lunes, 5 de mayo de 2025

1586.- Gates of Babylon - Rainbow

 

Gates of babylon, Rainbow


     En 1978, la banda británica Rainbow, liderada por el virtuoso guitarrista Ritchie Blackmore y el carismático vocalista Ronnie James Dio, lanzó su tercer álbum de estudio, Long Live Rock 'n' Roll. Incluído en este disco, que marcó el cierre de una era para la banda con Dio al frente, se encuentra Gates of Babylon, una pieza de hard rock con tintes progresivos y una profunda narrativa lírica. Esta canción no solo es un testimonio del talento compositivo de Blackmore y Dio, sino también un portal hacia un universo místico.

Gates of Babylon forma parte de Long Live Rock 'n' Roll, grabado en el Château d'Hérouville en Francia entre abril y diciembre de 1977. El álbum fue el último con Ronnie James Dio, quien abandonó la banda debido a diferencias creativas con Blackmore, que buscaba un sonido más comercial. La canción, escrita por Blackmore y Dio, con letras exclusivamente de Dio, refleja la fascinación de este último por temas medievales y fantásticos, una característica que definió su trabajo en Rainbow. El tecladista David Stone, aunque no acreditado oficialmente, afirmó haber compuesto partes de la introducción. 

El proceso de grabación no estuvo exento de tensiones. Blackmore, insatisfecho con el bajista Mark Clarke, tocó la mayoría de las partes de bajo él mismo, aunque el bajista Bob Daisley participó en Gates of Babylon y otras tres canciones. La alineación, que incluía al baterista Cozy Powell y al tecladista Tony Carey en sesiones iniciales, creó un sonido robusto, con influencias de música clásica y heavy metal, Este disco sería una de las últimas grandes obras de Rainbow antes de su cambio de dirección.
Musicalmente, Gates of Babylon es una obra de contrastes. La canción comienza con una introducción de sintetizadores y teclados que nos traslada a oriente. Los riffs de Blackmore, impregnados de su formación clásica, se entrelazan con la batería poderosa de Powell, mientras que la voz de Dio, lleva la narrativa a nuevas alturas. Muy destacable la fusión de elementos progresivos y heavy metal, con un solo de guitarra que muestra la destreza técnica de Blackmore y un interludio que recuerda a las bandas sonoras de películas de aventuras. Líricamente, Gates of Babylon es un viaje metafórico hacia un lugar de pecado celestial. La canción nos invita al oyente a dejar atrás lo familiar y embarcarnos en una aventura guiada por un narrador que promete visiones y transformaciones. Babilonia, descrita como una "ciudad de pecado celestial", simboliza la decadencia y la tentación, un lugar donde el poder del pasado atrapa a quienes cruzan sus puertas. El narrador, que al final se revela como el diablo mismo, encarna la dualidad entre guía y tentador. La canción es toda una advertencia sobre los peligros del conocimiento prohibido y la esclavitud a los propios deseos.

domingo, 4 de mayo de 2025

Some Great Reward de Depeche Mode – La oscuridad electrónica que definió una era (Mes Depeche Mode)


Some Great Reward de Depeche Mode – La oscuridad electrónica que definió una era #MesDepecheMode

Mayo es, oficialmente, el mes de Depeche Mode. A lo largo de las próximas semanas, desmenuzaremos su discografía, desde los días alegres del synth-pop hasta su reinvención como pioneros del rock electrónico sombrío. Y qué mejor manera de comenzar este viaje que con Some Great Reward (1984), el cuarto álbum de estudio de la banda y una obra que marcó un antes y después no solo en su carrera, sino en la música electrónica de los 80.  

Para entender la importancia de Some Great Reward, hay que retroceder un poco. A principios de los 80, Depeche Mode era visto como un grupo de synth-pop bailable, con éxitos como Just Can’t Get Enough (1981). Sin embargo, tras la salida de Vince Clarke (el principal compositor en sus inicios), Martin Gore tomó las riendas creativas y la banda comenzó a explorar temas más oscuros y sonidos experimentales.  

Con Construction Time Again (1983), ya habían dado un paso hacia lo industrial, incorporando samplers de sonidos mecánicos y letras más críticas. Pero fue con Some Great Reward donde todo encajó: la oscuridad lírica, la innovación sonora y el éxito comercial.  

El álbum fue producido por Daniel Miller (fundador de Mute Records) y Gareth Jones, quienes llevaron a Depeche Mode a nuevos terrenos sonoros. Una de las técnicas más revolucionarias fue la grabación de samples en un depósito de chatarra en Berlín, donde capturaron golpes de metal, martillazos y otros ruidos industriales que luego integraron en canciones como Master and Servant.  

El uso del Emulator II (uno de los primeros samplers digitales) permitió crear texturas nunca antes escuchadas en el pop. Además, las voces de Dave Gahan (profundas y cargadas de dramatismo) y Martin Gore (delicadas y emotivas) se complementaron como nunca.  

Entre el synth-pop y la oscuridad industrial

* El lado bailable (pero perverso) del álbum

- "People Are People" – El mayor éxito comercial del disco, una canción contra el racismo y la intolerancia con un ritmo pegajoso y un bajo electrónico poderoso. Fue su primer top 20 en EE.UU.  
- "Master and Servant" – Una fusión de synth-pop y ritmos industriales, con una letra que juega con el BDSM como metáfora de las estructuras de poder en la sociedad.  
- "Something to Do" – Una de las canciones más infravaloradas, con un ritmo frenético y letras sobre el aburrimiento y la necesidad de distracción.  

* Las baladas y el lado más introspectivo

- "Somebody" – Una de las canciones más emotivas de la banda, con Martin Gore en la voz principal. Un piano melancólico y letras sobre la soledad y el deseo de amor verdadero.  
- "It Doesn’t Matter" – Una pieza atmosférica con sintetizadores que flotan en el aire, casi como un presagio del sonido de Black Celebration.  
- "Stories of Old" – Una canción hipnótica con un coro que se repite como un mantra, explorando la idea del engaño en las relaciones.  

* La canción más polémica: "Blasphemous Rumours"

Una de las canciones más controvertidas de su carrera. Con una línea de bajo ominosa y letras que cuestionan la existencia de Dios ("I don’t want to start any blasphemous rumours / But I think that God’s got a sick sense of humor"), la banda narra la historia de una chica que sobrevive a un suicidio… solo para morir en un accidente días después.  

En una época donde la religión aún era un tema delicado en la música pop, esta canción fue censurada en varias radios y generó debates sobre si Depeche Mode era una banda "peligrosa".  

Si hay algo que define Some Great Reward, es su mirada crítica hacia la sociedad y las relaciones humanas:  

- Dinámicas de poder ("Master and Servant", "People Are People")  
- Religión y escepticismo ("Blasphemous Rumours")  
- Amor y desilusión ("Somebody", "Lie to Me")  
- Alienación y aburrimiento ("Something to Do")  

Martin Gore, en entrevistas posteriores, admitió que muchas de estas letras venían de su propia inestabilidad emocional y su fascinación por las relaciones tóxicas.  

Recepción crítica y legado

1. La recepción en su momento  

Aunque el álbum fue un éxito comercial (llegó al #5 en UK y al #51 en EE.UU., un logro para una banda de synth en esa época), la crítica no fue unánime. Algunos lo llamaron "demasiado deprimente", mientras que otros elogiaron su audacia.  

2. Influencia en la música posterior  

Con los años, Some Great Reward ha sido reivindicado como:  
- Un puente entre el synth-pop y el rock electrónico oscuro de los 90.  
- Una influencia clave para bandas como Nine Inch Nails, Marilyn Manson y incluso Radiohead.  
- El primer álbum "adulto" de Depeche Mode, dejando atrás su imagen juvenil.  

¿Por qué sigue siendo relevante hoy?

1. Sus temas son atemporales – La crítica social, la hipocresía religiosa y las relaciones complicadas siguen siendo temas vigentes.  
2. Su producción innovadora – El uso de samplers y sonidos industriales fue revolucionario para 1984.  
3. El equilibrio perfecto entre lo comercial y lo oscuro – Pocos discos logran ser tan pegajosos y a la vez tan profundos.  

