Disco de la semana 408: "El Rock de Mi Vida" - Guasones

 

Disco de la semana 408: "El Rock de Mi Vida" - Guasones

"El Rock de Mi Vida" es el disco de la semana de la banda argentina Guasones, lanzado en 2006, un momento en el que la banda ya había logrado establecerse como una de las referentes de la escena del rock argentino de ese momento. Este álbum no solo consolidó su popularidad, sino que también marcó un antes y un después en su evolución musical. Producido por el legendario Pappo Napolitano, el disco combina un sonido maduro con una energía visceral, ofreciendo una experiencia musical que aún hoy resuena como uno de los pilares del rock de los 2000 en Argentina.

Si te interesa el rock argentino, este álbum es imprescindible: combina letras cargadas de emociones, momentos de reflexión profunda y la energía cruda que caracteriza a Guasones. A continuación, exploraremos cada aspecto de este disco, desde su contexto histórico hasta las canciones que lo componen y su impacto en la carrera de la banda.

Guasones se formó en la ciudad de La Plata en Buenos Aires en 1992, una ciudad conocida por ser cuna de grandes bandas argentinas. Desde sus inicios, la banda buscó un sonido que mezclara el rock clásico con el blues, el country y el rock and roll, influenciados por artistas como The Rolling Stones, Bob Dylan y el rock barrial propio de Argentina. Sus primeros años estuvieron marcados por tocar en bares y pequeños escenarios, construyendo una base de fans leal gracias a su autenticidad y cercanía con el público.

La alineación principal incluye a Facundo Soto (voz), Maximiliano Timczyszyn (guitarra), Esteban Monti (bajo) y Damián "Pecho" Celedón (batería). Si bien la banda ya había lanzado tres discos antes de "El Rock de Mi Vida", fue con este álbum que lograron cruzar una barrera importante, llegando a un público más amplio y consolidando su lugar en la historia del rock argentino.

"El Rock de Mi Vida" captura lo mejor de Guasones: un rock sencillo pero poderoso, letras profundas y una producción que resalta cada elemento de la banda. Contar con Pappo Napolitano como productor no solo fue un honor, sino también una garantía de calidad. Pappo aportó un toque crudo y auténtico al álbum, respetando la esencia de la banda mientras potenciaba su sonido.

El disco refleja una mezcla de influencias que van desde el blues y el rock and roll hasta un toque de folk en algunos momentos. Las guitarras son protagonistas, con riffs pegadizos que se quedan grabados en la mente, mientras que la batería y el bajo construyen una base sólida que da vida a las canciones. Por su parte, la voz de Facundo Soto es una de las claves del éxito del álbum: desgarrada, emotiva y llena de matices, logra transmitir cada palabra con una autenticidad que conecta profundamente con el oyente.

El álbum está compuesto por 12 canciones, cada una con su propia historia y personalidad. Aquí un análisis más detallado de cada una:

1. "Reyes de la noche"
   Abre el disco con fuerza y actitud. Este tema es un verdadero himno, con un riff de guitarra inolvidable y una letra que celebra las aventuras nocturnas y el espíritu de camaradería. Es una canción que representa perfectamente la esencia de Guasones: cruda, sincera y contagiosa.

2. "Gracias"
   Una balada conmovedora que destaca por su sensibilidad. Aquí la banda agradece a la vida y a las experiencias que los han llevado hasta donde están. El arreglo musical, sencillo pero potente, permite que la interpretación vocal de Soto brille.

3. "Tan distintos"
   Una reflexión sobre las diferencias entre las personas y las conexiones que nos unen. Con un ritmo cálido y envolvente, esta canción añade una capa de profundidad al álbum.

4. "Todavía"
   Este tema mezcla esperanza y energía. Las guitarras se lucen, y el ritmo pegadizo lo convierte en un track perfecto para disfrutar en vivo.

5. "Pasan las horas"
   Con una atmósfera melancólica, este track aborda el paso del tiempo y las emociones que quedan tras las experiencias vividas. Su tono introspectivo la convierte en una de las canciones más memorables del disco.

6. "Dame"
   Un torbellino de energía rockera que desata el lado más visceral de Guasones. Es un tema perfecto para los amantes del rock clásico, con un riff contundente y una letra apasionada.

7. "Mi caramelo"
   Una canción tierna y sencilla que equilibra melancolía y esperanza. Es un momento de calma dentro del álbum que muestra el lado más vulnerable de la banda.

8. "Sabés"
   Con un tono nostálgico, esta canción explora las conexiones humanas desde una perspectiva íntima y reflexiva.

9. "Te perdí"
   Una de las canciones más emotivas del disco, donde la banda aborda la pérdida con una sinceridad desgarradora. Es un tema que resuena profundamente en el corazón del oyente.

10. "Farmacia"
    Con un ritmo acelerado y letras cargadas de ironía, esta canción habla de las adicciones y cómo enfrentarlas. Es un track que mezcla seriedad con un toque desenfadado.

11. "No llores"
    Una canción esperanzadora que ofrece consuelo y optimismo. Es un respiro positivo dentro del álbum, con una melodía pegadiza y un mensaje alentador.

12. "Arbolito de Navidad"
    Cierra el álbum con una mezcla de melancolía y celebración. Este track encapsula perfectamente el espíritu de "El Rock de Mi Vida", dejando al oyente con una sensación de plenitud.

"El Rock de Mi Vida" no solo marcó un antes y un después para Guasones, sino que también tuvo un impacto significativo en la escena del rock argentino. Canciones como "Reyes de la noche" y "Gracias" se convirtieron rápidamente en clásicos, sonando en radios y en cada concierto de la banda. Este álbum les permitió recorrer todo el país y consolidar una base de fans leal que sigue creciendo hasta el día de hoy.

Además, el disco reflejó una madurez artística que les permitió diferenciarse de otras bandas de la época. Mientras muchas agrupaciones seguían un camino más comercial, Guasones se mantuvo fiel a su esencia, ofreciendo música honesta y auténtica.

"El Rock de Mi Vida" es mucho más que un disco de rock: es una obra que encapsula la esencia de Guasones y su pasión por la música. Cada canción es una pieza única dentro de un conjunto cohesivo que ofrece algo para todos: momentos de pura energía, introspección y emotividad.

Escuchar este álbum es adentrarse en un viaje emocional que captura lo mejor del rock argentino de los 2000. Más de 15 años después de su lanzamiento, sigue siendo un referente imprescindible para los amantes del género. Si buscas música que te haga sentir, reflexionar y disfrutar, "El Rock de Mi Vida" es la elección perfecta. 

Daniel
Instagram storyboy

1443.- I Only Want to Be with You - Bay City Rollers

 

Escrita por Mike Hawker e Ivor Raymonde, "I Only Want to Be with You" fue originalmente un éxito en la voz de la británica Dusty Springfield, en el que fue su single de debut discográfico en 1964, que alcanzó un meritorio cuarto puesto en las listas de ventas del Reino Unido.

Posteriormente, "I Only Want to Be with You" ha sido grabada por multitud de artistas, siendo las versiones de Bay City Rollers (1976) y The Tourists (1979) las que lograron repetir el éxito conseguido años atrás por Dusty Springfield.

De las dos, y solo por cuestión de colores y gustos, nosotros nos quedamos con la versión de Bay City Rollers, que pese a no contar ya con el característico "muro de sonido" de la producción de Phil Spector con el que se construyó la versión de Springfield, consigue mantener la esencia y los ingredientes de una canción que nació para ser un hit en cualquiera de sus formatos y versiones.

Every Picture Tells a Story - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

Every Picture Tells a Story es para mí algo más que el tercer disco de estudio de Rod Stewart, publicado el 28 de mayo en 1971 en Mercury Records, y uno de los mejores discos de su carrera. Es algo más porque, cuando lo encontré en un viejo armario de casa de mis abuelos, junto con una copia del Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Siendo solo un niño, no sabía aún gran cosa de Gilmour y Waters, y aún menos de Rod Stewart, pero sentía ya gran atracción por el formato de música en vinilo, y durante mucho tiempo guardé aquellos discos como oro en paño, junto a mis primeras adquisiciones de discos propios. Y fue por aquellos tiempos cuando cometí el gran error de mi vida de coleccionista de discos, porque en un inexplicable arrebato, un (mal) día me desprendí de Every Picture Tells a Story en una tienda de vinilos de segunda mano.

