1195.- I Shot the Sheriff - Eric Clapton

 

I Shot the Sheriff, Eric Clapton

     461 Ocean Boulevard es el segundo álbum de estudio en solitario de Eric Clapton. Fue grabado entre los meses de abril y mayo de 1974 en los Criteria Studios de Miami, bajo la producción de Tom Dowd, y publicado en julio de 1974 por el sello discográfico RSO Records. Su regreso, después de sus problemas con la heroína, con este disco se saldó encabezando muchas listas de países y vendiendo más de dos millones de copias. El título del disco hace referencia a la dirección en Ocean Boulevard, en Golden Beach, Florida, donde Clapton estuvo viviendo mientras grababa el álbum.

Después de superar sus adicciones a la heroína, Clapton se dio cuenta de que había desperdiciado tres años de su vida, donde lo único que había hecho es estar tirado y ver televisión. Cuando el guitarrista buscó ayuda, se puso a trabajar en una granja y comenzó a escuchar mucha música nueva y viejos discos de blues que había traído consigo, además comenzó a tocar la guitarra de nuevo, escribiendo incluso canciones enteras a partir de ideas simples. Con estas ideas en mente, Clapton recibió una cinta de demostración del ex bajista de Dereck and the Dominos Carl Radle, con canciones interpretadas por el propio Radle, con el tecladista Dick Sims y el baterista Jamie Oldaker. A Clapton le encantaron estas grabaciones, las cuales le parecieron simplemente magníficas.

Cuando Clapton se puso a escribir material para su nuevo disco, quería dejar sus canciones lo más incompletas posible, para que los músicos que fueran a grabar con él, tuvieran la oportunidad de colaborar y hacerlas suyas. El músico estaba ciertamente preocupado por el éxito comercial y artístico que el disco pudiera tener. Tenía la certeza de que sólo funcionaría si había química entre los músicos. Para tal empresa fichó a Carl Radle (bajo), Jamie Oldaker (batería), Dick Sims (teclados), Albhy Galuten (piano) y George Terry (guitarra, coros).

Incluido en este álbum se encuentra una versión de una canción de Bob Marley, titulada I Shot the Sheriff. Dicha canción había sido lanzada por Marley con su banda The Wailers en 1973. Sobre el significado de la canción, Marley llegó a afirmar: "Quería decir 'le disparé a la policía' pero el gobierno habría montado un escándalo, así que dije 'le disparé al sheriff' en su lugar... pero la idea es la misma: justicia". Clapton no estaba muy seguro de publicar su versión porque pensaba que podría parecer una falta de respeto para Bob Marley. Los miembros de su banda y su mánager lo convencieron de que no solo debía ir en el disco, sino que también debía lanzarse como sencillo. Más tarde Clapton llegó a Hablar con Marley sobre la canción: "Traté de preguntarle de qué se trataba la canción, pero no pude entender mucho su respuesta. Me sentí aliviado de que le gustara lo que habíamos hecho". Clapton mantuvo el timo reggae de la canción original, pero le metió un estilo más rockero, con órgano y guitarra marcando el ritmo. En Estados Unidos, por aquella época el reggae no era muy grande, pero Clapton, con su toque de reggae mezclado con rock dio en el clavo.

Uprising - Bob Marley (Mes Bob Marley)

"Uprising": Un Legado Musical que Trasciende el Tiempo #mesBobMarley 

Bob Marley, el ícono del reggae, dejó una marca imborrable en la historia musical con su álbum final, "Uprising". Este lanzamiento, que vio la luz en 1980, no solo encapsula la destreza artística de Bob Marley sino que también sirve como un testamento de su compromiso con la justicia social y la espiritualidad.

El álbum abre con la poderosa "Coming in from the Cold", una canción que fusiona la vibración única del reggae con letras que invitan a la reflexión. Bob Marley, conocido por su habilidad para tejer metáforas en sus composiciones, transmite un mensaje de resiliencia y esperanza.

