Metallica - Load (Mes Metallica)

 

Siempre he admirado a Metallica por su deseo insaciable de no explotar la misma veta hasta el final de sus días musicales, sino de buscar constantemente nuevas ideas y conceptos, una nueva visión de la creatividad. Comenzaron a ser criticados masivamente en 1991: la desaparición del trash y las melodías sofisticadas fue percibida negativamente en su mayoría por los fans antiguos, pero también por los más devotos, es decir, aquellos que no son tan testarudos y prejuiciosos se dieron cuenta de que continuar con el estilo de los años 80 solo podría conducir al lanzamiento de clones, y no algo original. Pero si en 1991 las filas de fans del grupo aún no se habían reducido significativamente, todo cambió con el lanzamiento del álbum "Load" en junio de 1996, en el que los músicos habían estado trabajando de forma intermitente desde finales de 1994 tras varias giras, un largo descanso y un litigio con Elektra. Por primera vez, Hetfield y Hammett tocaron la guitarra rítmica y la guitarra principal alternativamente, o ambas guitarras rítmicas a la vez, lo que dio como resultado un sonido más vivo. Se seleccionaron 14 composiciones, ya que no había más espacio en el CD. Este álbum fue un shock para muchos fans después de cinco años de espera, no podían entender cómo su grupo favorito pudo llegar a este punto, olvidando que si alguna banda nueva lanzara un álbum como este, serían elogiados a diestro y siniestro por todos y hasta su perro. Pero, por desgracia, la sombra de la vieja Metallica se cernía sobre muchos, y no era fácil ahuyentarla, los experimentos (especialmente en la segunda parte), los elementos de grunge, alternativo y blues-rock, muchas baladas, la gran duración de algunas canciones (aunque no es de mi gusto), todo esto fue recibido con hostilidad, y un crítico de Rolling Stone llamó a este lanzamiento "la mayor decepción del año y una parodia del hard rock inteligente". Sin embargo, por cada persona decepcionada había un nuevo fan al que le gustaba este tipo de música, en cualquier caso, elige tú mismo si te gusta o no, personalmente me encanta este álbum. Metallica siguió siendo la misma: no querían repetirse y seguían tocando la música pesada y potente que les gustaba y, según Ulrich, más simple (aunque no lo creo), solo que con arreglos más hermosos. No a todos los fans les gusta, pero ese es un problema de los fans. Me gustaría preguntarles: ¿hubiera sido mejor si Metallica hubiera horneado los mismos panes durante 20 años? La extraña portada dio otro motivo más para los ataques. Es decir, no sólo se cortaron el pelo, se volvieron pop, cambiaron su logo, sino que además muestran esperma. La idea de utilizar este algo extraño se le ocurrió a Hammett mientras estaba hojeando un libro de arte. Vio la obra del europeo Andrés Serrano, “Sangre y Semen III”, que tiene toda una serie de cuadros de este tipo. El resultado es sangre de toro mezclada con el esperma del artista entre dos láminas de plexiglás. Es cierto que Jason estaba en contra, pero era minoría.

Ain't My Bitch empieza el álbum con energía, la sección rítmica entra con fuerza, con algunos riffs frescos y apagados al principio. La frase del título se puede traducir como "No es mi problema". El héroe lo dice mientras se dirige a alguien y le pide que lo deje en paz. En el medio aparece de nuevo la guitarra, seguida de un bonito solo de slide. Las últimas palabras, “You ain’t mine” (No eres mía), sugieren que la canción bien podría tratar de una mujer que ya no pertenece al héroe, es decir, él rompió con alguien y no quiere que esa mujer lo moleste. "2x4"me gustaba en distintos momentos y luego no gustó, somos variables y me gusta ahora sobre todo por esa batería que entra, los riffs de guitarra son pesados ​​y oscuros, y se percibe un espíritu de Black Sabbath. Liricamente Hetfield se acerca a alguien que claramente no le agrada con la intención de tratar con esa persona y mediante el coro nos trasmite esas emociones: ira, rechazo, sorpresa porque no hay respuesta a las palabras provocativas. El protagonista quiere provocar al enemigo: “No te escucho. "Dime algo." El extraño título originalmente era un título provisorio que significaba dos riffs repetidos cuatro veces, pero luego se inventó la letra para adaptarla, ya que como adjetivo "dos por cuatro" significa "estrecho, limitado". Así es como se le parece el héroe a la persona con la que intenta hablar. En el medio, el ritmo se ralentiza y luego sigue un solo penetrante, creando la sensación de que incluso la guitarra quiere que finalmente se le responda al héroe. La última frase es “Ella no aguanta más”, es decir “Ella no aguanta más” cambia radicalmente la situación, porque resulta que el protagonista se dirigía a una mujer. El subtexto erótico de las palabras “fricción” y “fusión” queda claro. The House Jack Built es una pieza fascinante y conmovedora, los riffs de guitarra y la batería suenan suave a los que se une una segunda guitarra se suma. El héroe de James abre la puerta de su escondite. La música es mística y el misterio lo añaden, entre otras cosas, los coros sin palabras. La voz resuena, pero el eco es bastante extraño y parece existir por sí solo. Es una maravillosa alegoría de nuestra vida, donde hay una confusión total, pero una cosa está inextricablemente ligada a otra. Pero ¿es seguro estar en un templo que está a punto de derrumbarse? Jack es probablemente la abreviatura de Jack Daniels, y el poeta beatnik Jack Spicer, que murió de alcoholismo, tenía un libro con el mismo nombre. Until It Sleeps es una hermosa balada, la batería entra silenciosamente con un bajo alarmante, y pronto aparecen las voces, junto con una guitarra triste. Como recordamos, la madre de James, una mujer religiosa, murió en 1980 de cáncer, al no querer recurrir a los servicios de los médicos. Desafortunadamente, en 1996, el cáncer también se llevó al padre de Hetfield. La dureza llega después de las dos primeras líneas y el estribillo es muy emotivo. El protagonista se dirige a su padre y le pide que lo ayude a superar el dolor, que le lave la suciedad y que lo sostenga hasta que el dolor y el odio se duerman. En King Nothing poco a poco comenzamos a escuchar el aullido de una guitarra, y cuando el volumen alcanza un nivel normal, comienza a reproducirse el bajo al que se suman grandes riffs. Hetfield habla de personas que están obsesionadas con el deseo de tenerlo todo en esta vida, pero al final se quedan sin nada "Ten cuidado... o podrías sufrir esto

