Hardwired... to Self-Destruct - #MesMetallica

 

Hardwired... to Self-Destruct

     Con su décimo álbum de estudio, Hardwired... to Self-Destruct, cerramos el mes dedicado al grupo estadounidense Metallica, grupo que desde su creación en 1982, ha generado un gran número de seguidores y sus álbumes de estudio han encabezado de forma constante la lista Billboard 200 de Estados Unidos. Fue grabado entre mayo de 2015 y agosto de 2016 en lo Metallica's HQ Studios de San Rafael, California, bajo la producción de Greg Fidelman, y de Lars Ulrich y James Hetfield, y publicado el 18 de noviembre de 2016  bajo el sello discográfico Blackened Records.

Fue el primer álbum de estudio de Metallica en ocho años después de Death Magnetic (2008), marcando la brecha más larga entre álbumes de estudio en la carrera de la banda, y su primer álbum de estudio lanzado a través de Blackened Records. Hardwired... to Self-Destruct fue el sexto álbum de estudio consecutivo de Metallica en debutar en el número uno en el Billboard 200 de Estados Unidos , vendiendo 291.000 unidades en su primera semana y encabezando las listas en 57 países El álbum recibió críticas generalmente positivas de los críticos, incluso el baterista de Metallica, Lars Ulrich, llegó a clasificar el álbum en el año 2020 como el mejor de la banda. 

El germen del álbum comenzó en el año 2011, cuando el grupo se juntó en un estudio con el productor Rick Rubin. El grupo daría forma a ese proyecto cinco años más tarde bajo la producción de Grag Fidelman. Hardwired... to Self-Destruct marca el primer álbum de estudio de la banda que no presenta contribuciones de composición de Hammett desde que se unió a la banda en 1983 antes de la grabación de Kill 'Em All . En 2015, Hammett había perdido su teléfono en el aeropuerto de Copenhague, el cual contenía casi 250 ideas de riffs.  Dado que Hammett no hizo una copia de seguridad de los datos, afectó su aporte creativo para el nuevo álbum y tuvo que comenzar de cero nuevamente mientras que  Hetfield y Ulrich tenían material para las canciones". El único crédito de escritura de Trujillo en el álbum fue la introducción de ManUNkind, que luego dijo que fue escrita como un tributo al ex bajista de Metallica Cliff Burton. En cuanto a las letras, siguen un tema general de nihilismo y pesimismo. El título, "Hardwired... to Self-Destruct", proviene de una frase que Hetfield escuchó. "Alguien me dijo el otro día, y se me quedó grabado, 'Hardwired... Hardwired to Self-Destruct'. Así que es como que no importa lo que hagas en tu vida, realmente estás tratando de no seguir ese camino que tal vez estás programado para seguir". 

Entramos en meteria y abre fuego Hardwired, con un sonido trash metal de la vieja escuela del que el grupo nos tenía acostumbrados en sus inicios. Fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 18 de agosto de 2016, y es una de las canciones más cortas de la banda, con solo unos tres minutos de duración. Las letras pesimistas de la canción se centran en el concepto de una civilización consumida por la paranoia, el dolor y la locura. Si bien el concepto inicial de la canción era representar la idea de que las elecciones y los errores que comete una persona son parte de quiénes son, se ha interpretado de diferentes maneras, como las adicciones a las drogas, la sobredosis, o incluso representativa del clima geopolítico de 2016, particularmente el resultado de las elecciones presidenciales de Estados Unidos de ese año. Atlas, Rise! fue el primer sencillo del álbum y fue promocionado con una máscara de Halloween Hardwired de edición limitada gratuita en las tiendas de discos participantes que contenía un código de descarga especial para poder acceder a la canción 30 minutos antes del lanzamiento público completo. En cuanto a la letra, Hetfield se refiere a Atlas, la figura mitológica griega qe fue condenada por Zeus, por su participación en La Guerra de los Titanes, a sostener el cielo con ss hombros. En Now That We're Dead James Hetfield canta sobre alguien cuyo amante ha muerto y espera con ansias que se reencuentren en la otra vida. Sobre Moth into Flame James Hetfield afirmó que Amy Winehouse le sirvió de inspiración para la canción después de haber visto el documental Amy de 2015. "La canción se inspiró un poco en el documental de Amy Winehouse, 'Amy'. Cuando lo vi, me entristeció mucho que una persona tan talentosa como ella cayera en la fama. Pero, hasta cierto punto, veo esa mentalidad reflejada en la vida diaria"... "'Moth Into Flame' es bastante literal. En estos días, todo el mundo [tiene] una obsesión con ser famoso. Ser popular. Ya sea en tu cuenta de Facebook o caminando por la calle, viendo a alguien haciéndose selfies mientras camina por la calle. ¿Como qué? ¿Qué estás haciendo?". En definitva, canción inspirada en la forma en que tantas personas en la sociedad moderna viven todos los días luchando por ser reconocidas y amadas. Dream No More contiene referencias al Mito de Cthulhu, que es una mitología y un universo ficticio compartido , que tiene su origen en las obras del escritor de terror estadounidense H. P. Lovecraft. Halo on fire es La canción más larga del álbum, tiene una duración de 8:15. Sobre la canción, James Hetfield afrimó en la rvista del clubs de fans de la banda lo siguiente: "En 'Halo On Fire' hay una yuxtaposición en todos nosotros, el bien y el mal, y ¿cuándo sale eso, cuándo se muestra? Algunas personas se presentan como verdaderos santos, y cuanto más oscura es su oscuridad, más tienen que presentarse como santos. Así que básicamente te estás alejando del 'tú' real, como si estuvieras compensando todo esto lo que crees que es realmente mmalo"

En Confusion la banda explora el concepto de trastorno de estrés postraumático, ya que James Hetfield canta sobre un soldado cuya lucha constante con el TEPT le impide vivir con normalidad. El vocalista y guitarrista explicaba que la condición está muy extendida en la sociedad actual y no se limita solo a las fuerzas armadas, y el trastorno de estrés postraumático está en todas partes, cosas que te pasan en tu infancia, incluso figuras del deporte o cualquiera que use un uniforme, que haya salido y haya retratado una vida de servicio, de dar o de usar la fuerza. La sección instrumental de apertura de ManUNkind presenta al bajista del grupo, Robert Trujillo, tocando con los dedos una línea de bajo melódica junto a la guitarra de James Hetfield. La línea de bajo de Trujillo recuerda al estilo de tocar del fallecido Cliff Burton. Trujillo escribió la sección instrumental de apertura en memoria del ex bajista de la banda, quien murió en 1986 cuando el autobús de gira de Metallica se salió de una carretera helada en Suecia. La letra de Here Comes Revenge se inspiró en dos fans de Metallica que aparecían en los conciertos de la banda sosteniendo un póster de una chica. Cuando Hetfield tuvo la oportunidad de conocerlos, les preguntó por qué, él dijo: "Mi esposa y yo no éramos fans de la banda, pero ahora lo somos. Porque nuestra hija era una gran fan, y un conductor ebrio la mató". sobre ello Hetfield afirmaba: "Ella era joven. ¿Cómo no enojarse? ¿Cómo no querer ir a por alguien? Pero lo que eligieron hacer fue abrazar la música que ella amaba y conocerla a través de la música y conectarse de esa manera. Siguen apareciendo en los conciertos, lo cual me encanta. Ahora somos amigos. Y han superado algo que no creo que yo pudiera superar". Sobre Am I savage James Hetfield explicó a la publicación Rolling Stone Australia que la letra de esta canción impulsada por riffs habla de "darse cuenta de que hay una bestia en mí, y también hay una belleza en mí... de que puedo pasar de ser súper amable a una bestia jodida que no tiene ningún filtro real ni sentido común". Murder One  es un tributo al fallecido líder de Motorhead, Lemmy Kilmister. Según Hetfield "Motorhead tuvo mucho que ver con que Metallica esté aquí ahora. Lemmy como entidad, una especie de figura paterna, nos ayudó mucho. No tenía miedo y era un personaje. Y era él mismo. Todos lo respetábamos mucho. Hizo lo suyo hasta el último aliento. No importa quién seas, ¿cómo no te puedes sentir inspirado por eso?"  Lars Ulrich afirmaba que el hecho de haber segido a Motörhead en sus giras como fans lo ayudó a tomarse en serio a Metallica: "Cuando volví al sur de California, llamé a james y le dje: 'Escucha, tenemos que intentarlo', Motörhead es el catalizador". "Murder One" era el nombre del amplificador favorito de Lemmy en el escenario. Spit Out the Bone es la canción que cierra el álbum. Una canción qe nos habla de las comodidades de los avanes tecnológicos. "Queremos cosas más rápidas, queremos la conveniencia de la tecnología, pero ¿en qué punto la conveniencia se inclina hacia la dependencia? La necesitamos, o de lo contrario no sabemos qué hacer". Nos describe cómo las personas están conectadas entre sí a través de dispositivos móviles y cómo todos se están volviendo más dependientes de la tecnología.

De Hardwired... to Self-Destruct se editó una edición de Lujo en la cual había una tercera cara compuesta 14 canciones, donde se incluye una versión regrabada del tema Lords of Summer, que fue lanzada por primera vez como sencillo digital en su forma demo el 19 de marzo de 2014, varios temas de la banda grabados en directo en 2016 y versiones interpretadas en vivo que sirven como homenaje a Ronnie James Dio y Rainbow (Ronnie Rising Medley (A Light in the Black / Tarot Woman / Stargazer / Kill the King), Deep Purple (When a Blind Man Cries) y Iron Maiden (Remember Tomorrow)

Hardwired... to Self-Destruct es principalmente el trabajo de James Hetfield y Lars Ulrich. Como ya hemo comentado, Kirk Hammett no tiene ni un solo crédito como compositor, ya que el guitarrista perdió un iPhone lleno de riffs justo antes de la grabación, y también se ve disminuido en términos de solos, dejando el álbum como un escaparate para las construcciones musicales de Metallica. Lo que verdaderamente destaca e impresiona de este álbum es el conjunto, el pensamiento y la musicalidad dentro de las composiciones y las interpretaciones, elementos que siempre han estado en el núcleo de la banda y brillan intensamente en este penúltimo trabajo de la banda.