El tema principal del álbum, "Uprising", es una llamada a la acción, un himno para aquellos que buscan un cambio positivo en el mundo. Las letras profundas y la energía contagiosa de la música crean una experiencia auditiva que va más allá del entretenimiento; es un recordatorio de la capacidad de la música para ser un medio de transformación social.

"Redemption Song", una de las piezas más íntimas de Bob Marley, destaca por su simplicidad acústica y letras profundas. La canción es un viaje introspectivo que resuena con la audiencia a través de la desnudez emocional de Bob Marley y su guitarra. Este tema se ha convertido en un himno atemporal de emancipación y autoafirmación.

En diciembre, el mes de Bob Marley bajo el #mesBobMarley, se celebra no solo su legado musical sino también su impacto duradero en la conciencia social. Sus letras, impregnadas de la filosofía del Rastafari, continúan inspirando a generaciones, recordándonos la importancia de la paz, el amor y la equidad.

El álbum también presenta "Could You Be Loved", un ritmo contagioso que fusiona el reggae con influencias de la música disco. La canción irradia positividad y es un claro ejemplo de la versatilidad de Bob Marley como artista. Mientras que "Pimper's Paradise" se adentra en temas de tentación y desilusión, enriqueciendo la narrativa del álbum con sus matices emocionales.

"Uprising" es un testimonio final e impactante de la prolífica carrera de Bob Marley. Su legado trasciende géneros y fronteras, sirviendo como un faro de luz en la oscuridad y una voz para aquellos que buscan justicia y libertad. En diciembre, al sumergirse en las vibraciones atemporales de este álbum, celebramos no solo la música de Bob Marley, sino también su dedicación a la causa de la unidad y la igualdad. #mesBobMarley es más que una etiqueta; es un recordatorio de que la música puede ser un catalizador para el cambio y la unidad en todo el mundo.

Daniel

Instagram Storyboy

Natty Dread - The Wailers (Mes Bob Marley)

Natty Dread (1974) fue uno de los discos más importantes de la carrera de Bob Marley, y tras la diáspora que siguió a Burnin' (1973), el primero de los discos de The Wailers sin Peter Tosh y Bunny Wailer. Firmado como Bob Marley and The Wailers, y con la imagen de Marley en la portada como fiel reflejo de la marcha de los otros dos grandes líderes de la banda, fue también el primer disco en el que los habituales coros masculinos, a cargo hasta entonces de sus ya ausentes compañeros de grupo, fueron sustituidos por las I Threes, el trío femenino del que formaba parte su mujer Rita Marley. Cargado de referencias espirituales, políticas y sociales, está considerado junto a Exodus, Catch a Fire y el ya mencionado Burnin' como uno de los mejores discos de la carrera de Bob Marley.

El disco arranca con "Lively Up Yourself", un positivo reggae de mensaje sexual e influencias blues del que ya existía una demo grabada un año antes y que no se llegó a publicar con anterioridad. Un tema más que adecuado con el que arrancar un disco, pero que queda en un segundo plano en cuanto empiezan a sonar las primeras notas del segundo corte del álbum, la mítica "No Woman No Cry", una nostálgica pieza de la infancia y adolescencia en las calles de Trenchtown, el ghetto de Kingston en el que Marley y sus amigos crecieron. Es probablemente la canción más recordada de Bob Marley, aunque sería la versión en directo publicada en 1975 la que se daría a conocer en todo el mundo y le daría a conocer a nivel mundial.

Aunque "No Woman No Cry" destaque ampliamente sobre el resto, "Natty Dread" tiene mucho más que ofrecer que su canción más famosa, con temazos imprescindibles como las desafiantes y políticas "Them Belly Full (But We Hungry)" (una amenazante advertencia a los gobiernos que que dejan que la gente humilde pase hambre, profetizando que la "turba hambrienta" pasará a ser "turba enojada") y "Rebel Music  (3 O'Clock Roadblock)" (escrita después de que la policía jamaicana le parara en un control nocturno), que completan una primera cara vibrante e intensa.

