0187.- Venecia sin ti - Charles Aznavour

 

Estáis dispuestos a sentir la tristeza, la melancolía, incluso el dolor, solo tenéis que empezar a escuchar los primeros acordes de este tema, la música arranca por una sección de cuerdas in crescendo y el piano reparte sus notas tristes convirtiéndose en el preludio de una voz perfecta que se abre paso por la música y la entrada de la orquesta… y quien es el protagonista de esa voz, alguien que sin duda nos ha acompañado en muchos momentos, Charles Aznavour, nacido como Shahnourh Varinag Aznavourián Baghdasarian, nace en París en 1924 dentro de una familia de refugiados que habían escapado del genocidio armenio, desde muy pequeño tenía una gran predilección por las artes escénicas, y el canto iba a ser su futuro, ya con 11 años debuta en los teatros hasta que en 1941 y tras un encuentro fortuito conoce a Pierre Roche con el que compondrá alguno de sus mejores temas y formará un dúo, no les iban demasiado bien las cosas en el escenario, y tienen la fortuna seis años más tarde de su andadura de ser teloneros de la gran Edith Piaf, aun así su carrera estaba totalmente estancada, no les espera un futuro muy halagüeño y la desesperación empieza a reinar en el dúo hasta el punto que su compañero decide dejarlo todo y partir a Canadá en busca de un nuevo futuro, Charles decide pelear por su sueño, y en 1955 cambia todo cuando su Sur Ma Vie se convierte en todo un éxito dándole la oportunidad de componer para las grandes divas del momento

 

Hoy no detenemos en Venecia, en una Venecia sin ti, y en una de las más bellas canciones de amor, Aznavour hizo del amor una forma de vida y estaba dispuesto a cantarle de todas las manera posibles, haciendo hincapié en las más dolorosas, quizás porque lo tenemos idealizado, porque detrás de cada amor fracasado hay una historia de dolor y soledad y el Armenio estaba dispuesto a explotar ese filón, esta canción es la demostración, basta detenerse un poco en su letra y a tus oídos llega la tristeza de un amor que muere en Venecia, aún queda tiempo para recordar los buenos momentos, describir ese escenario donde lo disfrutas, pero toda la belleza del lugar no puede compensar el dolor por una relación rota, ya no hay sitio ni para las lágrimas en unos ojos decepcionados. Venecia es patrimonio del mundo, tal y como lo fue Aznavour, por esa razón esta canción ha sido cantada en distintos idiomas (inglés, francés, español y por supuesto Italiano) podemos buscar la canción en cada uno de los idiomas y en todos encontraremos un nexo común, la temblorosa y la melancolía voz de Aznavour clamando por el amor que pudo haber sido, de hecho, que fue, pero que en la actualidad solo queda un amargo recuerdo que pasea en una góndola en Venecia.

Un país, un artista: Nueva Zelanda - Split Enz

 

Split Enz

     Si hablamos de Nueva Zelanda, uno de los grupos que nos vienen a la mente inmediatamente es Split Enz, grupo que mezclaba música rock, vodevil, swing, pop y punk, y que fue además el primer grupo Kiwi que se dió a conocer en Europa y América.

A principios de 1970 Tim Finn conoce a Johnatan Chunn en el Sacred Heart College, donde cursan sus estudios y se hace buenos amigos. Apasionados ambos por la música se dedican a escribir canciones, y cuando tienen un buen puñado de ellas escritas deciden formar un grupo junto a Noel Crombie, Philip Judd y Rob Gillies, todos estudiantes de arte de la Universidad de Aukland, y deciden llamarse Split Enz. En abril de 1973, gracias al amigo de la banda y primer mánager Barry Coburn, consiguen publicar su primer single, For You / Split Ends. El grupo comienza a tocar en diferentes programas de televisión a pesar de que que Philip Judd se muestra reacio. 

En 1974 se incorpora al grupo el tecladista Eddie Rayner "The Proof", quien además de permanecer en el grupo hasta el final fue determinante para la definición del estilo y el sonido del grupo. El grupo a partir de ese momento empieza a elaborar una estética que consiste en peinados, trajes y maquillajes muy llamativos, consiguiendo así provocar un gran impacto visual en sus actuaciones. Tim Finn y Phil Judd eran los encargados de crear canciones y Noel Crombie del diseño de trajes, carteles, insignias, etc,. El grupo empieza a añadir a sus conciertos elementos teatrales inspirados en el cine expresionista, el circo o el mundo gótico. 

En 1975 el grupo decide dar el salto a Australia, obteniendo una acogida irregular, pero para entonces ya se han convertido en un grupo de culto entre sus seguidores. La compañía discográfica Mushroom Records, sello independiente australiano, se fija en ellos y los contrata. Bajo este sello discográfico publican su primer álbum de estudio, Mental Notes, el cual sólo consigue alcanza un discreto séptimo puesto en las listas de ventas de Nueva Zelanda. A pesar de no conseguir despegar, el guitarrista y productos británico Phil Manzanera se ha fija en ellos y se muestra impresionado, ofreciéndose a producir su siguiente álbum en Londres. Así ve la luz su segundo disco, Second Troughs, publicado en Reino Unido y Australia. La extraña apariencia y sus controvertidas actuaciones desconciertan a la crítica y público británico mientras que en Australia y Nueva Zelanda van ganando cada vez más adeptos. 

En 1977 el grupo se embarca en una gira de 23 días por Estados Unidos con la idea de consolidar el grupo, pero sucede todo lo contrario, pues dos de los miembros fundadores, Phil Judd y Mike Chunn, deciden abandonar el grupo. Tim Finn decide entonces asumir más responsabilidad en el grupo. Los músicos son sustituidos por el bajista Neil Griggs y por el vocalista y guitarrista Neil Finn, hermano menor de Tim, quien con el tiempo acabará cogiendo las riendas del grupo junto a su hermano. Ese mismo año, 1977, el grupo publica su tercer álbum de estudio, Dizrythmia, grabado también en Londres, consiguiendo nuevamente un mayor éxito en Australia y pasando ciertamente de puntillas en Reino Unido. 

1978 es un año difícil para la formación, pues tienen muchas deudas y no pueden conseguir actuaciones ni contratos de grabación, sin embargo continúan ensayando y componiendo temas. El premio a tanta persistencia les llega con una subvención de parte del Consejo de las Artes de Nueva Zelanda. Gracias a esto consiguen grabar varios sencillos y publicar su cuarto álbum de estudio, Fenzy (1979), grabado en los Manor Studios de Oxford, Inglaterra. 

Pero será en 1980, con la publicación de su quinto álbum de estudio, True Colors, cuando consiguen un gran éxito. El disco es considerado como uno de los álbumes pop más importantes e influyentes de la historia de Nueva Zelanda. Incluido en True Colors se encuentra el sencillo I Got You, tema compuesto por Neil Finn y que además de su gran éxito en Australia y Nueva Zelanda sería el que les situaría en el plano internacional consiguiendo un gran éxito. La portada del disco fue editada en distintos colores, y la más reconocida en verde, naranja, blanco y negro. Para el diseño del dibujo del vinilo se utilizó la técnica llamada "laser-etching", que hacía que se reflejara la luz alrededor de la habitación donde sonara el LP, y además dificultaba su falsificación.

El grupo edita en 1981 su siguiente trabajo, Waiaita/Corroboree, el cual obtiene buenas ventas pero no se acerca a True Colors, que ha dejado el listón muy alto. A este disco le seguirá en 1982 Time and Tide, disco que se ve envuelto en cierta polémica, pues al tema incluido Six Months In A Leaky Boat, fue retirado de las radios inglesas al creer que era una crítica a la Guerra de las Malvinas, algo que el grupo siempre negó. En 1984 publican Conflict Emotions, disco que sería el último donde uno de los hermanos y fundador del grupo, Tim Finn, decide abandonar Esplit Enz, quedando al frente de una banda donde no quedaba ya ningún miembro fundador Neil Finn. Con Neil al frente el grupo publica Se Ya 'Round, disco concebido para ser la despedida de grupo. Éste útimo trabajo de la banda no obtiene demasiado éxito y es publicado únicamente en Australia, Nueva Zelanda y Canadá. Una vez acabado el proyecto de Split Enz, Neil Finn forma una nueva banda llamada Crowed House junto a  los australianos Paul Hester y Nick Seymour. 

