Burnin' - The Wailers (Mes Bob Marley)

Burnin' ("Ardiendo") (1973) es el sexto álbum de estudio de The Wailers, y el último grabado por la formación original, antes de que Neville Livingston (conocido como Bunny Wailer) y Winston Hubert McIntosh (conocido como Peter Tosh) abandonaran la banda para iniciar sendas carreras en solitario. Ambos músicos se marcharon en el que probablemente era el mejor momento creativo de la banda, con un disco que es un auténtico hito en la carrera del grupo, gracias a canciones como "Get up, Stand Up" que abre de manera brillante el disco, o "I Shot the Sheriff", que sería poco después popularizada por Eric Clapton.

Intercalada entre estas dos míticas canciones, que se convertirían en clásicos de la discografía de Bob Marley y The Wailers, en "Hallelujah Time" el protagonismo corre a cargo de la aterciopelada y más soulera garganta de Bunny Wailer, que juega incluso con el falsete en la voz principal, y que asumirá de nuevo el rol de cantante principal en "Pass it on". Antes de esa segunda aparición, Marley nos deleita con el reggae contestatario y social de "Burnin' and Lootin'", una de las mejores canciones del disco. 

"Put it on" cierra la primera cara del disco, y es una de las varias regrabaciones de algunos temas previamente publicados o rescatados de otros proyectos de la banda, y que se incluyen en Burnin' convenientemente revisadas y con mayor brillo. Ese es el caso también de canciones como "Small Axe", el animado tema con el que da comienzo la segunda cara, o de la brillante "Duppy Conqueror", el cuarto gran bombazo del álbum.

Para el final nos dejan "One Foundation" con Peter Tosh en la voz principal, y "Rastamant Chant", la última perla reggae de un icónico álbum que logró llegar al número 151 del Billboard 200 y al 41 de la lista de "Black Albums", y que fue posicionado por la revista Rolling Stone en el número 319 de su lista de los 500 Mejores Álbumes de todos los tiempos. Todo un hito para una banda del "tercer mundo" que estaba poco a poco derribando las fronteras de su mercado original, quemando todo lo que se encontraban a su paso, en su frenética y ardiente carrera para convertirse en la banda más famosa e icónica de la historia del reggae.

1081.- Woman From Tokyo - Deep Purple

 

Woman From Tokyo, Deep Purple

     Who Do We Think We Are es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa Deep Purple. Este disco fue el último de la denominada formación Mark II, ya que Ian Gillan y Roger Glover causarían baja de la misma después de este trabajo debido a las tensiones internas con Ritchie Blackmore. Este trabajo fue grabado durante el mes de julio de 1972 en Roma y posteriormente en octubre del mismo año en Alemania utilizando el Mobile Studio de los Rolling Stones. Fue producido por el mismo grupo y publicado en enero de 1973 en Estados Unidos el sello discográfico Warner Bros. Records, y por lo sellos EMI y Purple Records en Gran Bretaña en febrero de 1973. 

Musicalmente, el disco mostró un movimiento hacia un sonido más blues, y en el seno de la formación se percibía una profunda crisis fruto de la fatiga y las tensiones internas. Aunque el sencillo Woman From Tokyo tuvo un gran éxito, el grupo no consiguió alcanzar las cotas de calidad que habían conseguido en sus anteriores discos, y todo a causa de las continuas discusiones en sus seno, que acabarían con la marcha de Gillan y Glover. El disco fue duramente criticado por la crítica a pesar de haber alcanzado e cuarto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña y el puesto decimoquinto en las listas de Estados Unidos.  

Incluido en este álbum se encuentra el citado Woman From Tokyo, un tema que tiene tras de sí una curiosa historia. Deep Purple fue una de las primeras bandas que actuó en Japón a principios de los años 70, y como tributo a este hecho, la banda escribió la canción. La canción tiene referencias al "Sol naciente" y al "Sueño oriental", y la letra trata sobre una mujer japonesa cuyos encantos fascinan al narrador de la historia. Deep Purple comenzó a grabar Who Do We Think We Are en Roma en julio de 1972. En ese momento, la banda aún no había realizado giras, y tenían programados tres espectáculos en Japón: dos en Osaka seguidos de otro en el estadio Budokan de Tokio.  La canción se convirtió en una de las más populares de la banda y consiguió una gran difusión en la radio. Curiosamente el grupo no incluyó en su set en vivo la canción en aquel momento, haciéndolo posteriormente en 1984 coincidiendo con la reformación de la banda. La admiración de Deep Purple por el rock progresivo queda reflejado por la larga pausa que encontramos a mitad de la canción. Una pausa que está incluida en la versión del disco y no en la del sencillo, lo que explica la marcada diferencia de duración durante las versiones. Roma era soleada e ideal para relajarse, por lo que la banda se dedicó a pasar más tiempo en la piscina que en trabajar, lo que unido al hecho de que hubiera un problema en el estudio, dio como resultado que únicamente sacaran de todas aquellas sesiones Woman From Tokyo. El resto del disco sería grabado en Alemania.

1080.- Angel - Aretha Franklin

El consenso general sobre el decimonoveno álbum de estudio de Aretha Franklin , Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) de 1973, se divide en dos corrientes de opinión: El primer grupo suele criticarlo como uno de sus peores álbumes, el momento crítico en el que su influencia en el panorama del soul comenzó a desparecer. El segundo lo cita como una obra curiosa, aunque menor, en su largo y distinguido catálogo, destacando sus excentricidades un tanto vanguardistas, sin embargo, la afirmación que cruza estos dos campos es que el álbum sirvió como un punto de partida brusco en la trayectoria artística de Franklin en ese momento. Esta vez, tomó las riendas nuevamente como coproductora (un papel que ocupó por primera vez en Amazing Grace de 1972 ) y se asoció con el legendario Quincy Jones, que ya había ganado prominencia como músico, compositor, arreglista y productor respetado en el mundo del jazz y estaba avanzando en su carrera como artista discográfico por derecho propio. En la década de 1970, su trascendental destreza musical cobró gran importancia en el pop, con numerosas producciones y aclamadas bandas sonoras para cine y televisión en su haber. Pronto tendría la mira puesta en darle un toque imborrable al R&B. Era inevitable que Franklin se sintiera atraída por Jones, mientras buscaba expandirse musicalmente en una era de creatividad y posibilidades sin precedentes que estaba explotando en la música negra. Hey Now Hey presenta a Aretha Franklin en su forma más esotérica, abarcando psicodelia, funk, música clásica, jazz y blues, es también su álbum más extenso, es cierto que su concepción está sobrecargada, pero al mismo tiempo está muy bien organizada. Ausentes, en su mayor parte, están los dramáticos tópicos amorosos que posicionaron a Franklin como la principal experta del alma de toda mujer enamorada, tanto Franklin como Jones se esfuerzan por lograr algo teóricamente meditativo y musicalmente complejo: reflexivo, terrenal, caprichoso y tremendamente relajado. Algo mucho menos arraigado en lo convencional del clima anímico de la época y en cualquiera de sus respectivos caminos.

El solemne clásico "Angel", escrito por Carolyn Franklin (hermana de la cantante), fue el único éxito de este álbum, convirtiéndose en el decimotercer éxito de las listas de R&B de Franklin y en el Top 20 del pop en julio de 1973. En una era en la que la participación de Estados Unidos en la guerra de Vietnam trajo desafíos importantes en la evolución de la cultura, también alimentó la corriente subyacente obsesionada con las drogas. Angel es una hermosa balada con una canción, Franklin interpreta esta excelente canción con un amor fraternal respetuoso, no soy un gran fan de los cortes de saxofón en las baladas de los 70, pero este es un caramelito, elevando este impresionante blues moderno a otro nivel.