1518.- Fisherman - The Congos

 

El sonido reggae único de los Congos se caracterizó por el falsete agudo de Cedric Myton y la rica voz de tenor de Roy "Ashanti" Johnson; ambos tenían voces particulares y cantaban canciones cuyas letras estaban profundamente arraigadas en sus creencias rastafaris. Son conocidos principalmente por un disco, Heart of the Congos, publicado originalmente en 1977 y reeditado en 1996. El grupo se disolvió en 1980 y desde entonces ambos hombres han seguido otras carreras musicales.

Cedric Myton creció en St. Catherine, Jamaica, donde fue criado por su abuela, cuando tenía unos 16 años, se mudó a Kingston, donde vivió con sus padres en Cockburn Pen. Aprendió a soldar, pero no le gustaba porque a menudo se quemaba las manos mientras trabajaba, siempre le había gustado cantar, así que en 1964 dejó ese trabajo y se unió a un amigo, Devon Russell, para formar un grupo llamado The Tartans, grabaron un sencillo titulado "People Gonna Dance All Night", y le fue muy bien, querían grabarlo en el conocido Studio One, pero tuvieron una disputa con el propietario sobre cómo debían interpretar la canción, así que se fueron y la grabaron con Federal. Después de grabar otra canción con Treasure Isle, la pareja se separó. Los dos hombres se conocieron por casualidad en 1977 y formaron los Congos junto con Watty Burnett. Johnson tocaba la guitarra y Burnett, un barítono, proporcionaba armonías vocales adicionales. Su primer álbum, Heart of the Congos , lanzado en 1977, fue descrito más tarde por All Music Guide como "uno de los mejores discos de raíces de todos los tiempos". Sin embargo, en ese momento, el disco fue rechazado por el sello Island y solo recibió una edición limitada en Jamaica cuando fue producido por el sello Black Ark. Pasaron casi dos décadas antes de que la grabación comenzara a recibir el reconocimiento que merecía. La dinámica extraña pero también extrañamente armoniosa entre los contornos auditivos desfamiliarizantes de Heart of the CongosLos efectos de producción dub y sus secuencias arrancadas del subconsciente cultural de movimientos graduales y saltos en una escala melódica aseguran que el álbum sea infinitamente reproducible, un disco clásico que avanza y retrocede en los anales de la historia musical, avanzando hacia el conocimiento del yo pero también elegantemente hacia el amor al mundo. Su red de referencias líricas es densa y a veces esotérica, pero en última instancia plantean a sus oyentes y con ellos preguntas que se le ocurrirían a cualquiera que acumule los criterios espirituales necesarios. Heart of the Congos merece un estruendoso aplauso por su increíble consistencia como álbum y su dinamismo sonoro como expresión de absoluto ardor por la misteriosa relación entre las pruebas de la vida cotidiana y los asuntos espirituales. La experiencia de escuchar Heart of the Congos puede funcionar como una especie de lección de historia, dada la eventual difusión del dub en tantas corrientes diferentes y nominalmente no relacionadas de la cultura música.

En Fisherman, llevan las cosas tan profundamente al interior de la isla que necesitas un machete para abrirte paso. Capas gruesas y difusas de drum and bass se suavizan entre sí, mientras la guitarra cae en cascada como enredaderas, dándole al canto lastimero el apoyo que necesita para seguir adelante…. Y las letras son siempre perfectas, mezclando parábolas bíblicas (Pescador), suplicando a Jah (Niños llorando) o cantando a Babilonia (Hombre del Congo). El resultado final es la máxima declaración de reggae de raíces. Pero, al más puro estilo de Perry, Heart…

1517.- Nightclubbing - Iggy Pop

 

"Nightclubbing", escrita y grabada en Berlín por Iggy Pop y David Bowie durante el período en que se retiraron allí para desintoxicarse y huir del acoso mediático y la fama, fue incluida en el álbum de debut en solitario de Iggy Pop, “The Idiot”, en 1977. Para la letra, David Bowie sugirió a Iggy Pop que escribiera algo sobre “caminar por la noche como fantasmas”. Siguiendo esa idea, Iggy Pop escribió la letra de “Nightclubbing” en poco más de diez minutos.

En la grabación, David Bowie se encargó de teclados, sintetizadores, coros y una caja de ritmos Roland. Bowie hubiera preferido remezclar la canción con una batería real, pero para Iggy Pop la caja de ritmos de “Nightclubbing”: "Pateaba traseros y era mucho mejor que un baterista". No debía andar muy equivocado, porque aunque algo modificada, el grupo Nine Inch Nails, utilizó la caja de ritmos de “Nightclubbing” en su canción “Closer” del álbum “The Downward Spiral” (1994), como también hizo Oasis en el tema "Force of Nature" de su álbum de 2002 “Heathen Chemistry”.

La canción al completo ha sido también versionada por muchos artistas, como Grace Jones, The Human League o Siouxsie Sioux, con su banda The Creatures, entre otros, y la versión original de Iggy Pop tuvo un resurgir comercial en los años noventa, gracias a su aparición en la película de 1996 “Trainspotting” y en su exitosa banda sonora, en la que también aparecía el tema “Lust for Life", de su segundo disco en solitario del mismo nombre.

1516.- Hijos del agobio - Triana

 

"Hijos del Agobio" es una de las canciones más emblemáticas de Triana, mítico grupo español de rock progresivo de los años setenta. Incluida en su segundo álbum de estudio ("Hijos del agobio", 1977), es un claro exponente de la calidad del rock andaluz en esa década. La canción, que fusiona el rock progresivo con elementos del flamenco, comienza con una melancólica introducción de guitarra y teclados, a los que se incorpora después la carismática voz de Jesús de la Rosa, líder de la banda.

Musicalmente, "Hijos del Agobio" destaca por su complejidad técnica y la riqueza de sus matices sonoros. La guitarra de Eduardo Rodríguez Rodway aporta el toque flamenco, combinado de manera magistral con los elementos más característicos y reconocibles del rock progresivo clásico. La batería de Juan José Palacios "Tele", le da al conjunto una base rítmica sólida que sustenta a las mil maravillas la estructura de la canción, mientras que los arreglos de teclado y sintetizador son la guinda de una atmósfera musical densa y emotiva. 

La letra de "Hijos del Agobio" es una reflexión poética sobre la lucha por la libertad, que en un contexto histórico marcado por la transición política en España, la convirtió en un auténtico himno del cambio. La combinación de la música y la letra crea una experiencia auditiva completa y es una demostración del talento de Triana para capturar el espíritu de una época y encapsularlo en una pieza musical impactante, reivindicando con ella un lugar privilegiado en la historia del rock español.

Death Magnetic – Metallica #mesMetallica

Death Magnetic – Metallica #mesMetallica

En 2008, Metallica lanzó Death Magnetic, un álbum que marcó el regreso de la banda a un sonido más agresivo y técnico después de la controversia que rodeó a St. Anger (2003). Con una producción a cargo de Rick Rubin, este disco buscó recuperar la esencia del Metallica clásico, con estructuras de canciones más complejas, solos de guitarra elaborados y una mezcla de elementos del thrash metal que la banda perfeccionó en los años 80. A continuación, analizamos en detalle este trabajo, explorando su sonido, impacto y legado.

Para comprender la importancia de Death Magnetic, es fundamental recordar en qué punto de su carrera se encontraba Metallica en 2008. Luego de los altibajos de los 90, con álbumes como Load (1996) y Reload (1997) que mostraban un enfoque más orientado al hard rock y blues, la banda sufrió una crisis interna reflejada en el caótico proceso de grabación de St. Anger. Ese disco eliminó los solos de guitarra, utilizó un sonido de batería crudo y fue recibido con críticas mixtas.

Con Death Magnetic, Metallica quería reivindicarse y demostrar que aún podía hacer thrash metal sin sonar como una versión diluida de sí misma. Para ello, prescindieron del productor Bob Rock, quien había trabajado con ellos desde The Black Album (1991), y contrataron a Rick Rubin. Conocido por revitalizar carreras de grandes artistas, Rubin incentivó a la banda a retomar la energía y complejidad de sus primeros trabajos.

Desde los primeros segundos de "That Was Just Your Life", queda claro que Death Magnetic es un álbum con riffs agresivos, cambios de ritmo dinámicos y una producción que intenta capturar la intensidad del Metallica de los 80. James Hetfield ofrece una interpretación vocal potente, Lars Ulrich recupera su agresividad en la batería, Kirk Hammett vuelve con solos rápidos y melódicos, y Robert Trujillo aporta un bajo sólido y preciso.

Sin embargo, la producción del disco ha sido uno de los aspectos más polémicos. Muchos fans y críticos señalaron problemas con la masterización, ya que el álbum sufre del "loudness war", un fenómeno en el que la música se mezcla con un volumen excesivo, sacrificando claridad y matices. Esto es evidente en la sobrecarga de los instrumentos y en la falta de espacio para que cada elemento respire en la mezcla. A pesar de ello, la composición de los temas logra eclipsar en gran medida estos problemas. 

El álbum abre con "That Was Just Your Life", una canción con una introducción sombría que recuerda a "Blackened" (…And Justice for All, 1988), antes de explotar en un riff veloz y cambios de tempo que evocan la era clásica de la banda. Hetfield canta con fuerza sobre la lucha interna y la determinación, estableciendo el tono del álbum.

