Canciones escondidas: Mistakes & Regrets - ...And You Will Know Us by the Trail of Dead. (1999)

 

El dúo conocido como "You Will Know Us by the Trail of Dead" se formó en 1994 y estaba compuesto por los multiinstrumentistas Jason Reece y Conrad Keely, los dos se conocieron mientras vivían en Hawái, donde Reece se había hecho un nombre al ganar el primer premio en un concurso local de baterista. Poco después, Reece y Keely se mudaron al semillero indie de Olympia, Washington, buscando abrirse camino en la música y después de una serie de resultados decepcionantes, la pareja rápidamente se hartó del noroeste estadounidense y optó por mudarse una vez más a Austin, Texas y comenzar a trabajar en su propio proyecto. Con el tiempo, el guitarrista y amigo de la banda, notoriamente experto en negocios, Kevin Allen, fue reclutado, así como el bajista Neil Busch y el "...And" se agregó a su ahora famoso apodo. Así, nació ...And You Will Know Us by the Trail of Dead. El grupo pronto se volvió legendario en todo Austin por sus sets en vivo viriles y anárquicos que tenían una gran tendencia a terminar en un caos total. A principios de 1998, tras el éxito de la edición de un casete en directo en el sello local Garden Hour, ...Trail of Dead publicó su debut homónimo en Trance Syndicate Records con una recepción crítica mixta. Sin embargo, el disco impactó en la escena indie de Austin como una onda expansiva y trajo consigo la canción "Richter Scale Madness", que sigue siendo una de las favoritas de los fans incluso hoy en día. En 1999, tras el colapso de Trance Syndicate, Trail of Dead se trasladó a Merge Records para la grabación de Madonna, que, aunque no supuso un alejamiento total de su anterior trabajo art-rock basado en el noise, silenció muchas dudas sobre la capacidad de la banda para hacer algo más viable comercialmente. Sin embargo, el mayor salto en el éxito de la banda no llegó hasta 2001, cuando fueron fichados por Interscope Records y lanzaron su álbum más aclamado por la crítica y ampliamente aceptado hasta la fecha, Source Tags & Codes, en cambio Worlds Apart fue recibido con mucha controversia por los retrasos, ventas mediocres a pesar de la gran aclamación de la crítica y una reacción negativa de los fanáticos por el cambio drástico de dirección.

Nos detenemos en su segundo álbum, Madonna, un trabajo más pulido que su destacado debut, después de una breve pista de introducción, la banda comienza una serie de cuatro canciones absolutamente impresionantes. "Mistakes and Regrets" comienza con una introducción lenta y pesada en el bajo, que gradualmente introduce instrumentos, incluido el murmullo de Conrad Keely, y luego explota en la canción principal, lo que conduce a una tremenda apertura del álbum. Tambien mencionaremos las 3 sigueintes, la punk "Totally Natural", "Blight Takes All" con la voz áspera de Jason Reece cantando sobre un fondo instrumental épico abierto por una batería impecable y la última pista de esta serie es la lenta y hermosa "Clair De Lune", con un fondo de intrincada ejecución de guitarra y una avalancha de redobles de batería bien ensayados. Es en este punto cuando te das cuenta de que esta es una banda que suena mucho más segura que en su primer disco, sin perder nada de la actitud punk que lo puntuaba. En cambio, está más centrado, con los valores de producción mejorados que realzan las partes instrumentales y las hacen sonar un poco más limpias, lo que lleva a un asalto auditivo agradable. El álbum no alcanza los impecables puntos altos de las primeras cuatro canciones de manera constante después de este punto, pero hay momentos, "Mark David Chapman" es una oda al poder que tiene la música en la vida de las personas, con una comparación con el efecto que tuvieron personas como John Lennon en la vida de las personas en comparación con su asesino Mark David Chapman con un acompañamiento al estilo de Sonic Youth, una banda que claramente ha influenciado a ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead. Madonna es un álbum en el que la banda dejó de lado muchas de las indulgencias que hicieron que partes de su debut fueran bastante aburridas y produjo un esfuerzo más centrado y más duro, que definiría a la banda y los convertiría en una de las bandas más prometedoras y prometedoras de finales de los 90. De entre todas las canciones resaltamos con la que abre el álbum, "Mistakes & Regrets" que establece un estándar bastante alto para el resto del álbum y, de alguna manera, la banda nunca baja el ritmo, pero nunca llega a superar este tema.

Canciones escondidas: Pale Movie - Saint Etienne (1994)

Saint Etienne es un trío de indie dance/indie pop que se formó en Croydon, Inglaterra, en 1990, fue fundada por el periodista Bob Stanley y Pete Wiggs en Croydon, Reino Unido, en enero de 1990. Después de grabar 2 sencillos con cantantes invitados, Sarah Cracknell se unió como miembro de pleno derecho. La banda lleva el nombre de un equipo de fútbol francés. El concepto del trío era fusionar los sonidos pop británicos de los años 60 en Londres con los ritmos y producciones de club/dance que definieron la Inglaterra post-acid house de principios de los 90, el grupo logró llevar a cabo su concepto y, en el proceso, Saint Etienne ayudó a hacer del indie dance un género visible dentro del Reino Unido. A lo largo de los primeros años de los 90, Saint Etienne acumuló una serie de sencillos de éxito indie que estaban impulsados por ritmos de club profundos, que abarcaban desde house y techno hasta hip-hop y disco, y superpuestos con melodías ligeras, producciones detalladas, letras inteligentes y la voz entrecortada de Cracknell. Revivieron los sonidos del swing londinense, así como el concepto del sencillo pop de tres minutos como pieza pegadiza y efímera para el oído, en la Gran Bretaña post-acid house, sentando así las bases para el brit-pop. Aunque la mayoría de las bandas de brit-pop rechazaron las inclinaciones bailables de Saint Etienne, adoptaron la estética del trío, que celebraba el sonido y el estilo del pop clásico de los 60.