Disco de la semana 356: If I should fall from grace - The Pogues

El 30 de noviembre de 2023 Shane McGowan fallecía a los 65 años tras varios años de lucha contra diversos problemas de salud. Nos dejaba el cantante y compositor principal de The Pogues, mítica banda irlandesa de los años 80 y 90, pero no nos dejaba solos. Ahí quedaba su legado, con letras a la altura de los versos y escritos de un Charles Bukowski, y emparentadas especialmente con las del escritor irlandés Brendan Behan, y con una larga colección de memorables discos en los que desplegó todo un abanico de influencias variadas que combinaban la rebeldía de The Sex Pistols con las raíces de The Dubliners y la bohemia etílica de Tom Waits.

Cualquiera de sus primeros tres discos habría servido como reseña de su mejor momentos artístico o como sentido homenaje a su figura, pero en nuestra opinión, es su tercer disco "If I Should Fall from Grace with God" (1988) el que realmente muestra en todo su esplendor su innovadora propuesta de Punk-folk irlandés, a través de canciones como la que le da título (con su fusión de ritmo celta y cadencia punk, contando la historia de un soldado que vive en plena guerra y en un estado de incertidumbre y de miedo a no volver a casa), "Turkish Song of the Damned" (una sorprendente fusión de música tradicional irlandesa con sonidos orientales), "Bottle of Smoke" (con un ritmo punk frenético que contrasta con la intensidad poética de una letra sobre lo fugaz de la vida, comparándola con el humo de un cigarrillo y con la intensidad de una carrera de caballos).

Este disco fue, además, su mayor éxito de ventas, gracias sobre todo a "Fairytale of New York", la auténtica joya de la corona del disco y, probablemente, de toda la discografía de la banda. Una emotiva balada de raíces de folk irlandés, cantada a dúo con Kirsty MacColl, que combina una melancólica historia sobre la difícil relación de pareja de dos irlandeses en Nueva York, con referencias a la navidad en la gran manzana. A pesar de la agria y desesperada letra, la canción ha perdurado como un auténtico himno y un memorable clásico navideño.

En temas instrumentales como "Metropolis" la banda despliega todo su talento y virtuosismo, siempre combinando el folklore tradicional irlandés con estructuras rítmicas más modernas y aceleradas. Es solo un alto en el camino de la lírica profunda, porque en "Thousands Are Sailing" las letras vuelven a contagiarse de la nostalgia y la melancolía, esta vez describiendo la esperanza de los inmigrantes irlandeses de encontrar en América la esperada tierra de las oportunidades.

"Fiesta" es la segunda gran joya de la corona de este completo y trabajado disco, una explosión de energía que no podía haber tenido un nombre más acertado, plagada de referencias españolas y con la ciudad de Almería presente con fuerza en el estribillo. La banda regala un auténtico derroche instrumental de vientos y guitarras, en un tema que habréis escuchado mil veces y que no puede faltar en ninguna gran fiesta que se precie de serlo, una canción que lleva la capacidad de The Pogues para mezclar folklore con otros estilos hasta la máxima expresión. El álbum incluye revisiones de temas tradicionales irlandeses en "Medley: The Recruiting Sergeant/The Rocky Road to Dublin/The Galway Races", que encajan a la perfección con canciones propias como "Streets of Sorrow/Birmingham Six" (con una fuerte carga política y social), "Lullaby of London", "Sit Down by the Fire" o "The Broad Majestic Shannon".

Y para terminar, vuelven a mirar hacia el legado histórico con la versión del tradicional tema irlandés "Worms", breve y testimonial cierre para una gran obra que refleja como ninguna otra el eclecticismo y la profundidad lírica de una banda que supo llevarnos de fiesta y sobreponerse a la melancolía a la que les llevaron los golpes de la vida, esos que finalmente terminaron por llevarse al gran Shane MacGowan a algún otro sitio, donde estará tomando una gran pinta de cerveza y cantando a voz en grito aquello de "The boys of the NYPD choir Still singing Galway Bay, and the bells are ringing out for Christmas Day..."

1079.- Live and let die - Paul McCartney & Wings

"Live and Let Die" ("Vive y deja morir"), compuesta por Paul McCartney y su mujer Linda, e interpretada por su banda Wings en 1973, fue el tema principal de la banda sonora de la película de la saga de James Bond del mismo nombre. Esto ayudó a que la canción se convirtiera en un éxito instantáneo, siendo en aquel momento el tema de mayor calado en listas de ventas de todos los que habían puesto música las aventuras del famoso agente secreto creado por Ian Fleming, al alcanzar el primer puesto en las listas de ventas del Reino Unido, y el segundo lugar del Billboard Hot 100 estadounidense.

Más allá de su relación con el celuloide, "Live and Let Die" tiene también otras curiosidades relevantes, como que supusiera el primer reencuentro de McCartney con George Martin, el productor de los discos de The Beatles, que se encargó de la producción y dotó a la canción de unos espectaculares arreglos de orquesta, añadidos a la base principal del tema, grabado por McCartney con Wings durante las sesiones de grabación del disco Red Rose Speedway en los AIR Studios en octubre de 1972.

Con el paso del tiempo, "Live and Let Die" se ha mantenido entre las mejores composiciones de Paul McCartney en solitario, y en una pieza imprescindible de sus actuaciones en directo. Tal es la fuerza de su instrumentación y sus arreglos orquestales, que encajó como un guante entre la vasta colección de temas de hard rock que componían los discos Use Your Illusion (1991) de Guns N' Roses, que grabaron la que probablemente sea la versión más famosa y acertada de este intenso tema de McCartney & Wings.

Soul Rebels - Bob Marley And The Wailers ( Mes Bob Marley)

BOB MARLEY & THE WAILERS se convirtieron en uno de los mayores referentes mundiales de reggae jamaicano a lo largo de los años 70, pero principalmente durante los años 1973-80, cuando firmaron con Island Records y permanecieron así hasta la prematura muerte de MARLEY en 1981. Esta banda clásica que probablemente ha sido escuchada por todas las personas en el planeta se formó en 1963 en Kingston, Jamaica, cuando Hubert Winston (Peter Tosh), Neville Livingston (Bunny Wailer) y Robert Nesta Marley (BOB MARLEY) se conocieron y crearon una de las primeras bandas de ska jamaicanas. Esto fue antes de que el ska evolucionara hasta convertirse en el efímero rocksteady, que finalmente se convirtió en el estilo reggae más familiar.

De todas las primeras pistas, algunas fueron compiladas y lanzadas en 1965 bajo el sobrenombre de The Wailing Wailers y el trío con varios músicos y vocalistas de respaldo no lanzaría el primer álbum bajo el nombre más familiar de BOB MARLEY & THE WAILER hasta 1970, que debutó con SOUL. REBELDES. Este fue un período interesante para la banda que tuvo lugar después de localizar al famoso productor e inventor Lee “Scratch” Perry, quien llevó a la banda al siguiente nivel de su carrera. Si bien el equipo solo colaboraría durante unos pocos años, los resultados fueron bastante productivos, ya que BOB MARLEY & THE WAILERS habían comenzado a desarrollar el sonido único y conmovedor del reggae que la mayoría solo ha escuchado en álbumes como “Exodus” o “Natty”. SOUL REBELS estrena el formato clásico de reggae de escasa instrumentación que implementa sólo una guitarra, un bajo, una batería y un órgano junto con el estilo vocal medio cantado característico de MARLEY. Considerado uno de los mejores álbumes de reggae de raíces de todos los tiempos, SOUL REBELS, liderado por Scratch Perry pusieron en la picota a THE WAILERS con una serue de sencillos que los impulsaron a través de los años 60 y que se centraron en un concepto basado en la rebelión y la justicia social. La banda contó con el respaldo recién configurado de los Upsetters, quienes luego formarían sus propios álbumes de reggae clásico mientras los WAILERS seguían su propio camino. 