Con el tiempo, y lamentando aquella absurda decisión, me hice con otra copia en otra tienda de discos, pero como le pasaba a Eric Spitznagel en su libro "En busca de los discos perdidos", en el que se embarcaba en la difícil búsqueda de los discos de su juventud (no otra copia, sino exactamente los que tuvo y en algún momento perdió o vendió) siempre me quedó la sensación de que no era lo mismo. En mi caso, soy consciente de que sería imposible recuperar exactamente el mismo disco, y me consuelo escuchando a su sustituto, y la verdad es que, lógicamente, las canciones suenan igual de bien en mi tocadiscos. Al fin y al cabo, siguen siendo las mismas, y con la misma exitosa mezcla de rock, country, folk y blues que Stewart aplicó al que probablemente sea su mejor obra.

El disco comienza con la canción que le da título, la animada y acústica "Every Picture Tells a Story", con la participación vocal de Maggie Bell, y compuesta a la par por Rod Stewart y Ron Wood, su gran amigo y excompañero en The Faces, que toca la guitarra en varios temas del álbum. De hecho, todos los miembros de The Faces aparecen colaborando en algún momento del disco. Tras este primer momento álgido, es momento para la calma en la melancólica "Seems Like a Long Time", compuesta por Theodore Anderson, en la que la voz de Stewart está acompañada en esta ocasión por Madeline Bell en el estribillo.

Llega después el turno para un par de versiones de clásicos del rock y el blues, empezando por el country blues de "That's All Right / Amazing Grace", una versión del viejo tema de Arthur Crudup, y una canción tradicional estadounidense que fue el primer single publicado por Elvis Presley, y terminando por una revisión del "Tomorrow Is a Long Time", un tema descartado por Bob Dylan para su disco The Freewheelin' Bob Dylan (1963), con el que concluye la cara A de Every Picture Tells a Story.

La cara B comienza con "Henry" que no aparecía en los créditos de algunas de las primeras ediciones del disco, y la verdad no recuerdo si aparecía en aquella copia del armario de mis abuelos,  pero sí que está en el vinilo que me compré después. Este breve pasaje instrumental se omitió también en algunas ediciones en CD, o se incluyó como intro en la misma pista que "Maggie May", el auténtico hit del disco.

"Maggie May" es un tema mítico de la discografía de Rod Stewart, por más que este la considerara inicialmente una canción menor y la publicara como cara B de "(Find a) Reason to Believe", una gran versión de un tema de Tim Hardin de 1966, y el sencillo de lanzamiento de Every Picture Tells a Story. No contaba Stewart con que el público hiciera de "Maggie May" la canción que triunfara de aquel single, llevándola al nº1 de las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, donde fue pinchada en las radios en lugar de la canción principal del single, que dicho sea de paso, es también muy buena. Como lo es "Mandolin Wind", con un estilo tradicional similar al de "Maggie May", con la que conforma un tándem poderoso y uno de los mejores arranques de cara B que se pueden escuchar en un disco.

Every Picture Tells a Story cierra con una impactante versión en clave de blues rock eléctrico y abrasivo del "(I Know) I'm Losing You" de The Temptations, que fue también publicada como single, y la ya mencionada "(Find a) Reason to Believe", que iban a ser las dos canciones estrella del álbum, y a las que "Maggie May" y "Mandolin Wind" adelantaron sorprendentemente por la derecha, para ser las canciones que, con los años, más se recuerdan de un disco que fue nº1 en el Reino Unido durante seis semanas, y durante cuatro en Estados Unidos.

Como dice el título del disco, "cada foto tiene una historia", y la imagen que yo tengo en el recuerdo de Every Picture Tells a Story es la del momento de descubrirlo en aquel armario de mi infancia. Pero esa historia ya os la he contado, así que cierro aquí esta reseña y me voy a escucharlo tranquilamente mientras sigue avanzando el #MesRodStewart y llegan nuevas historias sobre discos de Rod Stewart en 7dias7notas.net

1442.- He'll have to go - Ry Cooder

 

"He'll Have to Go" ("El tendrá que marcharse") es una popular canción de country-pop grabada originalmente por Billy Brown, que apenas logró atención mediática, y versionada por Jim Reeves el 15 de Octubre de 1959. Escrita por la dupla de compositores formada por el matrimonio formado por Joe y Audrey Allison, la canción destaca por la brillante letra sobre un hombre que está hablando por teléfono con la mujer que ama, y durante la conversación se da cuenta de que hay otro hombre con ella.

Su reacción tiene un toque de enorme confianza y arrogancia, y contribuyó en gran medida a que se convirtiera en un gran éxito en Estados Unidos a principios de 1960 ("Pon tus dulces labios un poco más cerca del teléfono / Vamos a fingir que estamos juntos solos / Pediré que bajen el volumen de la máquina de discos / Y puedes decirle a tu amigo que está allí contigo que tendrá que irse").

La versión de Ry Cooder, incluida en su disco de 1976 "Chicken Skin Music" mantiene la brillante letra, y musicalmente le añade un estilo de música de aire mexicano que revitaliza la canción y la hace evolucionar del enfoque country de las múltiples versiones que de "He'll Have to Go" se han grabado a lo largo de los años, entre las que cabría mencionar también la versión que Elvis Presley grabó ese mismo año 1976 en la que sería su última sesión de grabación en un estudio.

Gasoline Alley - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

 

Gasoline Alley, Rod Stewart

     Rod Stewart ha sido una de las figuras más importantes e influyentes de la música desde finales de los años 60. Durante este tiempo, ha formado parte de varios grupos y proyectos importantes, como The Jeff Beck Group y The Faces. Fundamentalmente, la música de Rod se ha desarrollado a partir de una sólida base de rhythm and blues estadounidense. En el álbum de 1970 Gasoline Alley, Rod y su banda cruzaron parcialmente el puente del rhythm and blues a la música folclórica estadounidense de calidad tradicional mediante una combinación de versiones de canciones folclóricas tradicionales y canciones originales excepcionales.

Rod Stewart comenzaba sus andanzas en la música a mediados de los años 60 como miembro de un par de modestas bandas londinenses, Steampacket y Shotgun Express, antes de unirse al proyecto de Jeff Beck junto a éste y a Ron Wood en el llamado Jeff Beck Group. En 1969 daba por finalizada dicha colaboración y se unía al grupo The Faces, anteriormente llamado Small Faces. Dicha banda quedaría integrada por el propio Rod junto a Ronnie Lane, Ian McLagan, Ron Wood y Kenney Jones. A principios de la década de los 70, The Faces ya eran una de las bandas más populares de Gran Bretaña, y Rod stewart, lejos de conformarse y limitarse, seguiría paralelamente su carrera en solitario.

El 12 de junio de 1970 Rod Stewart lanza su segundo álbum de estudio en solitario, Gasoline Alley. El disco es grabado en los Morgan Studios de Londres bajo la producción del propio Rod Stewart y de Lou Reizner, y publicado por el sello disográfico Vertigo Records en Reino Unido y por Mercury Records en Estados Unidos. El disco es una colección de covers combinados con composiciones propias de Rod, contó con importantes colaboraciones musicales de los otros miembos de su banda The Faces, y al igual que su disco debut, incluyó diverso géneros musicales, tales como rock and roll, rhythm and blues, folk rock o el llamado white soul. El disco llegó a alcanzar el puesto 27 en la lista estadounidense Billboard 200, siendo además su primer álbum en entrar en la lista Uk Albums Chart, llegando a ocupar el puesto 62. El disco utilizó la misma fórmula que su primer álbum, el cual no tuvo el éxito esperado. Sin embargo este segundo disco sería mejor recibido tanto en ventas como por la crítica, demostrando que la fórmula de mezclar canciones originales con versiones funcionaba. 