En 1994 publicaron Tiger Bay su tercer album que marcó el comienzo de un St Etienne con un sonido más maduro; habían desaparecido los europopismos exagerados de temas como "You're In A Bad Way" para ser reemplazados por algo mucho más considerado y artístico. Detrás del exterior chicle de la cantante principal Sarah Cracknell, todas boas de plumas y aliento a chardonnay, se encontraban Bob Stanley, Pete Wiggs e Ian Catt haciendo música pop británica muy sofisticada y muy seria, que encajó gloriosamente en este álbum. Decidieron alejarse del sampling que habían usado en álbumes anteriores y por primera vez colaboraron con otros artistas. Este album cuestionó lo que significaba ser Saint Etienne cuando las cosas llegaron a un punto crítico, los gustos y las culturas en las que se hicieron sus primeros dos álbumes estaban cambiando, y Saint Etienne quería cambiar con los tiempos, Tiger Bay revela un enfoque más íntimo de su composición de canciones al tiempo que incluye un par de sencillos pop impactantes por si acaso (ninguno de los cuales tuvo demasiado éxito). Desafortunadamente, este álbum también marcó una era de inestabilidad para el trío, ya que Sarah Cracknell finalmente se desanimó un poco y se fue a probar suerte con un disco en solitario

De este álbum me gusta mucho Pale Movie una delicatesen que nos sumerge en un universo cinematográfico teñido de nostalgia y melancolía. La banda británica, conocida por sus letras evocadoras y melodías pop con tintes cinematográficos, logra con esta canción crear una atmósfera perfecta creando una pintura sonora de recuerdos desvanecidos. Ademas la música es una suave pincelada que evoca imágenes en blanco y negro, escenas de películas antiguas y momentos capturados en celuloide. Los arreglos delicados, con un piano melancólico como protagonista, se entrelazan con la voz etérea de Sarah Cracknell, creando una atmósfera onírica y evocadora. La letra es poética y llena de referencias cinematográficas y nos invita a un viaje introspectivo a través de recuerdos y emociones. La imagen de una "pale movie" (Esta frase central se refiere a una película antigua, descolorida y borrosa que simboliza los recuerdos que se desvanecen con el paso del tiempo y la dificultad de aferrarse a momentos pasados.) nos habla de momentos fugaces, de historias que se desvanecen con el tiempo, y de la nostalgia que sentimos por un pasado que ya no existe. Si te gusta el pop melancólico y atmosférico la música de Saint Etienne es perfecta para ti.

Canciones escondidas: Smoke Signals - Phoebe Bridgers (2017)

Phoebe Bridgers nació el 17 de Agosto de 1994 en Pasadena, California. Comenzó a cantar a una edad temprana y se unió a bandas en la escuela secundaria. Después de conocer al cantautor Ryan Adams cuando tenía 20 años, lanzó "Killer", su primer sencillo, en 2015. Su álbum debut, "Stranger in the Alps", llegó en 2017 y alcanzó el puesto número 82 en el Billboard 200. Su segundo álbum, "Punisher", llegó en 2020 y alcanzó el puesto número 43. Entre sus dos primeros álbumes, formó la banda Boygenius con Lucy Dacus y Julien Baker, lanzando su EP debut homónimo en 2018; alcanzó el puesto número 4. Además de ser un tercio del supergrupo, Bridgers también ha tenido otras colaboraciones importantes, incluida "Nothing New (Taylor's Version)" (From the Vault) en 2021 y "Ghost in the Machine" con SZA en 2022. Ha recibido múltiples nominaciones a los premios Grammy, entre ellas, mejor artista nuevo, mejor canción de rock por "Kyoto" y mejor álbum alternativo por "Punisher".

Stranger in the Alps es el álbum debut de Phoebe Bridgers y desde la portada del álbum hasta la música misma, hay un cierto espíritu inquietante. Para grabar las voces del álbum, Bridgers apagó todas las luces del estudio y cantó en la oscuridad. “Cuando puedes ver a todos mirándote, es una experiencia diferente a cantar para ti mismo”, explicó más tarde. Entre las canciones que relatan su relación con un hombre mayor y abusivo y cómo la reciente muerte de sus íconos afectó su salud mental, es fácil entender las motivaciones de Bridgers para no querer mirar a nadie mientras canta. Este sentimiento es pertinente a todos los temas de Strange in the Alps, un álbum con letras tristes endulzadas por la ligereza de sus canturreos. Pero incluso dentro de la atmósfera sombría y melancólica del LP, todavía se pueden ver puntos de luz aquí y allá, el sentido del humor de Brigers brillando a través de sus versos confesionales y referencias culturales sobre arreglos folk e indie-rock. La ira y la ferocidad en gran parte de la composición de Stranger in the Alps llegan transformadas, alquimizadas en calma por la dulce entrega de Brigers. El álbum reúne fragmentos de su vida como una entonces cantante emergente en la escena de Los Ángeles, alguien que dio oportunidad a diferentes caminos hasta encontrar el correcto. Al mismo tiempo, muchas de las canciones de Stranger in the Alps tratan sobre estar conscientemente enamorado de la persona equivocada y permanecer en esas malditas relaciones por una razón u otra. Estas contemplaciones se ponen en perspectiva a través de una vision muy morbosa: cada canción del álbum tiene la palabra muerte o palabras relacionadas con ella. Esta atmósfera sombría sugiere a Bridgers en un dormitorio oscuro con solo una guitarra, insomnio y pensamientos como compañía, mirando su calle desierta a través de la ventana en las primeras horas de la madrugada.