Tras la separación, Split Enz han tenido varias reuniones a lo largo de los años 90, y posteriormente en 2006 y en 2008. La reunión de 2008 contó con la formación más exitosa de la banda, Neil Finn, Tim Finn, Noel Crombie, Eddie Rayner, Malcolm Green y Nigel Griggs. Durante los aproximadamente 12 años de vida, Split Enz consiguió convertirse en uno de los grupos más importantes de Nueva Zelanda y Australia, donde son considerados como un grupo de culto, además de conseguir abrir fronteras internacionalmente en países como Reino Unido, Estados Unidos y Canadá. 

0186.- Don't Let Me Be Misunderstood - Nina Simone

Siempre es un placer regresar a Nina Simone, en esta ocasión nos detenemos en el album Broadway Blues Ballads, y el tema que abre este gran álbum, sin duda una de las grandes canciones de la cantante. Don't Let Me Be Misunderstood, escrita y compuesta por Horace Ott, dedicada a su novia y futura esposa Gloria Caldwell, y se la presentó a los otros dos compositores, Ben Benjamin y Sol Marcus, para el disco de la gran que estaban preparando para Nina Simone, y por motivos contractuales no podía figurar su nombre junto a los de Benjamin y Marcus, así que puso el de la pareja. Horace Ott, se encargó de la producción del tema, de los arreglos y de organizarlo absolutamente todo, pero los otros se llevaron la gloria. Nada mas escucharlo quedaron hechizados por la música y el tono que le podia dar Nina Simone haria el resto, decidieron que iba a ser la estrella del disco que iban a publicar... pero se equivocaron, la versión original aparece en el álbum Broadway-Blues-Ballads, y es muy lenta, con orquesta, arpas, coros a lo gospel y una introducción prácticamente hablada más que cantada. Aunque Simone ya era conocida entonces, este tema no tuvo prácticamente ningún éxito, sin embargo la esencia estaba ahí y llegaron The Animals, que venían del éxito absoluto de "The house of rising sun" y trasformaron la canción, dotándola de un etilo mas rockero, y que es la que empieza con el riff que seguramente os suene. A raíz de esta versión la fama del tema se hizo eterna y ha sido versionado por artistas como Joe Cocker, The Animals, Gary Moore, Elvis Costello, Cindy Lauper ó Dire Straits entre otros. Si antes no la habíais escuchado, se hace extraño el tempo tan tranquilo que tiene el tema y nos costara valorarla, pero desde luego es una gran interpretación de la misma, y tiene un arreglo de cuerdas realmente bueno.

La temática de la canción versa sobre alguien que ha hecho una tontería que ha ofendido a su pareja, y entonces le pide perdón argumentando que, como ser humano que es, tiene sus fallos y sus defectos, sin embargo, otras personas han querido ver una interpretación ulterior en la voz de Simone, relativa al Movimiento de Derechos Civiles, Según los expertos este tema representa y es fiel reflejo de la vida y la carrera de Nina Simone pero algunos van mas allá y ven en ella un implícito mensaje por el Movimiento de los Derechos Civiles ya que en la época en la que fue publicada la gran cantante estaba muy comprometida con este movimiento, quizás no sea así o si, pero dado que las canciones son susceptibles de interpretaciones y reinterpretaciones no descartamos ninguna de las dos versiones. Este single está catalogado por la revista Rolling Stone en el puesto nº 322 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

The Touch With Terence Trent D'Arby - Early Works Album #MesTerenceTrentD'Arby

The Touch With Terence Trent D'Arby - Early Works Album

Este mes hablamos de un artista muy particular, hablamos de Terence Trent D'Arby, que ha nacido bajo el nombre de Terence Trent Howard en el barrio de Manhattan en el año 1962.

Su madre Frances Howard, cantante de gospel, maestra y consejera. Frances Howard se casó con el obispo James Benjamin Darby, quien se convirtió en su padrastro y lo crió. Tomó el apellido de este padrastro y luego agregó el apóstrofe.

Terence antes de convertirse en un musico, paso por diferentes experiencias se entrenó como boxeador en la ciudad de Orlando y con el esfuerzo en el año 1980 ganó el campeonato de peso ligero Florida Golden Gloves. Esto le permitió recibir una oferta para asistir a la escuela de boxeo en el ejército de los Estados Unidos, pero fue a la universidad.

Después de inscribirse en la Universidad de Florida Central, renunció un año después y se alistó en el Ejército de los Estados Unidos. Estuvo destinado en Fort Sill, Oklahoma, y ​​luego sirvió en la 3.ª División Blindada, cerca de Frankfurt, Alemania Occidental. Fue formalmente sometido a consejo de guerra y dado de baja deshonrosamente por el ejército en abril de 1983 después de ausentarse sin permiso.

Mientras estaba en Alemania Occidental, trabajó como líder de banda con la banda The Touch, lanzando un álbum de material llamado Love On Time (1984). Más tarde fue reeditado en 1989 como Early Works después de su éxito mundial como solista. En 1986, se fue de Alemania Occidental a Londres, donde tocó brevemente con The Bojangles. En Londres firmó un contrato de grabación con CBS Records.

Este álbum fue editado en el año 1984, y estaba compuesto de 10 canciones, y tuvo una re- edición en el año 1989.

1 - Don't Call Me Up
2 - I Want To Know (International Lady)
3 - Cross My Heart
4 - Eggs + Coffee
5 - Weekend
6 - Passion
7 - Long Way
8 - Immaterial
9 - Somebody Else
10 - Get Up And Run

Daniel
Instagram Storyboy

0185 Sapore di Sale - Gino Paoli

 

Sapore di Sale, Gino Paoli

     En 1963, el músico y cantautor italiano Gino Paoli, uno de los grandes representantes de la música italiana de los años sesenta y setenta, escribe la famosa canción Sapore di Sale. La canción contó con los arreglos hecho nada menos que por el gran Ennio Morricone. El tema fue publicado por el sello discográfico RCA Italiana como sencillo en 1963, ocupando la cara A, y siendo acompañado en la cara B por La Nostra Casa. El año siguiente, 1964, Gino Paoli publica también con RCA Italiana su tercer álbum de estudio, Basta Chiudere Gli Occhi, y el tema Sapore di Sale es incluido en dicho disco.

El tema  rápidamente se convirtió en el mayor éxito de Gino Paoli, y también en una de las canciones más importantes de la música contemporánea italiana. El sencillo lanzado en 1963 alcanzó el puesto más alto en las listas de éxitos italianas y traspasó fronteras convirtiéndose en un éxito internacional. El tema, cuya letra narra un típico día de vacaciones en el mar durante el cual un hombre toma el sol en la playa mientras su pareja se baña en el agua y donde los días transcurren ajenos e indiferentes a la realidad del mundo real, es considerado como un "Himno del verano", que simboliza el acceso de la gente corriente al turismo del sol y la playa gracias al milagro económico que sucedió en Italia tras las penurias de la posguerra. 

Gino Paoli se inspiró en la actríz italiana Stefania Sandrelli, para componer el tema. Gino, en 1962 y mientras estaba casado y con una hija, comenzó una relación sentimental con Stefania cuando ella contaba únicamente con 16 años de edad, y de aquella relación nació en 1964 la hija de ambos, Amanda Sandrelli. Mientras el tema escalaba en las listas de ventas y  se asentaba como uno de los  mejores de la música italiana, Gino Paoli tuvo un fallido intento de sucidio en julio de 1963 mediante un disparo a la altura del corazón. Milagrosamente sobrevivió, pero fue imposible extraérle el proyectil de la cavidad torácica, donde quedó alojado el resto de su vida.