A pesar del éxito que tuvo Hero of the Day como single, por alguna razón nunca me lleno, la guitarra suena, los tambores se suman suavemente y James canta: "Mamá, están tratando de romperme". En el primer verso aparece una guitarra acústica, pero poco a poco el sonido se vuelve más pesado. Liricamente habla de aquellos que buscan héroes en periódicos y programas de televisión, sin darse cuenta de que los héroes pueden ser personas comunes que uno puede encontrar en la calle. La música se vuelve más pesada y rápida en el estribillo, donde habla de sueños y pesadillas, por lo que la gente aparentemente intenta encontrar algún tipo de héroe en esta vida. Todo termina con una repetición repetida de la frase que se escuchó al principio. Tal vez Hetfield realmente esté recurriendo a su madre fallecida en busca de apoyo. Bleeding Me es una composición que realmente toca el alma. Comienza como una balada. Suena una guitarra triste, acompañada de un bajo, y de fondo aparece un órgano eléctrico. La voz de James es conmovedora y lírica. El protagonista es un hombre que sufre, pero él mismo es la causa de ello. Simpatizamos con el protagonista que se hace sangrar. La idea principal de esta canción algo masoquista es probablemente esta: no trates mal a alguien a menos que estés preparado para que te traten de la misma manera. Un riff solitario surge en el medio, la batería se suma y la voz de James se duplica con coros distorsionados. Después de un solo magnífico y penetrante, se repiten la melodía inicial y el primer verso. El héroe es optimista, a pesar de los altibajos de la vida. A continuación, Cure, la bateria, los riffs de guitarra, las voces suenan con un timbre extraño, en general, el epíteto “opresivo” se puede aplicar a la música. La guitarra periódicamente se vuelve más silenciosa en comparación con la voz de James, y canta sobre el deseo humano inherente de encontrar una salida a situaciones difíciles. Pero cada uno resuelve los problemas a su manera: algunos volándose los sesos de un tiro, otros bebiendo un trago de una botella y pensando que ahogarán sus penas en alcohol, algunos invitando a una persona no querida a su casa y tratando de llenar el vacío de su corazón; Y toda esta gente está equivocada. Bueno, todo el mundo necesita medicamentos porque todos tenemos algún tipo de enfermedad. El solo es memorable, pero corto, James repite una y otra vez: "Creo" (que todo el mundo necesita una cura y, presumiblemente, que es posible curarse). Poor Twisted Me comienza un riff que reproduce la música de "Spirit in the Sky" de Norman Greenbaum, y la bateria se suma suavemente. Luego la sección rítmica empieza a tocar bastante pesada y oscura, y las voces están distorsionadas. El héroe siente lástima de sí mismo porque su vida es una gran desgracia y tristeza. Es como si se estuviera ahogando en el mar, tratando de llegar a la orilla, y estaría contento si alguien lo ayudara. En general, la composición recuerda a un rhythm and blues lento y pesado. Wasting My Hate fue escrito bajo la influencia del blues rock, la guitarra suena suavemente bajo el sonido de los tambores y la voz de James suena apagada. Él le pide a alguien que no desperdicie odio en él, y entonces él no desperdiciará el suyo. La idea de la canción surgió de una historia que le sucedió al amigo de James, Waylon Jennings. Estaba sentado en un restaurante y de repente vio a través de la ventana que un tipo lo estaba mirando desde un auto. Las miradas de retorno de Waylon estaban llenas de odio. Finalmente decidió hablar con el tipo, pero cuando llegó al auto, lo encontró dormido y pensó: "Oh, mierda, desperdicié mi odio en este tipo".