En el primer tema, Smoke Signals, establece el tono de inmediato, mezclando guitarras limpias envueltas en ecos con el brillo suave de las cuerdas sinfónicas que suenan como si vinieran directamente de Vespertine. Desde el primer segundo la melodía triste y agotadora llega a los oídos, la mezcla de tristeza y belleza es embriagadora. Bridgers canta sobre una relación desconectada mientras explica el impacto que tuvieron en ella las muertes de los ídolos David Bowie y Lemmy de Motörhead. En una frase de 10 segundos, Phoebe Bridgers desata una ola de dolor y ansiedad que había encerrado durante casi dos años, muchos hemos experimentado el dolor antes de personas mucho más cercanas que fallecen a las megaestrellas, pero también ocurre que cuando falta alguien famoso que de una manera u otra te ha acompañado en tu vida el mundo se desconecta y no puedes evitar sentir que una parte de ti muere con él. ¿Hiperbole? Tal vez. Pero esto que expresa Phoebe son sentimientos reales, sentimientos profundos que quizás los entierras rápidamente para no mirar demasiado de cerca un futuro solitario. Smoke Signals ayudó a reconectar las partes rotas ocultas y a enfrentar verdades incómodas, confundiendo para siempre la experiencia de su sonido con mi recuerdo de la música. Existe en mi mente como una densa losa interconectada de emoción catártica, tanto buena como mala, algo por lo que estaré eternamente agradecido. Pero, de nuevo, soy afortunado. Tengo a alguien que resuelve todos nuestros problemas mientras yo corro de copiloto. Acelerando porque, bueno, ya saben por qué. Sé que podemos volver a conectar el mundo, solo que puede que lleve un poco de tiempo.

Canciones escondidas: He Is Without His Guns - Marisa Anderson (2016)

Marisa Anderson es una trotamundos de corazón, tan curiosa como competente en su creatividad, sus piezas que tienen sus raíces en la música folk estadounidense, están inspiradas en técnicas de guitarra clásica del siglo XX y de África occidental y los resultados son reveladores. La composición de Anderson está indeleblemente ligada a su proceso de grabación, al ser su propia ingeniera, Anderson es capaz de desarrollar sus piezas mientras graba, pasando de una canción a otra según la inspiración. Después de pasar meses rumiando ideas musicales y conceptuales, improvisa horas de material que luego suele reducir a composiciones concisas y ricas en texturas. A medida que se desarrollaban las canciones, un estado de ánimo distintivo comienza a instalarse en la escucha con largas colas de reverberación, tonos más limpios y ritmos ligeramente rebotantes que evocaban el aire, el viento, la respiración y el cielo. Los temas siguieron evolucionando mientras graba, a medida que Anderson comienza a embellecer las piezas con una instrumentación variada, desde el trino de su teclado Wurtlitzer hasta los punteos staccato del requinto jarocho. El trabajo de guitarra solista de Marisa Anderson debe sus tonos familiares a su conocimiento de la historia y su dominio de su instrumento, pero es completamente nuevo. Marisa Anderson filtra la historia musical a través de sus propias experiencias personales, como viajera en la vida y en la música. Anderson, una intérprete curiosa y talentosa, ha pasado más de 35 años tocando para forjar su voz singular e instantáneamente reconocible creando espacios de esperanza frente a cualquier discordia, un santuario de sonido resplandeciente y diverso que brilla, un espejo del horizonte hacia el que mira. Anderson es capaz de evocar imágenes vívidas a través de su música, y en muchas ocasiones recurre a la experiencia personal para crear esas imágenes. Un gran ejemplo es la triste “Angel’s Rest”, un elogio a uno de los senderos favoritos de Anderson cerca de su casa de Portland, que fue devastada por un incendio en 2017 o “Sant Feliu de Guíxols” que evoca la belleza de la ciudad costera española, una canción tranquila y conscientemente feliz que surge de una conversación con un fan que acusó a Anderson de tocar solo canciones tristes. Anderson usa un slide e incorpora elementos microtonales en “Lament”, una pieza inspirada en imágenes de la crisis de refugiados sirios. El peso emocional palpable de estas piezas está invariablemente ligado a la capacidad de Anderson para crear imágenes tan vívidas con su composición, timbre y elecciones tonales.

Una buena manera de introducirse en el ambiente musical de Marisa es escuchar el álbum Into the light, Anderson crea una banda sonora imaginaria para un western de ciencia ficción, que para algunos podría evocar inmediatamente el thriller protagonizado por Kevin Costner Westworld, pero que aquí tiene la tranquilidad y la crudeza de Solaris ambientada en el desierto de Sonora. En él, grabó y tocó todos los instrumentos (guitarra, lap steel, pedal steel, piano eléctrico y percusión), lo que le da a sus canciones no solo capas, sino también personajes. Hay un acento celestial que sustenta el disco; está en las lánguidas ondas de acero de la canción principal o el blues polvoriento de "The Old Guard". Pero es en la segunda mitad de Into The Light donde Anderson hace lo que mejor sabe hacer: descubrir lo desconocido. Pero con más instrumentos a mano, estas improvisaciones se convierten en diálogos internos. "Chimes" hace lo que dice el título, pero con guitarra eléctrica y piano, volviendo a las cifras para tintinear en el viento perezoso. "House Of The Setting Sun" es un blues mareado, que siempre amenaza con levantar tierra como suele hacer Anderson, pero es derrotado por el calor abrasador. Las guitarras y el acero se filtran a través de "The Golden West" como arena suave antes de los créditos finales de "End Of The Night", una canción que imagina a nuestro protagonista apretando un poco más el chal mientras las estrellas le recuerdan al visitante su hogar.

Nos quedamos con "He Is Without His Guns" un instrumental que transmite la urgencia de un enfrentamiento, pero que parece pequeño en sus movimientos sombríos. Anderson describe el próximo Into The Light como una banda sonora imaginaria para un western de ciencia ficción. En él, grabó y tocó todos los instrumentos, extendiéndose más allá de sus raíces de blues y folk estadounidenses. Hay tres personajes distintos en "He Is Without His Guns", una guitarra de cuerdas de nailon ancla la melodía de inspiración flamenca mientras una guitarra acústica y otra no luchan por llevar la voz cantante, sino que tiran y tiran como si estuvieran bailando. Es como si el enfrentamiento épico de El bueno, el feo y el malo se hubiera reducido de la estridente partitura de Ennio Morricone para revelar una nota de tranquila desesperación.

