Disco de la semana 367: Garbage - Garbage

 

Garbage lanzaron su álbum debut homónimo en 1995 el álbum también contenía otras canciones de éxito Queer , Stupid Girl y Milk. Butch Vig, reconocido productor de álbumes tan monumentales como Nevermind de Nirvana y Siamese Dream de The Smashing Pumpkins , decidió tomar sus baquetas, formar una banda con músicos veteranos similares, reclutar a una seductora ninfa escocesa como cantante principal y tirar del rock. Música sacada del fango que el hair metal y el grunge sin rumbo la habían abandonado, quizás estoy exagerando pero Garbage, con sus imágenes muy profundas y góticas y su sonido melódico y conductor tuvo un efecto instantáneo.

Supervixen comienza el álbum con un redoble de batería pesado y algunos riffs de guitarra pegadizos y llamativos, Shirley Manson entra con su voz suave, pero algo inquietante que suena como una versión femenina de Marilyn Manson y Billy Corgan. La canción es una gran apertura y es una de las canciones por sus excelentes riffs de guitarra y su atmósfera inquietante sobre sus excelentes voces y un solo de guitarra espectacular cerca del final. Uno de los sencillos exitosos del álbum, Queer comienza con un estilo muy de salón con bajo y sintetizadores de teclado sobre algunas voces suaves que le dan a la canción una sensación muy suave pero oscura. La letra de la canción, como sugiere el título, es bastante divertida, pero está cantada de una manera tan oscura que es difícil captar el humor ingenioso de Shirley Manson, no es muy dinámica, pero mejora en la segunda mitad de la canción cuando entran la batería y los sintetizadores de guitarra. Es bastante difícil ver por qué esta canción y no Supervixen fue un sencillo del álbum. Uno de los dos primeros sencillos del álbum, Only Happy When It Rains, sigue a Queer con algunas percusiones ligeras seguidas por el canto oscuro de Shirley Manson, ritmos distorsionados de guitarra y bajo entran en acción y crean una atmósfera oscura y de mal humor. Las voces en la pista son mucho mejores que las pistas anteriores sin romper el suave flujo de la canción. Los solos de guitarra cortos y aleatorios de la canción también ayudan a aumentar el ritmo de la canción a medida que avanza hacia una velocidad de tempo más rápida, la canción se despliega como un guiño sardónico y autocrítico al credo angustiado y de amor a la miseria de la compañía, o al menos a la apariencia del mismo, que definió en gran medida el rock alternativo durante la primera mitad de los 90. 

As Heaven Is Wide comienza con algunos sintetizadores que suenan a videojuegos seguidos de una línea de batería y un ambiente oscuro que me recuerda demasiado al trabajo anterior de Marilyn Manson, el canto encaja bien con la atmósfera oscura e industrial de la canción, que constantemente ofrece un sonido muy gótico que hace que cualquier oyente en este punto se dé cuenta de que la bonita portada rosa del álbum es una broma para ocultar el sonido oscuro y gótico de la banda, la letra gira hacia el tipo cliché "mi-novio-me-traicionó-ahora-quiero-venganza". Con algunos riffs de guitarra pegadizos y más alegres inician la siguiente canción, Not My Idea, el oyente se libera de los sonidos industriales oscuros e inquietantes por un tiempo, la canción tiene algunas de las mejores voces del álbum y los riffs de guitarra le dan una melodía muy pegadiza (especialmente cuando los sintetizadores entran en acción), quizás suena una melodía un poco más pop, pero aun así es bastante dura y una de las mejores canciones del álbum. A Stroke Of Luck aparece con un sonido realmente extraño y un ambiente de teclado muy oscuro seguido de voces más inquietantes, la canción tiene mucha más dinámica y un canto más activo que las otras canciones oscuras, lentas y atmosféricas del álbum. La pista no tiene mucho que ofrecer aparte de un estribillo poderoso y atmósferas lentas y oscuras, pero aun así es una de las pistas más destacable del álbum.

 El primer sencillo exitoso del álbum, Vow, comienza con algunos sonidos de guitarra deformados por algunas voces de Shirley Manson que de repente estallan en un sonido pesado, oscuro y pop que es muy pegadizo y dinámico. El primer sencillo del álbum que realmente puedo decir merece su estatus, la canción tiene un flujo bueno y uniforme y es muy sencilla y pegadiza. Las melodías exóticas cerca de la mitad le dan a la canción un sabor interesante en comparación con las otras canciones. En general, otra buena pista de este álbum casi clásico. Unos pocos ritmos de batería constantes y algunos sintetizadores tipo pop comienzan con Stupid Girl, el tema más conocido del álbum tiene una sensación muy oscura e inquietante, la atmósfera creada en el estribillo de esta canción es asombrosa, merece la pena destacar también el trabajo de la guitarra, una creación pop-rock casi perfecta, se convirtió en el mayor éxito de su álbum debut, alcanzando el puesto 24 en la lista Billboard Hot 100, obteniendo un par de nominaciones a los premios GRAMMY. y una codiciada nominación al premio MTV Video Music Award. Dog New Tricks es, con diferencia, la canción más pesada del álbum, los sintetizadores y guitarras iniciales están brutalmente distorsionados y el canto es más duro de lo habitual. La canción contiene su estribillo pop y cathy y algunos ritmos de guitarra geniales, pero los sintetizadores y el bajo demasiado distorsionados comienzan a volverse molestos después del primer estribillo. No hay mucho más que decir sobre la pista, aparte de que sería una gran pista si no fuera por la distorsión. My Lover's Box se parece mucho a la primera pista del álbum, con líneas de batería suaves y un trabajo de guitarra llamativo. El flujo general de la canción es mucho más lento que Supervixen, pero aún contiene una gran dinámica de coro. El flujo de las canciones no está muy equilibrado en la mezcla y simplemente no tiene el atractivo pop que impulsa muchas de las canciones del álbum. Sin embargo, el trabajo de guitarra es bastante agradable en la pista. Fix Me Now es un desastre y el título de la canción es apropiado, esta canción pide a gritos haber sido algo mejor, las voces están deformadas por las extrañas percusiones utilizadas a lo largo de la pista, el flujo de la canción es desordenado y la atmósfera está bastante deformada. Lo único bueno de la canción son los constantes y pegadizos riffs de guitarra que aparecen y desaparecen a lo largo de la canción. La última pista del álbum, Milk, es una sencilla canción tipo balada industrial. Es un sonido muy suave y tranquilo pero oscuro y ambiental, las voces son brillantes en la pista, son muy suaves, pero tienen una fuerte presencia. No sucede mucho en la canción, pero el estribillo le da a la canción una sensación atmosférica poderosa y, en general, es otra de las canciones perfectas del álbum.

#MesPearlJam álbum Pearl Jam

#MesPearlJam álbum Pearl Jam 

El álbum homónimo de la banda Pearl Jam, también conocido como "Avocado", fue lanzado en 2006 y es su octavo álbum de estudio. Fue producido por Adam Kasper y Pearl Jam y fue grabado en los Estudios de Avast! en Seattle, Washington.

El álbum fue muy bien recibido por la crítica y los fanáticos, y muchos lo consideran uno de los mejores trabajos de la banda. Presenta una mezcla de estilos musicales, desde el rock alternativo hasta el punk rock y el hard rock.

El álbum incluye algunos de los sencillos más populares de la banda, como "World Wide Suicide", "Life Wasted" y "Gone". También incluye canciones más experimentales y emocionales, como "Inside Job" y "Come Back", que son reflexivas y profundas.

El álbum contiene un total de 13 canciones, cada una con su propio estilo y personalidad. A continuación, te proporcionaré una descripción general de las canciones del álbum:

1. "Life Wasted": Es el primer sencillo del álbum y una de las canciones más poderosas y enérgicas de la banda. Con un sonido punk rock, la canción tiene una letra muy crítica que habla sobre la vida y el tiempo desperdiciado.