En Mama Said aparece una guitarra acústica tocando en estilo country y pronto siguen las voces, James dedicó esta otra composición profundamente personal a su difunta madre, recuerda que ella le advirtió que "la vida es un libro abierto" que no debe "cerrarse hasta que se haya leído hasta el final" y que "la llama más brillante se apaga más rápido". En el coro entra la batería y la guitarra eléctrica toca una triste melodía de blues. Antes del siguiente verso, de vez en cuando se añaden acordes tristes de la guitarra eléctrica a la guitarra acústica. La música y las voces se van volviendo poco a poco más emotivas. James quería distanciarse de su madre y encontrar su propio camino, y abandonó el hogar temprano. Ahora se da cuenta de que siempre dio por sentado el amor de su madre, pero cuando quiso estar en su cálido abrazo, se dio cuenta de que su madre había muerto hacía mucho tiempo. Thorn Within un tema un tanto infernal que me gusta mucho. Los tambores hacen clic, la guitarra toca maravillosamente y el bajo resuena abruptamente. La atmósfera es oscura y perturbadora. Al parecer, el protagonista acude al sacerdote para confesarse: “Perdóname, padre, porque he pecado. Me siento culpable de sentir la vida dentro de mí." Al mismo tiempo, ve que, a pesar de su confesión, no quieren perdonarlo, porque es como una espina, como un hueso en la garganta. Sin embargo, ¿tiene una persona derecho a condenar a alguien si cada uno es pecador a su manera? Solo expresa empatía, pero lograr que otra persona empatice será mucho más difícil. Ronnie huele a Nazaret o a Lynyrd Skynyrd. Suena una guitarra eléctrica en silencio y se suma la batería, primero apagada, luego fuerte, acompañada por un bajo pulsante, el sonido te hace pensar en una película del Oeste. La composición está basada en un incidente real: en 1995, en un pueblo del estado de Washington, un niño llevó una pistola a la escuela y comenzó a disparar. James dejó todo como estaba: el nombre Ronnie, el apellido Brown, el apodo Frown. La composición se prolonga un poco al final, pero en general suena bien, aunque no "metálica". Sin embargo, con un grupo tan cambiante, es difícil decir qué es lo que les suena familiar. The Outlaw Torn es una de mis favoritas, se acerca el sonido de una guitarra y unos tambores fuertes, pesado y lírico a la vez. Las voces se vuelven más tranquilas y con un bajo rítmico y, en mi opinión, asombroso que agrega un toque jazzístico, James canta el memorable estribillo: "Y así te espero toda mi vida". La amada del protagonista murió, y ahora él está tratando de encontrar alguien que la reemplace, él está buscando su felicidad, pero algo no está funcionando. La música se vuelve más pesada y Hetfield grita: "Soy un paria torturado". Suena genial el verso en el que James responde a las cortas frases de Jason: “Mírame”, “Escúchame”, “Abrázame”, “Sálvame”.

A los componentes de Metallica les gustó mucho el álbum, y Jason dijo que este fue el primer trabajo del grupo en el que pudo demostrar su valía. A los pocos días de su lanzamiento, el álbum alcanzó el número uno en las listas de Billboard. A pesar de la división entre los fans, este polémico álbum siguió siendo popular, considero que no es su mejor obra, pero todos cambiamos con el tiempo, ¿y por qué deberíamos negarles lo mismo a los músicos? Si este álbum dejó a alguien indiferente, bueno, aparentemente no es lo suficientemente maduro para ello, o quizás, por el contrario, lo ha superado y ya no puede percibir cosas buenas, de las cuales ya no quedan tantas en este mundo.

Metallica - Master of Puppets (Mes Metallica)

 

Master of Puppets, Metallica

     El álbum Master of Puppets de la banda estadounidense Metallica está considerado como uno de los mejores espectáculos de heavy metal de toda la historia. Este álbum demuestra un equilibrio perfecto entre un tempo alto y toques de guitarra moderados con potentes y perturbardores ritmos. Estamos ante una de las bandas de heavy metal de mayor éxito comercial en el mundo. Se estima que ha vendido 120 millones de copias de álbumes, además de haber obtenido varios premios Grammy.

Master of Puppets es su tercer álbum de estudio. Fue grabado entre el 1 de septiembre y el 27 de diciembre de 1985, en los Sweet Silence Studios de Copenhague, Dinamarca, bajo la producción de Flemming Rasmussen y del propio grupo, y publicado el 2 de marzo de 1986 por el sello discográfico Elektra Records. Este fue el útlimo aparecería el bajista Cliff Burton, pues fallecería, mientras se encontraba de gira de apoyo del disco, el 27 de septiembre de 1986 después de que el autobús de gira de la banda se viera involucrado en un accidente en la localidad de Dörarp, Suecia. 

Master of Puppets alcanzó el puesto número 29 en el Billboard 200 y recibió elogios generalizados de los críticos, que elogiaron su música y sus letras comprometidas politicamente. Está considerado como uno de los mejores y más influyentes álbumes de metal de todos los tiempos, y se le considera fundamental para la consolidación de la escena del thrash metal estadounidense . En el año 2003 Fue certificado seis veces platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) por vender seis millones de copias en los Estados Unidos, y más tarde fue certificado seis veces platino por Music Canada y platino por la British Phonographic Industry (BPI). En 2015, Master of Puppets se convirtió en la primera grabación de metal en ser seleccionada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

En el proceso de creación del álbum, La banda no estaba satisfecha con la acústica de los estudios estadounidenses que estaban sondeando para grabar, y decidieron hacerlo en la Dinamarca natal de Ulrich. Ulrich se puso en contacto con el bajista y vocalista de Rush, Geddy Lee, para producir el álbum, pero la colaboración nunca se materializó debido a la problematica de poder cuadrar las agendas.  Metallica al final se decantó para grabar el álbum por el productor Flemming Rasmussen. La escritura de todas las canciones excepto Orion y The Thing That Should Not Be fue completada antes de la llegada de la banda a los estudios de Copenhague. El productor Rasmussen comentó que la banda había traído las demos de las canciones bien preparadas y solo se tuvieron que hacer ligeros cambios a las composiciones en el estudio. La evolución y sentido de mejorar de la banda quedó patente en este disco, que tardó bastante más tiempo que su disco anterior en grabarse, pues habían desarrollado un gran sentido de perfeccionismo. Sus ambiciones musicales habían crecido, y buen ejemplo de ello fue que Ulrich tomara lecciones de batería y Hammett se pusiera a trabajar con Joe Satriani para aprender a grabar de manera más eficiente.