Las 5 mejores canciones del álbum 

1. "Blasphemous Rumours" (Por su impacto lírico y sonido tenebroso)  
2. "Master and Servant" (Por su atrevimiento y ritmo adictivo)  
3. "Somebody" (Por su belleza melancólica)  
4. "People Are People" (Por ser un himno contra la discriminación)  
5. "Lie to Me" (Por su energía y cinismo)  

Un disco que definió el futuro de Depeche Mode 

Some Great Reward no fue solo un éxito comercial, sino el momento en que Depeche Mode dejó de ser una banda de synth-pop para convertirse en algo más grande. Fue el primer paso hacia obras maestras como Black Celebration y Violator, y su influencia aún se siente en la música electrónica y alternativa.  

Un disco esencial no solo para fans de Depeche Mode, sino para cualquier amante de la música electrónica con profundidad. 

Daniel 
Instagram storyboy 

1585 - The Saints - Know Your Product

1585 - The Saints - Know Your Product

En 1977, mientras el punk explotaba en Londres y Nueva York con rabia y seguridad mediática, The Saints, una banda australiana a menudo relegada a un segundo plano en la historia del género, lanzaba Know Your Product, un tema que encapsulaba su actitud desafiante y su sonido crudo pero sofisticado. La canción, incluida en su segundo álbum Eternally Yours, es una de las piezas más memorables de su discografía, combinando el frenesí del punk con arreglos de vientos que evocan el soul callejero, creando una mezcla tan caótica como brillante.  

Know Your Product destaca inmediatamente por su introducción: una sección de metales que suena más a Stax Records que a The Ramones. Esta elección, inusual para el punk de la época, refleja la voluntad de The Saints de romper moldes. La voz áspera y sarcástica de Chris Bailey se impone sobre guitarras distorsionadas y una batería implacable, mientras los vientos añaden una capa de ironía. La letra es un ataque directo a la mercantilización de la rebeldía: "They’re gonna kit you out / Know your product" ("Te van a equipar / Conoce tu producto"). Es una burla a la industria cultural que intenta empaquetar y vender la disidencia como un bien de consumo más.  

La rebelión como producto. El genio de la canción está en su autorreflexión. Mientras muchas bandas punk de la época gritaban consignas contra el sistema, The Saints ponía el espejo frente al propio movimiento: ¿acaso la rebeldía no se estaba convirtiendo en una mercancía más? La línea "Another trend / Another fake orgasm" ("Otra moda / Otro orgasmo falso") resume su escepticismo ante la escena musical, donde la autenticidad a menudo se sacrificaba en aras de la imagen. Esta crítica no era solo hacia los sellos discográficos, sino también hacia la audiencia y los artistas que se dejaban cooptar.  

Musicalmente, Know Your Product es una joya de energía contenida. La producción, más pulida que en su debut (I’m) Stranded*, no suaviza su impacto; al contrario, los arreglos de vientos y el ritmo acelerado la hacen sentir como una fiesta callejera al borde del colapso. La influencia de la banda se puede rastrear en grupos posteriores, desde The Replacements hasta The Bronx, que heredaron su mezcla de crudeza y melodía.  

Hoy, en una era donde el punk (y sus derivados) ha sido absorbido por el mainstream, desde festivales masivos hasta colaboraciones con marcas de moda, Know Your Product sigue siendo un recordatorio incómodo: la rebeldía auténtica no se vende, ni se compra. The Saints no solo hicieron una de las mejores canciones punk de todos los tiempos, sino que además le añadieron una capa de inteligencia ácida que pocos han igualado.  

Si el punk nació para incomodar, Know Your Product es ese puñetazo que sigue doliendo décadas después. Porque, al final, ¿quién no ha sido cómplice de convertir su indignación en un producto?

sábado, 3 de mayo de 2025

1584.- On Broadway - George Benson

On Broadway, George Benson



     En las calles bulliciosas de Nueva York, donde los neones parpadean como estrellas terrenales y los sueños se tejen entre el asfalto, nació On Broadway. Escrita en 1962 por Barry Mann y Cynthia Weil, con la colaboración de Jerry Leiber y Mike Stoller, se convirtió en un himno para los soñadores que llegaban a la Gran Manzana con el corazón lleno de esperanzas y los bolsillos vacíos. Pero sería en 1978, cuando George Benson, un guitarrista y vocalista con un gran talento, tomó este tema y lo convirtió en un clásico.

La canción fue grabada originalmente por The Cookies y luego por The Drifters en 1963, cuya versión alcanzó el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. Su letra, cruda pero esperanzadora, cuenta la lucha de un joven artista que llega a Broadway con grandes sueños, pero se enfrenta a la dura realidad de la pobreza y el rechazo. “No duermo en la calle, tengo un corazón que late”, canta, aferrándose a la promesa de que su talento lo llevará a la cima. Sin embargo, fue George Benson quien elevó On Broadway a nuevas alturas. En 1978, Benson, ya se había convertido, por derecho propio, en un ícono del jazz y el R&B. Fue entonces cando grabó una versión en vivo para su álbum Weekend in L.A. Esta interpretación, grabada en el legendario Roxy Theatre de Los Ángeles, no era solo una canción, sino una experiencia. Benson, con su guitarra eléctrica, realizó una increíble versión que mezclaba jazz, soul y pop. Esta versión, que dura más de diez minutos en su formato en vivo, comienza con una introducción instrumental con su guitarra, para después dar entrada a su suave pero poderosa voz.

Esta versión de On Broadway se convirtió en una de las joyas de Benson, destacando por su habilidad para transformar la narrativa original en algo más universal. La canción ya no es solo la historia de un aspirante a estrella en Broadway, sino un reflejo de cualquier sueño que lucha por hacerse realidad. La improvisación de Benson, tanto vocal como instrumental, nos regala, unas veces, momentos de tensión, como si el protagonista estuviera a punto de rendirse, y otros momentos de euforia, como si la victoria estuviera al alcance de la mano. La interpretación de Benson no solo revitalizó la canción, sino que también consolidó a Benson como un artista que podía cruzar fronteras musicales, llevando el jazz a las masas sin perder su esencia. La canción se convirtió en todo un éxito, alcanzando el número 7 en el Billboard Hot 100 y ganando un Grammy por Mejor Interpretación Vocal R&B Masculina.

viernes, 2 de mayo de 2025

Disco de la semana 428: Corpiños en la madrugada – Sumo: El rugido primitivo de una leyenda


Disco de la semana 428: Corpiños en la madrugada – Sumo: El rugido primitivo de una leyenda  

"En Argentina me curé, me salvé y me cagué de hambre... pero fui feliz." 
— Luca Prodan 

No hay forma de hablar de Corpiños en la madrugada sin hablar de ruido, caos y verdad cruda. Este disco no es un álbum en el sentido tradicional, sino una excavación arqueológica en el ADN de Sumo, una colección de grabaciones en bruto (1983-1984) que capturan el momento exacto en que una banda dejó de ser un proyecto de borrachos y se convirtió en un huracán.  

Publicado en 1992, cinco años después de la muerte de Luca Prodan, el disco funciona como un mensaje en una botella lanzado desde el under porteño. No hay producción pulida, ni hits radiofónicos: solo la esencia de Sumo antes de que el mito los devorara.  

Luca Prodan: El extranjero que reinventó el rock argentino

La historia de Sumo empieza con un italiano escapando de sí mismo. Luca Prodan, nacido en Roma, criado en Escocia y devorado por la heroína en Londres, llegó a Argentina en 1980 casi por casualidad. Un amigo le escribió: "Venite a las sierras de Córdoba, acá te desintoxicás". Lo que encontró fue un país gris, recién salido de la dictadura, pero con una energía subterránea que lo electrizó.  

En Buenos Aires, Prodan formó Sumo con un grupo de inadaptados brillantes:  
- Germán Daffunchio (guitarra), el cerebro musical.  
- Alejandro Sokol (bajo), luego reemplazado por Diego Arnedo.  
- Stephanie Nuttal (batería), una inglesa que añadió ritmos post-punk.  
- Roberto Pettinato (saxo), el caos personificado.  

No sonaban a nada de la escena local. Eran punk, pero con reggae. Eran rock, pero con jazz. Eran británicos, pero cantaban en porteño. Y, sobre todo, no pedían permiso.  

Corpiños en la madrugada: El disco que no debería existir

Este álbum es un fantasma. Grabaciones de ensayos, recitales en bares mugrientos (Café Einstein, Parakultural), demos hechas en casetes desgastados. No fue pensado como un disco, sino como un acto de resistencia: la familia de Luca y sus excompañeros lo rescataron para demostrar que Sumo no nació grande, se hizo a los golpes.  

