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On The Hunt, Lynyrd Skynyrd |
domingo, 7 de julio de 2024
1284.- On The Hunt Lynyrd Skynyrd
sábado, 6 de julio de 2024
1283.- Rock and Roll All Nite - Kiss

viernes, 5 de julio de 2024
1282 - Lynyrd Skynyrd - Saturday Night Special
Disco de la semana 385: Holy Diver - Dio
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Holy Diver, Dio |
En la recomendación de esta semana nos vamos a detener en el álbum debut de uno de los grandes del metal, Ronnie James Dio, con su banda Dio. El álbum: Holy Diver. Dicho trabajo fue grabado en los Sound City Studios de California, bajo la producción del líder del grupo, Ronnie James Dio, y publicado el 25 de mayo de 1983 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Este primer disco de la banda está considerado como el mejor trabajo del grupo y uno de los clásicos y referentes del heavy metal. El disco fue aclamado por toda la crítica especializada, llegando a alcanzar la certificación de oro en Estados Unidos en septiembre de 1984 y la de platino en marzo de 1989. En Reino Unido tampoco le fue nada mal, alcanzando la certificación de plata en enero de 1986, al mismo tiempo que su siguiente álbum, The Last In Line.
El lanzamiento original en vinilo tenía una carátula de LP con un fotomontaje con imágenes del genial cantante Dio en sus días con Rainbow y Black Sabbath. La portada del álbum fue ilustrada por Randy Berret. En ella se veía a Murray, la mascota de la banda, una criatura demoníaca, tirando o azotando una cadena de metal rota, y un hombre con atuendo de sacerdote católico agitándose y chapoteando en el agua, envuelto y encadenado al otro extremo de la cadena rota. Sobre esta portada, Dio afirmaba que las apariencias podían engañar, ya que fácilmente podría tratarse de un sacerdote matando a un demonio. Con esto Dio quería decir que no había que juzgar un libro por su portada. La mascota Murray seguiría apareciendo en posteriores trabajos del grupo.
En la época en que se hizo el disco había crecido el interés y popularidad por las aventuras heroicas de la cultura popular, tales como El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien y los juegos de rol de Dungeons & Dragons. Durante su estancia de Black Sabbath, Ronnie James Dio había renovado y reformado la majestuosa fatalidad de los temas del grupo introduciendo conceptos como la locura y la desolación. La admiración de Dio por esta temática ya la había dejado patente en su banda ELF, donde había utilizado letras de fantasía inspirado por la obra literaria del escritor Sir Walter Scott. Sobre esto Dio llegó a afirmar en su juventud: "Cuando me convertí en compositor, pensé que no había mejor cosa que hacer algo que nadie más había hecho... contar cuentos de fantasía. Fue lo más inteligente que hice en mi vida".
En cuanto al sonido de Holy Diver, presenta el característico sonido heavy metal con unas letras que abordan temas como el bien, el mal y la dualidad de la vida. Estamos ante un trabajo con una gran calidad y consistencia gracias a la suma de un excelente compositor y mejor cantante como Ronnie James Dio, y una selección de músicos de calidad. el baterista Vinny Appice, el bajista Jimmy Bain y el guitarrista Vivian Campbell. Comienza la cara A de este gran trabajo con Stand Up and Shout, una canción enérgica que abre el álbum con una gran fuerza y un vertiginoso ritmo. Le sigue la canción que titula el álbum, Holy Diver, uno de los grandes temas del álbum. En apariencia, la canción rata sobre Satanás y su descenso al infierno, sin embargo Dio advertía que hay mucho más y que el personaje principal no es realmente el Diablo, afirmando: "La canción trata realmente sobre una figura de Cristo, que en otro lugar, no en la Tierra, ha hecho exactamente lo mismo, que aparentemente hemos experimentado o se suponía que habíamos experimentado en la Tierra: morir por los pecados del hombre... entonces, en este otro planeta pasó lo mismo, y toda la gente de este planeta lo está llamando Santo Buceador porque está a punto de ir a otro mundo haciéndose matar para absolver a la gente de sus pecados". Continúa con Gypsy, una melódica balada donde Dio nos cuenta el relato de una misteriosa y mágica gitana. Caught in the Middle trata sobre el ingeniero de sonido Angelo Arcuri. Angelo era el ingeniero que trabajaba en el álbum Holy Diver, y a menudo solía recurrir a Dio cuando se le presentaba algún problema. A Dio se le ocurrió la canción una vez que Angelo se acercó durante uno de esos problemas que le surgían y le dijo que estaba "Atrapado en el medio de nuevo". La maravillosa Don't Talk to Strangers se encarga de cerrar la primera cara del álbum. Estamos, para mí, ante una de las grandes joyas del álbum, una balada con un tono oscuro donde Dio nos advierte de los peligros de confiar en extraños.