Canciones escondidas: Water From A Vine Leaf - William Orbit (1993)

Si tuvieras que escuchar solo un álbum de William Orbit debería ser este Strange Cargo III, sin embargo, el disco más reconocible y el que más viaja de boca en boca es Pieces In A Modern Style al que se le etiqueta como su único álbum verdadero, pero sin el éxito de Strange Cargo III, puede que ni siquiera hubiera habido un Pieces In A Modern Style, vale, eso es exagerar. Orbit ya tenía una reputación en el mundo de los clubs a principio de los 90 como remezclador, proporcionando pinceladas para una variedad ecléctica de artistas (Prince, Nitzer Ebb, Erasure, Kraftwerk, Betty Boo, Peter Gabriel, Sven Väth, The Cure, The Shamen, The Human League, Madonna). También estaba publicando su música bajo distintos pseudonimos desde principios de los 80: synth-pop en el grupo Torch Song, house ravey del Reino Unido con Bassomatic. Sin embargo, William "Orbit" era el principal medio creativo de Wainwright, donde se entregaba artísticamente a la fusión de géneros ambient, pop, funk y cualquier otro que le atrajera en ese momento. Por lo tanto, Orbit no era un desconocido para los DJ de todo el mundo, en todo caso, eran bastante receptivos a cualquier música que produjera, aunque quizás con un oído cauteloso, ya que Orbit a menudo se movía entre las armas de club de elite y el material de crossover descarado. Sin embargo, cualquier recelo que los DJ pudieran haber tenido con el material anterior de Wainwright se apaciguó rápidamente cuando Water From A Vine Leaf se lanzó como el primer sencillo de Strange Cargo III, prácticamente una reintroducción de Orbit a toda una nueva generación de ravers y espectadores que no estaban familiarizados con su producción de los 80.

Water From A Vine Leaf se convirtió en un clásico instantáneo en los círculos de la música house balear y progresiva (los remixes de Spooky y Underworld ayudaron), y fue incluido en las listas de reproducción de los DJs más importantes de la escena e incluso fue elegida por la poderosa Virgin para su distribución, sería uno de los sencillos más exitosos de Orbit jamás lanzados bajo su propio nombre. Es una pista con mucho ritmo y una secuencia de notas hipnótica como base, la voz estuvo a cargo de Beth Orton, colaboradora frecuente de Will Orbit, su vívido diálogo sobre cuatro chicas jóvenes que le dan agua de una hoja de parra (simplemente dejándola caer sobre su lengua) la convirtió en una vocalista muy solicitada por los productores (Chemical Brothers se dieron cuenta). Los remixes realizados por Spooky fueron un gran éxito en las pistas de baile, May & Forbes despojaron la pista de sus sintetizadores y esqueleto eléctrico y dieron forma a dos trancers enérgicos. La versión de Xylem Flow es más enérgica, mientras que la versión de Acid Bath tiene tonos más sutiles. Las versiones de Underworld mantuvieron el tempo original y decidieron simplemente expandir las producciones de Orbit en dos grandes y deliciosas pistas etiquetadas como parte 1 y 2. La primera interpretación es esencialmente un gran refuerzo, el breakbeat se elimina a favor de un sólido four-on-the-floor, el bajo está mucho más acentuado y los paisajes sonoros son grandes y exuberantes. La segunda interpretación es lo opuesto a la primera, con una gran reducción ya que en la primera versión se reduce a sus paisajes sonoros y deja el ritmo a la mitad.

Es difícil superar un sencillo así, por lo que Orbit ni siquiera lo intenta, en su lugar pasa el resto de Strange Cargo III saltando de género en género y mezclando estilos de la época como solía hacer. Aparecen algunas melodías más progresivas ( Into The Paradise , The Story Of Light , A Touch Of The Night , Gringatcho Demento, completa con un solo de guitarra estridente), el proto trip-hop naturalmente tiene su lugar ( Time To Get Wize ; Best Friend, Paranoia)., aparecen indicios de su futuro flirteo con la música clásica moderna ( Harry Flowers , Water Babies ) y un poco de relax étnico-fusión ( A Hazy Shade Of Random , The Monkey King , Deus Ex Machina ). Strange Cargo III no es en absoluto un álbum perfecto, se arrastra con ciertos errores de Orbit en la segunda mitad, y algunas pistas han quedado anticuadas, pero, aun así, es mucho más interesante que gran parte de su trabajo y merece totalmente los elogios que recibió en su momento.

Canciones escondidas: Hercules and Love Affair - Blind (2008)

 

Andy Butler es la fuerza creativa de Hercules & Love Affair, comenzó su carrera musical como DJ a la temprana edad de quince años, trabajando en un 'leather bar' en Denver. A finales de la década de 1990, se mudó a la ciudad de Nueva York, EE. UU, donde conoció al músico Antony Hegarty (Antony and the Johnsons), y los dos se hicieron amigos, Butler se sumergió en la cultura de clubes de la ciudad de Nueva York, promoviendo fiestas y creando su propia música. El primer lanzamiento de Butler salió con el sello DFA, titulado "Classique/Roar" (2007), un esfuerzo conjunto con Tim Goldsworthy, con voces de Hegarty que tenían un sonido house temprano de Chicago. Luego, Butler lanzó el sencillo "Blind" en el Reino Unido en marzo de 2007, y la canción se convirtió rápidamente en un éxito. Después de haber entrado en el top 40 del Reino Unido, Pitchfork la nombró 'Mejor canción de 2008' y quedó en sexto lugar en la encuesta anual de Resident Advisor sobre las '30 mejores canciones del año'.

