0254 Heart Full of Soul - The Yardbirds

 

Herat Full le Soul

     En noviembre de 1965 el grupo The Yardbirds publica, bajo el sello discográfico Epic, el álbum Having a Rave Up. Este es el último disco donde aparece Eric Clapton como guitarrista principal, quien fue reemplazado en el mismo por un jovencísimo Jeff Beck. Clapton había dejado el grupo debido al cambio en la dirección musical el mismo y con el que no estaba de acuerdo. Con la llegada de jeff Beck a la formación, el grupo, inspirado por el  joven guitarrista, empezó a experimentar con otros estilos musicales. Beck también aportó y usó efectos de guitarras mejorados electrónicamente.

Incluido en Having a Rave Up se encuentra el tema Heart Full of Soul. Este tema fue el primer sencillo que lanzó el grupo con Jeff Beck como guitarrista principal, quien había sustituido a Eric Clapton. El grupo realizó una primera grabación de esta canción utilizando un músico tocando el sitar, quien interpretaba diversas figuras instrumentales. Sin embargo, el grupo no había quedado satisfecho con el resultado, por lo que Jeff beck desarrolló las partes de guitarra eléctrica, utilizó un fuzz box, y emuló el sonido del sitar. Beck dió al tema un toque oriental, algo que fue descrito por la crítica musical como una de las primeras introducciones de estilos de guitarra de influencia india a la música rock. 

Heart Full of Soul fue compuesto por el cantante, músico, y cantautor inglés, fundador y miembro del grupo 10cc Graham Gouldman. Gouldman, además de componer otros dos éxitos más aparte de éste para The Yardbirds, Evil Hearted You y For Your Love, compuso canciones para grupos como The Hollies, Cher, The Shadows y Herman's Hermits entre otros.

0253 I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch) - Four Tops

 

I Can't Help Museo, Tour Tops

     En noviembre de 1965, el exitoso grupo de R&B Four Tops, publica su segundo álbum de estudio, Four Tops Second Album. El disco fue en el studio A de Hitsville, Estados Unidos y supuso un gran éxito en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 3 en la Billboard Black Albums, y el puesto número 20 en la Billboard 200.

El disco contiene tres de los sencillos más exitosos del grupo, y nos vamos a centrar en uno de ellos, concretamente I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch). Este tema alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas Black Singles y Pop Singles de Estados Unidos, siendo además el primer tema del grupo en alcanzar el puesto número 1 en dichas listas.

El tema fue compuesto por el famoso equipo de compositores del sello Motown, el trío Lamont Dozier, Brian Holland y Eddie Holland, quienes además produjeron este tema y todo el resto del exitoso álbum. La canción está interpretada por el cantante de Four Tops Levi Stubbs, quien está acompañado a los coros por los demás integrantes del grupo, Abdul "Duke" Fair, Renaldo "Obie" Benson y Lawrence Payton, y también por el grupo femenino de sesión del sello Motown The Andantes. 

Lamont Dozier relataba que el tema surgió a raíz de una experiencia que tuvo siendo niño cuando tenía unos 11 o 12 años. Por aquél entonces estaba con su abuela, y ésta tenía su propio salón de peluquería y belleza en casa. Mientras las mujeres estaban en el salón arreglándose el pelo, su abuelo solía aparecer por el jardín y se dedicaba a coquetear con las clientas, diciéndoles cosas como "How you doin', sugar pie? Good morning , honey bunch" / "¿Cómo estás pastel de azúcar? Buenos días, cariño". La casa tenía un gran ventanal en la parte delantera de la casa desde donde solía observar su abuela mientras decía "Mira ese viejo imbécil, él cree que no le veo. sé lo que está haciendo". Años después, Lamont Dozier estando sentado al piano le vinieron a la mente esos recuerdos de infancia, por lo que tuvo claro que tenía que escribir sobre ello.

Disco de la semana 241: Assembly - Joe Strummer

 

Assembly, Joe Strummer

     Para la recomendación de esta semana vamos a rescatar la figura de Joe Strummer, quien marcó una época con la banda The Clash y  posteriormente con The Mescaleros y en solitario.

John Mellor, más conocido posteriormente como Joe Strummer, nace en 1952 en Ankara, Turquía. Su madre, escocesa, era enfermera, y su padre era diplomático del servicio consular de la India. Debido a esto, la familia solía viajar con asiduidad, Y Joe pasó su infancia en ciudades como El Cairo, Ciudad de México o Bonn. A los nueve años ingresa en la escuela City of London Freemen's School de Surrey, Reino Unido. Es en esa época cuando empieza interesarse por la música, escuchando a The Beatles, The Beach Boys y Woody Guthrie. A pesar de ser zurdo aprende  tocar la guitarra como un diestro. El suicidio de su hermano David, a pesar de no tener una relación muy estrecha le marcará en cuanto a la forma de ver la vida. Al acabar la escuela se muda a Londres para estudiar en la Escuela de Arte, Arquitectura y Diseño de la ciudad. Es en Londres donde comparte vivienda con Tymon Dogg, quien posteriormente colabora en los proyectos musicales de Strummer. 

En 1973 se muda a Newport, Gales, para estudiar en el Newport College of Art, pero pronto abandona dichos estudios y forma junto a unos amigos la banda The Vultures, donde canta y ejerce de segundo guitarrista, a la vez que trabaja como sepulturero para ganarse la vida. Al año siguiente Joe vuelve a Londres y se reencuentra con Tymon Dogg, y los dos empiezan  actuar como músicos callejeros hasta que, junto a otros compañeros con los que comparten apartamento, forman la banda The 101'ers, nombrada así por la dirección donde vivían. En 1975 Joe, quien hasta entonces actuaba bajo el pseudónimo Woody Mellors, se cambia éste por el de Joe Strummer. 

En 1976 es tentado para unirse a una nueva banda, acepta a dicho ofrecimiento y junto a Mick Jones (guitarra), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería) forman el grupo The Clash. El grupo debuta en julio de 1976 teloneando a los Sex Pistols en The Black Shaw (Ahora The Boardwalk) en Sheffield. En enero de 1977 la banda consigue un contrato con CBS Records a pesar de sufrir las salidas de Levene y Chimes. A la banda se unirá Topper Headon, convirtiendose esa en la clásica formación del grupo (Jones, Simonon, Strummer y Headon). Con The Clash, una de las bandas más polivalentes de la primera oleada punk, y una de las más politizadas, Strummer marcará una época. Las temáticas de la decandencia social, la ignorancia, el desempleo, la brutalidad policial, la represión política y cultural, el militarismo, así como la implicación de Strummer en diversas campañas en la liga Anti-Nazi, y conta el racimo, les hizo tener a él y al grupo bastantes conflictos con la ley. Los problemas de Headon con la heroína, la expulsión de Mick Jones, y a pesar de incorporar nuevos miembros, hará que tras la decepcionante acogida de su álbum Cut the Crup (1985), la banda finalice su andadura en 1986. Se acababa la andadura de una de las bandas más influyentes del género.

Un año después de la disolución de The Clash, Joe se sumerge en diferentes proyectos, compone varias canciones para la película Sid and Nancy, trabaja en el nuevo proyecto de Mick Jones, Big Audio Dynamite, y actúa en las películas Walker y Straight to Hell, dirigidas por Alex Cox. En 1989 coolabora en la película Mistery Train, y en 1990 participa como actor secundario en la película I Hired a Contract, de Aki Kaurismäki. Durante esa época se centra en la industria cinematográfica, componiendo y produciendo gran cantidad de canciones para bandas sonoras. durante esos años también graba con la banda The Latino Rockabilly War el disco Earthqure Weather (1989), pero resulta ser un fracaso. En 1991 sustituye brevemente a Shane MacGowan como vocalista de The Pogues. También mantiene en esa época una disputa con Sony BMG Music Entertainment, la discográfica de The Clash, hasta que éste le permitió publicar sus trabajos con otras discográficas a condición de que si The Clash se vuelve a juntar, el grupo lo haga bajo Sony BMG.