La cara B comienza con Straight Through the Heart, una rápida y agresiva canción con unos destacables solos de Campbell, que sirven de transición para Invisible, una canción que trata sobre uno mismo y de como lidiar con el trauma. la canción presenta a dos personajes antes de pasar a la primera persona y explicar los desafíos que el narrador ha atravesado en su viaje personal. Dio explicó que la canción trataba sobre tres personajes diferentes, y lo relataba así: "Un joven gay, una chica maltratada y yo. Quería escribirla desde el punto de vista de alguien que había sido herido psicológicamente, y eso fue lo que pasó en el caso del chico gay y la chica joven, siempre siendo maltratados, pateados y empujados por no ser lo que la gente espera que sean. Me incluí a mí mismo en la última parte porque he pasado toda mi vida en el escenario y he tenido muchos traumas. Sentí que merecía ser incluido en eso por lo que la mayoría de los músicos han tenido que pasar en sus vidas". Rainbow in the Dark es otro gran tema, una de las más populares de la banda. y es una gran metáfora sobre la depresión. En esta canción Dio se siente aislado y atrapado, incapaz de liberar el tremendo potencial que lleva dentro, como un arco iris en la oscuridad. Dio llegó a mencionar su etapa en Black Sabbath como inspiración para la letra; se sintió "sólo y rechazado" cuando dejó la banda. Luego formaría Dio junto al baterista Appice en 1983. Y cierra este brillante álbum Shame on the Night, una oscura y poderosa canción que nos habla sobre la redención.
Holy Diver es uno de los mejores álbumes de heavy metal que se hicieron en la década de los 80, siendo además uno de los puntos culminantes en la carrera de Ronnie James Dio. Rápidas e intensas guitarras de Vivian Campbell, el contundente y seguro sonido de la sección rítmica compuesta por el bajo de Jimmy Bain y la batería de Vinnie Appice, junto con la voz y las letras del maestro Ronnie James Dio se juntan y encastran a la perfección para reglarnos un momento épico y mágico.
jueves, 4 de julio de 2024
1281.- C'mon and Love Me - Kiss
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C'mon and Love Me, Kiss |
Dressed to Kill es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado en febrero de 1975 en los Electric Lady Studios de Nueva York bajo la producción del propio grupo y de Neil Bogart, presidente de Casablanca Records, y publicado el 19 de marzo de 1975 por dicha compañía discográfica. El hecho de que el álbum fuera producido por la propia banda y por Neil Bogart fue porque, debido a la situación financiera de la compañía, Casablanca Records, no podían permitirse la contratación de un productor profesional.
Debido a la corta duración del álbum, las versiones originales del vinilo tenían largas pausas entre cada pista para hacer las caras más largas de lo que eran realmente. Cada cara duraba únicamente unos 15 minutos. La portada del álbum presentaba a los miembros en traje de negocios, pero el único que realmente tenía uno era el baterista Peter Criss. Los trajes usados por el resto de la banda eran propiedad del mánager Bill Aucoin. El álbum llegó a alcanzar el puesto 32 en la lista estadounidense Billboard 200, consiguiedo la certificación de disco de Oro en febrero de 1977. Fueron lanzados dos singles, Rock and Roll All Nite, y C'mon and Love, pero no consiguieron asentarse en las listas de ventas.
Nos vamos a centrar en uno de los dos temas mencionados anteriormente, C'mon and Love, que fue escrito en apenas una hora por Paul Stanley inspirándose e la canción "Question" del grupo The Moody Blues. La letra de la canción es una divertida narración que retrata a un "Don Juan" que adopta la singular táctica de ofrecerse a una romántica mujer. Esta divertida canción es un gran ejemplo de la combinación de rock y pop que utilizaba el grupo junto con unas letras sexualmente sugerentes.
La canción se convirtió en una de las favoritas de los fans y es habitual que sea tocada en sus directos. Paul Stanley afirmaba sobre la canción: "Me encanta 'C'mon and Love Me'. Estaba hablando con alguien sobre cómo ser un mejor compositor, pero también puedes perder la esencia y la pureza de lo que te hizo al principio porque lo que hiciste desde el principio se basó en la libre asociación, simplemente purgándote y vendrían cosas geniales. 'C'mon 'N Love Me' fue escrito así. Fue muy autobiográfico y en gran medida un punto de vista del estilo de vida que estaba viviendo, pero no fue un estudio calculado. Realmente me gustó, todavía me gusta, el verso, el estribillo, todo. Esa es la primera vez que tocaba la guitarra solista en una canción de Kiss, ¡ese soy yo quien toca el papel principal al principio!".
miércoles, 3 de julio de 2024
1280.- That's the Way of the World - Earth, Wind & Fire

martes, 2 de julio de 2024
1279 - Invisible - Durazno Sangrando
lunes, 1 de julio de 2024
1278.- Only Women Bleed - Alice Cooper

El plato fuerte del álbum de debut en solitario de Alice Cooper "Welcome to My Nightmare" (1975), además del teatral rock de la canción que le daba título, fue sin duda la balada "Only Women Bleed", una canción que el guitarrista Dick Wagner había compuesto originalmente para su banda The Frost, pero que tras cambiarle el nombre y adaptar los textos originales al concepto del disco, acabó siendo el single de lanzamiento de "Welcome to my nightmare", el gran esfuerzo creativo de Alice Cooper por mostrarse al mundo desde el otro lado del espectro del terror, reflejando los miedos y sentimientos de los que sufren las pesadillas en lugar de los monstruos que las causan.