¿Por qué el nombre?
La leyenda cuenta que en un recital, unas mujeres les tiraron corpiños (sosten) al escenario. Luca, en vez de sonrojarse, lo celebró: "Esto es rock and roll, che". El título captura esa mezcla de provocación, sexo y arte sucio.  

Canciones: Un viaje al corazón del monstruo 

Lado A: La noche que no termina
1. "Night and Day" (5:53)  
   - Un mantra oscuro, con un bajo que parece salido de Joy Division. Luca canta como un borracho filosófico: "Night and day, I think of you...".  

2. "Mejor no hablar (de ciertas cosas)" (5:30)  
   - La versión en crudo del himno que luego popularizarían Los Redondos. Aquí suena más desesperada, como un consejo dado entre resaca y depresión.  

3. "Banderitas y globos" (3:20)  
   - Una crítica social disfrazada de canción bailable. "Todo el mundo feliz, con banderitas y globos..." ¿Ironía o amargura? 

4. "Teléfonos que suenan en piezas vacías / White Trash" (8:46)  
   - El momento más experimental del disco. Empieza como un blues deprimido y estalla en un punk furioso.  

Lado B: Furia y sarcasmo  
1. "Una noche en New York City (La rubia tarada)" (3:37)  
   - El himno definitivo contra la frivolidad. Luca escupe: "Ella quería ser como las de las revistas...".  

2. "Divididos por la felicidad" (4:49)  
   - La canción que le daría nombre a la banda de Arnedo y Daffunchio. Aquí suena más cruda, más punk.  

3. "Quiero dinero" (2:51)  
   - Un middle finger al capitalismo, en menos de tres minutos.  

4. "Fuck You" (1:53)  
   - Puro punk visceral. Luca grita como si le ardiera la garganta.  

5. "Disco Baby Disco (De Be De)" (3:07)  
   - Una burla al disco y a la moda vacía. *"Disco baby, disco de be de..."*  

6. "Heroin" (cover de The Velvet Underground)  
   - La canción más dolorosa. Luca la canta no como un fan, sino como un adicto en recuperación.  

Legado: ¿Por qué importa este disco?

- Es Sumo sin máscaras. No hay estudio, no hay edits, solo la banda en estado salvaje.  
- Es Luca antes del mito. Se lo escucha vivo, imperfecto, humano.  
- Es el sonido del under porteño en los '80: sudor, cerveza y poesía mala.  

Un disco para oyentes, no para fans  

Corpiños en la madrugada no es un álbum para coleccionistas. Es para quienes quieran sentir el rock en las venas. Para quienes prefieran una toma imperfecta con alma, antes que un hit pulido sin sangre.  

Sumo no quería ser famoso. Quería ser libre. Y este disco lo prueba.  
¿Vos ya lo escuchaste? 🚬🎸

Daniel 
Instagram storyboy 

1583.- El Garrotín - Smash

 

La versión de "El Garrotín" del grupo sevillano Smash es probablemente la más arriesgada e innovadora interpretación que se ha hecho del clásico palo flamenco procedente de las comunidades gitanas de Lleida y Barcelona de principios del siglo XX. Tras casi desaparecer en los años treinta, Carmen Amaya lo resucitó ya en la década de los setenta, pero fue la versión de Smash la que le dio la categoría de leyenda del flamenco rock primigenio.

Siendo una pieza que provenía de las estructuras musicales del tango, los Smash lograron llevarla de manera brillante hacia el terreno del rock progresivo y psicodélico. Hablamos de una banda pionera del rock andaluz de los años 70, que logró fusionar la esencia del flamenco con sonidos eléctricos y experimentales, y el mejor ejemplo de su pericia y su osadía es precisamente "El Garrotín", en la que combinaron la intensidad de las guitarras del rock progresivo con el ritmo aflamencado y gitano del poderoso estribillo de la canción.

"El Garrotín" mantiene la estructura rítmica característica del palo flamenco, pero incluye toda la instrumentación de una banda de rock, consiguiendo una pieza de intenso ritmo de guitarras eléctricas, batería y efectos sonoros característicos de la época y del género psicodélico. Pocas canciones han conseguido combinar de manera tan memorable tradición y vanguardia, y por ese motivo "El Garrotín" estará para siempre entre los grandes referentes de la historia del rock andaluz y de la fusión entre el flamenco y el rock.

jueves, 1 de mayo de 2025

1582.- Tu - Umberto Tozzi


Umberto Tozzi (Turín, 4 de marzo de 1952) es un icónico cantautor italiano con una prolífica carrera que abarca más de cinco décadas. Desde sus inicios en la década de 1970, Tozzi se ha consolidado como una de las voces más reconocibles y queridas de la música pop italiana e internacional. Comenzó su trayectoria musical formando parte de varios grupos locales antes de lanzar su carrera en solitario. Su gran oportunidad llegó con la canción "Ti amo" (1977), un éxito masivo que lo catapultó a la fama mundial y se convirtió en un himno romántico atemporal. A este le siguieron otros éxitos como "Tu" (1978) y "Gloria" (1979), canciones que consolidaron su posición en la escena musical. A lo largo de su carrera, Tozzi ha publicado numerosos álbumes de estudio, muchos de los cuales han obtenido certificaciones de oro y platino. Su estilo musical se caracteriza por melodías pegadizas, letras sentimentales y una voz potente y emotiva. Ha colaborado con importantes artistas y ha participado en festivales de la canción de San Remo, dejando siempre una huella imborrable.

"Tu" fue uno de los estandartes de Umberto Tozzi, una canción que destila una sencillez lírica, aunque esta centrada en la intensidad de un amor posesivo y absorbente. Desde los primeros acordes, la melodía melancólica y envolvente nos introduce en un universo de emociones ayudada por la voz apasionada de Tozzi que transmite una mezcla de adoración y una cierta dependencia hacia la persona amada, un sentimiento que, aunque pueda interpretarse de diversas maneras, en la  audiencia de aquellos años era sinónimo de entrega total en el amor.  La letra, escrita por Giancarlo Bigazzi, se construye sobre la repetición insistente del pronombre "tu" (tú), enfatizando la centralidad absoluta de la persona amada en la vida del cantante. Cada verso parece orbitar alrededor de esta figura femenina idealizada, convirtiéndose en el eje de su existencia. Frases como "Tu, solamente tu" o "Tu, sei tutto quello che voglio" (Tú, solamente tú / Tú, eres todo lo que quiero) no dejan lugar a dudas de la obsesion. Pero la canción tambien explora la idea de un amor que lo consume todo, donde la presencia de la otra persona se convierte en la razón de ser. Es un amor que idealiza y que, en su intensidad, puede rozar la obsesión. La instrumentación, aunque sencilla, juega un papel crucial en la creación de la atmósfera emotiva de la canción. El éxito de "Tu" fue masivo, no solo en Italia sino también en España y Latinoamérica, donde la sensibilidad romántica de la canción encontró un terreno fértil. La potencia de la voz de Tozzi, combinada con la letra directa y el ritmo melódico, la convirtieron en una de las canciones más emblemáticas de su repertorio y en un referente de la balada romántica en español.


miércoles, 30 de abril de 2025

1581.- Running on empty - Jackson Browne

El mito del estrellato del rock ha evolucionado a lo largo de las décadas, pero existen algunas señas de identidad que definen lo que uno imagina como la experiencia de ser una estrella de rock. Hasta el día de hoy, el estrellato de cualquier tipo, está inevitablemente ligado a una vida en la carretera, viajando de ciudad en ciudad en un estado de perpetua transitoriedad para ofrecer conciertos a sus fieles seguidores, ya sean decenas o miles. Es tan omnipresente que ha sido el tema de más de una canción a lo largo de las décadas, y fue una idea tan cautivadora que Jackson Browne decidió escribir un álbum entero sobre el concepto.


