0919.- Harvest - Neil Young

 

Harvest, Neil Young

     El 1 de febrero de 1972 Neil Young publica su cuarto álbum de estudio en solitario, Harvest. El disco es grabado entre varios estudios de Nashville, Londres y California, bajo la producción de Elliot Mazer, Henry Lewy, Jack Nitzsche y el propio Neil Young, y publicado bajo el sello discográfico Reprise Records. Young contó con la Orquesta Sinfónica de Londres para grabar dos pistas y con las voces de invitados de la talla de David Crosby, Grahamn Nash, Linda Rondstadt, Stephen Stills y James Taylor. El álbum llegó a encabezar las listas de ventas en Estados Unidos en la lista Billboard 200 durante dos semanas.

después de la separación de Crosby, Stills, Nash & Young, Young reclutó un grupo de músicos de sesión, que bautizó como The Stray Gators, y grabó un disco enfocado hacia el country rock. El disco resultó ser un auténtico éxito y cogió con la guardia baja al músico, que reaccionó de primeras alejándose del estrellato. Incluido en este disco se encuentra la pista Harvest, que al parecer fue escrita por Young inspirándose en su por entonces novia, la actriz Carrie Snodgress, cuando ambos estaban hasta arriba de ácido. Young le pedía a su novia que le diera detalles sobre su madre Carolyn, que era una mujer alcohólica que solía fingir suicidarse para llamar la atención y así probar constantemente el compromiso y amor de sus hijos. Harvest es una canción donde Young expresa su culpa por no poder aceptar y corresponder todo el amor que una mujer quiere darle. el músico siempre ha defendido que este subestimado tema es una de sus mejores canciones.

0918.- Let's Stay Together - Al Green

0918 - Al green - Let's Stay Together

"Let's Stay Together" es una canción clásica y atemporal interpretada por la legendaria banda Al Green. Lanzada en 1972 como el título principal de su álbum del mismo nombre, esta canción se ha convertido en un himno del soul y ha dejado una marca indeleble en la música popular.

Desde el primer acorde de guitarra, "Let's Stay Together" cautiva al oyente con su suave y seductora melodía. La voz distintiva y llena de emoción de Al Green se desliza con elegancia sobre los arreglos musicales, creando una atmósfera íntima y apasionada. La canción es un testimonio de amor y dedicación, con letras que expresan el deseo de permanecer juntos y superar cualquier obstáculo que la vida pueda presentar.

La producción exquisita de Willie Mitchell, que combinó hábilmente elementos del soul y del R&B, contribuye a la grandeza de la canción. La sección de vientos aporta un toque de elegancia y sofisticación, mientras que la sección rítmica brinda un ritmo suave pero convincente que te hace querer moverte al compás de la música.

Pero lo que realmente distingue a "Let's Stay Together" es la interpretación vocal de Al Green. Su voz es poderosa y llena de pasión, transmitiendo una sensación de vulnerabilidad y convicción al mismo tiempo. Cada frase y cada nota se entregan con una intensidad emocional que te hace sentir cada palabra.

La letra de la canción es simple pero poderosa, capturando la esencia de un amor duradero. Al Green canta con convicción sobre la importancia de mantenerse juntos a pesar de los altibajos de la vida y las pruebas que puedan surgir. Es un recordatorio de que el amor verdadero puede superar cualquier adversidad si ambos están dispuestos a luchar por él.

"Let's Stay Together" ha trascendido generaciones y se ha convertido en un clásico imperecedero. Su impacto en la música popular es innegable, y su influencia se puede sentir en numerosos artistas contemporáneos. La canción ha sido versionada en innumerables ocasiones, pero la versión original de Al Green sigue siendo la más emblemática y venerada.

"Let's Stay Together" es una joya musical que destaca por su melodía cautivadora, su producción magistral y la voz inigualable de Al Green. Es una oda al amor duradero y un recordatorio de que, a pesar de los desafíos, siempre vale la pena luchar por una relación sólida. Esta canción continúa siendo una fuente de inspiración y un himno para todos los amantes del soul.