En "Welcome to my nightmare" el antaño depravado y necrófago sacrificador de pollos y serpientes se transforma en un alter ego infantil que vive aterrorizado por una extraña incapacidad para separar la realidad de las espeluznantes pesadillas que le abordan cada noche. Una de esas pesadillas recurrentes se refleja en la letra de "Only Women Bleed", criticada en su momento por frases consideradas machistas, obviando que lo que se estaba retratando en la canción era precisamente una pesadilla.
"Only Women Bleed" es en realidad una defensa de la mujer absolutamente pionera para los tiempos en los que fue creada, y la triste historia de una mujer que sufre y llora, atrapada en una relación violenta y abusiva, vista a través de los ojos del niño protagonista, se convirtió en la más icónica y a la vez polémica de las canciones de "Welcome to my nightmare". Como curiosidad, es la canción que Guns and Roses interpreta en todos sus conciertos como breve introducción a su mítica versión eléctrica y coral del "Knockin' on heaven's door" de Bob Dylan.
domingo, 30 de junio de 2024
Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy - Elton John
1277.- Welcome to my Nightmare - Alice Cooper

No sabemos si la separación de The Alice Cooper Band en 1974 fue una pesadilla para el propio Alice Cooper, pero parece claro que el otrora líder de la banda tenía mucho material onírico con el que jugar, porque su álbum de debut en solitario "Welcome to My Nightmare" ("Bienvenido a mi pesadilla"), publicado en 1975, fue toda una obra conceptual en torno a las diferentes pesadillas de un niño llamado Steven, que además vino acompañado de un programa de TV ("Alice Cooper: The Nightmare TV Special"), un tour a escala mundial y una película sobre la gira ("Welcome to My Nightmare concert film").
sábado, 29 de junio de 2024
1276.- Take It To The Limit - Eagles
Randy Meisner escribió varias canciones para Eagles, pero "Take It To The Limit" es posiblemente su mejor trabajo, la nota alta de Meisner al final de la canción nunca deja de impresionar por muchas veces que escuches la canción, sin embargo, esta canción no fue sólo una exitosa coescritura para Meisner, sino que también causó discordia dentro de la banda. Un músico de gira lleva la vida al límite. Semanas y meses interminables viajando, actuaciones potentes cada noche y sueño limitado no son un ciclo que cualquiera pueda superar. Esa es la responsabilidad detrás de "Take It To The Limit" que se convirtió en el primer sencillo de Eagles en el que no aparecían Frey ni Henley como cantantes principales. Desafortunadamente, también se convirtió en el único en el que aparecía Meisner.
Hasta cierto punto, la canción fue víctima de su propio éxito: "Take It to the Limit" se convirtió en una de las canciones favoritas de los conciertos, y los fans se entusiasmaban con la voz imponente de Meisner, pero la relación de Meisner con la canción estaba cambiando y había comenzado a temer el momento en que se suponía que él debía brillar y ser protagonista. "Siempre fui un poco tímido", dijo Meisner más tarde a la revista Rolling Stone. "Querían que me parara en el medio del escenario para cantar 'Take It to the Limit', pero a mí me gustaba estar fuera del foco de atención". Todo llegó a un punto crítico en junio de 1977, cuando Eagles llegaron a Knoxville, Tennessee, Meisner estaba enfermo y se negó a cantar su canción. Eso llevó a una confrontación airada con Frey. "Hemos estado fuera durante un total de 11 meses y todo el mundo empezaba a sentir la tensión", le dijo Meisner al biógrafo Marc Eliot. "Mi úlcera estaba empezando a empeorar y también tuve un caso grave de gripe. Aun así, todos sonamos muy bien en el escenario, al público le encantó el espectáculo y nos llamaron para otro bis. "De ninguna manera", dije, “estaba demasiado enfermo y en general harto. Decidí que no volvería a salir". Según los partes Frey llamó a Meisner "maricón" y Meisner le golpeo, el daño ya estaba hecho. "Cuando terminó la gira, dejé la banda", dijo Meisner. "Esos últimos días en la carretera fueron los peores. Nadie hablaba conmigo ni se quedaba conmigo después de los conciertos ni hacía nada. Me convertí en un paria de la banda que había ayudado a fundar".