2. "World Wide Suicide": Fue el segundo sencillo del álbum y una de las canciones más políticas de la banda. La canción se enfoca en la guerra y la violencia en todo el mundo, y su letra tiene un mensaje pacifista.

3. "Comatose": Es una canción más pesada y oscura, con una letra que trata sobre la desesperación y la pérdida. La canción presenta una guitarra pesada y un coro potente.

4. "Severed Hand": Es una canción enérgica y pegadiza que presenta un sonido más rockero. La letra trata sobre la determinación y la perseverancia en momentos difíciles.

5. "Marker in the Sand": Es una canción más introspectiva y emotiva, que presenta una guitarra acústica en lugar del sonido eléctrico característico de la banda. La letra trata sobre la búsqueda de la verdad y la comprensión.

6. "Parachutes": Es una canción más suave y reflexiva que presenta una voz melancólica y una guitarra acústica. La letra trata sobre la importancia de seguir adelante en la vida.

7. "Unemployable": Es una canción enérgica con una letra muy crítica sobre la sociedad y la política. La canción presenta una guitarra distorsionada y un coro potente.

8. "Big Wave": Es una canción más experimental que presenta una mezcla de sonidos rock y jazz. La letra trata sobre la naturaleza y el poder del océano.

9. "Gone": Es una canción enérgica con una letra muy crítica, que habla sobre la fama y el dinero. La canción es muy pegadiza y presenta una guitarra muy distorsionada y un coro pegajoso.

10. "Wasted Reprise": Es una versión más suave y melancólica de la canción "Life Wasted", que cierra el álbum.

11. "Army Reserve": Es una canción más lenta y emotiva que presenta una letra sobre la guerra y la lucha interna. La canción es muy conmovedora y presenta una guitarra acústica y una voz suave.

12. "Come Back": Es una canción enérgica con una letra muy emotiva, que trata sobre la pérdida y la esperanza. La canción presenta una guitarra distorsionada y un coro potente.

13. "Inside Job": Es la última canción del álbum y una de las más emotivas y reflexivas. La letra trata sobre el arrepentimiento y la necesidad de dejar atrás el pasado para seguir adelante. La canción presenta una guitarra acústica y una voz suave, lo que la hace muy conmovedora. 

En general, el álbum es muy poderoso y enérgico, con una actitud punk rock que se muestra en muchas de las canciones. Las letras también son muy críticas y a menudo políticas, lo que refleja la postura de la banda sobre temas sociales y políticos de la época.

En resumen, el álbum homónimo de Pearl Jam es un trabajo destacado en la carrera de la banda, que combina una variedad de estilos musicales con letras inteligentes y profundas. Es un álbum imprescindible para cualquier fanático de Pearl Jam y para cualquier persona interesada en el rock alternativo de los años 2000.

Daniel 

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Disco de la semana 256: Crooked Rain, Crooked Rain - Pavement

 

Pavement, banda estadounidense cuyas letras atrevidas y texturas sonoras derivadas del punk se fusionaron en una poesía de referencia flotante que personificaba el rock universitario de los noventa. Los miembros originales eran cantante, guitarrista y compositor principal Stephen Malkmus y el guitarrista Scott Kannberg. El batería original Gary Young, un veterano de la contracultura que dirigía el estudio donde Pavement grabó inicialmente, fue reemplazado por Steve West en 1993, el Percusionista Bob Nastanovich y el bajista Mark Ibold se incorporaron en 1991 y 1990, respectivamente. Formado en Stockton, California, en 1989, Pavement fue uno de los primeros grupos musicales en alcanzar la mayoría de edad dentro de la subcultura del indie rock, formando sus identidades musicales escuchando REM. Sus primeros lanzamientos, luego compilados en el álbum de 1993 Westing, ofreció fragmentos comprimidos de sonido industrial y fragmentos de pop de baja fidelidad sorprendentemente melódico (Baja fidelidad: música hecha con equipos de grabación rudimentarios, como cintas de cuatro pistas). Pero Slanted and Enchanted (1992) reveló una nueva grandeza, con enigmáticos himnos de devoción subcultural que tratan la vida de los holgazanes como un derecho propio. Después de este álbum llegaría Crooked Rain, Crooked Rain, el álbum que tendría que consagrarlos.

 

Silence Kit tiene a la melodía de "Every Day" de Buddy Holly como base ¿dónde más podríamos escuchar esa melodía en la forma de rock indie de principios de los 90? Una reinvención fantástica, con guitarras ruidosas, la letra por supuesto es marca de la casa, una pequeña reivindicación de como dejar a tu familia por la vida del rock n roll y arrepentirte. Interesante cómo cambia allí al final. Elevate Me Later, es una buena cancion, todos estamos de acuerdo, sí, es solo un riff, en términos de un interés musical sostenido, pero es un riff lo suficientemente agradable como para dejar que te inunde mientras pasas por la ciudad que olvidamos nombrar, pero nos gusta, porque están mezclados tan jodidamente ruidoso. Hay mucha locura en las letras, supuestamente es una canción es "anti-pc", cuando dice "hay 40 tonos diferentes de negro", quiere decir que hay muchas formas diferentes de ver algo negativo, o hay muchos tonos diferentes que podría tener una percepcion negativa, me encanta este mensaje, aunque es un poco críptico, realmente edificante. Escuchar Stop Breathin y escuchas a Malkmus cantar 'Papá, me han destrozado' como una pregunta y luego compruebas que esta el mismo para responderla, y en medio de todo esto, curiosamente, jodidas imagenes otoñales, y siento su confusión y, por extensión, la confusión de muchos otros: querer hacer lo correcto por todo el mundo, pero sin haber sido debidamente capacitado para saber exactamente cómo hacerlo, o incluso si es lo suficientemente posible como para que valga la pena intentarlo. ¿quién soy yo para decirle que no al melancólico brillo del indie-rock cuando nos lo sirve de esta manera tan dulce? Y sino mira la pequeña genialidad que nos entrega ¿solo / riff / build? Al final de la canción, estos tíos te vuelven loco, nunca sabras hacia lo que te llevaran las canciones. 

Es imposible no amar Cut your hair, una de sus canciones mas conocidas y por una buena razón, tiene ese estribillo pegadizo de "oooh oooh oooh oooh oooh oooh", y un rock muy divertido en todas partes, la pista incluye un coro tarareable al instante y varias observaciones sobre la música popular “Cariño, no te vayas a cortarte el pelo / ¿Crees que te hará cambiar?", Y a medida que avanza la pista, es obvio que la canción se centra en la industria de la música, en la loca escena musical de los 90, específicamente en cuántas bandas nuevas se preocupaban más por su imagen que por su música. Por el contrario, Pavement nunca se preocupó de su imagen. Newark Wilde suena exactamente como el rock indie, Si, es suficiente, la transición del coro al verso es perezosa incluso para los estándares de esta banda. La mejor parte de la canción, de lejos, es esa pequeña y pequeña guitarra que la abre, y de esa manera la canción me recuerda al "Try Not to Breathe" de sus héroes REM, más o menos contemporáneo, con su sublime Línea de guitarra de apertura (de un guitarrista que no era un santo) que justifica toda la mediocre canción. No es particularmente atractivo, y seguramente no es genial, pero tiene algo bueno, lo que pasa con Pavement es que todo lo que ofrecen es al menos interesante y único y eso realmente es suficiente. Unfair es sin duda una de las canciones más ruidosas y más "abrasivas" del álbum), es difícil no subir el volumen de esta canción y ponerla a todo volumen. Hay muchas frases geniales sobre California, pero sobre todo son emocionantes y catárticas. Me gusta la forma en que alternan entre canciones melosas y rockeras.