El grupo quiso evitar la producción pulida y los sintetizadores de los álbumes contemporáneos de hard rock y glam metal, y sus componentes, que tenían reputación de bebedores, decidieron mantenerse sobrios los días de grabación. Hammett recordaba al respecto: "simplemente estaba haciendo otro álbum en ese momento y no tenía idea de que el disco tendría una gama de influencias tan amplia como la que tuvo". También dijo que el grupo estaba "definitivamente en su apogeo" en ese momento y que el álbum tenía "el sonido de una banda que realmente se estaba consolidando, que realmente estaba aprendiendo a trabajar bien en conjunto". 

El diseño de la portada fue obra de Metallica y del mánager musical estadounidense Peter Mensch,  y pintado por Don Brautigam. Dicha portada muestra un cementerio con cruces blancas atadas a cuerdas, manipuladas por un par de manos en un cielo nublado y rojo sangre, con un resplandor naranja intenso en el horizonte. En lugar de lanzar un sencillo o un video antes del lanzamiento del álbum, el grupo se embarcó en una gira estadounidense de cinco meses en apoyo de Ozzy Osbourne. La etapa europea se canceló después de la muerte de Burton en septiembre de 1986, y la banda regresó a casa para audicionar a un nuevo bajista. La banda decidió burlarse de las pegatinas de advertencia promocionadas por el PMRC (Centro de Recursos Musicales para Padres), colocando una burlona etiqueta que rezaba: "La única canción que probablemente no querrás reproducir es 'Damage, Inc.'" "debido al uso repetido de la infame palabra "F". Por lo demás, no hay " mierdas", "jode", "mea", "coño", "hijo de puta" ni "chupapollas" en ningún lugar de este disco".

Master of Puppets presenta un enfoque y una interpretación más refinados en comparación con los dos álbumes anteriores, con canciones con múltiples capas y dotadas de una gran destreza técnica. Aunque hay una gran similitud en la secuencia de las pistas con su álbum anterior, Ride the Lightning (ambos abren con una canción de ritmo rápido con una introducción acústica, seguida de una larga canción principal y una cuarta pista con cualidades de balada), la musicalidad en Master of Puppets es más poderosa y épica en alcance, con ritmos ajustados y delicados solos de guitarra, introduciendo un nuevo nivel de pesadez y complejidad en el thrash metal, mostrando canciones atmosféricas y ejecutadas con gran precisión. La voz de Hetfield había madurado desde el grito ronco de los primeros dos álbumes a un estilo más profundo y controlado, pero agresivo.

Las canciones exploran temas como el control y el abuso de poder, y sus letras describen las consecuencias de la alienación, la opresión y los sentimientos de iimpotencia. Comienza el álbum con Battery, que hace referencia a la violencia furiosa. Algunos críticos sostuvieron que el título en realidad se refiere a una batería de artillería, y lo interpretaron como "Hetfield [cantando] una táctica de guerra como el agresor" personificando la destrucción. La canción comienza con guitarras acústicas con un bajo muy pesado que se construyen sobre capas multipistas hasta que se unen a una pared sónica de guitarras eléctricas distorsionadas, para luego romper con riffs rápidos y agresivos . Hetfield improvisó el riff mientras se encontrab de relax en Londres. Master of Puppets es la canción que da título al disco y consta consta de varios riffs con compases irregulares y una sección central bien elegida con un solo melódico. La canción es una clara alusión a las drogas, "el Maestro está moviendo tu hilos, retorciendo tu mente y destrozando tus sueños". Las drogas son el Maestro mientras que el consumidor es el títere. The Thing That Should Not Be está inspirada en el Mito de Cthulhu creado por el famoso escritor de terror HP Lovecraft, con notables referencias directas a La sombra sobre Innsmouth y al propio Cthulhu, que es el tema del estribillo de la canción. Se considera la pista más pesada del álbum, con el riff principal emulando a una bestia arrastrándose hacia el mar. Se perciben las influencias de Black Sabbath en las guitarras, que están afinadas hacia abajo, creando un ambiente lento y melancólico. Cierra la cara B Welcome Home (Sanitarium). La canción se basa en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey y transmite los pensamientos de un paciente injustamente enjaulado en una institución mental. La canción está estructurada con guitarras sombrías y limpias alternadas en los versos y riffs pesados ​​y distorsionados en los coros, que se desarrollan en un final agresivo.

Abre la cara B Disposable Heroes, una canción contra la guerra sobre un joven soldado cuyo destino está controlado por sus superiores. Con secciones interpretadas a 220 pulsaciones por minuto, es una de las pistas más intensas del disco. El pasaje de guitarra al final de cada verso era la imitación que hacía la guitarra de Hammett del tipo de música que encontraba en las películas de guerra. El riff sincopado de Leper Messiah desafía la hipocresía del teleevangelismo que surgió en la década de 1980. La canción describe cómo las personas se convierten voluntariamente en seguidores religiosos ciegos que hacen sin pensar lo que se les dice. Orion es una pieza instrumental de varias partes donde destaca sobremanera el bajo de Burton. Comienza con una sección de bajo con fundido de entrada, muy procesada para parecerse a una orquesta. Continúa con un riff de medio tiempo, seguido de un riff de bajo a medio tiempo. El tempo se acelera durante la última parte y termina con la música desvaneciéndose. Burton arregló la sección central, que presenta su línea de bajo melancólica y armonías de guitarra de varias partes. Cierra este gran álbum Damage, Inc., que se dedica a despotricar sobre la violencia sin sentido. Comienza con una serie de acordes de bajo invertidos basados ​​en el preludio coral de "Come, Sweet Death" de Bach. La canción luego salta a un ritmo rápido con un riff de pedal en E tocado por Hammet. Para dicho riff Hammet fue influenciado y se basó en el grupo Deep Purple.