La canción “Take it To The Limit” comenzó como una canción simple, Randy Meisner comenzó a escribir la melodía como de costumbre, escribiendo algunas líneas después de una actuación de Eagles en el Troubadour. Luego, Glenn Frey y Don Henley se unieron al proceso de colaboración. "Yo escribía una o dos estrofas y listo", dijo Meisner en el documental The History of the Eagles, "y ellos me ayudaban a completar los espacios en blanco. "El verso llévalo al límite era para seguir intentándolo antes de llegar a un punto en tu vida en el que sientes que ya lo has hecho todo y lo has visto todo, una especie de sentimiento, ya sabes, parte de envejecer", dijo Meisner "Y simplemente llevarlo al límite una vez más, como todos los días, simplemente seguir intentándolo... Ese era el verso, y a partir de ahí la canción tomó un rumbo diferente". Las líneas más conmovedoras de la canción se encuentran al final de las estrofas: “Los sueños que he visto últimamente, siguen girando y ardiendo, y girando igual” y “Cuando no hay nada en lo que creer, aun así, regresas, regresas corriendo, regresas por más…” Estas frases por sí solas simbolizan gran parte de la vida de muchas personas. Corremos y corremos y aun así no podemos encontrar lo que buscamos
viernes, 28 de junio de 2024
1275 - Roberta Flack - Feel Like Makin' Love
Disco de la semana 384: Jar Of Flies - Alice In Chains
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Jar Of Flies, Alice In Chains |
Jar Of Flies es el tercer trabajo de estudio de la banda estadounidense Alice In Chains, más concretamente un EP. Fue grabado entre el 7 y el 14 de septiembre de 1993 en el estudio London Bridge de Seattle bajo la producción del propio grupo, y publicado el 25 de enero de 1994 por el sello discográfico Columbia Records. Considerado como un disco acústico, fue el primer EP en la historia de la música en debutar en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200. Las canciones No Excuses, I Stay Away y Don't Follow fueron lanzadas como sencillos y el disco fue nominado a dos premios Grammy en 1995: "Mejor paquete de grabación" y "Mejor interpretación de Hard Rock" por "I Stay Away". Este trabajo de corta duración fue muy bien recibido también por la crítica, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más exitosos de la banda, y logrando certificación de doble platino, por vender más de 200.000 copias, en Canadá, y certificación de plata, por vender más de 60.000 copias, en Reino Unido.
Durante la extensa gira mundial para su disco Dirt, el grupo despidió al bajista Mike Starr debido a su problema con el consumo de drogas, y fue fichado el bajista Mike Inez, que estaba tocando en aquel momento con Ozzy Osbourne. Al regresar a su Seattle natal después de la gira, el grupo se vio desalojado de su residencia por no pagar el alquiler, por lo que se mudaron al London Bridge Studio de Seattle. El baterista del grupo, Sean Kinney, recordaba aquel momento: "Después de tocar música a todo volumen durante un año, volvíamos a casa y lo último que queríamos era subir los amplificadores de inmediato. Esas cosas se escribían en los autobuses y cada vez que teníamos tiempo de inactividad. Hicimos Jar Of Flies para ver cómo era grabar con el nuevo bajista, Mike Inez. Entramos en el estudio sin canciones escritas, para comprobar la química. Todo encajó, lo sonidos y los tonos eran realmente buenos. Pensamos que sería un desperdicio no publicar todo aquel material que surgió".
La primera sesión de grabación tuvo lugar el 7 de septiembre de 1993, y el grupo iba al estudio armados únicamente con guitarras acústicas para ver que pasaba. La publicación del material se gesta al escuchar la compañía discográfica el material resultante, le había encantado. Para el grupo, según el vocalista Layne Staley, sólo fue un experiencia de cuatro chicos que se juntaban en un estudio y hacían algo de música. Las sesiones del álbum duraron entre 14 y 18 horas al día, y la grabación se completó en 7 días. El álbum fue grabado en cinta en una mesa de mezclas Neve 80-68 porque se pretendía que el sonido acústico del álbum fuera lo más natural posible. Las pistas del disco se grabaron en su mayoría en una o dos tomas. Está considerado como un álbum acústico debido al dominio de los instrumentos acústicos, y en el se muestra un amplio rango de texturas acústicas con elementos de blus rock y jangle pop.
El título del álbum se originó a a partir de un experimento científico que el guitarrista y vocalista Jerry Cantrell llevó a cabo en la escuela tercer grado. El experimento consistía en mantener dos frascos llenos de moscas. Las moscas de un frasco estarían sobrealimentadas, mientras qe las moscas del otro tarro estarían mal alimentadas. Las moscas que fueron sobrealimentadas reprodujeron rápidamente, pro luego murieron por hacinamiento. Las moscas que estaban mal alimentadas lograron sobrevivir durante todo el año. La portada del álbum fue realizada por el fotógrafo Rocky Schenck, que hizo la fotografía en su comedor el 8 de septiembre de 1993. A la banda se le había ocurrido la idea del título y quería que la portada fuera un niño mirando un tarro de moscas. La primera impresión del disco compacto de Jar Of Flies incluyó moscas de plástico visibles en la parte frontal de CD.