A finales de los 90 Strummer reúne a un grupo de músicos destcados para formar una nueva banda, The Mescaleros. El grupo firma por Mercury Records y debuta en 1999 con su primer álbum, Rock Art and the X-Ray Style, y realizan una gira por Reino Unido y Estados Unidos. En 2001 la banda firma con la discográfica punk California Hellcat Records y lanza su segundo álbum de estudio, Global A Go-Go, volviendo a realizar una gira por Reino Unido Y Estados Unidos, incluyendo además en su repertorio temas de The Clash. El último show de Strummer fue en la Academia de Liverpool el 22 de noviembre de 2002, poco antes de su muerte. Había compuesto junto a Bono (U2) la canción 46664, en favor de la campaña contra el sida en África, iniciada por Nelson Mandela. Strummer se había comprometido a tocar en un concierto en Robben Island en febrero de 2003 para apoyar dicha campaña, pero un fallo cardiaco congénito no diagnosticado el 22 de diciembre de 2002 hizo que ese concierto nunca llegara a producirse. Joe Strummer nos dejaba a los cincuenta años de edad. En el momento de su muerte, Strummer trabajaba en un nuevo disco con The Mescaleros, el cuál se editó de manera póstuma en octube de 2003, bajo el título Streetcore.  

A comienzos de este año salía a la luz, bajo el sello discográfico Dark Horse Records, Assembly, una recopilación de temas realizados durante la carrera de Joe Strummer junto a The Clash, The Mescaleros y en solitario. Una recopilación donde encontramos temas como Coma Girl, Johnny Appleseed y Yallayalla. También hay contribuciones a bandas sonoras, como Love kids, tres versiones inéditas de temas clásicos de The Clash, Junco Partner (versión acústica), y I Fought The Law y Rudie Can't Fall (interpretadas por Joe Strumer & The Mescaleros). Encontraremos incluso una gran versión del legendario Redemption Song de Bob Marley. Esta recopilación está acompañada y enriquecida por algunos textos escritos para la ocasión por Jakob Dylan, hijo de Bob Dylan y reconocido seguidor de la obra Joe Strummer.

En 7dias7notas creemos que es un buen momento para recordar la figura de Joe Strummer y su obra, y que mejor manera de hacerlo, con Assembly, el reciente recopilatorio que hace un repaso por su vida y obra a través de una excelente selección de temas escogidos para la ocasión.

0252: The Paul Butterfield Blues Band - Born in chicago

0252: The Paul Butterfield Blues Band - Born in chicago

Paul Butterfield fue un músico de blues nacido a finales de 1942 en la ciudad de Chicago. Está considerado como uno de los armonicistas más importantes del blues, y uno de los primeros artistas en difundir este género entre la población blanca aficionada al rock. 

Durante su juventud estudió música y practicó atletismo, el cuál tuvo que abandonar debido a una lesión de rodilla. Así que refugiado en la música, a finales de los cincuenta, conoció al cantautor Nick Gravenites, y juntos comenzaron a tocar en los locales de la capital de Illinois donde se tocaba blues en directo. En aquellas incursiones conocieron a otras leyendas del blues como Howlin’ Wolf, Otis Rush, Little Walter o Muddy Waters, quienes a menudo los animaban a participar en aquellas improvisadas sesiones. 

Así fue como empezaron a tocar en algunos locales de la ciudad, como el dúo Nick & Paul. A comienzos de la década de 1960, Paul Butterfield conoció al guitarrista Elvin Bishop, y eso fue lo que completo la idea de formar Paul Butterfield Blues Band, grupo al que acabaron uniéndose el bajista Jerome Arnold, el batería Sam Lay, y por  último el guitarrista Mike Bloomfield.

Éstos fueron los músicos que se comprometieron con la discográfica Elektra para grabar su primer álbum, titulado “The Paul Butterfield Blues Band” (1965). En él se incluyeron versiones de músicos de blues como Elmore James, Willie Dixon, Muddy Waters o Junior Parker, además de temas escritos por los miembros de la banda. 

El disco comienza con el tema “Born in Chicago”, compuesto por el ya mencionado Nick Gravenites, Paul Butterfield y Mike Bloomfield, tocaban esta canción en algunos clubs de Chicago a principios de los sesenta. Fue precisamente Bloomfield quien propuso grabar esta melodía; aunque al principio Butterfield se negó, finalmente acabaron por grabarla, primero en una versión para un álbum de muestras de Elektra Records, después, la definitiva que formó parte del disco, con el apoyo del teclista Mark Naftalin. 

La letra hace referencia a la vida violenta en las calles de Chicago, donde los chicos desde jóvenes se acostumbran y sufren con el uso de armas de fuego. Aunque hay bastantes versiones de “Born in Chicago”, sólo voy a mencionar dos que son para mí las más conocidas, y tienen un registros diferentes;, por un lado, la grabada por la banda de rock alternativo Pixies, incluida en el disco recopilatorio “Rubáiyát: Elektra’s 40th Anniversary” (1990) y, por otro, un interesante directo de Tom Petty junto a sus Heartbreakers.

Daniel

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0251: Turn, Turn, Turn - The Byrds

 

"Hay una estación para todo", cantaba la banda de folk The Byrds en Turn, Turn, Turn, tema inspiracional y anti-belicista escrito a finales de los 50 por Pete Seeger, y que da título a su álbum de 1965. Una canción que, en el estribillo, tiene una estructura de bucólicos coros repitiendo el Turn, Turn, Turn (Cambia, cambia, cambia) como complemento o respuesta a cada una de las aseveraciones de la voz cantante: Para cada cosa (Cambia, cambia, cambia) hay una estación (Cambia, cambia, cambia) y un momento para cada propósito...

Las breves estrofas son un compendio de todas esas cosas que se pueden hacer en la vida, para las que siempre habrá un momento "para nacer y para morir, para reír y para llorar, para construir y derribar, para amar y odiar, para la guerra y para la paz" Lo queramos o no, la vida nos pondrá en todas esas tesituras contrapuestas, pero el mensaje subyacente de la canción es que, para muchas de ellas, tenemos la capacidad de poder cambiar para mejor, y en particular para evitar las confrontaciones y luchar por la paz en el mundo, esperanza reflejada en el último verso de la canción: "Un tiempo para la paz, juro que no es demasiado tarde". Esta última frase, junto con el "Turn, Turn, Turn" de los coros, fueron las únicas frases originales de la letra de Pete Seeger, ya que el resto eran prácticamente un calco de un pasaje bíblico del capítulo 3 del Libro del Eclesiastés, atribuido al famoso Rey Salomón, que declara la existencia de un tiempo y un lugar para todas las cosas: la risa y el dolor, la curación y la muerte, la guerra y la paz... 

​The Byrds decidieron hacer una versión de la canción durante un viaje en el autobús de la banda en una gira por Estados Unidos, cuando el cantante Roger McGuinn la interpretó en un tono más rockero que el de la versión folk original. La grabaron en septiembre de 1965 y la publicaron como single un mes después, siendo un gran éxito de ventas hasta el punto del llegar al número 1 del Billboard estadounidense. "Para todo hay un momento", y esa era la canción perfecta y el mensaje adecuado en el apogeo del folk-rock y la era hippie que se estaban viviendo en todo el mundo.

Rory Gallagher - Deuce (Mes Rory Gallagher)

Dentro del #MesRoryGallagher que acabamos de iniciar, llega el turno de Deuce (1971), su segundo álbum de estudio, publicado en Polydor Records tan solo seis meses después de Rory Gallagher, su disco de debut. Pese a que las primeras críticas no fueron del todo positivas por la calidad de la producción, es uno de los discos que, con el tiempo, se ha ganado su sitio privilegiado entre los mejores discos del genial guitarrista irlandés, que ante las críticas alegó haber buscado un sonido más crudo que en la primera de sus entregas.