Aunque Master of Puppets no supuso un paso tan gigantesco como Ride the Lightning (1984), fue el mayor logro de la banda, siendo aclamado como una obra maestra hasta por críticos muy alejados del público principal del heavy metal. También fue un éxito sustancial, llegando al Top 30 y vendiendo tres millones de copias a pesar de una difusión absolutamente inexistente. Es posible que no nos resulte su escucha tan sorprendente como Ride the Lightning, pero Master of Puppets se siente más unificado, tanto temática como musicalmente. Todo en el álbum parece llevado a proporciones épicas (de hecho, las canciones son mucho más largas en promedio), y la banda demuestra tener más control en la dirección del álbum y una gran progresión en su evolución musical.

Ride the Lightning de Metallica (1984): Un hito en la historia del thrash metal (Mes Metallica)

Álbum Ride the Lightning de Metallica (1984): Un hito en la historia del thrash metal #mesMetallica

Este mes, dedicado a explorar los álbumes más icónicos, nos sumergimos en el segundo trabajo de estudio de una de las bandas más influyentes del metal: Metallica. Su álbum Ride the Lightning, lanzado en 1984, no solo consolidó a la banda como pioneros del thrash metal, sino que también marcó un punto de inflexión en el género, combinando agresividad, técnica y profundidad lírica en un disco que sigue siendo relevante casi cuatro décadas después.

Metallica, formada en 1981, ya había demostrado su potencial con su debut Kill 'Em All (1983), pero fue con Ride the Lightning que la banda elevó su propuesta a un nivel completamente nuevo. Este álbum no solo es más maduro en términos musicales, sino que también explora temas más oscuros y complejos, desde la pena de muerte hasta la depresión y la destrucción nuclear. Con una duración de aproximadamente 47 minutos, Ride the Lightning es un viaje emocional y musical que todo amante del metal debería experimentar.

El álbum comienza con una introducción engañosa: una suave melodía acústica que pronto da paso a un estallido de riffs rápidos y agresivos. "Fight Fire with Fire" es una declaración de intenciones, una canción que aborda temas apocalípticos y la destrucción nuclear. La letra refleja el miedo y la paranoia de la Guerra Fría, con un mensaje contundente: la humanidad está al borde de su propia destrucción. La velocidad y precisión de James Hetfield y Kirk Hammett en las guitarras, junto con la batería implacable de Lars Ulrich, establecen el tono para lo que será un álbum lleno de energía y crudeza.

La canción que da título al álbum es una obra maestra del thrash metal. Con un riff icónico y un ritmo implacable, "Ride the Lightning" aborda el tema de la pena de muerte, específicamente la silla eléctrica. La letra, escrita desde la perspectiva de un condenado, es desgarradora y reflexiva, mostrando la capacidad de Metallica para combinar agresividad musical con profundidad temática. El solo de Kirk Hammett es uno de los más memorables del álbum, lleno de emoción y técnica.

Una de las canciones más reconocibles de Metallica, "For Whom the Bell Tolls" es un himno del metal que destaca por su pesado riff de bajo, interpretado por Cliff Burton. Inspirada en la novela homónima de Ernest Hemingway, la canción explora temas de guerra, muerte y sacrificio. El ritmo lento pero poderoso, combinado con la voz grave de Hetfield, crea una atmósfera oscura y épica. El uso del bajo como instrumento principal en esta canción demuestra la influencia de Burton en la banda y su capacidad para innovar dentro del género.

"Fade to Black" es una balada oscura y emotiva que marca un punto de inflexión en la carrera de Metallica. La canción aborda temas de depresión, desesperación y suicidio, con una letra profundamente personal y melancólica. Comienza con una suave introducción acústica que gradualmente se transforma en un poderoso crescendo de guitarras eléctricas. Este tema muestra una faceta más introspectiva de la banda, demostrando que el thrash metal no está limitado a la velocidad y la agresividad, sino que también puede ser profundamente emocional y reflexivo.

Con un ritmo frenético y riffs cortantes, "Trapped Under Ice" es una canción que refleja la angustia y el miedo de estar atrapado en una situación de la que no se puede escapar. La letra describe a alguien que se despierta bajo el hielo, incapaz de moverse o respirar, lo que crea una sensación de claustrofobia y desesperación. La energía de la canción es contagiosa, con un solo de guitarra que destaca por su velocidad y precisión. Es una muestra más de la capacidad de Metallica para crear thrash metal intenso y técnico.

A menudo considerada la canción más "comercial" del álbum, "Escape" tiene un enfoque más melódico y accesible en comparación con el resto de las canciones. Sin embargo, esto no significa que carezca de fuerza. La letra habla de la lucha por liberarse de las expectativas y presiones externas, con un mensaje de resistencia y determinación. Aunque no es tan agresiva como otras canciones del álbum, "Escape" demuestra la versatilidad de Metallica y su capacidad para experimentar con diferentes estilos dentro del metal.

"Creeping Death" es una de las canciones más icónicas de Metallica y un clásico en sus conciertos en vivo. Inspirada en la historia bíblica de las plagas de Egipto, la canción combina un riff poderoso con una letra épica y visual. El coro, con su grito de "¡Die!", es uno de los más memorables de la banda. La energía y la intensidad de "Creeping Death" la convierten en un punto culminante del álbum, y su impacto en el thrash metal es incuestionable.