El grupo de Seattle, en este trabajo, tiene concretamente un sonido conocido como "Seattle Sound" o "Grunge" basado en una dualidad vocal que los reúne con el estilo de Nirvana pero con un toque más duro que los hizo prisioneros de un sonido más orientado hacia heavy metal, quizás también del pesimismo constante de sus letras. Aparte, consiguieron llegar al público con este nuevo subgénero comercialmente más significativo. En su segundo álbum, Dirt, habían vendido más de 2 millones de discos, por lo que a priori se presentaba un panorama complicado ya no de superar, si no de igualar. En 1991 habían grabado Sap, un disco EP, es decir, un disco corto, y con este disco poco comercial que a priori no era el punto fuerte de Alice in Chains, vendieron más de un millón de copias, por lo que obtuvieron el éxito suficiente para continuar la siguiente gira.
Jar of Flies se aleja mucho del término grunge de sus anteriores publicaciones, aunque no abandona dicho sonido. El álbum es una colección de temas muy íntimos y personales, por lo que tuvo una corta promoción en directo realizando tan solo una docena de conciertos íntimos y acústicos. El grupo admitía que en este disco prefirieron no hablar del significado de las canciones para que cada uno lo interpretara a su manera. El material y las canciones empezaron a fluir, grabándose el álbum en tan solo una semana, lo que da una idea de la enorme compenetración y química que los cuatro músicos tenían entre sí en aquel momento.
jueves, 27 de junio de 2024
1274.- Bad Sneakers - Steely Dan
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Bad Sneakers, Steely Dan |
Katy Lied es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Steely Dan. Fue grabado entre noviembre de 1974 y enero de 1975 en los ABC Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Gary Katz, y publicado el 1 de marzo de 1975 por el sello discográfico ABC Records. En Estados Unidos el disco alcanzó el puesto número 13 en la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tape, y fue certificado como Disco de Oro en el país norteamericano. Este disco fue el primero grabado por el grupo después de que el guitarrista Jeff "Skunk" Baxter y el baterista Jim Hodder abandonaran el grupo debido a la decisión de Walter Becker y Donald Fagen de dejar de hacer giras para centrarse únicamente en realizar grabaciones en estudio con músicos de sesión. El guitarrista Denny Dias, miembro fundador de la banda, el vocalista Michael McDonald y el baterista Jeff Porcaro, contribuyeron en la grabación de este álbum. El baterista Jeff Porcaro, con apenas 20 años, tocó en todas las pistas del álbum excepto en "Any World (That I'm Welcome To)". Walter y Fagen no acabaron nada satisfechos con la calidad de sonido del disco debido a un mal funcionamiento del equipo con el por entonces nuevo sistema de reducción de ruido dbx. El daño fue reparado en su mayor parte después de consultar con los ingenieros de dbx, pero Becker y Fagen aún así renegaron del resultado y se negaron a escuchar el álbum completo.
Incluido en este álbum se encuentra el tema Bad Sneakers, que fue lanzado como segundo sencillo del álbum. Más tarde, el productor Gary Katz se arrepentiría de no haber lanzado este tema como primer sencillo. Es una de las primeras canciones de la banda que cuenta con la voz de Michael McDonald, quien continuaría interpretando voces de fondo para el grupo hasta 1980. La canción fue escrita por Donald Fagen y Walter Becker, y presenta unas letras enigmáticas. La canción se caracteriza por su complejidad en la composición, y aborda temas como la nostalgia y el anhelo, además de reflexionar sobre cuestiones de la vida urbana. La canción presenta en su relato una serie de imágenes vividas y aparentemente dispares, como pueden ser por ejemplo unas "Bad Sneakers" (Zapatillas viejas) o una "piña en la ventana".
miércoles, 26 de junio de 2024
1273.- At Seventeen - Janis Ian
Lo que esta claro es que Janis Ian ha sido casi olvidada por todos después de 50 años, básicamente, nunca se la menciona cuando se habla de aquella época, ni siquiera cuando era adolescente y mi primer contacto con ella fue el uso de "At Seventeen" en un episodio de Los Simpson. Pero este álbum fue bastante grande, encabezó las listas en septiembre de 1975, gracias a "At Seventeen", que de manera inexplicable sólo llegó al puesto número 3. Así que supongo que es una falta de reputación crítica la que explica por qué es menos conocida que otros compositores exitosos de la época. Ian es un letrista decente -quizás ella sea una buena letrista- con un sentido de la melodía decente, cuyas canciones están ahogadas en clichés de cantautores de los años 70, cada época tiene sus extrañas manías musicales, y poner orquestas en canciones confesionales tocadas en una guitarra o piano fue una de las manías de los años 70.