Le sigue "The End of the Line", que presenta un groove más marcado y un coro pegadizo. Su estructura progresiva y cambios rítmicos la hacen destacar.

"Broken, Beat & Scarred" es una de las canciones más accesibles del disco, con un riff principal contundente y una letra que refuerza la idea de superar la adversidad.

Uno de los puntos más altos del álbum es "The Day That Never Comes", una balada que comienza con arpegios melódicos en la línea de "Fade to Black" o "One", pero que evoluciona hacia un final explosivo con una sección instrumental cargada de energía.

"All Nightmare Long" es uno de los temas más agresivos y técnicamente impresionantes del disco, con una batería intensa de Ulrich y un riff demoledor. Su estructura recuerda a clásicos como "Disposable Heroes" y se ha convertido en una de las favoritas de los fans en vivo.

El álbum también incluye "Cyanide", con un ritmo más groove y una línea de bajo destacada, así como "The Unforgiven III", una variación del tema recurrente en la discografía de la banda, esta vez con una introducción de piano que le da un tono diferente.

Otro momento importante es "Suicide & Redemption", el primer tema instrumental de Metallica desde To Live Is to Die (…And Justice for All), que muestra una faceta más experimental y progresiva del grupo.

El cierre del álbum llega con "My Apocalypse", un torbellino de thrash metal que recuerda a los días más veloces de la banda, con una intensidad que mantiene la energía hasta el final.

Death Magnetic recibió críticas generalmente positivas, con muchos viéndolo como un renacimiento de la banda después de los problemas de St. Anger. La mayoría de los fans aplaudieron el regreso de los solos de guitarra y las estructuras complejas, aunque hubo división de opiniones respecto a la producción. Comercialmente, el álbum fue un éxito, debutando en el número uno en varios países y revitalizando la popularidad de Metallica en la escena del metal.

Además, Death Magnetic marcó la primera grabación de estudio con Robert Trujillo, quien había ingresado a la banda en 2003. Su presencia aportó una base rítmica más sólida y contribuyó a la química entre los miembros.

A pesar de las críticas a la mezcla, el álbum demostró que Metallica aún tenía la capacidad de innovar dentro de su propio estilo. Canciones como "The Day That Never Comes", "All Nightmare Long" y "That Was Just Your Life" se han mantenido en las listas de temas favoritos de los fans y han sido parte del repertorio en giras posteriores.

Death Magnetic no es solo un intento de recuperar el sonido clásico de Metallica, sino una declaración de intenciones: la banda aún puede hacer música pesada, técnica y relevante. Si bien la producción pudo haber sido mejor, la calidad de las composiciones y la energía del álbum lo convierten en una pieza fundamental en la discografía de la banda.

Este disco logró reconciliar a Metallica con una parte de su base de fans que había quedado desilusionada en la década anterior, y sentó las bases para los siguientes trabajos del grupo. Aunque no alcanzó la grandeza de los álbumes de los 80, dejó claro que Metallica todavía tenía mucho que ofrecer.

Death Magnetic es un álbum que simboliza la resiliencia y evolución de una de las bandas más importantes en la historia del metal.

Daniel 

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1515- Iggy Pop - Sister Midnight

1517- Sister Midnight - Iggy Pop

Iggy Pop, conocido como el "padrino del punk", ha sido una figura clave en la evol

ución del rock, y su canción "Sister Midnight" es un testimonio de su capacidad para reinventarse y desafiar las convenciones. Lanzada en 1977 como parte de su álbum The Idiot, esta canción marca un punto de inflexión en su carrera, no solo por su sonido innovador, sino también por su colaboración con David Bowie, quien coescribió y produjo el álbum. "Sister Midnight" es una pieza oscura, hipnótica y cargada de energía, que combina elementos del punk, el rock experimental y el funk.

Desde el primer compás, "Sister Midnight" atrapa al oyente con su ritmo pulsante y su atmósfera inquietante. La línea de bajo, profunda y repetitiva, establece una base que evoca una sensación de movimiento constante, como si llevara al oyente a un viaje nocturno y surrealista. La guitarra, con sus riffs distorsionados y minimalistas, añade una capa de tensión, mientras que los sintetizadores y los efectos de sonido crean un paisaje sonoro que es a la vez futurista y primitivo. La producción de David Bowie es clave aquí, aportando un enfoque experimental que contrasta con el sonido crudo y visceral del trabajo anterior de Iggy Pop.

La voz de Iggy Pop es el centro de la canción. Su interpretación, cargada de intensidad y vulnerabilidad, transmite una mezcla de desesperación y determinación. La letra, escrita por Iggy Pop y David Bowie, es abstracta y llena de imágenes oníricas. Frases como "I'm lost in the twilight zone" y "I'm searching for the feast of the unknown" sugieren una búsqueda de identidad y significado en un mundo caótico y cambiante. Aunque el significado exacto de las palabras puede ser ambiguo, su tono y entrega evocan una sensación de rebeldía y anhelo que resuena profundamente.

Musicalmente, "Sister Midnight" es una obra que desafía las etiquetas. Su estructura, aunque aparentemente simple, está llena de detalles que revelan una complejidad sutil. La combinación de elementos funk y electrónicos con el enfoque crudo del punk crea un sonido que es único y adelantado a su tiempo. La canción también sirve como un puente entre el punk rock de los 70 y el movimiento post-punk que surgiría en los años siguientes, influyendo a bandas como Joy Division y Depeche Mode.

El contexto en el que se creó "Sister Midnight" también es relevante. Tras años de lucha con las drogas y la inestabilidad emocional, Iggy Pop se encontraba en un momento de reinvención personal y artística. La colaboración con Bowie no solo le brindó una nueva dirección musical, sino que también le permitió explorar temas más oscuros y existenciales. "Sister Midnight" es, en muchos sentidos, un reflejo de este proceso de renacimiento, una canción que captura la esencia de un artista en transición.

"Sister Midnight" es una pieza que trasciende el tiempo y el género. Su mezcla de sonidos innovadores, su atmósfera inquietante y su interpretación cargada de emociones la convierten en una de las obras más destacadas de Iggy Pop. No solo marcó un nuevo capítulo en su carrera, sino que también dejó una huella indeleble en la historia del rock, inspirando a generaciones de músicos y escuchas. Es una canción que invita a sumergirse en su oscuridad y a descubrir la luz que se esconde en su interior.

Daniel 

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1514-. Cold as Ice - Foreigner

Cold as Ice, Foreigner

     Foreigner debuta en 1977 con Foreigner, el álbum de estudio debut de la banda de rock británico-estadounidense. Dicho disco debut es grabado entre abril y noviembre de 1976 en los Hit Factory Studios y los Atlantic Recording Studios de Nueva york, bajo la producción de John Sinclair y Gary Lions en colaboración con los miembros Mick Jones e Ian McDonald, y publicado el 8 de marzo de 1977 bajo el sello discográfico Atlantic Records. El álbum tuevo una buena acogida, con tres sencillos exitosos, Feels Like the First Time, Long Long Way from Home y Cold as Ice.

Nos vamos a centrar en Cold as Ice, escrita por Lou Gramm y Mick Jones. La canción  se convirtió en una de las canciones más conocidas de la banda en los EE. UU, llegando a alcanzar el puesto número 6 en el Billboard Hot 100. Originalmente fue lanzado como sencillo, ocupando el lado B del tema Feels Like the First Time. La canción se basa en el estereotipo de chica mala, de corazón frío, una mujer materialista y egoísta, y el cantante nos advierte que su comportamiento volverá para atormentarla algún día. El guitarrista de Foreigner, Mick Jones, afirmaba sobre la canción lo siguiente: "Subconscientemente, extraes cosas de cosas que sucedieron en tu pasado, cosas que surgieron de relaciones, el dolor y la angustia del amor que es intenso y luego tan profundo, y luego de repente lo pierdes. Toda la gama de sentimientos emocionales por los que pasas en una relación. A veces terminan, y a veces duran, y cuando es la ruptura definitiva, te quedas con los recuerdos de esa relación. Así que me inclino bastante por eso. Estás cavando profundamente en tu pozo de cosas significativas que recuerdas de las tragedias a veces cercanas por las que pasaste en ese momento ".

Disco de la semana 418: Divididos por la felicidad de Sumo

Disco de la semana 418: Divididos por la felicidad de Sumo

Si hay un álbum que define la esencia del rock argentino de los 80, ese es Divididos por la felicidad, el debut de Sumo. Lanzado en 1985, este álbum no solo marcó un antes y un después en la música argentina, sino que también se convirtió en un ícono de la contracultura. Con una mezcla explosiva de punk, reggae, post-punk y new wave, Sumo creó un sonido único que reflejaba la diversidad y la complejidad de una Argentina en plena transición.

El líder de la banda, Luca Prodan, un italiano de origen escocés que llegó al país escapando de sus demonios personales, fue el alma máter de este proyecto. Su personalidad irreverente, melancólica y profundamente poética se plasma en cada una de las canciones. Las letras, escritas principalmente en inglés pero con toques en español, abordan temas como la alienación, la soledad, la búsqueda de identidad y, por supuesto, la felicidad esquiva.  

¿Por qué escuchar Divididos por la felicidad?  

Este álbum es una experiencia musical que no puedes dejar pasar. Aquí te dejo un recorrido por sus canciones más destacadas para que te animes a sumergirte en este viaje sonoro:  

1. "La rubia tarada": Un tema que se convirtió en himno. Con su ritmo pegajoso y letra cargada de humor negro, esta canción es una crítica mordaz a la superficialidad y la estupidez. Es imposible no cantar: "La rubia tarada, la rubia tarada".  