Y uno de los mejores ejemplos es la canción que da título al disco, Gasoline Alley, escrita y compuesta por Rod Stewart y Ron Wood, donde las percusiones suenan con fuerza, las guitarras acústicas suenan con contundencia, y Rod Stewart da ese plus de sentimiento y calidad vocal para evitar que las canción suene como una mera canción acústica más. En este tema, Rod muestra nostaliga por sus años de adolescencia a principios de los años 60, cuando creció en Londres y sus alrededores. le sigue una versión de It's All Over Now, canción escrita por Bobby Womack y su cuñada Shirley Womack. La canción fue lanzada por primera vez por el grupo del que formaba parte Bobby Womack, The Valentinos, en 1964, y popularizda por Los Rolling Stones ese mismo año, ya que al escuhcar su lanzamieno decidieron grabar su propia versión rápidamene. Only a Hobo es otra versión, en este caso de una canción Bob Dylan, una íntima, conmovedora y sensible canción que nos relata la vida de un hombres sin hogar. My Way of Giving cierra la cara A. Stewart, que en ese momento era miembro de Faces, había criticado la grabación original de Small Faces (Nombre anterior de la banda). La había llegado a llamar "monstruosa" en una entrevista. Esto probablemente se debió al hecho de que Steve Marriott había dejado recientemente Small Faces y había sido reemplazado por Stewart y Ronnie Wood. En comparación con la versión de Small Faces (que es relativamente corta, con apenas dos minutos de duración), la interpretación de Stewart de la canción es una balada larga y prolongada en la que Ian McLagan toca en gran medida su característico órgano Hammond. Cuenta con miembros de Faces, que proporcionan instrumentales de acompañamiento, junto con Lane, que también proporciona coros a la canción. 

Abre la cara B Country Comfort, una versión de la canción escrita por Elton John y Bernie Taupin, y que fue incluída en el álbum de Elton "Tumbleweed Connection". Stewart le da un toque muy comfortable y cálido al tema. Cut Across Shorty es otra versión. En este caso fue escrita por Marijohn Wilkin y Wayne P. Walker, y originalmente lanzada y popularizada por el gran Eddie Cochran . Fue el lado B de su éxito número uno en el Reino Unido "Three Steps To Heaven" y la última canción que grabó. Ronnie Wood tocó varios instrumentos en la grabación de Stewart. Lady Day es una introspectiva y vulnerable balada escrita por Stewart, y muestra su lado más sensible y emocional. La canción da paso a otra composición del artista, Jo's Lament,, otra triste composición donde el cantante nos habla sobre la pérdida de un amor. Atentos a la magistral y desgarradora de Rod stewart en esta canción. Cierra la cara B, y por tanto este álbum, You're My Girl (I Don't Want to Discuss It), una versión de un tema soul donde Stewart le da un enfoque muy rockero, mostrando además la habilidad del cantante para fusionar géneros.

Gasoline Alley es un trabajo que refleja las raíces musicales de Rod Stewart, con una mezcla de covers bien seleccionados y composiciones propias que capturan su esencia. El álbum fue muy bien recibido por la crítica y cimentó su reputación como uno de los grandes vocalistas de la época. Un gran álbum que muestra a un joven Rod Stewart en su mejor momento, en un punto donde su talento crudo y su personalidad carismática comenzaban a brillar. 

1441.- Breakdown - Tom Petty and The Heartbreakers

 

Breakdown,  Tom Petty & The Heartbreakers 

     Originaria del sur de Estados Unidos, Tom Petty and the Heartbreakers combinó varios géneros diferentes para crear un tipo de música icónico. Si bien la historia de la música rock sureña influye en su sonido, la banda no rehuyó adoptar nuevos sonidos que estaban disponibles para ellos. Esto se puede ver en sus asociaciones con artistas que provenían de orígenes muy diferentes, al menos musicalmente. La música de The Heartbreakers abarca una amplia variedad de temas, incluidos el amor, el desamor, las preocupaciones sociales y la visión positiva de la banda sobre la sociedad.

El 9 de noviembre de 1976 Tom Petty and the Heartbreakers debutan con su álbum debut de título homónimo. Es grabado durante ese mismo año en el Shelter Studio de Hollywood, California, bajo la producción de Denny Cordell, conocido por haber trabajado también con The Moody Blues, Leon Russell, The Move, Procol Harum y Joe Cocker entre otros; y publicado el sello discogŕaifco Shelter Records. El álbum recibió poca atención en su lanzamiento en los Estados Unidos. Subió al puesto n° 24 en la lista de álbumes del Reino Unido después de una gira por ese país, y el sencillo Anything That's Rock 'n' Roll se convirtió en un éxito en el Reino Unido. Después de casi un año y muchas críticas positivas, el álbum llegó a las listas de éxitos de los Estados Unidos, donde alcanzó el puesto n.° 55 en 1978 y finalmente se convirtió en disco de oro.

Incluido en este disco se encuentra Breakdown, que fue lanzado como el sencillo principal y llegó al Top 40 en los EE. UU. Al principio, el característico riff de guitarra, cortesía del guitarrista de la banda Mike Campbell, solo se usaba al final de la canción. Un cantante llamado Dwight Twilley pasó por el estudio cuando Petty lo estaba reproduciendo y sugirió que lo usaran a lo largo de la canción. A Petty le gustó la idea y llamó a la banda al estudio en mitad de la noche para volver a grabarlo. Twilley, que tuvo un éxito en 1975 con I'm On Fire , firmó con el mismo sello que Petty y siguió la misma trayectoria profesional durante un tiempo. Petty cantó en algunas de las canciones de Twilley, incluido su éxito de 1984 Girls. Cuando la banda grabó por primera vez esta canción, tenía una duración de 7 minutos, con un solo de guitarra extendido al final. La versión final dura 2 minutos y 43 segundos. Nos encontramos con una letra más austera de lo normal para ser una canción de Tom Petty and the Heatbreakers. Petty está dispuesto a poner fín a una relación que se ha vuelto tóxica. 

1440.- Livin' Thing - Electric Light Orchestra

 

Livin' Thing, Electric Light Orchestra

     La Electric Light Orchestra, más popularmente conocida como E.L.O., cobró vida en los años sesenta como parte del nuevo escenario del "rock progresivo". Surgieron como una combinación del rock de los 60 y el nuevo sonido de la tecnología y las tendencias en el uso de equipos para hacer música. Esta combinación creó un estilo musical que jugó un papel conservador en hacer del rock sinfónico la leyenda que es hoy. Con sus estrategias de rock melódico de los 60 y armonías al estilo de los Beatles, junto con el arte de diseñar estructuras clásicas en música rock, E.L.O. tuvo ideas innovadoras inigualables en su época.

El 15 de octubre de 1976 E.L.O. publica su sexto álbum de estudio, A New World Record. Fue grabado en diferentes estudios de Alemania, Reino Unido y Estados Unidos bajo la producción de Jeff Lynne, y publicado por el sello discográfico Jet United Artists en Estados Unidos el 19 de noviembre de 1976, y por Jet Records en el Reino Unido el 15 de octubre de 1976. Este disco marcó un cambio radical en el grupo, que apostó por canciones de corte pop más cortas, una tendencia que continuaría en años sucesivos.

Incluido en este disco se encuentra Livin' Thing. Esta canción es otro intento de E.L.O. de mantener la música clásica a la moda: mantiene la tendencia de mezclar la armonía y la melodía del rock con lo mejor de Johann Strauss. Esta canción establece una nueva tendencia de la banda: arreglos de clavicémbalo largos y prolongados influenciados por la música clásica. La canción hace uso de acordes aumentados. Sobre esto, Lynne dijo: "Livin' Thing" tenía un acorde aumentado. George (Harrison) también usó muchos de esos acordes. Creo que la influencia de usar ese tipo de acordes vino de las canciones de Long Wave (segundo álbum en solitario de Lynne, publicado en 2012). Tratar de unir los dos estilos, tratar de poner esos viejos y divertidos acordes victorianos en una nueva canción le da un buen impulso. La convierte en una canción más especial, porque tiene un acorde extraño y nadie sabe cómo tocarla. "Livin' Thing" tiene eso. Hay algunos míos que tienen ese tipo de acordes. Traté de hacer las canciones un poco diferentes. "Livin' Thing" habría tenido una secuencia de acordes mucho más normal y corriente de lo contrario; el coro habría sido C, La menor, Fa y Sol en lugar de Do, La menor, Re menor, Sol aumentado y de vuelta al Do. Ese acorde aumentado de sol añade un poco de tensión y elevación a la canción. Ese acorde está más en la línea de las canciones de Long Wave que en el lenguaje pop. Estoy seguro de que estaba incorporando ese tipo de acordes inconscientemente, pero estuve expuesto a todos esos acordes desde el principio, y obviamente voy a tomarlos a bordo con todos los acordes más de rock and roll. He usado acordes extravagantes en muchas de mis canciones, como "All Over the World", que también tiene uno travieso".