Daniel 

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Disco de la semana 334: Tones - Eric Johnson

 

Tones, Eric Johnson

     Para la recomendación de esta semana traemos a un músico cuya influencia en el mundo de la música, y sobre todo en el mundo de la guitarra, es indudable. Su magnífica técnica mezclada con su melódico estilo y su visión a veces ecléctica sobre su música han inspirado a infinidad de guitarristas y músicos de todo el mundo. Merece la pena, y mucho, prestar atención a la obra de Eric Johnson, un guitarrista que se ha movido por estilos tan dispares como el blues, jazz fusión, soul, folk, new-age, country, e incluso clásica, y al que incluso la reputada revista Guitar Player le ha considerado "Uno de los guitarristas más influyentes del planeta".

 Eric Johnson nace en 1954 en Asutin, Texas, Estados Unidos, en el seno de una familia donde se respira y vive la música. Tres de sus hermanas y él estudian piano en la infancia, y a la edad de 11 años comienza a aprender a tocar la guitarra, progresando a una velocidad vertiginosa mientras escuchas múscos como Mike Blomfield, Chet Atkins, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Bob Dylan o Django Reinhardt entre otros tantos, lo que da una idea de la variedad musical que le inspira de cara al futuro. 

A los 15 años forma parte de su primer grupo profesional, Marini, una banda de rock psicodélico. Con esta banda graba en 1970 una demo que tuvo un lanzamiento muy limitado, y que a día de hoy se ha convertido en un preciado objeto de coleccionismo. Después de graduarse en la escuela secundaria, Eric asiste por un corto periodo de tiempo a ala Universidad de Texas y viaja con su familia a África, regresando posteriormente a Austin y uniéndose en 1973 a un grupo de la zona de música fusión llamado Electromagnets. Con este grupo llegan a a realizar incluso una gira a nivel local pero no llegan a llamar la atención de las discográficas, por lo que acaba disolviéndose en 1977. Sin embargo Eric ya se ha ganado por entonces a un numeroso número de seguidores y se convierte en un músico de culto.

Tras la desaparición de Electromagnets, Eric forma un trío, Eric Johnson Group con el baterista Bill Maddox y el bajista Kyle Brock, con los que graba su álbum Seven Words, considerado su disco debut, pero disputas contractuales hicieron que dicho trabajo no se publicara hasta 1998. Tras el varapalo de no poder asegurarse un contrato discográfico, Johnson empieza a trabajar como guitarrista de sesión para artistas como Cat Stevens, Carole King y Christopher Cross, compaginando esto con actuaciones en vivo en Austin. Trabajar como músico de sesión le trae algo bueno a Eric, pues Christopher Cross y el productor David Tickle, conocedores de la gran calidad del guitarrista, recomiendan a este a su por entonces sello discográfico, Warner Bros. El 31 de julio de 1984 realiza una revolucionaria actuación en el conocido Austin City Limits, concierto que sería grabado y lanzado en formatos CD/DVD en 2010. 

En mayo de 1986, bajo el sello Reprise Records, se publica Tones, el considerado álbum debut sde Eric Johnson, y el recomendado por 7dias7notas para esta semana. Aunque la consagración de Eric Johnson llegaría con su siguiente disco, Ah Via Musicom (1990), con Tones sentará las bases de dicha consagración. De los temas incluidos en Tones, dos, concretamente Zap y Emerald Eyes, son regrabaciones de su álbum debut real, Seven Words, el cual ya hemos comentado que sería publicado oficialmente en 1998. Además, el tema Zap fue nominado a Mejor Interpretación instrumental de Rock en los Premios Grammy de 1987. 