La música en historias: Comienza el #MesTerenceTrentD'Arby

 

Uno de mis primeros recuerdos asociados a la música es un reproductor y grabador de cassettes que mi padre me regaló cuando tenía apenas trece años. Era uno de esos reproductores horizontales, de apariencia similar a la de una vieja grabadora, en el que se pulsaba el botón "stop/eject" y se levantaba una tapa para poder meter la cinta de cassette. Después empujabas la tapa hacia abajo y pulsabas el botón de "play", y entonces, entre un efecto de sonido distorsionado que parecía simular el buen hacer de la aguja entre los surcos de un vinilo, una voz desgarrada bramaba a través de los pequeños altavoces internos del reproductor: "If you all get to heaven...". Tras un breve silencio, el coro y la banda estallaban al unísono, en una intro que hacía honor al título de aquel cassette: Introducing the hardline according to Terence Trent D'Arby.

Hoy, varios trece años después, y con la espina clavada de no haber conservado aquel reproductor de cassettes que tantas veces llenó mi cuarto de coloridas e intensas notas, sigo escuchando los discos de Terence Trent D'Arby en muchos otros formatos y situaciones, y no he encontrado aún un cantante que se acerque a lo que este controvertido artista me aportaba con una voz capaz de los registros más ásperos y desgarrados de un James Brown (para ejemplo literal no hay más que escuchar la versión extendida de Dance Little Sister, que acaba convirtiéndose en Sex Machine), y al tiempo capaz de desenvolverse también en los tonos más suaves y delicados de un Sam Cooke (aquí el claro ejemplo sería la impactante versión de A change is gonna come, con el respaldo de Booker T. and the MG's como banda de acompañamiento).

Una voz privilegiada y un compositor excelente, multi-instrumentista al igual que su coetáneo Prince, por el que siempre profesó una gran admiración (el vídeo de Sign your name es todo un guiño al motorizado The Kid de Purple Rain), que llenará de color y de ritmo el mes de Julio en 7días7notas. "Conocer a alguien en profundidad, es conocer a alguien suavemente" decía en una de sus mejores canciones, y eso es lo que intentaremos hacer durante el #MesTerenceTrentD'Arby. Tomad asiento, poneros cómodos, porque la cinta de cassette ya está dentro del reproductor. Hemos bajado la tapa, y estamos a punto de pulsar "play". Al hacerlo, los cabezales giran y la voz desgarrada vuelve a sonar, una vez más, a través de los pequeños altavoces: "If you all get to heaven...".Los pelos como escarpias. El #MesTerenceTrentD'Arby.

0184: Time is on my side - The Rolling Stones

Time is on my side es un tema escrito por Jordan "Jerry" Ragovoy (bajo el pseudónimo de Norman Meade), conocido por crear las letras de varias canciones relevantes del rock y el soul en los sesenta, como "Piece of My Heart", grabada originalmente por Erma Franklin y popularizada después por Janis Joplin, para quien también escribió "Cry Baby".

Los Rolling Stones realizaron dos versiones de Time is on my side. La primera versión se publicó como sencillo en 1964, apareciendo además en el disco 12 x 5, y se diferencia de la versión posterior en la intro de órgano y por contar con la aportación de Brian Jones en las partes vocales, mientras que la segunda versión, incluida en el disco The Rolling Stones Nº2, tiene una intro de guitarra.​

Time is on my side fue la primera canción de los Rolling Stones que llegó a las primeras posiciones de las listas estadounidenses, llegando hasta el puesto nº 6. Habitual en los conciertos de la banda durante los años sesenta, desapareció de las giras durante las décadas posteriores (salvo las giras del 81 y 82). La banda la repescó para la gira de "Bridges to Babylon" en 1998, quizá para aprovechar el impulso comercial de la inclusión del tema en la película Fallen, protagonizada por Denzel Washington ese mismo año. En el film, un diablo que tenía la capacidad de saltar de una persona a otra con solo tocarla, cantaba inquietante la canción de sus satánicas majestades, confiado en que el tiempo estaba realmente de su lado. 

0183: There, but for fortune - Joan Baez

 
En Octubre de 1964, Joan Baez grabó There, but for Fortune (Ahí, pero por fortuna) para su disco Joan Baez / 5, y fue lanzado como single en 1965. El tema había sido escrito originalmente por Phil Ochs en 1963, pero el éxito de la versión de Baez eclipsó la versión que el músico folk estadounidense grabó para el disco recopilatorio New Folks Volume 2 en 1964. "Ahí, pero por fortuna, puede que vayas tú o yo" dice la letra de la canción, y en esa especie de duelo Joan Baez resultó ser la ganadora en las listas de éxitos, hasta el punto que en 1966, en el disco en directo Phil Ochs in Concert, que recogía grabaciones en el Carnegie Hall de Nueva York y el Jordan Hall de Boston, Phil Ochs presentó irónicamente There, but for Fortune como una canción escrita para él por Joan Baez.

La letra de la canción es una intensa descripción de la decadencia de la humanidad, describiendo las penurias de un prisionero en el primer verso, de un vagabundo en el segundo, y relatando en el tercero la triste escena de un borracho saliendo a trompicones de un bar, antes de referirse en el cuarto y último verso a un país destrozado por los bombardeos. Un tema tan impactante no podía faltar en la celebración del final de la guerra de Vietnam en abril de 1975, y se incluyó en el programa del mitin "War is over" que se celebraría el 11 de mayo de ese mismo año en el Central Park de Nueva York. Allí, por fortuna, el "padre biológico" y la "madre adoptiva" de la canción se encontraron por fin, interpretando a dúo There but for Fortune, con la esperanza de que aquello fuera el principio de un mundo muy distinto al que la canción describía.

Disco de la semana 232: Bares y Fondas - Los Fabulosos Cadillacs

Disco de la semana 232: Bares y Fondas - Los Fabulosos Cadillacs

En la Argentina de los años 1986 se estaba dando un recambio generacional en la música, los ya consagrados artistas y bandas ya estaban en la cresta de la ola, el auge de los boliches (discos) y de interminables horas de emisiones radiales y de televisión, avivaban a una generación nacida en los años '60, y criados en plena dictadura militar, comenzar a emerger tomando esa pesada herencia, pero también como cimiento para una nueva movida musical que se avecina.

En esa efervescencia de esos años, fueron naciendo bandas que luego serían la gran relevancia en la historia del rock latinoamericano, que en esos años todavía estaba disperso y escasamente conectado entre sí. Una de ellas fue Los Fabulosos Cadillacs, surgida en 1985, cuyo primer disco, Bares y fondas

Los Fabulosos Cadillacs ya habían tocado en boliches como Blues, Stud Free Pub, La Esquina del Sol, Fire y Látex sitios de la movida de esos años en Buenos Aires. Pero en la segunda mitad de 1985 firmaran un contrato con Interdisc y comenzaron a grabar un álbum producido por Daniel Melingo, que en ese entonces formaba parte de Los Twist. Originalmente se iba a llamar Noches cálidas en bares y fondas, pero finalmente recortaron el nombre.

Este primer disco de Los Fabulosos Cadillacs se nutre en forma directa de la influencia de la segunda ola de ska que a partir de los últimos años de la década del 70 se estaba dando en Inglaterra. y esto se ve reflejado en canciones como “Silencio, hospital” y “Vos sin sentimiento”, la referencia a bandas como Madness y The Specials como influencia, incluso en la forma en que se vestían y hasta en la tapa del disco, que tiene un marco bordeando la foto, con el clásico cuadriculado blanco y negro que caracterizaba esa movida ska británica. También es posible reconocer algo de The Clash (no es casual que años después, en El ritmo mundial, el disco de 1988, hicieran un cover de “Revolution rock”), y del pospunk de Joy Division.

En este su primer disco se puede ver una influencia del rock y el reggae de Sumo un referente ya de la música y del Rock Argentino, que también era cercano, a su modo, a Joy Division en canciones como “Tus tontas trampas” y “En mis venas”, en las que Vicentico la voz del grupo, canta muy a la manera de Luca Prodan voz de Sumo esa influencia local se puede ver reflejada en otras bandas, y temas del disco, “La manera correcta de gritar” y “Bares y fondas” perfectamente pueden considerarse canciones primas hermanas de otras como “El jorobadito”, de la banda Los Decadentes, y del rockabilly del grupo Los Twist en canciones como “Belcha” y “Yo quiero morirme acá”. Toda esta influencia del Rock Argentino en auge de bandas ya consagradas se puede ver como dato ilustrativo en el disco En vivo en Buenos Aires, de 1994 que la banda edita, y que incluye versiones de la banda Sumo (“No acabes”), The Clash (“The guns of Brixton”) y The Specials (“You’re Wondering Now”). Hay un tercer componente del sonido que la banda incorpora en este disco lleno de influencias y es la  corriente de música instrumental de los 60 y 70 a lo Frank Pourcel, Burt Bacharach, Henry Mancini, y esa influencia puede apreciarse en “Galápagos”.