En la segunda cara, las influencias de la revolución Rastafari son evidentes en "So Jah S'eh" y en "Natty Dread", la canción que da nombre al disco y a una personificación idealizada de una deidad del movimiento Rastafari. Tras estas dos canciones de corte religioso, Marley da paso a la calma y la seducción en "Bend Down Low", una isla romántica en el intenso mar de reivindicaciones sociales y políticas que plagan el disco, y una canción repescada de uno de sus primeros sencillos de los años 60. Y tras este breve remanso de calma, la reivindicación resurge en "Talkin' Blues" y "Revolution", dos joyas más con las que profundizar de nuevo en la controvertida situación social jamaicana, y con las que cerrar a lo grande un disco para el recuerdo.

"Natty Dread" es, ante todo, lo que podríamos llamar "un disco del pueblo, y para el pueblo", porque la gran particularidad de este álbum no la encontramos en sus grandes y reivindicativas canciones, sino en los créditos de las mismas. Pese a estar escritas en sus totalidad por Marley, decidió acreditarlas a nombre de viejos amigos y familiares con los que compartió los duros momentos en el ghetto de Trenchtown, para que se vieran beneficiados por los royalties de un álbum que alcanzó el puesto 43 de las listas del Reino Unido y que alcanzó gran popularidad en el resto del mundo, en un acto de inmensa generosidad digno del mismísimo dios rastafari "Natty Dread".

Exodus - Bob Marley & The Wailers (Mes Bob Marley)

 

Exodus, Bob Marley & The Wailers

     Exodus es el noveno álbum de estudio de Bob Marley & The Wailers. Fue grabado entre los Harry J. Studio de Kingston, Jamaica y los Island Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 2 de junio de 1977. El 3 de diciembre de 1976 Bob Marley sufrió un atentado contra su vida en Kignston, en el que una bala le rozó el pecho y el brazo, pero sobrevivió. Tras este intento de asesinato, Marley abandonó Jamaica y se exilió en Londres, donde grabó Exodus.

Marley había concebido Exodus como el título del álbum antes incluso de escribir la canción. En diciembre de 1976 Jamaica estaba inmersa en elecciones, lo que generó un discurso político intenso. En su campaña, el primer ministro Michael Manley utilizó el lema "Sabemos a donde vamos", y en respuesta, Marley escribió Exodus, la canción que da título al disco. 

La producción del álbum se caracterizó por ser más relajada, con ritmos de bajo pulsantes y poniendo más énfasis en el piano, la trompeta y la guitarra. Exodus se aleja de la temática de la narración críptica de los trabajos anteriores del artista, girando hacia temas de cambio como la política, la religión y la sexualidad. El disco se divide en dos partes, una primera que se construye en torno a la política religiosa, mientras que la segunda abarca temas como el amor y la fe. Este trabajo supuso un gran éxito tanto crítico como comercial, impulsando a Bob Marley hacia el estrellato internacional.

Con Exodus, Bob Marley & The Wailers alcanzaron su apogeo creativo y social, convirtiéndose además en uno de los discos más influyentes de la historia del reggae y consolidándose además como un símbolo de libertad, resistencia y unidad. Es cierto que este trabajo apareció en un momento crucial, pues Jamaica se encontraba en la década de los 70 inmersa en una vorágine de tensiones políticas y sociales, y Marley, como activista y músico comprometido, utilizó este disco como una herramienta para transmitir mensajes de esperanza, paz y redención.

Estamos ante un álbum con una amalgama de ritmos envolventes y profundas letras en las que Marley y compañía captan la esencia del reggae. El título, Exodus, ya nos prepara para lo que nos espera, un viaje para escapar hacia la libertad. Una idea que se va tejiendo a lo largo de un disco donde las letras nos hablan de la lucha por la libertad y donde las melodías nos invitan a bailar mientras se abordan temas tan trascendentales. Cada canción contribuye a la narrativa general del álbum, que no es otra cosa que la celebración de la libertad, la resistencia y la unidad.