 

Gold Soundz es otra gran canción con una excelente letra, incluso no sepas exactamente qué significan, algunos ejemplos: "el juicio es por el arma encontrada" "eres el tipo de chica que me gusta, porque estás vacía y yo estoy vacío" "nunca puedes poner en cuarentena el pasado". Es breve, pero perfecto, Malkmus siempre ha sido muy hábil para interpretar el papel del rey bufón, perpetuamente irreverente y casi nunca 100 por ciento sincero, y sus mejores momentos son aquellos en los que su fachada imperturbable se resquebraja y un indicio de vulnerabilidad brilla, y este es el mejor de ellos. 5-4 = Unity no es nada innovador, sirve como intermedio entre dos de las canciones de mayor calidad del álbum, una canción instrumental que sirve de preludio a otro pelotazo. Range Life con la increíble línea de guitarra, y, lo mejor de todo, los coros. Malkmus intenta tocar una nota que está MUY fuera de su rango vocal y, por supuesto, se pierde por completo, pero es la cosa más encantadora de la historia, así que no me importa, una canción de rock alternativo country sobre la necesidad de establecerse en la vida doméstica, una canción tan maravillosa que casi desearía que Malkmus nunca cantara ese verso de Smashing Pumpkins, no porque sea mala o perjudicial para la canción, o porque no transmita el sentimiento de genuino desafecto hacia la corporación musical, una burbuja de pensamiento aturdida, de flujo de conciencia de un niño que se da cuenta de que está viviendo en una época en la que nadie parece tener nada que decir. Heaven is a Truck es otra bonita canción, quizás después de Range Life se nos queda corta, pero hay que disfrutarlaen ella misma, es el estado de ánimo que encaja perfectamente después de Range Life y tiene una gran letra, inquietante y absurda. 

Para algunos críticos el punto más alto del álbum es Hit the Plane Down, para mi posiblemente una de las pistas menores, aunque también es creativa y divertida cuando estás de humor. Supuestamente se basa en esa película "Alive". Fillmore Jive conlleva el mismo tipo de desafecto de calles nebulosas, un tenue estado de fatiga en el que no estás seguro de en qué dirección moverte la voz de Malk aporta algo especial y digno de empatía a los acordes lluviosos y serpenteantes; es como murmurar juntos en una habitación, enfadados y nerviosos porque no te dejan dormir.

El disco de la semana 161: Babasonicos - Jessico

El disco de la semana 161: Jessico - Babasonicos 

Hoy en el disco de la semana, les traemos un disco que para los fans de la banda Babasonicos, tiene una gran polémica, ya que los críticos especializados en rock, dicen que Jessico, el sexto álbum de la banda Babasonicos es el mejor de la historia de la banda, pero también es la bisagra con respecto a el estilo que la banda llevaba en sus anteriores discos.

Sera por eso que el lider de la banda en una entrevista con la revista Rolling Stones declaró “El rock es vigor, y el vigor no dura para siempre, no voy a poder hacer rock toda la vida”, insisto con mi búsqueda para emterder porque Babasinicos antes de este disco no estaba en los rankings y me encuentro que Jessico, también por la revista rolling stones esta catalogado como el mejor álbum en el puesto 16.

Estanos todos locos dije, pero no este disco será reconocido como uno de los mejores discos de entrado el siglo 21, así que los dejo con la crítica a Jerrico y me perdonarán los fans pero debo decir que existen dos bandas una de rock llamada babasinicos y otra de indi pop con el mismo nombre.

Jessico vio la luz en los años turbulentos del 2001 y se podría decir que ser exitoso en esa época costaba mucho la crisis económica y social tomaba primera plana como todo la música el rock argentino no era ajeno.

Sin embargo la combinación de rock, pop, funl electronico boleros y baladas, hacen la fórmula perfecta para que jessico sea un éxito, leí en una nota que si esto ocurrirá fines de los 90 el disco no habría tenido ningún éxito, así que es estar en el momento justo y en el lugar indicado, así que bien por babasinicos.

Por eso iremos recorriendo canción por canción para descubrir JESSICO,

“LOS CALIENTES” abre el disco y tiene una letra es simple y banal, y es el primer corte de difusión del disco, y también el primer hit de la banda, ya que ha sonado por todos lados, la banda jamas habría pensado que la frase “Cómanse a besos esta noche… total nadie lo va a notar” se repetiría tanto.

El disco sigue con “FIZZ”, el rock debería tener voz y ser escuchado aun más en los tiempo de crisis, de eso se trata FIZZ que es un clásico del POP argentino, escuchen esa guitarra del comienzo y la percusión del tema, pero sobre todo es una canción dedicada a Buenos Aires, sus calles, a su gente.

El tema número tres del disco se llama “DELÉCTRICO” es otro de las temas hit del disco, y otro tema bailable, que ha sonado por todas las discos de argentina, la letra es un poco inentendible o sin sentido, pero su sonido funk-electro es una cosa extraña que solo BABASONICOS podría hacer, y es la muestra de un nuevo sonido para la banda.

El disco avanza con “SOY ROCK”, Este tema tiene esa base del glam-rock que solían hacer muy bien los ZZ TOP, te hace rockear con los riff, y madura el nock Es un tema que te deja exhausto.

La canción 5 es “PENDEJO” y acá se ponen country, hasta que la canción explota desde unas guitarras Es una canción que demuestra la enorme potencia de la banda cuando se propone sonar.

Llegamos a “EL LOCO”, una especie de folk-rock pero en plan pop-psicodélico, una gran balada, y unos toques instrumentales EL LOCO fue el primer corte que se conoció de JESSICO, y se convirtió en otros de los clásicos de la banda.

La canción 7 es “LA FOX” una especie de hard-rock, la propia banda reconoce que no es uno de los mejores temas que han compuesto, al igual que sus fans, la letra tiene una declaración a una chica. 

“TOXICA” es el tema 8 del disco, es una balada con un sonido puramente psicodélico. “YOLI” es el traks 9 de JESSICO y acá el disco se pone bélico, y su letra de narcos, puños y sustancias prohibidas.  

Lo que llega ahora es “RUBÍ”, otra muestra del cambio de la banda, y una muestra más de porque estamos hablando de uno de los mejores discos del rock nacional, pero este es un bolero y tiene ese comienzo denso y oscuro, el bajo indica la solvencia de la canción, el guitarrista apenas si acaricia su guitarra, ya lo he dicho es un bolero metido en una canción de rock. 

El penúltimo tema del disco se llama “CAMARÍN”, Una canción que habla de excesos, de la vida del rock star, es un tema clásico dentro del cancionero popular argentino, tiene esa melodía psicodélica y esas guitarras que de manera inmediata recuerdan a Pescado Rabioso los coros envueltos en miel le dan más dulzura a la canción. 

Y llegamos a la última canción, “ATOMICUM”. BABASÓNICOS parece disfrutar eso de cerrar un disco con una canción rápida, parece no importarle demasiado eso de que un gran disco se debe cerrar con una gran balada. 

Así fue Jessico y el disco del año y el disco de la discordia.

Daniel 

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El disco de la semana 124: System of a Down - Toxicity

Toxicity, System of a Down

     System Of A Down es la proposición que os traemos para esta semana. Serj Tankian (voz, teclado y guitarra), Daron Malakian (voz y guitarra), Shavo Odadjian (bajo) John Dolmayan (batería), todos ellos de origen armenio, se juntan en  Los Ángeles, California (Estados Unidos) en 1994  y fundan System Of A Down, un grupo que tiene presente en su sonido varios sonidos como el hard rock, heavy metal, rock progresivo, metal alternativo ó hardcore. Un grupo que se caracteriza también por realizar unas letras con una fuerte carga social y de protesta donde han tocado multitud de temas cómo la violencia, la guerra, el maltrato infantil, la pornografía ó el machismo entre otros.