En Deuce encontramos influencias de Jimi Hendrix y Led Zeppelin, pero también de los grandes del blues y el folk de raíces americanas, en una nueva demostración de talento y versatilidad musical al alcance de muy pocos. El disco arranca con Used to be, uno de los platos fuertes del disco, con guitarras a la altura del mejor Page o el mencionado Hendrix. Tras la descarga de decibelios inicial, el disco pone rumbo hacia orillas más tranquilas con el folk acústico de I'm not awake yet y las influencias de Dylan en Don't know where i'm going y la alternancia entre el rock y los pasajes melódicos de Maybe I will.

Con el rock de aires épicos de Whole lot of people el disco sigue dando muestras de la creatividad y versatilidad de Rory, además de la omnipresente habilidad para dotar de intensidad a los solos de guitarra. El disco va sumando grandes temas uno a uno, y In your town es una demostración de como facturar una canción en la que el blues y el rock se den la mano y se fundan en uno. Más clásica y blusera es Should've learnt my lesson, en la que, más que aprender la lección, es Rory quien la imparte con maestría, al igual que sucede con There's a light, el tema más experimental y otro de los momentos álgidos de un disco que no tiene relleno ni desperdicio.

En Out of my mind hay una vuelta al tono americano y acústico de algunas canciones del disco, con toques country y sabor a música tradicional. Y ahí podía haber quedado la cosa, pero para ser completamente excelso, a este disco le faltaba la guinda de Crest of a wave, con un riff de guitarra y un ritmo que la convierten en una obra maestra, y que le da a Deuce el espaldarazo definitivo hacia la cresta de la ola, antes de romper con fuerza en la playa de los discos imprescindibles. El oleaje nos trajo también la sorpresa de Persuasion, un tema inédito en la reedición en CD de 1999, que no solo no desmerece, sino que suma quilates al conjunto como la joya inesperada y brillante que es.

0250: Farewell, Angelina - Joan Baez

En el año 1965, el movimiento folk andaba sin tener muy claro cuál era su camino y el destino de su estilo musical, se estaban produciendo muchos cambios, y no todo el mundo sabia que tren tomar en su carrera musical. Una de las que lo tuvieron siempre muy claro fue
Joan Baez, que mantuvo su estilo musical tradicional, ella no iba a cambiar, es cierto que su voz era su mejor carta de presentación, una voz fuerte y a la ex inquietantemente hermosa, que acompañaba en muchas de las ocasiones con unas muy bellas canciones.

"Farewell, Angelina" es una hermosa canción compuesta en los años más creativos de la primera época artística de Bob Dylan, fue un descarte de las sesiones de grabación de Bringin 'It all Back Home , el quinto álbum de estudio de Bob Dylan, fue descartada del elepé, pasando a circular durante años en discos piratas distribuidos en el mercado negro estadounidense y del Reino Unido. Nadie está seguro de por qué la canción se dejó fuera del álbum, pero Dylan se la dio a Joan Baez, quien la convirtió en la canción principal de su álbum lanzado en octubre de 1965. Báez incluyó otras tres canciones escritas por Dylan en ese álbum, más una cuarta que apareció como bonus. Joan Baez, la grabaría en 1965, en Nueva York para el sello Vanguard, si bien cambió algunas palabras, modificó ligeramente algún verso y suprimió una estrofa, imprimiendo a su versión un halo antibelicista, popularizando así esta composición de gran dimensión musical y poética y es que con la forma en la que la canta no parece una canción en absoluto, sino un verdadero recital de la cantautora, de la pacifista, de la poeta. Deteniéndonos en la canción podemos descubrir que tiene casi todo lo que necesitamos, la voz, la textura, ese leve toque de guitarra y una crítica política, o más bien crítica a la idea de la política moderna, un alejamiento, un dolor que reverbera en casi todas las líneas de la canción y una filosofía más amplia, más libre pero hermosa.

Es sin duda una de las canciones más querida por la artista y por el público, que ha interpretado en multitud de ocasiones, un tema fijo en sus conciertos más importantes y representativos.

Un país, un artista: Suecia - The Cardigans

 

El sonido de los Cardigans, fue definido "lounge pop descabellado de los sesenta endulzado con voces femeninas melancólicas, “aunque ellos preferían decir que hacían música alegre, pero no es ninguna tontería, tiene algo de emoción real. Siempre estamos felices, tristes, ese es el estado mental de los Cardigans". Sin embargo, sus canciones a menudo exploraban la lírica oscura temas; los Cardigans incluso lograron saludar sus raíces del metal en un disco, haciendo versiones de canciones de los titanes del hard rock Black Sabbath.. y no hacían más que reivindicarse como lo que son “…La gente siempre quiere etiquetarte. Es un trabajo difícil describir la música, y supongo que esa es la única forma en que algunos críticos pueden hacerlo ". Los críticos, sin embargo, en su mayoría se enamoraron de la banda, al igual que el público de Japón, Gran Bretaña y Estados Unidos.

 

La banda se creó a finales de 1992 en la ciudad de Jonkoping. La guitarra Peter Svensson, el bajista Magnus Svenigsson, el guitarrista y teclista Lars-Olof Johansson y el baterista Bengt Lagerburg estuvieron cuando la banda hecho a rodar, los cinco cohabitaban en una casa lo suficientemente grande para sus intereses eclécticos, y pronto crearian el material que sería en su debut sueco, Emmerdale. El álbum fue grabado por el productor Doc-Tore y al álbum le fue bien no solo en la tierra natal de la banda, sino también en Inglaterra, donde todo tipo de pop nostálgico asaltaba las listas de éxitos, y Japón, donde los fanáticos sin duda apreciaron las melodías espumosas de los Cardigans y la ternura. Un entusiasmo similar recibió su segundo álbum, Life, que fue album de platino en Japón. La penetración de la banda en los EE. UU. Fue en gran parte clandestina, pero parece que se encontraron con numerosos fanáticos gracias a la transmisión por radio universitaria de la versión estadounidense de Life, que combinó material de los dos primeros lanzamientos suecos y apareció en el respetado sello independiente Minty Fresh en 1996. El pop juguetón de la banda recordaba todo, desde las grabaciones "lounge" y "exóticas" recién resucitadas de los años 60 hasta el pop sofisticado de Burt Bacharach. Los Cardigans también le dieron un toque delicado a la canción antes mencionada de Black Sabbath, "Sabbath Bloody Sabbath". Según la crítica musical no fue una buena idea, "Los generosos préstamos de la banda de la paleta del pop de los sesenta son los vehículos perfectos para el romanticismo esponjoso". Este tipo de comparaciones, incluso cuando iba acompañada de tantos elogios, molestó mucho a los Cardigans. Si bien admitieron admiración por las superestrellas del pop sueco de los 70 ABBA, a quienes Svenigsson llamó "grandes, grandes compositores" y "una banda de pop brillante". El interese mostrado por Life llevó a un acuerdo con el sello estadounidense Mercury, que lanzó el próximo trabajo de Cardigans, First Band on the Moon, en 1996. Esta vez la banda endureció un poco su sonido y exploró un territorio lírico más oscuro. "Las letras de la vida eran muy superficiales, historias sobre nada, en realidad", insistió Svenigsson en Rolling Stone. "Creo que al menos 10 de las 11 canciones del nuevo álbum tratan sobre cosas realmente profundas y serias". El crítico de Addicted to Noise, Gil Kaufman, proclamó que con First Band, los Cardigans "brindan una ráfaga de aire fresco a la moribunda nación alternativa". En ese álbum encontramos "Lovefool", una canción de masoquismo romántico colocada en un ambiente musical alegre y jovial. La canción terminó en la banda sonora de la exitosa versión cinematográfica del director Baz Luhrmann de Romeo y Julieta de Shakespeare, así, la canción se convirtió en un gran éxito en los Estados Unidos, pasando de las estaciones de radio de rock alternativo al Top 40. Los Cardigans eran estrellas de rock en Estados Unidos.