Las dos primeras canciones del disco, "Keep on Moving" y "Don't Rock My Boat", muestran una de las aspectos mas reconocibles de The Wailers: su habilidad instrumental suave y segura. La batería es excelentemente perezosa y las guitarras se abren paso a través de las canciones con su estilo relajado de manera impecable, las líneas de bajo suaves subrayan la música maravillosamente, emitiendo el ritmo tradicional del reggae con facilidad. Las canciones "Kaya" y "African Herbsman" fueron escritas por Marley sobre la marihuana, los sentimientos que siente por ello están muy bien reflejados en el lienzo proporcionado por la música. La voz de Marley, una de las más reconocibles en el mundo de la música, es especialmente conmovedora en el disco, con Peter Tosh y Bunny Wailer proporcionando un excelente refuerzo, como siempre. Todo esto hace que el disco sea muy fácil de escuchar, pero también muy divertido de escuchar. La guinda de todo, sin embargo, son las letras, escritas por Bob Marley, con un par de versiones de improvisaciones de reggae tradicionales. También está la pieza 'No Sympathy' cantada por Peter Tosh en el álbum y versionada por el cantante unos años más tarde en su primer álbum en solitario, el clásico 'Legalize it'.

SOUL REBELS está repleto de los rasgos del root reggae por los que el género es famoso. Destacó principalmente porque los temas hablan de la injusticia social y la vida en los guetos, el pasado colonial de Jamaica y, por supuesto, la esclavitud, todos adornados con esa gracia rastafari que rinde homenaje a la Madre África. La música no se ha despojado por completo de sus raíces rockeras. A pesar de las vibraciones relajadas, la intensidad se dirige al contenido lírico mientras el carisma vocal de BOB MARLEY crea cuidadosamente las declaraciones perfectas mientras las voces de fondo armonizantes complementan el tapiz sublime del impulso melódico que la guitarra, el bajo y la batería rítmicamente sincopados con gracia. No lleva mucho tiempo darse cuenta de que el nuevo sonido de BOB MARLEY & THE WAILERS era la respuesta de Jamaica a Motown, ya que ayudarían a lanzar la era dorada del reggae que se tragaría todos los años 70 y sólo terminaría cuando MARLEY falleció a la tierna edad de 36. Si bien la mayoría de los fanáticos del reggae nunca dejarán de lado los clásicos como “Exodus” o los paquetes de grandes éxitos estrictamente definidos como “Legend”, vale la pena explorar estos primeros años previos a la isla, ya que contienen toda la esencia del reggae, de lo que está por venir, evocan esa era de transición en algún lugar entre los años del ska y el dominio del reggae en los años 70.

1078.- Honky Tonk Heroes - Waylon Jennings

Si eres fanático de la música country Outlaw y de Waylon Jennings, entonces probablemente conozcas la historia de su histórico álbum de 1973, Honky Tonk Heroes, con todas las canciones de Billy Joe Shaver excepto una, es uno de los álbumes definitorios de la era Outlaw, puso a Billy Joe Shaver en el mapa y sigue siendo tremendamente influyente incluso hoy en día siendo posiblemente uno de los álbumes country más importantes de todos los tiempos. Pero sin dar por sentado que algunos no conocen la historia, aquí hay un repaso rápido: Billy Joe Shaver estuvo en la reunión Dripping Springs de Willie Nelson en las afueras de Austin en 1972, también conocido como Hillbilly Woodstock, mientras pasan el rato detrás del escenario, Shaver interpreta “Willy the Wandering Gypsy and Me” y Waylon Jennings lo escucha, quedó tan impresionado que invita a Billy Joe a Nashville para escribir canciones juntos. Waylon Jennings pasó los siguientes seis meses esquivando al viejo Billy Joe Shaver, hasta que Billy Joe, que se empeñó tanto en mostrarle a Waylon sus canciones, lo aborda en el pasillo del estudio y le dijo a Waylon que si no escuchaba sus canciones, le patearía el trasero allí mismo, delante de Dios y de todos. Waylon intentó darle 100 dólares para que se fuera, pero Shaver persistió. Finalmente, después de que Shaver lo derribara, Waylon escuchó y decidió grabar un álbum completo de canciones de Billy Joe Shaver. Pero este no fue el final de la historia, Waylon Jennings acababa de ganar el control creativo de RCA Records después de años de estar bajo el control opresivo del productor Chet Atkins. Ahora que Waylon podía hacer lo que quisiera (que en ese momento era grabar un álbum de canciones de Billy Joe Shaver), pensaba que estaba libre de que la gente le dijera qué hacer. Pero Billy Joe Shaver tenía otras ideas.

El 21 de febrero de 1973, Waylon Jennings estaba en el estudio grabando la canción principal de Honky Tonk Heroes . Billy Joe Shaver también estaba en el estudio y no estaba nada contento con lo que Waylon estaba haciendo con su canción, “Honky Tonk Heroes”, necesita un enfoque muy poco convencional del ritmo para una canción country, la canción comienza de manera bastante tradicional para una canción country, pero 90 segundos después, se lanza a un sonido de estilo rock más agresivo y eléctrico, al final, la canción desciende a un tiempo de medio tiempo. Ese ritmo del medio tiempo al final de “Honky Tonk Heroes” fue quizás una de las partes más históricas e influyentes de todo el álbum. Pero Billy Joe Shaver no quería saber nada de eso, se acercó y dijo: '¿Qué estás haciendo? Estás jodiendo mi canción. Las cosas no son así, Waylon y Billy Joe se ponen a gritase el uno al otro”. Billy Joe Shaver había consegudo que un importante artista country grabara un álbum completo con sus canciones, y corre el riesgo de arruinarlo "Billy Joe no entendía la forma en que lo estábamos armando..." explica Richie Albright.  Waylon Jennings en su autobiografía. “Así surgió el concepto de 'Honky Tonk Heroes'. Billy Joe hablaba como hablaría un vaquero moderno, si saliera del Oeste y viviera hoy. Dominaba la jerga de Texas, su mundo era tan realista y realista como el día era largo, y llevaba su estrella solitaria como una insignia”. Más tarde, a medida que avanzaba la sesión, Billy Joe Shaver finalmente vio la visión más amplia que tenían en mente, y quedó deslumbrado. La historia tanto de la canción “Honky Tonk Heroes” como del álbum ilustra cómo a veces a través del conflicto puede surgir una gran creatividad. Si Billy Joe Shaver nunca hubiera abordado a Waylon Jennings en ese pasillo, quién sabe qué pudo haber pasado con el movimiento Outlaw. Y si “Honky Tonk Heroes” nunca se hubiera grabado como lo fue con los inusuales cambios de hora, tal vez el álbum no habría sido tan bien recibido e influyente como finalmente lo fue y sigue siendo.

1077 - Steely Dan - My old school

1077 - Steely Dan - My old school

Steely Dan, una banda icónica de jazz rock fundada por Donald Fagen y Walter Becker en 1972, ha dejado una marca indeleble en la historia de la música. Su enfoque sofisticado y su fusión única de jazz, rock y pop los distinguen. Uno de sus temas más destacados es "My Old School", una joya musical que refleja la habilidad magistral de la banda para contar historias a través de su música.

"My Old School" es un viaje nostálgico que transporta a los oyentes a la década de 1970. La canción se inspira en los recuerdos de Fagen y Becker durante su tiempo en la Universidad de Bard, donde enfrentaron ciertos desafíos. La narrativa de la canción se desenvuelve con elegancia, retratando la resistencia contra la adversidad y la celebración de la libertad individual.

El distintivo sonido de Steely Dan se destaca en "My Old School" con su uso sofisticado de arreglos instrumentales. La fusión de guitarras pulidas, teclados vibrantes y la característica voz de Fagen crea una experiencia auditiva cautivadora. La habilidad de la banda para incorporar complejas progresiones armónicas y ritmos jazzísticos agrega capas de profundidad a la canción, elevándola por encima de la música convencional.

La letra de "My Old School" no solo captura la esencia de la nostalgia, sino que también aborda temas universales como la superación de obstáculos y la persistencia. La narrativa lírica es rica en detalles, pintando un cuadro vívido de la experiencia de los músicos en la universidad. La incorporación de referencias culturales y personales enriquece la conexión emocional con la audiencia, haciéndola más accesible y personal.

La producción impecable de la canción es un testimonio del perfeccionismo de Steely Dan en el estudio. Cada elemento, desde la instrumentación hasta la mezcla, está cuidadosamente elaborado para lograr un sonido pulido y distintivo. La atención a los detalles se traduce en una experiencia auditiva que sigue resonando con oyentes de todas las generaciones.