Ha habido mucha especulación sobre de qué trata esta canción. Hay un rumor popular que argumenta que se trata de una declaración contra el aborto. El líder del grupo, Jeff Lynne, decía al respecto que se trataba simplemente de la pérdida del amor, aunque su inspiración inicial fue un ataque de intoxicación alimentaria. Este argumento lo dejó escapar en una charla con Hi-Fi News & Record Review en 2014. "Nunca podrás volver a escucharlo de la misma manera", dijo. "No me gustaría que nadie pensara que se trata de una mala paella en unas vacaciones españolas". La canción cuenta con las voces no acreditadas de Patti Quatro (hermana de Suzi Quatro), Brie Brandt y Addie Lee, quienes fueron miembros del grupo de rock femenino Fanny.

1439.- Telephone Line - Electric Light Orchestra

Lynne tenía un don para combinar melodías beatlescas, instrumentación clásica y técnicas de producción impecables para crear un deleite para el oído al que era imposible resistirse. Su técnica funcionaba bien en los temas de ritmo rápido y con sabor a rockabilly de la banda, pero era realmente excelente en las canciones lentas. De New World Record de 1976, “Telephone Line” fue la balada que dio el salto a la fama a ELO y se coló en el Top 10 en ambos lados del charco.

La introducción telefónica de la canción ha llamado mucho la atención a lo largo de los años. Hay dos cosas notables al respecto. Primero, el tono de llamada que se escucha (como el que se escucha cuando se espera que la línea responda) es un tono de llamada de América del Norte que es bastante distinto del que se escuchaba en el Reino Unido en ese momento. La banda estaba teniendo mucho más éxito en Estados Unidos en ese momento y esto los inspiró a usar el sonido norteamericano en lugar del sonido británico. Para lograr el sonido perfecto, la banda llamó a una oficina en Estados Unidos cuando sabían que nadie respondería. El otro detalle interesante de la introducción es el sonido monofónico apagado, como si el oyente estuviera escuchando a través del teléfono la introducción de la canción. Esta fue una adición muy tardía a la canción. La grabación estaba terminada y Jeff estaba trayendo las cintas de Inglaterra a California cuando tuvo la idea de agregar el efecto a la canción que suena normalmente hasta la primera línea vocal del primer verso, cuando entra el efecto monofónico de escucha por teléfono. Esto continúa, junto con el tono de llamada, hasta la línea "lonely, alone, alone, alone, alone nights" cuando la versión estéreo completa de la canción entra lentamente y el tono de llamada se detiene. 

El significado de la canción es bastante claro: el cantante está esperando a que su amante al otro lado del teléfono levante la línea y está expresando su soledad mientras espera. La forma en que se describe la historia es inteligente en muchos sentidos. En primer lugar, el efecto de escucha silenciosa por teléfono y el tono de llamada al comienzo de la canción, así como la línea "Hola. ¿Cómo estás?", dejan en claro que está al teléfono esperando una respuesta. La transición al efecto estéreo completo en la línea "noches solitarias, solitarias, solitarias, solitarias" expresa la tristeza y la soledad de la canción. La siguiente línea, "eso es lo que diría", subraya que el oyente de la canción acaba de escuchar la triste llamada telefónica y el profundo dolor del cantante. La suave letra doo-wop del puente evoca el estado de ánimo de las canciones doo-wop sentimentales de los años 1950 y 1960 (como Sincerely de The Moonglows y Only You de The Platters), lo que pinta más una imagen de la canción. El tono de espera en la línea se escucha nuevamente a mitad de la canción, justo después del estribillo (y también al final de la canción en la versión alternativa), lo que produce el efecto de que toda la canción ocurre mientras el cantante está en la línea, esperando que respondan. Todo esto se combina para dar una sensación notable y conmovedora a la canción, como si la persona que llama estuviera esperando y esperando una respuesta mientras vierte el dolor y la soledad que está sintiendo.

Una de las razones por las que la canción fue un éxito es que describía una situación que todos conocían. Como dijo el tecladista de ELO, Richard Tandy, sobre Lynne y la canción en el documental Mr. Blue Sky: The Story of Jeff Lynne and ELO : “Creo que todo el mundo ha tenido la experiencia de tener una mala llamada telefónica con alguien a quien aprecia y cómo te afecta. Y creo que él captó eso”. El inimitable muro de coros que Lynne fue pionero con el tubo ELO en ese momento como una especie de coro griego que detalla el dolor del tipo, hasta que a este triste saco no le queda nada más que hacer que dirigirse a la línea telefónica. Solo hace falta una sola línea en el emocionante coro para describir con maestría la región inferior en la que habita este tipo: "Estoy viviendo en el crepúsculo". En el segundo verso, con cuerdas que comentan sutilmente lo que ocurre, el narrador se ve obligado a suplicar que le den más tiempo con la inútil esperanza de que la chica conteste. ¿Cuánto tiempo necesita? “Que suene para siempre”, canta Lynne. Ha habido algunas canciones clásicas sobre el teléfono en la era del rock, pero pocas han capturado la impotencia de estar en el extremo solitario del receptor tan bien como “Telephone Line”, una obra maestra de melancolía cortesía de Jeff Lynne y ELO.

1438 - Tom Waits - Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)

1438 - Tom Waits - Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)

"Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)", es la apertura del álbum Small Change (1976) de Tom Waits, es una de las composiciones más conmovedoras y personales del legendario cantautor estadounidense. La canción es un poema melancólico que combina el lirismo crudo y evocador de Tom Waits con un paisaje sonoro desgarrador, dejando una profunda huella en quien la escucha.

Desde los primeros acordes del piano, se intuye que se está entrando en un territorio de dolor y desolación. La voz áspera de Tom Waits, cargada de experiencia y vulnerabilidad, narra una historia de pérdidas, nostalgia y redención en un contexto de soledad existencial. El título y la temática se inspiran parcialmente en una experiencia de Tom Waits en Copenhague, en la que, según se cuenta, tuvo una noche difícil de excesos y reflexión. La inclusión de "Waltzing Matilda", un clásico australiano, como estribillo central, añade una dimensión casi universal, conectando lo personal con lo colectivo.

La estructura lírica de la canción es como una carta confesional, llena de imágenes cinematográficas y referencias culturales. Las descripciones de barrios bajos, botellas vacías y almas errantes nos sumergen en un mundo marginal donde las emociones están a flor de piel. Líneas como "The light of the morning will blind you" reflejan un lirismo que oscila entre lo poético y lo brutal, reforzando el contraste entre la belleza y la miseria de la vida.

Musicalmente, la canción es minimalista pero efectiva. El piano, interpretado por Mike Melvoin, proporciona un acompañamiento íntimo que resalta el carácter confesional de la letra. La combinación con los arreglos de cuerda subraya la tristeza de la narrativa, mientras que la entrega vocal de Tom Waits, desgastada pero apasionada, amplifica la intensidad emocional.

Uno de los aspectos más destacados de "Tom Traubert's Blues" es su capacidad para resonar emocionalmente con audiencias de todo el mundo. Aunque está profundamente arraigada en la experiencia personal de Waits, su exploración de temas como la alienación, la soledad y el anhelo trasciende lo particular. La referencia a "Waltzing Matilda" como un himno de desarraigo convierte a la canción en una reflexión sobre el exilio, ya sea físico o emocional.

"Tom Traubert's Blues" es una obra maestra de Tom Waits que encapsula su habilidad única para combinar narrativa, emoción y música en una experiencia profundamente humana. Es una canción que no solo se escucha, sino que se siente, dejando una marca imborrable en la memoria de quienes se sumergen en su melancólica belleza.