En Exodus encontramos desde melodías vibrantes hasta letras profundas, y cada canción es un viaje sonoro que invita a la reflexión y al movimiento, como muy bien podremos apreciar desde que la aguja se pone en contacto con el disco y empieza a sonar Natural Mystic, la canción que abre el álbum, rodeada de un ambiente místico y profundo y con unas letras que nos hablan de fenómenos naturales mientras que evocan un sentimiento de inquietud espiritual. le sigue So Much Things to Say, tema que aborda temas como la corrupción y las luchas políticas. Toda un reflexión sobre la necesidad de un cambio profundo. Guiltiness tiene una vibrante melodía sobre la cual se construye un tema que aborda la temática de la culpa y la responsabilidad en un contexto de injusticia social, instando a la reflexión y al cambio. The Heathen continúa en la línea del disco, con una comprometida letra que lanza un mensaje de unidad y resistencia contra la opresión y anima a superar los obstáculos que impiden la libertad. Exodus es la canción que da título al álbum y que cierra además la cara A. todo un alegato y un himno de la libertad. Con una poderosa melodía, Marley nos habla de la lucha por dejar atrás la opresión y caminar hacia la libertad. 

La cara B comienza con Jamming, que con su contagioso ritmo y su mensaje de celebración y unión, es quizás, una de las pistas más destacadas junto con Exodus. Watitng in Van es otra de las canciones más distintivas del álbum, convirtiéndose en un clásico en el repertorio de Marley. Es toda una profunda reflexión sobre el amor y la espera. La letra trata sobre la experiencia de esperar a alguien que parece que no llega nunca y sobre la paciencia y la ansiedad que genera el hecho de estar enamorado de la otra persona, la cual no corresponde de la misma manera. Turn Your Lights Down Low es una cautivadora canción que destapa el lado más romántico de Bob Marley. Mientras que la música nos impregna de una sensación de intimidad, las letras nos transmiten un mensaje de amor profundo y del deseo de estar con ese alguien especial. Three Little Birds es el ejemplo perfecto de canción simple pero que porta un poderoso mensaje: No te preocupes por nada, porque todo estará bien, mientras nos transmite una sensación de calma, paz y esperanza, animandonos a mantener una actitud positiva incluso en tiempos difíciles. One Love/People Get Ready es la canción que se encarga de cerrar este apasionante álbum. En realidad se trata de la fusión de dos canciones esenciales que transmite un mensaje universal de amor y unidad, creando una atmósfera de esperanza y armonía.

Exodus, a lo largo de lo años, se ha convertido en un himno sobre la unidad y la lucha a través del amor universal y la esperanza. Estamos ante algo más que un álbum de música, estamos ante una experiencia única y la habilidad de Bob Marley & The Wailers para fusionar la música con un mensaje de lucha, a través de herramientas pacíficas, para lograr un cambio social. Su legado perdura como un faro de esperanza y una llamada en pro de la libertad contra la opresión. Bob Marley se encargó con este disco de recordarnos algo que muchas veces tendemos a olvidar: "El poder de la música como un poderoso instrumento para la unión y el cambio".

Burnin' - The Wailers (Mes Bob Marley)

Burnin' ("Ardiendo") (1973) es el sexto álbum de estudio de The Wailers, y el último grabado por la formación original, antes de que Neville Livingston (conocido como Bunny Wailer) y Winston Hubert McIntosh (conocido como Peter Tosh) abandonaran la banda para iniciar sendas carreras en solitario. Ambos músicos se marcharon en el que probablemente era el mejor momento creativo de la banda, con un disco que es un auténtico hito en la carrera del grupo, gracias a canciones como "Get up, Stand Up" que abre de manera brillante el disco, o "I Shot the Sheriff", que sería poco después popularizada por Eric Clapton.

Intercalada entre estas dos míticas canciones, que se convertirían en clásicos de la discografía de Bob Marley y The Wailers, en "Hallelujah Time" el protagonismo corre a cargo de la aterciopelada y más soulera garganta de Bunny Wailer, que juega incluso con el falsete en la voz principal, y que asumirá de nuevo el rol de cantante principal en "Pass it on". Antes de esa segunda aparición, Marley nos deleita con el reggae contestatario y social de "Burnin' and Lootin'", una de las mejores canciones del disco. 

