David Bowie - Hunky Dory (Mes David Bowie)

 

El primero de los monumentales clásicos de Bowie. Hunky Dory es claramente el intento de Bowie de hacer un álbum de "cantautor", repleto de pintorescas canciones cargada con bastante piano y con música un poco más variada tanto en sonido como en calidad que el glam rock consistentemente sublime de Ziggy Stardust. Hunky Dory se inspiró parcialmente en una gira por Estados Unidos, de ahí que contenga canciones de tributo a Bob Dylan, Andy Warhol y Velvet Underground, fue algo así como un cambio para Bowie en ese momento y esta considerado un buen golpe en la mesa de Bowie y para su tiempo una verdadera revelación entre las grandes obras míticas de otros músicos (en 1971 estaba el volumen IV de Led Zeppelin, Master of Reality de Black Sabbath, Who´s Next de The Who, y el Stick Fingers de los Rolling Stones) que consiguió situarle en un lugar mucho más alto, permitiéndole desenvoltura a nivel compositivo y preparándolo para lo que sería su momento de fama mundial.

 

Abre el álbum con Changes con ese famoso coro tartamudo que encarna gran parte de lo que Bowie iba a ser, cambiando y evolucionando a lo largo de su carrera musical ya que él nunca tuvo miedo de enfrentar a lo extraño. La canción es muy pegadiza y se te clava en el cerebro entre otras cosas por ese coro que sobresale del resto de la canción. Bowie haciendo "ch-ch-ch-changes", imitando el ritmo del piano sobre el funk deliberado de Trevor Bolder. Oh! You Pretty Things una canción divertida y pegadiza con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente, una vez más, se escuda principalmente en el encanto y la melodía increíble que Bowie es capaz de crear con tanta eficacia, una canción increíble sin pretensiones, que rezuma amor paternal y felicidad difusa. Eight Line Poem la podemos categorizar de curiosidad, más que una canción propiamente dicha. Aunque posiblemente sea la canción más débil del álbum, no está mal, ya que está impregnada de melancolía y sirve para prepararnos para otra de las joyas. Si la escucháramos aparte no pasaría del minuto, ensamblada en el álbum puede resultar hasta apropiada, ya que después de esta vamos a descubrir Life on Mars?, inmensa y atemporal canción de, adopta un enfoque mucho más grandioso, en el que cada momento de la canción conduce al imponente coro culminante. Si bien la melodía y la letra es algo repetitiva, los cambios de tono dan una sensación constante de escalada que hace que la canción sea tan memorable como es. Bowie se ha referido a este tema como "la reacción de una joven sensible a los medios de comunicación" y explicó despues que ella "Creo que se siente decepcionada con la realidad ... que aunque está viviendo en la triste realidad, le dicen que hay una vida mucho mejor en alguna parte, y está amargamente decepcionada de no tener acceso a él ". Bowie se le ocurrió escribir este tema después de que le pidieran que pusiera la letra en inglés de una canción francesa llamada "Comme d'habitude", Paul Anka finalmente compró los derechos de la canción francesa original y la reescribió en inglés como " My Way ", que más tarde se hizo famosa por Frank Sinatra. Life on Mars? utiliza prácticamente los mismos acordes que "My Way" y las notas escritas en el vinilo de Hunky Dory afirman que la canción está "inspirada en Frankie". Aunque es la canción más famosa del álbum no fue lanzada en single hasta pasados dos años de la publicación del álbum.

Kooks está escrita para el hijo recién nacido de David, y espera que él esté feliz de quedarse con 'la pareja de locos' que son sus padres. Es otro número pegadizo, con la voz cautivadora de Bowie y la producción que hace que su marco melódico simple sea aún más interesante convirtiéndose en un buen tributo a The Kinks acompañado de un piano que suena muy a Elton John. Quicksand es una sutil epopeya que se acerca lentamente a ti, llevándote de un lado a otro, desde el juguetón piano de Rick Wakeman a los acordes de guitarra característicos de Mick Ronson, mientras escuchas como Bowie lamenta con tristeza la naturaleza inhibidora de la religión. Esta es una canción tristemente triste, una sátira del ateísmo (en cuyo caso me ofende) o un retrato genuinamente pesimista y desgarrador del cansancio y el cansancio del mundo (¡y este fue solo su cuarto álbum!). Fill Your Heart es extraña, pero encaja perfectamente, un pequeño número deliciosamente juguetón y optimista, que le permite a Wakeman correr arriba y abajo del teclado con una destreza envidiable, después de lo escuchado es quizás una de las más flojas del álbum. Andy Warhol se disfruta con esa guitarra acústica que sube y baja sobre acordes furtivos, convirtiéndose en un tributo al artista, que no pudo vivir para escucharlo, como no se transforma en un paseo en alfombra mágica psicodélica. La guitarra conductora y las letras extrañas ("Andy caminando Andy cansado, Andy duerme un poco") horrorizaron a muchos de los compañeros del artista, pero para el oyente, la canción es una maravilla psicodélica gloriosamente tonta.

En Song for Bob Dylan Bowie se las arregla para sonar un poco como Dylan. La canción es un hermoso tributo a Dylan, pero también queda corta para otras canciones que hemos escuchado. Queen Bitch está bien, una buena imitación de "Sweet Jane" de la Velvet Underground solo que es mucho más energética, utiliza un tono de guitarra más abrasivo, que cuando se combina con la entrega vocal más sarcástica que Bowie proporciona en esta pista, hace que suene muy parecida a una canción de Velvet Underground. No solo aporta algo de frescura al álbum, por ser una pista divertida y contagiosa con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente una vez más, basado principalmente en el encanto y la melodía asombrosa que Bowie es capaz de crear de manera tan efectiva. Cerramos con The Bewlay Brothers, una de las canciones más débiles del álbum, con el mismo tono que "Quicksand" pero no tan conmovedora. Es una bella canción, con aliteraciones y letras que cuentan una historia real, pero que termina este brillante álbum con una nota negativa

0009 La musica en canciones : I walk the line - Johnny Cash.

Johnny Cash nace en una granja de Arkansas en 1932. Son los años de la Gran Depresión y su infancia fue lugar de penalidades, trabajo duro, la muerte de su hermano mayor en un accidente laboral en un molino le marcaría profundamente. Empezó en la música merced a su madre que le enseña a tocar la guitarra y a aficionarse al góspel

I walk the line fue grabada el 2 de abril de 1956, en un principio Cash soñaba con una balada lenta, pero el productor Sam Phillips le convenció de que hiciera un tema más rápido y fue un acierto absoluto, el single fue número uno durante seis semanas en la lista de música country y llegó a encaramarse al puesto 19 en las listas de pop. La guitarra marcando el “Freight Train” (un ritmo de tren de carga), el juego de bajos, y esa imperturbable y característica voz grave con ese zumbido gutural de Cash eran ingredientes suficientes para el éxito, pero nadie pensaba que iba a llegar tan alta. El tema habla de lo que le supuso al cantante llevar sus días al límite, atrapado en una profunda adicción al alcohol y las anfetaminas, un infierno de donde logró salir gracias al cariño y apoyo incondicional de June Carter, que fue quien recogió los pedazos de su vida y en cierta manera le hizo resucitar, y juntos pasarían el resto de sus vidas y Cash en su autobiografía mencionaría que “….June era mis señales del camino, me hacía alzarme cuando estaba débil, me animaba cuando me desanimaba, y me amaba cuando estaba solo y me sentía desamparado. Es la mujer más grande que jamás he conocido. Nadie más, excepto mi madre, se le acerca….”