2. "Mula plateada": Una pieza enigmática con guitarras distorsionadas y una atmósfera oscura. Luca Prodan nos lleva a un viaje introspectivo con su voz llena de matices.  

3. "No acabes": Aquí el reggae se hace presente. Con un ritmo relajado pero contundente, la canción habla de resistencia y perseverancia. Es una muestra de la versatilidad de Sumo.  

4. "Regtest": Una de las joyas ocultas del álbum. Con un ritmo lento y una letra en inglés, Luca canta sobre la soledad y la búsqueda de sentido en un mundo caótico. Es pura poesía musical.  

5. "Reggae de paz y amor": Un respiro en medio de la intensidad del álbum. Con un ritmo reggae y una letra optimista, esta canción es un canto a la paz y al amor.  

6. "Debede": Corta, directa y con actitud punk. Es una descarga de energía que refleja el lado más rebelde de la banda.  

7. "Mejor no hablar de ciertas cosas": Sin duda, uno de los temas más emblemáticos de Sumo. Con su ritmo pegajoso y letra cargada de humor y crítica social, se convirtió en un mantra generacional. "Mejor no hablar de ciertas cosas" es una frase que quedó grabada en la memoria colectiva.  

8. "Divididos por la felicidad": La canción que da título al álbum es una obra maestra. Con un ritmo lento y una atmósfera densa, Luca reflexiona sobre la división interna que genera la búsqueda de la felicidad. Es profunda, melancólica y bellamente poética.  

9. "No duermas más": Un tema con un aire new wave y post-punk. La letra, en inglés, habla de la monotonía y la rutina, mientras la música crea una atmósfera oscura y envolvente.  

10. "Kaya": Una canción con un ritmo pegajoso y letras oníricas. Es una muestra del lado más experimental y surrealista de Sumo.  

¿Por qué este álbum es imprescindible?  

Divididos por la felicidad no es solo un álbum; es una declaración de principios. Sumo logró fusionar géneros de manera natural, creando un sonido que no suena a nada de su época. Luca Prodan, con su carisma y talento, se convirtió en una figura icónica, y su muerte prematura en 1987 solo aumentó el mito alrededor de la banda.  

Este álbum influenció a generaciones de músicos y sigue siendo un referente en la escena musical argentina. Canciones como "Mejor no hablar de ciertas cosas" y "La rubia tarada" son clásicos que nunca pasan de moda.  

¿Te lo vas a perder?  

Si aún no has escuchado Divididos por la felicidad, estás perdiéndote una obra maestra del rock argentino. Es un álbum lleno de contrastes: caótico y melancólico, irreverente y profundo, punk y poético. Es, en definitiva, un reflejo de la genialidad de Luca Prodan y de la banda que supo crear un sonido único e inolvidable.  

Así que, ¿qué estás esperando? Dale play y déjate llevar por este viaje sonoro que captura la esencia de una época y de una generación.  

¿Te animas a escucharlo? 

Daniel  

Instagram: @storyboy  

1513.- Dame Veneno - Los Chunguitos

Los Chunguitos, fueron uno de los grupos más emblemáticas del panorama musical español a finales de los años 70, tienen sus raíces en la provincia de Badajoz, pero rápidamente emigraron a la localidad de Vallecas, Madrid. Los hermanos Juan, Enrique y José Salazar decidieron reunirse en 1973 para formar lo que sería un grupo de ruma, la familia Salazar, de etnia gitana, creció en un ambiente donde la música flamenca y la rumba formaban parte de la vida diaria, algo que influyó profundamente en su estilo musical. En 1977, Los Chunguitos grabaron su primer disco, titulado “Los Chunguitos”, que rápidamente llamó la atención por su auténtico sonido flamenco mezclado con rumba y pop. Canciones como “Dame veneno” y “Pa ti pa tu primo” se convirtieron en himnos populares. El grupo logró captar la esencia de una España en plena transición, emocionando a diversos públicos con su autenticidad y carisma. Aquel primer álbum no solo consolidó su posición en la industria musical, sino que también actuó como catalizador de un fenómeno cultural. Con letras que hablaban de amor, desamor y luchas cotidianas, sus canciones resonaban profundamente entre sus seguidores. Las voces de los hermanos Salazar, combinadas con el vibrante acompañamiento de guitarra y percusión, crearon una identidad musical inconfundible. Durante la década de los 80, Los Chunguitos continuaron llenando salas de conciertos y vendiendo discos a raudales. La consolidación de su carrera llegó con trabajos como “Ladrón de Amores” en 1980, y “Vagando por ahí” en 1982. Su presencia en programas de televisión como “Aplauso” y “300 millones” amplió aún más su popularidad, llevándolos a ser conocidos a nivel nacional e internacional. La influencia de Los Chunguitos ha trascendido generaciones, y es notable cómo la familia Salazar dejó una huella indeleble en la música española. Los sobrinos de Juan y José, o “Las Grecas”, han continuado con el legado, aportando al desarrollo de la música gitana y flamenca contemporánea. Este linaje musical es testimonio del talento y la pasión que corren por las venas de la familia Salazar.

La combinación de la guitarra flamenca y los característicos coros de Los Chunguitos le dan a la canción una fuerza inconfundible. El ritmo y la melodía, con una base rítmica marcada y constante, complementan perfectamente la carga emocional de la letra. Los arreglos musicales son sencillos, pero potentes, permitiendo que la voz de los hermanos García, miembros del grupo, destaque en todo su esplendor. Su interpretación vocal es apasionada y llena de emoción, lo que refuerza aún más la sensación de desesperación y angustia. Dame veneno puede ser vista como una crítica al amor destructivo, ese tipo de relaciones que, aunque duelen, se mantienen vivas debido a la adicción emocional que generan. Los Chunguitos, al igual que otros grupos de flamenco y música española de la época, lograron dar voz a las personas que vivían en la periferia social y emocional, enfrentándose a realidades complicadas y dolorosas. La letra invita al oyente a reflexionar sobre el precio del amor y cómo, en algunos casos, las relaciones pueden volverse tan tóxicas que, en lugar de brindar consuelo y felicidad, solo dejan cicatrices. El éxito de "Dame veneno" radica en su capacidad para conectar emocionalmente con su audiencia. La canción se ha convertido en un himno de la música española, especialmente en el ámbito de la rumba

Metallica - Reload - #MesMetallica

"¿No te gusta el café? Pues toma dos tazas", pensé al tener que afrontar mi segunda reseña del #MesMetallica. Ya comenté en la reseña de "...And Justice for All" que, aún reconociéndoles el poderío instrumental de muchos de sus temas, no son santo de mi devoción, y aún así siempre es positivo escuchar un disco al que no había dedicado tiempo ni atención antes. Siempre se encuentran cosas, así que no me ha importado "recargar" de nuevo las pilas y lanzarme a la escucha de "Reload" (1997), el séptimo álbum de la banda, que salió al mercado como una continuación natural de Load (1996), y tanto es así que, en un primer momento, la idea original fue lanzar Load y Reload como un álbum doble, pero resultó problemático para el grupo gestionar la grabación de tantos temas a la vez, y optaron por grabar solo la mitad de los temas para una primera entrega, y reservarse la otra mitad para el siguiente disco.

¿Es entonces Reload un conjunto de descartes de Load? Hay quién podría verlo así, porque el disco no terminó de convencer ni a crítica ni a público, pero yo apuesto por que el reparto fue algo más equilibrado, porque tampoco fue excesivamente bien valorado su antecesor, y porque canciones como "Fuel", con la que arranca el disco, o especialmente "The Memory Remains" (con la estimable colaboración de Marianne Faithfull, en la que fue la primera canción de Metallica en la que incluyeron a una invitada) están a la altura o incluso por encima de muchos de los temas de "Load".

Quizá no se pueda sacar tanto pecho de temas correctos como "Devil's Dance" o "The Unforgiven II", una innecesaria secuela de "The Unforgiven", que aunque tiene suficiente brillo, inevitablemente deja un regusto a relleno. Son temas destacables que bajan un peldaño el nivel pero que siguen por encima de lo que podría considerarse un descarte. Y en el resto de temas de Reload no se puede hablar realmente de malas canciones, sino más bien de un giro hacia el rock sureño que no fue bien recibido por los fans más clásicos del grupo, y que tampoco logró captar a una hornada de seguidores diferentes, dejando además la sensación de que a canciones como "Better Than You" o "Slither" les faltó un punto de cocción y podrían haber sido más trabajadas y desarrolladas.

"Carpe Diem Baby" y "Bad Seed" mejoran algo el panorama y son buenos temas que, sin brillar en exceso, contribuyen a darle empaque al álbum, pero no ocurre lo mismo con casi toda la última parte del disco, en la que en canciones como "Where the Wild Things Are", "Prince Charming" y, en menor medida "Low Man's Lyric" y "Attitude" es difícil resistirte a la tentación de saltar a la siguiente hacia la mitad de cada canción, hasta llegar a "Fixxxer", que junto a las ya mencionadas "Fuel" y "The Memory Remains" conforma el trío de ases de una partida de cartas de Metallica algo deslucida.

El farol del rock sureño no funcionó, y la falta de ases en la manga de "Reload" quedó al descubierto, pese a lo cual el disco entró inicialmente en el nº1 del Billboard 200, vendiendo más de 400.000 copias en su primera semana, y manteniéndose en la lista durante 75 semanas, aunque en su totalidad solo llegó a los cuatro millones de copias vendidas en Estados Unidos, una cifra agridulce para un álbum de una banda tan relevante como Metallica, que en futuras entregas intentaría retomar su rumbo más clásico, con mayor o menor acierto, como contaremos en las siguientes entregas del #MesMetallica.