El álbum cierra con "The Call of Ktulu", una instrumental que muestra el lado más experimental y progresivo de Metallica. Inspirada en la obra de H.P. Lovecraft, la canción crea una atmósfera oscura y misteriosa, con cambios dinámicos y un uso magistral de las guitarras y el bajo. Cliff Burton brilla en esta canción, con un solo de bajo que añade profundidad y complejidad a la composición. "The Call of Ktulu" es una prueba más de que Metallica no solo era una banda de thrash metal, sino también un grupo con una visión artística ambiciosa.

Ride the Lightning es un álbum que define no solo a Metallica, sino también al thrash metal como género. Con una combinación perfecta de agresividad, técnica y profundidad lírica, este trabajo demostró que el metal podía ser tanto intelectual como visceral. Desde la furia de "Fight Fire with Fire" hasta la introspección de "Fade to Black" y la épica instrumentalidad de "The Call of Ktulu", cada canción en este álbum es una pieza esencial en la historia del metal. Ride the Lightning no solo consolidó a Metallica como una de las bandas más importantes de su generación, sino que también sentó las bases para su futuro éxito y evolución. Es, sin duda, un álbum que sigue resonando con fuerza casi cuatro décadas después de su lanzamiento.

Si aún no has escuchado Ride the Lightning, este es el momento perfecto para hacerlo. Y si ya lo conoces, ¿por qué no volver a él y redescubrir su poder? ¡Déjanos tus impresiones en los comentarios y cuéntanos cuál es tu canción favorita de este álbum!

Daniel 

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Metallica - Kill 'Em All (Mes Metallica)

Comencemos la historia de la gran (y realmente lo creo) banda de metal con el danés Lars Ulrich. De niño soñaba con ser tenista como su padre, pero a los 9 años asistió a un concierto de Deep Purple y, como dicen se le encendió la bombilla y cambio su destino. En 1980, Lars se mudó con su familia a California, durante mucho tiempo estuvo fascinado por la Nueva Ola del Heavy Metal Británico (NWOBHM), y decidió formar una banda, buscaba gente con ideas afines aunque en aquella época, en Estados Unidos, a diferencia de Gran Bretaña, había un silencio sobre el heavy metal y poca gente conocía a las bandas inglesas. A esa llamada acudió James Allan Hetfield, un guitarrista y vocalista que ya había tocado en varias bandas, como la banda de glam rock Leather Charm, la columna vertebral de la futura leyenda estaba lista. Según Hetfield, aunque crecieron en entornos diferentes, surgió entre ellos una conexión casi telepática, y podían entenderse sin palabras. El impulso para hacerse realidad lo dio Brian Slagel, quien decidió lanzar una colección de bandas de metal jóvenes e incluso fundó la compañía Metal Blade Records para este propósito, Lars inmediatamente se sintió ansioso por entrar de alguna manera en los anales de la historia de la música y se le contó a James, ya había una idea de grupo, sólo faltaba componer una canción: Hit the Lights. Este tema está basado en una versión reelaborada de "Leather Charm", con nueva letra, pero necesitaban un guitarrista para el solo. Un hombre negro, Lloyd Grant, llegó en respuesta a otro anuncio, junto con él, los chicos agregaron un par de covers y le entregaron la grabación a Brian, quien dijo que esto era lo mejor que tenía para la futura colección. Ron Quintana, un amigo de Ulrich, sin saberlo ayudó con el nombre del grupo, quería publicar una revista musical, pero no podía decidirse entre dos nombres: "Metallica" y "Metal Mania". El astuto zorro danés lo convenció de que la segunda sonaba mejor, así, se eligió un nombre que indicaba inmediatamente qué tipo de música iban a tocar, y a Hetfield se le ocurrió el ahora famoso logotipo con las primeras y últimas letras puntiagudas. Era diciembre de 1981. La formación la completó el bajista Ron McGovney, con quien James fue a la escuela y tocó en Leather Charm, pero Grant decidió marcharse, tras colocar el anuncio habitual en el periódico, un par de meses más tarde se encontró un sustituto en la persona de Dave Mustaine, a quien no solo le encantaba el heavy rock, sino también Yes y Pink Floyd. Con esta formación, los chicos regrabaron “Hit the Lights” para el recopilatorio “Metal Massacre”, que finalmente se lanzó en junio de 1982. Gracias a él, el grupo se hizo conocido en Estados Unidos, poco a poco, a las versiones que los chicos tocaban en los clubes se fueron añadiendo sus propias canciones. Sin embargo, los oyentes que no estaban muy familiarizados con el metal europeo también percibieron las versiones como composiciones de Metallica. Lo único que estropeó todo fue que el glam rock estaba ganando popularidad en Estados Unidos y los conciertos de metal eran menos rentables.