Nos detenemos ahora en Blind, lo primero que destaca es encontrar a Antony (de Antony and the Johnsons) cantando un melancólico tema de discoteca ligera con un fuerte atractivo radiofónico, en un principio puede chocar, fue criticado, pero en realidad la voz de Antony queda perfecta aquí, al diablo con los que odian, ella le da seriedad a una canción que podría haber sido ligera como una pluma, ella consigue transformala. Esta canción es bastante similar a otros lanzamientos de Hercules y Love Affairs sin la presencia Antony, y es una de sus pistas más bailable que podemos encontrar en el primer disco de la banda, pero quiero destacar esta canción, primero por la osadia de meter esa voz pero tambie porque aunque ha habido bandas de DFA como LCD Soundsystem y Rapture que han tenido mucha visibilidad con su sonido cruzado rock/disco durante años, quizás esta es la primera vez que el sonido más suave y groovy (y, sí, más gay) del nu-disco ha estado al alcance del público en general y es importante, porque los estilos musicales tienen alma, aunque no en la forma en que la mayoría de la gente usa la palabra. El alma del rock es la energía y la mentalidad sangrienta de la juventud, el alma de la música dance es el hedonismo inclusivo y la mente abierta. La música dance no solo trata sobre niños blancos drogados, cortes de pelo en forma de cuña, su alma es mucho más grande que eso, y si, 'Blind' es accesible, y eso no es pecado, significa que es inclusivo y de eso se trata la música dance. Y también descubrimos que es un gran tema emocionalmente, hace que los sentimientos del cantante parezcan épicos e intensos, lo cual también es importante porque no somos robots: necesitamos más que un ritmo para darnos ganas de bailar, la voz aquí existe para emocionarnos y excitarnos en los límites de las emociones humanas, y para hacer eso no puedes esconderte detrás de la moderación o la sutileza, necesitas el coraje para hacer todo lo posible. Pero esta no es la música dance del futuro, es la música dance del pasado ingeniosamente resucitada, laboriosamente cosida y brillante, es el monstruo de Frankenstein, si fuera hermoso y bailable y sirviera para el placer de tu fiesta. El análogo contemporáneo más cercano de este álbum no son, por lo tanto, discos de baile pioneros como Remedy o Discovery o incluso Sound of Silver: es el magistral pastiche de los Strokes, Is This It? . Al igual que ellos, Hercules y Love Affair anhelan audiblemente una era pasada, alcanzando su libertinaje prometido con cada frase y pose. Hercules and Love Affair es incansablemente escuchable (las canciones del grupo son demasiado buenas para ser clasificadas como tributos), pero aun así se define por la atracción inspiradora de una época dorada que ya pasó. Uno se pregunta qué sucedería si el grupo utilizara toda su energía, talento y poder para crear algo verdaderamente nuevo.

Canciones escondidas: Deadbeat Summer - Neon Indian (2009)

Neon Indian de Austin, sobrenombre del compositor electrónico Alan Palomo, creó un synth-pop retro-psicodélico plagado de todo tipo de efectos de sonido, imbuido de disonancias y sonidos encontrados, este era el arquetipo de las canciones de Palomo, que ocasionalmente podía acercarse al power-pop convencional, pero en su mayoría sonaba como una parodia del pop. Algunos lo aclamaron como el próximo fenómeno del electro-pop, y otros lo han criticado como una estridente pérdida de tiempo dentro de nuestra pequeña burbuja musical de apuntar y hacer clic. Asi que, para que el oyente de música normal se ponga al día tendremos que obviar el revuelo en la blogósfera en torno a Neon Indian, que fue lo suficientemente grande como para que engrandara parte del escepticismo que rodea al artista. Es cierto que Palomo toma prestadas cosas en gran medida del pop centrado en los sintetizadores de la era de los 80, al mismo tiempo que empapa su música en una neblina de baja fidelidad que oscurece algunos de los muchos sonidos que introduce. Y sí, Palomo es un miembro destacado del género creado por blogueros y con un título absurdo conocido como “chillwave”, junto con Washed Out, Memory Tapes y otros, todos los cuales se caracterizan por este discreto y brumoso estilo ochentero: sonido influenciado y con mucho sintetizador.

En 2009, Palomo publica Psychic Chasms una deliciosa tarta de canciones pop psicodélicas que resalta las mejores partes de las actitudes revivalistas nostálgicas y de baja fidelidad que se han vuelto tan frecuentes recientemente. A pesar de su carácter alucinante, es sorprendentemente accesible, identificable y, lo más importante, divertido. Palomo sabe cómo crear una canción pop: cada canción (menos los interludios) sigue una estructura rígida de estrofa-estribillo-estribillo-solo/coda-y viste sus pistas con suficientes sintetizadores deformados, ritmos bailables y ganchos pegadizos para que mantenga alto el valor de Psychic Chasms, los sintetizadores voladores, los estribillos melódicos abrasadores y el enfoque claramente colorido que, aunque se promociona ocasionalmente como un tributo al pastiche synthpop, no cae en un papel tan inútil. Este álbum es engañosamente infeliz, uno podría evaluar fácilmente las letras y comprender que el propósito de crear un conjunto compacto de melodías veraniegas para sentirse bien no era la intención. Lo que tenemos aquí es un glorioso mecanismo de defensa, el silenciamiento poético de las muestras y las imperfecciones empalagosas transmiten exactamente lo que es enfermizamente dulce (énfasis en enfermizo) del manifiesto chillwave en primer lugar. Palomo llegó a una oda perfecta a los tiempos en los que todo debería ser completamente cuadrado y la existencia debería ser una brisa sin esfuerzo, y todo parece estar perfectamente en su lugar, junto con la dura comprensión de que la vida tiene otros planes y puede lanzar golpes fácilmente, inesperadamente y sin razón. Esta es la conmemoración ciega de aquellos tiempos inquietantemente turbulentos, experimentados a través de los espectáculos color de rosa de la retrospectiva.

El momento destacado del álbum es “Deadbeat Summer” que deja claro lo que le espera al oyente con Psychic Chasms: conducción, ritmos de caja de ritmos, ritmo, sintetizadores pop, un poco de guitarra distorsionada, chirridos y pitidos de 8 bits, voces confusas y monótonas y, en general, sonidos de los 80 actualizado para el siglo XXI. A Deadbeat summer se le ha pegado “(AM)” que son 25 segundos de felicidad nostálgica que descienden en un caos que suena como el mal funcionamiento de una Super Nintendo, lo que lleva a “Summer”, que está liderado por su alegre riff de bajo, sus sintetizadores gorjeantes, efectos Atari salpicados y la música de Palomo, un zumbido relajado sobre su propio hastío un verano hace algún tiempo. Inmediatamente se establece el tono y se hace evidente de inmediato que este es un álbum que te hace sentir esos días de pereza de años pasados.