Se puede considerar un trabajo casi enteramente instrumental, aunque contenga algún que otro tema  con partes de interpretación vocal. A través de los diferentes géneros y estilos musicales que Eric explora en el disco, muestra las gran calidad y versatilidad como guitarrista y como compositor que atesora. Nos va a deleitar con temas como Souful Terrain, una excelente fusión de blues y jazz, combinando suaves partes de guitarra con otras partes más enérgicas; Friends, una alegre y optimista melodía; Emerald Eyes, donde muestra su habilidad para combinar partes llenas de  melancolía con otras con más rabia y llenas de fuerza; o la joya Zap, junto con la anterior canción, provenientes de su álbum original de 1978, pero regrabadas para la ocasión. Una clara muestra de la destreza y habilidad técnica del guitarrista, que le valió la mencionada nominación a los premios Grammy.

Como muy bien indica el título del álbum, Tones es una clara muestra de la variedad de tonos de guitarra de los que es capaz Eric Johnson, desde la pureza y limpieza, donde parece que tocara un violín, hasta su perfecto manejo de la distorsión. Este álbum sentaría las bases del éxito que le llegaría posteriormente, merced a su gran trabajo aquí, tanto con la composición, como por su habilidad técnica, no ya sólo para tocar, también para ser capaz de transmitir, lo que convierte este disco en una auténtica experiencia sensitiva para los oídos.

0917.- I Saw The Light - Todd Rundgren

 

I Saw The Light, Todd Rundgren

     Something/Anything es el tercer álbum de estudio del músico canadiense Todd Rundgren, siendo además el primero editado en formato de álbum doble. El disco fue grabado entre los I.D. Sound Studios y los Run Recorders Studios de Los Ángeles, en los Record Plant Studios de Nueva York, y los Bearsville Studios de Woodstock, bajo la producción del propio músico, y publicado en febrero de 1972 bajo el sello discográfico Bearsville Records.

Tres cuartas partes del disco fueron grabadas por Rundgren tocando todos los instrumentos y cantando todas las voces, y la otra cuarta parte contenía una serie de pistas grabadas en vivo en el estudio sin sobregrabaciones, excepto un breve fragmento de grabaciones de archivo de la década de los años 60. Tal era la confianza de Rundgren, que más allá de tocar su instrumento fuerte, la guitarra, y los teclados, decide abordar la grabación de todos los instrumentos, y para ello decide mudarse a Los Ángeles con el propósito de grabar un disco el solito y sin ayuda de nadie. Cuando ya tenía mucho material creado, un terremoto sacude la ciudad de Los Ángeles, y el músico se muda a Nueva York para algunas sesiones en vivo, y posteriormente a los estudios Bearsville, donde finalizó este trabajo. Y muy mal no se le da la tarea, pues el disco llegó a alcanzar el puesto número 29 en la famosa lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este disco se encuentra I saw the Light, una canción escrita e interpretada por Todd Rundgren. La canción fue lanzada como tema de apertura del álbum doble, y en las notas del disco Rundgren afirma sobre la canción que tenía la intención de que esta fuera el éxito del disco y por eso copió la tradición de poner los temas con más probabilidad de ser exitosos al comienzo del disco. Estamos ante una canción escrita en 20 minutos, y para tal proeza Rundgren atribuyó a su dependencia a los estimulantes como el Ritalin "para producir canciones a un ritmo increíble". En cuanto a la temática, nos relata la historia de un joven que se encuentra confundido, un adolescente que se topa con su primera aventura amorosa y no sabe si realmente ama a la chica.

0916 - Aretha Franklin - Rock Steady

0916 - Aretha Franklin - Rock Steady

"Rock Steady" es una canción interpretada por la legendaria cantante estadounidense Aretha Franklin. Lanzada en 1971, y pronto se convirtió en uno de sus mayores éxitos y en un himno del soul y el funk.

Desde los primeros acordes, "Rock Steady" cautiva con su ritmo contagioso y enérgico. La canción está impregnada de una atmósfera festiva y llena de vida, que te invita a moverte y bailar al compás de la música. El ritmo distintivo, caracterizado por una batería potente y un bajo vibrante, establece el tono de la canción desde el principio y no te deja quedarte quieto.