 

Estamos ante una canción excelsa, que cuenta con cerca de 160 versiones y regaló a Cash su primer número uno, pero, por encima de esto, fue una de las bases sobre las que Cash asentaría su estilo, unas canciones nacidas del country y con tendencia marcadamente rockabilly. Tal fue el impacto que solo en su año de lanzamiento ya se habían grabado dos versiones, las de Carole Bennett y la de Benny Barnes.

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La música en historias: Los músicos de sesión XVI

 

     Durante las décadas de los 50 y 60 los músicos solían juntarse y concentrarse en determinadas escenas de grabación como The Wreckin Crew en Los Ángeles, MFSB en Filadelfia, The Rhythm Section en Muscle Shoals, Alabama, The A-Team en Nashville, Los Memphis Boys en Memphis, Booker T & The MG's en los estudios Stax de Memphis, ó The Funk Brothers en los Estudios Motown de Detroit. Una concentración que con el paso de los años se ha ido diluyendo. Vamos con la decimosexta entrega dedicada a los músicos de sesión.

Sly Dunbar, baterista nacido en 1952 en Kingston, Jamaica. Sly es conocido por ser la mitad del prolífico dúo de producción de música reggae y sección rítmica Sly and Robbie. Su primera grabación en un estudio es en el álbum Double Barrel, de los hermanos Dave y Ansell Collins, famoso dúo instrumental jamaicano. Posteriormente se unea una banda liderada por Ansell Collins, Flesh & Bones. El mentor de Sly fue el baterista Lloyd Knibb del grupo The Skatalites, y entre sus influencias se encuentran Santa y Carly, ambos de The Wailers Band, Winston Bennett, Paul Douglas, Al Jackson Jr. de Booker T & The MG's, así como el sonido de Filadelfia. En 1972 conoce y se hace amigo de Robbie Shakespare, por entonces bajista de los Hippy Boys. Es Shakespeare quien recomienda a Sly como baterista de sesión para el grupo The aggrovators al productor Bunny Lee. A partir de ahí se inicia una larga y duradera relación entre Sly Y Dunbar y deciden seguir tocando juntos. Durante 5 años trabajan para Peter Tosh, grabando 5 álbumes suyos. En 1980 los dos fundan su propia etiqueta, Taxi Records. Peter Tosh, Bob Dylan, Mick Jagger, Grace Jones, Gilberto Gil, The Roling Stones, Steve Gainsbug, Gary Barlow, Yoko Ono y Sinéad O'Connor son algunos de los artistas con los que ha trabajado tanto en solitario como con Robbie.

Robbie Shakespeare, bajista nacido en Kingston, Jamaica en 1953. Considerado como uno de los bajistas más influyentes de reggae, es la otra mitad y componente del famoso dúo rítmico sly & Robbie. Provenía de una familia muy ligada a la música, por lo que su casa parecía un local de ensayo, y allí está en permanente contacto con una gran variedad de músicos y estilos musicales. Empieza probando  con la guitarra acústica y la batería, pero al escuchar a una banda llamada Familyman se siente atraído por el sonido grave y profundo del bajo. Es el bajista  de Familyman el que empieza dado clases a Robbie. La primera vez que pisa un estudio es ayudando a llevar la batería de su hermano Carlie, y sintiéndose fascinado por todo aquello se suele colar siempre que Familyman graba y se dedica a observar y aprender del bajista. Posteriormente recibe clases del bajista de los Upsetters, Aston Barrett.  Cuando Barrett se une a The Wailers, Robbie ocupa su puesto en la banda The Hippie Boys, y posteriormente forma parte de The Revolutionaries y The Aggrovators. A principios de los 70 nace una fuerte amistad con Sly, y en 1974 deciden asociarse y crean su propio sello discográfico independiente Taxi Records. Jackson Brown, Bunny Wailer, Gregory Isaacs, Augustus Pablo, Cindy Lauper, Simply Red, Michael Franti, Sting, Khaled, Carlos Santana y Paul McCartney son algunos de los muchos artistas con los que ha trabajado junto con Sly tanto en la grabación como en la producción.

Philip Donnelly, guitarrista, compositor y productor irlandés nacido en 1948 en Clontarf, Dublin, y fallecido en 2019. Con una gran reputación internacional, era conocido como The Clontarf Cawboy. Comienza su carrera a finales de los 60 en una banda de Dublín llamada Potrait, que a la postre se convertiría en la banda Elmer Fudd, abandonando ésta en 1972 para ir de gira con Donovan. En 1974, finalizada la gira con Donovan, decide mudarse a Los Ángeles, donde comienza trabajando en cuatro discos de Lee Clayton como guitarrista, compositor y haciendo coros. Su estilo tan personal y único, mezclando rock, folk y música tradicional irlandesa hace que se convierta en un músico de sesión muy solicitado. Decide mudarse a Nashville donde comienza otra aventura como músico de sesión, trabajando durante los siguientes once años sobre todo con músicos de country y folk. A finales de la década de los 80 decide volver a Irlanda para ayudar a cuidar a su madre, y allí prosigue componiendo y trabajando con numerosos artistas irlandeses. A mediados de los 90 se dedica a grabar como solista y a realizar giras con su banda The Regulators. Guy Clark, Don Williams, Jim Rooney, The Everly Brothers, Johnny Cash, Nanci Griffih, Crystal Gayle, John Prine, Clannad, Fleadh Cowboys y Townes Van Zandt son algunos de lo artistas que tuvieron la suerte de trabajar con Donnelly.

Stuart Hamm, bajista estadounidense nacido en 1960 en Nueva Orleans, Lusiana (Estados Unidos). Stuart pasa su infancia en Champaign, Illinois, donde estudia bajo y piano, y comienza tocando en la banda escolar de la Champaign Central High School, que le sirve de trampolín par ser seleccionado por la Illinois All-State Band. Después de la escuela secundaria, sus habilidades musicales le sirven para asistir a la prestigiosa Berklee College of Music, en Boston. Es allí donde conoce a Steve Vai, y posteriormente a través de Vai,  también conoce a Joe satriani. Con un estilo que abarca desde blues, jazz fusión, rock progresivo ó country, Stuart además de haber publicado 8 discos en solitario hasta la fecha, ha hecho gala de sus habilidades al bajo tocando con artistas de la talla de Joe Satriani, Stev Vai, Frank Gambale, Eric Johnson, Ritchie Kotzen, Michael Schenker Group, Yngwie Malmtseen, Ronnie James Dio y Adrian Legg entre otros.