Canciones escondidas: Garden - Nicolas Jaar (2020)

Nicolás Jaar encabeza los festivales, sus álbumes siempre aparecen en las listas de los mejores del año en las revistas especialistas, ganó la Palma de Oro en Cannes 2015 por su banda sonora para Dheepan. ¿Cómo lo ha conseguido? La música de Jaar tiene un toque humano, una solidez, de la que carecen muchos de sus colegas, es rara pero nunca suena fabricada o robótica, no se trata de golpes y sacudidas, los instrumentos de cuerda y de viento son tan esenciales para él como los sintetizadores, su voz, cantada alternativamente en español e inglés, juega un papel central en su música, haciéndola accesible a los oyentes fuera del mundo de la IDM/electrónica. La discografía del productor chileno, desde su material en solitario hasta su trabajo con Darkside, y hasta su reciente producción en clubs como Against All Logic, es un diluvio de melancolía y tristeza, Jaar siempre ha pintado con pinceladas oscuras, estos "fragmentos negativos" que se abren paso a través de todo lo que ha hecho. Sería una gran tarea deshacerse de ellos por completo.

Hoy nos detenemos en su trabajo de 2020, puede no ser más duro que los discos anteriores de Jaar, pero sí es más profundo, es un disco sombrío y turbio, más para viajes en automóvil a altas horas de la noche que para escucharlo en un club, estamos ante un trabajo menos inmediato, menos contundente que álbumes como Sirens y Space Is Only Noise, no hay éxitos de pista de baile, solo dos temas son lo que estan impulsados por ese ritmo: "Mud" y "Faith Made of Silk" (y esos dos no son lo que llamaríamos "clubby"). El título del álbum es “Cenizas", en español, un álbum que prefiere flotar en el borde de las cosas, mareado y ambiental, balanceándonos sobre un abismo, pero nunca dejándonos caer en él. Hay una canción llamada "Rubble”, donde, encima de un solo de saxo, escuchamos el sonido de escombros reales cayendo, hay otra titulada "Mud”, donde Jaar canta, "And no one could hear / The cry from the ground", seguido de una triple repetición de "There's something in the mud". Su canto, aquí, tiene una calidad sumergida, como si su voz estuviera luchando por salir de debajo de la instrumentación, o bajo tierra, este fenómeno surge a menudo en Cenizas y hace que la escucha sea más moderada que la mayoría de su música reciente. Jaar dice que ve este álbum como una muestra de la oscuridad para luego “mostrar un camino para salir de ella”, en otras palabras, su objetivo es enfrentarse a sus fragmentos negativos (depresión, tristeza, melancolía, decadencia) para destruirlos, la música es un grito de batalla para estar completamente presente con las emociones negativas, para finalmente comenzar a superarlas. Tomemos, por ejemplo, el escalofriante tema de apertura, "Vanish”, aquí, Jaar abre el disco con dos minutos de un órgano de tubos gótico y siniestro, seguido de una armonía vocal inquietante en la que Jaar canta "Say you're coming back" una y otra vez. O "Agosto”, donde siniestras flautas de caña tocan sobre un piano entrecortado que parece demasiado nervioso para saber qué hacer consigo mismo. En "Xerox”, Jaar canta en un barítono sin palabras y siniestro entre dulcémeles, piano y gaitas distantes, es una canción que recuerda a Swans de principios de la década de 2010 más que cualquier otra en el catálogo anterior de Jaar.

Me voy a quedar con Garden, posiblemente este es el tema ideal para esas personas que no conocen a Jaar o que no tienen mucho conocimiento de la música electrónica, puede ser un lugar donde empezar y desde ese “Jardin” continuar el paseo. Esta tiene que ser la pieza más bonita que Jaar haya escrito jamás, toda la pista está impulsada por una simple secuencia de piano de nueve notas que se repite una y otra vez, pero cada vez, la secuencia se empapa un poco más de reverberación que la anterior. Es aquí donde el enigma de Cenizas y los pensamientos sobre el futuro pueden suavizarse, a medida que la sublimidad del momento presente se precipita a través de la repetición de la delicada armonía. Tambien hay una abrumadora sensación de tranquilidad, una melodía bien educada que más o menos permanece sin acompañamiento durante cinco minutos donde nos da tiempo para dar un paso atrás y rastrear nuestros pensamientos. "Garden" es suave, como el sol de verano, es quizás la pieza más minimalista que Jaar haya escrito, un movimiento brillante donde el efecto es que la pista parece difuminarse, distorsionarse, a medida que avanza, no necesita golpes fuertes de cuatro por cuatro, el minimalismo es su fuerza.

Canciones escondidas: Baby Did A Bad Bad Thing - Chris Isaak (1995)

Me extrañó mucho el album Forever Blue, vuelvo a encontrar de nuevo esa capacidad tan especial de Chris Isaak para transmitir emociones a través de un suave canto, pero había una duda ante este nuevo trabajo ya que hasta ahora gran parte del mérito del éxito de sus álbumes anteriores se podía atribuir al guitarrista James Calvin Wilsey, suyo era ese característico acento que impregnaba temas como "Blue Hotel" y "Wicked Game" a las que daba un aire noir, como si dentro de cada canción se escondiera una historia que esperaba pacientemente un guión y un director con una imaginación retorcida. Pero, en algún punto entre Heart Shaped World y Forever Blue, los dos se separaron y todos vimos que Isaak asumió ese papel. Inevitablemente, se ha perdido algo del humor cinematográfico, pero, al liberar algo de la presión lúgubre, Isaak ha aflojado las restricciones vocales y continúa floreciendo en su mundo reconstituido de los sesenta. En Forever Blue Isaak se pueden ver esos cambios. Un ejemplo es "Go Walking Down There", con un claro ritmo a lo Iggy Pop, en la que Isaak renuncia al tono suave, abriéndose y permitiendo que un poco de aire llegue a esas cuerdas vocales, del mismo modo, la entusiasta "I Believe" le permite forzar su voz por encima de un suave susurro. Y, por atreverse a ser diferente, las dos pistas están entre las mejores del álbum. Los fans de Isaak de toda la vida, acostumbrados a cerrar los ojos y evocar visiones de un Presley o un Orbison reencarnados, no tienen por qué tener miedo, Isaak no se ha olvidado de su público principal. "Don't Leave Me On My Own", "Things Go Wrong", "Forever Blue" y "There She Goes" son todas ellas una combinación del falsete de The Big O y el labio curvado. Más preocupante aún es que cuando Isaak se muestra desolado y triste ("Shadows In A Mirror", "Changed Your Mind"), los resultados son más sombríos y hoscos que melancólicos y magníficos, pero, aunque sigue siendo capaz de escribir canciones como el galope country de "Graduation Day" o clásicos pedregosos como "Somebody's Crying", el suelo bajo sus pies sigue siendo sólido. En cuanto a las letras, este es un álbum muy deprimente. Trata sobre rupturas y miseria inducida por el amor. No hay una sola canción "feliz" en este álbum.