"My Old School" también destaca por su capacidad para trascender las etiquetas musicales. Aunque enraizada en el jazz rock, la canción tiene un atractivo universal que ha resistido la prueba del tiempo. Su influencia perdura en artistas contemporáneos, demostrando la atemporalidad de la música de Steely Dan.

En resumen, Steely Dan y su canción "My Old School" representan la culminación de la maestría musical y la narración emotiva. Su capacidad para fusionar géneros, contar historias vívidas y crear una experiencia auditiva única asegura que su legado perdure en la historia de la música.

1076 - Chicago - Feelin' Stronger Every Day

1076 - Chicago - Feelin' Stronger Every Day

"Feelin' Stronger Every Day" es una joya musical que encapsula la esencia del grupo Chicago y su capacidad para fusionar el rock y el pop de una manera distintiva. Lanzada en 1973 como parte del álbum "Chicago VI", la canción se destaca por su poderosa energía y letras reflexivas.

Desde los primeros acordes, la melodía cautiva con su dinamismo. La introducción, impregnada de guitarras vibrantes y metales resplandecientes, establece el tono optimista que define la canción. La habilidad de Chicago para incorporar elementos de jazz y rock progresivo se manifiesta plenamente en esta pista, creando una amalgama musical única.

La voz característica de Peter Cetera añade una capa adicional de emotividad a la interpretación. Su entrega apasionada se combina perfectamente con la instrumentación rica, llevando al oyente a un viaje emocional. Las armonías vocales, una firma distintiva de Chicago, se despliegan de manera magistral, aportando profundidad y calidez a la experiencia auditiva.

La letra de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio de resistencia y superación. En medio de la travesía de la vida, la canción comunica un mensaje de fortaleza y esperanza. La repetición del estribillo, con la afirmación de sentirse más fuerte cada día, se convierte en un mantra que resuena en la mente del oyente. La conexión entre la música y la letra es palpable, creando una narrativa cohesiva que eleva la canción a un nivel más profundo.

El puente instrumental es un punto culminante de la pista. Los solos de guitarra y trompeta se entrelazan de manera magistral, demostrando la destreza técnica de los músicos de Chicago. Este interludio musical no solo sirve como una exhibición de habilidades, sino que también intensifica la emoción que subyace en la canción.

La producción de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio del dominio técnico de Chicago en el estudio. La mezcla equilibrada de los diversos instrumentos permite que cada elemento brille sin eclipsar al otro. La meticulosidad en la producción es evidente, lo que contribuye a la atemporalidad de la canción.

La longevidad de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio de su impacto perdurable en la escena musical. Su capacidad para trascender décadas y seguir siendo relevante es un testimonio de la maestría artística de Chicago. En resumen, esta canción no solo es un hito en la discografía de la banda, sino también un recordatorio atemporal de la capacidad de la música para inspirar, motivar y fortalecer el espíritu humano.

Daniel 

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1075.- Cosmic Slop - Funkadelic

 

Cosmic Slop, Funkadelic 

     Cosmic Slop es el quinto álbum de estudio de Funkadelic, la banda liderada por George Clinton, la cual se dedicaba a la rama más psicodélica del funk, ya que de la parte más tradicional siempre corría a cargo de su banda hermanada Parliament, también liderada por George Clinton. Ambas bandas daban forma al llamado sonido P-Funk. Dicho disco es grabado entre 1972 y 1973 entre el United Sound Studio de Detroit y el Manta Sound Studio de Toronto, bajo la producción del omnipresente George Clinton, y publicado en julio de 1973 por el sello discográfico Westbound Records. 

El disco fue un fracaso comercial, llegando a alcanzar únicamente el puesto 112 en la lista de ventas Billboard Pop Chart de Estados Unidos, y el puesto 21 en la lista también estadounidense R&B Chart. Sin embargo, con el tiempo el disco ha sido reevaluado muy faborablemente por la crítica especializada. Para este álbum George Clinton, al contrario que con su antecesor álbum, America Eats its Young (1972), contó con una formación más pequeña para su grabación, limitada a dos guitarristas, Garry Shider y Ron Bykowsky, el percusionista Tyrone Lampkin, el teclista Bernard Worrell, y el bajista "Boogie" Mosson. Contó también con la colaboración en las voces de Mallia Franklin y Debbie Wright, ambos miembros de Parliament, y del baterista Tiki Fulwood en el tema Nappy Dogout.

Incluido en este álbum encontramos la canción que da nombre al mismo, Cosmic Slop, la cual tiene un potente ritmo y una letra muy incisiva que nos cuenta la historia de un mujer con cinco hijos que trabaja como prostituta para alimentar a su familia. Ella es una mujer temerosa de Dios que reza justificando sus pecados y que ruega por sus hijos, pero el diablo también le está escuchando y le responde: "Would you llike dance with me ? We're doing the cosmic slop" (¿Quieres bailar conmigo? Estamos haciendo el desastre cósmico). En una entrevista, el líder de la banda George Clinton afirmaba haberse inspirado en "mujeres que tienen que prostituirse para cuidar a sus hijos y se sienten avergonzadas de sí mismas, o sienten que no están haciendo lo que deben hacer". También afirmaba que "El instinto de tener que cuidar a tus hijos es un instinto fuerte, así que es un asunto mental. Crees que estás bailando con el diablo y tienes que hacer algo así para mantener a tu familia... Eso es lo que es Cosmic Slop". Clinton escribió esta canción con Bernie Worrell, el teclista del grupo. De las voces en esta canción se encargó el guitarrista Garry Shider, que solía llevar un pañal en las actuaciones en vivo.

Catch a Fire - Bob Marley and the Wailers (Mes Bob Marley)

 

Catch a Fire, Bob Marley

     Catch a Fire es el quinto álbum de estudio de Bob Marley and The Wailers. Este fue el primer disco lanzado por la discográfica Island Records. Depsués de una gira por el Reino Unido, la banda había comenzado a grabar pistas para un nuevo disco, paro no tenía dinero para regresar a Jamaica y encima estaban en medio de una disputa contractual con CBS, por lo que su mánager Brent Clarke consigue que el productor Chris Blackwell, de Island Records, les adelante dinero para la grabación del álbum. En lugar de eso, Marley y compañía usaron el dinero para regresar a casa, donde completaron las grabaciones de Catch a Fire. El disco cuenta con nueve canciones, de las cuales siete fueran escritas por Bob Marley y las dos restantes por Peter Tosh (400 Years y Stop That Train). Una vez completadas las grabciones, Marley envió estas a Londres, donde Blackwell reelaboró las mismas, con contribuciones del musico de sesión de los famosos Muscle Shoals, Wayne Perkins, quien tocó la guitarra en tres pistas sobregrabadas.

Portada de la primera edición original

Catch a Fire fue lanzado originalmente bajo el nombre The Wailers, y la portada era un encendedor Zippo, diseñado por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner. Los lanzamientos posteriores tuvieron una portada alternativa diseñada por John Bonis, que representaba un retrato de Esther Anderson de Bob Marley fumando un porro. En dicha funda se acreditaba a la banda como Bob Marley and the Wailers. El disco fue grabado entre mayo y octubre de 1972 en Jamaica, mezclado en los estudios Island de Londres, bajo la porducción de Crhis Blackwell y Bob Marley, y publicaco el 13 de abril de 1973 por el sello discográfico Island Records. 

La gira de promoción del álbum, que cubrió Inglaterra y Estados Unidos, ayudó a generar interés internacional por la banda, y el disco llegó a alcanzar el puesto 171 en las listas Biilboard 200, y el puesto 51 en las listas Billboard Black Albums, ambas estadounidenses. La revista Rolling Stone situó Catch a Fire en el puesto 126 d su lista de los "500 mejores ábumes de todos los tiempos", solo superado por su disco Legend (1984). Estamos ante un álbum clásico que define y trasciende dentro del género reggae, y que además consigue llegar a una audiencia más amplia. Este álbum sería el comienzo del camino de Bob Marley para convertirse en toda una estrella mundial. Catch a Fire es toda una creación grupal, donde la banda, los cantantes y los compositores trabajaron juntos para crear algo grande que esta muy por encima de las individualidades. 