Los Cadillacs fueron una presencia constante en la televisión, principalmente en programas de adolescentes. Sin embargo, este primer disco no tuvo la repercusión que tendría otros discos por venir, pero no por ello hay de dejar en el olvido esta primera obra de la banda. La popularidad creciente de la banda los hizo conocidos en otros países de América Latina, lo que los llevaría a un progresivo cambio en su estilo. La banda pasaría a ser uno de los puntales de ese nuevo fenómeno del rock latino, No dejaron de ser lo que eran, aunque hubo un cambio grande, al punto de que, para muchos de los fans nuevos de la banda, discos como Bares y fondas y otros de sus discos como Yo te avisé son una rareza.

El disco es bastante imperfecto y la banda se oye todavía en formación en este su primer álbum, como en busca de un sonido propio se puede destacar la potencia de los vientos. La crítica les cuestionó la liviandad de su propuesta, otros lo desafinado y desprolijo de su sonido. Pero este disco no deja de ser un valioso documento para entender el momento de transición que se estaba dando en el Rock Argentino y latinoamericano en momentos previos a una internacionalización que, aunque para algunos pueda ser polémica y cuestionable, no deja de ser un hito que cambió radicalmente la música en español.

Daniel

Instagram Storyboy

0182 Downtown - Petula Clark

 

Petula Clark nació en Epsom, Surrey, Inglaterra el 15 de noviembre de 1932, provenía de una familia de artistas y desde muy pequeña cantaba en la parroquia de su barrio. Con 9 años y en plena segunda guerra mundial hizo su debut en la radio, trataba de mandar un mensaje a su tío que estaba en el frente, pero la emisión se retrasó por un ataque aéreo y durante el bombardeo, el productor pidió que alguien se propusiera para entretener al público asustado. Ella se ofreció y dio una representación improvisada que recibió una calurosa acogida y un espaldarazo a su carrera como interprete que inició de forma profesional en 1956, debido a su éxito también tuvo una carrera como actriz de cine y televisión.

 

A pesar de que estaba muy reconocida en su país, le costó bastante dar el salto a Estados Unidos, en esta época la invasión británica de rock se comía al resto de artistas musicales.

Este fue el primer éxito de Petula Clark en Estados Unidos, que tardó en descubrir su talento. A principios de los 60, también se popularizó en Francia cuando comenzó a grabar sus canciones en francés. Curiosamente, no consiguió un contrato discográfico estadounidense hasta finales de 1964 cuando un ejecutivo de Warner Bros. llamado Joe Smith, que estaba de vacaciones en Inglaterra, escuchó la canción y firmó un contrato con ella. "Downtown" fue lanzado en los Estados Unidos, se disparó al # 1, convirtiendo a Petula en la primera cantante del Reino Unido en alcanzar el # 1 en los Estados Unidos durante la era del rock (después de 1955). Sorprendentemente, ni siquiera promocionó la canción antes de llegar al primer lugar, ya que estaba de gira por países de habla francesa en ese momento.

 

Quizás por deformación debido a su carrera de actriz, Petula Clark, tiene como particularidad el tratamiento que hace de sus canciones, ya que esta las transforma y las interpreta como si fuera una mini-película. La temática de Downtown es muy sencilla ya que simplemente habla sobre como pasar un rato agradable, cuando los problemas te agobian en el día a día, la mejor solución es coger un autobús y dirigirte al centro de la ciudad, donde se abre un mundo de diversión en forma de tiendas, lugares de fiestas y bellos paseos, pero, ¿qué pasa cuando termina la noche y la cantante regresa a su vida cotidiana? Después de todo, el viaje a la ciudad es simplemente un escape. En una entrevista comentó que, para ella, la canción no era tan alegre como se había vendido, sino que "Siempre pensé que existía una gran soledad e incluso un ligero sentimiento de desesperación",

 

Para una luchadora por los derechos y la libertad de los hombres, la historia le guardaba una triste casualidad y es que cuando Anthony Warner detono una bomba en la mañana de Navidad en un área del centro de Nashville, el vehículo donde se encontraba las bombas tenían unos altavoces en las que sonaban este tema.

0181 The Shop Shop Song - Betty Everett

181 The Shop Shop Song - Betty Everett

Incluso cuando la primera era del rock and roll estaba llegando a su fin justo antes de la invasión británica de los años 1964, todavía había canciones que contenían elementos doo wop de la época dorada del Rock and Roll.  Una de ellas es la vieja y dorada canción de Betty Everett, "The Shoop Shoop Song", que originalmente se conocía como "It's In His Kiss".  Betty Everett fue una cantante de soul y pianista de R&B. 

Vee-Jay Records renombró "It’s In His Kiss" por "The Shoop Shoop Song" en honor a las convincentes "shoop shoops" proporcionadas por los cantantes de respaldo The Opals.  Eran Rose Addison, Nyra Tillison y Rose “Tootsie” Jackson de Chicago.  La canción fue escrita por Rudy Clark, cuyos éxitos incluyen "Got My Mind Set on You", "Good Lovin" y "Everybody Plays the Fool".  

El disco de Everett incluye una marimba, en deferencia a la explosión del sonido latino del '63 -'64 provocada por la popularidad de West Side Story y promovida por grupos como The Rocky Fellers en su gran éxito "Killer Joe".  En 1964, la canción alcanzó el puesto número 6 en el Billboard Hot 100 y el número 1 en la lista Cash Box R&B.

Esta canción tiene la distinción única de ser interpretada por muchos cantantes, incluidos The Swingin 'Blue Jeans, Cher, Lulu, The Nylons, Kate Taylor con James Taylor, The Searchers, The Hollies, The Newbeats, The Supremes y Aretha Franklin.  (Como "My Boyfriend’s Back", fue rechazada por las Shirelles, quienes tuvieron tantos éxitos que tuvieron que decir "no" de vez en cuando).

Quizás una de las versiones más populares de esta canción se produjo tras la participación de Cher en la película Mermaids, donde Cher hace una reversión "The Shoop Shoop Song (It's In His Kiss)", esta reversión del éxito de Betty Everett, puso a Cher en la cima nuevamente, esta canción llegó a los primeros lugares de Europa principalmente en Reino Unido, pero no alcanzó los primeros lugares en Norteamérica donde ocupó el puesto #33.

Daniel

Instagram Storyboy 

La música en historias: "La Tortuga" del #MesRosendo

 

A paso lento, sin prisa pero sin pausa, con la paciencia con la que la tortuga se plantea su camino, hemos llegado al final del #MesRosendo. Lo hemos hecho recreándonos en sus mejores discos, y al final de la larga travesía no había mejor disco para el cierre que precisamente "La tortuga" (1991), el sexto álbum de estudio en solitario de Rosendo Mercado.

La tortuga es un disco diferente y en cierto modo controvertido, dentro de la discografía del de Carabanchel, empezando por el hecho de elegir a ese parsimonioso animal para el título y la portada del álbum. No es éste un disco lento como una tortuga, ni mucho menos, pero sí es un álbum en el que el veterano rockero suena más limpio y producido que en otras obras de su colección. Injustamente, los temas de La tortuga no suelen aparecer en los conciertos de Rosendo, pese a que este disco contiene algunas de las letras y estribillos más divertidos y ocurrentes de su cancionero.