Pero por encima de todas resalta la magnífica "Baby Did A Bad Bad Thing" que suena como John Lee Hooker después de haber tomado una poción de miel y limón para suavizar los peores graznidos, no se parece a nada de lo que Isaak ha publicado anteriormente y el zumbido estático de fondo añade una dimensión inesperada. El riff de guitarra impulsa la canción, y la voz áspera de Chris ayuda a hacerla aún más áspera con una progresión de la canción al estilo de Peter Gabriel en su ejecución. La letra marca el tono del álbum, que es oscuro y (¿quién lo hubiera adivinado?) azul. La canción obtuvo gran parte de su reconocimiento tras su inclusión en la película Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick de 1999, Kubrick escuchó la canción mientras Kidman escuchaba la música de Isaak para animarse durante los ensayos, le pidió a Isaak su aprobación e inmediatamente aceptó una vez que le dijeron que era para Kubrick, de quien Isaak declaró: "No ha hecho una película que no me haya gustado". El cantante dijo que siempre consideró que "Baby Did a Bad Bad Thing" era ideal para bandas sonoras debido a que era "una especie de obra extraña, con un ritmo realmente enérgico y una energía maníaca que pensé que probablemente funcionaría bien para algunas imágenes”.

Canciones escondidas: Ghost - Laura Marling (2007)

Lily, Amy, Kate, Adele, Duffy... no estamos exactamente hambrientos de pájaros cantores británicos con talento en la actualidad. Pero apareció Laura Marling, una folk con 18 años de Eversley, Hampshire, parece ofrecer algo de lo que carecen sus camaradas de alto perfil: un poco de eufemismo con su álbum debut, Alas, I Cannot Swim, y los discos que siguieron, capturaron a una joven compositora explorando tanto su oficio como su identidad. Su voz, algo flexible y fascinante, también evolucionó: más rica, más dura, más ahumada cuando era necesario, mientras que las canciones hablaban de sabiduría, mundanalidad y feminidad. Pero el éxito juvenil tiene la costumbre de cristalizar a sus sujetos, y para muchos, Marling siguió siendo para siempre la cantante folk ingenua y de voz clara de sus primeros días. Los alegres galimatías folklóricos Ghosts and Failure y el pegadizo country-rock galopante de You're No God restan importancia a la persona vulnerable que emerge. Hay un encantador punto medio, mejor representado por Cross Your Fingers , que recorre el cálido y melancólico camino de la Cima del Mundo de los Carpinteros . Su canto es en su mayoría sencillo y sin incidentes, pero muestra un inteligente sentido del tiempo para evocar la atmósfera siniestra y trágica de Night Terror (posiblemente el más destacado) con prácticamente la única ayuda de tambores y panderetas, y una habilidad aún más aguda para el patetismo en El capitán y el reloj de arena , a medio camino entre el Bang Bang de Cher y los primeros Leonard Cohen  Los arreglos son generalmente secundarios, excepto cuando el violín entona una marcha gitana de vals en My Manic And I. Your Only Doll (Dora) , de siete minutos , por otro lado, suena como una exageración de la inspiración.

Nos detenemos en Ghost, con solo una duracion de más de tres minutos de duración es una melodía precisa y melancólica, comenzando con una guitarra acústica que sueña con los brumosos días de verano, la voz suave y frágil de Marling cuenta la historia del lamento de un niño por sus amores perdidos, Marling ha dado el extraordinario paso de tratar de ser lo más anodino posible, esencialmente, Laura sigue una ruta desgastada con tintes campestres, con una narración sencilla y personajes sencillos: el chico que "se volvió loco a los diecinueve años dijo que había perdido toda su autoestima", una línea de bajo que se pavonea suavemente nos impide sumergirnos soñando en las últimas horas de la tarde, los polvorientos campos de maíz y los romances de verano, y la pieza gradualmente llega a un discreto crescendo que tipifica a la propia Marling. Es un tema muy melancólico, por supuesto, que Marling, por más sentimental que pueda ser, en 'Ghosts', cada pequeño paso es una valentía tan rara que el corto alcance de los acordes del coro se siente como un esfuerzo Hercúleo, es esta tensión la que hace que se arrepienta en lugar de arrepentirse, y le da a 'Ghosts' la esperanza de un exorcismo en lugar de un futuro de lamentos húmedos y encerrados en armarios.

Hay una vulnerabilidad en Marling que inevitablemente resultará ser el aliado más asfixiante en su silenciosa búsqueda para marchitar a las Adele de este mundo, mientras las breves luchas con y contra el alhelí en su choque contra la música que aprecia el detalle y la moderación, eleva más allá de las hazañas caricaturescas que se esta imponiendo, mientras que las canciones de Adele tienden a terminar horriblemente, desangrando en tres minutos de lamentos indulgentes y sin dirección, 'Ghosts' suena tiernamente hasta su cortante conclusión. Sin embargo, eso no quiere decir que pase desapercibido: la música para mirar al vacío rara vez es tan alusiva o conmoved

Canciones Escondidas: Snuff - Slipknot (2008)

Hoy nos saltamos un poco la norma, tenemos que hacer parada en una canción a la que se ha nombrado en más de una ocasión como la canción más triste del Metal, nos vamos a detener en un grupo que navegan entre el Metal Alternativo y el Nu Metal y no es tan desconocido como los dos anteriores ya que dentro de su género tiene un status y un gran grupo de seguidores, nos estamos refiriendo a Slipknot el grupo de Des Moines de Iowa. Algo que rápidamente llama la atención a quien ve este grupo es que los componentes siempre actúan con máscaras, es algo propio y representativo de la banda, el sonido de la banda ha sido descrito como "una maquina trilladora devorando un grupo de tambores militares", el vocalista Corey Taylor, incorpora diversos estilos vocales, como por ejemplo la voz gutural, el canto melódico y el tono agresivo. Las influencias de la banda incluyen, entre otros géneros, el death metal, el black metal y el heavy metal.