Paulinho da Costa, percusionista brasileño nacido en un barrio de Río de Janeiro, Irajá, en 1948. Desde bien pequeño aprende a tocar el pandeiro (tipo de tambor de mano) y actúa en los desfiles de samba de Río de Janeiro. Posteriormente se une al ala juvenil de Portela's Bateria, la sección de ritmo de la escuela de samba. Comienza su carrera como músico de samba, convirtiéndose en uno de los percusionistas más reconocidos internacionalmente de Brasil, tocando con muchos tríos, cuartetos, conjuntos y orquestas brasileñas. Paulinho se interesa por el jazz y la música cubana y amplia la gama de instrumentos que puede tocar. En 1972 se muda a Los Ángeles y toca con la banda de Sergio Mendes desde 1973 hasta 1976. A partir de ahí, Paulinho se convierte en uno de los músicos de sesión más solicitados de los estudios de Los Ángeles., convirtiéndose en uno de los músicos más grabados de los tiempos modernos. Abarca multitud de estilos, como blues, jazz, música latinoamericana, rock, R&B, pop, disco, country, gospel y hip hop, toca más de 200 instrumentos de percusión, siendo el atabaque, campanillas, bombo, batá, bongos, cabasa, cajón, claves, conga, cencerro, maraca, pandeiro, shekere, tambor, timbales triángulos, udu y la zabumba algunos de ellos, y además de publicar 6 discos en solitario, ha trabajado en bandas sonoras de peliculas y con más de 900 artistas y bandas musicales, entre los que se encuentran Celine Dion, Madonna, Diana Krall, Sergio Mendes, Dizzy Gillespie, Earth, Wind & Fire, Quincy Jones, The Brothers Johnson, George Benson, Donna Summer, Barbra Streisand y Michael Jackson.

0008: Roll Over Bethoven - Chuck Berry

 

Roll Over Beethoven, Chuck Berry

Nos encontramos en abril de 1956, fecha en la que Chuck Berry se mete en el estudio y graba en Chicago, Illinois el tema Roll Over Beethoven. El tema es producido por los hermanos Leonard y Phil Chess, y publicado en mayo de 1956 bajo el sello discográfico de éstos, Chess Records. Chuck Berry fue acompañado en la grabación del tema por Johnnie Johnson al piano, Willie Dixon al bajo, y Fred Below a la batería.

El tema es lanzado como cara A del single, ocupando la cara B del mismo el tema Drifting Heart. El tema rápidamente se convierte en un éxito, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B, y el puesto 29 en la listas pop del país estadounidense. En el año 2003 es elegida por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para agregarse al Registro Nacional de Grabaciones. En 2004 la revista Rolling Stone posiciona el tema en el puesto número 97 de su lista Las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Chuck se inspiró en la rivalidad que tenía con su hermana menor Lucy y escribió el tema para burlarse de ella, pues solía tocar música clásica en el piano de la familia, mientras que Chuck quería tocar R & R. La letra del tema alude a los compositores Beethoven y Tchaikovsky, quienes se revuelven en sus tumbas al escuchar que la música clásica ha dado paso al R & R. La letra del tema también hace alusión a canciones de otros artistas, como Early In The Mornin' (Louis Jordan), Blues Suede Shoes (Carl Perkins), o la canción infantil Hey Diddle Diddle (grabada por Bo Diddley). En aquel momento muchos críticos especializados de la época descartaron la música rock, entendiéndola como una moda pasajera. Cuánto se equivocaban...

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El disco de la semana 207: Farmacia de Guardia - TNT Punk Pop

Hay una Farmacia de Guardia, en Murcia, muy diferente a cualquier otra a la que podamos acudir en mitad de la noche por una necesidad urgente. En esta farmacia, regentada en los años 80 por las "tres jotas del rock murciano" (J. Albarracín, J. Cassinello y J. Reyes) encontraremos efectivas píldoras analgésicas en forma de grandes canciones "punk pop", tal y como ellos autodenominaban su estilo en el título de su primer EP: TNT Punk Pop 1982, el protagonista de esta reseña, o más bien receta, del disco de la semana en 7dias7notas.

En 1982, el sello Subterfuge Records reeditaría, con un nuevo tema añadido, los temas que contenía la  primera maqueta del grupo, grabada en 1982 en los Estudios Audiofilm de Madrid, y que fue distribuida en formato cassette junto a temas de otro grupo punk (los canarios Familia Real). El disco comienza con Cazadora de cuero, un tema con estructura de canción "rockabilly" y sabor a música del período conocido como la "movida", pero que en la letra ya toca temas más relacionados con el punk, a través de la historia de un chaval rockero que se pasa al punk tras la muerte del idolatrado bajista de los Sex Pistols. Tras el contundente arraque de este himno generacional, el disco toma carrerilla con la pegadiza Ella es demoledora, un tema muy conocido y muy asociado a la "nueva ola" de los años de la movida.
 
Las guitarras suben de tono en Moda Pop, como si el grupo se pusiera efectivamente en la piel de ese muchacho de cazadora de cuero, e hiciera el mismo tránsito del rock and roll al punk dentro del EP. El final de esta evolución del personaje llega sin duda en A Johnny le gusta el punk, el tema más fiero del disco, en el que incluso se aprecia un cambio en la voz y la forma de cantar, más acelerada y rabiosa, y más cercana a los Sex Pistols que a otras tendencias pop del momento. El EP termina con Bronca callejera, otro de los temas de la primera maqueta del grupo, y de alguna manera una vuelta al rock and roll, aunque de nuevo acelerado y con temática navajera y suburbial.

Así es TNT Punk Pop 1982, de venta sólo en Farmacias de Guardia, y sin contra-indicaciones ni efectos secundarios identificados. Son cinco temas urgentes y directos, cuya ingesta puede hacerse en cualquier momento del día, y que proporcionan una sensación de bienestar y mejoría casi instantánea en el oyente. ¿Qué más se puede pedir? Quizá, habría estado bien que hubieran incluido algún tema más, pero eso habría sido superar la dosis indicada en el prospecto, así que nos conformamos con estas cinco salvas de pura dinamita y punk pop de los murcianos Farmacia de Guardia.