1512.- Ça plane pour moi - Plastic Bertrand

 

"Ça plane pour moi" ("Esto funciona para mí") del músico belga Plastic Bertrand agitó la escena musical de los años setenta con sus abrasivos riffs de guitarra y su letra caricaturesca e incoherente. En pleno nacimiento y efervescencia del punk, este tema interpretado en francés se convirtió en una auténtica rareza con una relevancia y una influencia muy significativas, como ilustra su aparición en películas como 127 horas (2010), Jackass 3.5 (2011), El Lobo de Nueva York (2013), entre muchas otras.

Escrita por Lou Deprijck e Yvan Lacomblez, intentando crear un hit de guitarras distorsionadas que se bailara en plan "pogo", el baile característico del punk, y con ese objetivo huyeron de músicos virtuosos y seleccionaron a los músicos más salvajes que encontraron: Mike Butcher (guitarra), John Valcke (bajo) y Bob Dartsch (batería). Le añadieron una sección rítmica y un saxofón de corte clásico de Rock and Roll, y la lanzaron inicialmente como cara B de la canción "Pogo-Pogo", pero el éxito de "Ça plane pour moi" obligó a intercambiar las caras en las reediciones posteriores del single.

Pese a considerarse una canción punk rock, o incluso una parodia de ese género, alcanzó el nº8 de la lista de singles del Reino Unido en 1978, y fue un éxito en muchos países europeos. Al saborear las mieles del éxito, surgió también la polémica en torno a la canción, ya que Lou Deprijck dijo haber interpretado las voces, algo que nunca llegó a demostrarse, a pesar de grabar su propia versión para que el análisis científico demostrara que ambas estaban interpretadas por la misma voz, y finalmente, en 2006, el Tribunal de Apelación de Bruselas confirmó que Bertrand era el único intérprete de "Ça plane pour moi".

1511.- Birdland - Weather Report

 

Birdland es la canción que abre el disco “Heavy Weather” (1977) de la banda estadounidense de jazz fusión y jazz rock Weather Report, un álbum que supondría el mayor éxito comercial de la carrera discográfica del grupo liderado por Joe Zawinul (piano, teclados, voz) y Wayne Shorter (saxofón).

Escrita por Joe Zawinul, Birdland es un homenaje al club nocturno neoyorquino del mismo nombre, un local de música jazz en directo que funcionó en Broadway de 1949 a 1965 y en el que se celebraron actuaciones de grandes músicos de jazz de la época, de la talla de Count Basie, Louis Armstrong, Duke Ellington o Miles Davis.

Otros artistas han versionado posteriormente Birdland, un tema con una melodía de jazz contemporáneo tan irresistible que se ha convertido en una de esas canciones que a todo el mundo le resuena al escucharla, ya sea en la versión original (que entró en 2010 en el Grammy Hall of Fame) o en las también exitosas revisiones de Manhattan Transfer (1979) o Quincy Jones (1989).

1510.- Europe Endless - Kraftwerk

 

Europe Endless, Kraftwerk

     A finales de los años 80, Europa occidental había experimentado un auge sin precedentes en la popularidad de la música electrónica, que posteriormente eclipsó el predominio de Japón en el género. El papel fundamental de Kraftwerk en este desarrollo del género ha sido fundamental, la banda alemana no tuvo porblemas en lanzarsa hacia la innovación tecnológica de nuevos sonidos.

En marzo de 1977 publican su sexto álbum de estduio, Trans-Europe Express, grabado en loss Kling Klang Studios de Düsseldorf, bajo la producción de Ralf Hütter y Florian Schneider, y publicado bajo el sello discgráfico Kling Klang. En este álbum, el grupo refinó su melódico estilo electrónico, endfocándose en ritmos secuenciados, el minimalismo y las voces manipuladas. Aunque Autobahn fue su gran obra maestra, Trans-Europe Express es, quizás, el álbum más accesible de Kraftwerk. Los temas melódicos se repiten a menudo y ocasionalmente se entrelazan sobre ritmos deliberados y lentos, a veces con voces manipuladas; el efecto es mecánico pero hipnótico. Temáticamente, el disco se siente como partes de dos álbumes conceptuales diferentes: uno es una meditación sobre las disparidades entre la realidad y la imagen, y el otro es la glorificación de Europa. 

Incluído en este álbum se encuentra Europe Endless, una oda minimalista y melódica a la idea de una Europa moderna, unida por la tecnología, la cultura y el movimiento incesante de sus habitantes. Más allá de su aparente simplicidad, la letra de la canción sugiere un paisaje en constante cambio, donde la cultura y la tecnología se entrelazan para formar un mundo moderno y sofisticado. Musicalmente, Europe Endless es una pieza hipnótica construida sobre una base electrónica repetitiva, con sintetizadores melódicos y ritmos mecánicos que imitan el sonido de un viaje en tren. Los arreglos minimalistas, característicos de Kraftwerk, permiten que la canción fluya con una sensación de infinito, reforzando la idea de una Europa sin fronteras. 

1509- La Máquina de Hacer Pájaros - Hipercandobe

1509 - La Máquina de Hacer Pájaros - Hipercandobe

La Máquina de Hacer Pájaros, una banda argentina formada a mediados de los 70, es reconocida por su enfoque progresivo y su capacidad para fusionar elementos del rock sinfónico con toques de vanguardia. Dentro de su discografía, "Hipercandobe", incluida en su álbum debut homónimo de 1976, destaca como una pieza que encapsula la esencia creativa y experimental del grupo. Compuesta por Charly García, líder y fundador de la banda, esta canción es un viaje sonoro que desafía las convenciones y transporta al oyente a un universo musical único.

Desde el inicio, "Hipercandobe" se presenta como una obra ambiciosa. La introducción, con sus arpegios de teclado y atmósferas etéreas, establece un tono misterioso y envolvente. La instrumentación es rica en texturas, combinando guitarras, sintetizadores, bajos pulsantes y una sección rítmica que fluye entre lo complejo y lo hipnótico. La producción, aunque limitada por los recursos técnicos de la época, logra capturar la esencia progresiva de la banda, permitiendo que cada detalle musical tenga su espacio.

La voz de Charly García, caracterizada por su expresividad y versatilidad, se convierte en un instrumento más dentro de este paisaje sonoro. Aunque la letra de "Hipercandobe" no sigue una narrativa lineal, sus versos abstractos y poéticos invitan a la interpretación personal. Frases como "Hipercandobe, el mundo se va a acabar" y "No sé por qué, no sé por qué" sugieren una reflexión sobre la incertidumbre y la fragilidad de la existencia, temas recurrentes en la obra de García. La canción no busca transmitir un mensaje directo, sino más bien evocar emociones y sensaciones a través de su lenguaje musical y lírico.

Musicalmente, "Hipercandobe" es una muestra del virtuosismo y la creatividad de La Máquina de Hacer Pájaros. Los cambios de tempo, las armonías complejas y los pasajes instrumentales demuestran la influencia del rock progresivo de bandas como Yes o Genesis, pero con un sello distintivo que refleja la identidad del grupo. Los solos de teclado y guitarra, ejecutados con precisión y emotividad, añaden capas de intensidad a la composición, mientras que la base rítmica, a cargo de Oscar Moro y José Luis Fernández, mantiene una coherencia que sostiene la estructura de la pieza.

A pesar de su corta existencia, La Máquina de Hacer Pájaros dejó una huella significativa en la música argentina, y "Hipercandobe" es un ejemplo claro de su legado. La canción no solo refleja la búsqueda constante de innovación por parte de García y sus compañeros, sino que también representa un momento crucial en la evolución del rock progresivo en América Latina. Su audacia para explorar nuevos territorios sonoros y su capacidad para crear atmósferas únicas la convierten en una obra que sigue siendo relevante para los amantes del género.

"Hipercandobe" es una pieza que trasciende el tiempo, no solo por su complejidad técnica, sino por su capacidad para evocar emociones y transportar al oyente a un mundo imaginario. La Máquina de Hacer Pájaros logró con esta canción capturar la esencia de una época y dejar un legado que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos y escuchas.

Daniel 

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Metallica - Load (Mes Metallica)

 

Siempre he admirado a Metallica por su deseo insaciable de no explotar la misma veta hasta el final de sus días musicales, sino de buscar constantemente nuevas ideas y conceptos, una nueva visión de la creatividad. Comenzaron a ser criticados masivamente en 1991: la desaparición del trash y las melodías sofisticadas fue percibida negativamente en su mayoría por los fans antiguos, pero también por los más devotos, es decir, aquellos que no son tan testarudos y prejuiciosos se dieron cuenta de que continuar con el estilo de los años 80 solo podría conducir al lanzamiento de clones, y no algo original. Pero si en 1991 las filas de fans del grupo aún no se habían reducido significativamente, todo cambió con el lanzamiento del álbum "Load" en junio de 1996, en el que los músicos habían estado trabajando de forma intermitente desde finales de 1994 tras varias giras, un largo descanso y un litigio con Elektra. Por primera vez, Hetfield y Hammett tocaron la guitarra rítmica y la guitarra principal alternativamente, o ambas guitarras rítmicas a la vez, lo que dio como resultado un sonido más vivo. Se seleccionaron 14 composiciones, ya que no había más espacio en el CD. Este álbum fue un shock para muchos fans después de cinco años de espera, no podían entender cómo su grupo favorito pudo llegar a este punto, olvidando que si alguna banda nueva lanzara un álbum como este, serían elogiados a diestro y siniestro por todos y hasta su perro. Pero, por desgracia, la sombra de la vieja Metallica se cernía sobre muchos, y no era fácil ahuyentarla, los experimentos (especialmente en la segunda parte), los elementos de grunge, alternativo y blues-rock, muchas baladas, la gran duración de algunas canciones (aunque no es de mi gusto), todo esto fue recibido con hostilidad, y un crítico de Rolling Stone llamó a este lanzamiento "la mayor decepción del año y una parodia del hard rock inteligente". Sin embargo, por cada persona decepcionada había un nuevo fan al que le gustaba este tipo de música, en cualquier caso, elige tú mismo si te gusta o no, personalmente me encanta este álbum. Metallica siguió siendo la misma: no querían repetirse y seguían tocando la música pesada y potente que les gustaba y, según Ulrich, más simple (aunque no lo creo), solo que con arreglos más hermosos. No a todos los fans les gusta, pero ese es un problema de los fans. Me gustaría preguntarles: ¿hubiera sido mejor si Metallica hubiera horneado los mismos panes durante 20 años? La extraña portada dio otro motivo más para los ataques. Es decir, no sólo se cortaron el pelo, se volvieron pop, cambiaron su logo, sino que además muestran esperma. La idea de utilizar este algo extraño se le ocurrió a Hammett mientras estaba hojeando un libro de arte. Vio la obra del europeo Andrés Serrano, “Sangre y Semen III”, que tiene toda una serie de cuadros de este tipo. El resultado es sangre de toro mezclada con el esperma del artista entre dos láminas de plexiglás. Es cierto que Jason estaba en contra, pero era minoría.