Daniel 

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1437.- The Speak Up Mambo (Cuentame) - The Manhattan Transfer

Ganadores de diez premios Grammy y con millones de discos vendidos en todo el mundo, este asombroso cuarteto The Manhattan Transfer se convirtió en el primer grupo vocal en ganar premios Grammy en las categorías de pop y jazz en un año, 1981: Mejor interpretación pop de un dúo o grupo con voz por “Boy From New York City” (una versión de la canción de 1964 de The Ad Libs), y Mejor interpretación de jazz de un dúo o grupo por “Until I Met You (Corner Pocket)”. Desde sus primeras actuaciones a principios de los años 70, sus miembros se han convertido en piedras angulares de la música contemporánea, conocidos por su increíble versatilidad, que incorpora pop, jazz, R&B, rock and roll, swing, música sinfónica y a capela. El grupo original estaba formado por Hauser, Siegel, Paul y Laurel Massé. Después de que el legendario Ahmet Ertegun los contratara para Atlantic Records, The Manhattan Transfer hizo su debut discográfico con su álbum homónimo en 1975. “Nos llevó un tiempo conseguir un contrato”, recuerda Paul. “Estábamos agotando las entradas en los clubes de Nueva York, pero nadie quería contratarnos. Las discográficas pensaban que no éramos comerciales y no querían correr riesgos”. Bette Midler era amiga de Tim y, a través de su representante, Aaron Russo, invitó a Ahmet (Ertegun) a nuestro espectáculo en Filadelfia y el resto es historia”.

Coming Out fue la segunda grabacion de The Manhattan Transfer en el sello Atlantic, y muestra a Tim Hauser, Alan Paul, Janis Siegel y Laurel Masse en un álbum estrictamente pop, muy alejado del  jazzístico estilo «Vocalese», que tantos admirabamos. Los únicos indicios de jazz surgen en la balada de Siegel «Scotch and Soda» y una versión funky de «Poinciana», en la que Michael Brecker tiene un cameo como soprano. Hay una buena cantidad de variedad y el canto es razonablemente impresionante, incluso si la espontaneidad y la sensación de jazz están ausentes en gran medida. Sin embargo tuvo un gran éxito, y en nuestro país, España resonaba en todos los lugares a canción 'The Speak Up Mambo (Cuentame)' de The Manhattan Transfer, un gran ejemplo de cómo la música puede fusionar elementos lúdicos con narrativas cotidianas, la letra invita a los oyentes a compartir historias personales, enfatizando la frase 'Cuentame que te paso', esta llamada a compartir experiencias personales se presenta de manera repetitiva, creando un ambiente de diálogo y confianza. Musicalmente, la canción incorpora elementos del mambo, un género que se caracteriza por su ritmo enérgico y alegre. Esto complementa la temática de la letra, que, aunque habla de eventos desafortunados como ser picado por una abeja o perder todo el dinero ganado en la lotería, lo hace de una manera humorística y ligera. La repetición de 'pao pao' y las interjecciones en la canción añaden un elemento de jocosidad y hacen que la canción sea pegajosa y divertida.

1436.- Get Up Offa That Thing - James Brown

"¡Levántate de esa cosa y baila hasta que te sientas mejor!" gritó James Brown al público durante una actuación en un club de Fort Lauderdale, molesto porque la gente estaba sentada en un concierto de funk, en lugar de estar bailando. Con su arenga, seguramente consiguió que el público reaccionara, pero también, y sin saberlo en ese momento, acababa de poner la semilla de lo que sería "Get Up Offa That Thing" ("¡Levántate de esa cosa!"), porque esa frase se le quedó en la cabeza, y le sirvió de inspiración para componer un nuevo tema.

En contra de la tendencia de la mayor parte de la música de los setenta, que empezaba a explotar los beneficios y la sofisticación de las cada vez más avanzadas técnicas de grabación en el estudio, "Get Up Offa That Thing" fue grabada en directo en el estudio en apenas dos tomas, dándole al tema la autenticidad y la espontaneidad que había tenido la proclama de la que había surgido.

La toma final fue lanzada en 1976 como single, con la canción dividida en dos partes, ya que aunque la cara B llevaba por título "Release the Pressure", era en realidad la segunda parte de "Get Up Offa That Thing" y el single fue un éxito de ventas, llegando al puesto 4 en la lista de R&B estadounidense y al 45 del Billboard Hot 100. Unos años después, la canción tuvo un nuevo repunte comercial cuando James Brown grabó una nueva versión para la banda sonora de la película "Doctor Detroit" (1983), en la que el Padrino del Funk tenía una aparición especial interpretando la canción y, como no, gritando aquello de "¡Levántate de esa cosa y baila hasta que te sientas mejor! 

Disco de la semana 407: London Calling - The Clash

 

No hace falta mucho para tocar punk rock, cualquier grupo de tres o cuatro que sean medianamente competentes en sus respectivos instrumentos puede tocar punk rock. Después de todo, el punk surgió del rock n' roll y del deseo de volver a hacer música sencilla, y resultó ser uno de los géneros musicales más accesibles y descuidados. Desde mediados de los años 70, ha habido miles de grupos de punk en todo el mundo simplemente por la razón de que es simplemente rock n' roll furioso y simplificado con un ligero toque de humor. En 1977, The Clash podría confundirse con una de esas bandas de punk, que eran un poco descuidadas en todo lo que tocaban pero podían hacer canciones por encima de la media que expresaban competentemente su frustración y angustia. Siempre habían sido una de las bandas de punk más ingeniosas y artísticas, fusionando la política en su álbum debut con una composición ligeramente más inteligente. La política y la filosofía tenían que ser la vanguardia de cualquier álbum punk, y la banda tenía demasiadas ideas y demos para un lanzamiento único. London Calling es el tablero de dibujo de la banda que representa todo lo que querían hacer, y es mucho más que una colección de 19 canciones. Esto es mucho más grande que cualquier cosa punk anterior a 1979, y no ha habido ningún álbum, punk o no punk, que se acerque siquiera a los niveles de este.

London Calling fue lanzado como el único sencillo del álbum London, en el Reino Unido, alcanzó el puesto 11 en las listas en enero de 1980, convirtiéndose al mismo tiempo en el sencillo de mayor éxito de la banda hasta el éxito "Should I Stay or Should I Go". El título es una referencia al Servicio Mundial de la BBC: 'Esto se llama Londres...', que se utilizó durante la Segunda Guerra Mundial. La letra refleja preocupación por los acontecimientos mundiales en referencia a "un error nuclear": el incidente en Three Mile Island, que ocurrió a principios de 1979. La crítica social también aparece a través de referencias a los efectos del consumo ocasional de drogas: "No tenemos una euforia/Excepto aquellos con ojos amarillos". Las líneas que hacen referencia a "Now, don't look at us/Phoney Beatlemania has mordido el polvo" reflejan las preocupaciones de la banda sobre su situación tras el boom del punk en Inglaterra que terminó en 1978/1979. La canción termina con una señal en código Morse que deletrea SOS, reiterando la sensación anterior de urgencia de emergencia y aludiendo además al ahogamiento en el río. Brand New Cadillac, fue lanzada como homenaje a ser una de las primeras grabaciones de rock británico. Brand New Cadillac es una canción de 1959 de Vince Taylor, que se lanzó originalmente como cara B.Esta canción es un Rockabillie que básicamente habla de una chica que se compra un Cadillac y le demuestra a su novio que es independiente y que no lo necesita. Jimmy Jazz tiene influencia del Jazz/Blues, la letra habla de la fuga de Jimmy Jazz, mientras la policía lo busca. Joe Strummer intenta apoyar a Jimmy Jazz en los versos: si vas a llevar este mensaje al otro lado de la ciudad/tal vez ponlo en algún lugar del otro lado/ver si llega a Jimmy Jazz. Los versos finales aparentemente dejan claro que Jimmy Jazz no aceptó ninguna ayuda y decidió seguir su camino. La letra de Hatefull refleja la frustración de un drogadicto: "Todo lo que quiero me lo da, pero no gratis/Es odioso". En otros versos el yo lírico también deja en claro que ha perdido a varios de sus amigos, su capacidad de conducir y su memoria, cuando se refiere a “odiosa”, es porque quiere demostrar cuánto ya no puede más con esto. vida, pero debe seguir acudiendo al hombre (narcotraficante) que le da todo lo que quiere (drogas), porque le da todo lo "bueno". Rudie Can't Fail es casi una canción de ska reggae, que habla de seguir tu propio camino sin importarte lo que la gente piense de ti, y de vivir como un chico "cool" de Kingston de la era del ska de los años 60.

