición más alta, el número 4. Su trayectoria, sorprendentemente corta, sólo incluyó una semana más en el Top 20 y cinco en total en el Top 40. Su carrera en EE.UU., que comenzó una semana más tarde, también se limitó a cinco semanas y a un número 116. Pero On The Night alcanzó el Top 5 en Suiza y Nueva Zelanda y llegó al Nº 1 en uno de los países en los que se grabó, Holanda.

Daniel

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0300.- This old heart of mine - The Isley Brothers

 

The Isley brothers llevaban una carrera con algún que otro éxito durante 6 años de carrera que llevaban con el sello RCA, su comienzo fue fulgurante con canciones como “Shout” o una gran versión de “Twist and shout”, pero el éxito se estaba desvaneciendo y sus últimos sencillos apenas tenían repercusión, aunque hubieran renunciado a su estilo original y cantaran temas más parecidos a The Beatles y la ola Britanica que estaba arrasando con todos, el éxito se les resistia. 1966 sería un punto de inflexión, cansados de que RCA no fuera capaz de ayudarles en su vuelta al éxito, rompen con su compañía de siempre y firman con MOTOWN, que ya tenía en su catálogo a distintas estrellas de la música negra.

 

Uno de los primeros temas que les cedieron fue este “This old heart of mine” que en un principio había sido escrita para el grupo femenino THE SUPREMES, (más tarde grabarían su propia versión). Este tema se convertiría en el único éxito del grupo a su paso por el sello Motown y es que estamos ante una de esas canciones de Motown con una melodía alegre pero letras desgarradoras sobre un chico que está devastado por la pérdida de su chica. El pobre no puede seguir adelante, y como el cantante de " Ain't Too Proud To Beg ", ha abandonado su orgullo: "Si me dejas cien veces, cien veces te llevaré de regreso. soy tuyo siempre que me quieras ". El sentimiento de angustia que se palpa en la forma de cantar le da  una dimensión completamente nueva a la canción, los anhelos emocionales expresados ​​en las letras se hacen aún más intensos por la forma en que se trasmiten, y es quwe esa angustia agridulce había sido uno de los puntos fuertes en la larga carrera de The Isley Brothers antes de firmar con Motown, un aprendizaje que tenía sus raíces en música gospel negra, complomentado por doo-wop y rock'n'roll temprano, por lo que esos matices musicales se incorporan sutilmente en las actuaciones, con un gran efecto positivo. La unión de los talentos vocales individuales de The Isley Brothers, combinado con el sonido altamente distintivo de Motown y el posicionamiento de la compañía, debería haber garantizado un éxito masivo durante la permanencia del grupo en el sello, pero no iba a ser asi, las interpretaciones de los Isley Brothers de estas canciones, canciones que originalmente eran solo poptunes muy bailables para los adolescentes de la década de 1960, las transformaban en algo mucho más maduro, más adulto, algo que quizás era demasiado sofisticado para los adolescentes, audiencia principal de Motown. Así que la banda y el sello pronto se separaron, y debido a que Motown se percibía más como una fábrica de sencillos de éxito, en lugar de un sello de álbumes, este lanzamiento se convirtió en una especie de clásico perdido, una variante 'progresiva' del sonido de Motown, que desafortunadamente nunca tuvo ninguna posibilidad realista de ser reconocido como tal en el momento de su lanzamiento.

Rod Stewart, un gran fan de Motown y The Isley Brothers, grabó su propia versión en 1975 y la lanzó como single. Su interpretación fue un gran éxito en el Reino Unido, subiendo al n. ° 4, pero solo llegó al n. ° 83 en Estados Unidos. Lo hizo mucho mejor en Estados Unidos cuando grabó la canción a dúo con Ronald Isley en 1989. Esta versión llegó al número 10 en los Estados Unidos.

0299 Hideaway - John Mayall and the Bluesbreakers

0299 Hideaway - John Mayall with Eric Clapton 

En el año 1963, Eric Clapton le fue presentada la canción "Hide Away" junto al lado B del single "I Love the Woman" por su compañero de banda Tom McGuinness de The Yardbirds. Más tarde, en 1966, grabó "Hideaway" junto a John Mayall y sus Bluesbreakers para el álbum John Mayall Blues Breakers con Eric Clapton. 

La versión siguió al original, pero con un arreglo de sección rítmica más jazzero y el toque a la guitarra de Clapton, incluyendo un riff al más puro estilo de Elmore James. La sección "Tema de Peter Gunn" se abandonó en favor de una versión flexible de "Paseo del elefante bebé".

El álbum fue popular en Inglaterra, donde alcanzó el número seis en la Lista de álbumes del Reino Unido. Clapton lo llamó "el álbum innovador que realmente llamó la atención de la gente sobre mi forma de tocar" y donde desarrolló su estilo de sonido saturado de su Guitarra Les Paul. 