El disco arranca con No me apetece!, una de las mejores canciones de Rosendo y una pieza clave dentro del álbum. Estamos ante una canción muy elaborada y con cuidados arreglos, que va creciendo poco a poco y de principio a fin, desde el paso de tortuga al desenfreno guitarrístico. El ritmo no decae en Los de siempre, canción de billar y humareda, de salir de fiesta y estar con la gente, hasta que la autoridad competente arruine la noche. Cierra el triunfal trío inicial Majete!, el tema que salió como sencillo, dotado de un estribillo pegadizo pero con cierta falta de conexión en la letra. La canción funcionó muy bien a nivel de ventas, pero como el resto de partes del caparazón de la tortuga, fue condenada al destierro en los conciertos de los años posteriores.

La segunda parte del disco baja un peldaño en lo creativo, y hace sitio a temas menos destacables como Menú de la cuneta, que no termina de coger velocidad de crucero y se queda en un tema correcto y varado en la pista de despegue. Tras el curioso y agradecido paréntesis que supone Ah!, una agradable pieza instrumental salvo por los tarareos de Aurora Beltrán (que agradeció públicamente la generosidad de Rosendo al incluirla en los derechos de autor del tema por esa mínima aparición), llega el turno de Ahora pro nobis, otro tema correcto sin más.

La sensación de falta de chispa de este tramo del disco desaparece con la siguiente de las muchas canciones que en La tortuga tienen exclamaciones en el título. Con Yo también! el disco vuelve a remontar el vuelo, y lo mantiene con creces en la pegadiza Control?... memeces! y en la canción que da título al disco. La tortuga hecha canción tiene una letra extraña y divertida, se le ha escapado y no puede dormir pensando en ello, y sale a la calle asustado y temeroso de que el animal pueda atacarle.

Del surrealismo de La tortuga pasamos a la no menos extraña temática de M'enamorao, porque el amor no es por una mujer, sino por la "comanda". Entre su amor por la comida, y su alegato a estar tirado en el sofá en Andar por casa, nos queda claro que La tortuga está logrando influenciarle, y su calma y pereza están presente en estos últimos temas de un disco que quizá no sea el más representativo de Rosendo, pero que tenía todo el sentido que fuera el último en llegar a la meta, yendo como fue a lomos de esta simpática e irreverente tortuga, con la que despedimos el intenso y reconfortante #MesRosendo.

0180: You Really Got Me - The Kinks

 

You Really Got Me, The Kinks

     El 4 de agosto de 1964 en Reino Unido, bajo la discográfica Pye, y el 2 de septiembre de 1964 en Estados unidos, bajo el sello discográfico Reprise, The Kinks publican el sencillo You Really Got Me. Gracias al gran éxito que supuso el tema, fue incluido en el álbum debut del grupo, Kinks, que vería la luz en octubre en Reino Unido y en noviembre en Estados Unidos. Al mes de la publicación del sencillo llegó al puesto número 1 en las listas UK Singles Chart del Reino Unido, permaneciendo en ese puesto durante dos semanas.

El tema fue escrito por Ray Davis, guitarrista, vocalista y tecladista de la banda. La letra gira en torno a un chico que se encuentra en un club y está tan abrumado y encantado de lo bien que baila la chica que le guta que es incapaz de articular dos palabras seguidas. Ray Davis, en una entrevista concedida en el año 2016, afirmaba que se le ocurrió escribirla cuando se encontraba en un club en Picadilly y había una chica entre la gente que realmente le gustaba. Escribió You Really Got Me para una chica a la que nunca llegó a conocer. 

La canción es básicamente un riff ejecutado con acordes de quinta, clave para el desarrollo de géneros posteriores como el rock and roll, el hard rock o el punk rock. El efecto distorsionado de la guitarra fue una idea del guitarrista Dave Davis, que consiguió ese característico sonido sucio cortando el altavoz de su amplificador con una cuchilla de afeitar, y luego colocó alfileres. La vibración de la tela rasgada produjo un efecto conocido como fuzz, que se volvió común a medida que se creaban dispositivos electrónicos para distorsionar el sonido. Como en aquel momento no existía ningún dispositivo, Davis también solía maltratar su amplificador pateándolo para obtener el sonido deseado. Este amplificador fue apodado Little Green y fue fabricado por la compañía Elpico. La guitarra utilizada para la grabación fue una Harmony Meteor de 1962. al parecer la idea del amplificador surgió cuando Dave vivía en una habitación al norte de Londres cuando estaba furioso, su novia Sheehan se había quedado embarazada y sus padres no querían que se casaran. Dave Davis, para canalizar su rabia, usó una cuchilla para rasgar un amplificador que tenía en casa de la marca Elpico que le había estado dando problemas. 

Sobre este tema circuló un mito que afirmaba que el solo de guitarra de You Really Got Me fue realizado por Jimmy Page, quien por entonces era músico de sesión y trabajó en las sesiones de grabación. Pero es sólo eso, un mito, pues Page por aquel entonces era únicamente músico de sesión, y el solo fue realizado por Dave Davis.

Un país, un artista: Noruega, Turbonegro

Para el artista de Noruega, no puedo evitar recordar una visita a una tienda de discos del centro de Oslo, tarea obligada en todos y cada uno de los sitios en los que voy de vacaciones. Cuando le dije al chico de la tienda que buscaba discos de grupos de rock noruegos, no dudó un momento en ofrecerme en primer lugar el disco Apocalypse Dudes de Turbonegro. Y no solo me mostró el álbum, sino que lo puso en el equipo de sonido de la tienda para que pudiera escucharlo. Me bastaron sólo unas notas del tema de arranque (el épico Age of Pamparius) para que el disco dejara la tienda a buen recaudo en mis alforjas.

Turbonegro fue fundado precisamente en Oslo en 1989, con una primera formación en la que estaban el estadounidense Thomas Seltzer (conocido como Happy Tom) al bajo, Pål Erik Carlin (voz), Carlos Carrasco (batería) y Vegard Heskestad, Pål Bøttger Kjærnes (conocido como Pål Pot Pamparius) y Rune Grønn (conocido como Rune Rebellion) a las guitarras. Desde su nacimiento, y con una separación en 1998 que se prolongó hasta 2002, Turbonegro ha publicado una decena larga de discos de lo que ellos mismos denominan deathpunk, una mezcla de punk rock y hard rock con toques glam rock (no en vano en el disco Apocalypse Dudes rinden tributo a David Bowie con una potente versión de Suffragette City.

En 1989 graban su sencillo debut Route Zero, y en 1990, después de una gira por Estados Unidos, la banda sufre su primera reconversión con Thomas Seltzer pasando a la batería, Pål Bøttger y Rune Rebellion en las guitarras, Bengt Calmeyer (conocido como Bingo) al bajo y el fichaje de Harald Fossberg de la banda punk Hærverk como cantante. De esta nueva formación son el sencillo Vaya con Satan y el álbum Hot cars and spent contraceptives. La segunda formación durará hasta 1993, momento en el que el cantante abandona la banda aquejado de un cáncer, siendo reemplazado en el micrófono por Hans Erik Husby (conocido como Hank von Helvete).

En 1996 fichan al guitarrista Knut Schreiner (conocido como Euroboy) para sustituir temporalmente a Pål Pot Pamparius, y manteniéndose en la banda cuando éste retornó a Turbonegro un año después. Esta tercera formación es la que grabó Apocalypse dudes, considerado su obra cumbre, el disco que el dependiente de aquella tienda de discos de Oslo puso en mis manos y en el tocadiscos del local, descubriéndome a una banda de primer nivel, con influencias de grupos como AC/DC, Motorhead, Ramones, Iron Maiden e incluso el ya mencionado David Bowie.

Tras el mencionado adiós de 1998, deciden volver en 2002 y preparar el disco Scandinavian Leather que vería la luz en 2003. A partir de ahí, se suceden en igual medida los discos y las idas y venidas de miembros de la banda, y en 2010 hay un nuevo amago de disolución, pero acaban reflotándose una vez más en 2011, en una muestra más de que la nave Turbonegro sigue surcando los tempestuosos mares del hard rock, pese a estar más de una vez al borde del naufragio, llevando a bordo a los Colegas del Apocalipsis desde los tiempos remotos de la Era de Pamparius, preparados para la siguiente aventura que el destino les depare.