0007: Heartbreak Hotel - Elvis Presley

 

Heartbreak Hotel fue grabada en enero de 1956 en Nashville, y lanzada como single a finales del mismo mes, con la canción "I Was the One" en la cara B. El sencillo se convirtió en su primer n.º 1 en las listas de ventas de Estados Unidos. La canción fue originariamente escrita por Thomas Durden, guitarrista de Smiling Jack Herring and his Swing Billies, y Mae Boren Axton, publicista de Hank Snow, cantante de country que por aquel entonces estaba también representado por el Coronel Tom Parker, el férreo manager de Elvis.

El propio Presley apareció en los créditos como co-autor, tras los grandes cambios que realizó sobre el tema original, un tema de estructura blues al que le dio un importante giro tanto en el ritmo como en la letra, terminando de hacerla suya con su particular interpretación vocal y su guitarra rítmica. Acompañaron a Elvis en este mítico tema los músicos Bill Black al bajo, Scotty Moore a la guitarra, DJ Fontana a la batería y Floyd Cramer al piano, dando juntos forma a una de las grabaciones más laureadas del cantante de Memphis.

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La música en historias: El veto argentino a Eric Clapton

 

Cocaine, Eric Clapton

     El 25 de noviembre de 1977 se publicaba bajo el sello discográfico RSO Records el quinto álbum de estudio de Eric Clapton, Slowhand. Para la grabación de éste disco Clapton tenía muy claro el productor con quien quería trabajar, Glyn Johns, pues era un productor que entendía muy bien tanto a los músicos británicos como a los estadounidenses y sabía como trabajar con ellos, lo que quedaba reflejado en su trabajo con formaciones de los ambos países como The Rolling Stones, Eagles, The Who, The Clash, The Beatles, Steve Miller Band, Small Faces, Blue Oÿster Cult y Humble Pie entre otras muchas. El disco se graba durante el mes de mayo en los Olympic Studios de Londres, y durante las sesiones Clapton se da cuenta que a Glyn no le gustan demasiado las improvisaciones porque le quitan mucho tiempo de grabación y que no le gusta dejar nada al azar, pero también se da cuenta que sabe sacar lo mejor de cada músico, pues aunque tanto Clapton como los músicos que le acompañaban solían sufrir problemas de adicciones a las drogas o el alcohol, Glyn supo sacar el mayor partido de cada uno de ellos. 

El álbum recibió en general buenas críticas, pero en Argentina fue objeto de polémica, pues una de las canciones incluidas en el disco, Cocaine, fue censurada por el Gobierno Militar argentino alegando que ésta canción era perjudicial para los jóvenes, ya que los incitaba a drogarse. Clapton al enterarse de la censura mostró toda su indignación, pues el gobierno argentino no se había enterado que la canción era precisamente una canción anti-droga y no a favor del consumo de ésta. Afortunadamente, en 1983 el gobierno argentino levantó el veto a la canción. De hecho, Clapton, para disipar dudas, solía añadir una frase, "That dirty cocaine" (cocaína sucia), en sus conciertos en directo para que quedara claro que el tema estaba en contra de las drogas

Cocaine fue originalmente compuesta por el guitarrista estadounidense J.J. Cale, que graba el tema y lo publica en su cuarto álbum de estudio, Troubadour. Cuando Cale escribe este tema, lo hace pensando en una canción de jazz, pero su productor Audie Ashworth le convence para que la componga como una canción rockera. El tema grabado por Cale alcanza el puesto número 96 en las listas de ventas estadounidenses, pero será Clapton el que se encargue de popularizar el tema con su versión incluida en Slowhand un año después. El tema grabado por clapton alcanza el puesto número 30 el la lista Billboard Hot 100. Cocaine es un tema que está escrito en contra de las drogas, y Clapton comentaba al respecto que si se escuchaba con atención la canción se podía percibir que estaba ingeniosamente escrita contra estas, la cuales Clapton conocía muy bien. Por aquella época el británico había dejado de consumir heroína, y había sustituido ésta por el consumo de cocaína y alcohol. Era precisamente la adicción a la cocaína lo que le daba cierta objetividad a la hora de cantar sobre una droga que consumía. 

If you want to hang out, you've gotta take her out, cocaine

If you want to get down, get down on the ground, cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

If you got that lose, you want to kick them blues, cocaine

When your day is done, and you want to ride on cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

If your day is gone, and you want to ride on, cocaine

Don't forget this fact, you can't get it back, cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

0006: I've got you, under my skin - Frank Sinatra

Quien no ha escuchado nunca en su vida I got you, under my skind se podría decir que ha estado fuera de este mundo, porque de los clásicos de Frank Sinatra, es uno de las canciones para mi que mejor interpreta, I got you, under my skind fue escrita por Cole Porter en 1936.

Frank Sinatra canto por primera vez esta canción en un programa radial en 1946, donde puso su sello indiscutible, y década tras década creo un sello indiscutible, coincidirán conmigo que una de las versiones más espectaculares del artista es la que interpreto con el mismísimo Bono de U2, en el año 1993, casi 5 décadas después que Frank Sinatra la interpretara por primera vez, esta versión de I got you, under my skind seria parte de un álbum que Sinatra en dicho año llamado "Duets", donde se re editarían algunos de sus más resonados éxitos, curiosidades de este disco, es que el mismo Sinatra, pediría que las canciones fueran grabadas por los diferentes artistas, en solitario y ensambladas luego en forma de dueto juntos al artista, y otra de las curiosidades, antes de la grabación del disco “Duets”, cuando a Sinatra, que siempre había odiado la música rock, le sugirieron cantar con Bono, del grupo U2, pensó que se trataba del cantante Sonny Bono, el músico, productor y actor italoamericano que integrara junto a su esposa, la actriz y cantante Cher, el dúo de los años 60′ y 70′ Sonny & Cher.

De todos modos, Frank Sinatra y Bono se conocerían personalmente luego que el cantante de U2 volara a los Estados Unidos para grabar el videoclip promocional de la canción “I’ve got you under my skin”. Ambos cantantes, pese a la diferencia de edad, nacionalidad y de cultivar géneros musicales totalmente diferentes, harían buenas migas y se harían algunos regalos: Bono le regaló a “La Voz” una añejada botella de whisky irlandés, mientras que Sinatra le correspondió el favor regalándole al cantante de U2 un cuadro.

Lo maravilloso de todo esto es que con más de 25 años de este dueto, y más de medio siglo que la interpretara por primera vez no me canso de escucharla

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Daniel
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David Bowie - The Man Who Sold The World (Mes David Bowie)

 

The Man Whoo Shold The World

Para la gestación del tercer álbum de estudio de David Bowie, The Man Who Sold The World, vamos a retroceder unos meses, concretamente a abril de 1969, fecha en la que contrae matrimonio con Angela Barnett, modelo, actriz y periodista que tuvo en el artista un gran impacto. Después de contraer matrimonio, Bowie da un golpe de timón y deja a su manager Ken Pitt, con el que tendrá un largo litigio, y contrata a Tony Defries. También es consciente de que una de las carencias de los discos anteriores era la de no disponer de una banda permanente, y reúne para la ocasión a un grupo de músicos a tiempo completo: Hablamos del baterista John Cambridge, Tony Visconti al bajo y Mick Ronson a la guitarra. 