La voz de Aretha Franklin brilla en "Rock Steady" con su poder y su emotividad. Con su estilo inigualable, Aretha Franklin llena cada nota con una pasión y una fuerza que solo ella podía transmitir. Su interpretación es llena de vida, mostrando su habilidad para combinar el soul, el funk y el gospel de una manera única. A medida que avanza la canción, su voz se vuelve aún más poderosa y llena de alma, elevando la experiencia auditiva a un nivel completamente nuevo.

La letra de "Rock Steady" es una invitación a dejarse llevar por el ritmo y disfrutar del momento. Habla de la necesidad de encontrar un lugar en el que puedas sentirte libre y moverte al compás de la música. La canción se convierte en un himno de la liberación y la expresión personal, transmitiendo un mensaje de alegría y empoderamiento.

"Rock Steady" es un testimonio del talento y la influencia duradera de Aretha Franklin en la música popular. Su voz inigualable, combinada con la energía contagiosa de la canción, la convierte en una pieza atemporal que sigue emocionando a las audiencias hasta el día de hoy. Es un clásico que resiste el paso del tiempo y que merece ser celebrado como una de las mejores creaciones de Aretha Franklin y del género soul en general.

Daniel 

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0915.- Laundromat - Rory Gallagher

 

Laundromat, Rory Gallagher

     Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en Taste. Rory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk.

Incluido en este álbum se encuentra Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de Taste. Rory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Según el hermano de Rory, Donald Gallagher, "Taste estaba en las listas de éxitos, encabezando los principales festivales, pero sin ver recompensa alguna en forma de ganancias. Más tarde cuando me convertí en representante de Rory, insistí en que fueramos a los tribunales para obtener las regalías, pero Rory estaba reacio, no le gustaba el  conflicto". Y es precisamente esa bondad de rory, rara avis en un artista de primer nivel, la que no traslada a esta brillante canción sobre el placer de dormir en una simple lavandería, y donde a pesar de no tener ropa que lavar, puede encontrarse con amigos en la misma. Rory afirmaba en una entrevita hecha en 1991 sobre su forma de escribir: "Trato de sentarme y escribir una canción de Roy Gallgher, que generalmente resulta ser bastante blues. Trato de encontrar diferentes temas y tems que no hayan sido cubiertos antes, he hecho canciones en todos los estilos diferentes... entrenar blues, beber blues, blues económico. Pero siempre trato de encontrar un ángulo diferente en todas esas cosas". A quién, si no, se le podría ocurrir hacer un brillante tema sobre una lavandería...

0914.- Crest of a wave - Rory Gallagher

En la "cresta de la ola" compositiva e interpretativa estaba Rory Gallagher cuando publicó su segundo álbum "Deuce" (1971), un disco que, al contrario que su álbum de debut, huía de la perfección sonora para centrarse en reproducir en el estudio la energía y la fuerza de sus interpretaciones en directo. Grabado en formato de "power trío" (batería, bajo y guitarra), está considerado uno de los picos creativos del genial guitarrista irlandés.

Crest of a wave no es solo la canción con la que cierra el disco, sino que además es el momento más álgido y afilado de un álbum cuyo sonido ya es de por sí crudo e impactante. En la que es la auténtica canción estrella del disco, la batería y el bajo crean un impactante carril sonoro por el que la maestría de Gallagher con la guitarra y su gran dominio del slide alcanzan velocidad de crucero, entregando al mundo una obra maestra de apoteósica agresividad eléctrica, y haciéndonos sentir que realmente hemos llegado a la "cresta de la ola" de un disco de impactante escucha.

0913.- Can’t Believe It’s You - Rory Gallagher

Rory Gallagher, el gran guitarrista, cantante y compositor irlandés editó en 1971 su primer álbum en solitario. Recordemos que este gran guitarrista empezó su carrera muy joven en bandas como Fontana, o la más conocida Taste en formación de power trío. Desecho Taste, montó su propia carrera en solitario, que fue muy prolífica sobre todo en la década de los años 70. Fue en esa época en la que su paleta se amplió partiendo del rock y el blues, hasta llegar al hard rock o incluso el jazz. "Rory Gallagher" es el sencillo título del primer disco del guitarrista irlandés en solitario, después de su etapa con el grupo "The taste". Fue grabado en 1971, cuando Rory tenía 23 años. Por la foto oscura de la portada, ya casi se puede adivinar que se trata de un disco más intimista y personal. The Taste tuvo que disolverse pues el mánager del grupo les estafaba dinero contínuamente con las giras y las ventas de discos, esto provocó finalmente la ruptura de la banda y Rory Gallaguer optó por continuar su carrera con su hermano Donald y él mismo controlando la parte económica de su actividad musical.