En 1995,  el Salón de la Fama del Rock and Roll identificó "Hide Away" como una de las "500 canciones que dieron forma al rock and roll". La canción recibió un Premio Grammy Hall of Fame en 1999 y en 2007 fue incluido en el Fundación Blues Salón de la Fama. En una reseña de canciones para Toda la música, Bill Dahl comentó: "Ninguna banda de blues respetable se atrevería a subir a un escenario sin tener 'Hideaway' en su arsenal como su principal canción de break instrumental. Tan conmovedoramente reconocible es su ritmo galopante y su melodía punzante que ha reinado como el blues establecido -más cerca durante varias décadas. " Agregó que el atractivo del instrumental iba más allá del blues y a menudo lo interpretaban bandas de surf.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Billy Idol

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta primera visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hemos pensado en buscar discos de una figura clave de la MTV y el punk rock comercial de los 80. Hablamos de William Michael Albert Broad, más conocido como Billy Idol ¿Qué discos suyos deberíamos comprar? ¿Cuáles deberíamos evitar? En esta sección te haremos siempre estas recomendaciones:

Estás tardando en comprarlo:

Cualquiera de sus primeros discos encajaría en esta sección, empezando por "Billy Idol", su debut de 1981, con hits memorables como White Wedding o Hot in the City, o la brillante continuación que supuso "Rebel Yell" (1984) con canciones como Eyes without a face o la propia Rebel Yell. Pero si tenemos que decidirnos por un disco que, sí o sí, estáis tardando en comprarlo, ese sería sin duda ​ "Charmed Life" (1990), que combina a la perfección la fórmula de punk rock comercial de discos anteriores, con un claro paso adelante en madurez artística. Temas como Cradle of love, Pumping of Steel, Prodigal Son y la impactante versión del L.A Woman de The Doors le sitúan en el punto más alto de su carrera.​

Si te queda pasta, llévate también:

Con Charmed Life bajo el brazo, si os queda presupuesto podéis optar por alguno de los otros mencionados en la anterior sección, pero nuestra recomendación sería que te llevaras su disco de 1986 "Whiplash Smile". Los otros son grandes discos, pero también obras más dispersas y con algunos temas de evidente relleno. Eso no ocurre en Whiplash Smile, que aunque tenga menos temas conocidos por el gran público, es un disco sin fisuras y cuidada producción de principio a fin, y canciones como World's forgotten boy, To Be a Lover o Don't Need a Gun os harán saltar del asiento y practicar el air guitar al rimo enloquecido que marca Steve Stevens, su fiel guitarrista durante toda su carrera en solitario. En este capítulo también entrarían discos más recientes, Devil's playground (2005) y Kings & Queens of the underground (2014), ambos grandes discos en los que demuestra que, pese al largo período de inactividad que les precede, sigue estando en plena forma y con cosas que aportar.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Si tenéis Cyberpunk (1993) entre las manos, os aconsejamos que volváis a dejarlo donde estaba, y os dirijáis al mostrador de la tienda a pagar los otros discos, antes de caer en la tentación de llevároslo. El disco con el que Idol pretendía abanderar la llegada de un nuevo estilo de "punk cibernético" se quedó en un puñado de flojas canciones con pretenciosos arreglos disco, techno y new age con el que se pegó el mayor resbalón de su carrera. El potente single Shock to the system prometía algo mucho mejor que lo que el disco después ofrecía, y junto a, quizá, Wasteland o Love labours on, es de lo poco que se salva de la quema.

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1- Rebel Yell

2- White Wedding

3- Dancing with myself

4- Speed

5- Shock to the System

0298 All Your Love - John Mayall and the Bluesbreakers

 

All Your Love, John Mayall 

     En 1966 aparece en escena el cantante, guitarrista, organista y compositor de blues inglés John Mayall. En julio de 1966, el británico, junto a su banda John Mayall & the Bluesbreakers, publica bajo el sello discográfio Decca Records en Inglaterra y el sello London Records en Estados Unidos, el disco llamado Blues Breakers With Eric Clapton, también conocido como The Beano Album. El álbum es conocido como The beano Album debido a la fotografía de la portada, donde aparece Eric Clapton leyendo The Beano, un conocido cómic infantil británico.

Después del lanzamiento del primer álbum de Mayall, el directo John Mayall Plays With John Mayall, Eric Clapton se une al grupo como guitarrista principal, de ahí el título del disco. Mayall originalmente tenía la intención de que éste, su segundo álbum, fuera también en vivo para poder capturar los solos de guitarra de Clapton. Una parte fue grabada en el Flamingo Club, ubicado en el Soho, Londres, con Jack Bruce al bajo, pero éstas eran de mala calidad y no se llegaron a utilizar, si bien una de los temas grabados allí, la canción Stormy Monday fue utilizado en el disco de John Mayall en 1969.

Blues Breakers With Eric Clapton contine versiones de conocidos artistas como Otis Rish, Freddie King o Robert Johnson, y temas escritos y compuestos por Mayall y Clapton. El disco supuso un éxito comercial y obtuvo muy buenas reseñas por parte de la crítica especializada. Incluido en este álbum se encuentra el tema All Your Love, todo un cásico, también conocido como All Your Love (I Miss Loving), un estándar de blues de doce compases con influencias rítimicas afrocubanas compuesto por Otis Rush en 1958. Para componer este tema, el cual influirá en el futuro multitud de temas poteriores, Otis Rush se basó en Lucky Lou, un tema instrumetal de 1957 del guitarrista de blues Jody Williams, del cual tomó prestadas arreglos y líneas de guitarra.