At Seventeen es la segunda pista del álbum de Ian de 1975, Between the Lines, fue producido por Brooks Arthur en su estudio 914 Sound en las afueras de la ciudad de Nueva York, al producir este disco, Arthur y sus ingenieros trataron cada instrumento con algo cercano a la reverencia, buscando la mayor fidelidad al sonido original en el seguimiento y produciendo una mezcla final que entrelazó ingeniosamente las interpretaciones de primer nivel de los músicos. "At Seventeen" es menos que cuando la hoy por primera vez pero sigue siendo excelsa, siento que cuando lo escuché por primera vez, a una edad impresionable pensé: "¡¿Quién escribió esto ?!?!" Su voz es claramente el instrumento dominante y la instrumentación a menudo flota en el fondo, por lo que no es como si la estuviera ahogando, una cantautora inspirada comparte sus sentimientos más personales. Lo que realmente me sorprende de At Seventeen es lo exuberante y estratificado que es, pero cómo nada del arte de los músicos eclipsa la voz de Ian en ningún momento. Un productor competente pero conservador, al escuchar la fuerza de la composición y la vulnerabilidad de la letra, habría alentado a los músicos a tocar lo menos posible, sentarse y dejar que la voz y la guitarra de Ian llevaran la canción, la mezcla de Arthur aseguró que, a pesar de toda la ornamentación y detalle del arreglo, el enfoque del oyente siga estando directamente en la voz a menos que te apartes para escuchar en otro lugar. At Seventeen trata sobre no ser popular en la adolescencia y no encajar, tiene un suave ritmo de samba e Ian, es una intérprete consumada con sensibilidad para la guitarra de cuerdas de nailon, también fue brutalmente honesto con su pluma. En una época en la que Jobim y otros músicos sudamericanos (y aquellos influenciados por su estilo) utilizaban los tonos redondos de la guitarra clásica para evocar imágenes de bebés de bronce y arena cálida, Ian estaba listo para explorar la parte más vulnerable de la bossa, “Aprendí la verdad a los diecisiete años/Que el amor era para reinas de belleza/Y chicas de secundaria con sonrisas de piel clara/Que se casaron jóvenes y luego se jubilaron…Y aquellos de nosotros con rostros destrozados/Careciendo de las gracias sociales/ Desesperadamente se quedó en casa/ Inventando amantes por teléfono/ Que llamó para decir ven a bailar conmigo/ Y murmuró vagas obscenidades/ No es todo lo que parece a los diecisiete años.”
Elton John - Caribou (Mes Elton John)
Lanzado en 1974, el octavo álbum de estudio de John, Caribou se basó en el éxito de sus lanzamientos anteriores y continúa destacando las extraordinarias habilidades de escritura de John y Bernie Taupin; porque su capacidad para crear canciones y melodías memorables conocía pocos límites. Sí, se podría decir que Caribou no es tan fuerte como Goodbye Yellow Brick Road , pero si lo miramos por sí solo, Caribou es una obra maestra por derecho propio; siempre, por supuesto, que ignores las pistas extra del CD remasterizado de 1995. Afortunadamente, puedo optar por no incluir esas canciones en mi biblioteca digital y tengo la suerte de tener la reedición en vinilo de 2017 que no tiene material extra. Es una reedición encantadora, particularmente sonoramente, ya que suena significativamente mejor que la remasterización digital antes mencionada con una presentación más completa e inmersiva. La carátula del álbum, sin embargo, se ha reproducido a partir de una fuente escaneada, ya que se obtienen las bandas en la portada que son comunes en dichos procesos de reproducción. La funda interior está mejor producida, pero podría haber sido un poco más nítida ya que el texto es fácilmente legible, pero las fotografías asociadas son un poco suaves. Sin embargo, cuando un disco suena así de bien, no me voy a quejar demasiado de los atajos tomados con los diseños de las portadas.
El álbum comienza con el icónico sencillo The Bitch Is Back, un comienzo perfecto que no pierde el tiempo, a diferencia de “Funeral For A Friend/Love Lies Bleeding” de su predecesor, no hay una introducción de sintetizador de 2 minutos, solo un riff de guitarra eléctrica clásico de Elton John de los 70 y un estribillo que les dice todo lo que necesitan saber: damas y caballeros, “la perra” ha vuelto, puede ser una copia de los Stones (me viene a la mente “Bitch” de 3 años antes). John solo se sumergió en el espectro musical del hard rock, podría haber ido aún más lejos porque sus rocks son tan memorables como sus melodías pop y baladas, el estribillo contagioso y el ritmo de la canción la convierten en un clasico instantáneo y, por lo tanto, es el comienzo perfecto para Caribou. Pinky es la primera de muchas canciones de este álbum que tienen un título estúpido pero que en realidad son potencialmente las mejores canciones del álbum. Este, en particular, tiene una letra sorprendentemente conmovedora, que supongo que trata sobre alguien llamado Pinky que tiene un buen sueño. Es tonalmente hermosa y ofrece un ligero cambio de ritmo, avanzando hacia una presentación sonora más introspectiva y reflexiva que incorpora el sonido de rock de piano característico de John. Grimsby tiene un ritmo adictivo, estarás dando golpecitos con los pies y con la cabeza desde la primera nota. Además, la afinación única del riff de guitarra, que se encuentra en todas partes, es lo que sólo puede describirse como perfección sonora. ¡Me encanta!, siguiendo nuevamente la tradición de malos títulos, pero grandes canciones, ese riff de guitarra de octava es perfecto, no tengo idea de qué es un Grimsby pero aparentemente ninguno se puede comparar con él. Olvídate de Dixie Lily, es una estúpida canción country que es la más saltable de todo el asunto, tal vez sea mi poco apego general por el country lo que impide que me guste, pero esta canción simplemente me parece perezosa, habría sido más adecuada para su inclusión en Tumbleweed Connection, ya que se siente un poco fuera de lugar en Caribou. Dicho esto, después de todos estos años, no puedo imaginarme a Caribou sin Dixie Lily. La siguiente canción, Solar Prestige A Gammon, vuelve a seguir la línea de títulos horribles, pero la canción, de nuevo, es buena. Sentimiento semifrancés con letras sin sentido, en mi opinión es una peculiar pieza experimental que muestra la voluntad de John de explorar diferentes vías musicales. Si bien es poco probable que atraiga a todos los amantes de la música, Solar Prestige A Gammon crece en ti cuanto más lo escuchas. Yo, posteriormente, la he considero una joya escondida. Tu So Static se deja escuchar, supongo que el título es extraño, pero no lo suficientemente extraño, nos devuelve a un sonido más orientado al rock, con su instrumentación enérgica y su estribillo pegadizo.