Las letras de las canciones nos hablan de las injusticia política hacia los negros, de la pobreza, nos hablan de inconformismo, de lucha, de levantarse, de no rendirse, comenzando con Concrete Jungle, una reflexión sobre la vida en la ciudad, la lucha y la supervivencia. Marley nos describe la vida en una ciudad con un entorno urbano hostil y agobiante, y explora la lucha diaria por la supervivencia y la falta de esperanza en dicho entorno. Slave Driver, con un ritmo enérgico y contudente, aborda la opresión y la resistencia a través de la metáfora de la esclavitud, comparando a los opresores con "conductores de esclavitud". La letras reflejan la resistencia y la lucha de aquellos que ejercen el control y el poder sobre otros. 400 Years es uno de los dos temas escrito por Peter Tosh, grabado originalmente para el álbum Soul Rebels (1970), y que fue regrabado para este disco. Estamos ante una feroz y abrasiva canción que aborda la historia de la opresión que sufren los afrodescendientes, haciendo referencia al periodo de 400 años, desde la esclavitud hasta la lucha por la emancipación y la igualdad. Todo un mensaje contra la opresión social y racial que han sufrido a lo largo de la historia. Stop That the Train con un ritmo alegre y animado, nos habla sobre escapar de los problemas y seguir adelante. En este tema Marley aborda la idea de detener el tren de los problemas para poder encontrar la libertad y la felicidad. A pesar de los obstaculos nos anima a seguir avanzando y superarlos. Cierra la cara A Baby We've Got a Date (Rock It Baby), una canción de amor con un contagioso ritmo y una alegre melodía que nos invita a bailar y a disfrutar con la persona amada. 

La cara B comienza de la misma forma en la que acabamos la Cara A, con una romántica canción sobre avivar el amor y la pasión, Stir It Up. Un himno romántico que celebra el amor y la pasión. La canción tiene un suave y relajante ritmo típico reggae, y las letras hacen referencia, de forma metafórica, al hecho de hacer el amor. Kinky Reggae tiene un ritmo pegajoso que nos habla de la influencia del género reggae en la cultura. La letra se centra en la diversión y el ambiente festivo que podemos encontrar en la música y en las personas que disfrutan del reggae. El término "Kinky" en el título no esta asociado a nada sexual, más bien a la manera distintiva en la que el reggae cautiva y mueve a la gente. No More Trouble nos vuelve a conducir a la parte poderosa del disco, una llamada a la paz y la justicia en un mundo lleno de conflictos y problemas. Una llamada a la unidad y a la resolución pacífica para abordar los conflictos que enfrentan a la humanidad. Cierra la cara B, y por tanto este disco fundamental, Midnight Ravers, una canción con una intensa y enérgica atmósfera donde las letras se suman para crear una sensación de misterio mientras nos hablan sobre la vida nocturna, la fiesta o la euforia. Esta canción capta la esencia de la vida nocturna y la energía vibrante que se encuentra en esos momentos. 

Catch a fire está considerado como uno de los mejores álbumes de reggae de todos los tiempos. Con este disco comenzo el ascenso al Olimpo musical de Bob Marley, y fue además el primer álbum de la banda que fue lanzado fuera de jamaica. Estamos ante un disco fundamental para entender el género reggae.

1074 - All the way from Memphis - Mott The Hoople

 

Mott the Hoople fue una banda marcada por la tragedia, pero no porque les pasara algo grave, la tragedia radica en que con demasiada frecuencia se pasa por alto si trabajo. Durante su mejor momento en la década de 1970, fueron un elemento anónimo del rock and roll, un gusto adquirido. El tiempo no les regaló nada más que un estatus de culto. Antes de ser Mott the Hoople, eran Silence, la banda de rock inglesa, compuesta formalmente por el líder Ian Hunter, el guitarrista Mick Ralphs, el organista Verden Allen, el bajista Pete Overend Watts y el baterista Dale “Buffin” Griffin, se llamó por primera vez Silence cuando se formaron en 1968, cambiaron su nombre a regañadientes a Mott the Hoople en 1969 con la promesa de un contrato discográfico. Su nombre fue tomado de una novela de 1966 del mismo nombre escrita por Willard Manus. En el libro, el personaje principal, Norman Mott, se considera un “grosero”, una palabra que el propio Manus tomó prestada de una tira cómica de un periódico llamada Our Boarding House."Hoople" es un término del argot para referirse a alguien que no lo hace bien. Consiguieron un fan en el gran David Bowie que acepto producir su álbum de 1972, Bowie también ofreció a la banda su recientemente escrita “All the Young Dudes”, una canción que se convertiría en la canción principal del álbum y en su mayor éxito.

All the Way From Memphia podría haber sido simplemente otra historia sobre una banda en la carretera que se dirige a Memphis para un concierto cuando se dan cuenta de que se han dejado us guitarras, pero Ian Hunter siempre tuvo la habilidad de no contar una historia de la manera ordinaria, y mientras menciona lo embarazoso de la situación ("¡Hombre, ese es tu instrumento!", le dice un tipo, y cuando agrega, "Me sentí tan ¡avergonzado!", se nota que no cubre ni la mitad), pronto Hunter comienza a asociarse libremente con el lento ascenso de Mott the Hoople hacia el éxito de la noche a la mañana ("De los muelles de Liverpool al Hollywood Bowl"), sus propias dudas sobre éxito ("Tu nombre se calienta mientras tu corazón se enfría") y su obstinada negativa a hacerse ilusiones sobre el estrellato del rock ("Pareces una estrella, pero todavía estás en el paro"). Pero nadie se habría atrevido jamás a argumentar que a Ian Hunter no le encantaba el rock & roll (Hunter incluido), y desde el áspero pisotón de los primeros acordes de piano (tocados por el propio Hunter) hasta el solo de saxo al final. (cortesía de Andy Mackay de Roxy Music), "All the Way From combina el rock & roll de la primera ola que hizo famoso a Memphis con la arrogancia glamorosa del rock británico de alrededor de 1973 de una manera que sólo un verdadero fan podría haber evocado.

1073.- If you want me to stay - Sly and the Family Stone

"If You Want Me to Stay" ("Si quieres que me quede") fue un exitoso single publicado en 1973 por la banda estadounidense Sly and the Family Stone, extraído del álbum "Fresh" publicado ese mismo año. En realidad, se trataba de una grabación de Sly Stone en la que no hubo mucha participación del resto de la banda. Sly llevaba desde primeros de la década de los setenta trabajando en su propio material, y de hecho existen versiones previas tanto de la canción como de la mayor parte de los temas del álbum (algunas de ellas publicadas en la reedición especial de "Fresh" en 2007), pero finalmente decidió desecharlas y regrabar el disco con algún añadido puntual de la banda.

En consecuencia, Sly Stone es el responsable de voz, guitarras, piano, órgano y bajo, mientras que el resto de la banda aparece solamente en la batería (Andy Newmark) y en la sección de vientos conformada por Cynthia Robinson a la trompeta, con Jerry Martini y Pat Rizzo al saxofón. Parece que esa sensación de desapego hacia la banda y de querer ser él mismo era importante en el momento vital del talentoso frontman, porque la letra de "If You Want Me to Stay", inspirada en una discusión con su pareja Kathleen Silva, va en una dirección parecida. En ella, Sly demanda a su media naranja que le acepte tal y como es, porque de lo contrario se vería obligado a marcharse.

De dónde no se fueron Sly and the Family Stone fue de lo alto de las listas de ventas, porque con "If You Want Me to Stay" consiguieron su hit más relevante y conocido desde que grabaran el mítico "There's a Riot Goin' On" (1971), alcanzando el puesto 12 del Billboard Pop Chart estadounidense, y el tercer puesto en el Billboard R&B Singles Chart.