0179: Oh Pretty Woman - Roy Orbison

Poco podía imaginar Roy Orbison que una canción compuesta en un momento en el que se lamentaba por la soledad, y en la que mostraba su admiración por una bella mujer a la que vio pasar caminando por la calle, preguntándose si ella estaría tan sola como él, se convertiría en una de las canciones más reconocidas de su carrera, siendo incluida por la revista Rolling Stone en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Grabada en los estudios Monument Records de Nashville en 1964, con el paso de los años el embrujo de aquella "bella mujer" fue creciendo cada vez más, hasta que una espectacular interpretación en directo para un programa de televisión (Roy Orbison and friends) le dio a Roy Orbison en 1991 un merecido Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina.

La canción inspiró el argumento de la película Pretty Woman, siendo además la pieza central de la banda sonora, y ha sido revisada por artistas tan diferentes como Al Green o Van Halen. Curiosas y destacables son la versión en japonés de Kaela Kimura o las versiones en castellano del mexicano Manolo Muñoz en los 60 ("Ay preciosa") y del rockero argentino Laureano Brizuela en los 80 ("Muchachita"), todas ellas distintas maneras de recordar a esa bella mujer que, cada vez que pongo de nuevo Oh Pretty Woman, vuelve a caminar con paso decidido y seductor por la acera de una calle cualquiera, mientras Roy le canta suavemente: "Bella mujer, detente un momento, charla conmigo un rato, dame tu sonrisa."

0178 Where Did Our Love Go - The Supremes

0179 Where Did Our Love Go - The Supremes

El grupo estadounidense The Supremes grabo bajo el sello Motown la canción Where Did Our Love Go en el año 1964.

La producción fue hecha por Holland-Dozier-Holland, y fue el primer sencillo del grupo The Supremes en alcanzar el número 1 de la lista de singles pop de Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, y la canción Where Did Our Love Go se mantuvo durante dos semanas en esa posición, en el año 1964, también es una de las cinco canciones de la banda en llegar al puesto número 1.

Si hablamos de estadísticas la versión de esta canción hecha por The Supremes ocupa el puesto 475 en las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone, y la lista Billboard ha rankeado la canción en el puesto número 4 en su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. La BBC clasificó a Where Did Our Love Go en el puesto 59 en la lista The Top 100 Digital Motown Chart, que clasifica los lanzamientos de Motown por sus descargas y transmisiones de todos los tiempos en el Reino Unido.

Where Did Our Love Go fue lanzado como sencillo el 17 de junio de 1964 y entró en el Hot 100 en el puesto 77. Seis semanas después, mientras The Supremes estaban de gira como parte de American Bandstand Caravan of Stars de Dick Clark, la canción llegó al puesto número 1 durante dos semanas, pasando un total de 9 semanas en el Billboard Top Ten. Las chicas The Supremes comenzaron su recorrido al final de la lista, pero al finalizar la gira, estaban en la cima de los rankings. Interpretaron la canción en el programa de variedades de NBC, Hullabaloo! el martes 26 de enero de 1965, otra curiosidad de la canción, es que la canción se transmitió a los astronautas que orbitaban la Tierra en agosto de 1965 durante la misión Gemini 5.

Daniel

Instagram Storyboy

La música en historias: Veo, veo... mamoneo!! #MesRosendo

 

Veo, veo... mamoneo!!, Rosendo

     Si buscamos la palabra Picaporte en el diccionario, éste nos da dos definiciones, la primera nos dice que se trata de un dispositivo que se utiliza para abrir o cerrar una puerta o una ventana, que consiste en una pieza larga de hierro sujeta a la puerta o ventana, con una palanca para accionarla, que encaja en otra pieza que hay en el marco. La segunda definición nos dice que se trata de una palanca para abrir este dispositivo. ¿Por qué empiezo esta reseña hablando de esta palabra?, pues porque no es nada usual ni frecuente encontrarla insertada en la letra de una canción, y menos todavía si esta es la primera palabra que escuchas al poner el álbum. Pues Rosendo lo tuvo claro en su momento, y Picaporte no sólo es la primera palabra que abre la canción Masculino singular, también es la primera palabra que sale de su boca en éste disco. Sólo un genio como Rosendo es capaz de usar esta palabra tan poco usual, colocarla en un sitio tan estratégico, y además darle sentido.

      Para la grabación de su decimocuarto álbum de estudio en solitario, Veo, veo... mamoneo!!, Rosendo se marcha acompañado de Rafa J. Vegas (bajo) y Mariano Montero (batería y percusión)  a los estudios Du Manoir, situado en la pintoresca región de Las Landas en Francia. El disco es producido por Eugenio Muñoz, el integrante del grupo a la sombra, masterizado en Londres y publicado en 2002 bajo el sello discográfico DRO East West. El resultado de tanto empeño tanto de la productora como del artista es un disco impecable en cuanto a sonido y producción, con unas guitarras afiladas, y donde el formato de power trío consigue un sonido más crudo y directo, algo que se será de agradecer en directo.

 En este disco Rosendo, vuelve a mostrarse crítico y a denunciar temas del devenir diario de la gente normal, como el malestar de ver como se van deteriorando el medio y las relaciones humanas. y es que Rosendo es sinónimo de inconformismo, no en vano el mismo es la viva imagen de una generación desencantada, hecho que ha forjado su espíritu crítico.

     Nos encontramos con temas 10 temas marca de la casa, con unas letras que, como siempre, juegan a despistarnos con sus dobles sentidos. Abre el disco Masculino singular, donde la palabra picaporte cobra un inusual sentido. Estamos, en mi opinión, ante uno de los mejores temas que podemos encontrar en la carrera en solitario del Maestro de Carabanchel; En Que te acompañe la suerte, Rosendo hasta se atreve a con el Reggae, música por la que siente un profundo respeto; Quincalla, o no!, tema donde podemos disfrutar del excelente trabajo al bajo de Rafa J.Vegas; Para nada, otro de los momentos culminantes del disco, un tema lleno de energía y fuerza. Y es que Rosendo en este tema le da un toque más duro con con la guitarra al tema, lo que le da un plus de energía y fuerza a un tema que interpretado en directo gana más si cabe; Sufrido, tema que cierra la cara A y que es uno de los temas que más suele repetir el músico en los directos.

 

   Empieza la cara B con Para cuando desatino, una de las dos baladas del disco. Rosendo se atreve nada meno que con dos. Con el paso de los años ha empezado a sentirse a gusto con su voz y ha perdido el miedo a mostrarla sin el habitual acompañamiento de la potente instrumentación y guitarras afiladas; Veo, veo... mamoneo!!, tema que da título al disco; Entre dientes, donde los instrumentos van entrando uno por uno, primero la batería, luego el bajo y por último la guitarra; Ven y ve, muy destacable el cambio de ritmo cuando entra el repetitivo estribillo con un pesado y repetitivo también riff de guitarra; Todo lo que sigue, segunda balada y tema que sirve para cerrar un álbum que se vio recompensado en su momento con un disco de oro. 

     Rosendo repite en este disco la fórmula de trabajos anteriores, unas letras inconformistas que juegan al despiste con rimas curiosas y dobles sentidos, y donde cada cual, al escuchar, interpretará a su manera el sentido de las mismas. En cuanto al sonido, Rosendo rescata la fórmula del power trío, prescindiendo de lo teclados de discos anteriores. Un sonido más duro para unas letras más críticas si cabe que en trabajos anteriores.

0177 Baby Love - The Supremes

 

Baby Love, The Supremes

     El 31 de agosto de 1964, el sello discográfico Motown, publica el segundo álbum de estudio del grupo vocal femenino de soul, doo-wop y R&B The Supremes, titulado Where Did Our Love Go. En el disco fueron incluidos varios sencillos y caras B del grupo que habían sido lanzados durante 1963 y 1964. El grupo estaba compuesto en aquel momento por Diana Ross, Florence Ballard y Mary Wilson.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Baby Love. La canción fue grabada en el estudio A de Hitsville USA en sesión de grabación el 13 de agosto de 1964, y posteriormente a su lanzamiento en el álbum fue lanzada como sencillo el 17 de septiembre de 1964. Baby Love obtuvo un rotundo éxito, alcanzando el puesto número uno en la lista estadounidense Billboard Pop Singles desde el 25 de octubre hasta el 21 de noviembre de 1964. En 1965 la canción fue nominada al premio Grammy a la Mejor Canción de R&B, pero perdió ante How Glad I Am de Nancy Wilson. El tema fue considerado como uno de los temas más populares del siglo XX, y la revista Rolling Stone lo situó en el puesto número 324 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El tema fue reeditado 10 años después, en 1974, en Gran Bretaña, alcanzando el puesto número 12 en el Reino Unido.