Nos paramos en Snuff un tema que podría ser una rara avis dentro de su repertorio, alejada de lo que es el estándar del grupo, ya que lo que nos regalan es una canción muy vulnerable, una canción desnuda sobre un ser humano real al límite. Estar en una situación compleja muy difícil, el propio Corey Taylor definió a este tema como una canción sobre alguien que te ayudó a pasar por muchas cosas y de repente te decepcionó, alguien en quien confiabas pero que no sentía lo mismo, este el dolor podría llevarte al límite, pero si sobrevives, alcanzarás nuevos horizontes y crecerás. Snuff trata sobre una relación tóxica y enfermiza de la que eres consciente, pero no puedes dejarla ir, se trata de cómo diferentes emociones contradictorias pasan en forma de depresión maníaca, un minuto estás enojado, al otro estás triste…. amas y odias al mismo tiempo. ¿Alguna vez has estado en una relación que sabes que está mal?, sabes que te hace daño y que no es saludable, aun así, lo deseas, te empuja a una locura de conflictos, estás sufriendo, pero no puedes dejarlo, hay un verso interesante en la letra "No merezco tenerte", es literalmente la definición de estar en una relación con un narcisista, sabes que estás siendo manipulado, pero aún te sientes culpable y piensas que no eres suficiente para la persona y que no mereces su amor, en algún momento te das cuenta de que necesitas hacer algo, pero estás demasiado desesperado, entonces es cuando empiezas a luchar con tus emociones, cuestionas todo. 

“Entierra todos tus secretos en mi piel
Aléjate con tu inocencia
Y déjame con mis pecados
Aún siento el aire que me rodea como una jaula
Y el amor es solo un camuflaje
Para lo que parece ser rabia otra vez”

Me gusta mucho el video y os recomiendo que lo veáis, toma su tiempo para contarnos su historia y demostrarnos lo difícil que puede ser para algunos y algunas dejar ir a la otra persona, no en un sentido psicópata o físico, sino que emocional, Corey Taylor va reviviendo los lugares y momentos que vivió con su pareja, para luego darnos el plot twist de que no puede dejarla ir, llegando al punto de convertirse en ella. Es simplemente maravilloso como Slipknot logra jugar con estas dos sensaciones, el amor y la perdida, sentimientos que pueden llevar a algunas personas a lo más oscuro de sus mentes y donde vienen las preguntas que salen en la canción.

"Snuff" es uno de esos temas que te llegan a la fibra, cualquier persona que ha tenido una pena de amor o que tenga un corazón roto, es imposible que no logre emocionarte con su desolador sonido y cautivadora letra, una muestra de lo maravilloso que puede ser enamorarse, pero también de lo difícil que es poder terminar con dicho sentimiento, porque como dice la canción hay algo de la otra persona en ti ahora, ¿cómo te lo puedes quitar?

Canciones escondidas: Punch Brothers - Julep (2005)

Punch Brothers es un grupo de Bluegrass & Folk con sede en Brooklyn formado por Chris Thile, Chris Eldridge, Noam Pikelny, Gabe Witcher y Paul Kowert. Su música es difícilmente clasificable, un crossover entre bluegrass, pop, americana, clásica y de todo, tocado con instrumentos clásicos de bluegrass (mandolina, guitarra, violín, banjo, bajo) y voces. Entre sus reconocimientos se incluye un Grammy® al Mejor Álbum de Folk por su lanzamiento de 2018, All Ashore, y los elogios de los medios de comunicación, incluido The Washington Post, que dijo: "Con entusiasmo y experimentación, los Punch Brothers llevan el bluegrass a su siguiente etapa evolutiva, inspirándose a partes iguales en el cerebro y el corazón". Y en muchos sentidos, Punch Brothers ha derribado muros entre géneros como el bluegrass y el folk y en este álbum, casi diría que están intentando derribar otro muro, esta vez hacia el Indie Folk/Indie Rock.

Podéis empezar escuchando The Phosphorescent Blues es su cuarto LP de larga duración y estamos ante un disco que te llega como como una tarde soleada en un cálido día de primavera: el primer amanecer después de la dureza del invierno, las hermosas flores en los campos, el aumento general de humor que todos parecen experimentar es lo que te va a trasmitir y empezaras a sentir en el momento que empieces a escucharlo. Voy a detenerme en “Julep”, esta podría ser la mejor canción que hayan escrito los Punch Brothers, no sólo es la canción de amor más pura que hayan publicado, sino que también tiene una madurez que viene con la edad y la experiencia, hay algo maravillosamente simple en la línea de base de Paul Kowert, se necesitan años para llegar a esa simplicidad. Parte de la culpa es que se basa en la relación de Chris Thile con su ahora esposa Claire Coffee, en la fiesta donde se conocieron Claire hizo julepes (cóctel alcohólico típico del sur de Estados Unidos que se hace tradicionalmente con cuatro ingredientes: menta, bourbon, azúcar y agua, los julepes se sirven en copas de plata o peltre que se sostienen solo por la base y los bordes superiores), sin embargo, no se trata sólo del momento que se conocen y se enamoran, también hay una visión del tiempo, “Morí feliz mientras dormía”, comienza la canción, e incluso dada la exuberancia juvenil de la banda, sabes que esto es otra cosa. Por extraño que parezca, la narración nunca se vuelve fantasmal, persiste en la belleza de la memoria y en esos momentos puros y perfectos en los que miras a alguien y de repente sabes que cada centímetro de ellos quedará grabado en tu cerebro por el resto de tus días porque lo amas. Esta canción es inquietante, pero nunca está embrujada, el narrador muere feliz, recordando “amor para siempre”, y el oyente siente lo mismo: maldita sea, qué canción, qué vida….. Que todos aspiremos a este nivel.