1072.- Give Me Love (Give Me Peace on Earth) - George Harrison

"Give Me Love (Give Me Peace on Earth)" es el tema con la que se abre el disco "Living in the Material World" (1973) de George Harrison, y la canción elegida como primer single para promocionarlo. Y no fue precisamente mala la elección, porque se convirtió en la segunda canción de Harrison en solitario que llegó al nº 1 del Billboard Hot 100 estadounidense, después de la archiconocida "My Sweet Lord". Curiosamente, reemplazó en el primer puesto a otro ex Beatle, desplazando al tema "My Love" de Paul McCartney y su grupo Wings a la segunda posición.

Es una de las canciones más aclamadas y reconocidas del cantante y guitarrista británico, que nos regala en ella algunos de sus mejores momentos con las seis cuerdas, destacando especialmente su manejo de la guitarra slide, y alejándose del sonido de la banda matriz y de lo que, ya en solitario, había hecho en su disco anterior, el desmesurado e icónico "All Things Must Pass" (1970). Ya desde el momento de su publicación, se convirtió al instante en una de las canciones imprescindibles en sus pocas actuaciones en vivo, y formó parte del disco en directo "Live in Japan" (1992). 

La letra abordaba uno de los temas habituales del artista, muy metido en todo lo relacionado con el karma y el concepto de liberación espiritual a través del ciclo de la reencarnación, y para Harrison aquellos versos eran casi como una oración personal o una sincera conversación con Dios. Artistas como Sting, James Taylor o Elton John, entre muchos otros, han versionado un tema que se encuentra entre los mejores de un artista irrepetible y no siempre valorado en su justa medida, escondido a la sombra de dos monstruos de la talla de John Lennon y Paul McCartney, pero capaz de entregar joyas atemporales como "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)".

El disco de la semana 355: Fire and Water - Free

 

Fire and Water, Free

     Free fue una banda británica fundada en 1968, y compuesta originalmente por Paul Rodgers (Voz, guitarra y teclados), Paul Kossoff (Guitarra), Andy Fraser (Bajo y teclados), y Simon Kirke (Batería). Este grupo se convirtió en una influyente banda dentro del panorama británico rockero, y sólo los problemas internos impidieron que esta banda perdurase más en el tiempo y se hiciera más grande, como varios de sus integrantes reconocerían posteriormente. Dejaron tras de sí 6 discos de estudio, siendo con el tercero Fire and Water, editado en 1970, con el que consiguieron despuntar, consiguiendo todo un éxito de ventas con su clásico tema All Right Now. Pero los problemas de algunos miembros con las drogas y la rencillas internas avocaron al grupo a realizar algunos cambios en la formación, que no llegó a cuajar y por tanto su disolución. Paul Rodgers fundaría Bad Company  junto con Simon Kirke. Paul Kossoff lo intentó con Back Street Crawler, pero desgraciadamente fallecería poco después a causa de una sobredosis a la edad de 25 años.

Nos vamos a centrar precisamente en su tercer álbum de estudio en la recomendación de esta semana, Fire and Water, grabado durante los meses de enero y junio de 1970 entre los Trident Studios y Island Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 26 de junio de 1970 por el sello discográfico Island Records. Tal fue el espaldarazo de este tercer disco, que gracias a él llegaron a encabezar el famoso Festival de la Isla de Wight en 1970, con una audiencia estimada de dicho festival de entre 600.000 y 700.000. En dicho festival llegaron a compartir cartel con artistas como Jimi Hendrix, The Doors, Taste, Ten Years After, Miles Davis, Leonard Cohen, The Moody Blues y Jethro Tull, por nombrar sólo algunos. Llegaron a alcanzar el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista un total de dieciocho semanas. En Estados Unidos alcanzaron el puesto número 17 en las listas de ventas. 

Fire and Water contiene una mezcla de blues rock, hard rock y elementos de música soul, y muestra la potente voz de Paul Rodgers, el virtuosismo a la guitarra de Paul Kossoff y el buen hacer compositivo de la dupla Rogers/Fraser. Comienza el álbum con la canción que da título al disco, Fire and Water, tema donde podemos disfrutar de un buen blues rock aderezado con un toque de soul, mostrando ya desde inicio la potente voz y gran clase de Paul Rodgers y la habilidad a las seis cuerdas de Paul Kossoff. Le sigue Oh I Wept, una conmovedora balada donde Rodgers sigue demostrando por qué es una de las grandes voces del rock. Remember es una canción con un ambiente más suave, menos crudo que los temas anteriores, con una melodía muy emotiva y muy efectiva, conteniendo además unas letras muy reflexivas. Cierra la cara A Heavy Load, una canción más potente y enérgica que se encarga de equilibrar la balanza para mantener la intensidad del álbum. 

Abre la cara B Mr. Big, uno de los grandes momentos del álbum. La canción contiene una letra muy dura, y Paul Rodgers se sorprendió cuando vió que el tema salía adelante. Sobre la letra Rodgers afirmaba: "Solía escuchar a BB King, y creo que me inspiré en su enfoque sobre la feminidad, ¡su postura varonil!, y esa canción es una lección de simplicidad". La canción también destaca por su característico riff de guitarra, para impulsar la canción. todo un reflejo del talento instrumental y vocal de la banda. Don't Say You Love Me combina elementos de blues y rock con unas emotivas letras, y no desentona con la química del disco. Cierra este gran disco con All Right Now, el mayor éxito de toda la discografía de la banda. Contiene un riff de guitarra que se convertido en todo un clásico dentro del género. La versión del álbum es más larga que la editada como sencillo, ya que contiene el segundo estribillo repetido y un solo de guitarra más largo. La canción fue escrita por el bajista Andy Fraser y el vocalista Paul Rodgers en el edificio de la Unión de Estudiantes de Durham, después de un mal concierto en Durham. Al terminar el espectáculo y salir al escenario para despedirse del público salieron con el sonido de sus propios pasos. Los aplausos habían muerto antes de que la banda abandonara el escenario. Necesitaban algo potente para cerrar los conciertos, y de repente, les llegó la inspiración, Fraser comenzó a bailar cantando "All Right Now". Se sentó y la escribió allí mismo, en el camerino.

Fire and Water es un álbum fundamental en la historia del rock por varias razones. En primer lugar, este disco fue el punto de inflexión para Free, llevándolos a la fama mundial y convirtiendo All Right Now en un icónico himno del rock; Además, el álbum mostró, con mucha elegancia y clase, una combinación de géneros como el blues rock, el hard rock y el soul, que influenció a multitud de bandas posteriores a la hora de fusionar diferentes estilos musicales; Muy destacables también la poderosa voz de Paul Rodgers y la habilidad con la guitarra de Paul Kossoff; Y por último, el impacto y legado que la banda ha dejado en generaciones de músicos y bandas posteriores, un impacto que a día de hoy todavía perdura. 

1071.- Tubular Bells Pt.1 . Mike Oldfield

 

Tubular bells, Mike Oldfield

     Finales de la década de los 60 y principios de los 70, un joven británico llamado Richard Branson se dedica a comprar discos pirata y de saldos para luego venderlos a través de outlets o desde su coche como improvisado punto de venta, y posteriormente se dedica a venderlos por correo bajo pedido. Este joven visionario y emprendedor consigue abrir a principios de los 70 un pequeña y modesta tienda de discos en situada en Oxford Street, Londres. Poco a poco va creciendo, y su siguiente paso es comprar con los beneficios obtenidos un lugar donde instalar un estudio de grabación.

Nos encontramos en 1972, y un joven multiinstrumentista británico llamado Mike Oldfield, había compuesto con tan sólo 17 años una pieza instrumental. Oldfield había ofrecido la maqueta de su composición a varias discográficas, pero no había consguido que ninguna se interesara por ella, la razón, se trataba de una composición instrumental muy extensa, a diferencia de las composiciones de la época, lo cual no hacía su producto atractivo de cara a la venta. 