Baby Love fue escrito y producido por el equipo de producción principal del sello Motown, Eddie Holland - Lamont Dozier - Brian Holland. La temática del tema es simple, Diana Ross nos relata lo mucho que ama al chico que la acaba de dejar y con el que le gustaría volver. Según Dozier, para escribir el tema se basó en su primer amor, el cual nunca superó. Muchas de las canciones que Dozier escribió para el sello Motown se inspiraron en aquel primer amor.

La música en historias: Yakety Sax y El Show de Benny Hill

 

Yakety Sax, Boots Randolph

     Los que tenemos cierta edad recordamos la mítica serie de comedia británica The Show Te Benny Hill, protagonizada por Benny Hill, el famoso comediante, actor, cantante, compositor y escrtor inglés. Dicho programa, realizado en formato de comedia, era una mezcla de payasadas, burlesque y humor de doble sentido. El Show de Benny Hill, como se conocía en España, se emitió en diferentes formas entre el año 1955 y 1989, alcanzando una gran popularidad mundial, llegando a más de 140 países durante su larga etapa. Basta comentar que fue uno de los programas más vistos en el Reino Unido llegando a alcanzar una audiencia de más de 21 millones de espectadores en 1971.

El Show de Benny Hill no se entiende ni concibe sin esa yá mítica música de saxofón que solía sonar en algunas escenas y que además era el tema musical de cierre del programa. El tema utilizado en el programa es Yakety Sax y fue compuesto por James Q. "Spider" Rich y Boots Randolph, famoso saxofonista que fue una pieza importante para el llamado Sonido de Nashville, como se conoció a un subgénero de la música country estadounidense que se originó a mediados de la década de los años 50. 

La composición incluye elementos de violín y fue escrita originalmente para el show de un local llamado "The Armory" en Hopkinsville, Kentucky (Estados Unidos). El tema también contiene un compás de la marcha militar "La entrada de los gladiadores" (1897) de Julius Fučík. Para la parte del saxofón, Randolph se inspiró en el sólo de saxofón del tema Yakety Yak, compuesto por la mítica pareja Jerry Lieber y Mike Stoller y grabada en 1958 por el grupo vocal estadounidense de R&B y rock & roll The Coasters, de ahí la similitud de ambas melodías. Randolph grabó por primera vez Yakety Sax en 1958 bajo el sello discográfico RCA Victor como cara B de un single donde la cara A fue el tema Percolator, pero habría de esperar hasta el año 1963 para alcanzar el éxito con este tema, cuando lo graba otra vez, esta vez para el sello discográfico Monument Records.

0176.- Fly me to the moon - Frank Sinatra

 

Tiempo para uno de los clásicos de la voz, y sin duda cada uno de nosotros identificamos esta canción con Frank Sinatra, pero la realidad es que la canción fue escrita en 1954 por Bart Howard que según explicó, la escribió en tan sólo 20 minutos y fue cantada por primera vez en cabarets y grabada por Felicia Sanders en 1959, titulada originalmente "In Other Words". Pero todo el mundo conocía ese tema por "Fly me to the Moon" ya que es la frase con la que comienza el tema y tal fue la popularidad que transcurridos algunos años los editores cambiaron el título oficialmente. A partir de esta grabación la canción fue teniendo diferentes momentos en base a las interpretaciones que hicieron de ella distintos artistas, pero la verdadera popularidad del tema llegó cuando en 1964 la grabó Frank Sinatra para el álbum It Might as Well Be Swing que editó con el pianista de jazz Count Basie en una versión arreglada por Quincy Jones, donde el productor aceleró el ritmo del tema original y le dio un ritmo swing. Este Fly Me to the Moon de Sinatra se editaba en un momento álgido de la carrera espacial entre los Estados Unidos y la URSS, un contexto que, a raíz de la referencia de la llegada a la luna de su título, hizo que la canción quedó asociada a las misiones Apolo. Pero la vinculación de Fly Me to the Moon va más allá de la mera referencia temática de la pieza. Y es que esta canción tiene el honor de ser la primera cancion que sonó a la luna aquel 20 de julio de 1969 cuando el módulo del Apolo 11 llegó el Mar de la Tranquilidad. Así lo explicó Buzz Aldrin, el piloto que acompañaba Neil Armstrong en la misión, a Quincy Jones en 1987 en una fiesta donde coincidieron ambos. El astronauta, sabiendo que él había sido el productor de la versión de Frank Sinatra, le explicó que cuando ya estaban sobre la superficie de la luna, decidió coger el cassette que se había llevado con esta canción y hacerlo sonar.

 

Fly Me To The Moon nos habla de cómo lo relacionado con la persona que amas es lo que anhelas, veneras y adoras, y es normal porque cada vez que toma su mano le lleva volando a la Luna haciendo que le llene el corazón de música. La música empieza con ritmo de percusión y unas notas de piano que dan paso a la voz de perfecta dicción y entonación musical con la flauta que remata los versos. Al final de la primera estrofa entra la sección de viento con el saxo y las trompetas con sordina haciendo un interludio musical sublime. Y el final es una explosión musical que termina de la forma más dulce y suave.

Disco de la semana 231: A Rush of Blood to the Head - Coldplay

¿Alguna vez has pensado por qué odiamos a Coldplay? Mucha gente desprecia a la banda ... a pesar de que han hecho una música increíble, repasar sus primeros cuatro álbumes y dime que al menos son buenos. Hoy vamos a repasar a uno de estos cuatro: A Rush of Blood to the Head, uno de mis favoritos. Después de haber creado un disco íntimo con un sonido cálido e introspectivo, el cual los puso en el mapa musical, Coldplay regresó al estudio, desempolvó sus discos de Radiohead y de Pink Floyd, bucearon en ellos y crearon un disco con un sonido monumental y grandilocuente. Y de paso, empezaron el dominio mundial en su estilo musical. En términos generales, A Rush of Blood to the Head, podría describir como un álbum de rock alternativo que juta estilos tan dispares como el britpop y el rock progresivo, creando una atmósfera sumamente melódica que a veces es etérea y otras veces es fría y un poco oscura.

 

Abrimos con una de mis intros favoritas de un álbum con “Politik”. Es explosivo y crea el ambiente instantáneamente, este álbum va a ser muy diferente a Parachutes y estoy totalmente de acuerdo. Esos golpes de guitarra que abren la canción, te despiertan y te ponen la espalda al borde, suenan increíbles y lo consideraría la declaración principal de Martin, que nos dice que nos despertemos y miremos a nuestro alrededor y comprobemos el estado en el que se encuentra el mundo. Esta canción fue escrita poco después de los ataques del 11 de septiembre, esta es una canción sobre esos ataques y sobre cómo nosotros, como sociedad, podemos avanzar y reconstruir después, cómo podemos abrir los ojos y ver el mundo por lo que es, un desastre. La canción en sí misma es absolutamente hermosa y grandiosa después de la intro sigue una parte bastante deprimente y baja, pero termina en este grandioso solo de piano y guitarra similar a cómo comenzó la canción, pero ahora se siente mucho más positivo, mucho más edificante, se ha restaurado la esperanza. "In My Place" es simplemente hermosa o, maravillosamente simple, funciona en ambos sentidos. Si bien no hay una sola nota inesperada, no falta nada en esta canción, aparentemente la culminación de los esfuerzos de los discos anteriores de Coldplay, el sencillo y hermoso toque de guitarra de Jonny Buckland gira en torno a la rica y distintiva voz de Chris Martin, una voz que combina la duda y la dominación del mundo. Se respira la esperanza en la mayoría de las canciones de este álbum, aparte de un par, a las que llegaré. 