 

Despues de tanto ajetreo, la banda espero hasta junio de 1998, momento en el que el grupo empezó a grabar su nuevo disco. El CD sale a la venta en octubre de ese mismo año, y fue llamado Gran turismo en homenaje al juego de vídeo de automóviles, este fue el álbum con el que alcanzaron la madurez, que hasta ese momento no habían alcanzado con sus anteriores discos. Este álbum, además, les dio la oportunidad de ganar cuatro Grammys, a las categorías de Mejor álbum, Mejor grupo/pop-rock, Mejor compositor y Mejor productor. Después de otra intensa gira promocional, Nina, Magnus y Peter decidieron a principios del año 2001 iniciar proyectos como solistas, hasta que en 2003 publicaron Long gone before daylight, y en este disco dan un cambio drástico y emocional, hacia un sonido más puro y sencillo que en sus anteriores discos. Super extra gravity es su última producción editada en 2005, que demuestra estilos más extravagantes, atrevidos, y buscando separarse del sonido maduro que aporto a su anterior trabajo.

0249: Barbara Ann - The Beach Boys

Los Beach Boys versionaron Barbara Ann, un tema que habían cantando previamente The Regents, como parte de las canciones que formaron el disco Beach Boys Party (1965). La versión de los Beach Boys, publicada por Capital Records como single el 20 de diciembre de 1965 y sin contar con el permiso de los miembros de la banda, se convirtió rápidamente en un tema de éxito que eclipsó a la versión original de The Regents, llegando al segundo puesto del Billboard americano y al tercer puesto en las listas del Reino Unido.

La canción fue interpretada en el estudio por Brian Wilson y Dean Torrence, del dúo californiano de rock and roll Jan and Dean, pero Dean nunca fue acreditado en el disco, pese a que al final de la canción puede oírse a Carl Wilson agradecerle su participación con un "Gracias, Dean".

También reseñables son otras curiosas versiones posteriores de esta canción, como la de The Who sólo un año después, para la película The kids are allright, e interpretada por el batería Keith Moon, o la parodia que aparece en las diferentes entregas de la película Despicable me (en España Gru: Mi villano favorito) cuando los Minions cantan una Barbara Ann transformada en The Banana Song.​

Rory Gallagher - Rory Gallagher (Mes Rory Gallagher)

Rory Gallagher álbum

Si bien vamos a centrarnos en la etapa en solitario de Rory Gallagher, queremos realizar una breve introducción de su etapa anterior en el grupo Taste, donde se dió a conocer. Con 15 años, Rory, que tiene claro a lo que quiere dedicarse, debuta como profesional en una banda llamada Fontana. En 1966 dejará esta formación para crear su propio grupo, banda en formato power trío llamada The Taste, que al cabo de poco tiempo acabará llamándose Taste, compuesto por el propio Rory a la guitarra y voz, Richard "Charlie McCracken al bajo y John Wilson a la batería.

Con Taste, Rory consigue el reconocimiento fuera de las fronteras de Irlanda, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight. Es precisamente, después de éste festival, cuando, harto de dar conciertos sin parar, usando viejos equipos de sonido usados, y sin dinero nunca en el bolsillo, y todo ésto sumado al hecho de que los otros dos miembros de la banda y el mánager quieren dar otra dirección al grupo, Rory se harta y decide disolver el grupo. Atrás quedan los dos magníficos álbumes de estudio con Taste: Taste (1969) y On the Boards (1970), sumados a dos directos: Live Taste y Live Taste at the Isle of Wight, todos publicados con el sello discográfico Polydor. 

Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en Taste. Rory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk. 

El disco, donde todos los temas están compuestos por Rory, abre con Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de Taste. Rory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Le sigue Just the Smile, una delicia de corte folk donde Rory nos deleita con su guitarra acústica Martin D-35, la cual solía usar también habitualmente. Este tema muestra la influencia que tuvieron en Rory músicos populares ingleses como Richard Thompsom, Davy Graham o Bert Janchs entre otros. I Fall Apart, uno de los grandes momentos del álbum, una maravillosa balada con toques de jazz llena de sensibilidad donde la guitarra de Rory se compenetra a la perfección con el bajo de Gerry McAvoy. Volvemos al folk acústico con tintes bluseros en Wave Myself Goodbye, otro tema de corte acústico donde destaca el piano con un sonido al estilo de Nueva Orleans. Dicho piano fue grabado por Vincent Crane, de la banda Atomic Rooster (El hermano de Rory, Donald, fue mánager de Atomic Rooster durante una gira). Cierra la cara A Hands Up, un desbocado blues rock, uno de esos temas que tocados por Rory solían ganar muchos enteros en directo.

La cara B comienza con Sinner Boy, continuando como cerró la cara A, con un contundente blues rock donde el guitarrista nos deleita con su maestría con el slide guitar. No olvidemos que fue uno de los grandes dominadores de ésta técnica. For the Last Time, una maravillosa balada prácticamente instrumental, pues apenas tiene letra, donde Rory se luce con su inseparable Fender. Un tema que me recuerda siempre que lo escucho a una de su grandes joyas de siempre, A Million Miles Away. It's You, un tema con genuino sabor americano, gracias al toque country que Rory imprime al tema, donde además de volvernos a deleitar con el slide guitar, toca también la mandolina. En I'm Not Surprised, vuelve a las raíces folk que tanto le gustaban, y vuelve a contar con la colaboración al piano de Vincent Crane, de Atomic Rooster. El disco cierra con la que es, en mi modesta opinión, la joya absoluta de este magnífico disco, Can't Believe It's True, un increible tema donde Rory fusiona con un gusto exquisito el blues rock con el jazz. Y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.

Este maravilloso disco ha sido reeditado en numerosas ocasiones, y en alguna de ellas podéis encontrar dos temas añadidos, los clásicos  It Takes Time, de Otis Rush, y Gypsy Woman, de Muddy Waters.

0248 It's My Life – The Animals

0248 It's My Life – The Animals

It's My Life es una canción escrita por los compositores de Brill Building Roger Atkins y Carl D'Errico. La canción fue originalmente interpretada por la banda inglesa The Animals, quienes la lanzaron como single en octubre de 1965.

La canción se convirtió en un éxito en varios países y desde entonces ha sido grabada por varios artistas. D'Errico, quien escribió la música, y Atkins, quien escribió la letra, eran compositores profesionales asociados con la escena de Brill Building en la ciudad de Nueva York, en 1965 estaban trabajando para Screen Gems Music, pero sólo habían tenido un éxito menor en el mejor de los casos.

It's My Life fue escrita específicamente para The Animals porque su productor Mickie Most estaba solicitando material para las próximas sesiones de grabación del grupo.

It's My Life se estrenó visualmente en el programa de televisión estadounidense Hullabaloo en el otoño de 1965, donde el grupo cantó voces en vivo con música enlatada en un plató tipo den que presentaba a mujeres jóvenes y atractivas, It's My Life fue parte de una ola de canciones en 1965 de artistas como The Beatles, The Rolling Stones y Bob Dylan, que marcó el comienzo de un nuevo papel para la música rock como vehículo de percepción común y fuerza de conciencia social. El escritor Craig Werner considera que la canción refleja el deseo tanto de The Animals como de su audiencia de definirse a sí mismos aparte de la comunidad de la que provienen. El escritor Dave Thompson incluye la canción en su libro 1.000 Songs that Rock Your World, simplemente diciendo: "No hay declaración de independencia más aireada que esta". Billboard dijo de la canción que "la letra poco convencional y el ritmo de baile lento muestra estar en lo más alto de las listas de éxitos".