"Put it on" cierra la primera cara del disco, y es una de las varias regrabaciones de algunos temas previamente publicados o rescatados de otros proyectos de la banda, y que se incluyen en Burnin' convenientemente revisadas y con mayor brillo. Ese es el caso también de canciones como "Small Axe", el animado tema con el que da comienzo la segunda cara, o de la brillante "Duppy Conqueror", el cuarto gran bombazo del álbum.

Para el final nos dejan "One Foundation" con Peter Tosh en la voz principal, y "Rastamant Chant", la última perla reggae de un icónico álbum que logró llegar al número 151 del Billboard 200 y al 41 de la lista de "Black Albums", y que fue posicionado por la revista Rolling Stone en el número 319 de su lista de los 500 Mejores Álbumes de todos los tiempos. Todo un hito para una banda del "tercer mundo" que estaba poco a poco derribando las fronteras de su mercado original, quemando todo lo que se encontraban a su paso, en su frenética y ardiente carrera para convertirse en la banda más famosa e icónica de la historia del reggae.

Catch a Fire - Bob Marley and the Wailers (Mes Bob Marley)

 

Catch a Fire, Bob Marley

     Catch a Fire es el quinto álbum de estudio de Bob Marley and The Wailers. Este fue el primer disco lanzado por la discográfica Island Records. Depsués de una gira por el Reino Unido, la banda había comenzado a grabar pistas para un nuevo disco, paro no tenía dinero para regresar a Jamaica y encima estaban en medio de una disputa contractual con CBS, por lo que su mánager Brent Clarke consigue que el productor Chris Blackwell, de Island Records, les adelante dinero para la grabación del álbum. En lugar de eso, Marley y compañía usaron el dinero para regresar a casa, donde completaron las grabaciones de Catch a Fire. El disco cuenta con nueve canciones, de las cuales siete fueran escritas por Bob Marley y las dos restantes por Peter Tosh (400 Years y Stop That Train). Una vez completadas las grabciones, Marley envió estas a Londres, donde Blackwell reelaboró las mismas, con contribuciones del musico de sesión de los famosos Muscle Shoals, Wayne Perkins, quien tocó la guitarra en tres pistas sobregrabadas.

Portada de la primera edición original

Catch a Fire fue lanzado originalmente bajo el nombre The Wailers, y la portada era un encendedor Zippo, diseñado por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner. Los lanzamientos posteriores tuvieron una portada alternativa diseñada por John Bonis, que representaba un retrato de Esther Anderson de Bob Marley fumando un porro. En dicha funda se acreditaba a la banda como Bob Marley and the Wailers. El disco fue grabado entre mayo y octubre de 1972 en Jamaica, mezclado en los estudios Island de Londres, bajo la porducción de Crhis Blackwell y Bob Marley, y publicaco el 13 de abril de 1973 por el sello discográfico Island Records. 

La gira de promoción del álbum, que cubrió Inglaterra y Estados Unidos, ayudó a generar interés internacional por la banda, y el disco llegó a alcanzar el puesto 171 en las listas Biilboard 200, y el puesto 51 en las listas Billboard Black Albums, ambas estadounidenses. La revista Rolling Stone situó Catch a Fire en el puesto 126 d su lista de los "500 mejores ábumes de todos los tiempos", solo superado por su disco Legend (1984). Estamos ante un álbum clásico que define y trasciende dentro del género reggae, y que además consigue llegar a una audiencia más amplia. Este álbum sería el comienzo del camino de Bob Marley para convertirse en toda una estrella mundial. Catch a Fire es toda una creación grupal, donde la banda, los cantantes y los compositores trabajaron juntos para crear algo grande que esta muy por encima de las individualidades. 