Canciones como "God Put a Smile Upon Your Face" son canciones que comienzan de forma poco esperanzadora, pero terminan con una nota positiva, me encanta el flujo y reflujo de la música, ese ritmo contundente, el riff de guitarra de cuatro notas invertido y luego la duplicación de las guitarras que disfrutamos más adelante en la canción… y la voz, otro de los fuertes de este tema. "The Scientist" es otra de las canciones que justifican un álbum, una canción que estoy seguro de que la mayoría de vosotros ya habéis escuchado, de hecho, es uno de los mayores éxitos de Coldplay, pero el tema de la canción es realmente increíblemente deprimente. Es una canción sobre un científico y su esposa, donde ella se sentía abandonada por él debido a su trabajo, al final su esposa muere y el científico se queda cantando sobre ella, y lo que debería y podría haber con ella durante su vida. "Clocks" es una prueba de cómo un buen riff no hace una canción clásica. Es una gran canción, pero ... desafortunadamente exagerada, no puede igualar la intensidad emocional de "The Scientist" y en cambio en la sabiduría popular es quizás la canción que más gusta del álbum. Este es el tema que tocaran en todos sus conciertos durante el resto de su carrera, y dentro de 20 años, si le preguntas a alguien sobre Coldplay, es probable que lo primero que le venga a la cabeza sea Clocks. Debo confesar que cuando escuché por primera vez la introducción al piano de esta canción quedé absolutamente deslumbrado. Tan simple, casi como palillos, pero mucho más profundos a medida que las notas se vuelven más intrincadas y concéntricas.

 

"Daylight", empieza muy bien y suena demasiado a "Dios puso una sonrisa en tu cara", acelera el tempo y trae uno de los motivos instrumentales favoritos en el álbum con su melodía ascendente de guitarra eléctrica / orquestal doblada. “Green Eyes” es una balada muy simple pero innegablemente buena. Sí, la letra puede parecer cursi para algunos, pero ¿alguna vez has escrito una canción de amor? ¿tan buena como esta? No, así que muestra algo de respeto y piensa antes de hablar. “Warning Sign” tiene una agradable sensación suave y una melodía memorable. "A Whisper" tiene la introducción más difícil del álbum y aporta algo de oscuridad al álbum, pero a la canción le falta algo, no es para nada redonda. “A Rush Of Blood To The Head” comienza lenta, pero se convierte en una gran melodía. Gran sentimiento y una guitarra muy agradable que agrega atmósfera. "Amsterdam" es una balada de piano arrastrando las palabras para mí la mejor canción de la segunda mitad del álbum, pero tampoco brilla a gran altura aunque es el final perfecto para un gran álbum. El amor nos libera, si es otra persona o simplemente nos amamos a nosotros mismos, podemos escapar de nuestros dolores y, en última instancia, finalmente escapar de nuestros dolores y ser felices, estar contentos.

0175: It ain't me baby - Bob Dylan

 

"No soy yo, cariño" (It Ain't Me Babe) cantaba Bob Dylan en una de las canciones más celebradas de su cuarto disco, "Another side of Bob Dylan", lanzado en 1964 por Columbia Records. Dylan le cantaba a una chica (su ex novia Suze Rotolo según los más expertos "Dylanólogos"), a la que aconsejaba que buscara al hombre ideal en otra dirección, porque el la acabaría defraudando, en una canción intensa y emotiva que ni mucho menos defraudó a los seguidores del cantante de Minnesota.

Todo lo contrario, tan sólo un año después de su lanzamiento, It Ain't me, babe ya contaba con dos versiones de grupos como The Turtles o The Byrds. No serían las únicas versiones casi inmediatas, ya que el mismísimo Johnny Cash grabó la canción en 1965 para el disco Orange Blossom Special, a dúo con June Carter, que después se convertiría en su esposa.

Fue también versionada por Joan Baez e incluida en su álbum Joan Baez / 5, y la interpretó junto al propio Dylan en el Festival Folk de Newport el 24 de julio de 1964, en una versión también histórica, que nos sirve para cerrar el círculo y volver al artista que compuso la canción. Ese que decía no ser él, pero que fue el artífice de tantas y tantas grandes canciones, entre las que sin duda se encontrará siempre It Ain't Me Babe.

0174: My back pages - Bob Dylan

 

Nadie esperaba a finales del verano de 1964 que el siguiente álbum de Bob Dylan supondría un cambio tan radical en la temática de sus canciones después del marcadamente político The Times They Are A-Changing. Los movimientos de izquierda veían en Dylan uno de sus mayores divulgadores de sus ideas e incluso llegaron a apoyar su llegada a la música pero la publicación de Another Side of Bob Dylan les dejo completamente descolocados, ¿Dónde había quedado el mensaje? ¿Dónde estaba la protesta que tan bien había clamado en los anteriores discos? ¿Qué hace cantando al amor y a los sentimientos? La publicación de este álbum fue sin duda un salto al vacío mucho más arriesgado que el mero recurso estilístico de incluir una guitarra eléctrica. Puede que al electrificarse después gran parte de su público se sintiera traicionado, pero con Another Side Of Bob Dylan se arriesgaba a perder el apoyo de toda la maquinaria de izquierdas que lo había encumbrado a la fama. Las canciones del álbum fueron compuestas en distintos puntos de los Estados Unidos y Europa, especialmente en Italia y Grecia. A la vuelta, Columbia Records quería un nuevo álbum en cuanto fuera posible y Dylan les complació bastándose de seis horas en el estudio para registrar tan magna obra en la noche del 9 de junio de 1964. En varias ocasiones se escucha a Dylan sonreír mientras interpreta los temas y esa espontaneidad unida a la crudeza de la grabación sin retoque alguno es para mí uno de los principales encantos del álbum.

Hemos elegido My Back Pages porque es sin duda la canción que mejor refleja la tajante ruptura con la izquierda de la que ya hemos hablado, era la expresión del más grande cantante de protesta de los 60's dejando la política atrás mediante una balada que alterna sabiduría y desprecio en la que Dylan recuerda sus días como activista político y se toma el pelo a sí mismo acerca de su pasada seriedad en el coro de la canción: "Era mucho más viejo entonces, Ahora soy más joven". La canción guarda una línea melódica similar a la de The Lonesome Death Of Hattie Carroll y, según varios biógrafos, nació cuando Dylan recibió el premio Tom Paine por parte del Comité de Emergencia de las Libertades Civiles. Algo ebrio pronunció un discurso sin pelos en la lengua en el que arremetía ante una audiencia avejentada, el discurso de Dylan esa noche no fue lo que Estados Unidos esperaba. En un monólogo breve, incoherente y sin guión, el joven cantante de folk se refirió a Woody Guthrie, Lee Harvey Oswald, la raza, la calvicie y los extraños obsequios que recibió de los fanáticos. Dylan incluso sugirió que los jóvenes de la audiencia estarían mejor en otro lugar. “Estoy orgulloso de ser joven. Y sólo deseo que todos los que están sentados aquí hoy o esta noche no estuvieran aquí”, dijo Dylan. “Porque ustedes deberían estar en la playa. Debes estar ahí afuera, debes estar en la playa y debes estar simplemente relajándote en el tiempo que tienes para relajarte ".

Nunca podremos decir a ciencia cierta que quería decir Dylan con esta canción, aunque todas las interpretaciones apuntan a que se refería al abandono de las certezas de la juventud en blanco y negro por un pensamiento más maduro plagado de grises. Dylan habla además de esas verdades inamovibles que el pensamiento político da al militante (ya sea de izquierdas o derechas) abogando por un pensamiento propio que nazca de uno mismo sin intervención de nadie ajeno que lo guíe. Una canción cuya enseñanza debería ser obligatoria en las escuelas.

“Un prejuicio atormentado a medias me afloró: "destruye todo odio", grité

Mentiras como que la vida es en blanco y negro salieron de mi cráneo, 

soñé hechos románticos de mosqueteros que calaron en mi de algún modo

Ah, pero era mucho más viejo entonces, ahora soy más joven”