Ese mismo año, 1972, Richard Branson, que poseía ya unas cuantas tiendas de venta de discos a domicilio, funda Virgin Records, su propia discográfica junto a dos amigos más, Simon Draper y Nick Powell. El estudio de la compañía era una mansión llamada The Manor, situada en Oxfordshire, a las afueras de Londres, y era pionero en Inglaterra, pues allí las grabaciones se hacían de manera artesanal. A manos de Tom Newman y Simon Heyworth, que trabajaban por entonces en The Manor, llega la maqueta de Mike Oldfield y quedan fascinados e impresionados. Mike y Simon se la muestran a Richard Branson y hacen que éste se interese por ella. 

Richad Branson apuesta entonces por el joven Mike Oldfield, y graban la composición de éste. Al tratarse de una larga sinfonía ejecutada por multidud de instrumentos (Casi todos ellos grabados por Mike Oldfield), tuvieron problemas técnicos para poder grabarlos en The Manor, pues sólo disponian de una mesa de ocho canales para grabar todas las pistas, y tuvieron que recurrir a trucos artesanales para conseguirlo. El 25 de mayo de 1973 se publica la composición de Mike Oldfield, llamada Tubular Bells, bajo el sello discográfico de Virgin Records, convirtiéndose en el primer lanzamiento de la joven discográfica. Parte de la música de Tubular Bells también se usa para la banda sonora original de la película El Exorcista (1973), dirigida por William Friedkin. 

Tubular Bells, el primer lanzamiento de la joven compañía, se convierte en uno de los discos más vendido de la historia del rock, vendiendo más de 16 millones de copias en todo el mundo, encaramándose en las listas británicas de éxitos durante 279 semanas seguidas, y además da un espaldarazo fundamental tanto a Mike Oldfield como a la compañía, que crecerá hasta convertirse en una de las más potentes del mercado mundial.

El álbum de divide en dos partes, parte I y parte II, cada una de algo más de veinte minutos de duración. Nos vamos a centrar en la Parte I, llamada originalmente por Oldfield como "Opus One". Fue grabada durante una única semana, que era la que tenía asignada el músico en The Manor. Oldfield estaba muy interesado en comenzar la pieza con un riff repetido e ideó la secuencia de piano de apertura después, mientras experimentaba. El músico grabó el riff inicial en un piano de cola Steinway, pero tuvo problemas para tocar el tiempo, y uno de los productores, Symon Heyworth, resolvió el problema colocando un micrófono junto a un metrónomo en otra habitación y conectándolo a los auriculares de Oldfield. La breve sección de piano honky-tonk se incluyó como homenaje a la abuela de Oldfield, que había tocado el instrumento en clubes antes de la Segunda Guerra Mundial. Otro de los problemas a los que el músico se enfrentó fue a la hora de reproducir el sonido con las campanas tubulares, ya que quería una nota fuerte de dichas campanas, pero tanto los martillos estándar cubiertos de cuero como los de metal no producía el volumen que deseaba. Al final se obtuvo el sonido con un martillo de garra más pesado (usado en carpintería para clavar clavos). El martillo era tan pesado que Oldfield rompió las campanas durante el proceso. La pista se cierra con un segmento de Vivian Stanshall, miembro del grupo de rock cómico Bonzo Dog Doo-Dah Band, que presenta cada instrumento que se toca uno por uno. Al músico le gustó la forma en que Stanshall introducía los instrumentos uno por uno en la canción "The Intro and The Outro" del álbum Gorilla (1967), y le dijo al otro productor del álbum, Tom Newman, que le gustaría que Stanshall hiciera lo mismo en su álbum. Stanshall aceptó, pero dicho trabajo fue más complicado de lo que parecía, pues Stanshall olvidó los nombres de los instrumentos a incluir y los introdujo equivocadamente, por lo que Oldifeld tuvo que apuntarlos en una lista en el orden correcto para que Stanshall los introdujera en el orden correcto. La forma en que Stanshall dijo "más... campanas tubulares" a la hora de introducir los insturmentos, inspiró a Oldfield para usarlo como título del álbum, Tubular Bells y sus dos partes, Part I y Part II.

Soul Rebels - Bob Marley (Mes Bob Marley)

"Soul Rebels": Un Viaje Musical con Bob Marley #mesBobMarley

Bob Marley, el ícono del reggae, dejó una huella imborrable en la historia de la música con su álbum "Soul Rebels". Lanzado en 1970, este álbum no solo marcó un hito en la carrera de Bob Marley, sino que también consolidó su posición como un visionario musical y defensor de la cultura jamaicana.

El título del álbum, "Soul Rebels", cobra vida plenamente en la pista homónima. Bob Marley utiliza esta canción para proclamar su identidad como un rebelde del alma, resistiendo las normas y luchando por la libertad. Los ritmos contagiosos y las letras provocativas resumen la esencia misma de la filosofía musical y de vida de Bob Marley. 

El álbum se inicia esta cautivadora "Soul Rebel", una canción que fusiona el reggae con toques de soul. Con la distintiva voz de Bob Marley, la canción transmite un mensaje de resistencia y autoafirmación. La habilidad de Bob Marley para tejer letras profundas con ritmos envolventes es evidente desde los primeros acordes, estableciendo el tono para el resto del álbum.

"Try Me" sigue, llevándonos por un viaje melódico y reflexivo. Bob Marley aborda temas de amor y confianza con su característico estilo relajado. La canción destaca la versatilidad de su talento lírico y musical, mostrando un lado más suave y romántico del artista.

La fuerza del álbum se intensifica con "It's Alright". Esta canción es un llamado a la esperanza y la positividad, con un ritmo vibrante que invita a la celebración. La energía contagiosa de la canción revela la capacidad de Bob Marley para inspirar y elevar los espíritus a través de su música.

El álbum también presenta joyas menos conocidas pero igualmente impactantes. "My Cup" es un himno espiritual que fusiona la esencia del reggae con influencias del Rastafarismo. Bob Marley, con su voz única, transmite la conexión espiritual que siente con la música y la filosofía de vida Rastafari.

En "Duppy Conqueror", Bob Marley revela su destreza en el juego de palabras mientras critica a aquellos que intentan socavar su legado. La canción se convierte en una declaración audaz de la determinación de Bob Marley para superar los desafíos y consolidar su posición en la escena musical.

El álbum cierra con "Rebel's Hop", una canción que encapsula la esencia de la resistencia y la revuelta. Con ritmos enérgicos y letras que instan a la libertad, Bob Marley establece un llamado final a la acción, dejando una impresión duradera en la mente de los oyentes.

En retrospectiva, "Soul Rebels" no solo es un álbum musicalmente influyente, sino también un testimonio del compromiso de Bob Marley con la libertad, la justicia y la autenticidad. A través de cada canción, el oyente es transportado a un mundo donde la música es un medio para expresar la resistencia y la esencia misma de la vida.

"Soul Rebels" sigue siendo un monumento en la carrera de Bob Marley, recordándonos que su legado trasciende las fronteras del tiempo y del género musical. Este álbum no solo captura la esencia del reggae, sino que también establece a Bob Marley como un rebelde eterno cuya música continúa resonando en corazones y almas en todo el mundo.

El #MesBobMarley Durante todo este mes, honramos el legado musical y la influencia perdurable de Bob Marley. Sumérgete en su vibrante discografía, reflexiona sobre sus letras significativas y deja que su espíritu rebelde y positivo inspire tu diciembre. ¡One Love! #MesBobMarley #BobMarleyVibes

Daniel 

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1070 - Paul Simon - Kodachrome

1070 - Paul Simon - Kodachrome

La canción "Kodachrome" de Paul Simon es una pieza musical que ha dejado una profunda impresión en la historia de la música popular. Lanzada en 1973 como parte de su álbum homónimo, esta canción es un claro ejemplo del talento lírico y musical de Paul Simon.

"Kodachrome" es una canción que celebra la nostalgia y la evocación de recuerdos a través de la lente de una cámara. La canción comienza con un ritmo alegre y pegajoso que inmediatamente capta la atención del oyente. La letra refleja la idea de cómo la fotografía puede congelar momentos en el tiempo, permitiendo a las personas revivir esos momentos una y otra vez. La canción es un homenaje a la cámara Kodak Kodachrome, un producto emblemático de la fotografía analógica en su época.