 Spanish Bombs es una de las canciones más enérgicas, terriblemente pegadizas y oscuramente divertidas de los años 70. Es una canción que suena como un éxito de concierto, pero en realidad es una historia cruda y brutal de la Guerra Civil Española y la Dictadura del General Francisco Franco, yuxtaponiéndola con la política española actual. Los Beatles hicieron canciones oscuras que sonaban divertidas, pero The Clash hizo canciones revolucionarias. Este enfoque sarcástico fue la base del punk que vendría después. The Right Profile es una canción de jazz que demuestra la fascinación de un fan por una celebridad: Y todos dicen: ¿Está bien?/Y todos dicen: ¿Cómo es?/Y todos dicen: Seguro que se ve gracioso. Joe Strummer estaba fascinado con Hollywood y escribió esta canción después de leer un libro sobre el actor Montgomery Clift, quien sufrió un accidente automovilístico que lo desfiguraba en 1956.

 La letra de Lost in the Supermarket habla sobre el vacío de la cultura de consumo (Estoy perdido en el supermercado/Ya no puedo comprar felizmente/Vine aquí por la oferta especial) y la soledad de un adolescente (Estoy todo sintonizado, veo todos los programas/Guardo cupones de paquetes de té/Tengo mi disco disco de gran éxito/Vacío una botella, me siento un poco libre/Los niños en los pasillos y las tuberías en las paredes/Hacen yo ruidos para compañía). Clampdown fue lanzado como single en Australia. Su letra habla de quienes han abandonado el idealismo de su juventud e insta a los jóvenes a luchar contra el status quo. Cuando Joe dice "represión", se refiere a la represión por parte del gobierno y la policía contra huelguistas, agitadores, solicitantes de prestaciones, hooligans del fútbol, ​​punks y otras amenazas percibidas al bienestar social, económico y moral del Reino Unido. The Guns of Brixton fue la primera canción de Clash escrita y cantada por Paul Simonon. Para entonces, Simonon había aprendido a tocar la guitarra y comenzó a contribuir más a la composición de canciones. Y es sorprendente como Simonon evoluciona mucho con el tiempo, en Sandinista/Combat Rock tiene un gran protagonismo. 

Wrong 'Em Boyo tiene influencias de R&B y Ska, la letra aborda la discusión entre dos hombres (No sabes que está mal/Sabes que está mal engañar a un hombre que lo intenta/Será mejor que pares). La historia detrás de la letra trata sobre Stagger Lee y Billy Lyons, dos hombres cuya mortal pelea en 1895 en un bar de St. Louis terminó convirtiéndose en parte del folklore estadounidense. En Death or Glory, Joe se burla de la escena punk, hablando de cómo todo joven rockero rebelde eventualmente crece, madura y "termina haciendo pagos por un sofá o una chica". Corres el riesgo de convertirte en "una historia más", y tres años después de la explosión inicial del punk en el Reino Unido en 1977, ese es el destino que The Clash intentaban evitar. Koka Kola trata sobre ejecutivos publicitarios drogados y los productos con los que nos convencen de lo que necesitamos. Al parecer Joe Strummer no era un gran admirador de Coca-Cola. The Card Cheat suena más a pop, la letra trata sobre un jugador solitario al que finalmente se le acaba la suerte. Otra canción que cuenta la historia de un protagonista que tiene problemas pero termina bien, lo mismo sucede en "The Right Profile and Jimmy Jazz", una brillante idea de la banda.

Lover's Rock, el título se refiere a un estilo de baby reggae popular en el Reino Unido, y la letra ofrece instrucciones aparentemente irónicas sobre cómo "tratar bien a tu novia", como si cuidaras a un bebé, de ahí el título. En Four Horseman, la letra trata sobre The Clash imaginándose a sí mismos como los cuatro jinetes del apocalipsis. The Clash siempre ha sido una banda de punk diferente a las demás, por su discurso optimista. En I'm Not Down, Joe habla de superación personal y de la lucha por "ese tipo de día en el que crees que nada de tu tristeza desaparecerá", dejando claro que no debes renunciar a tus sueños, y siempre seguir adelante, adelante. Escrita por Danny Ray y los Revolutioneers, Revolution Rock no se trata de derrocar ningún gobierno, como lo han interpretado algunos fanáticos, sino más bien de liberar tus pies y dejar ir tus inhibiciones. Cuando Train in Vain deja de sonar, los años 70 han llegado a su fin. Una nueva década ha comenzado. Todo ha quedado en el pasado, y parece distante e inalcanzable, aunque su calidez todavía se puede sentir, persistiendo un poco. Si hubieras empezado a escuchar este álbum el día de su lanzamiento (14 de diciembre) al ritmo de exactamente una canción por día, "Train in Vain" sonaría el 1 de enero de 1980. Probablemente no fue intencional, pero es algo agradable en lo que pensar. La mejor despedida que la década podría haber recibido.

1435.- Roadrunner - The Modern Lovers

Después de graduarse de la escuela secundaria en 1969, Jonathan Richman se mudó a la ciudad de Nueva York. Después de nueve meses dambulando en Nueva York, Richman decidió que ya había tenido suficiente y regresó a su Boston natal con la intención de formar una banda de rock basada en lo que había aprendido observando a los Velvet y organizó rápidamente una banda con su amigo de la infancia John Felice como guitarrista, David Robinson en la batería y Rolfe Anderson en el bajo. Jonathan Richman, el genio flacucho que estaba detrás de todo esto, fue comparado por más de un crítico con su ídolo, Lou Reed, particularmente por su forma de cantar ronca y monótona. La verdad es que Richman fue capaz de transmitir cosas que Lou apenas podía ni siquiera conceptualizar. Los Modern Lovers tocaron por primera vez en septiembre de 1970, apenas un mes después del regreso de Richman. A principios de 1971, Anderson y Felice se marcharon, aunque Felice volvería a unirse al grupo más adelante, el grupo se hizo popular en los conciertos en vivo en Boston, y se corrió la voz sobre ellos. En el otoño de 1971, The Modern Lovers y grabaron la canción "Hospital" en el álbum The Modern Lovers de Beserkley tiene su origen en esta sesión. El éxito de The Modern Lovers como banda en vivo continuó sin obstáculos, pero en lo que se refiere a conseguir un contrato discográfico, la banda siempre fue una dama de honor, nunca una novia, pero nos dejaron un disco homónimo, The Modern Lovers. Los Lovers no llegaron a publicar otro disco. No lo necesitaban. Su álbum homónimo fue una especie de revolución silenciosa, que allanó el camino para una generación de estrellas de rock que no sentían la necesidad de adorarse a sí mismas ni de ser adoradas. Íconos enamorados que quieren tomarte de la mano y no te violarán después. Richman todavía hace giras en solitario, tocando principalmente música acústica, su legado solo es apreciado en esos ciertos rincones en los que esperarías que lo apreciaran, pero a él no le importa.

Y creo que nos dejaron una de las mejores canción de rock de todos los tiempos, Roadrunner, cualquiera puede tocarla, para empezar. Y mientras Richman se entusiasma con voz ronca sobre su amor por los detalles insignificantes de la luz de la luna moderna, yendo al Stop & Shop por la noche con la radio a todo volumen, cualquiera puede vivirla. Para adaptar una frase de la subestimada banda The Minutemen, “Roadrunner” que comienza con una explosión, robando el ritmo de dos acordes de su adorada " Sister Ray " de Velvet Underground. La forma en que Richman establece el escenario y donde la canción crece en el espacio en el que la mayoría de nosotros crecimos escuchando música con más pasión, es en tu coche y por la noche, recorriendo autopistas y callejones familiares, sin un lugar en particular al que ir, enamorado de la música de la radio. A pesar de las innumerables veces que la he escuchado, nunca dejo de enamorarme de nuevo de ese impulso creciente, de la insistencia enérgica y enérgica del ritmo de fondo, del centro de gravedad de la canción que siempre avanza sin descanso. Todos se sienten completamente atrapados en ese ritmo muy simple pero potente, sincronizado como una máquina bien engrasada. El baterista David Robinson, que más tarde se unirá a The Cars, marca el ritmo y, de manera emocionante, lanza algunos rellenos rápidos que mantienen la energía entre los cambios de acordes extremadamente básicos, de D a A, tan elementales como un corazón que late o un cambio de marcha repentino.  Mientras Richman habla y canta sobre el poder de la radio AM y del destello de las calles suburbanas que pasan a toda velocidad, y el futuro Talking-Head, Jerry Harrison, el arma secreta de la banda, toca un solo de teclado que ondula con gracia sobre el ritmo agitado como una mano que se agita desde una ventana abierta mientras el viento pasa rápidamente. Hacia el final, Richman empieza a cantar casi en un monólogo sobre todo lo que le está pasando a la vez: la radio, la noche, la carretera, la luz de la luna, la belleza de todo. La banda grita alentadoramente “¡RADIO ON!” detrás de él, acentuando su euforia como la reunión de ánimo más tonta de la historia, y la canción termina grandiosamente con algunos toques finales a esos dos acordes inmortales. La voz satisfecha de Richman nos dice adiós con un casual “bien, adiós” y nos informa que hemos llegado a nuestro destino, donde sea que esté.    