     Antes de que el grupo lo conociéramos como tal, Serj y Daron (los dos llevan la parte compositora del grupo) asistían al mismo colegio, el Rose & Alex Pilibos Armenian School, y los dos asistían al mismo estudio de grabación donde realizaban sus trabajos en solitario, hasta que en 1992 por cosas del destino se conocen en dichos estudios y deciden juntarse y formar su primera banda llamada Soil, siendo el manager de la misma Shavo Odadjian, si bien en 1994 los otros dos integrantes de la formación, pues eran 4, abandonan la formación. Después de la ruptura de Soil, Sedrj y Daron lejos de darse por vencidos y junto con Shavo deciden reclutar a un amigo común de Shavo y Daron, Ontronik Khachaturian, y los 4 se embarcan en un nuevo proyecto, de nombre Victims Of A Down, nombre que cogen de un poema que Daron había escrito, si bien acaban cambiando el nombre quedando como nombre final de la formación System Of A Down. 

     De 1994 a 1997 el grupo se embarca en varios proyectos y graba varias demos, las cuáles obtienen muy pocos resultados  y escasa repercusión. Ontronik decide en 1997 abandJohn Dolmayan, al cuál Serj ya conocía pues John vendía cómics, y Serj era un asiduo comprador de éstos. Es en ese momento cuando la formación queda conformada tal y como la conocemos hoy día. 

onar el grupo, siendo sustituido por

     Ese mismo año, 1997 durante una actuación el grupo acaba llamando la atención del mítico productor Rick Rubin (Aerosmith, Run DMC, Beastie Boys, Red Hot Chili Peppers) el cuál le pide al grupo que mantenga el contacto con él y le envíe material, un material que el grupo envía a varias discográficas, pero la única que muestra interés es la de Rick, American Recordings la cuál pertenece a Columbia Records, que acaba fichando a System Of  A Down. Menudo ojo clínico el de Rick, pues el grupo edita con él a la producción su primer disco de nombre también System Of A Down, un disco con el que consiguen un buen debut consiguiendo situarlo en el puesto número 124 de la famosa lista estadounidense Billboard.

     Ya en 2001 el grupo edita el que sería su segundo álbum de estudio y el recomendado esta semana, Toxicity, también con Rick Rubin a la producción. y es que las muy buenas maneras del grupo acompañadas del muy buen hacer de Rick han conseguido que de este disco se hayan vendido hasta el momento unas 5 millones de copias en todo el mundo. Como curiosidad comentar que en la semana de los fatídicos ataques del 11 de septiembre en Estados Unidos era este disco el que se encontraba encaramado en el número 1 de las listas de ventas americanas.

     Toxicity, un disco que llama la atención desde el primer segundo, con una entremezcla de ritmos como el metal, el hard rock, el hardcore o el progresivo muy contundentes y con unas letras llenas de fuerza y muy comprometidas con temas de lo más diversos, cómo en el tema Prisong song, donde el grupo aborda el tema de la falta de más prisiones en Estados Unidos, pues desde 1985 hasta el año en que ve la luz el disco, 2001, el número de encarcelados en el país se había duplicado.

También abordan el tema de las drogas y el abuso de las mismas en el tema Niddles, y es que el grupo a asegurado en numerosas ocasiones renegar de ellas.

     Un tema, el de las drogas que vuelven a abordar en el tema de las drogas en el corte Chop Suey!, aunque también se ha especulado sobre la temática de este tema que podría tratar también de la aptitud de la sociedad ante la muerte. Sobre el título de este tema, en un principio se iba a llamar Suicide, pero acabaron cambiándolo, el grupo siempre negó que fuera debido a posibles presiones de la discográfica y el veto de las radios, quién sabe. Curiosamente el título, que no aparece en el tema por ningún lado, hace referencia a un guiso chino compuesto a base de pescado ó carne y brotes de bambú, arroz, verduras variadas y hecho al vapor.

     En el tema ATWA (air, tres, wáter, animals and all the Wall alive - aire, árboles, agua, animales y todas las formas de vida), tocan la temática de la lucha ecológica en el mundo. Tankian y Malakian compusieron este tema haciendo referencia a Chrales Manson y su causa ecológica, y es que cuando Manson falleció Malakian llegó a asegurar que "Las entrevistas y la música de Manson habían tenido una gran influencia en él como artista", y para que no se malinterprete aseguraba que de él siempre le interesaron su forma de pensar y ver la sociedad y no sus crímenes, en absoluto. Malakian defendía que Manson además de asesino, era compositor y ecologista, un hecho que siempre fue pasado por alto, y que algunas de sus ideas para con el medio ambiente eran realmente buenas.

     Hay otros temas que por sus letras se pueden interpretar de varias formas, como es el caso del que da titulo al álbum, Toxicity, del que se ha dicho que podría tratar de la ciudad de Los Ángeles y el estilo de vida de allí y de Hollywood en concreto, pero también podrían estar haciendo alusión a la música, la política, la religión, las drogas....... serviros vosotros mismos.

Durante una actuación en directo en el Download Festival, celebrado en Donington Park (Leicestershire, Reino unido) en 2005 Malakian confesó que este tema trata sobre "El trastorno por déficit de atención con hiperactividad".

     Y es que en sus temáticas tienen hasta para las grupees, si bien otras bandas escriben canciones en honor a ellas, en Psycho ellos dejan muy claro que no tienes que acostarte con nadie del grupo para disfrutar de un concierto de ellos.

     Hay más temas que generan controversia y dudas sobre su temática, como Aerials, un temazo del cuál Malakian llegó a asegurar que hablaba de la belleza de los niños con discapacidad y su forma de ver el mundo, pero también dijo que no trataba ningún tema en concreto, la duda está servida. Hay otra visión sobre este tema, y es la que opina que habla de un artista y cómo su personalidad y forma de hacer las cosas va siendo transformada hasta la degeneración alcanzando la fama, pero teniendo un coste muy alto, pues ya no se reconoce a si mismo.

     Y así hasta completar todos los temas de Toxicity, donde todas las canciones tienen un aroma a protesta y no dejarán indiferentes a nadie. System Of A Down  han sabido mantenerse fieles a sí mismos y a su música y su letras, unas letras donde levantan la voz sobre innumerables temas tanto políticos como sociales. Un grupo muy comprometido donde Toxicity sea quizás su obra maestra, o no, eso os lo dejo a vosotros, lo que esta claro es que éste es un disco con mayúsculas, no os defraudará.   

     

El disco de la semana 96: The Presidents of the United States of America - The Presidents of the United States of America

 

 

 

El Presidente de los Estados Unidos es el cargo político más alto del país de las barras y estrellas. Ostenta los poderes de Jefe de Estado y de Gobierno, y lidera el poder ejecutivo. O sea, que el puesto no es moco de pavo. Hasta la fecha, ha habido cuarenta y cuatro presidentes. Entre los más famosos, podemos destacar al primero (George Washington), al que fue actor (Ronald Reagan) y al que, sin serlo, conocemos por decenas de películas de la II Guerra Mundial (Franklin D. Roosevelt). No podemos dejar sin mencionar al primer presidente afroamericano (Barack Obama), y como nos está quedando un poco largo, cerramos el capítulo de menciones con el actual presidente Donald J. Trump, en el cargo desde 2017.

 

Sin embargo, repasando la lista completa, y pese a encontrar hasta un presidente que le cogió gustillo al cargo y repitió años después (Grover Cleveland), no hemos encontrado rastro alguno de Chris Ballew y Dave Dederer, los auténticos "Presidentes de los Estados Unidos de América" para 7días7notas, esos que a una edad muy temprana, se conocieron mientras esperaban el autobús escolar en Seattle en los ochenta. Años después, en el verano de 1993, Ballew volvió a Seattle y se reencontró con su amigo, formando un dúo musical al que, tras esos primeros comienzos, incorporaron a Jason Finn a la batería. Habían nacido los Presidentes de los Estados Unidos de América, sin haber sido elegidos mediante sufragio indirecto por un colegio electoral.