En julio, la banda lanzó un demo no oficial, "No Life 'Til Leather", que presenta solo sus propias composiciones. La grabación causó sensación en Estados Unidos y llegó incluso a los Países Bajos, aunque estaba lejos de ser ideal, especialmente para una persona moderna mimada por la tecnología digital. El título, tomado de la primera línea de "Hit the Lights", la banda continuó actuando con éxito en Los Ángeles y en el más hospitalario San Francisco, donde incluso una vez llegaron a ser cabezas de cartel. Mientras tanto buscaban un nuevo bajista. Ron cada vez les resultaba más insatisfactorio, no le gustaba el ruido ni la bebida, aunque, a decir verdad, él era quien pagaba todo, pero como respuesta no hubo agradecimiento, solo regaños y bromas estúpidas. Siguiendo el consejo de Slagel, James y Lars fueron al Whisky A Go Go para ver a la banda Trauma. Clifford Lee Burton, su bajista, le parecio ideal, y al día siguiente los chicos lo invitaron y le pidieron que se uniera a ellos. Sabía tocar el piano, le gustaba música completamente distinta (clásica, blues, psicodelia, hard, punk) y las composiciones de Metallica se volvieron más complejas. Mientras tanto gracias al influyente mecenas John Zazula, ya estaban actuando en Nueva York. Aquí es donde empezaron los problemas con Mustaine. James y Dave, quienes competían por la posición de liderazgo, no podían permanecer en el mismo grupo, discutieron varias veces y luego Mustaine empezó a beber cada vez más (incluso cuando conducía) y a causar problemas. James asumió la difícil misión de decirle a Dave que lo iban a despedir. El sustituto de Dave, Kirk Lee Hammett, guitarrista de Exodus, una banda de thrash que alguna vez toco con Metallica, provenía de una familia disfuncional como James, pero también amaba una amplia variedad de música y tenía una personalidad muy tranquila.

En mayo de 1983, los chicos, se instalaron en un estudio en Rochester, Nueva York, para grabar su álbum debut. El título provisional "Metallus Maximus" fue cambiado al más atrevido "Metal Up Your Ass" y se planeó que la portada mostrara una mano con un cuchillo de carnicero saliendo de un inodoro, los chicos se quejaron de que no les permitieron participar en la mezcla, por lo que el álbum no suena como les gustaría. Cambiaron el titulo por la frase sanguinaria "Kill 'em all" reflejaba la actitud de los chicos y el nuevo título encajaba perfectamente con el álbum, cuyos temas principales eran la muerte y la destrucción. Rechazo juvenil al mundo y agresividad ¿qué se puede pedir mas? Si no te entienden, ¿qué más puedes hacer sino golpear a todo el mundo en la cabeza? Por cierto, la portada con el martillo ensangrentado me recuerda a los carteles soviéticos de los años 20. Todas las composiciones del álbum ya eran conocidas por los oyentes de los conciertos, riffs potentes y duros, velocidad, agresividad, pero también melodía, de la que, por cierto, carecían muchos metaleros: estas son las características de este álbum. Era thrash mezclado con velocidad, con un sabor NWOBHM, pero lejos de ser simple y directo. Posteriormente, muchos grupos estadounidenses y alemanes se centraron en este trabajo.

 

Hit the Lights es la primera canción de Metallica, con la que dieron inicio sus primeros conciertos, no es de extrañar que la hayan puesto como la primera canción del album, un fuerte ruido de todos los instrumentos llega a los oídos, luego entra un riff de guitarra, la batería golpea de vez en cuando, y con un grito de “¡Woah!” comienza el metal de alta velocidad, la voz ronca y poco preparada de James puede resultar pesada, siguiendo un ritmo increíblemente rápido suelta palabras, tragándose sonidos, sílabas y palabras enteras. El tema de la canción es simple: “Tocamos metal y lo disfrutamos”, y hay varias composiciones de este tipo en el álbum. Puedes añadir: “¡Y si a alguien no le gusta, entonces mátenlos a todos!” Sin embargo, a los que acudieron al concierto les gustó: los fans se volvieron locos y gritaron, y nuestros jóvenes metaleros hicieron sonar la música aún más fuerte. Todo termina con un instrumental de un minuto y medio: primero los chicos calientan y luego van a todo trote, terminando en un caos general. En The Four Horsemen los chicos demuestran que la velocidad y el volumen no son lo más importante para ellos, la bateria suena con fuerza, dando paso periódicamente a una guitarra, que suena primero en un altavoz, y luego en ambos, sigue una potente sección rítmica y pronto aparecen las voces. La base de la composición fue la composición de Mustaine "The Mechanix", en lugar de una historia sobre un mecánico de automóviles que tenía sexo en el trabajo, James escribió un nuevo texto sobre el capítulo 6 del libro bíblico de Apocalipsis. Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis se acercan y es hora de luchar por tu vida, sus nombres (según la canción) son Tiempo, Hambre, Peste y Muerte, aunque tradicionalmente el primer jinete se llama Guerra. Sea como fuere, la propia Biblia sólo menciona la Muerte. En la sección solista, el ritmo se ralentiza y las guitarras ofrecen pasajes desgarradores llenos de simpatía por la humanidad. En el último verso, Hetfield dice que el fin del mundo sólo vendrá para los pecadores que serán castigados. Por supuesto, la letra puede verse como una metáfora: los cuatro miembros de Metallica planean conquistar el mundo. En Motorbreath la batería suena fuerte y luego la guitarra comienza a tocar riffs potentes, se suma toda la sección rítmica, seguida por las voces. En la letra, la vida se compara con un coche veloz, en el que el héroe avanza a toda velocidad, sin intención de detenerse ni de dar marcha atrás, sólo hay una vida y hay que aprovecharla al máximo, sin escuchar lo que dicen los demás. Por cierto, esta es la única canción con un solo autor (Hetfield) y su tema más corto (unos 3 minutos). Jump in the Fire es el tema más comercial del álbum, la sección rítmica suena brillantemente con excelentes riffs densos. Una vez más, las estúpidas letras de Mustaine tuvieron que ser reescritas para tener un tema sexual, y James cantó desde la perspectiva del diablo, que ve a la gente matándose entre sí y se siente satisfecho al verlo, porque está seguro de que todos terminarán en infierno - por su propia voluntad o la de él. El solo vuelve a ser magnifico y nuevamente los chicos hacen un instrumental al final, esta vez terminando en un diminuendo, como si estuvieran yendo a la clandestinidad. Fue lanzado como sencillo, en su portada mostraba a un demonio risueño rodeado por el fuego del infierno. (Anesthesia) Pulling Teeth es un instrumental original de Burton, el nombre está escrito, de hecho, entre corchetes y guiones, probablemente también para facilitar su memorización. Después de las palabras "Bass solo, take one" (Solo de bajo, toma uno), Cliff comienza a tocar, y no es una exhibición sin sentido, sino una interpretación genuinamente melódica del bajo, que suena como una guitarra principal. Resulta muy interesante y puedes imaginarte tan vívidamente que estas en la silla de un dentista que parece como si estuvieran a punto de comenzar a sacarte los dientes. Lars se une a Burton a mitad de camino, y todo termina con un aullido de bajo.