La carrera de Browne merece cierta consideración al observar exactamente cómo llegó a hacer Running on Empty , el álbum que se convertiría en su mayor éxito y definiría su trabajo en los años 70. La destreza de Browne como compositor era bastante evidente desde una edad temprana, pero su trabajo a menudo veía la luz del día a través de las voces de otros. Incluso cuando su carrera en solitario comenzó en serio y logró un éxito en las listas con "Doctor My Eyes", en 1977 su canción más conocida probablemente era "Take It Easy", que la mayoría de los oyentes hasta el día de hoy asocian con los Eagles en lugar de Browne. Todo esto quiere decir que, si bien Browne ciertamente estaba familiarizado con el estilo de vida de las estrellas de rock, uno tiene la sensación de que, durante la mayor parte de su carrera, estaba afuera mirando hacia adentro. Sería exagerado llamarlo un artista de culto en la época del lanzamiento de Empty, pero no era una superestrella que llenara estadios. Hay poco o nada de brillo o glamour en esta vida, y eso es especialmente cierto en Running on Empty, a lo largo de la cancion, Browne desvela el telón en un intento de dar a los altibajos de la vida en la carretera el peso dramático que él cree que merecen, su letra retratan a un orador que sigue adelante a pesar de estar completamente agotado, y ha estado haciendo esto durante tanto tiempo que no recuerda por qué se embarcó en este camino para empezar. Nos quedamos con un narrador en una situación abatida, una persona obligada a seguir viviendo una existencia sin amarras porque es la única que conoce. Sin embargo, esa no es la sensación que tienes cuando escuchas "Running on Empty". En cambio, te recibe un ritmo impulsor que persiste a lo largo de la canción, acompañado por la guitarra principal abrasadora de Danny Kortchmar y un coro de puños bombeados. Este es el acto de equilibrio que Browne intenta a lo largo de todo su álbum, Aborda temas complejos a lo largo del álbum y parece intentar explorar sinceramente estos sentimientos de agotamiento y desánimo, pero también presta atención a la radio. Al menos, así lo perciben algunos; las retrospectivas de Running on Empty lo han calificado como el disco más populista de Browne y, por extensión, el menos ambicioso, pero el objetivo de Browne, es una inclinación populista para que Running on Empty funcione como pieza, y eso no la hace menos ambiciosa. Más bien, forma parte del objetivo de Browne incorporar al público como participante activo. 


lunes, 28 de abril de 2025

1580.- Cheree - Suicide

 

Cheree, Suicide


     En la escena punk neoyorquina de los años 70, donde el CBGB era el epicentro de la rebeldía sonora, emergió Cheree, una canción del dúo electrónico Suicide, que desafió las convenciones del rock y sentó las bases para géneros como el synth-punk, el post-punk y la música electrónica. Lanzada como sencillo en mayo de 1978 por el sello discográfico Bronze Records, la canción es una pieza clave del álbum debut homónimo de la banda, Suicide (1977), producido por Craig Leon y Marty Thau. Escrita por el dúo que conformaba la banda, Alan Vega y Martin Rev, la canción combina letras románticas con un sonido hipnótico y crudo. 

Suicide, formado por Alan Vega (vocalista) y Martin Rev (sintetizador y caja de ritmos) en 1970, no encajaba en el molde tradicional del punk. Mientras bandas como Ramones o Television apostaban por guitarras crudas, Suicide optó por una instrumentación electrónica minimalista, con Rev creando ritmos sonoros a partir de sintetizadores y ritmos repetitivos, y Vega entregando matices vocales que evocaban a Elvis Presley y Gene Vincent. La canción fue grabada en cuatro días en los Ultima Sound Studios de Nueva York. El disco se convertiría en un hito que sentaría las bases para sonidos como el post-punk, el synth-pop y el rock industrial.

La canción es capaz de reflejar la dualidad de Suicide: por un lado, una sensibilidad pop inspirada en el rock de los años 50; por otro, una actitud confrontacional que los alineaba con la escena punk. Vega, quien comenzó como artista visual bajo el nombre Alan Suicide, fue capaz de canalizar su fascinación por el rock’n’roll clásico en las letras de canciones como la que nos ocupa, mientras Rev construyó alrededor de esas letras una atmósfera etérea con su sintetizador. El resultado es una pieza que desafió los sonidos que imperaban en la época. En cuanto a la letra, estamos ante una sencilla declaración de amor impregnada de imaginería romántica y un toque de fantasía. Su estructura repetitiva y su producción austera anticiparon el auge del synth-pop y la música electrónica de los 80. A pesar de su impacto posterior, Cheree y el álbum Suicide no lograron éxito comercial en su lanzamiento. En Estados Unidos, la crítica fue despiadada, y el sencillo no entró en las listas. Sin embargo, en el Reino Unido, donde el punk estaba en auge, la prensa fue más receptiva. Con el tiempo la canción se convirtió en un referente cultural, y la banda influyó en bandas como Depeche Mode, Sonic YouthLCD Soundsystem, Ladytron, Perfume Genius o Sleaford Mods.

1579.- Mannequin - Wire


Mannequin, Wire



     Mannequin fue lanzada en 1977 como parte del álbum debut Pink Flag de la banda británica Wire. La canción se convirtió en una de las piezas más emblemáticas del punk rock y el art punk de finales de los setenta. Wire se formó en 1976 en Londres y es considerada pionera del post-punk y el art punk por su sonido y sus letras oscuras y una postura situacionista que desafiaba las convenciones del punk tradicional. 
La canción, con una simplicidad musical, contiene una feroz y mordaz crítica a la superficialidad, lo que hizo que se convirtiera en un estandarte en la discografía de Wire y en la historia del rock alternativo.

Wire, conformada originalmente por Colin Newman (voz y guitarra), Graham Lewis (bajo y coros), Bruce Gilbert (guitarra) y Robert Grey (batería), surgió en el apogeo del punk londinense, pero se distinguió por su enfoque experimental y su rechazo a los clichés del género. La banda se inspiró en figuras como los Ramones, Brian Eno, Kraftwerk y David Bowie, lo que les permitió crear un sonido mínimo pero con estructuras poco ortodoxas. Pink Flag, su álbum debut, es a menudo citado como uno de los más originales de la primera ola del punk británico, y Mannequin refleja esta innovación al combinar la energía cruda del punk con una sensibilidad artística que presagiaría el post-punk. Las canciones de Pink Flag se distinguen por su diversidad, estilo y sentido del humor, y Mannequin, en particular, se distingue por su capacidad de transmitir una crítica social en un formato compacto y visceral. La producción, a cargo de Mike Thorne, mantiene la crudeza del punk mientras permite que los detalles melódicos y rítmicos resalten, una característica que Wire perfeccionaría en álbumes posteriores como Chairs Missing (1978).

Las letras, escritas por Graham Lewis, son un ataque directo a la superficialidad y la falta de autenticidad. La canción describe a una persona vacía, comparada con un maniquí que carece de “gracia natural” y es un “desperdicio de espacio”. Este retrato también puede interpretarse más allá de lo personal, puede interpretarse como una crítica más amplia a la sociedad de consumo y la obsesión por las apariencias, un tema recurrente en el punk y el post-punk. Pink Flag marcó un antes y un después en el punk, y Mannequin es un testimonio de cómo Wire, con mínimos recursos fue capaz de crear un impacto máximo, logrando trascender las limitaciones del género.

domingo, 27 de abril de 2025

Vengo del placard del otro (2002) - Divididos (Mes Divididos)

 

Vengo del placard del otro, Divididos


     En el invierno de 2002, cuando Argentina se tambaleaba en una de las peores crisis económicas y sociales de su historia, Divididos lanzó un disco que además de capturar las actitudes, creencias y valores de una era en una nación fracutrada como la argentina, también redefinió los límites del rock argentino. Vengo del placard de otro, el séptimo álbum de estudio de Divididos, llegó como un grito visceral que mezclaba la rabia, la ironía y la diversidad sonora con una potencia que solo “La Aplanadora del Rock”, como se le conocía a Divididos, podía desatar. Este álbum fue todo un manifiesto, un espejo roto que reflejaba las heridas de un país y, al mismo tiempo, un testimonio de la resiliencia de sus creadores: Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Jorge Araujo. El álbum, grabado en los estudios Del abasto de Buenos Aires, Argentina, se compone de 14 viscerales canciones.

Para entender el álbum tenemos que entender el contexto. Argentina, en 2001 y 2002, estaba sumida en el caos: el corralito bancario, la devaluación del peso, la renuncia de Fernando de la Rúa y una sucesión de cinco presidentes en una semana habían dejado a la sociedad en un estado de shock. La pobreza se disparaba, las calles hervían de protestas, y la confianza en las instituciones se desmoronaba. En medio de este vendaval, Divididos, liderados por la guitarra filosa de Ricardo Mollo y el bajo profundo de Diego Arnedo, decidió no mirar hacia otro lado y plantar cara. Sobre este disco, Ricardo Mollo afirmó en una entrevista de la época: “Es el disco de las ganas, si bien estamos viviendo una crisis social muy fuerte, esto fue hecho por el entusiasmo de personas que quieren seguir haciendo las cosas con ganas”. Este entusiasmo, quedo refeljado en un trabajo que estaba impregnado de una ironía mordaz y una conciencia aguda de la realidad.
El título del álbum, Vengo del placard de otro, es en sí mismo una declaración muy críptica, como tantas letras de la banda. 