Por todo esto sus ánimos no se encontraban en su mejor momento, aunque en lo referente a creatividad e interpretación, nos encontramos con lo que es para mí, uno de sus mejores discos. Ni muy enfocado al blues ni muy enfocado al rock, sino un punto intermedio muy personal, con algún acercamiento al folk y al jazz. Este primer disco ya tenía sobradas notas de la gran calidad que atesoraba y me parece un trabajo muy completo. Hoy me quedo con la canción Can't believe It's true, que acababa el álbum original (en las ediciones remasterizadas hay dos temas extra), un medio tiempo de una calidad tremenda donde suenan vientos y la mezcla con su guitarra es espectacular, caminando cual jam session a terrenos incluso jazz. En este tema, Gallagher logra conmoverte, a través de su forma de tocar la guitarra, a menudo salvaje y muy emotiva. En más de un caso tienes la impresión de que Gallagher se está volviendo loco con su stratocaster sin ningún tipo de restricción, pero funciona la consecuencia es que es bastante impulsivo y sincero, lo cual encaja perfectamente, porque el bluesrock se trata de transmitir emociones personales, y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.

0912.- Me & Julio Down By the School Yard - Paul Simon

 

Una cosa que Paul Simon comenzó a investigar inmediatamente después de que terminaron sus años con Art Garfunkel en 1970, fue la exploración de los estilos musicales del mundo. Desde el principio, tenemos "Mother and Child Reunion" de estilo reggae, "Me and Julio Down By the Schoolyard" que presenta instrumentación brasileña en su enfoque latino similar a la samba. En "Duncan", Simon presenta a Los Incas, el grupo musical andino que apareció en Bridge Over Troubled Water previamente. Estas tres canciones serían los primeros sencillos de la carrera en solitario posterior a Garfunkel de Paul Simon.

" Me And Julio Down By The Schoolyard" no necesita justificaciones, esta en el Top ten de canciones del año 1972, y mirando las listas de éxitos de ese año, creo que eso habla por si solo. El significado detrás de uno de los éxitos en solitario mas recordado de Paul Simon, menudo es difícil de ubicar, una valiente melodía popular, llena de inocencia juvenil y plagada de imágenes que se remontan a la propia adolescencia de Simon, donde cuenta una historia, pero al mismo tiempo no cuenta nada. ¿Hay algo que no ame en esa canción? ¿De qué trata la letra? ¡No tengo ni idea! Y, sin embargo, esas imágenes oscuras son tan hermosas, tan infantiles como parece ('Lo que vio tu mamá / esta fuera de la ley'). Juventud e inocencia, silbando una melodía que se te quedó grabada mientras volvías de la escuela a casa. Encantadora, aunque a veces sin sentido, deja muchas preguntas sin respuesta como "¿Qué vio mamá exactamente?" y "¿Por qué es contra la ley?" Pero la belleza de la canción está en su ambigüedad, que ofrece a los oyentes la libertad de crear su propia narrativa a partir de la melodía. La canción sigue a dos niños, el narrador de la canción y su presunto amigo, Julio, se supone que uno o ambos están en algún tipo de problema, cada vez que se menciona el nombre del narrador, mamá escupe en el suelo y papá dice: "si consigo a ese niño / lo pondré en la casa de detención".