 

 

La Constitución de los Estados Unidos otorga a los presidentes la ejecución de la ley federal, y les autoriza a nombrar a los poderes ejecutivos y judiciales con la aprobación del Senado. Ellos no sabían muy bien como hacer todo eso, así que optaron por hacer lo que sabían, que no era otra cosa que grabar un disco. A principios de 1994, grabaron Froggystyle (Estilo rana) una cassette con diez demos, que vendían en los conciertos o en la barra del bar en el que Jason Finn trabajaba. Allí estaban algunos de los temas que acabarían formando su homónimo disco de debut de 1995, un sorprendente éxito de ventas, a pesar de haberlo publicado sin la aprobación explícita del Senado.

La crítica también les acompañó en ese momento, describiendo los singles "Kitty", "Lump" y "Peaches" como canciones altamente irónicas, divertidas y pegadizas, y provistas de un sonido limpio y sencillo que se alejaba totalmente de la tendencia grunge dominante. Kitty abría el disco, seguida de una Feather Pluckn que en la versión original del disco, que sufrió varias remezclas y reediciones, incluía un verso que era un guiño al "I got a feeling" de los Beatles, una influencia en las Antípodas de sus grupos vecinos de Seattle. La referencia desapareció de ediciones posteriores, así como la foto interior del disco en la que los Presidentes de los Estados Unidos de América aparecían junto a Bill Clinton, el "otro" presidente de los Estados Unidos de entonces, que no tocó el saxofón en el disco.

Lump es, sin duda, su tema más redondo y significativo, y una de las pocas canciones de las que se haya documentado que surgieran de los efectos de un tratamiento contra la neumonía. Según Chris Ballew, los antibióticos del tratamiento le generaron una reacción alérgica y varias noches de sueños muy locos, de los que acabaría surgiendo la letra de la canción. No sabemos si, durante su convalecencia, se planteó que en caso de muerte del presidente, el vicepresidente asumiera la presidencia, pero afortunadamente la neumonía pasó, dejando como recuerdo la canción más emblemática del grupo, que no la más exitosa.

 

Porque las mieles del éxito se las llevo realmente Peaches, un tema sobre una chica de la que Ballew estaba enamorado. La chica tenía un melocotonero en su jardín, y el día en que por fin Ballew se armó de valor, entró en el jardín y se dirigió con firmeza hacia la puerta de la casa, dispuesto a confesarle a la chica su amor incondicional, pero las dudas le frenaron bajo el melocotonero, y aplastó nervioso varios melocotones con el puño, hasta desistir y darse la vuelta sin decirle nada a la chica. Más allá de la divertida letra y la arrolladora música, el éxito vino de la mano de un impactante y enloquecido vídeo en el que los Presidentes de los Estados Unidos de América se enfrentan a un ejército ninja en un jardín lleno de melocotoneros. Algo nada sorprendente, si tenemos en cuenta que, como comandantes en jefe de las fuerzas armadas, podían embarcar al país en una guerra si lo consideraban necesario.

En su segundo mandato, publicado como "II" en 1996, siguieron mostrando su gracias y talento a partes iguales, pero el disco no alcanzó los niveles de éxito de su debut. Otros discos les siguieron, pero la crítica les estaba ya esperando con las manos llenas de arrojadizos melocotones, por lo que el grupo entró en una dinámica de idas, venidas y abandonos, para acabar reuniéndose de nuevo en 2004, con el lanzamiento de una edición especial del disco de debut con motivo del décimo aniversario de su publicación, con temas inéditos, demos  y caras B, a pesar de que, de acuerdo con la ley electoral, no pudieran presentarse a una reelección después de dos mandatos de cuatro años. Y es que fueron demasiadas las normas que acarreaba la responsabilidad del cargo, para unos tipos que sólo seguían los dictados de los sueños de su cabeza, y que pese a salvar a la "tierra de los valientes y las oportunidades" de una invasión ninja en un solitario jardín de melocotoneros, fueron condenados al destierro y al olvido, en lugar de darles su merecido hueco en la historia, o al menos en la lista de los cuarenta y cuatro Presidentes de los Estados Unidos de América.

El disco de la semana 93: Foxboro Hot Tubs - Stop, Drop and Roll

"La única similitud entre Green Day y Foxboro Hot Tubs es que somos la misma banda"

Con esta frase, Billie Joe Armstrong zanjaba el misterio de quién estaba realmente detrás de esta banda inventada, con la que sorprendieron a todos en 2008 con el disco Stop, Drop and Roll. Los "Foxboro Hot Tubs" surgieron como un vehículo con el que huir de las restricciones y la exposición pública que les generaba la nave nodriza de Green Day. Para ello, los tres integrantes Green Day (Mike Drent al bajo, Tré Cool a la batería y el mencionado Armstrong, cantante y guitarrista de la banda) se reforzaron con Kevin Preston (guitarra), Jason White (guitarra) y Jason Freese (teclado, saxofón y flauta).

Sin abandonar sus señas de identidad, en Stop, Drop and roll dieron rienda suelta a composiciones más básicas y directas, más orientadas al garaje rock y al rock and roll. Las canciones surgieron en el estudio a horas intempestivas y con la ayuda de varias botellas de vino, mientras ensayaban antiguas canciones de rock and roll, que acabaron retorciendo y modificando hasta convertirlas en canciones diferentes, lo cual no implica que no dejaran "pistas" dentro de cada tema para que los oídos mas avispados pudieran encontrar los referentes en los que se habían basado.

STOP, DROP AND ROLL

El disco fue grabado en 2007, durante los descansos de la grabación del disco 21st Century Breakdown (2009) de Green Day, y publicado finalmente en 2008, pero antes algunas de las canciones estuvieron colgadas en la web del grupo. Aquellas primeras canciones incluían fragmentos de películas de los años sesenta y setenta, que fueron eliminados en las versiones del disco. Una de esas canciones, Highway 1, fue sustituida en el disco por la canción Broadway, para terminar conformando la lista de doce canciones de rock and roll garajero que componen este disco directo y urgente. Puro divertimento y actitud rockera.

El disco arranca con el rock and roll acelerado de Stop, Drop and Roll, la canción que le da título y uno de los tres singles que se lanzaron al mercado. Toda una declaración de intenciones, del tipo de música desenfadada y rotunda con la que homenajearán a los clásicos de los sesenta y setenta en los que el disco está basado. Probablemente inspirada en el tema Strychnine de los Sonics. Le sigue Mother Mary, elegida como el single de lanzamiento del disco, basada en el ritmo del Lust for life de Iggy Pop, y con un tono más pausado y un fresco sabor a años cincuenta, de la mano de unos añejos coros al más puro estilo doo-wop. La energía garajera vuelve de la mano de Ruby Room, y ya en Red Tide encontramos los primeros vestigios de las canciones en las que se inspiraron. En este caso, las conexiones con Tired of waiting for you de los Kinks son claras.

El siguiente tema, Broadway, siendo una buena canción, carga con la losa de ser la pieza elegida en lugar de Highway 1, que personalmente me parece mucho más directa y rotunda. Se la echa de menos en el conjunto, aunque la elegida en su lugar no desmerezca dentro del todo. She's a Saint, not a celebrity mantiene el buen tono general del disco, con efectivos ramalazos de guitarra y, de nuevo, una interpretación urgente y directa. Sally, el siguiente tema, sabe al I'm not your stepping stone de los Monkees, que fue también versionada en su momento por los Sex Pistols, otra de las referencias de Green Day. La conexión es tan evidente, como la de Alligator con el mítico You really got me de, de nuevo, The Kinks.