La portada, con una morcilla en primer plano, refuerza esta idea. “La morcilla es un poco como el moretón argentino”, explicaron los músicos, aludiendo a los golpes que el país había recibido. Pero lejos de ser un lamento, el disco es una celebración de la diversidad, un collage sonoro que abraza el rock, el funk, el folklore, el pop y hasta un villancico deforme, demostrando que, incluso en momentos de adversidad, la creatividad puede florecer. La aplanadora del rock, fieles a su nombre, encontraron en la diversidad su mayor fortaleza. Como señaló el periodista Tom Lupo, citado por la banda: “Divididos venía de diversidad. Y éste es nuestro disco más diverso y, por ende, el más Divididos de todos”. Este álbum no se conformó con el sonido crudo y potente que había caracterizado trabajos anteriores como Acariciando lo áspero o Narigón del siglo. Aquí, la banda experimentó con una amplia y variada paleta de sonidos, incorporando desde una sección orquestal con doce violines, cuatro chelos, fagot, corno y flautas hasta instrumentos como el udu, el cajón y la pandereta.

El trío argentino se encontraba su apogeo creativo. Este fue el último álbum de estudio con Araujo, quien dejó la banda en 2004, y su aporte es innegable. Su versatilidad en la percusión, desde los ritmos funk de Miente el after hour hasta los toques folklóricos de Guanuqueando, es un pilar del disco. Mollo, por su parte, consolidó su evolución vocal, alejándose del tono más crudo de los noventa para explorar matices más melódicos, mientras que Arnedo aportó no solo su bajo inconfundible, sino también coros y arreglos que enriquecieron la textura del álbum. La producción, a cargo del ingeniero Álvaro Villagra, fue fundamental para capturar la ambición sonora del proyecto. Grabado casi íntegramente en los estudios Del Abasto al Pasto, el disco suena pulido pero crudo, un equilibrio que permite que la energía de Divididos brille sin perder su filo. La incorporación de instrumentos poco convencionales y una sección orquestal en temas como Puertas añadió una riqueza y una dimensión cinematográfica, algo que la banda no había explorado con tanta profundidad en trabajos anteriores.



Vengo del placard de otro
no solo fue un éxito crítico y comercial en su momento, sino que su relevancia ha crecido con los años, Con canciones como Cajita musical, que abre el disco. Este tema
se convirtió en el primer corte de difusión. De la canción se realizó un videoclip dirigido por Nahuel Lerena, que además contó con la participación especial de Alberto “Superman” Troglio, exbaterista de Sumo; Villancico Del Horror, uno de lo momentos cumbres del álbum. La canción, con su tono sarcástico, repasa los eventos traumáticos de diciembre de 2001. La letra, con referencias al corralito y la represión, es un puñal disfrazado de villancico, un recordatorio de que el humor puede ser un arma poderosa frente a la tragedia. Diego Arnedo lo resumió perfectamente: “En el disco hay una muestra de lo tragicómico de la sociedad argentina. Desde la ironía, desde el humor y desde lo drástico también”; Despiértate Nena, otro guiño a las raíces argentinas con este cover de Luis Alberto Spinetta y su banda Pescado Rabioso. La aplanadora del rock toma este clásico del rock nacional y lo transforma en un rabioso tema, con la guitarra de Mollo desatando una tormenta que rinde homenaje a Spinetta; O el cierre del disco, la versión del Guanuqueando, todo un homenaje al folklorista jujeño Ricardo Vilca, cuya composición, grabada en vivo en El Pucará de Tilcara en agosto de 2000 junto al compositor, músico y maestro rural argentino Vilca como invitado, es un viaje al norte argentino, una conexión con la tierra que contrasta con la urbanidad caótica de las otras canciones. La inclusión de este tema, grabado fuera del estudio subraya el compromiso de la banda con el folklore, un género que siempre han abrazado con respeto y creatividad.

La frase Vengo del placard del otro puede interpretarse como una metáfora de vivir bajo la sombra de otra persona, de no ser auténtico con uno mismo, escondiéndose detrás de una identidad que a uno no le pertenece. Esto es algo que desde luego no hizo el trío argentino, que lejos de escondese, decidieron tirar la puerta abajo para expresar toda la rabia y sentimiento de un país sumido en una grave crisis, y un pueblo desencantado y desmotivado por la clase política del país.

1578.- Cocaine - Eric Clapton

 


"Cocaine" es una de las canciones más conocidas del rock, lanzada en la versión de Eric Clapton en 1977 como parte del álbum Slowhand, pero escrita originalmente por J.J. Cale en 1976, que grabó también ese año su propia versión de un tema que aborda sin tapujos el tema de la adicción a las drogas y sus consecuencias ("Si quieres caer bajo, cae bajo hasta el suelo, cocaína"), y que ha generado tanta controversia por su temática como admiración por sus bondades musicales.

La versión de Eric Clapton, no muy diferente de la original, fue la que logró la repercusión mediática y la popularidad que la canción aún tiene hoy en día. Clapton mantuvo la sencilla y constante estructura rítmica del tema de J.J. Cale, basada principalmente en un distintivo riff de guitarra de blues rock que frena seco al llegar al brece estribillo. La producción de Glynn Johns captura la esencia del sonido de J.J. Cale y lo adapta a la mayor luminosidad interpretativa de Clapton, que aporta además una mayor autenticidad en el mensaje a través de la voz.

El gran éxito de la canción de Cale, y en concreto de la versión de Clapton, quizá no habría sido el mismo sin el contexto histórico y cultural en el que "Cocaine" vio la luz. con una industria musical de los setenta en el que la cocaína y otras muchas sustancias estupefacientes corrían como la pólvora en los estudios de grabación. El propio Eric Clapton luchó durante años contra su adicción a la cocaína, por lo que la grabación de este tema y el mensaje que transmitía fueron muestras de una gran sinceridad y autenticidad, además de un reconocimiento a la figura de J.J. Cale, al que admiraba por su talento compositivo y del que conocía también que atravesaba por problemas similares 

sábado, 26 de abril de 2025

1577.- Night Fever - The Bee Gees


 

"Night Fever" es una de las canciones más emblemáticas de The Bee Gees, lanzada en 1977 como parte de la banda sonora de la célebre película "Saturday Night Fever" protagonizada por John Travolta. Esta canción, junto con otros éxitos del grupo, fue una de las artífices del apogeo de la música disco de finales de los años setenta y primeros de los años ochenta, y se convirtió en un himno del género, capturando como ninguna otra la esencia de la música disco con su ritmo contagioso y su pegadiza melodía.

El falsete marca de la casa, a cargo de Barry Gibb, apoyado por los coros de sus hermanos, es el ingrediente que completa la poderosa mezcla de ritmo y melodía bailable de "Night Fever", combinado todo ello en una cuidada y efectiva producción que deja espacio para cada instrumento, en un mosaico sonoro perfectamente hilado con la poderosa base rítmica de la guitarra y el bajo.