La banda finalmente decide autodenominarse Hype, y al igual que Bowie, que suele disfrazarse en el escenario y crear personajes, también ellos crean su estética y sus propios personajes,  diseñando los glamourosos trajes de las pretenciosas Arañas de Marte. Sin embargo, después de un concierto francamente desastroso, la banda vuelve al segundo plano de toda banda de acompañamiento, aunque las arañas ya habían llegado para quedarse y, poco después, el 17 de abril de 1970, Bowie y los demás comienzan, a caballo entre los estudios Trident y los estudios Advision de Londres, a trabajar en el tercer álbum de estudio del artista. Durante la grabación, surjen problemas entre el cantante y el baterista Cambridge, cuyo estilo no es del agrado de un Bowie exigente, que le acusa de estar estropeando su trabajo. Cambridge acabará dejando la banda, siendo sustituido por Mick Woodmansey.

Finalmente, el 22 de mayo Bowie, acompañado de Ronson, Visconti y Woodmasey, con la colaboración de Ralph Mace con los sintetizadores, y bajo la producción de Tony Visconti, finaliza la grabación de The Man Who Sold The World, publicado por la discográfica Mercury Records en noviembre de 1970 en Estados Unidos, y en abril de 1971 en Reino Unido. El resultado es un disco que, si bien sigue la línea de sonido folk y acústico de sus anteriores discos, empieza a sumergirse en el blues rock y el hard rock. En cuanto a las letras, son más oscuras y explora temáticas como la esquizofrenia, la paranoia, la locura, la religión, la tecnología o la guerra.

 

El disco empleó dos portadas diferentes en Estados Unidos y en Reino Unido. La original fue lanzada en Estados Unidos y era obra de Michael J. Weller, y se basaba en una imagen de John Wayne, pero a Bowie no le gustó demasiado y reclutó al dibujante Keith MacMillan, quien diseñó una portada donde David Bowie posa con un vestido azul diseñado por el diseñador de moda Michael Fish. En cuanto a la recepción del disco, aunque recibe mejores críticas en Estados Unidos que en Reino Unido, resulta ser un fracaso comercial en ambos países. Posteriormente el disco ha sido reconocido por la crítica tanto por el sonido de la banda como por la naturaleza de la música y las letras, considerando éste disco como el comienzo del periodo clásico de Bowie.

El primer tema del álbum, The Width of a Circle, es una epopeya de ocho minutos, que se adentra en el rock progresivo, y donde Mick Ronson se luce con sus improvisaciones. El tema está dividido en dos partes, una primera en la que la letra hace referencia al poeta libanés Khalil Gibran, y en la segunda parte el narrador tiene un encuentro sexual con Dios (otras fuentes interpretan que es el Diablo) en la profundidades del infierno. All The Madmen, tema inspirado y escrito por Bowie para su hermanastro Terry Burns, diagnosticado de esquizofrenia e internado en el Hospital Cane Hill de Londres. El tema habla de la locura y hace referencias a la lobotomía, a los tranquilizantes y a la terapia del electro-shock. El trabajo de Ralph Mace con los sintetizadores le acaba dando un toque desgarrador al tema.

Le sigue Black Country Rock, que se mueve entre la delgada línea que hay entre el blues rock y el hard rock, y que es todo un soplo de aire fresco para un disco que se mueve en una línea muy pesada y oscura. Al final del tema, Bowie se hace pasar por Marc Bolan, y es que al final de la grabación se quedaba sin letras y a Bowie le salió espontáneamente. Todos pensaron que había quedado genial y decidieron dejarlo así. Cierra la primera cara del disco el tema After All, uno de los más subestimados de su carrera, pese a su particular toque folk rock, y donde el artista refleja la influencia que tuvieron en él tanto el poeta, pintor, ocultista y novelista Aleister Crowley como el filósofo Friedich Nietzsche. La canción describe a un grupo de niños que todavía no han tenido tiempo de experimentar las corrupciones y los vicios que llegan con la edad adulta.

Comienza la cara B con Running Gun Blues, tema donde vuelve el sonido hard rock que Bowie había introducido por primera vez en su trabajo, y donde la letra hace referencia a la masacre de My Lai durante la guerra de Vietnam, en la que las tropas estadounidenses asesinaron a muchos civiles desarmados. Savior Machine sigue la línea de sonido del tema anterior, y en ella Bowie trata la temática de las computadoras, que finalmente acaban superando a la raza humana. She Shook Me Cold, aunque está atribuida únicamente a Bowie, surge a raíz de una improvisación de todos los músicos. La letra nos habla de un encuentro sexual de un hombre con una mujer, con continúas referencias al sexo oral. The Man Who Sold The World, tema que da título al ábum, y que ha sido descrito por muchos críticos como "inquietante" y "enigmático" por sus crípticas letras inspiradas en numerosos poemas, y que hacen referencia a un hombre que ya no se reconoce a sí mismo y se siente mal por ello. Bowie comentaría más tarde que el tema trata de los ángeles y demonios de su interior, llegando a decir también que era una secuela de Space Oddity. Es sabido que el artista luchó durante mucho tiempo con su identidad y se expresaba a través de sus canciones, creando a menudo personajes para interpretarlas. Cierra la cara B y por tanto el disco The Supermen, tema donde el hard rock vuelve a estar presente, y vuelve a inspirarse en Friedrich Nietzsche y HP Lovecraft. Bowie hace referencia a las visiones apocalípticas de Nietzstche en su teoría de Übermensch. Según Bowie el tema surgió cuando él creía entender a Nietzsche, y era un intento por traducirlo a sus propios términos.

The Man Who Sold The World es quizás uno de los álbumes menos conocidos de Bowie, pero con el tiempo, tanto crítica como público han acabado reconociéndolo y apreciándolo. La versión que Nirvana hizo del tema titular de este disco ayudó mucho al renacer de esta obra y su reconocimiento, pero son muchos los grupos y artistas que han versionado otros de los temas de éste disco. Por algo será...

0005: Blue suede shoes - Carl Perkins.

Blue suede shoes, es una de la  canciones más conocidas del rockabilly, fue en 1955, después de haber escuchado a un tipo en un baile decirle a su novia que no le pisase los "zapatos de gamuza azul" cuando Carl Perkins la escribió y cuenta la leyenda que lo hizo deprisa y corriendo sobre un saco de patatas. De hecho, la letra a lo que refiere es que él permite que ella le haga cualquier cosa –pisar su cara, patearle el trasero…- menos mancharle esos preciosos zapatos. Tras escribirla el tema llego a manos de San Phillips, el propietario de Sun Records, para el que Perkins trabajaba esporádicamente, y este quedó tan impresionado apenas la escuchó que deicidio producirla y la grabarla inmediatamente.