Terminar una canción simplemente tocando los mismos tres acordes de siempre pero más fuerte. Para mí, la genialidad más cautivadora proviene de la forma en que Paul trabaja de tres maneras diferentes para que se cante el título de la canción: si vas a cantar algo tres veces, el procedimiento habitual es usar una estructura ABA, donde el la primera y la última repetición son iguales. En cambio, opta por un tipo de estribillo ABC, donde la última línea de la canción se siente totalmente inconclusa, muy ambivalente en cuanto al estado de ánimo. Tanto ABA como ABB se habrían sentido como resoluciones claras, pero ese último 'nos vemos a mí y a Julio en el patio de la escuela' es... un cambio tan preciso y genial en la forma habitual de proceder que llama la atención. (Ah, y Simon también logra la pronunciación correcta del nombre 'Julio'. Eso es tan elegante que no hace falta decirlo).

0911.- Stay with me - The Faces

"Stay with Me", incluida en "A Nod Is As Good As a Wink... to a Blind Horse" (1971),  el tercer disco de los británicos The Faces, alcanzó el número 17 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y el número 6 en la lista de singles del Reino Unido, en lo que fue el mayor éxito en Estados Unidos de la banda de Rod Stewart (voz), Ronnie Wood (guitarra), Ian McLagan (piano electrónico), Ronnie Lane (bajo) y Kenny Jones (batería), y uno de sus mayores hits en las Islas Británicas.

Escrita por Rod Stewart y Ronnie Wood, la letra describe a una mujer llamada Rita, a la que el protagonista de la canción le pide que se quede a pasar con él la noche, con la condición de que en ningún momento se enamore ni se plantee quedarse con él al despertarse a la mañana siguiente. En la voz de Stewart, y en las afiladas guitarras de un Ron Wood que acabaría fichando por los mismísimos Rolling Stones, la letra de este tema de sexo sin amor suena aún más rotunda y clara de lo que ya era por sí sola.

La versión de estudio se ha convertido, por derecho propio, en un joya de la música rock de los primeros años setenta, pero es también recomendable la versión que, más de veinte años después, Rod Stewart y Ron Wood grabaron en directo para el disco "Unplugged...and Seated" (1993) de Stewart, dentro de la serie de directos acústicos "MTV Unplugged" que la cadena televisiva estadounidense MTV grabó y publicó con un amplio abanico de grandes artistas. Los acústicos de Nirvana, Eric Clapton y el del propio Stewart fueron los más valorados, y la intensa interpretación de temas como "Stay with me" tuvo gran parte de la culpa de ese éxito. 

Disco de la semana 333: Legião Urbana su álbum homónimo

Disco de la semana 333: Legião Urbana su álbum homónimo

Queridos amigos del Rock, hoy les traigo esta recomendación para el de disco de la semana, pero es una recomendación compartida por unas amigas que conocí durante mi viaje a la ciudad de Sao Paulo. Por ello, el Disco de la Semana 333 está dedicado a quienes me han hecho descubrir el excelente rock brasileño. Después de investigar un poco, les traigo para que lo disfruten el álbum debut homónimo de la banda Legião Urbana.

Legião Urbana es una banda de rock brasileña que se formó en la década de 1980 y alcanzó gran popularidad en el país. Su primer álbum, titulado "Legião Urbana", fue lanzado en 1985 y se considera uno de los mejores trabajos de la banda. El álbum cuenta con canciones emblemáticas como "Será", "Ainda é cedo" y "Geração Coca-Cola", que se han convertido en himnos del rock brasileño.

El sonido de Legião Urbana es una mezcla única de rock, punk y poesía, con letras introspectivas y socialmente conscientes que abordan temas como el amor, la juventud y la desigualdad. El carismático vocalista Renato Russo, quien también era el principal compositor de la banda, dejó un legado musical duradero en Brasil.

Les invito a sumergirse en el álbum homónimo de Legião Urbana y descubrir la energía y la pasión de esta icónica banda brasileña. ¡Espero que lo disfruten tanto como yo lo he disfrutado!

Legião Urbana es una banda brasileña de rock icónica que dejó una huella imborrable en la escena musical de su país. Fundada en Brasilia en 1982 por Renato Russo, Marcelo Bonfá y Dado Villa-Lobos, la banda se convirtió rápidamente en una de las más influyentes y populares de Brasil. Su álbum debut homónimo, "Legião Urbana", lanzado en 1985, sentó las bases para el éxito futuro y consolidó su posición como una fuerza revolucionaria en la música brasileña.