La letra engarza con la temática de baile y de fiesta nocturna de la película, convirtiéndose en una especie de tráiler o resumen sonoro de la misma, y podría decirse que, más allá de sus virtudes cinematográficas, la razón por la que el film es tan recordado no es otra que la mítica escena de Travolta bailando al ritmo de "Night Fever" y la amplia repercusión y la atemporalidad de este intenso y pegadizo tema de los hermanos Gibb, que dejaron atrás su período de banda acústica y melancólica para convertirse en los auténticos reyes de las pistas de baile.

viernes, 25 de abril de 2025

Disco de la semana 427: Love Deluxe - Sade






Love Deluxe es absolutamente hipnótico, esta experiencia es absolutamente impresionante te hace llorar al darte cuenta de lo influyente y bello que es todo. Puedes decir que la voz de Sade es muy unidimensional si quieres, para mí es perfecta para enredarse con los instrumentos y con un álbum tan entrelazado con paisajes sonoros y estructuras de canciones minimalistas, todo se siente mucho más intenso de lo que es, especialmente una vez que te pierdes por completo en su mar musical. La entrega vocal de Sade es relajante y, a veces, aporta variación a los instrumentales con una repetición más poderosa de los pasajes líricos presentes, gran parte de su lirismo es fantástico, y nada de lo minimalistas que sean sus letras les resta fuerza a sus mensajes. Tomemos "Feel No Pain", por ejemplo. Sade no necesita decir mucho para transmitir un mensaje contundente sobre tomar las riendas y esforzarse por forjar un camino en la vida. Siempre luchando por seguir adelante. Un mensaje que no se escucha a mucha gente hoy en día. Ya sea hablando de amor o dando consejos, lo que dice son cosas que me encanta escuchar. ¿Cómo explicar todos los sentimientos y cosas que este hermoso álbum me hizo sentir? Tantas cosas hermosas a la vez, el simple hecho de descubrirlo me cautivó, en mi corazón, siento que el amor esta escondido, adormecido pero este álbum me hizo creer de nuevo en el amor, creer de nuevo en que puede haber una persona con quien compartir esos gustos. Todo en este álbum es excepcional, la voz de esta Diosa es como la de un ángel. ¿Y saben cómo me enamoré de este álbum? Siendo yo el chico y ella mi ángel, quien me canta con su tierna y dulce voz, me volví inofensivo y vulnerable al escucharlo, con esas voces y piezas instrumentales de jazz.

El álbum empieza fuerte, con No Ordinary Love, pagaría por escucharla por primera vez, la canción realmente te intriga por lo que el álbum podría ofrecer más que este tema de soul suave con algunas de las mejores voces que jamás escucharás. La canción expresa el sentimiento de la artista sobre su relación actual y para mí se siente como si se estuviera arriesgando por completo y se enamorara profundamente. La canción se convirtió en el mayor éxito de Sade junto con las famosas Smooth operator , Hang on to your love y Paradise. La obra maestra de 7 minutos de duración que penetra tu mente y tu alma, si la escucho empiezo a sentirme fuera de este mundo, me hundo en esas aguas donde Sade nadó en el video, cada vez que la escucho, deseo que la canción nunca terminara. Es tan emotiva, tan íntima y etérea que mientras la escuchas, de alguna manera vives con esta canción en un vacío separado donde solo estás tú y tus sentimientos. Cada canción de este disco transmite un mensaje importante y relevante. La primera una dulce canción que habla de un amor único, natural e intenso que podemos sentir cuando estamos enamorados. Feel No Pain es irónicamente una canción para sentirse bien con un profundo mensaje detrás sobre la depresión, los malos tiempos económicos, la lucha por conseguir un trabajo, la procrastinación y la baja motivación. La vibra suave lo-fi de la misma puede hacer que ignores la letra y el profundo significado detrás de ella, una hermosa canción que habla del dolor que sentimos en diferentes momentos, como cuando despiden a una madre o un padre, el estribillo parece implorar a Dios por las personas que tienen una vida difícil y no quieren sonreír ante un trabajo estable. Un ejemplo típico de una canción relajante de medio tiempo de Sade que infunde ternura, paz y amor. La forma en que canta y particularmente su “whyy, whyy, whyy” es un placer tan grande para mis oídos, que mis ojos se cierran y mi mente comienza a imaginar cosas irreales. 

I Couldn't Love You More sirve como una continuación de No Ordinary Love, una secuela de la misma, con la artista romantizando su relación cada vez más y enamorándose más profundamente del que ella llama chico, una declaración de amor y devoción a su pareja. Sade expresa que, aunque el tiempo se agotara, no podría amar a su pareja más de lo que lo hace ahora. Insta a su pareja a acompañarla y ser su único amor, y declara que no querría acostarse ni amar con nadie más. Sade contempla que, incluso si todos en el mundo le dieran lo que quiere, no querría más de lo que tiene con su pareja, le pide que se quede tal como está, enfatizando que no podría amarlo más de lo que ya lo ama. El amor es un sentimiento muy hermoso, te lo dice ella misma. Like a Tattoo tiene un tono más oscuro, cuenta una historia real basada en la historia que le contó un desconocido que Sade conoció hace años una noche en un bar de Nueva York, en esa historia refleja su culpa y vergüenza por haber cometido un crimen de guerra. A lo largo de la canción, nos enteramos de que disparó y mató a un hombre que tenía las manos en alto en señal de rendición, un acto que también pudo haber presenciado una mujer importante en la vida de la víctima. Pero a pesar del atroz acto del soldado, la intensidad de su arrepentimiento solo es posible gracias a la empatía presente en su corazón: su amor por la humanidad. Al principio, no entendía el significado de la canción y no presté atención a los detalles, pero después de leer la letra y profundizar en ella, poco a poco me fue gustando, y puedo decir que es de mis favoritas. Una balada acústica, triste y conmovedora, compuesta, básicamente, por dos acordes. 

La siguiente canción, Kiss of Life mezcla toda esta atmósfera triste, es muy cálida, melódica y primaveral, incluso alegre de alguna manera. Todas las asociaciones se dan con el comienzo de la primavera, cuando los pájaros cantan, la nieve se derrite y las primeras flores aparecen bajo el sol brillante. Esta canción captura esos preciosos sentimientos de una relación, la intensidad y el amor que se siente en cada verso. Es tan humano y natural. Lo que escuchas es como se escucha a una mujer realmente enamorada, y con esos matices de jazz, hermano, déjame sola en el sistema solar, quiero llorar. Cherish the day es indiscutiblemente un tesoro de Sade, tan atmosférica, tan llena de desesperación y soledad. Una canción de amor más, suave y conmovedora, para su colección definitiva y aunque el 99% de su material son canciones de amor conmovedoras, está por encima de todas las demas. Me encantan particularmente los sintetizadores de fondo, esto es exactamente lo que hace que la canción sea tan buena, al escucharla, uno puede sentirla volar hacia el cielo. Algo similar se muestra en el video de la canción. Ella, de pie en la cima de un rascacielos, en blanco y negro, con el aspecto de una diosa. Me encanta Pearls, quizás es la más significativa del álbum. Trata sobre la lucha de las personas nacidas en lugares donde es difícil vivir, poniendo como ejemplo a una mujer de Somalia que lucha por ganarse la vida para ella y su hija. Una voz increíble, especialmente cuando Sade grita “¡Aleluya!”. Además, en el estribillo, “the stone in my heart” refleja la empatía que Sade siente por personas como ella. Bullet Proof Soul es el final de la historia de amor que se extiende a lo largo del álbum. Tras ser abandonada por su amado y no ser correspondida, sigue adelante con más fuerza que nunca, describiendo que llegó como un “cordero” y que “tiene la intención de partir como un león”. El increíble saxofón, la voz y la letra de esta canción la convierten en una pieza destacada del LP. Sade explora las profundidades del amor y el dolor que a menudo lo acompaña, la letra incide en una relación donde el amor profundo y verdadero no fue suficiente para mantener la unión, resaltando la decepción y el desamor. Sade usa metáforas relacionadas con la violencia y la protección para expresar la intensidad de los sentimientos involucrados y la necesidad de fortaleza emocional ante el desamor. El outro instrumental Mermaid, es una gran canción soul de piano y saxofón, nos deja pensando en las historias que hemos escuchado a lo largo del álbum, como el outro de una serie de televisión, se siente frío y distante, no sé cómo describirlo, es increíble.

Disfrutar de este maravilloso disco te transporta a sensaciones muy placenteras. Se puede sentir una asombrosa transformación de estados de ánimo: notas de tristeza, seguidas de un elegante coro, transmiten una gran emoción. Literalmente te reconforta. Supongo que eso es lo que se suele llamar "música soul", quizá no puramente soul en términos musicales, sino desde el punto de vista de las emociones que se pueden experimentar. Sade es una artista única con una personalidad única y una voz excepcional. Cada disco de ella es genial. Quizás "Love Deluxe" sea demasiado bueno, demasiado hermoso, demasiado profundo, demasiado íntimo. Todo lo que uno puede sentir estando enamorado se encuentra aquí, transformado en música. Unas palabras sobre la música en sí: el disco es una maravillosa mezcla de pop, soul y jazz, donde cada sonido encaja con otro como un rompecabezas. Los arreglos son geniales: líneas de guitarra increíbles, sintetizadores atmosféricos y ese saxofón que te deja sin aliento. Sin contar las voces y el ritmo sensual y bailable. Este álbum es perfecto para escuchar en invierno en un ambiente hogareño con una botella de vino y tu novia/mujer, porque es tan romántico y elevado que me faltan las palabras para describir esta sensación. Siendo sincero, no hay tantos discos que se te queden grabados en la cabeza como este. ¿Por qué? Es muy sencillo. Cualquiera sabe tocar la guitarra, pero pocos pueden presentar una canción de tal manera que luego pienses en ella todo el tiempo y la guardes en la cabeza como si fuera un milagro. Espero que me entiendas. Todo gracias a su talento. El talento de una chica nigeriana para cantar.