Las letras de las canciones nos hablan de las injusticia política hacia los negros, de la pobreza, nos hablan de inconformismo, de lucha, de levantarse, de no rendirse, comenzando con Concrete Jungle, una reflexión sobre la vida en la ciudad, la lucha y la supervivencia. Marley nos describe la vida en una ciudad con un entorno urbano hostil y agobiante, y explora la lucha diaria por la supervivencia y la falta de esperanza en dicho entorno. Slave Driver, con un ritmo enérgico y contudente, aborda la opresión y la resistencia a través de la metáfora de la esclavitud, comparando a los opresores con "conductores de esclavitud". La letras reflejan la resistencia y la lucha de aquellos que ejercen el control y el poder sobre otros. 400 Years es uno de los dos temas escrito por Peter Tosh, grabado originalmente para el álbum Soul Rebels (1970), y que fue regrabado para este disco. Estamos ante una feroz y abrasiva canción que aborda la historia de la opresión que sufren los afrodescendientes, haciendo referencia al periodo de 400 años, desde la esclavitud hasta la lucha por la emancipación y la igualdad. Todo un mensaje contra la opresión social y racial que han sufrido a lo largo de la historia. Stop That the Train con un ritmo alegre y animado, nos habla sobre escapar de los problemas y seguir adelante. En este tema Marley aborda la idea de detener el tren de los problemas para poder encontrar la libertad y la felicidad. A pesar de los obstaculos nos anima a seguir avanzando y superarlos. Cierra la cara A Baby We've Got a Date (Rock It Baby), una canción de amor con un contagioso ritmo y una alegre melodía que nos invita a bailar y a disfrutar con la persona amada. 

La cara B comienza de la misma forma en la que acabamos la Cara A, con una romántica canción sobre avivar el amor y la pasión, Stir It Up. Un himno romántico que celebra el amor y la pasión. La canción tiene un suave y relajante ritmo típico reggae, y las letras hacen referencia, de forma metafórica, al hecho de hacer el amor. Kinky Reggae tiene un ritmo pegajoso que nos habla de la influencia del género reggae en la cultura. La letra se centra en la diversión y el ambiente festivo que podemos encontrar en la música y en las personas que disfrutan del reggae. El término "Kinky" en el título no esta asociado a nada sexual, más bien a la manera distintiva en la que el reggae cautiva y mueve a la gente. No More Trouble nos vuelve a conducir a la parte poderosa del disco, una llamada a la paz y la justicia en un mundo lleno de conflictos y problemas. Una llamada a la unidad y a la resolución pacífica para abordar los conflictos que enfrentan a la humanidad. Cierra la cara B, y por tanto este disco fundamental, Midnight Ravers, una canción con una intensa y enérgica atmósfera donde las letras se suman para crear una sensación de misterio mientras nos hablan sobre la vida nocturna, la fiesta o la euforia. Esta canción capta la esencia de la vida nocturna y la energía vibrante que se encuentra en esos momentos. 

Catch a fire está considerado como uno de los mejores álbumes de reggae de todos los tiempos. Con este disco comenzo el ascenso al Olimpo musical de Bob Marley, y fue además el primer álbum de la banda que fue lanzado fuera de jamaica. Estamos ante un disco fundamental para entender el género reggae.

Soul Rebels - Bob Marley (Mes Bob Marley)

"Soul Rebels": Un Viaje Musical con Bob Marley #mesBobMarley

Bob Marley, el ícono del reggae, dejó una huella imborrable en la historia de la música con su álbum "Soul Rebels". Lanzado en 1970, este álbum no solo marcó un hito en la carrera de Bob Marley, sino que también consolidó su posición como un visionario musical y defensor de la cultura jamaicana.

El título del álbum, "Soul Rebels", cobra vida plenamente en la pista homónima. Bob Marley utiliza esta canción para proclamar su identidad como un rebelde del alma, resistiendo las normas y luchando por la libertad. Los ritmos contagiosos y las letras provocativas resumen la esencia misma de la filosofía musical y de vida de Bob Marley. 

El álbum se inicia esta cautivadora "Soul Rebel", una canción que fusiona el reggae con toques de soul. Con la distintiva voz de Bob Marley, la canción transmite un mensaje de resistencia y autoafirmación. La habilidad de Bob Marley para tejer letras profundas con ritmos envolventes es evidente desde los primeros acordes, estableciendo el tono para el resto del álbum.