Daniel
Instagram Storyboy

0247: Si yo tuviera una escoba - Los Sirex

 

Después de la aparición de Los Brincos, el siguiente grupo español que se sumergió en el mundo del rock nacional fueron Los Sirex, un grupo surgido en Barcelona en 1959 cuando tres chicos que vivían en los aledaños de la Gran Vía de Barcelona forman un conjunto para imitar los éxitos rocanroleros que venían de los Estados Unidos. Inicialmente estuvo formada por Guillermo Rodríguez Holgado, Antonio Miers y Manuel Madruga (Manolo), luego se incorporó brevemente el vocalista Santi Carulla en 1960, posteriormente cantante de Los Mustang. En 1961 se presentan en El Pinar, una cita obligada para los conjuntos barceloneses de la época, una especie de explanada semicubierta en la que una autoescuela hacía sus prácticas, pero que los domingos ofrecía actuaciones de grupos musicales, y es allí donde se consagran como ídolos jóvenes y son contratados en varios barrios para amenizar sus fiestas. En esa época Los Sirex visten de cuero, se tiran por el suelo, y ponen poses de rockers made in USA. Tras muchos bolos y una aparición en el cine, Vergara los ficha y a principios de 1964 aparece su primer EP, cambian sus cazadoras de cuero por trajes al puro estilo mod, van abandonando el rockabilly inicial y se adaptan a los gustos beat que imperan en el momento, aunque manteniendo un inconfundible estilo y evitando en lo posible hacer covers de grupos ingleses, aunque en sus inicios no tuvieron más remedio que tragar con la costumbre impuesta por las casas discográficas de versionar en español temas que habían triunfado en los mercados anglosajones, pero su nombre aun solo es conocido en círculos muy locales, hasta que llega el gran triunfo que les pondrán en el mapa de toda España….

 

La escoba, título que a menudo es evocado como "Si yo tuviera una escoba", frase del estribillo que hoy podría ser perfectamente atribuida a cuanta corrupción nos rodea en la esfera política. La canción se corresponde en realidad a otra adaptación, en este caso de una canción flamenca de Vicente Marí Bas (el mismo autor de "Triana Morena" y "Monísima"), sólo que su original sonaba como una rumba y a los Sirex en un principio no les gustó nada, pero Leslie modifica la letra y Guillermo, a regañadientes, acepta hacer un arreglo moderno consiguiendo darle un tono más pop, consecuencia, nº 1 absoluto en 1965 y uno de los temas más populares del pop español de todos los tiempos, el EP supera los cien mil ejemplares. En 1965 se calcula que el número de tocadiscos en España debía andar por medio millón o poco más. Así que calculen cómo sería el tamaño del éxito, y porque no ocultarlo, ¿No me digáis que no es una canción emblemática? Cuantas veces nos habremos preguntado cuántas cosas barreríamos si tuviéramos la escoba por la que preguntaba este grupo, con una música alegre y rítmica esta canción y su letra que no pasa de moda.

Canciones que nos emocionan: Slow Ride - Foghat

 

Slow Ride, Foghat

     El 15 de septiembre de 1975 el grupo británico de rock Foghat publica su quinto álbum de estudio, Fool for the City. El disco es producido por el miembro del grupo y productor estadounidense Nick Jameson y publicado bajo el sello discográfico Berasville Records. Este fue el primer disco que la banda grabó tras la marcha del miembro fundador Tony Stevens, y también fue el primer álbum del grupo en alcanzar disco de platino. La mítica portada del disco muestra al baterista del grupo Roger Earl sentado en una caja mientras pesca en una alcantarilla cerca de 229 Easth 11th Street de la ciudad de Nueva York.

Incluido en Fool for the City se encuentra otro de esos temas que tanto me emocionan, Slow Ride. Si bien la versión original del tema dura algo más de ocho minutos, durante los años se han editado cuatro versiones más de distinta duración que van desde los casi cuatro minutos a algo más de 10 minutos de duración. 

El tema está acreditado al miembro del grupo Dave Peverett, y tanto la letra como el tempo del tema transcurren lentamente simulando el acto de hacer el amor, y cerca del final los riffs de guitarra se van acelerando hasta culminar el acto, simulando efectivamente esa ardiente sesión de amor. Según el baterista Roger Earl, el tema surgió de una jam sesión donde se encontraba el por entonces el nuevo bajista Nick Jameson.  Jameson tenía un reproductor de cassettes y grababa en él todo lo que tocaban, y en una de esas sesiones grabaron algunas partes del tema y la línea de bajo. Posteriormente cortó el material grabado para que tuivera sentido y Peverett dijo que tenía letra para aquella improvisación, así es como surgió Slow Ride.

Disco de la semana 240: Mismo sitio, distinto lugar - Vetusta Morla

 

Vetusta Morla publican su primer LP en 2008, hasta la fecha de hoy han podido repetirlo otras cuatro veces, Vetusta Morla en ese año después de 10 años de carrera pateando conciertos, garitos y ferias consiguieron plasmar su música en un álbum, y eso que para muchos el nombre no les era extraño, aunque nunca se hayan acercado a su música, y que para tantos otros los consideraban como la cabeza más prometedora del denominado Indie Español. Esto nos hace tomar idea de cuán difícil es el mundo de la música en este principio de Siglo XXI, y si, digo música, porque lamentablemente la industria (perfecta definición) musical, está ocupada en sacar y promocionar artistas que se dedican a insultar, balbucear y delinquir con una caja de ritmos a su lado…. De locos todo, deberían empezar por autodenominarse con otro nombre, que se alejen del arte y que vuelva la música…. Disculpen, pero estoy quemadísimo con el panorama actual de la música de éxito, los melómanos de pro aún tienen ganas de sumergirse en las novedades de extrarradio y descubrir cosas interesantes, el boca a boca sigue haciendo mucho, pero aquellos que empiezan a descubrir la música se quedan embrujados por lo que se oye ahora, se meten en la cueva y de ahí no les sacamos, y cuando salen les pones a escuchar a Led Zeppelin se creen que no estás hablando de música…. No chico, lo tuyo no es música. Termino la chapa y me lio con Vetusta Morla, pero antes, como estamos de confesiones, declarar que no he sido demasiado fan de su estilo musical, y que lo que realmente me apetecía era escribir de algo de un artista español actual…. Y bueno también porque Jesus, mi vecino “Pepinero”, me estuvo contando con un par de cervezas que aclaraban nuestras ideas, que era de lo mejorcito de aquí y que no perdiera la ocasión de escucharlos y los “Azulones” seremos muy poquitos, pero muy respetuosos y nos gusta escuchar, y entre vecinos (tanto de rellano como de ciudad) nos respetamos y nos hacemos caso, más cuando a su lado y poniendo orden esta Pilar, que es la que pone un poco de coherencia en esa casa…. Y en el rellano.

 

Pepineros, Azulones, la cosa va del extrarradio de la ciudad de Madrid, y en el extrarradio continuamos para hablar de Vetusta Morla, pero nos vamos del Sur al Norte y hacemos parada en Tres Cantos, y cogemos la máquina del tiempo y no situamos en 2017 cuando sale a la venta el quinto álbum del grupo Madrileño y lo ponemos a sonar. El primer tema Deséame Suerte, no creo que sea para mi que Jesus me quiere bien, fue el tema elegido como primer single del álbum y te impacta de primeras ese comienzo musical, casi futurista con elementos clásicos y de regalo la voz de Pucho que te noquea, una cancion con claras influencias de RadioHead (confesada por los integrantes del grupo), no llega a la calidad del grupo Britanica pero si te deja un eco totalmente claro.. y gusta. Continua con El discurso del rey y lo primero hace es descolocarte, venimos de Deséame suerte con un ambiente casi futurista y empiezan con un riff de guitarra loco y medio robotico, y lo mezclan con el pop más puro que puedas encontrar, pero son ellos, inconfundibles en su crítica y en su acida letra. Loco te puedes quedar cuando el tercer corte empieza con una especie de Telediario al estilo El Mundo Today, Palmeras en la Mancha es una rallada, perdonar pero me recuerda en la letra y en las situaciones que cuent,a al mejor Sabina y esos versos que te encandilaban, a ver soy sincero, me llega más el estilo pausado y acido del maestro de Ubeda a este tema acelerado lleno de instrumentalización que seguro necesitara de varias escuchas para disfrutar de cada acorde, pero me quedo feliz con esos versos cargados de sátira e ironía que transcurren como viñetas de un cómic. 