Con The Pedestrian, el tercero de los temas que salieron como sencillos, llega uno de los momentos más brillantes del disco, pero aún quedará más tiempo para más guiños a clásicos, ya que 27th Avenue Shuffle tiene matices del Run Run Run de The Who y del Over, Under, Sideways, Down de los Yardbirds, con lo que también juegan en Dark side of night, que parece basarse en Heart full of soul, y que acaba siendo uno de los mejores temas del disco, merced a la efectiva atmósfera sesentera, conseguida con unos certeros arreglos de flauta.

Y para terminar, vuelve la potencia de las guitarras en Pieces of truth, un final a la altura de un álbum desenfadado, directo y divertido, uno de esos discos hechos para ser disfrutados por los que lo tocan, pero que de paso, consiguen que los que lo escuchan se queden con un buen sabor de boca, y una razonable dosis de sorpresa, al ver a los tres miembros de Green Day alejarse de esquemas de punk rock de estadios, para sumergirse en el rock and roll de garaje de treinta años atrás. Para el lejano día en que el rock deje de ser divertido, recordad lo que Billie Joe Armstrong y compañía nos recomendaron en 2008: Detente, suéltalo, y enróllate. Puede que no consigas nada nuevo, pero disfrutarás de lo que significa volver a empezar.

El disco de la semana 83: Pulp - Different Class

UNA CLASE DIFERENTE

Salvo el rock, del que todos sabemos ya que nunca muere, todos los géneros tienen su momento de máxima expresión, y sin poder decir que mueran tampoco, sí que pasan a un segundo plano en el recuerdo, y la llama solamente se aviva por las esporádicas bandas "revival" que van apareciendo en décadas posteriores. Sin embargo, no todos los géneros son recordados de la misma manera, y algunos de ellos son injustamente maltratados o infravalorados. El brit-pop es un buen ejemplo de ello, a pesar de haber dejado para la historia joyas del calibre del Parklife de Blur, el Definitely Maybe de Oasis o el disco que nos ocupa hoy, el imponente Different Class de Pulp.

Si los Gallagher representaban la arrogancia de la clase obrera, y Damon y compañía eran la mirada irónica y melancólica de la Inglaterra de los noventa, Jarvis y sus historias de amores platónicos y fracasos sentimentales eran como una revolución de los inadaptados de la clase, los chicos de gafas de pasta pegada con celo, los que eran el blanco habitual de las collejas de los otros. Eran una clase diferente que, poco a poco, pero con paso firme, acababan por birlarle al chulito pendenciero del barrio de Manchester y al rubiales guaperas de Londres el foco de atención y la chica, aunque ésta última les durara poco. Una revolución que tenía incluso su manifiesto, escrito en las páginas interiores de éste su quinto disco de estudio:

"Por favor, entendednos. No queremos problemas, lo único que queremos es tener el derecho a ser diferentes. Eso es todo."

DIFFERENT CLASS (1995)

Mis-Shapes marca el comienzo del disco, reafirmando el sentido del manifiesto. Es la canción de los inadaptados, los humillados, los eternos perdedores en la lucha de clases, que pese a ello seguirán luchando en las calles hasta llegar a alcanzar una utópica victoria y una dulce venganza, cuando se apoderen de las casas y las vidas de ensueño a las que nunca habían tenido derecho. Mientras llega a realizarse ese sueño imposible, nuestro protagonista se entretiene admirando la falda de tubo (Pencil Skirt) de una chica, dando pie al segundo tema recurrente del disco, el del sexo y las relaciones de pareja, o en este caso el de "aspirante a amante" que trata de convencer a la chica de la falda de que estar con su novio no es lo adecuado. Para ello, andará rondando en secreto hasta que el novio no esté en la ciudad, y entonces hará todo lo posible para que ella se de cuenta de que la mejor alternativa es él mismo.

Ambas temáticas se conjugan a la perfección en Common People, obra maestra que les encumbró en el Festival de Glastonbury y catapultó al disco en las lisas de ventas, un himno de la clase obrera y de, como su nombre indica, la gente corriente. La historia de una niña rica que se acerca en un pub o una disco a nuestro atribulado Don Juan Jarvis, para decirle una frase que se convertiría en uno de los estribillos clave de toda una generación:

"Quiero vivir como la gente corriente, quiero hacer lo que sea que la gente corriente hace, quiero dormir con gente corriente, quiero dormir con gente corriente como tú..."

Tanto o más genial es la respuesta de nuestro protagonista, que se encoge de hombros y dice: "Veré lo que puedo hacer". En un ejercicio argumental tan visual como brillante, le lleva a un supermercado, y le pide que "haga como que no tiene dinero", a lo que ella responde "Que divertido eres". Y es ahí dónde, por primera vez, sale la vena de orgullo de clase, en un Jarvis respondiendo: "Si, pero no veo a nadie sonriendo aquí. ¿Estás segura de querer vivir como la gente corriente, de hacer lo que la gente corriente hace, y de querer dormir con gente corriente... cómo yo?" Pero ella no entiende nada, sólo sonríe y le toma de la mano, y a partir de ahí la canción gira hacia un Jarvis Cocker vomitando toda su rabia hacia la clase adinerada y los hijos de papá, que no tienen que trabajar duro para poder alquilar un piso en el que ver a las "cucarachas trepando por la pared". En definitiva, una tremenda canción, que llegó al número 2 de las listas del Reino Unido tanto en lo musical como, evidentemente, en el mensaje.

Tras esa esporádica e imposible relación, nuestro patético Romeo vuelve a caminar por el lado oscuro del voyeurismo sexual en I Spy. Mucho más cándida es la historia detrás de Disco 2000, una nostálgica mirada hacia un inalcanzable amor juvenil, y el lamento de no haber llegado a conseguir ser más que un amigo para una chica llamada Deborah, mientras otros compañeros de clase sí que llegaban a salir con ella. En el aire, la ingenua petición de reencontrarse en el año 2000, y la patética realidad futura que se encuentra nuestro protagonista:

"Nunca pensé que te casarías,

y que yo estaría viviendo aquí solo,
en un húmedo y solitario Jueves hace muchos años...

¿Qué vas a hacer el domingo, nena?
Quizá te gustaría venir y reunirte conmigo
Si quieres puedes traer a tu bebé."

Fue el segundo y último single del disco, y alcanzó un meritorio séptimo puesto en las listas de ventas del Reino Unido. Pero el disco aún contenía mucho más, y seguía desgranando intensas y agridulces historias sobre encuentros sexuales en el entorno de la precaria clase trabajadora inglesa. Encuentros pasados en la casa de una chica, contados en Live Bed Show desde la amargura y la melancolía de una cama en la que antaño había mucho ruido y en la que ahora ya no ocurre nada. Something Changed narra otro de esos encuentros, esta vez marcado por el destino, porque tanto ella como él estuvieron a punto de no aparecer por ese bar. Y sin embargo fueron, y se conocieron, y por fin una historia del disco pareció terminar bien: "¿Dónde estaría yo, si no nos hubiéramos conocido? No lo sé, pero como dijiste, algo cambió".

En una historia sobre juventud, relaciones de pareja, sexo y suburbios de clase baja, no podían faltar tampoco las drogas, y en este caso llegan de la mano de Sorted for E's & Wizz, que narra la bajada a los infiernos tras el consumo de pastillas en una rave. Jarvis habla de lo que sucede alrededor, pero todo en el fondo le da igual, y "a las cuatro de la mañana, el mundo real parece muy, muy, lejano" para acabar perdiendo a sus amigos y queriendo volver a casa, pero ya no es posible, y entonces: "Un sentimiento hueco crece y crece, y quieres llamar a tu madre, y decirle Madre, no voy a poder volver a casa nunca más, porque creo que he perdido una parte de mi cerebro en algún lugar de Hampshire".