The Modern Lovers fueron una banda única por varias razones, y una de ellas, la menor, es que sobrevive muy poco de su trabajo. Aparte de algunos bootlegs en vivo, se trata principalmente de un solo disco homónimo que se grabó a principios de los 70 y se lanzó en 1976, que tiene una intimidad similar a la de un diario, en parte porque inicialmente se pretendía que fueran demos para un disco que nunca se haría debido a la separación de la banda. La instrumentación es potente pero sencilla, vibrante pero minimalista, lo que es un acompañamiento ideal para la gira sincera de Richman a través de sus alegrías y tristezas profundamente personales pero demasiado humanas. 

Rod Stewart: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down (Mes Rod Stewart)

Rod Stewart: El Artista del Mes y su álbum An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down. #MesRodSteward

Este mes nos dedicaremos a la carrera de Rod Stewart, una de las voces más icónicas y versátiles de la música. Con más de cinco décadas de trayectoria, Rod Stewart ha conquistado géneros como el rock, el folk, el pop y el soul, dejando una marca indeleble en la historia musical. A lo largo de noviembre, exploraremos sus álbumes, éxitos y legado, comenzando por el disco que lo inició todo: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down.

En este primer paso de su carrera solista, Rod Stewart demostró ser mucho más que una voz única; reveló su talento como intérprete, narrador y renovador de géneros. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera histórica, sino que también destacó su capacidad para reinventar canciones y fusionar estilos, elementos que se convertirían en el sello distintivo de su música.

Lanzado en 1969, An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down presentó al mundo a un joven británico que ya había trabajado junto a Jeff Beck y The Faces, pero que buscaba establecerse como solista. El álbum capturó su esencia más pura, mezclando folk, blues, rock e incluso soul, creando una experiencia que rompió con los moldes del rock de finales de los sesenta.

La producción, a cargo del propio Rod Stewart junto a Lou Reizner, tiene un tono crudo e íntimo que lo distingue de otros discos de la época. Acompañado por músicos de renombre como Ron Wood y Martin Quittenton, el álbum tiene una atmósfera que recuerda a una sesión en vivo, con interacciones naturales entre los músicos. Este enfoque orgánico y desenfadado dotó al disco de una autenticidad que sigue resonando décadas después.

El álbum abre con “Street Fighting Man”, una reinterpretación del clásico de The Rolling Stones. Desde el primer momento, Rod Stewart demuestra su capacidad para tomar canciones icónicas y hacerlas suyas, transformando esta pieza en una versión más folk, menos agresiva pero igual de apasionada.

Le sigue “Man of Constant Sorrow”, un tradicional americano que Rod Stewart adapta con su distintiva voz y un acompañamiento minimalista. Esta canción destaca su respeto por las raíces del folk, un género que influyó profundamente en sus primeros años como artista solista.

Las composiciones originales como “Cindy’s Lament” y “Jo’s Lament” revelan el talento narrativo de Rod Stewart. Ambas canciones exploran temas de nostalgia y pérdida con una sensibilidad que encaja perfectamente con la textura rasposa de su voz. En contraste, “Handbags and Gladrags”, escrita por Mike d’Abo, brilla por su lirismo y un arreglo de viento que añade profundidad y sofisticación al disco.

La pieza que da título al álbum, “An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down”, encapsula el espíritu del proyecto. Aunque breve, la canción utiliza la metáfora del impermeable como símbolo de resiliencia y protección emocional, una imagen que conecta con el carácter humilde y auténtico que define tanto al disco como al propio Rod Stewart.

A pesar de que An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down no fue un éxito comercial inmediato, su importancia radica en cómo estableció las bases de la carrera de Rod Stewart. Su habilidad para combinar géneros, reinterpretar clásicos y contar historias a través de sus letras destacó en una época dominada por producciones grandilocuentes y virtuosismo técnico.

Con el tiempo, este álbum ha sido revalorizado tanto por críticos como por fanáticos. Canciones como “Handbags and Gladrags” y “Man of Constant Sorrow” se han convertido en favoritas, mientras que la diversidad estilística del disco prefiguraba el enfoque ecléctico que caracterizaría su carrera posterior.

En el contexto de finales de los años sesenta, el álbum también contribuyó al movimiento del roots rock, que buscaba regresar a las raíces más auténticas del rock y el folk. La sensibilidad de Rod Stewart para combinar lo tradicional con lo contemporáneo lo convirtió en un pionero dentro de esta corriente, y este debut fue el primer paso en ese camino.

Hablar de An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down es hablar de un joven Rod Stewart que buscaba su lugar en el mundo musical. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera legendaria, sino que también es un recordatorio de que los comienzos humildes muchas veces contienen la esencia más pura de un artista.

La calidez y la sinceridad de este disco hacen que sea tan relevante hoy como lo fue en 1969. Si estás explorando la discografía de Rod Stewart por primera vez o redescubriéndola, este álbum es un excelente punto de partida. Más allá de su contexto histórico, sus canciones transmiten una atemporalidad que demuestra por qué Rod Stewart es, y siempre será, un ícono de la música.

A medida que avancemos este mes explorando su legado, recordemos que todo comenzó aquí, con un viejo impermeable que nunca nos dejará solos.

Daniel
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1434.- The year of the cat - Al Stewart

Al Stewart es un artista folk británico que se distinguió en la primera mitad de los años setenta por cantar páginas de la historia, su gran pasión. En 1976 escribió una canción, "El año del gato", que fue un éxito unos meses antes de hundirse en el olvido. El álbum que acompañó el lanzamiento de esta canción es un verdadero ejemplo del sonido relajado, liberado, floreciente y rico que se respiraba a finales de los años setenta en los estudios de Abbey Road, antes de que los sintetizadores de los años ochenta abrieran una nueva era. Stewart tocó una guitarra acústica Epiphone Texan, mientras que Tim Renwick fue el encargado de grabar los solos de guitarra acústica y eléctrica. “Tim tomó prestada una guitarra Guild de gran tamaño que me pertenecía para los solos acústicos”, recuerda Stewart. “Para el solo de guitarra eléctrica, tocó su fiel Strat del 62 a través de un amplificador de válvulas combo personalizado de Wallace que conoció a su creador cuando se derritió poco después de la sesión”. Aunque el acompañamiento estaba completo, el productor Alan Parsons sintió que faltaba algo, concretamente, un saxofón. “Para mí, los saxofones pertenecían al jazz”, dice Stewart. “Pensé que era una idea terrible y se lo dije, pero él dijo: 'Simplemente hazme caso y si no te gusta, lo borraremos'”. El saxofonista elegido por Parson fue Phil Kenzie, un contemporáneo de Liverpool de los Beatles. “Phil estaba viendo una película y no quería hacer la sesión”, dice Stewart. “Pero Alan le dijo: ‘Ven y haz una toma. Solo queremos escuchar cómo suena’”. A Stewart no le convenció la sesión. “No me gustó mucho”, dice, “pero a todos los demás sí. Dijeron: ‘¡Guau! Esto es diferente’. Así que en lugar de pelearme por ello, dejé que Alan hiciera lo que quisiera y lo puse al final del álbum como la última canción, así no tuve que preocuparme por eso”.