Con el comienzo de Consejo de sabios nos trasladamos de nuevo a la era futurista, el sintetizador baila a nuestro alrededor más de un minuto, finamente con una suave melodía que se ira repitiendo a lo largo de la canción y aparece de nuevo Pucho, y en este registro vocal me encanta, me hechiza, me oprime el corazón, es un tema tremendo, casi un himno…. pasan los minutos el sintetizador sigue gobernando con una simple melodía que te invita a la vez a moverte y a la melancolía… hasta el giro final que todo se vuelve áspero, amargo y te llega a machacar, la batería y la guitarra eclipsan al sintetizador y hacen desaparecer a la melodía para enfrentarnos al caos, como el caos que se genera en una ruptura amorosa…. Un tema de 10… ¿habremos tocado techo en el álbum?

 

Hoy tu recuerdo es un pájaro
Que bate sus alas detrás de mí
Y guarda en su pico tus labios
Tienes la forma precisa
Guardas la herencia del mármol
Fuiste la Venus de Milo
Y yo puse el mundo en tus brazos

 

Llega 23 de Junio, después del orgasmo que es Consejo de sabios, nada más comenzar sabes que vas a disfrutar como una abeja en un campo de tulipanes, pero estos chicos en que se han metido ahora …. Tiempo de Vals! Tiempo de la voz de Pucho… todo brilla, todo finitamente engarzado para llevarte a donde ellos pretenden, “23 de junio”, nos desnuda, nos envuelve y nos cautiva, pintándonos una estampa que sabe a verano y suena a fresco. Por si fuera poco, el puente incluye unos coros muy «Radiohead» que son acojonantes cuanto menos

 

A Guerra civil no se la puede valorar después de las dos paradas anteriores, lo siento, pero después de probar miel se que me queda corta a pesar de un gran estribillo, imagino que será una forma de bajarnos a la tierra, algo previsto y planificado, después subirnos al cielo bajamos a la tierra, a lo humano a lo mortal. Algo parecido pasa con Te lo digo a ti, las sensaciones que tengo es que se han convertido en un grupo calimochero y macarra vestido de música dance, ¿Por qué nos hacéis esto? Demasiados duros después de bailar con vosotros sin final, vuestras razones tendréis, entiendo que es difícil llegar a la excelencia tantas veces seguidas, os perdono, todavía tengo el regusto del verano del amor que empezó nuestro 23 de junio. Con Punto sin retorno volvemos a la tranquilidad y puede ser la joya oculta del disco, con unos sonidos ambientales que hacen que te evadas (una vez más) del espacio-tiempo y experimentes una amalgama de sensaciones en completa armonía con la letra y la voz de Pucho, puede ser de las más emocionales del álbum. La vieja escuela tiene un toque más festivalero, más sumido en el cliché, pero con el alma de Vetusta una canción homenaje a todos aquellos que han significado algo en algún momento de nuestra vida, además tenemos un velado homenaje a David Bowie, con eso es suficiente. Termina el álbum con Mismo sitio, distinto lugar y llamarme loco, pero me da la impresión que con ese comienzo el homenaje es para Antonio Vega, el sitio de mi recreo, mismo sitio, distinto lugar, una gran canción con su alta carga de poesía.

0246: What's New Pussycat? - Tom Jones

0247: What's New Pussycat? - Tom Jones 

What's New Pussycat? fue escrita por Burt Bacharach para el personaje de Peter Sellers en la película del mismo nombre What's New Pussycat?. Según  recoge la revista Record Collector, Bacharach afirmaba: "Primero fue un tema instrumental y luego se le pusieron las palabras. Si tiene una buena melodía, siempre puede encajar con la letra".

En la misma entrevista de Record Collector, Bacharach habló sobre escribir canciones para películas: "Creo que si tienes un tema como 'What's New Pussycat?'  y esa música proviene de ver a Peter Sellers y su locura en esa película y estás tratando de hacerlo de esa manera y de expresarle las palabras, y Luego haces que Tom Jones la cante, tienes suerte. Aquí había un tema, que era  básicamente un instrumental, y si es una buena melodía siempre encajarás con las palabras ".

Esta canción es intencionalmente escandalosa, con Tom Jones diciéndole a una chica que se empolve la nariz de gatito para poder besar sus "dulces labios de gatito".  

En ese momento, Jones estaba desarrollando una imagen como una estrella del pop obscena, y esta canción le encantó.  Aquí hay una cita de 1987: "La mayoría de las canciones tratan sobre la relación entre hombres y mujeres, por lo que el sexo está involucrado. Lo represento lo mejor que puedo". Burt Bacharach sabía que tenía las habilidades para transmitir el tono correcto en la canción y convenció a Tom Jones para que lo hiciera. "Cuando lo escuché por primera vez pensé, ¡Cristo! ¿Para qué diablos quieren que cante esto?"  Jones le dijo a la revista Q.  "Pero Burt Bacharach explicó, quiero que la gran voz cante esta maldita canción loca, y la convierta, es un clásico". 

El 28 de junio de 1965, el especial de televisión del disc jockey de la ciudad de Nueva York Murray the K, 'It's What's Happening, Baby!', Se emitió en la cadena CBS-TV.  En uno de los actos que aparecieron en el programa fue Tom Jones;  en ese momento tenía dos canciones en la lista Hot Top 100 de Billboard, "What's New Pussycat?"  estaba en el n° 26 mientras que "Little Lonely One" estaba en el n.46 "What's New Pussycat?" alcanzaría su punto máximo en el n° 3. 

El tema principal de la película, cantado por Tom Jones, recibió una nominación al Premio de la Academia por 'Mejor Canción Original'.

El 13 de junio de 1965, "What's New Pussycat?", interpretada  por Tom Jones, entró en la lista Hot Top 100 de Billboard en la posición # 79;  y el 25 de julio alcanzó el puesto # 3 (durante 2 semanas) y pasó 12 semanas en el Top 100 (y durante 5 de esas 12 semanas estuvo en el Top 10)

Y el 2 de agosto de 1965 alcanzó el puesto #1 (durante 1 semana) en la lista canadiense RPM Top Singles

El mismo día en que "What's New Pussycat? "entró en el Top 100, Tom Jones apareció en "The Ed Sullivan Show";  pero no interpretó la canción, sino que cantó su disco debut, "It's Not Unusual".

Tom Jones habló sobre la canción en una entrevista televisada con Larry King, diciendo que inicialmente se negó a cantarla, pensando que era una canción de comedia y debajo de él, cuando Burt Bacharach se la presentó por primera vez (tocándola en el piano y cantándola).  Sin embargo, con solo dos sencillos exitosos en su haber, Jones no tuvo la influencia para rechazar la canción y, según se cuenta, trató de cantarla lo más "varonil" posible.  Le sorprendió que se convirtiera en un gran éxito (EE.UU. n. ° 3, Reino Unido n. ° 11).

Daniel 

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0245 Desolation Row - Bob Dylan

 

bob Dylan

     El 30 de agosto de 1965 Bob Dylan publica su sexto álbum de estudio, Highway 61 Revisited, publicado por la compañía discográfica Columbia Records. Será el primer álbum del artista en el que utilizará un banda de acompañamiento para la grabción (exceptuando la cara A de su anterior disco, Bringin At All Back Home).

Incluido en el disco encontramos la canción Desolation Row, tema que se encarga de cerrar dicho trabajo. Grabado el 4 de agosto de 1965 en sesión de grabación en los estudios Columbia de Nueva York, con sus más de once minutos de duración, el tema se convirtió en el más largo grabado por Dylan hasta la fecha. Desolation Row, a través de sus surrealistas letras, nos muestran el caos urbano en el que puede caer el hombre. Las primeras líneas de la canción hacen referencia a tres hombres, que el 15 de junio de 1920 en la localidad de Duluth, Minnesota, se encontraban en la cárcel acusados de violar a una niña. Ese mismo día, un numeroso grupo de gente sacó a la fuerza de la cárcel a los tres hombres y los linchó hasta provocarles la muerte. Abraham Zimmerman, padre de Bob Dylan, tenía ocho años y vivía en Duluth cuando aconteció aquel terrible suceso.

El tema fue grabado por Dylan en un momento en que se encontraba experimentado con el LSD, y rara vez lo solía interpretar en directo, pero cuando lo hacía podía extender la duración del tema más allá de los 45 minutos. El  tema no fue editado como single probablemente debido a su extensa duración, y fue interpretado por primera vez en directo por Dylan el 28 de agosto de 1965, en el Festival de Música de Forest Hills en Queens, Nueva York.