¿Quién era ese chaval que presentaba ese tema? Carl Perkins, un buscavidas de familia muy humilde que a mediados de los cincuenta se ganaba la vida dando clases de country en su Tennessee natal. Hijo de una familia de recolectores de algodón, Carl Perkins tocaba y cantaba country junto a sus hermanos en los salones de Ridgely (Tennessee), el pueblo que le había visto nacer en 1932.

El tema fue un éxito rotundo y en pocas semanas ya ocupaba la primera posición de la mayoría de listas musicales. A Carl Perkins todo le iba viento en popa, el single le convirtió en el primer artista de country en ingresar en las listas de éxitos de rythm and blues, pero la suerte le dio la espalda el 21 de marzo de 1956 cuando el coche en el que viajaba con toda su banda para ir a actuar en el programa de Ed Sullivan, chocó contra un camión. Su hermano y su manager murieron en el accidente y él sufrió una fractura de cráneo que le dejó fuera del circuito un año entero. Su estrella de la fortuna se había marchado, la depresión se acrecentó y solo encontraba consuelo en la botella de Bourbon. Las secuelas del accidente, lo habían hundido mientras asistía como un espectador más al fulgurante asalto de su trono por parte de Elvis, al que instaron a que grabara una versión y aunque él Rey hubiera preferido dejar a un lado el tema de su amigo Perkins, finalmente se grabó y se llevó la fama con esa versión que hizo con un toque aún más country y que terminaría en convertirse en el tema que más se conoce y una de las canciones más icónicas de Elvis Presley.

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Un país, un artista: Chile – Los Prisioneros

Un país, un artista: Chile – Los Prisioneros 

Otra vez hemos viajado bien al sur, y nos detendremos en tierras chilenas, para descubrir no solo un país, sino descubrir de este quien es su artista más destacado, claramente dentro del género de la música y en especial el Rock, aquellas bandas que han hecho historia, no solo por sus logros artísticos, sino por la repercusión en su sociedad.

Por ello tras la cordillera de los andes, y el océano pacifico que baña sus costas nos encontramos a Los Prisioneros, una banda de rock de principio de los '80 que no solo ha revolucionado la música chilena, sino que marcara un antes y un después en le música de es país. 

La banda fue formada por los años 1983, y sus tres integrantes Jorge González – voz y bajo –, Claudio Narea – guitarra y coro – y Miguel Tapia – batería y coros – formarían en sus inicios un sonido punk con influencias new wave, que luego irían lentamente al synth pop. 

En una Latinoamérica en plena rebeldía por los jóvenes, se dieron a conocer por su música y en especial por sus letras, que cuestionaban la política y sociedad chilena de esos tiempos, la cual permitió que muchísimos jóvenes reprimidos por la dictadura militar de Augusto Pinochet, utilizaran sus canciones en protesta del régimen. 

Esta popularidad les valió el reconocimiento no solo en Chile, sino en toda Latinoamérica, y en 1984, Los prisioneros lanzan su primer álbum en formato Casette, con el nombre “La voz de los ‘80” bajo un sello independiente llamado Fusión, este disco según la critica chilena y la revista Rolling Stones de Chile es el disco más importante del rock chileno, fue el primer álbum en la historia musical de Chile que mezcló la ruptura social con la fuerza del rock. 

Pero lejos de quedarse en silencio la banda, edita un nuevo álbum Pateando piedras en 1986, en su segundo álbum el grupo cambio del sonido simple de guitarra, bajo y batería de su disco anterior al tecno, utilizando teclados, sintetizadores, secuenciadores, samplers y baterías programadas, este álbum vendió más de 5 mil copias los primeros 10 días de su lanzamiento, un hecho jamás logrado por una banda juvenil chilena hasta entonces, logrando alcanzar a los pocos meses su doble álbum de platino. 

La popularidad de la banda fue creciendo y traspaso las fronteras de su país, haciendo recitales en Argentina, Uruguay, Perú, Ecuador, México y otros países de Latinoamérica, Los Prisioneros en su primera etapa lograrían editar 4 álbumes antes de su primera separación, y compartir escenarios con otros grandes músicos latinos, su popularidad y su fama lo demuestra en ser reconocidos en 1990 como «mejor vídeo latino» en los MTV Video Music Awards 1990. 

Los Prisioneros una banda que nació en una tienda de discos llamada Fusión, y posteriormente será su primer sello independiente, forman parte de la cultura de la música Chilena. 

Daniel 

Instagram Storyboy 

0004: Just a Gigolo & I ain´t got nobody - Louis Prima.

Hemos arrancado con La voz,  sin duda uno de los personajes más importantes de los años 40 y 50 aunque ese estilo de música esté muy alejado a lo que nos va a llegar. Posteriormente hemos vivido la primera chispa del rock la llegada de Elvis Presley supuso que este estilo que si bien ya se había desarrollado llegará a las grandes masas. Cómo tercera pata en este comienzo nos hemos detenido en los Louvin Brothers grupo de country tradicional que tenía una gran masa de seguidores. Es el turno de la cuarta pata la música instrumental y el elegido para arrancar es Louis Prima.

Trompetista de origen italoamericano nacido en Nueva Orleans en 1910, justo a la vez y en la misma ciudad donde nació el Jazz, desde los años 30 desarrollo su carrera en diversas orquestas de éxito una de las particularidades del artista fue que acompañado de su trompeta, siempre lucía una eterna sonrisa tratando de contagiar su felicidad al público que iba a verle.

En 1955 Louis prima firma  con la compañía Capitol  y editan el disco The Wildest!! un álbum cargado de un gran humor. La canción elegida es un Medley, compuesto por dos temas tradicionales, "Just a gigolo" y "I  ain't got nobody", el primero es un tema austriaco de Leonello Casucci, a la que prima le puso un ritmo más alto, el segundo tema es de Spencer Williams y se publicó en 1915, Prima juntó las dos canciones en una y ha pasado a la historia para la creencia popular como una sola canción. Este tema se ha utilizado para multitud de series y películas

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0003: Katie Dear - The Louvin Brothers.

 

Tragic Songs Of Life

     En esta ocasión nos acercamos al country y al gospel de la mano de The Louvin Brothers, los hermanos Ira y Charlie Louvin, quienes comenzaron su carrera en la década de los 40 interpretando música gospel. Ira tocaba la mandolina y era la voz principal, mientras que Charlie tocaba la guitarra y hacía los coros en un tono más bajo, una fórmula con la que contribuyeron a popularizar dentro del género country la técnica vocal llamada "close harmony" (armonía vocal).

En la década de los 50 su popularidad crece hasta el punto de ser fichados en 1955 por el famoso programa radiofónico de musica country de Nashville Grand Ole Opry, que además era el más antiguo de Estados Unidos. Un año después, y tras una larga lista de sencillos publicados con éxito les llega la oportunidad de grabar su primer disco de larga duración, The Louvin Brothers (1956). 