 

P.D.- Se sabe que Sade conoció a un hombre durante su gira por España, que pareció cambiarle la vida. Pero rompieron tiempo después, dejando una profunda huella en sus corazones. Nadie dudaría, y yo mismo estoy convencido, de que este hecho definitivamente se reflejó en sus canciones. ¿Cómo no? El amor es tan fuerte como para cambiar la vida de las personas y manipularlas de cualquier manera posible. ¿Y qué tan fuerte debe ser para inspirar a alguien a crear música tan emotiva?


1576.- More than a woman - Bee Gees


Aunque los Bee Gees se han consolidado como uno de los grupos musicales más populares de la historia, con ventas estimadas de más de 200 millones de discos en todo el mundo, sus éxitos disco llegaron en un momento en que la banda pasaba por momentos difíciles, el sonido de los Bee Gees estaba prácticamente agotado y necesitaban algo nuevo. El mánager de la banda, Robert Stigwood, compró los derechos cinematográficos de un artículo de revista titulado "Ritos tribales del nuevo sábado por la noche" y contrató a John Travolta para protagonizar una adaptación hollywoodense. "Al principio, los Bee Gees ni siquiera participaban en la película", dijo Travolta en una ocasión. "Bailaba con Stevie Wonder en los ensayos". Cuando Stigwood tuvo problemas con la música de Wonder, llamó a los Bee Gees, que entonces vivían en la Isla de Man por motivos fiscales, y les pidió que crearan canciones para la película.

Tras las conversaciones iniciales, Stigwood y Oakes viajaron a Francia para escuchar demos de las cinco canciones. Los Bee Gees comenzaron a grabar en febrero de 1977 en el Château D'Heuroville, con Albhy Galuten como coproductor. Barry Gibb y Galuten trabajaron con esmero en la parte de batería de "More Than a Woman", utilizando finalmente el mismo loop que habían ideado para "Night Fever", que fue coescrita por los tres hermanos, fue uno de los momentos románticos más destacados de la película, proporcionando un conmovedor fondo musical para un baile entre Travolta y su interés amoroso, mientras la emotiva letra de la banda - "Aquí en tus brazos encontré mi paraíso/Mi única oportunidad de felicidad/Y si te pierdo ahora creo que moriría" - suena de fondo.  "More Than a Woman" también se le había cedido a un grupo de R&B/funk llamado Tavares, por lo que la versión de los Bee Gees quedó inconclusa. El estudio cinematográfico decidió entonces que ambas versiones de "More Than a Woman" aparecerían en la banda sonora, así que, en septiembre de 1977, los Bee Gees dieron los últimos toques a su canción en los Estudios Cherokee de Los Ángeles antes de mezclarla. En esa versión final, los Bee Gees reforzaron sus magníficas armonías de falsete con un ritmo disco constante de Maurice Gibb (bajo), Barry Gibb y Alan Kendall (guitarras), Dennis Bryon (batería), Blue Weaver (teclados) y Joe Lala (percusión). También añadieron cuerdas gracias a los arreglos de Wade Marcus. Aunque el sencillo de "More Than a Woman" nunca se lanzó en el Reino Unido ni en Estados Unidos, sí se publicó en Italia. La canción se ha mantenido popular en la era digital, con más de 17 millones de reproducciones solo en el Reino Unido a principios de 2021. La canción, que fue un clásico de las presentaciones en vivo del grupo hasta la muerte de Maurice Gibbs en 2003, también fue versionada por otro trío masculino, la boy band 911, que la llevó al número 2 de las listas de éxitos en 1998. Aunque "More Than a Woman" ocupa un lugar especial en la historia de la música disco, para Maurice Gibb siempre fue simplemente una "hermosa balada" que conmovió al público. ""More Than a Woman" fue una canción que compusimos con resultados inimaginables", dijo. "Tavares tuvo un gran éxito con ella. Fue una de las canciones que hicieron de Fiebre del Sábado Noche un éxito rotundo, y entonces el mundo entero se puso a bailar". En la banda sonora aparecen las dos versiones.


jueves, 24 de abril de 2025

1575.- How Deep Is Your Love - Bee Gees

Fiebre del sábado noche fue un éxito, recaudó más de 100 millones de dólares con un presupuesto de menos de 5 millones, en el floreciente año cinematográfico de 1977, recaudó más que cualquier otra película, salvo Star Wars o Encuentros en la tercera fase, convirtió en estrella a John Travolta, conocido principalmente por interpretar a un niño con aires de Tony Manero, fue nominado al Óscar y protagonizó la película más taquillera de 1978. Pero en términos de impacto cultural, la banda sonora de Fiebre del Sábado Noche posiblemente tuvo un impacto aún mayor que la película el álbum vendió decenas de millones de copias y sigue siendo uno de los 10 álbumes más vendidos de todos los tiempos. Llevó a los Bee Gees, ya en su época imperial, a dominar las listas de éxitos en 1978 a un nivel inaudito, la banda sonora generó cuatro sencillos número 1, más que cualquier otro álbum hasta entonces. Curiosamente, el primero de esos sencillos número 1 no es una de las canciones más icónicas. Es la balada de los créditos finales. Travolta ni siquiera baila la canción en la película.

Cuando escuchamos por primera vez "How Deep Is Your Love" en Fiebre del sábado noche, Tony Manero acaba de pasar una noche terrible. Está golpeado, aislado y deprimido, la policía ha rescatado el cadáver de su amigo Bobby C del agua bajo el puente Verrazano. Tony, sin saber qué hacer, se ha subido al metro y se ha ido a Manhattan para ver a la chica a la que acaba de intentar violar esa misma noche. Aquí suena "How Deep Is Your Love" para el montaje del tren. Unos minutos después, Tony encuentra a la chica en su apartamento y le pregunta si pueden ser amigos, probablemente sea una mala idea, pero ella acepta, y tenemos algo que, si entrecierras los ojos, casi parece un final feliz. Suena de nuevo "How Deep Is Your Love". Tony no está enamorado de Stephanie, la chica a la que ha ido a buscar, aunque podría estar enamorado de la vida mejor y más sofisticada que ella ha llegado a representar para él. Ella, desde luego, no está enamorada de él, pero en ese momento, de todos modos, tenemos una canción de amor. Es extraño.

Stigwood acertó. Lo mejor de "How Deep Is Your Love" son las voces de los Bee Gees. Existe un concepto conocido como armonía de sangre: la idea de que las personas de una misma familia pueden adquirir un tono vocal completamente diferente al cantar juntas. Comparten la misma genética y crecieron cantando juntas, así que algo sobrenatural y místico ocurre cuando sus voces se unen. Los aullidos de helio de los Bee Gees son tan distintivos. No suenan como nadie más, pero todos suenan como los demás. Y cuando cantan todos a la vez, algo encaja. En manos de cualquier otra persona, "How Deep Is Your Love" no destacaría del mismo modo, es una balada cálida y satisfactoria, tipo baile de graduación. Hay unos Fender Rhodes brillantes y un agradable toque disco a medio tiempo. En cuanto a la letra, Barry Gibb interpreta a un chico que se enamora y quiere oír que es real, que ella siente lo mismo que él: "Vivimos en un mundo de tontos/ Destruyéndonos cuando deberían dejarnos ser/ Pertenecemos a ti y a mí". No es ni de lejos la mejor canción de los Bee Gees, pero sus voces la llevan y la impulsan hacia el cielo. 