Bienvenidos al Mes Rory Gallagher

Rory Gallagher

     Rory Gallagher es uno de tantos artistas por los que en 7dias7notas tenemos predilección,  no en vano ya le hemos dedicado varias reseñas. Cuando hablamos de su concierto en las ventas allá por el año 1975, y al cuál asistió el maestro Rosendo, quien había comprado la primera entrada que salió a la venta de aquél concierto; o cuando nos hicimos eco de cómo vió la luz su álbum Photo Finish. No le tembló el pulso para desechar un trabajo que no le gustó en absoluto a pesar de las presiones de la discográfica, y se sacó de la manga un pedazo de álbum; también hablamos de sus escarceos con otros instrumentos, pues tocaba varios, sobre todo con el saxo, instrumento que dominaba realmente bien. El chico nos había salido multiinstrumentista; o cuando salió elegido el país de Irlanda para reseñar un artista de allí. Rory Gallagher fue el más que digno artista elegido para representar a un país que rebosa calidad musical pos los cuatro costados.

También le dedicamos la reseña de sus disco Tattoo, considerado por la crítica como uno de sus mejores álbumes,  aunque quien haya escuchado el trabajo de Rory, sabe que no tiene un sólo disco mediocre o malo, su discografía tanto con Taste como es solitario es sencillamente brillante. 

Por eso en 7dias7notas teníamos claro que éste mes de septiembre había que dedicárselo al genio irlandés. Durante este mes vamos a ir desgranando parte de su discografía en solitario, una discografía llena de discos brillantes. Lástima que Rory nos dejára tan pronto, y que no pudiéramos disfrutar muchos más años de su talento. 

Poneros cómodos, porque durante un mes vamos a intentar, a través una selección de ocho de sus álbumes en solitario, acercaros un poquito más si cabe a este genial guitarrista, al que nunca le preocuparon los hits ni las listas de éxitos, pues para él siempre prevaleció la calidad de su trabajo ante todo.

0244: Highway 61 Revisited - Bob Dylan

 “Highway 61, la arteria principal del blues del país, comienza más o menos donde yo empecé. Siempre sentí que comencé sobre ella, siempre estuve en ella y podía ir a todas partes, aún a lo profundo del Delta. Era el mismo camino, lleno de las mismas contradicciones, las mismas ciudades de un solo caballo, los mismos ancestros espirituales… Era mi lugar en el universo, siempre sentí que era mi sangre”  Extraido de las memorias de Bob Dylan.

La Highway 61, llamada igualmente “Blues Highway” es una autopista que va desde Nueva Orleans hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Bob Dylan y recorriendo las ciudades donde vinieron al mundo artistas como Muddy Waters, Son House, Elvis Presley o Charley Patton. También es la carretera del cruce de caminos donde el bluesman Robert Johnson -según cuenta la leyenda- vendió su alma al diablo por el blues. La portada del disco lo dice todo, Dylan, con apenas 24 años y una no despreciable experiencia de ser humano nómada tanto de lugar como de espíritu, mirando fijo hacia la cámara, como desafiando al mundo con su nueva música, es un lenguaje propio, una nueva aproximación a lo más esencial a la hora de crear, una espontaneidad que sólo da la certeza de saber lo que se está haciendo. Pero el nombre de ‘Highway 61 Revisited’ no lo entendía nadie de la discográfica y no estaban demasiado de acuerdo en utilizarlo. Así que Dylan tuvo que tirar de tozudez para conseguir que bajaran los brazos y terminaran diciendo: «dejadle que lo llame como quiera». Aunque nadie entendiese el título, para Dylan era muy importante. Era la forma de auto-reafirmar su evolución del folk a un rock con base de blues. El título era el hilo conductor de ese cambio… la excusa. Y también la forma que tenía de demostrar que su nueva música estaba muy enraizada en los orígenes del blues. El blues que, de alguna manera, recorría con su trazado la autopista 61. 

La épica canción que da nombre al disco, “Highway 61 Revisited”, es un relato, una vez más surrealista que escribió Dylan, donde mezcla pasajes bíblicos con personajes en una carretera que se cruzan en un viaje, dejándonos todo a la propia interpretación en el punto de encuentro de la autopista 61, la temática del tema encarna el espíritu muy liberador que tiene el tono del álbum, en esta carretera fue donde tuvo que empezar su viaje para salir de Minnesota en busca de un nuevo destino. La cancion consta de 5 estrofas, en cada una de ellas un personaje bíblico tiene un problema que se resuelve en la Autopista 61. La canción también se caracteriza por el uso de un sonido de un silbato parecido al de las fiestas que representa el sonido de una patrulla. 

0243: Like a Rolling Stone - Bob Dylan

Bob Dylan grabó Like a Rolling Stone en 1965, durante las sesiones de grabación de su disco más aclamado, Highway 61 Revisited, a partir de un poema que había escrito anteriormente. La canción no terminaba de despegar en el estudio, hasta que el entonces músico de sesión Al Kooper improvisó el riff de órgano que finalmente vestiría al tema, lo cual hizo ver a Dylan que esa canción había nacido para ser interpretada en clave de rock. Pese a las reticencias de la compañía por su tono eléctrico y su larga duración, se puso a la venta como sencillo y se convirtió en un éxito a nivel internacional.

Bob Dylan describió el proceso de creación de Like a Rolling Stone como un largo "vómito de veinte páginas" derivado de una situación de desencanto personal, en la que incluso se había planteando dejar la música por la incomprensión que percibía sobre su obra y su mensaje. Componer una canción así le supuso una fuerte sensación de ruptura con lo que hasta entonces habían sido sus composiciones, y sintió que era exactamente lo que tenía que hacer. De aquellas páginas salieron las cuatro estrofas y el asertivo estribillo, en el que pregunta abiertamente ​"¿Qué se siente estando a tu aire, sin hogar ni dirección, como un completo desconocido... como un Rolling Stone?" 

Para la grabación, Dylan se rodeó de un gran grupo de músicos, tocando juntos en la misma sala del estudio de Columbia Records durante dos sesiones el 15 y el 16 de junio de 1965. Entre ellos estaba Mike Bloomfield de la Paul Butterfield Blues Band a la guitarra, y el mencionado Al Kooper, en principio solo como invitado en la sala de control del productor (Tom Wilson). Kooper aprovechó un momento de despiste para unirse discretamente a los otros músicos con su guitarra. Intimidado por la habilidad de Mike Bloomfield, desistió y volvió a la sala de control, y propuso a Wilson una línea de Hammond para la canción. Wilson se burló de él, pero en palabras de Kooper: "No dijo "no" así que fui para allá". El sorprendido productor no frenó al músico, y tras escuchar la grabación de aquella toma, Dylan insistió en que el órgano de Kooper pasara al primer plano. Tras esta decisión, la cuarta toma de aquel segundo día se convirtió en el tema que todos conocemos.

Like a Rolling Stone dio un vuelco en la carrera de Bob Dylan por su tratamiento eléctrico y su agresiva letra, llena de resentimiento y burla hacia una "señorita solitaria" (Miss Lonely) que siempre lo ha tenido todo y ahora experimenta la realidad y la crudeza de la vida. Pero el odio se transforma en complicidad y liberación cuando, en las estrofas finales, le hace ver que, en esa nueva situación "Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder. Eres invisible ahora, no tienes secretos que ocultar". Es un final feliz para un tema con una influencia enorme, desde su publicación hasta nuestros días. En la gira de presentación del disco, durante un concierto en el Free Trade Hall de Manchester, antes de tocar Like a Rolling Stone un espectador le gritó "Judas" por haberse alejado con ella de la senda del folk. Tras contestarle "No te creo, eres un mentiroso", Dylan pidió a sus músicos que la tocaran "jodidamente fuerte" aquella noche.​ No estaba dispuesto a que nadie le separara del camino que ya había tomado con esta canción, que se convertiría en la más alabada de la historia por la crítica especializada, y en la nº 1 de la lista de 500 mejores canciones de todos los tiempos de, precisamente, la revista Rolling Stone.​

Un país, un artista: Sri Lanka - Beverly Craven

 

Corría el año 1990, la explosión de color y luz de los años 80 se estaba disipando, y la melancolía del tiempo vivido hacia poso en los adolescentes de aquel año, fue entonces cuando a muchos nos parecía que nos decían esto al oído la persona que amabas y lo ponía en boca de una pianista con una voz muy intensa mientras sus manos bailaban veloz sobre el teclado….