"Try Me" sigue, llevándonos por un viaje melódico y reflexivo. Bob Marley aborda temas de amor y confianza con su característico estilo relajado. La canción destaca la versatilidad de su talento lírico y musical, mostrando un lado más suave y romántico del artista.

La fuerza del álbum se intensifica con "It's Alright". Esta canción es un llamado a la esperanza y la positividad, con un ritmo vibrante que invita a la celebración. La energía contagiosa de la canción revela la capacidad de Bob Marley para inspirar y elevar los espíritus a través de su música.

El álbum también presenta joyas menos conocidas pero igualmente impactantes. "My Cup" es un himno espiritual que fusiona la esencia del reggae con influencias del Rastafarismo. Bob Marley, con su voz única, transmite la conexión espiritual que siente con la música y la filosofía de vida Rastafari.

En "Duppy Conqueror", Bob Marley revela su destreza en el juego de palabras mientras critica a aquellos que intentan socavar su legado. La canción se convierte en una declaración audaz de la determinación de Bob Marley para superar los desafíos y consolidar su posición en la escena musical.

El álbum cierra con "Rebel's Hop", una canción que encapsula la esencia de la resistencia y la revuelta. Con ritmos enérgicos y letras que instan a la libertad, Bob Marley establece un llamado final a la acción, dejando una impresión duradera en la mente de los oyentes.

En retrospectiva, "Soul Rebels" no solo es un álbum musicalmente influyente, sino también un testimonio del compromiso de Bob Marley con la libertad, la justicia y la autenticidad. A través de cada canción, el oyente es transportado a un mundo donde la música es un medio para expresar la resistencia y la esencia misma de la vida.

"Soul Rebels" sigue siendo un monumento en la carrera de Bob Marley, recordándonos que su legado trasciende las fronteras del tiempo y del género musical. Este álbum no solo captura la esencia del reggae, sino que también establece a Bob Marley como un rebelde eterno cuya música continúa resonando en corazones y almas en todo el mundo.

El #MesBobMarley Durante todo este mes, honramos el legado musical y la influencia perdurable de Bob Marley. Sumérgete en su vibrante discografía, reflexiona sobre sus letras significativas y deja que su espíritu rebelde y positivo inspire tu diciembre. ¡One Love! #MesBobMarley #BobMarleyVibes

Daniel 

Instagram storyboy 

1060 - Bob Marley - Sirt it up

1060 - Bob Marley - Stir it up

"Stir It Up" es una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and The Wailers. Esta cautivadora melodía de reggae, lanzada en 1973 como parte del álbum "Catch a Fire," representa a la perfección el espíritu relajado y festivo del género musical jamaiquino y la filosofía de vida de Bob Marley.

La canción comienza con un ritmo suave y pegajoso, lleno de ritmos de guitarra y bajo característicos del reggae. La voz inconfundible de Bob Marley se desliza suavemente sobre la música, transmitiendo un mensaje de amor, unidad y positividad. A través de letras sencillas pero emotivas, la canción nos invita a "moverlo" y "mezclarlo" con el amor, un llamado a la unión y la armonía.

"Stir It Up" es una oda a la pasión y la sensualidad, utilizando la metáfora de cocinar para describir la relación amorosa. La canción crea una atmósfera cálida y envolvente, donde los oyentes pueden sentir la conexión profunda y apasionada que Bob Marley canta. La canción es un himno al amor y la intimidad, donde la música reggae se convierte en el lenguaje de la pasión y la comunión.

La influencia de "Stir It Up" en la música reggae y la cultura jamaiquina es innegable. La canción encarna la esencia del reggae, con su ritmo relajado y letras sinceras. Bob Marley y The Wailers lograron crear una canción que se ha convertido en un himno atemporal del amor y la unión, y sigue siendo una joya en el legado musical de Bob Marley. "Stir It Up" es un recordatorio constante de la capacidad de la música para unir corazones y trascender barreras culturales.