Dale la vuelta al disco, sólo tienes cuatro canciones, pero yo diría que todas, como mínimo, son buenas. I've Seen The Saucers podría considerarse una secuela de "Rocket Man", siempre y cuando estés dispuesto a aceptar que todas las canciones de Elton John están conectadas en algún gran canon de Elton John. Ambas son líricamente similares, musicalmente esta es la canción estándar para piano de Elton, comienza maravillosamente con un ritmo magnífico y un sonido atmosférico. La voz de John está algo inspirada en el jazz y, a medida que la canción continúa su flujo lineal, se convierte en una melodía sólida de pop/rock. Dicho esto, si a esta canción se le hubiera aplicado un poco más de pulido y pulido, podría haber sido un gran éxito. El resultado es que hay una obra maestra escondida, justo debajo de la superficie, que permanecerá oculta para siempre. Stinker no es exactamente una castaña, pero tampoco es destacable, se inclina hacia un estilo de blues rock, ofreciendo una experiencia musical cruda y cruda, pero escúchala porque la siguiente es el momento que todos estaban esperando... Don't Let The Sun Go Down On Me es una balada épica que de la que al final, Elton nunca estuvo realmente orgulloso, un clásico de mi juventud y el cierre perfecto del álbum. Excepto que no es el cerrador perfecto porque el cerrador perfecto real es el cerrador, Ticking, una de las favoritas de los fans, es súper oscuro y es lo más destacado, es otra de esas joyas escondidas que tanto me gustan. No hay nada de malo en las canciones favoritas de los fans, por supuesto, pero John tiene tal diversidad en su catálogo, con tantas grabaciones memorables, que cada vez que escucho sus álbumes clásicos, puedo experimentar un nivel de frescura musical, una hermosa canción que permite contemplar el álbum que acabas de escuchar y al mismo tiempo te obliga a tocar Caribou nuevamente.
Algunas de las canciones de Caribou fueron sin duda descartes rápidos, pero cada una de ellas tiene sus encantos. Éste no es uno de los grandes logros de John en la música pop. En cambio, Caribou representa el simple placer de un brillante compositor e intérprete de rock que trabaja rápidamente en la cima de su juego, rodeado de una banda increíble. Incluso si sus ambiciones son pequeñas, las realiza plenamente. Caribou no tiene que ser un clásico para ser una buena escucha.
martes, 25 de junio de 2024
1272 - Eagles - Lyin' eyes
Goodbye Yellow Brick Road - Elton John (Mes Elton John)



lunes, 24 de junio de 2024
1271.- California Sun - The Dictators.
El guapo Dick Manitoba, llamado Richard Blum por sus padres, es el cantante principal de The Dictators, su infancia la pasó en el Bronx. "Era un bonito lugar para crecer", recuerda de su antiguo barrio. "Jugué a la pelota, cené con la familia e hice mi tarea, como todos los demás en Estados Unidos". Manitoba y el futuro guitarrista de The Dictators, Scott "Top Ten" Kempner, se conocieron cuando tenían diez años y rápidamente se convirtieron en amigos. En 1971, el bajista Andy Shernoff asistía a SUNY New Paltz en el norte del estado de Nueva York, formó su primer grupo (Grand Funk Salinsky), publicó un fanzine mimeografiado ( Teenage Wasteland Gazette ) y ocasionalmente contribuyó a la revista CREEM. Un amigo en común le presentó a Manitoba a Shernoff. "El tipo dijo: 'Este es mi amigo, el rockero Andy'", recuerda Manitoba. Mientras tanto, el héroe de la guitarra en ciernes Ross "The Boss" Friedman (también conocido como FUNichello) optó por no inscribirse en Lehman College, en cambio, se juntó a un grupo hippie llamado Total Crudd y se mudó a New Paltz, "Ross era uno de esos guitarristas 'pistoleros' del barrio", dice Manitoba. "Era uno de los tipos con reputación".