Tras un Feeling Called Love que es, en mi opinión, el único tema prescindible del conjunto, hay espacio también en el disco para el romanticismo y la ternura en la descripción de los miedos de una chica ante la primera vez en Underwear. La imagen de la chica, plantada nerviosa delante de él en ropa interior, se le queda grabada a nuestro protagonista, que con el paso de los años "daría toda mi vida por verte de nuevo, sólo tú ahí delante, en ropa interior"

Una vida tan intensa tiene, de cuando en cuando, sus momentos de resaca, descritos aquí brillantemente en el tema Monday Morning. Entre la gente corriente, no todo es sexo, drogas y rock and roll, también hay desempleo e inseguridad ante el futuro, pasando el lunes al sol (el de Sheffield, cuando aparece) después de una semana en la que demasiados días acabaron en fiesta. Y quien sabe, quizá a mediodía nuestro personaje se encuentre un poco mejor, y por la tarde quizá el futuro ya no sea tan relevante, y por la noche saldrá de casa y volverá al Bar Italia, a ver a los colegas y a esperar a que alguna estudiante pija le invite a un ron con cola y le pida un tour por la vida y las miserias de la gente corriente. Y el accederá, pero acabará entrando en cólera ante tanta superficialidad, y acabará borracho, a las 2 de la mañana, en la fuente del final del camino, dónde años atrás se citó con Deborah, y dónde ella nunca ha vuelto a acudir. Al parecer se casó y tuvo hijos, y el se ha quedado atrapado allí, escuchando para siempre el ruido del agua de la fuente. Y para colmo, la esperada revolución se está haciendo esperar. Pero él resistirá los golpes de la vida, porque forma parte de una especie que nunca se rinde. Una clase diferente.

El disco de la semana 78: Green Day - American Idiot

Hablar de American Idiot (2004) es hablar de la leyenda del ave Fénix, o de cómo de las cenizas de lo que iba a ser otro disco, surgió una ópera punk conceptual que es la obra cumbre de la carrera artística de los angelinos Green Day. La historia de este disco comienza en 2003, durante la grabación de otro muy distinto, que iba a llamarse Cigarettes and Valentines. En pleno proceso de producción, las cintas de aquella veintena de canciones fueron robadas. Ante ese inoportuno revés, los chicos de Green Day reclutaron al productor Rob Cavallo, que les animó a empezar de cero y no volver a grabar el material robado. En lugar de aquellas canciones, comenzó a crecer en su cabeza la idea de una ópera rock, al estilo de discos como "Quadrophenia" o "Tommy" de los Who, y de musicales como West Side Story o Jesuchrist Superstar.

La primera canción compuesta para la nueva remesa fue, precisamente, American Idiot. Por su duración y estructura clásicas del género punk rock, y su innegable fuerza y gancho comercial, este tema con influencias de The Ramones acabaría siendo la canción que dio título al álbum, cuando en realidad y por la estructura de la historia conceptual que narra el disco, ese honor debería haber recaído en Jesus of Suburbia. Al terminar de componer y grabar esta canción-denuncia que criticaba abiertamente a la conservadora sociedad estadounidense, representada en la figura de George W. Bush y su decisión de iniciar la guerra de Irak, se enfrentaron a un bloqueo creativo temporal en el que apenas consiguieron esbozar algunas ideas y ritmos aislados que cada uno de ellos había trabajado en solitario. Hasta que un día, decidieron ir ensamblando aquellas pequeñas partes en lo que acabarían siendo las dos grandes suites del disco: Homecoming y Jesus of Suburbia. Al ver los resultados de aquellas dos piezas, se dieron cuenta de que tenían entre manos un disco conceptual. Había nacido lo que sería American Idiot.

AMERICAN IDIOT

Tras el rotundo pistoletazo de salida que es la canción American Idiot, con sus riffs de power pop urgente y su ácido y político mensaje, llega el turno de la primera gran suite del disco. Jesus of Suburbia está formada por cinco secciones claramente identificables, por los cambios de ritmo que suponen en el conjunto de la obra. El Jesús de los Suburbios es un outsider que critica airadamente a la decadente sociedad estadounidense del momento, los "idiotas americanos" que hacen caso omiso al mensaje de este particular anti-héroe, surgido de la imaginación del cantante y guitarrista Billie Joe Armstrong, que deja su hogar para adentrarse en el oscuro y clandestino mundo de la gran ciudad, dónde cambiará su nombre por el de St. Jimmy y conocerá a una chica llamada Whatsername (¿Cuál es su nombre?), una revolucionaria de la que se enamorará, y con la que compartirá sus deseos de rebelión ante la sociedad opresiva y la manipulación de los medios.

Las referencias contra la guerra de Irak vuelven a aparecer en Holiday, que es junto a American Idiot, la pieza del disco que más encaja con el esquema de una prototípica canción de Green Day. Un tema de punk rock comercial, con reminiscencias de la música de The Clash, pero al mismo tiempo con una producción y un sonido muy cuidados, que tienen su momento álgido en el soberbio cierre del tema, cuando las guitarras distorsionadas se entremezclan con el inicio de Boulevard of broken dreams, uno de los momentos clave del disco, tanto por la calidad del tema como por el mensaje del mismo. El Jesus of Suburbia ha llegado a la ciudad, y transita por "una carretera solitaria, la única que alguna vez he conocido, no sé a dónde va, pero para mí es mi casa y camino solo, camino por esta calle vacía, en el bulevar de los sueños rotos, donde la ciudad duerme, y soy el único y camino solo..."

En Are We The Waiting, canción en la que, tanto la rotunda batería como la letanía de su repetitivo estribillo, nos recuerdan a los cánticos de las masas en una manifestación. Jesus of Suburbia ya no está solo: "Somos nosotros, nosotros somos, los que están esperando. Esta sucia ciudad estaba ardiendo en mis sueños..." La canción funciona como parte introductoria de St. Jimmy, el latigazo punk en el que Jesus of Suburbia adopta su alter ego combativo y disidente, descrito como el violento hijo de una ramera y de Edgar Allan Poe, el "santo patrón de la negación, con cara de ángel y un marcado gusto suicida"

Atravesar el bulevar, y enfrentarse a la dura realidad y a los sueños rotos, no es un camino fácil para St. Jimmy, que al ver rotos sus sueños revolucionarios entra en la espiral de drogas de Give me novocaine, secundado por su compañera de viaje, a la que Green Day dedican los temas She's a Rebel y Extraordinary girl. Los títulos son suficientemente explicativos, a los ojos de St. Jimmy ella es tan extraordinaria como rebelde. En Extraordinary girl encontramos la influencia más "exótica" dentro de lo que sería un disco de punk rock. Las melodías orientales y los coros de voces recuerdan ligeramente a los últimos Beatles, los que guardaron los trajes y las corbatas en el armario, para dejarse crecer la barba y tocar el sitar.

El punk rock regresa al disco con Letterbomb, en un giro musical y temático que nos indica que "se masca la tragedia". Whatsername acaba dejando a St. Jimmy, al ritmo del muro sonoro levantado por la batería y el bajo de Tré Cool y Mike Dirnt. La ruptura es a través de una carta, que al protagonista de esta historia le cae como si fuera una carta bomba, que al mismo tiempo le acaba abriendo los ojos a la cruda realidad: "No eres el Jesús de los suburbios. St. Jimmy es solo un producto, la ira de tu padre y el amor de tu madre hicieron esta América idiota". Jesus of Suburbia decide entonces simular el suicidio de su alter ego St. Jimmy, para poder volver atrás.

