1532.- Three Little Birds - Bob Marley

 

Bob Marley era un compositor talentoso, pero a veces la inspiración le llegaba como un regalo recibido de “algún otro lugar”, en el caso de Three Little Birds, una canción sencilla y alegre que ha sido un éxito en varias ocasiones, fue un regalo de la naturaleza, su escritura surgió a partir de los pájaros que revoloteaban junto a la ventana de 56 Hope Road, la sede de Tuff Gong y el hogar de Bob durante la segunda mitad de los años 70. Bob amaba la naturaleza, y Jamaica tiene la suerte de contar con muchas maravillas que atraen su atención, desde los exóticos colibríes de cola de serpentina hasta el humilde gorrión doméstico. La naturaleza se utilizaba con frecuencia como metáfora en sus canciones: los árboles en Small Axe, el gran felino en Iron, Lion, Zion , el perro como un joven errante en Craven Choke Puppy. La capacidad de los pájaros para elevarse mientras la gente estaba encadenada al suelo ayudó a que Wings Of A Dove y Rastaman Chant tomaran vuelo, aunque las alas de esta última pertenecían a ángeles. Los amigos emplumados de Bob en “Three Little Birds” finalmente volaron a lugares a los que pocas otras canciones podrían aspirar a llegar: la canción es adorada incluso por personas que nunca han oído hablar de Bob Marley & The Wailers, y para quienes el reggae es el nombre de una salsa de supermercado.

Según Gilly Gilbert, amigo íntimo de Bob, road manager y compañero de entrenamiento, que también cocinaba la “comida italiana” que mantenía al cantante nutrido durante la gira y en casa, “Three Little Birds” llegó a Bob con tanta naturalidad como el canto a las alondras. Gilly fue testigo de cómo Bob escribía la canción y recordó: “Fue simplemente asombroso cómo unía las palabras en un flujo”. The I-Threes , el trío de coristas femeninas de Bob, encontraron su propio significado en la letra: Bob a veces las llamaba sus “tres pajaritos”. Lanzado en 1977 en Exodus , que, en 1999, la revista Time declaró el Mejor Álbum del Siglo, "Three Little Birds" anidó discretamente en la segunda mitad del álbum, mientras que "Jamming" y "Waiting In Vain" reclamaron el estatus de sencillos exitosos, y la primera mitad del álbum seriamente arraigada recibió elogios de la crítica. En comparación con, por ejemplo, la canción principal de Exodus, o la espiritual “Natural Mystic”, “Three Little Birds” parece un poco liviana, con su estribillo simple y el mensaje de los visitantes aviares de Bob de que “cada pequeña cosa va a estar bien”. Pero de la misma manera que el cantante esperó pacientemente a que el mundo se pusiera al día con su música después de más de diez años de hacerla, “Three Little Birds” eligió esperar el momento oportuno. Tal vez el hecho de que el título no fuera parte del gancho de la canción, sin embargo, “Three Little Birds” finalmente se liberó de su aviario en forma de álbum, y aunque solo llegó al Top 20 en el Reino Unido, comenzó un ascenso constante al estatus de “clásico”. La canción era demasiado estimulante, demasiado poderosa y alegre como para ocultarse entre la maleza. Décadas después de que Marley la grabara, “Three Little Birds” se convirtió en una referencia para los artistas que buscaban una canción que ofreciera esperanza y alegría frente a los problemas de la vida. Wendy & Lisa, exintegrantes de Prince 's Revolution, crearon una versión liderada por Karen David para el drama televisivo estadounidense Touch en 2012. Maroon 5 presentó su interpretación en 2018; Robbie Williams la cantó para su “Corona-oke” en Instagram durante el brote de coronavirus de 2020; Ziggy Marley y Sean Paul la grabaron para la película animada de 2004 Shark Tale y Steven Marley la remezcló en Legend: Remixed . La versión de Billy Ocean aparece en su colección The Best Of , y la canción adorna una compilación del mismo título de la leyenda brasileña Gilberto Gil. Pero el original de Bob Marley sigue siendo definitivo. Puede que esos “tres pajaritos” hayan volado hace mucho tiempo, y también Bob, pero la inspiración que uno le dio al otro resuena con tanta fuerza como siempre.