Ese mismo año publican su segundo álbum de estudio, Tragic Songs Of Life, uno de los mejores discos sin duda de este dúo de hermanos. El disco es el primero que publican con la discográfica Capitol Records, y es un álbum conceptual donde la temática del disco es la tragedia, el desamor, el pecado, la debilidad o el asesinato. Un disco donde encontraremos temazos como Katy Dear, un tema tradicional estadounidense. 

Katy Dear es una balada popular estadounidense y sus orígenes, según los expertos, se encuentran en Gran Bretaña. Este tema tiene una gran cantidad de variaciones bajo títulos diferentes y las letras pueden mostrar variaciones, algunos de los más conocidos son Silver Dagger, Molly Dear o Awake, Awake, Ye Drowsy Sleepers, o la citada Katy Dear. La temática no es otra que una triste historia de desamor con un triste y fatal desenlace. El tema sería grabado por Charlie Louvin para su álbum Sings Murder Ballads & Disater songs, publicado en 2008 bajo el sello discográfico Tompkins Square Records. 

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David Bowie - Space oddity (Mes David Bowie)

 

Después de su primer disco, que llevaba por título David Bowie y que pasó desapercibido, Bowie publica este encantador disco de pop-rock psicodélico: Space Oddity que supuso el espaldarazo absoluto para esas ideas que desde su adolescencia tenia y que cuando te sumerges en ellas, te sorprendes de lo maravilloso que es. Tiene de todo, desde balada pop puro hasta rock psicodélico y pop progresivo hasta folk y ... bueno, todo. Un álbum que es más un disco de cantautor tradicional que de un Dios del glam rock; sin embargo, se ha convertido en un álbum clásico con gran estilo y arrogancia para satisfacer a la audiencia actual, el álbum muestra una madurez impropia de Bowie que después de tres años intentándolo, finalmente llega a las listas de éxitos.

 

Abrimos con la enormemente famosa "Space Oddity" que sin duda es la mejor manera de comenzar y la mejor canción del álbum, no es que sea una composición excelente, sino que también fue una estratagema muy inteligente al aprovechar un acontecimiento mundial tan importante: los viajes espaciales. "Space Oddity" es tan descriptivo en este tema como "Heroin" de Lou Reed sobre la experiencia de consumir drogas. Comenzando con el diálogo de “Major Tom” con "Ground Control", la canción empieza con la cuenta regresiva de 10 a 1 hasta el clímax del despegue y concluye con un "circuito muerto" que avería la nave y el personaje principal se da cuenta de que probablemente nunca regresará a la tierra. Sin embargo, este desastre se encuentra con una respuesta bastante optimista, de ahí la frase "El planeta tierra es azul y no hay nada que pueda hacer". El acompañamiento orquestal también le da un verdadero sentido dramático a este clásico. "Unwashed And Somewhat Slightly Dazed" es un número de folk / blues crudo y desigual. Probablemente es lo más cercano que ha estado Bowie de imitar el estilo Bob Dylan, el sexo y los conflictos de clases toman el protagonismo ya que Bowie describe a una chica bonita pero esnob que lo espia desde la casa de su padre rico. “Letter to Hermione” es una canción muy melódica que parece que podría desentonar en el álbum, aunque se vislumbra un sonido progresivo y psicodélico, se queda más en el lado de lo comercial que en el vanguardista. Una balada de ensueño que nunca logra explotar y hubiera necesitado algún tipo de variación musical. Hermione encuentra a Bowie en un extraño estado de ánimo confesional suspirando por una amante que lo ha despreciado. La canción es confesional cuanto que Hermione es un personaje muy real del que se enamoró el joven David Jones, pero por quien se sintió o fue rechazado.

“Cygnet Committee” es nerviosa, el bajo es fuerte, la batería retumba, el tempo es lento y David Bowie está cantando con una voz lenta operística, tiene una introducción que me gusta mucho, pero eso es todo, se hace muy, muy larga quizá la peor canción de todo el álbum. La canción narra su participación y ambivalencia sobre un colectivo de artistas contraculturales a finales de los 60 donde el artista no oculta su decepción con este colectivo y lo trata como un microcosmos de la cultura hippie utópica de esa época, Bowie destroza las promesas huecas de los hippies de los 60. “Janine” es una canción alegre y pegadiza de ritmo rápido. Llega en un gran momento después de toda la música de tempo lento que acabamos de escuchar. ¡Y maldita sea, ¡es pegadiza! Convirtiéndose en un número agradable y familiar, ideal si quieres mover un poco tus caderas. “An Occasional Dream” es una canción melódica donde la flauta juega un papel clave con la excelente voz de David Bowe. Una bella canción, pero que no llega a trasmitir demasiado. “Wild Eyed Boy of Freecloud” es otra canción de flauta, quizas más melódica y con sintetizadores adicionales. “God Knows I'm Good” es una canción similar a Janine , también muy bailable y folclórica. Además, me gusta mucho la letra, donde nos cuenta los pensamientos de una insignificante ladrona que espera la intervención divina cuando es sorprendida in fraganti.

 

El cierre del álbum está casi a la altura del comienzo ya que los más de 7 minutos de Memory of a Free Festival dan para mucho, comienza inquietante y lento, pero expresa una emoción indescriptible, trasmite felicidad y realmente da una sensación cálida y difusa en el interior. Por eso me encanta tanto. El 16 de agosto de 1969, un joven músico de rock psicodélico llamado David Bowie subió al escenario en el Free Festival, que se celebró en Croydon Road Recreational Ground en Beckenham, Inglaterra. Bowie había ayudado a organizar el festival en su ciudad natal, con la esperanza de recaudar fondos para el Beckenham Arts Lab, la canción puede haber sido un romanticismo versión de cómo se sintió realmente ese día ya que solo unos días antes, Bowie había sufrido la muerte de su padre, y su estado de ánimo, comprensiblemente, fue todo menos feliz durante el festival. Al escuchar la canción se puede imaginar la canción siguiendo la línea temporal de su vida hasta ese momento: su voz al principio es casi infantil, una cualidad potenciada por el hecho de que el único acompañamiento musical es el órgano de un niño. A medida que la canción se acerca al final, escuchamos una progresión hacia el sonido característico de Bowie, las poderosas voces y los arreglos casi caóticos, pero cuidadosamente cuidados.

 

En general, este es un álbum difícil de "calificar" porque funciona más como una muestra de varios estilos que como un álbum con un arco estético. Bowie continuaría explorando diferentes estilos con resultados mixtos hasta que aprendió a comunicarse a través de personajes (Ziggy Stardust, A Lad Insane, Halloween Jack, Thin White Duke,) Pero en 1969, todo eso era historia futura. Lo que me llama la atención aquí es que (el Mayor Tom no obstante) Bowie no está ocupando ningún papel teatral aquí. El álbum está lleno de reflexiones sobre sus experiencias y sentimientos reales de la vida. En resumen, un registro interesante, y por momentos gratificante, de este artista de joven.