Whiplash, la batería suena fuerte, pero bajo el aullido repetido de la guitarra golpean más suavemente. Entra el riff y luego viene el ritmo rápido, la letra habla sobre el grupo y sus fans. Nos describen un concierto: se escucha una música potente y alta, los fans mueven la cabeza como si tuvieran un ataque. El nombre hace referencia al trauma que suponen esos movimientos repentinos, algo que puede suceder muy bien, sobre todo cuando se escucha un solo rápido. En el último verso, James dice que después del concierto irán a otra ciudad y "nunca dejarán" de tocar su música porque son Metallica. En Phantom Lord empiezan a sonar los teclados y luego entra lentamente la sección rítmica, un sonido potente golpea al oyente. El protagonista de la letra es el Señor de los Fantasmas, quien, al son del heavy metal, va a conquistar el mundo con la ayuda de sus ejércitos vestidos con chaquetas de cuero. De nuevo, una metáfora bastante transparente. Al final de la canción, Hetfield grita una última vez: "Caed de rodillas e inclinaos ante el Señor de los Fantasmas". Por cierto, Phantom Lord era el nombre de una de las antiguas bandas de James, por lo que es posible que haya decidido inmortalizarla de esta manera. No Remorse comienza fuerte, riffs potentes, solo y luego volvemos a los riffs. Después de un poco de misticismo, volvemos a la realidad. La canción está basada en "Let's Go Rock'n'Roll" de Leather Charm. En la nueva letra, Hetfield canta desde la perspectiva de uno de los soldados que disfruta luchar y no siente remordimientos por ello. El coro es especialmente memorable. El grito "¡Ataque!" En el medio suena simplemente aterrador, mientras los instrumentos aceleran el ritmo. Esta canción esencialmente antibélica termina con un caos instrumental, que muestra muy vívidamente lo que está sucediendo en el campo de batalla, y un breve pasaje de guitarras y batería, como si se estuvieran clavando clavos en los ataúdes de los muertos. Seek and Destroy es brillante, los riffs de guitarra suenan maravillosamente y toda la sección rítmica se va sumando poco a poco. Es memorable cómo el riff primero se escucha solo en un canal estéreo, y luego en el segundo. James tuvo la idea de la composición de la canción de Diamond Head "Dead Reckoning", también influyó mucho su trabajo en una fábrica de papel, donde una vez casi le cortan la mano con un cuchillo, por lo que decidió abandonarlo rápidamente. El texto de esta pieza recuerda a la anterior: nuevamente algunas personas tienen sed de asesinato, pero esta vez no en el campo de batalla, sino en la ciudad de noche, donde buscan a un enemigo. Una vez más, memorable el estribillo: “¡Buscamos para encontrar y destruir!” La sección instrumental central aumenta el ritmo y luego presenta un genial solo de guitarra. El final es Metal Militia, la guitarra aúlla, luego suenan riffs y se suman otros instrumentos. Potente y rápido. Después de algunos cambios de ritmo, Hetfield comienza a cantar. Esta es quizás una de sus peores interpretaciones vocales, con un timbre tan insoportable que apenas lo reconoces. En términos de texto, terminamos con lo mismo con lo que empezamos: cantando las alabanzas de nuestro grupo. James llama a todos los fanáticos a unirse en una especie de "milicia de metal" y lanzarse a conquistar el mundo. El solo inicialmente muestra el speed thrash tal como es, pero hay un par de cambios de tempo aquí también. Es natural que la composición termine con un diminuendo, con el repiqueteo medido de las botas de los soldados y los sonidos de la batalla, con el silbido de las balas y las explosiones. Por cierto, el primer club de fans oficial del grupo recibió posteriormente el nombre de “Metal Militia”.

El álbum debut, aunque se convirtió en un fenómeno en el mundo de la música pesada, se hizo apresuradamente, el sonido resultó ser crudo y sucio, el bajo fue empujado a alguna parte, la rabia del joven Hetfield y sus camaradas se desborda. Desde todas partes, sus letras no brillan por su originalidad, y debido a la terrible ronquera vocal, que puede asustar a algunas personas, generalmente son difíciles de entender. Pero no os preocupéis: el segundo álbum cambiará muchas cosas. Sin embargo, incluso aquí ya se pueden ver destellos de la gloria futura: el tecnicismo, la falta de voluntad para seguir el camino estándar, la capacidad de componer composiciones de varias partes. En general, fue un comienzo decente para los jóvenes de 20 años, que aún tenían mucho por delante, aunque hubo algunos debuts más fuertes en el proceso.