Daniel

Instagram Storyboy

La música en historias: Los soldados robados de África

Confrontation

     El 23 de mayo de 1983 se publicaba Confrontation, el duodécimo álbum de estudio de Bob Marley & The Wailers. Éste disco tenía la particularidad de ser el primer disco publicado a título póstumo, pues Bob Marley nos dejaba desgraciadamente a causa de un cáncer el 11 de mayo de 1981.

     Confrontation fue realizado en los Tuff Gong Studios de Kingston (Jamaica) a partir de material inédito y singles grabados durante la vida de Bob Marley. Muchos de los temas del álbum fueron hechos a partir de demos, añadiendo voces en algunos casos, armonías en otros, y algunos arreglos aquí y allá para dotar al disco de un sonido consistente.
La portada del álbum muestra a Bob Marley convertido en San Jorge luchando contra el dragón.

     Incluido en el álbum se encuentra el tema Buffalo Soldier, el cual hace referencia a un hecho histórico. Los Buffalo Soldiers fueron creados en septiembre de 1866 en Fort Leaventworth, Kansas (Estados Unidos) por el Ejército de la Unión. Originalmente eran miembros del 10º Regimiento  de Caballería del Ejercito de los Estados Unidos, con la particularidad de que todos sus miembros eran afroamericanos. Buffalo Soldiers fue  el apodo que las tribus indias americanas dieron a los miembros de esta caballería que lucharon en las guerras indias. El apodo fue extendiéndose a todos los demás regimientos compuestos únicamente por afroamericanos que surgieron después del 10º de Caballería: Noveno Regimiento de Caballería, 24º Regimiento de Infantería, 25º Regimiento de Infantería y 38º Regimiento de Infantería.
Fueron bautizados como los Soldados de Búfalo por los nativos indios porque pensaban que el pelo de los afroamericanos se parecía mucho a la piel de búfalo.

     Bob Marley con esta canción protesta ponía de manifiesto el hecho de que se utilizara a hombres negros en una guerra para que los llamados "blancos civilizados" pudieran obtener las tierras donde los indios nativos americanos se habían criado durante toda su vida. Además, se daba una curiosidad, muchos de esos combatientes afroamericanos eran esclavos procedentes del continente africano.
Bob Marley con este tema quiso poner de manifiesto el papel del hombre negro en la construcción de un país que a día de hoy todavía continúa oprimiéndolo.

Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

There was a Buffalo Soldier

In the heart of America

Stolen from Africa, brought to America

Fighting on arrival, fighting for survival

I mean it, when I analyze these things

To me, it makes a lot of sense

How the dreadlock Rasta was the Buffalo Soldier

And he was taken from Africa, brought to America

Fighting on arrival, fighting for survival

Said he was a Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

Buffalo Soldier, in the heart of America

If you know your history

Then you would know where you coming from

Then you wouldn't have to ask me

Who the heck do I think I am

I'm just a Buffalo Soldier

In the heart of America

Stolen from Africa, brought to America

Said he was fighting on arrival

Fighting for survival

Said he was a Buffalo Soldier

Win the war for America

Said he was a, woe yoy yoy, woe woe yoy yoy

Woe yoy yoy yo, yo yo woy yo, woe yoy yoy

Woe yoe yoe, woe woe yoe yoe

Woe yoe yoe yo, yo yo woe yo woe yo yoe

Buffalo Soldier, troddin' through the land woo ooh

Said he wanna ran, then you wanna hand

Troddin' through the land, yea, yea

Said he was a Buffalo Soldier

Win the war for America

Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

Fighting on arrival, fighting for survival

Driven from the mainland

To the heart of the Caribbean

Singing, woe yoy yoy, woe woe yoy yoy

Woe yoy yoy yo, yo yo woy yo woy yo yoy

Woy yoy yoy, woy woy yoy yoy

Woy yoy yoy yo, yo yo woe yo woe yo yoy

Troddin' through San Juan

In the arms of America

Troddin' through Jamaica, a Buffalo Soldier

Fighting on arrival, fighting for survival

Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

Woe yoe yoe, woe woe yoe yoe

Woe yoe yeo yo, yo yo woe yo woe yo yoe