0002: Shake, Rattle & Roll - Elvis Presley

 

El álbum debut de Elvis Presley llevaba como título su propio nombre, y fue publicado en 1956 en RCA Records, basado en las primeras grabaciones realizadas en los estudios Sun Records de Nashville y en los de la propia RCA en Nueva York. El álbum incluye canciones que luego serían clásicas del cancionero de Elvis, como Heartbreak Hotel o Blue Suede Shoes (popularizada también por Carl Perkins en una versión que también está incluida en esta recopilación de "Historia de la música en canciones". El álbum pronto se disparó al nº 1 de las listas de ventas, y en 2003 la revista Rolling Stone le incluyó en el puesto 55 de los 500 mejores álbumes de la historia, y es uno de los "1001 discos que hay que escuchar antes de morir" de Robert Dimery, tanto por las canciones mencionadas como por versiones de temas tan conocidos como Blue Moon, Tutti Frutti o la protagonista de este artículo: Shake, Rattle and Roll.

​Shake, Rattle and Roll es una canción de estructura de blues de doce compases, interpretada en formato rock and roll. Fue escrita por Jesse Stone (más conocido por el pseudónimo de Charles E. Calhoun) e interpretada originalmente por Big Joe Turner. La interpretación de Turner fue elegida en el nº 126 de la lista de 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. Otras versiones, como la de Bill Haley & His Comets tuvieron gran éxito comercial, mientras que la versión de Elvis Presley quedó un poco oculta dentro de su álbum de debut, a la sombra de los éxitos rutilantes que fueron Heartbreak Hotel y Blue Suede Shoes. 

Elvis grabó dos versiones de la canción, una primera versión demo se registró en Sun Records, pero fue la segunda versión, grabada en RCA Studios, la que acabó formando parte del disco "Elvis Presley", con una letra que mezclaba las de las versiones de Turner y Haley, y un ritmo y arreglos más rápidos que los de los Comets. Sea en la versión que sea, estamos ante un clásico del rock and roll de los años 50, y en la voz del "Rey" se convierte en una de las joyas de su corona.

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La música en historias: El Mes David Bowie

Decíamos en la despedida del #MesJohnLennon que nuestro siguiente monográfico en 7días7notas sería sobre otro genio indiscutible de la música, con curiosas conexiones con el último Lennon y su trágico final. En concreto, nos referíamos a la leyenda de que el asesino de Lennon manejaba como alternativa, si el plan inicial fallaba, asesinar a David Bowie, ya que se encontraba precisamente en Nueva York en aquellas fatídicas fechas, protagonizando una obra teatral sobre la desdichada vida del conocido como "Hombre Elefante", uno de los papeles más reconocidos por la crítica dentro de lo que fue la faceta paralela del Bowie actor.

Las conexiones con Lennon eran recientes y evidentes, y partían de la colaboración del de Liverpool en el álbum Young Americans, el disco "americano" de Bowie, dónde habían firmado juntos el tema "Fame". En ese mismo disco, y quien sabe si a cambio de esa colaboración o como reconocimiento a la figura del ex-beatle, David Bowie incluyó una versión de Across the Universe, y lanzó además un guiño a la canción "A day in the life" en los coros gospel del tema que daba título al disco, que hacia el final del tema cantan "I read the news today, oh boy".

Todo esto no son, en realidad, más que curiosidades y coincidencias, interesantes en este tránsito del #MesJohnLennon al #MesDavidBowie, pero no han sido los motivos por los que hemos elegido al Duque Blanco y a Ziggy Stardust para llenar de colorido el mes de enero. Nos ha movido más la relevancia de una obra de calidad, tan extensa y cambiante, que le llevó a ganarse el sobrenombre de "El Camaleón", y un deseo irrefrenable de mostrar a toda una generación (la que le conoció a través de sus prescindibles discos de los ochenta) lo que este músico dio al mundo durante la década de los setenta, sin olvidar algunos interesantes discos de su última etapa de madurez.

Dicho de otro modo, era cuestión de tiempo, y el #MesDavidBowie tenía que llegar tarde o temprano, y ha llegado finalmente en el mes en el que nos dejó, hace ahora cinco años (como en el título de esa mítica canción con la que empezaba el que probablemente sea su mejor disco, "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars"). Otra coincidencia más, de esas que no son necesarias para justificar la elección de alguien con una carrera musical de la relevancia y el nivel de la de David Bowie. Como dijo otro grande, que no es de Liverpool ni de Londres, sino de Úbeda, y que ya tuvo un mes dedicado al repaso de su también extensa y aclamada obra, para elegir enero como el #MesDavidBowie "Nos sobran los motivos".

0001: In The Wee Small Hours Of The Morning - Frank Sinatra

Hablar de Frank Sinatra, es hablar de una de las figuras más emblemáticas de la música Estadounidense, pero no vamos hablar de su vida, sino de alguna de las canciones que Sinatra interpreto, y marcaron su vida en cierta forma. 

Dicen que Frank (Sinatra) pasaba por un bache en los primeros años de la década del '50,

había pasado estos primeros años con serias dificultades. Por una parte, el divorcio de Nancy y su romance con Ava Gardner, cuya relación estuvo salpicada de separaciones y reencuentros, pero que al parecer estaba basada en un profundo enamoramiento por parte de ambos. 

Desde el año 53 decidieron separarse y Sinatra intentó suicidarse en varias ocasiones. Por otro lado, las películas no estaban funcionando bien. y su música se estaba quedando atrás en popularidad, y estaba grabando música de calidad discutible con la Discográfica Columbia. 

Y en esta mala racha del artista le llegarían sus mayores éxitos, el Oscar por la película de Fred Zinnemann “De aquí a la eternidad” y sus mejores álbumes con Capitol, gracias especialmente a la colaboración del arreglista Nelson Riddle, quien supo adaptarse a las necesidades expresivas del cantante. En definitiva, consiguió impregnar el disco de la melancolía que, herido de amor y en un momento artístico complicado, debía sentir en lo más profundo de su alma.

Frank Sinatra es uno de los cantantes más importantes de música popular americana, y uno de sus mayores logros como artista, fue el uso consciente de la amplificación para que la voz se pueda aproximar al oyente por encima de la orquesta y así sacar toda la expresividad (susurros, respiraciones, vibrato…). Y esta grabación In The Wee Small Hours Of The Morning es buena muestra de ello. Escuchad la canción tratando de percibir cada una de las inflexiones de su voz de barítono. Es como si nos estuviese cantando directamente a nosotros, a nuestro lado.

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Daniel 

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