El estribillo, con su icónica línea "Mama don't take my Kodachrome away," se convierte en un reflejo de la resistencia al cambio y la pérdida de la autenticidad en un mundo que está en constante evolución. La voz distintiva de Paul Simon se destaca, transmitiendo emoción y un sentido de añoranza.

La instrumentación de la canción es igualmente cautivadora, con una mezcla de guitarras acústicas y eléctricas que crean un sonido vibrante y alegre. La canción también incluye coros pegajosos que invitan al público a unirse en el canto.

"Kodachrome" ha perdurado a lo largo de los años y se ha convertido en una de las canciones más queridas del repertorio de Paul Simon. Su habilidad para combinar letras conmovedoras y una melodía inolvidable hace que la canción sea un clásico atemporal que sigue resonando con las audiencias de todas las edades. Es un recordatorio de la importancia de la música en la preservación de momentos y emociones, y sigue siendo una joya en el legado de Paul Simon.

Daniel
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1069.- Silver Machine - Hawkwind

Hawkwind es una banda inglesa de rock que tuvo su primera formación a finales de 1969. Desde entonces, fueron muchos y muy habituales los cambios de formación y las diferentes influencias y estilos que incorporaron en sus discos, que iban del hard rock al rock progresivo, pasando también por el rock psicodélico y el proto-punk, pero por lo que son más conocidos es por su estilo de "rock espacial" en el que fueron auténticos pioneros por su estética y temáticas urbanas y de ciencia ficción.

Descubiertos por el famoso locutor radiofónico de la BBC John Peel durante una actuación en el "All Saints Hall" de Nothing Hill (Londres), consiguieron un contrato con la discográfica Liberty Records. Tras dos primeros discos que lograron escasa y moderada repercusión, respectivamente, la banda dio un giro más comercial que provocó el abandono de algunos de sus miembros, y la llegada de Lemmy Kilmister al bajo y de Simon King a la batería endureció el sonido, en lo que fueron los mejores años de Hawkwind.

En esa época llegó su mayor éxito con Silver Machine, todo un clásico de hard rock y probablemente la canción más emblemática del subgénero que se conoció como rock espacial. Como single, llegó hasta el tercer puesto de las listas de ventas del Reino Unido, impulsando también la repercusión comercial de su tercer disco, "Doremi Fasol Latido", el primero que grabaron con Lemmy. Como curiosidad, y una vez hubo abandonado la banda, Lemmy Kilmister formó con Larry Wallis la banda Motörhead, que era el título de la última canción que compuso para Hawkwind, publicada por éstos como sencillo, antes de que diera nombre a una de las bandas de hard rock mas famosas de todos los tiempos.

1068.- My love - Paul McCartney & Wings

"My Love" fue lanzada por Paul McCartney y su banda Wings el 23 de Marzo de 1973 como single principal de su disco "Red Rose Speedway" (1973). Escrita por Paul, fue la primera canción del grupo en la que su autoría quedó plasmada en los créditos (hasta entonces todas las canciones de los discos de la banda habían sido acreditadas a los "Wings" en conjunto).

McCartney grabó "My Love" en los estudios Abbey Road, en los que se habían registrado los grandes discos de The Beatles. Decidió darle una estructura de balada de piano, a la que añadió arreglos orquestales de apoyo, siguiendo el método que tan bien le había funcionado con su antigua y mítica banda. La grabación de tema, realizada prácticamente de una sola vez y en directo, incluyó un brillante y delicado solo de guitarra de Henry McCullough, que el guitarrista de Wings improvisó durante la sesión.

La canción es una intensa declaración de amor hacia su esposa y compañera de banda Linda McCartney, que alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense (puesto en el que se mantuvo durante cuatro semanas) y el nº 9 de las listas del Reino Unido, convirtiéndose en el primer gran éxito en las listas de ventas de McCartney con la formación Wings en Estados Unidos, e impulsando las ventas de Red Rose Speedway. A pesar del gran éxito comercial, muchos críticos no recibieron "My love" con alabanzas, considerándola una ñoña y superflua balada de amor, algo a lo que McCartney respondería posteriormente en su éxito de 1976 "Silly Love Songs" ("Estúpidas canciones de amor").

1067 - Pescado Rabioso - Cantata de puentes amarillos

1069 - Pescado Rabioso - Cantata de puentes amarillos

La canción "Cantata de Puentes Amarillos" de la banda argentina Pescado Rabioso es una pieza musical emblemática que ha dejado una profunda impresión en la historia del rock en español. Es importante destacar que esta canción es ampliamente reconocida por su importancia en el panorama musical.

La canción, compuesta por Luis Alberto Spinetta, cautiva desde el primer acorde con su mezcla de poesía lírica y melodía enigmática. La voz de Spinetta guía al oyente a través de un viaje introspectivo, mientras la guitarra acústica establece un ritmo hipnótico que se asemeja a una meditación musical.

Las letras de "Cantata de Puentes Amarillos" son crípticas y enigmáticas, con metáforas que evocan una sensación de misterio y nostalgia. La canción parece contar una historia enigmática, llena de imágenes surrealistas y abstractas. A medida que la canción avanza, la voz de Spinetta se llena de emoción, lo que le da una profundidad emocional única.

El título de la canción se refiere a los puentes amarillos, que se convierten en un símbolo recurrente a lo largo de la canción. Estos puentes pueden interpretarse de varias maneras, como metáfora de conexiones perdidas o como símbolos de transiciones en la vida.

La combinación de la voz única de Spinetta, la poesía introspectiva y la música hipnótica hacen que "Cantata de Puentes Amarillos" sea una experiencia auditiva que trasciende el tiempo y el espacio. Es una canción que ha dejado una marca imborrable en la música en español y continúa siendo una fuente de inspiración para nuevas generaciones de artistas.

En resumen, "Cantata de Puentes Amarillos" es una obra maestra del rock argentino que cautiva a los oyentes con su belleza melódica y su profundidad lírica. Es una canción que merece ser apreciada por su singularidad y su influencia duradera en la música latinoamericana.

Daniel
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1066 - Carpenters - Yesterday once more

1067 - Carpenters - Yesterday once more

"Yesterday Once More" de Carpenters: Un Clásico Intemporal

La canción "Yesterday Once More" de la icónica banda Carpenters es una verdadera joya atemporal que ha perdurado en el tiempo debido a su encanto melódico y letras evocadoras. Esta canción, lanzada en 1973 como parte de su álbum "Now & Then", captura la nostalgia de una época pasada de una manera que resuena con innumerables oyentes a lo largo de las décadas.

La voz distintiva y cristalina de Karen Carpenter es el corazón de la canción. Su entrega suave y emotiva es una firma de su estilo vocal único. La habilidad de Karen para transmitir emoción es evidente en cada nota, y su interpretación apasionada agrega profundidad a la canción.

La letra de "Yesterday Once More" refleja la añoranza por los tiempos pasados, evocando una sensación de melancolía y nostalgia que es universal. La canción nos transporta a un tiempo en el que las canciones en la radio eran la banda sonora de la vida de las personas, y la música tenía el poder de hacernos revivir momentos especiales. A medida que las décadas pasan, la canción sigue siendo una reminiscencia de la belleza de esos recuerdos.

El arreglo musical es igualmente impresionante. La canción incorpora elementos del pop de los años 60 y 70, con suaves armonías vocales, guitarras y orquestación de cuerdas que crean una sensación cálida y acogedora. La combinación de la voz de Karen y el virtuoso trabajo de su hermano Richard Carpenter en los arreglos musicales es una de las razones por las que "Yesterday Once More" sigue siendo querida por generaciones de oyentes.

En resumen, "Yesterday Once More" de Carpenters es una canción que ha resistido la prueba del tiempo debido a su belleza y su capacidad para evocar emociones profundas. Es un recordatorio de que la música puede ser una poderosa fuerza que nos transporta a momentos pasados, y sigue siendo una joya musical que sigue siendo querida por su habilidad para tocarnos el corazón.

Daniel 

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