Ain't My Bitch empieza el álbum con energía, la sección rítmica entra con fuerza, con algunos riffs frescos y apagados al principio. La frase del título se puede traducir como "No es mi problema". El héroe lo dice mientras se dirige a alguien y le pide que lo deje en paz. En el medio aparece de nuevo la guitarra, seguida de un bonito solo de slide. Las últimas palabras, “You ain’t mine” (No eres mía), sugieren que la canción bien podría tratar de una mujer que ya no pertenece al héroe, es decir, él rompió con alguien y no quiere que esa mujer lo moleste. "2x4"me gustaba en distintos momentos y luego no gustó, somos variables y me gusta ahora sobre todo por esa batería que entra, los riffs de guitarra son pesados ​​y oscuros, y se percibe un espíritu de Black Sabbath. Liricamente Hetfield se acerca a alguien que claramente no le agrada con la intención de tratar con esa persona y mediante el coro nos trasmite esas emociones: ira, rechazo, sorpresa porque no hay respuesta a las palabras provocativas. El protagonista quiere provocar al enemigo: “No te escucho. "Dime algo." El extraño título originalmente era un título provisorio que significaba dos riffs repetidos cuatro veces, pero luego se inventó la letra para adaptarla, ya que como adjetivo "dos por cuatro" significa "estrecho, limitado". Así es como se le parece el héroe a la persona con la que intenta hablar. En el medio, el ritmo se ralentiza y luego sigue un solo penetrante, creando la sensación de que incluso la guitarra quiere que finalmente se le responda al héroe. La última frase es “Ella no aguanta más”, es decir “Ella no aguanta más” cambia radicalmente la situación, porque resulta que el protagonista se dirigía a una mujer. El subtexto erótico de las palabras “fricción” y “fusión” queda claro. The House Jack Built es una pieza fascinante y conmovedora, los riffs de guitarra y la batería suenan suave a los que se une una segunda guitarra se suma. El héroe de James abre la puerta de su escondite. La música es mística y el misterio lo añaden, entre otras cosas, los coros sin palabras. La voz resuena, pero el eco es bastante extraño y parece existir por sí solo. Es una maravillosa alegoría de nuestra vida, donde hay una confusión total, pero una cosa está inextricablemente ligada a otra. Pero ¿es seguro estar en un templo que está a punto de derrumbarse? Jack es probablemente la abreviatura de Jack Daniels, y el poeta beatnik Jack Spicer, que murió de alcoholismo, tenía un libro con el mismo nombre. Until It Sleeps es una hermosa balada, la batería entra silenciosamente con un bajo alarmante, y pronto aparecen las voces, junto con una guitarra triste. Como recordamos, la madre de James, una mujer religiosa, murió en 1980 de cáncer, al no querer recurrir a los servicios de los médicos. Desafortunadamente, en 1996, el cáncer también se llevó al padre de Hetfield. La dureza llega después de las dos primeras líneas y el estribillo es muy emotivo. El protagonista se dirige a su padre y le pide que lo ayude a superar el dolor, que le lave la suciedad y que lo sostenga hasta que el dolor y el odio se duerman. En King Nothing poco a poco comenzamos a escuchar el aullido de una guitarra, y cuando el volumen alcanza un nivel normal, comienza a reproducirse el bajo al que se suman grandes riffs. Hetfield habla de personas que están obsesionadas con el deseo de tenerlo todo en esta vida, pero al final se quedan sin nada "Ten cuidado... o podrías sufrir esto

A pesar del éxito que tuvo Hero of the Day como single, por alguna razón nunca me lleno, la guitarra suena, los tambores se suman suavemente y James canta: "Mamá, están tratando de romperme". En el primer verso aparece una guitarra acústica, pero poco a poco el sonido se vuelve más pesado. Liricamente habla de aquellos que buscan héroes en periódicos y programas de televisión, sin darse cuenta de que los héroes pueden ser personas comunes que uno puede encontrar en la calle. La música se vuelve más pesada y rápida en el estribillo, donde habla de sueños y pesadillas, por lo que la gente aparentemente intenta encontrar algún tipo de héroe en esta vida. Todo termina con una repetición repetida de la frase que se escuchó al principio. Tal vez Hetfield realmente esté recurriendo a su madre fallecida en busca de apoyo. Bleeding Me es una composición que realmente toca el alma. Comienza como una balada. Suena una guitarra triste, acompañada de un bajo, y de fondo aparece un órgano eléctrico. La voz de James es conmovedora y lírica. El protagonista es un hombre que sufre, pero él mismo es la causa de ello. Simpatizamos con el protagonista que se hace sangrar. La idea principal de esta canción algo masoquista es probablemente esta: no trates mal a alguien a menos que estés preparado para que te traten de la misma manera. Un riff solitario surge en el medio, la batería se suma y la voz de James se duplica con coros distorsionados. Después de un solo magnífico y penetrante, se repiten la melodía inicial y el primer verso. El héroe es optimista, a pesar de los altibajos de la vida. A continuación, Cure, la bateria, los riffs de guitarra, las voces suenan con un timbre extraño, en general, el epíteto “opresivo” se puede aplicar a la música. La guitarra periódicamente se vuelve más silenciosa en comparación con la voz de James, y canta sobre el deseo humano inherente de encontrar una salida a situaciones difíciles. Pero cada uno resuelve los problemas a su manera: algunos volándose los sesos de un tiro, otros bebiendo un trago de una botella y pensando que ahogarán sus penas en alcohol, algunos invitando a una persona no querida a su casa y tratando de llenar el vacío de su corazón; Y toda esta gente está equivocada. Bueno, todo el mundo necesita medicamentos porque todos tenemos algún tipo de enfermedad. El solo es memorable, pero corto, James repite una y otra vez: "Creo" (que todo el mundo necesita una cura y, presumiblemente, que es posible curarse). Poor Twisted Me comienza un riff que reproduce la música de "Spirit in the Sky" de Norman Greenbaum, y la bateria se suma suavemente. Luego la sección rítmica empieza a tocar bastante pesada y oscura, y las voces están distorsionadas. El héroe siente lástima de sí mismo porque su vida es una gran desgracia y tristeza. Es como si se estuviera ahogando en el mar, tratando de llegar a la orilla, y estaría contento si alguien lo ayudara. En general, la composición recuerda a un rhythm and blues lento y pesado. Wasting My Hate fue escrito bajo la influencia del blues rock, la guitarra suena suavemente bajo el sonido de los tambores y la voz de James suena apagada. Él le pide a alguien que no desperdicie odio en él, y entonces él no desperdiciará el suyo. La idea de la canción surgió de una historia que le sucedió al amigo de James, Waylon Jennings. Estaba sentado en un restaurante y de repente vio a través de la ventana que un tipo lo estaba mirando desde un auto. Las miradas de retorno de Waylon estaban llenas de odio. Finalmente decidió hablar con el tipo, pero cuando llegó al auto, lo encontró dormido y pensó: "Oh, mierda, desperdicié mi odio en este tipo".

En Mama Said aparece una guitarra acústica tocando en estilo country y pronto siguen las voces, James dedicó esta otra composición profundamente personal a su difunta madre, recuerda que ella le advirtió que "la vida es un libro abierto" que no debe "cerrarse hasta que se haya leído hasta el final" y que "la llama más brillante se apaga más rápido". En el coro entra la batería y la guitarra eléctrica toca una triste melodía de blues. Antes del siguiente verso, de vez en cuando se añaden acordes tristes de la guitarra eléctrica a la guitarra acústica. La música y las voces se van volviendo poco a poco más emotivas. James quería distanciarse de su madre y encontrar su propio camino, y abandonó el hogar temprano. Ahora se da cuenta de que siempre dio por sentado el amor de su madre, pero cuando quiso estar en su cálido abrazo, se dio cuenta de que su madre había muerto hacía mucho tiempo. Thorn Within un tema un tanto infernal que me gusta mucho. Los tambores hacen clic, la guitarra toca maravillosamente y el bajo resuena abruptamente. La atmósfera es oscura y perturbadora. Al parecer, el protagonista acude al sacerdote para confesarse: “Perdóname, padre, porque he pecado. Me siento culpable de sentir la vida dentro de mí." Al mismo tiempo, ve que, a pesar de su confesión, no quieren perdonarlo, porque es como una espina, como un hueso en la garganta. Sin embargo, ¿tiene una persona derecho a condenar a alguien si cada uno es pecador a su manera? Solo expresa empatía, pero lograr que otra persona empatice será mucho más difícil. Ronnie huele a Nazaret o a Lynyrd Skynyrd. Suena una guitarra eléctrica en silencio y se suma la batería, primero apagada, luego fuerte, acompañada por un bajo pulsante, el sonido te hace pensar en una película del Oeste. La composición está basada en un incidente real: en 1995, en un pueblo del estado de Washington, un niño llevó una pistola a la escuela y comenzó a disparar. James dejó todo como estaba: el nombre Ronnie, el apellido Brown, el apodo Frown. La composición se prolonga un poco al final, pero en general suena bien, aunque no "metálica". Sin embargo, con un grupo tan cambiante, es difícil decir qué es lo que les suena familiar. The Outlaw Torn es una de mis favoritas, se acerca el sonido de una guitarra y unos tambores fuertes, pesado y lírico a la vez. Las voces se vuelven más tranquilas y con un bajo rítmico y, en mi opinión, asombroso que agrega un toque jazzístico, James canta el memorable estribillo: "Y así te espero toda mi vida". La amada del protagonista murió, y ahora él está tratando de encontrar alguien que la reemplace, él está buscando su felicidad, pero algo no está funcionando. La música se vuelve más pesada y Hetfield grita: "Soy un paria torturado". Suena genial el verso en el que James responde a las cortas frases de Jason: “Mírame”, “Escúchame”, “Abrázame”, “Sálvame”.