1518.- Fisherman - The Congos

 

El sonido reggae único de los Congos se caracterizó por el falsete agudo de Cedric Myton y la rica voz de tenor de Roy "Ashanti" Johnson; ambos tenían voces particulares y cantaban canciones cuyas letras estaban profundamente arraigadas en sus creencias rastafaris. Son conocidos principalmente por un disco, Heart of the Congos, publicado originalmente en 1977 y reeditado en 1996. El grupo se disolvió en 1980 y desde entonces ambos hombres han seguido otras carreras musicales.

Cedric Myton creció en St. Catherine, Jamaica, donde fue criado por su abuela, cuando tenía unos 16 años, se mudó a Kingston, donde vivió con sus padres en Cockburn Pen. Aprendió a soldar, pero no le gustaba porque a menudo se quemaba las manos mientras trabajaba, siempre le había gustado cantar, así que en 1964 dejó ese trabajo y se unió a un amigo, Devon Russell, para formar un grupo llamado The Tartans, grabaron un sencillo titulado "People Gonna Dance All Night", y le fue muy bien, querían grabarlo en el conocido Studio One, pero tuvieron una disputa con el propietario sobre cómo debían interpretar la canción, así que se fueron y la grabaron con Federal. Después de grabar otra canción con Treasure Isle, la pareja se separó. Los dos hombres se conocieron por casualidad en 1977 y formaron los Congos junto con Watty Burnett. Johnson tocaba la guitarra y Burnett, un barítono, proporcionaba armonías vocales adicionales. Su primer álbum, Heart of the Congos , lanzado en 1977, fue descrito más tarde por All Music Guide como "uno de los mejores discos de raíces de todos los tiempos". Sin embargo, en ese momento, el disco fue rechazado por el sello Island y solo recibió una edición limitada en Jamaica cuando fue producido por el sello Black Ark. Pasaron casi dos décadas antes de que la grabación comenzara a recibir el reconocimiento que merecía. La dinámica extraña pero también extrañamente armoniosa entre los contornos auditivos desfamiliarizantes de Heart of the CongosLos efectos de producción dub y sus secuencias arrancadas del subconsciente cultural de movimientos graduales y saltos en una escala melódica aseguran que el álbum sea infinitamente reproducible, un disco clásico que avanza y retrocede en los anales de la historia musical, avanzando hacia el conocimiento del yo pero también elegantemente hacia el amor al mundo. Su red de referencias líricas es densa y a veces esotérica, pero en última instancia plantean a sus oyentes y con ellos preguntas que se le ocurrirían a cualquiera que acumule los criterios espirituales necesarios. Heart of the Congos merece un estruendoso aplauso por su increíble consistencia como álbum y su dinamismo sonoro como expresión de absoluto ardor por la misteriosa relación entre las pruebas de la vida cotidiana y los asuntos espirituales. La experiencia de escuchar Heart of the Congos puede funcionar como una especie de lección de historia, dada la eventual difusión del dub en tantas corrientes diferentes y nominalmente no relacionadas de la cultura música.