miércoles, 23 de abril de 2025

1574.- Small Hours - John Martyn

John era un romántico empedernido que cantaba con el corazón; ningún otro artista cantaba con tanta entrega y emoción. La gente se ha enamorado y desenamorado escuchando las canciones más perdurables, mágicas y de profunda sensibilidad que se han cantado a lo largo de sus más de cuarenta años de carrera, nunca se aferró a un sonido probado y donde se manejaba bien, siempre prefirió explorar, experimentar y abrir nuevos caminos. Sus melodías y letras, características de su estilo, son únicas, y su voz, impregnada de placer y dolor, alegría y miedo, amor y odio, expresa emociones como ninguna otra y puede hacer llorar incluso al hombre más fuerte. John Martyn nació como Ian David McGeachy el 11 de septiembre de 1948 en New Malden, Surrey, hijo único de dos cantantes de ópera ligera. Sus padres se separaron y John pasó su infancia en Glasgow, recuerda: «Salías y te mataban a patadas o te consideraban un maricón». John aprendió a tocar la guitarra a los quince años y, al terminar el colegio a los diecisiete, empezó a tocar en algunos clubes de folk locales bajo la tutela de Hamish Imlach, quien lo animó a tocar. John recibió influencias de diversos géneros musicales, incluyendo a Debussy, y pronto comenzó a explorar la música con su guitarra. Davey Graham fue uno de los primeros ídolos de John, al igual que Clive Palmer. En julio de 1968, John tocó en vivo para el programa de radio Night Ride de la BBC y pronto volvería a aparecer en el mismo programa con el lanzamiento de su siguiente álbum, The Tumbler, en diciembre de 1968. El flautista de jazz Harold McNair, que tocó en The Tumbler, se unió a John e interpretó varias canciones, entre ellas Dusty, Hello Train, Flying On Home, Seven Black Roses y The Easy Blues, que aparecería cinco años después en Solid Air. Woodstock fue una gran experiencia para John: «Hendrix vivía prácticamente al lado. Solía llegar todos los jueves en un helicóptero morado, se quedaba el fin de semana y se iba el lunes. Era increíble... un buen chico».

El máximo testimonio del proteico talento musical de Martyn se encuentra en One World , de 1977, un álbum producido por el fundador de Island Records, Chris Blackwell, grabado por Phill Brown (cuyo CV es asombroso, pero para elegir solo algunos nombres: Jimi Hendrix, Rolling Stones, Bob Marley, Pink Floyd, Joni Mitchell, Led Zeppelin, Little Feat, Talk Talk), y con Danny Thompson y Dave Pegg en el bajo, John Stevens y Andy Newmark en la batería, Steve Winwood en todo (pero más notablemente en el sintetizador), Rico en el trombón y el propio Lord Rockingham, Harry Robinson, arreglando las cuerdas. Imaginen una casa casi completamente rodeada de agua, una casa al borde de una gravera abandonada que se había inundado hasta convertirse en un lago. Esta era la casa de Chris Blackwell, donde se grabó One World. Una de las técnicas de grabación de Phill Brown para el álbum, por sugerencia de Blackwell, consistió en instalar un gran sistema de sonido al aire libre y colocar los monitores al otro lado de los establos, apuntando hacia el lago. Luego, usaron dos micrófonos al otro lado de la casa para captar el sonido del sistema de sonido exterior proveniente del lago, y dos más cerca del borde del agua para captar el chapoteo del agua en la orilla, así como el sonido distante y extremadamente ambiental de la guitarra proveniente del sistema de sonido. Fue esta configuración la que capturó las sobrenaturales Small Hours, con voces en vivo y todo, temprano una mañana de julio de 1977. Ola tras ola suave de la guitarra Echoplex de Martyn resuena en tus parlantes mientras un ritmo débil de una caja de ritmos marca el tiempo (súbela, sin embargo, y siente lo que le sucede al sonido del bombo), hasta que, tres minutos después, se cuela la voz de saxofón tenor de Martyn.


martes, 22 de abril de 2025

1573 - ABBA - Take a Chance on Me


1573 - ABBA - Take a Chance on Me

Pocas canciones encapsulan el espíritu optimista y pegadizo del pop de los años setenta como Take a Chance on Me de ABBA. Lanzada en 1978 como el segundo sencillo del álbum ABBA: The Album, la canción se convirtió rápidamente en un éxito mundial y sigue siendo una de las más queridas del repertorio del grupo sueco.

La composición de Take a Chance on Me corrió a cargo del dúo creativo de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, como era habitual en ABBA. La letra y la melodía reflejan la esencia del pop romántico del grupo, con una historia de amor optimista y una estructura musical diseñada para ser irresistible. El título y el estribillo de la canción nacieron a partir de un hábito de Ulvaeus: mientras corría, solía tararear un ritmo similar a "t-k-a chance, t-k-a chance", lo que dio pie a la idea central del tema.

Musicalmente, la canción se caracteriza por un brillante juego vocal. Frida Lyngstad y Agnetha Fältskog lideran la interpretación con armonías perfectas y una energía vibrante. Una de sus particularidades más destacadas es la introducción vocal a capela en la que los coros masculinos repiten "take a chance, take a chance, take a take a chance chance" a modo de ostinato, generando un efecto rítmico dinámico y contagioso. Este recurso fue una de las innovaciones más memorables de la canción y ayudó a hacerla instantáneamente reconocible.

El sencillo fue un éxito comercial impresionante. Alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido y el número tres en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, consolidando aún más el dominio internacional de ABBA en la escena pop. Su atractivo no se limitó solo a su época; ha sido reinterpretada, versionada y utilizada en diversos medios a lo largo de las décadas. Desde su inclusión en la película Mamma Mia! hasta sus múltiples apariciones en programas de televisión y comerciales, Take a Chance on Me ha mantenido su vigencia y continúa atrayendo a nuevas generaciones de oyentes.

La canción representa el sonido característico de ABBA en su máximo esplendor: producción pulida, melodías inolvidables y letras que, aunque sencillas, logran conectar emocionalmente con el público. Además, su interpretación en vivo en los años setenta mostró la capacidad del grupo para reproducir su compleja armonización en el escenario, reforzando su reputación como una banda no solo de estudio, sino también de gran presencia en directo.

A lo largo de los años, Take a Chance on Me se ha mantenido como un himno de optimismo y perseverancia en el amor. Su combinación de alegría, sofisticación musical y energía la convierte en una de las joyas imperecederas de la música pop.

Daniel
Instagram Storyboy

lunes, 21 de abril de 2025

1572 - Eric Clapton - Wonderful Tonight


1572 - Eric Clapton - Wonderful Tonight

Eric Clapton es una de las figuras más influyentes en la historia del rock y el blues, y "Wonderful Tonight" es una de sus composiciones más emblemáticas. Lanzada en 1977 como parte del álbum Slowhand, esta balada se convirtió en un clásico instantáneo, destacando por su simpleza melódica y su profunda carga emocional.

La canción fue escrita por Eric Clapton para su entonces pareja, Pattie Boyd, quien previamente había estado casada con George Harrison. Se dice que Clapton la compuso en una sola noche, mientras esperaba a Boyd para asistir a una fiesta organizada por Paul y Linda McCartney. La letra es un testimonio de amor sincero y admiración, narrando la belleza de un momento cotidiano: ver a su amada arreglarse para salir. La sencillez en la instrumentación y la calidez de la interpretación vocal hacen que el mensaje de la canción resuene de manera íntima y personal con el oyente.

Musicalmente, "Wonderful Tonight" se apoya en una melodía suave y un ritmo pausado que realzan su carácter romántico. La guitarra de Eric Clapton, reconocida por su inconfundible tono y sensibilidad, se desliza con naturalidad a lo largo de la canción, agregando matices de blues sin perder la esencia pop de la pieza. La estructura es minimalista, sin grandes variaciones, pero cada elemento está cuidadosamente colocado para transmitir emoción y ternura.

A lo largo de los años, "Wonderful Tonight" ha sido una de las canciones más queridas del repertorio de Eric Clapton. Ha sido versionada por numerosos artistas y sigue siendo una elección popular en bodas y eventos románticos. Su éxito comercial y su presencia en la cultura popular han reafirmado el talento de Eric Clapton no solo como guitarrista virtuoso, sino también como un compositor capaz de capturar sentimientos universales con letras y melodías atemporales.

Más allá de su historia personal, la canción ha trascendido su contexto original para convertirse en un himno del amor y la admiración. Su permanencia en la memoria colectiva es testimonio de su impacto, y hoy, casi cinco décadas después de su lanzamiento, sigue siendo un referente dentro del cancionero romántico del rock.

Daniel
Instagram Storyboy