A los componentes de Metallica les gustó mucho el álbum, y Jason dijo que este fue el primer trabajo del grupo en el que pudo demostrar su valía. A los pocos días de su lanzamiento, el álbum alcanzó el número uno en las listas de Billboard. A pesar de la división entre los fans, este polémico álbum siguió siendo popular, considero que no es su mejor obra, pero todos cambiamos con el tiempo, ¿y por qué deberíamos negarles lo mismo a los músicos? Si este álbum dejó a alguien indiferente, bueno, aparentemente no es lo suficientemente maduro para ello, o quizás, por el contrario, lo ha superado y ya no puede percibir cosas buenas, de las cuales ya no quedan tantas en este mundo.

1508.- Linda - Miguel Bose

Luis Miguel González Bosé entró en el mundo de la música en 1975 de la mano de un conocido nuestro, Camilo Sesto, quien se encargó de la producción y el lanzamiento del primer disco sencillo, Soy, el cual no tuvo mucha acogida. Lo mismo ocurrió al año siguiente con el single titulado Es tan fácil, promovido también por Camilo Sesto. Por aquel entonces, Bosé pensaba más bien seguir los pasos de su madre y dedicarse a la actuación. Tras dos sencillos de escasa relevancia, Miguel Bosé edita su primer larga duración con la casa CBS y bajo la producción de Danilo Vaona -responsable también de arreglos y orquestación- y José Luis Gil. “Linda” (CBS, 1977) se nutre fundamentalmente de versiones y adaptaciones, figuran cinco temas de origen italiano, pero a pesar de ello se consigue un conjunto con personalidad propia, insuflada sobre todo por su carismático intérprete y que derivó en un enorme éxito en España y Latinoamérica y lo volvió un ídolo entre las adolescentes. La canción también le dio el nombre a su primer álbum, en el que. De hecho, aquel LP fue grabado en Madrid y Milán.

Linda sale a la venta y así nace el mayor fenómeno de la música pop española. Linda se convierte en número 1 en sólo 52 días y se mantiene allí durante 6 semanas. Miguel, a los 21 años, tiene un futuro increíble y brillante”, es lo que puede leerse en el disco LP. El gran salto ocurrió el 26 de abril de 1977 en el programa Esta noche… fiesta, conducido por el periodista español José María Iñigo. Fue una velada en familia, pues entre el público también se encontraban los padres de Bosé y su hermana Paola. Aquella presentación se realizó en Florida Park, una de las salas de fiestas más emblemáticas de Madrid, Iñigo le preguntó al padre de Bosé, el famoso torero español Luis Miguel Dominguín, por qué estaba tan nervioso. “Porque la profesión nuestra da un sentido a la responsabilidad, y esto tiene para él (Miguel Bosé) una gran responsabilidad, por lo tanto no puedo evitar estar nervioso”, respondió. Mientras que su madre, la actriz italiana Lucia Bosè, destacó la profesionalidad de Miguel. “Mi hijo se lo toma muy en serio; si no, no lo haría”, mencionó. Linda fue una de las versiones que contenía el disco, la adaptación al castellano de fue hecha por el español Luis Gómez Escolar y fue grabada también en portugués y en inglés. La versión original fue interpretada por Pooh, una de las bandas de mayor éxito en aquella época en Italia, allí Linda es vista como símbolo de pureza y es llamada “acqua di sorgente, calda ed innocente” (agua de manantial, caliente e inocente), por supuesto, están las líneas más explícitas respecto al tema de la “primera vez”: “Linda, prima che ti tocchi, prima che succeda tutto, ascolta” (Linda, antes que te toque, antes que suceda todo, escucha). O esta otra: “Linda ho un dubbio in mente io, chi è che non ne ha, però fa che non possa io rubarti la tua prima volta pensando a un’altra” (Linda, tengo una duda en la mente, y quién no la tiene, pero haz que no pueda robar tu primera vez pensando en otra). La buena acogida que tuvo Linda hizo que los Pooh grabaran también una versión en español (no tan exitosa como la de Bosé), pero en esta versión, aquella explícita mención a la “primera vez” de Linda fue eliminada. 

Sin duda la canción la hemos cantado tantas veces que ya ni reparamos en su argumento: la historia de un hombre que no desea desvirgar a una chica porque sigue queriendo a otra. Mientras algunos la consideran una letra bizarra, otros la elogian moralmente. “Reivindica la juventud y sus valores”, dice un blog que se ha tomado el tiempo de analizar las canciones de Bosé.

1507- Peter Gabriel - Solsbury Hill

1507 - Peter Gabriel - Solsbury Hill

Peter Gabriel, conocido por su capacidad para contar historias a través de su música, nos regaló en 1977 una de sus piezas más personales y emotivas: "Solsbury Hill". Este tema, lanzado como su primer sencillo en solitario tras su salida de Genesis, no solo marcó el inicio de una carrera independiente llena de éxitos, sino que también se convirtió en un himno de liberación y autodescubrimiento. Escrita por el propio Peter Gabriel, la canción es una reflexión íntima sobre el cambio, la libertad y la búsqueda de uno mismo.

Desde el primer acorde, "Solsbury Hill" captura la atención con su estructura poco convencional y su ritmo envolvente. La guitarra acústica, tocada en un compás de 7/4, crea una sensación de movimiento constante, como si llevara al oyente en un viaje personal. La instrumentación, que combina elementos acústicos y eléctricos, es a la vez sencilla y sofisticada, permitiendo que la voz de Peter Gabriel, llena de emotividad, sea el centro de atención. Su interpretación vocal es sincera y cargada de matices, transmitiendo una mezcla de nostalgia, esperanza y determinación.

La letra de la canción es profundamente autobiográfica. Peter Gabriel escribió "Solsbury Hill" tras tomar la decisión de dejar Genesis, una banda en la que había sido el vocalista principal durante años. Aunque no menciona explícitamente este hecho, las metáforas y las imágenes que utiliza reflejan su proceso de liberación y su búsqueda de una nueva identidad. Frases como "My heart going boom, boom, boom" y "I was feeling part of the scenery, I walked right out of the machinery" evocan la emoción y el alivio de dejar atrás algo familiar para abrazar lo desconocido. El título de la canción hace referencia a un lugar real cerca de Bath, Inglaterra, que Peter Gabriel visitaba para reflexionar, añadiendo un toque de autenticidad a su narrativa.

Musicalmente, "Solsbury Hill" es una obra maestra que combina elementos del folk, el rock progresivo y la música experimental. La producción, manejada por el propio Peter Gabriel junto con Bob Ezrin, es limpia y detallada, permitiendo que cada instrumento tenga su momento para brillar. Los arreglos de vientos y la percusión sutil añaden capas de textura a la canción, creando una atmósfera que es a la vez íntima y expansiva.

A lo largo de los años, "Solsbury Hill" ha sido interpretada como un himno de transformación personal. Su mensaje de dejar atrás lo seguro para perseguir lo desconocido resuena con cualquiera que haya enfrentado una encrucijada en su vida. La canción no solo marcó un nuevo comienzo para Peter Gabriel como artista en solitario, sino que también se convirtió en un recordatorio poderoso de la importancia de seguir el propio camino, incluso cuando eso implica tomar decisiones difíciles.

"Solsbury Hill" es mucho más que una canción; es una experiencia emocional que invita a la reflexión y al crecimiento. Peter Gabriel logró capturar en esta pieza un momento crucial de su vida, transformándolo en un mensaje universal que sigue inspirando a quienes la escuchan. Su legado perdura no solo por su calidad musical, sino por su capacidad para conectar con las emociones más profundas del ser humano.