Lanzado como sencillo en los EE. UU. en octubre de 1976, "Year of the Cat" llegó al puesto número ocho en el Billboard Hot 100, con este tema Stewart consiguió su primer sencillo en las listas de éxitos de los EE. UU. y a dia de hoy sigue siendo un elemento básico en los sets en vivo del guitarrista. Él cree que los matices de cine negro de la canción y la instrumentación variada son fundamentales para que la canción siga cautivando al público. “Creo que simplemente atrae a la gente”, reflexiona. “Y también hay cuatro instrumentos diferentes tocando solos en el medio de la canción, donde se pasa de las cuerdas al solo acústico, luego al solo eléctrico y finalmente al solo de saxofón. La longevidad de la canción también confirma que uno debe escribir sobre lo que le interesa, sin tener en cuenta la moda o los favores del público. Que es exactamente lo que hice”.

1433.- More Than a Feeling - Boston

 

More Than a Feeling, Boston

     El 25 de agosto de 1976, la Banda estadounidense Boston debutan con la publicación de su primer álbum de estudio de larga duración, de título homónimo, Boston. El líder de la banda, Tom Scholz, tenía formación clásica, había estudiado piano clásico en su infancia y se había involucrado en en la escena musical de Boston a finales de la década de los 60. Tom se dedicó a realizar demos de canciones grabadas en el sótano de su apartamento junto con el cantante Brad Delp, las cuales había mandado a principios de los 70 a numerosos sello discográficos, que las habían rechazado. En 1975 cayó un demo en manos de la discográfica CBS Records, y se interesó por ellos firmándoles un contrato con su compañía subsidiaria Epic Records.

Tom Scholz se había hecho un estudio en un sótano de Waterbown, Massachusetts, comprando los equipos con las ganancias de su trabajo como ingeniero de diseño de productos en Polaroid Corporation. La intención de Tom era grabar en su propio estudio, pero Epic no estaba por la labor y quería que el disco fuera grabado en Los Ángeles y a las ordenes de un productor discográfico. Para poder salirse con la suya, Tom puso en práctica un elaborado plan, contrató al productor discográfico John Boylan, y luego engañó al sello discográfico haciéndole creer que la banda estaba grabando tal y como Epic Records quería, cuando en realidad todos los instrumentos fueron grabados en el sótano de Tom en Massachusetts. Después hizo que Brad Delp  grabara las parte vocales en el estudio de Los Ángeles que Epic había preparado para tal efecto.

Incluido en el álbum se encuentra una de las canciones más exitosas de sus carrera, More Than A Feeling. La canción fue compuesta por Tom Scholz y tardó unos cinco años en tenerla completa. La canción nos habla del descontento del autor con el presente y su anhelo por un antiguo amor llamado Marianne. En un momento dado de la canción nuestro protagonista se despierta. Es entonces cuando pone algo de música y se vuelve a quedar dormido soñando con los días en los que anhelaba el amor de Marianne. Tom al parecer se inspiró para componer la letra sobre Marianne en una prima que tenía y que era mucho mayor que él. Cuando él tenía  unos 8 o 9 años pensaba que esa prima era la mujer más hermosa que había en el mundo y estaba secretamente enamorado de ella. El sólo de guitarra tiene la particularidad de incorporar elementos que se usaban en la música barroca, poniendo de manifiesto las influencias de Tom en su formación clásica.

1432.- On the Border - Al Stewart

 

On the Border, Al Stewart

     Al Stewart se hizo popular a principios y mediados de los años 70. Su año de mayor éxito en Estados Unidos fue 1976, tras el lanzamiento de su álbum Year of the Cat. Su lanzamiento anterior contenía material con un marcado sabor medieval. Al Stewart mostró afecto por el tema, pero con este álbum demostró una mayor comprensión del período histórico. Los álbumes posteriores volverían a temas históricos de diferentes períodos y mostrarían una técnica disciplinada de composición que se haría más evidente con el paso de los años. Este álbum incluye canciones de varias épocas diferentes, algunas quizás historias personales o ficticias influenciadas por eventos históricos, y otras que no están directamente relacionadas con ningún período histórico. Además, Al Stewart escribió algunas canciones de manera sencilla y pidió que se grabaran lo más fielmente posible a su visión original.

Year of the Cat fue grabado entre los Abbey Road Studios de Londres y los Davlen Sound Studios de Noth Hollywood, California, bajo la producción de Alan Parsons, y publicado e 22 de octubre de 1976 en Reino Unido. Supuso el séptimo álbum de estudio de Al Stewart , lanzado en 1976. Sus ventas fueron ayudadas por el exitoso sencillo Year of the Cat. El otro sencillo del álbum fue On the Border, precisamente en el que nos vamos a centrar en esta ocasión. 

En una entrevista con la BBC sobre esta canción, Stewart explicó: "La primera estrofa habla del movimiento separatista vasco y la segunda estrofa trata de lo que entonces era la crisis de Rodesia. Mugabe: 'La mano que incendia las granjas ha hecho correr la voz entre quienes esperan en la frontera'. Treinta años después de que escribiera la canción, Mugabe estaba prendiendo fuego a todas las granjas de los blancos".La guitarra española en esta canción fue cortesía de Peter White, quien fue contratado para tocar el piano en la sesión. "Es la primera vez que graba con una guitarra", dijo Stewart en la misma entrevista de la BBC. "La primera vez que estaba en un estudio. Lo contraté como pianista y Alan Parsons , por supuesto, produjo el disco y estábamos sentados en el estudio y él dijo: 'Puedo escuchar algo de guitarra española en esto'. Ninguno de nosotros sabía tocar la guiarra, y entonces Peter dijo: 'Bueno, puedo tocar la guitarra española', pero 'Espera eres pianista', a lo que él replicó: 'sí, pero puedo tocarla'. Al Stewart comentaba que tenía una guitarra española muy barata que le había costado unas 30 libras, se la dió a Peter, y este se sentó y se puso a tocarla. Al Stewart en ese momento le dijo: "Vaya, no sabía que pudieras hacer eso".

1431 - Alas - Buenos Aires solo es piedra

1431 - Alas - Buenos Aires solo es piedra

Alas fue una banda emblemática del rock progresivo y sinfónico en Argentina, activa durante la década de 1970. Fundada en 1974, el grupo estuvo integrado por Gustavo Moretto (teclados, voz y trompeta), Carlos Riganti (batería y percusión) y Alex Zuker (bajo y guitarra). Su propuesta musical fusionaba rock, jazz fusión y música clásica con una fuerte raíz folclórica argentina, logrando una identidad única que los destacó en la escena musical de su tiempo.

La trayectoria de Alas fue breve pero significativa. Publicaron su álbum debut homónimo en 1976, un trabajo que se considera una obra maestra del género en Argentina. Este disco incluye "Buenos Aires Solo Es Piedra", una de sus piezas más representativas. En 1977, lanzaron su segundo álbum, Pinta Tu Aldea, que continuó explorando su estilo innovador y experimental. Sin embargo, debido a las dificultades políticas y sociales de la época en Argentina, junto con las tensiones internas y las prioridades personales de sus miembros, la banda se disolvió a fines de los años 70.

Tras su separación, los integrantes tomaron caminos diferentes. Gustavo Moretto se dedicó a la música académica y la docencia, mientras que Alex Zuker y Carlos Riganti participaron en otros proyectos musicales. En 2003, Alas se reunió para lanzar un nuevo álbum, Mímame Bandoneón, donde retomaron su exploración artística incorporando elementos contemporáneos, aunque con un enfoque más maduro.

"Buenos Aires Solo Es Piedra"

Esta canción, incluida en el disco debut, es un reflejo perfecto del talento y la visión de la banda. La letra de Gustavo Moretto retrata a Buenos Aires como una ciudad imponente pero deshumanizada, donde la piedra y el cemento simbolizan la frialdad de la vida urbana. Sin embargo, la música no se queda en la melancolía; en cambio, propone una resistencia emocional y espiritual, invitando a la reflexión.

Musicalmente, la canción destaca por la combinación de influencias del jazz, el tango y el folclore argentino. El virtuosismo de los tres integrantes se percibe en cada pasaje: los teclados de Moretto crean un paisaje sonoro rico y envolvente; Riganti demuestra su maestría en los complejos ritmos de la batería, y Zuker aporta un groove preciso y dinámico con el bajo.

"Buenos Aires Solo Es Piedra" es una obra que trasciende las barreras del tiempo y el espacio, capturando las tensiones y contradicciones de la vida urbana a través de una fusión musical única. Aunque Alas tuvo una trayectoria corta, su legado sigue siendo un punto de referencia en la música progresiva argentina y en la historia del rock latinoamericano.

Daniel 

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