En Fisherman, llevan las cosas tan profundamente al interior de la isla que necesitas un machete para abrirte paso. Capas gruesas y difusas de drum and bass se suavizan entre sí, mientras la guitarra cae en cascada como enredaderas, dándole al canto lastimero el apoyo que necesita para seguir adelante…. Y las letras son siempre perfectas, mezclando parábolas bíblicas (Pescador), suplicando a Jah (Niños llorando) o cantando a Babilonia (Hombre del Congo). El resultado final es la máxima declaración de reggae de raíces. Pero, al más puro estilo de Perry, Heart…

1422.- Legalize it - Peter Tosh

Antes de 1976, Winston McIntosh (también conocido como Peter Tosh) no era tan reconocido como lo es hoy. Aunque era una fuerza creativa importante dentro de los grandes del reggae conocidos como The Wailers, Tosh, junto con una variedad de otros artistas llenos de talento, se vieron eclipsados por el líder Bob Marley. Sin embargo, Tosh se las arregló para escribir algunas de las canciones clave del reggae y los riffs de guitarra mientras estuvo con The Wailers. Pero, por supuesto, esos dos factores no le trajeron tanto reconocimiento como se merece, es decir, hasta que finalmente se fue. Finalmente, después de dejar los Wailers, Peter Tosh se embarcaría en una carrera en solitario que le daría mucho reconocimiento como músico radical y líder para muchos. Álbumes como Equal Rights y Mama Africa le ganarían el respeto de los jamaicanos y, en general, de la mayoría. Pero antes de todos estos constantes movimientos radicales, Tosh se había lanzado con un álbum rebelde de lo más ligero, que sorprendentemente sería el clímax de su carrera, en opinión de muchos. Legalize It es, sin duda, lo más cercano a la perfección que un artista podría llegar a conseguir, el disco apenas contiene momentos flojos, lo que hace de Legalize It prácticamente un ejemplo perfecto de un álbum de reggae clásico. Las nueve pistas que componen el álbum son simplemente una combinación de pistas pegadizas y animadas, y una variedad de baladas y melodías más lentas. Aunque cada pista es bastante simple, las voces no contienen el más alto nivel de talento y la escritura no es tan especial como podría llegar a ser, Legalize It es extrañamente brillante y agradable, la peculiaridad y la personalidad de Tosh brillan a través de cada una de las nueve pistas maravillosamente junto con su propio estilo alojado en alguna parte.

El álbum debut de Peter Tosh comienza un poco más débil que las canciones siguientes, pero aún así bastante bien con la canción principal, "Legalize it". Aunque la canción contiene un ritmo maravilloso, la letra es donde la canción se queda corta. Ahora bien, puede que me equivoque, pero siempre me han dicho que la marihuana (la droga de la que se habla en la canción) era legal en Jamaica, la tierra natal de Tosh; lo que hace que el tema de esta canción no tenga sentido, pero probablemente me equivoque. Aparte de la letra dudosa, la canción no incorpora la melodía más atractiva. Simplemente no es el mejor momento. Y aunque puede parecer casi un cliché para algunos en estos días, no es necesario realizar una gran investigación histórica para obtener una idea de cuán valiente, radical y revolucionario fue el movimiento de Tosh al lanzar una melodía así en 1976, Legalize It. ¡Era un himno a la marihuana por excelencia! Puedo decir que es una canción para pedir la legalización del cannabis. Y esta canción fue el primer álbum debut de Peter Tosh después de dejar su grupo, The Wailers. Legalize It se grabó en Treasure Isle y Randy's, Kingston, Jamaica, en 1975. Se lanzó en 1975 también, fue escrita en respuesta a su constante victimización por parte de la policía jamaiquina y como un artículo político que presionaba por la legalización del cannabis, en particular para uso médico. Recuerde: su mensaje estaba dirigido a todo el mundo, no solo a su tierra natal, Jamaica, y puso en juego más que solo su carrera musical. Los audiófilos deben tomar nota: cualquier imperfección en este tama solo le agrega sabor... disfrútenlo, saboréenlo y relájense en un verdadero éxtasis al estilo de una máquina del tiempo. Pulir demasiado esta canción le habría quitado la vida.

1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

Bob Marley and the Wailers es una de las bandas más influyentes de la música reggae, y su legado se extiende mucho más allá de las fronteras de Jamaica. Fundada en 1963 bajo el nombre original de The Wailing Wailers, la banda se consolidó como un pilar fundamental del género, liderada por la icónica figura de Bob Marley. Marley, junto a los miembros originales Peter Tosh y Bunny Wailer, creó una mezcla única de reggae, ska y rocksteady que resonó con audiencias globales, difundiendo mensajes de amor, resistencia y unidad.