En marzo de 1975 y tras guardar el trabajo durante mucho tiempo Epic publicó The Dictators Go Girl Crazy. La portada del disco podría haber mostrado a Manitoba en todo su esplendor de aspirante a luchador, pero todavía había una lucha interna obvia por el micrófono: Shernoff cantaba la mayoría de las canciones, mientras que Manitoba apoyaba en algunas. Los créditos de la contraportada ni siquiera incluían a Manitoba como miembro de la banda, contenía canciónes festivas llenas de humor, entre ellas "The Next Big Thing", "(I Live For) Cars and Girls" y "Teengenerate". Además, hubo un par de covers perfectamente ejecutados ("California Sun" y "I Got You Babe"). CREEM calificó con entusiasmo cada melodía como "un sueño tosco", y Trouser Press dijo que era "una obra maestra tremendamente divertida, brillantemente interpretada y desesperadamente ingenua del rock 'n' roll autoindulgente y sabelotodo". Incluso Robert Christgau (que le puso una "B") admitió de mala gana: "Si amas a los Dolls, te gustarán The Dictators, tal vez". Fue el primer LP que representó el fenómeno cultural que pronto sería identificado como Punk Rock, no tienes que ir más allá de la introducción de Go Girl Crazy para saber The Dictators era algo completamente diferente a lo que sonaba en el resto del país. Sin duda se estaban divirtiendo más que cualquier otra banda de Rock & Roll en América, disfrituando de la lucha libre, McDonalds, los autos, las chicas y toda la diversión que Estados Unidos podía ofrecer. Tenía el potencial de ser uno de los álbumes de Rock & Roll más importantes producidos por una banda estadounidense ese año, el hecho de que no lograra levantar ni un aplauso es una prueba más de que la industria musical no tenía tiempo para el punk y un reflejo de cuán desconectado estaba Estados Unidos de su propia cultura.
¿Necesito recordarles que The Ramones lanzaron su debut un año después de este álbum? Está bastante claro que escuchaban a The Dictators, hasta el punto de que luego versionarían la canción, California Sun (originalmente de The Rivieras ), que aparece en este álbum, en manos de Thr Dictators se convierte en una explosión de energía punk que revitaliza el clásico de los 60 y se transforma en una celebración de esta corriente musical, voces contundentes, una instrumentación fuerte con guitarras rapidas y agresivas dan un nuevo sentido al tema, además la letra que evoca la imagen de una soleada y despreocupada California adquiere un matiz mas desafiante y menos inocente.
domingo, 23 de junio de 2024
1270.- Boulder to Birmingham - Emmylou Harris
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Bouder to Birmingham, Emmylou Harris |
Pieces of the Sky es el segundo álbum de estudio de la artista de música country estadounidense Emmylou Harris. Grabado bajo la producción del productor y guitarrista canadiense Brian Ahern, fue publicado el 7 de febrero de 1975 por el sello discográfico Reprise Records. Aunque Harris había debutado en 1969 con Gilding Bird, Pieces of the sky se convirtió en el disco que lanzó la carrera de la artista. Entre estos dos álbumes, Harris forjó una relación musical con el cantante, compositor, guitarrista y pianista estadounidense Gram Parsons, quien influyó notablemente en la carrera musical de Harris. Pieces of the Sky consiguió ocupar el puesto número 7 en la lista estadounidense Billboard Country Albums Chart. También ha sido incluido en los "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" de Robert Dimery.
Incluido en este álbum se encuentra Boulder to Birmingham, canción que Emmylou Harris coescribió con Bill Danoff después de la muerte de Gram Parsons. La canción se hizo famosa por su desgarrador estribillo "I would rock my soul in the bosom of Abraham / I would hold my life in his saving grace / I would walk all the way from Boulder to Birmingham / If i trought i could see, I could see your face" (Merecía mi alma en el seno de Abraham / Mantendría mi vida en su gracia salvadora / Caminaría desde Boulder hasta Birmingham / Si pensar que puedo ver, podría ver tu cara). La canción trataba específicamente sobre Gram Parsons, pero se convirtió en una fuente de consuelo para muchas personas que se identificaban con el sentimiento de perdida de alguien cercano.
Harris escribió la letra y Bill Danoff compuso la letra. Al principio de su carrera, después de su primer álbum de estudio, Harris realizó una gira con Parsons y cantó en su álbum GP de 1973. Parsons, que era una figura innovadora dentro de la escena country-rock, se convirtió en el mentor de Harris en un momento en que la carrera de la artista no pasaba por un buen momento y además tenía dificultades económicas, su álbum debut no había conseguido apenas éxito y ella no conseguía despegar. Parsons y Harris se conocieron y demotraron tener una química especial tanto en sus grabaciones como en sus actuaciones conjuntas. Durante el año 1973, Parsons y Harris se encontraban trabajando juntos en un álbum cuando Parsons murió a causa de una sobredosis de drogas, y Harris, devastada por la muerte de Parsons, expresó toda esa tristeza en esta conmovedora canción.