Tu enciendes otro cigarrillo
Y yo me acabo el vino
Son las cuatro de la mañana
Y está empezando a amanecer
Ahora estoy justo donde quiero estar
Perdiendo la noción del tiempo
Pero deseo que aún fuera anoche
Parece como si estuvieras en otro mundo
Pero puedo leer tu mente
¿Cómo puedes estar tan lejos?
Estando justo a mi lado
Cuando me vaya te echaré de menos
Y voy a estar pensando en ti
Cada noche y día
Prométeme que me esperarás
Porque estaré guardando todo mi amor para ti
Y estaré de vuelta a casa pronto
Prométeme que me esperarás
Necesito saber que tú también sientes lo mismo
Y estaré en casa, estaré en casa pronto

Esa pianista era Beverley Craven nacida en Colombo, Sri Lanka, su familia se mudó al Reino Unido cuando ella tenía 18 meses y se estableció en Hertfordshire. Animada por su madre, una violinista, comenzó a tocar el piano desde la edad de 7 años. Craven no compró su primer disco de música pop hasta los 15 años, sobre todo de cantantes y compositores tales como Elton John, Judi Tzuke, Stevie Wonder y, en particular, Kate Bush, quiénes influyeron en su música. Beverley se fue de casa a los 18 años y se mudó a Londres, con la intención de forjarse una carrera en el negocio de la música, dejó la universidad, a principios de los ochenta comenzó a actuar en algunos pubs con bandas, hasta que fue vista por Bobby Womack, una leyenda del soul, quien le ofreció la oportunidad de acompañarlo en una gira europea. La gran oportunidad llegó cuando una de sus cintas de demostración cayó en manos de Epic Records, quien de inmediato le ofreció un contrato de grabación. El álbum debut de Beverley contó con un éxito sin precedentes: en un año, había sido certificado doble platino con ventas de más de un millón de copias y unas envidiosas 52 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido. El single Promise Me también fue un gran éxito, que, de nuevo en el Reino Unido, alcanzó el 3er lugar de las listas. 

En 1992 ganó en los BRIT Awards en la categoría "Revelación británica" (mejor Recién Llegado Británico) y también recibió una nominación al Mejor Álbum y mejor sencillo. A continuación, publicó el álbum Love Scenes, que contiene el single del mismo nombre y el single Mollie´s Song (dedicado a la hija Mollie, nacido en ese año), en septiembre de 1993, alcanzando el número 4 en las listas de álbumes del Reino Unido. Beverley y su pareja, el músico Colin Campsie, se casaron al año siguiente y su segundo hijo, Brenna, nació en 1995, seguido de su tercera hija, Connie, en 1996. Con la maternidad vinieron pasiones divididas, y siguieron 13 años de familia a caballo y estrellato. En 1999, Beverley presentó su tercer álbum, "Mixed Emotions", que había grabado en el estudio de su casa en Londres. Una vez más, esta ganadora del Brit Award recibió grandes elogios de la crítica, pero mal promocionada por la compañía discográfica y cada vez más desilusionada con la industria de la música, Beverley se retiró parcialmente para concentrarse en criar a su familia. 2004 vio a Beverley regresar a la escena musical mundial con un puñado de apariciones en conciertos en vivo; pero el destino tenía otros planes, ya que el muy publicitado diagnóstico de cáncer de mama de la estrella ocupó inesperadamente un lugar central. Después de un tratamiento exitoso, Beverley recibió el visto bueno en 2008. En 2009 Beverley regresó, más fuerte que nunca, con un nuevo álbum de estudio, 'Close To Home', un viaje musical personal, que Beverley vio cómo, 'un renacimiento en muchos sentidos'. Fue su primer álbum sin contrato discográfico y sin presión. Beverley Craven estaba haciendo las cosas en sus propios términos y realmente se estaba divirtiendo. Después de su autobiografía 'Truth Be Told' en 2012, este tesoro musical británico cautivó a los fanáticos con otro álbum de estudio, 'Change of Heart' en 2014, seguido de una gira por el Reino Unido en otoño.

En febrero de 2018, una constelación de estrellas musicales chocó espectacularmente con el anuncio de la gira Woman to Woman. Beverley realizó una gira con sus compañeros cantautores británicos (y grandes amigos personales), Judie Tzuke y Julia Fordham, a lugares con entradas agotadas y el aplauso enorme de la crítica de los medios de comunicación del Reino Unido. Un sencillo conjunto con los tres artistas, 'Safe', fue lanzado en marzo y un álbum de estudio, Woman To Woman, fue lanzado a fines de octubre de 2018. 

0242.- Ballad of a thin man - Bob Dylan

 

Ballad of a Thin Man es la quinta canción que cierra la cara A del mítico albúm Highway 61 Revisited, sexto en su trayectoria supuso una ruptura total con esas canciones y estilo que ya se venía presumiendo en su anterior "Bringing it all back home". Su sonido se electrifico, su actitud se expresó en rebeldía casi contra todo, bastante chulesca, algo diva, y sus textos cambiaron y empezaron a referirse a temas más personales, de relaciones con mujeres, de sueños, de viajes sobre carreteras desoladas, de la soledad en hoteles, de fiestas con excesos y drogas, de visiones. Es sin lugar a dudas un tema raro. La letra habla de un extraño hombre encerrado en una habitación donde empiezan a ocurrir cosas extrañas, cosas que el señor Jones no entiende. El famoso contrainterrogatorio de Dylan al Sr. Jones tiene un poder majestuoso y una grandeza espeluznante que no se olvidan fácilmente. Es una de esas canciones en las que el estilo de canto elástico de Dylan de mediados de los sesenta cobra sentido de inmediato.

Estamos ante la réplica de Bob Dylan a la sociedad en general que está fuera de si por los cambios que ocurren en la cultura aunque también se puede interpretar como un ataque a los periodistas y los principales medios de comunicación que causan drama a partir de cosas inocentes mientras evitan informar de la realidad, como los problemas sociales como el racismo y el sexismo. Estas imágenes las ha personificado en un tal Mr. Jones, que entra en una habitación donde ve a un hombre desnudo, y le resulta difícil comprender la situación. Esto representa una cierta parte de la sociedad que está en contra de muchos cambios sociales como la contracultura, el feminismo, los movimientos por los derechos civiles, etc. No solo están en contra de estos cambios, sino que también los confunden porque están muy desconectados. . Cuando el Sr. Jones se da cuenta de los nuevos cambios en la cultura, mira a los que participan en ella como si estuviera viendo a un friki en un circo. Uno de ellos lo llama monstruo, lo que lo ofende ya que cree que es la única persona normal allí. Dylan, irónicamente, dice que Jones es inteligente y culto, cuando en realidad todo lo que tiene es un conocimiento superficial y ninguna experiencia en nada de lo que habla.

Se especula con que la identidad de Jones fuera Brian Jones, fundador de los Rolling Stones y amigo íntimo de Bob Dylan que tuvo serios problemas con las drogas hasta su muerte, y así, la canción fuera una alegoría sobre las drogas y el sexo. Aunque en el idioma inglés se utiliza también, el apellido Jones para referirse a un hombre cualquiera. Existe otra teoría que asegura que Mr. Jones es el propio Bob Dylan, quien siempre ha tenido un dilema interno, lleno de dudas y pensamientos dispares. No importa quién sea el Sr. Jones, lo interesante es disfrutar de ese ritmo cadencioso, por momentos cansino y repetitivo que solo el genio de Dylan lograría convertirlo en uno de sus grandes himnos.