Bob Marley y los Wailers comenzaron su carrera en una Jamaica marcada por la desigualdad y la agitación política. Las primeras canciones de la banda, como "Simmer Down" y "One Love", se centraban en temas de paz y amor, con un ritmo pegajoso que capturó la atención tanto de los locales como de un público internacional emergente. En 1974, Peter Tosh y Bunny Wailer abandonaron la banda, y Bob Marley continuó con los Wailers, añadiendo nuevos miembros como los hermanos Barrett, Aston en el bajo y Carlton en la batería, quienes contribuyeron significativamente al sonido distintivo del grupo.

El éxito internacional llegó con álbumes como "Catch a Fire" (1973) y "Rastaman Vibration" (1976), pero fue "No Woman, No Cry" la canción que se convertiría en un himno universal. Este tema, incluido en el álbum "Natty Dread" de 1974 y popularizado por la versión en vivo de "Live!" de 1975, encapsula la esencia de la música de Marley: un mensaje de esperanza y consuelo frente a la adversidad.

"No Woman, No Cry" es, sin duda, una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and the Wailers. Escrita por Marley y Vincent Ford, un amigo cercano de su juventud, la canción se inspira en las experiencias de la vida en los barrios pobres de Trenchtown, Kingston. A través de sus letras, Marley pinta una imagen vívida de la lucha diaria y la resiliencia de las comunidades empobrecidas, mientras ofrece un mensaje de consuelo a las mujeres y a todos los que sufren.

El título, a menudo malinterpretado como una declaración contra las mujeres, en realidad significa "No, mujer, no llores". Es un llamado a mantener la esperanza y la fortaleza a pesar de las dificultades. La canción recuerda tiempos más simples, momentos de camaradería y apoyo mutuo, como se refleja en líneas como:

> "Good friends we have, oh, good friends we've lost along the way.

> In this great future, you can't forget your past;

> So dry your tears, I say."

La versión en vivo de "No Woman, No Cry" es particularmente poderosa, con la emotividad de la voz de Marley y el acompañamiento instrumental que crea una atmósfera cálida y reconfortante. Esta versión, grabada en el Lyceum Theatre de Londres en 1975, se convirtió en un éxito masivo y consolidó la reputación de Marley como un artista que podía tocar el alma de su audiencia con su música.

El impacto de "No Woman, No Cry" trasciende lo musical. La canción ha sido interpretada como un símbolo de resistencia y esperanza, y ha sido versionada por numerosos artistas de diversos géneros, lo que atestigua su relevancia y universalidad. Bob Marley, a través de esta y otras canciones, se convirtió en una voz para los oprimidos y un ícono del movimiento rastafari, que aboga por la paz, el amor y la igualdad.

Marley utilizó su plataforma no solo para entretener, sino también para educar y movilizar a las masas. Canciones como "Get Up, Stand Up" y "Redemption Song" complementan "No Woman, No Cry" en su mensaje de lucha por la justicia y la libertad. Su influencia se siente en movimientos sociales y culturales en todo el mundo, y su música sigue siendo una fuente de inspiración para generaciones enteras.

Bob Marley and the Wailers, y en particular la canción "No Woman, No Cry", representan mucho más que simples expresiones artísticas. Son testimonio de la capacidad de la música para unir a las personas, para proporcionar consuelo en tiempos difíciles y para inspirar cambios sociales significativos. La historia de Marley y su banda es una de superación, creatividad y un profundo compromiso con los principios de igualdad y justicia. Su legado perdura, y "No Woman, No Cry" sigue siendo un faro de esperanza y resistencia en un mundo que a menudo necesita ser recordado de la importancia de ambos.

Daniel 

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