El retorno está representado a través de dos nuevas piezas clave del disco. Wake Me Up When September Ends es un sentido tema acústico que, poco a poco, va creciendo hasta que las guitarras y la instrumentación estallan en el estribillo. Septiembre ha sido tan duro que al protagonista le gustaría poder dormir, y despertar cuando el mes ya hubiera pasado. Un tema muy intenso con diferentes lecturas posibles. Por un lado, es un tema dedicado al padre de Billie Joe Amstrong, fallecido años atrás, pero podría ser también una referencia velada al fatídico 11-S. Sea como fuere, encaja además en la historia del rebelde desengañado, que recorre el camino de vuelta con la mochila repleta de desilusiones y sueños rotos. Vuelve a casa, al lugar al que regresar cuando es necesario lamerse las heridas, y ese retorno se cuenta magistralmente en Homecoming, la segunda suite larga y cambiante del disco, en la que regresan a lo grande la épica y los feroces cambios de ritmo que ya disfrutamos en su "hermana gemela" Jesus of Suburbia. Como curiosidad, el segmento conocido como Rock’n’roll Girlfriend es el único tramo del disco en el que la voz solista corrió a cargo del batería Tré Cool.

El disco aún nos regala un tema que refleja un momento muy visual, casi cinematográfico. Él ha vuelto a su casa, pero un día cualquiera cree ver a Whatsername de nuevo:

Creo que me crucé contigo en la calle
Pero resultó ser sólo un sueño
Me propuse quemar todas las fotos
Ella se fue y yo tomé un camino diferente
Recuerdo su rostro, pero no puedo recordar el nombre
Ahora me pregunto cómo estará "Comosellame"

Los arrepentimientos son inútiles en mi mente
Ella está aún en mi cabeza, debo admitirlo
Los arrepentimientos son inútiles en mi mente
Está en mi cabeza desde hace mucho
Y en la más oscura noche
Si mi memoria no me traiciona
Nunca volvería el tiempo atrás
Olvidándote a ti, pero no los momentos...

En ese momento, sabe que ya no hay vuelta atrás, y puede que sea el primer paso de su curación, si es que queremos que la historia tenga un final más o menos feliz para el Jesús de los suburbios. Al fin y al cabo, después de regalarnos un disco tan superlativo, con canciones que deslumbran aún más al escucharlas como una sola obra conjunta, lo único que nos queda para que sea perfecto es que, al levantarse la aguja del tocadiscos, podamos creer que Jesus of Suburbia / St. Jimmy tuvo realmente una oportunidad de empezar de nuevo, lejos de las espinas de la ciudad sombría, y de la mordaza de una sociedad idiota.

El disco de la semana 73: The Last Shadow Puppets - The age of the understatement

Dice el diccionario que "Understatement" (Eufemismo) es una palabra o expresión con que se sustituye a otra más grosera, impertinente, violenta o que se considera tabú. Es decir, que tanto Alex Turner, líder de los Arctic Monkeys, como un más desconocido Miles Kane, ex-líder de The Rascals, querían decir lo mismo que con sus formaciones nodriza, pero utilizando herramientas más sofisticadas. Y para construir la gran obra que fue The age of the understatement, confiaron en James Ford, productor habitual de los discos de Arctic Monkeys y músico en el grupo Simian Mobile Disco, para las labores tanto de batería como de producción.

El resultado fue una obra casi perfecta y de una madurez sorprendente para tratarse del trabajo de dos veinteañeros, y muy por encima de muchos de los discos posteriores de los monos árticos y de la irregular carrera en solitario de Kane. Al igual que los eufemismos te permiten cuidar al máximo el lenguaje del mensaje, todo en el disco de The last shadow puppets fue cuidado hasta el máximo nivel de calidad y detalle. Para ello, se rodearon de brillantes colaboradores para cada una de las diferentes facetas del disco.

El nombre del grupo ("las últimas marionetas de sombra"), ya daba pistas del cuidado sonido nostálgico que el disco iba a ofrecer, y la icónica portada fue como el flash cegador de una vieja cámara fotográfica, que nos devolvió una instantánea retro que no dejó a nadie indiferente, y que no estuvo exenta de una buena dosis de misterio. Tanto la portada del disco, como la del posterior segundo single "Standing next to me", eran obras del fotógrafo sudafricano Sam Haskins, tomadas en 1960 para su libro "Five Girls", y en ambas la protagonista es una bella y misteriosa mujer que despertó entre los fans una enorme corriente de interés por conocer su identidad.

Las averiguaciones desvelaron a una estudiante universitaria de Johannesburgh llamada Gill (nunca se llegó a saber su apellido), que pese a la naturalidad que mostró ante el objetivo de Haskins, no era modelo profesional. Las fotos del libro de Haskins fueron tan populares que la misteriosa Gill se convirtió en un icono durante la guerra de Vietnam, y el fenómeno volvió a repetirse durante la posterior "era del eufemismo", pero la hoy en día septagenaria Gill sigue siendo un auténtico misterio.

Pero lo que, de verdad, hace grande a este disco son, evidentemente, sus canciones, compuestas por el talento en bruto de unos adolescentes Turner y Kane, y cambiando lo que antes eran violentos arreglos de guitarra por cuidados arreglos orquestales, encomendados a la figura de Owen Pallett, e interpretados magistralmente por la London Metropolitan Orchestra. Sin lugar a dudas, éste fue el empujón de grandiosidad definitivo para un puñado de brillantes canciones que, en general, caminan entre la nostalgia y el homenaje a los sonidos de los discos y películas de los años 60.

Ya desde la primera canción, The age of the understatement, el tono de la música es un claro homenaje a las películas de espías de la guerra fría, mezcladas con los ecos de las bandas sonoras de las películas de espías y de los spaghetti western de Ennio Morricone. El segundo tema, Standing next to me, es probablemente el momento más álgido de la química Turner-Kane, en la que el (buscado) paralelismo con la excelsa complicidad de los primeros temas de Lennon-McCartney está bastante conseguido. El talento y la sencillez acústica del tema, combinados con la brillante química y empaste de las voces de los dos músicos, y el vistoso revestimiento de la orquesta, hacen de este tema un diamante de impactante brillo.

Tras un tema como Calm like you, quiza la más cercana al sonido Arctic Monkeys, la buscada influencia retro aparece en temas como Separate and ever deadly o The chamber, con guiños a la música de Serge Gainsbourg en los arreglos orquestales, aportando un sonido fresco y, a la vez, basado en estructuras musicales de antaño.

Only the truth es un paréntesis de menor brillo que otros temas del disco, que da paso al, probablemente, mayor logro de esta colección de temas. My mistakes were made for you es una pieza maestra y sin fisuras, en la que brilla el sonido sesentero y orquestal, en completa comunión con el aire nostálgico de la letra y la voz de Turner. No baja el tono Black Plant, que engrosa también la colección de temas destacables de un disco con una unidad de sonido digna de elogio.

I don't like you anymore es el segundo momento bajo del disco, volviendo a terrenos más cercanos al rock, pero quedándose a medio camino en su intención de transmitir una fuerza que el tema finalmente no termina de tener. In my room arranca con una efectiva orquesta que nos transporta a las escenas de acción de las películas de James Bond, y a diferencia del anterior, no desentona en el conjunto sonoro del disco.

Y cuando parece que el show de las marionetas no va a dar más de sí, aún queda tiempo para la sorpresa y el deleite ante otro de los momentos memorables con The meeting place, tema en el que las dos voces empastan a la perfección dentro de una balada acústica y sesentera, reforzada por los cuidados arreglos orquestales. La orquesta tiene su breve momento en solitario en el cierre de esta canción, y bien podría haber sido ese el final rotundo de esta obra pero, como si de un regalo inesperado se tratase, Turner nos regala como pieza final un Time has come again que anticipa el estilo de balada de crooner clásico que tanto le ha gustado explorar al entrar en la treintena.