Daniel 

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Disco de la semana 417: Doolittle - Pixies

Con el ascenso de REM al público general, Doolittle de Pixies se convirtió silenciosamente en el álbum de indie-rock seminal de finales de los 80. Es un disco que resulta casi perfecto, uno que vive en su propio mundo completamente realizado, el único mundo donde realmente tiene sentido, y al que no le importa en absoluto ayudar a generar una generación entera condenada de rockeros alternativos enormemente exitosos y (en su mayoría) inferiores. Es una bestia rencorosa, deliberadamente críptica, y no dudará en convertir la rabia en lágrimas si quiere. Sí, los Pixies son dioses del rock alternativo y este es el álbum que pretendía ponerles en la cima del gusto del publico, he aquí una comparación absurda, y seguro que Nevermind se me lanzara al cuello y me retirara la palabra en los primeros 10 minutos en nuestra siguiente quedada para cenar: este álbum me recuerda al álbum Purple Rain de Prince. ¿Cómo?, os preguntaréis. Bueno, Purple Rain fue el álbum que Prince hizo específicamente para convertirse en una gran estrella del pop, y eso es exactamente lo que pasó, y aunque Doolittle no replicó el éxito del alter ego de Prince, estoy seguro de que el objetivo era el mismo... los Pixies, con este álbum, querían hacerse grandes. Y funcionó, hasta cierto punto, eso no quiere decir que Surfer Rosa no hiciera nada por ellos, todo lo contrario, encuentro a Surfer Rosa más innovador y, lo que es más importante, más definidor de estilo y aunque este álbum es indudablemente un álbum de Pixies que desafía la convencionalidad con los estados de ánimo extraños y las viñetas inquietantes que crea a través de riffs, rasgueos violentos y ritmos nada comunes, pero también a través de las letras, que en este álbum hacen referencia famosamente a cortar globos oculares de Un perro Andaluz, la obra maestra del cine experimental de colaboración Dali / Buñuel. Sin embargo, esa misma convencionalidad es con la que Pixies elige coquetear, y al hacerlo, Frank Black cede a la estructura de la canción pop, haciendo que las canciones sean aún más accesibles para un público más amplio. Quiero decir, una canción como Here Comes Your Man para mí es pop puro. Monkey Gone to Heaven es igualmente amigable con las listas de éxitos, y aunque es una gran canción, todavía espero que esa no sea la razón por la que es la única canción de Pixies en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone (porque eso sería una locura).

El álbum comienza muy bien, Debaser es una gran canción, nunca pomposa, pero una de esas canciones de rock que suenan genial en cualquier fiesta, sin pasar por alto que las letras son extrañas, sin sentido, y la melodía, es increíblemente pegadiza e incluso estimulante, luego Frank Black empieza al borde de su notoriamente alta (y tensa) voz mientras divaga, o mejor aún, despotrica con desquiciado júbilo, sobre conseguirse "una película" y cortarse los ojos antes de cambiar de idioma... Cualquier oyente primerizo debería ser perdonado por pensar que el disco comienza con un lunático hablando en lenguas, pero hablando en serio es una melodía sublime y uno de los instrumentales de punk rock con más cuerpo que he escuchado personalmente, y las voces espasmódicas se convierten en una parte importante del encanto temerario de la pista. Tame no debería estar tan cerca de Debaser, ya que las dos canciones suenan demasiado similares, aunque me gusta la diabólica secuencia final con los "uh-huh" armonizados antes del último estribillo explosivo. Wave of Mutilation es igual de buena, una brisa fresca que me rozó el alma mientras observaba los daños en mi dormitorio ahora destruido, otro himno de abandono, que resume el vigor despreocupado del álbum conduciendo un automóvil hacia el océano.

I Bleed es un ejemplo perfecto de la técnica de escritura automática de Frank Black. Vampiros, miedo a la muerte, sangrado, acantilados de Arizona... ¿Quién sabe el verdadero significado de “I Bleed”, pero realmente importa? Una cosa en la que todos podemos estar de acuerdo es en la descripción que hace Polly Jean Harvey de su canción favorita de Pixies. “Creo que I Bleed es una canción hermosamente estructurada, muy poderosa, inquietante, aterradora y conmovedora”. Mientras que Debaser es un rock divertido, Here Comes Your Man es básicamente una reescritura de "Oh, Pretty Woman" de Roy Orbison con su riff de guitarra igualmente pegadizo y su palpable sensación de pavor con brillantes cambios de acordes y un ritmo propulsor, la única diferencia fundamental, y marca de la originalidad de los Pixies, viene con las letras que convierten una súplica directa de compañía en algo abstruso e impenetrable, inquietantemente indescifrable, como todo en el debut de REM de 1983, Murmur. La calidad de megáfono de las voces que se escuchan en Dead es solo una parte de una dinámica ferozmente estilizada que es tan única que te preguntarás cómo este tipo de arreglo pudo haber existido en el papel, o en cualquier otro lugar que no fuera la cabeza de Frank Black. La narrativa de Monkey Gone to Heaven avanza con el mismo tipo de efectividad y simplicidad que tendría una canción infantil que cuenta cuentos, pero aún así se las arregla para seguir siendo descaradamente genial, tiene un gancho muy bueno y las guitarras realmente funcionan bien aquí y se combinan bien con el bajo. Jugando despreocupadamente con un ritmo de ska, Mr. Grieves comienza con Black sonando como un supervillano trastornado y extravagante antes de que la canción se convierta en una serie de la-la-la-la y rápidamente se abra paso hacia otro excelente clímax.

Crackity Jones quizás no llegó en un buen momento para mí, acabo de escuchar el álbum de The Replacements Let It Be, y hay una canción en él llamada Tommy Gets His Tonsils Out... es una canción corta que en realidad suena como Crackity Jones, solo que mucho mejor. No.13 Baby es otra canción que realmente me encanta, de hecho, es tan atractiva, junto con otras pistas del álbum, que me hace pensar que la cantidad de canciones que podrían haber sido lanzadas por separado como singles es increíble para una banda revolucionaria como Pixies. Este es el mismo atractivo, supongo, que ellos también satirizaron en una canción como La La Love, donde parecen burlarse de sí mismos, con la letra cursi y el diseño demasiado convencional de la canción. Hay una carga dispersa y diferente en todas las canciones. There Goes my Gun líricamente es otro precursor de Kurt Cobain (Cobain mezclando el humor con un poco más de odio a sí mismo, pero manteniendo el humor de todos modos). Hey es una de las canciones más aclamadas del disco, cubre un terreno lírico típico (para Black Francis, al menos) de lo sagrado y lo profano, pero musicalmente, es una de esas otras canciones de los Pixies, es lo más cercano al funky que vas a encontrar de los Pixies, con un ritmo nervioso que rebota en la línea de bajo de Kim Deal mientras la guitarra de Joey Santiago corre y luego se eleva sobre la superficie de la música como un cisne que emprende el vuelo. La canción coquetea con imágenes religiosas (“And Mary, ain't you tired of this?”), alegremente combinadas con blasfemias ( la palabra favorita de Francis , “whore”, aparece cuatro veces) y gruñidos guturales emitidos con más que un poco de libertinaje. Combinados en la penúltima línea, “Uh!' is the sound that the mother makes when the baby breaks”, simplemente se siente… pecaminoso, de alguna manera, aunque técnicamente no se dice nada blasfemo. Silver tiene una sensación atemporal, e incluso es bastante cinematográfica, recuerda atmósferas de westerns o epopeyas de aventuras. Finaliza con Gouge Away, donde su ritmo persistente se profundiza gradualmente a medida que las guitarras eléctricas zumban en la distancia, ocasionalmente chillando con arrebatos disidentes. Un claro punto de referencia para Nevermind de Nirvana , los momentos de escasez en la canción están impulsados ​​por la guitarra y el bajo, empapados en delay slap-back y reverb gated. Combinado con el estilo vocal impredecible de Francis, que aumenta de intensidad de manera constante, este arreglo atrae al oyente con su sonido íntimo y algo claustrofóbico.

Doolittle es el álbum de punk rock más versátil que se haya hecho jamás, Pixies demostraron cómo seguir una obra maestra de punk que derrite el cerebro, el corazón y los nervios; la respuesta, grabar otra. La banda estaba obviamente en su apogeo y estaban en el lugar y el momento perfectos para desbordarse. Claro, apesta que inicialmente no fuera aclamado como un clásico y no catapultara a la banda al estrellato, y el grupo tenía muchas otras canciones y álbumes geniales, pero sin Doolttle. La banda probablemente nunca se acerque al estatus de icono punk que finalmente obtuvo, pero disfrutemos del disco punk más duradero, versátil y, por no mencionar, épicamente divertido que he escuchado. Finalizo hablando de la portada que es del fotógrafo de la banda Larbalestier, quien finalmente tuvo acceso a las letras de la banda y, por lo tanto, pudo hacer una portada del álbum que tenía mucho que ver con el contenido del álbum. Sin embargo, encuentro que el tema es demasiado restrictivo para el álbum, esto no significa que el estilo y la elección de colores sean malos de ninguna manera, en realidad es una portada de álbum bastante interesante que tiene un tema crudo y oxidado que puedes identificar con el estilo musical de la banda.

1506.- Marquee Moon - Television

 

Marquee Moon (1977) fue el primer álbum de estudio de los neoyorkinos Television, que en lo que podría denominarse como el año clave del punk, optaron por un sonido experimental y vanguardista, más cercano al art rock que en la época practicaban The Velvet Underground o David Bowie, y que se sustentaba en las efectivas e imaginativas guitarras de Richard Lloyd y Tom Verlaine (responsable además de la voz principal), y en el destacable trabajo de Fred Smith (bajo) y Billy Ficca (batería).

El tema que da título al disco es una suite rock de diez minutos con ritmos y estructuras que beben del jazz experimental y la improvisación, en largos tramos de guitarra en los que la habilidad de Verlaine y Lloyd queda en un nítido primer plano, mientras la base rítmica trazada por Smith y Ficca lleva en volandas al oyente a través de las diferentes partes de una bohemia y decadente obra de arte.

Con Marquee Moon (disco y canción), los chicos de Television convirtieron de la noche a la mañana en la banda del momento de la escena "underground" de Nueva York, y en particular del CBGB, el club más emblemático de aquel movimiento, haciendo incluso sombra a grupos protopunk de la talla de The Ramones o The Stooges, cuando en realidad estaban plantando la semilla del post punk con un disco que no solo fue experimental y pionero en su momento, sino que influenció después a muchas bandas posteriores como los también neoyorquinos Sonic Youth o The Strokes.