El álbum "Legião Urbana" muestra la creatividad y la visión artística de Renato Russo, quien se destacó como cantante y compositor principal de la banda. Las letras de Russo eran poéticas, introspectivas y altamente políticas, abordando temas sociales y existenciales con una pasión y una sinceridad que resonaron profundamente en el público. La música de la banda fusionaba elementos del rock, el punk y la música brasileña, creando un sonido distintivo y poderoso que cautivó a la audiencia.

El álbum comienza con "Será", una canción enérgica que establece el tono político y crítico de la banda. La letra reflexiona sobre la incertidumbre del futuro y cuestiona el estado de la sociedad. La voz emotiva y carismática de Russo se destaca, transmitiendo las emociones y la intensidad de las letras de manera magistral. La canción "Ainda É Cedo" es otro punto destacado del álbum, con su ritmo frenético y su letra provocativa que plantea preguntas sobre el propósito y el sentido de la vida.

"Soldados" es una canción melancólica que aborda la soledad y el aislamiento en la sociedad moderna. A través de su letra introspectiva y emotiva, Russo expresa los sentimientos de alienación y desesperanza que muchos jóvenes experimentaban en ese momento. La balada "Por Enquanto" es uno de los temas más conocidos de la banda, y su mensaje sobre la fragilidad de las relaciones humanas y la impermanencia de la vida resuena profundamente en los corazones de los oyentes.

Legião Urbana también demuestra su versatilidad musical en canciones como "Geração Coca-Cola", una crítica feroz al consumismo y la superficialidad de la sociedad contemporánea. La canción es un himno generacional que captura la rebeldía y la indignación de la juventud brasileña de la época. Otro tema destacado es "Baader-Meinhof Blues", una mezcla de rock y música brasileña con letras que reflexionan sobre la violencia y la opresión política.

El álbum cierra con "Perdidos no Espaço", una canción oscura y emotiva que deja a los oyentes con una sensación de melancolía y reflexión. La letra aborda la desorientación y la sensación de estar perdido en un mundo caótico. A través de su música, Legião Urbana logra transmitir una amplia gama de emociones, desde la ira y la indignación hasta la tristeza y la esperanza.

"Legião Urbana" marcó un antes y un después en el panorama musical brasileño. La combinación de las letras profundas y poéticas de

Russo con la música dinámica y conmovedora de la banda cautivó a una generación de seguidores y les dio una voz a aquellos que se sentían alienados por la sociedad. El álbum fue un éxito comercial y crítico, y catapultó a Legião Urbana a la fama nacional.

El legado de Legião Urbana trasciende el tiempo y el espacio. A pesar de la trágica muerte de Renato Russo en 1996, la música de la banda continúa siendo relevante y resonando con los fans de todas las edades. Sus canciones abordan temas atemporales y siguen siendo himnos para aquellos que buscan respuestas y significado en el mundo moderno.

"Legião Urbana" es un testimonio duradero de la creatividad y el talento de una banda que se atrevió a desafiar las normas y dejó una marca indeleble en la historia de la música brasileña. Su influencia se extiende más allá de las fronteras de Brasil, y su legado perdurará como una de las bandas más importantes y queridas de América Latina. Este álbum debut es un hito en su carrera y un punto de partida para una trayectoria llena de éxitos y himnos inolvidables.

Daniel
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0910.- Sandman - America

America es el álbum de estudio debut de una banda estadounidense de folk rock formada en Londres, Inglaterra, Estados Unidos. ¡Sí, así es! ¡La banda America se formó en Londres, Inglaterra! Ok, sus padres eran militares de la Fuerza Aérea de los EE. UU. que estuvieron estacionados en Londres el tiempo suficiente para que el trío de Dewey Bunnell, Dan Peek y Gerry Beckley se conocieran en una escuela secundaria de Londres. Poco tiempo después, un día que estaban sentados ante una máquina de discos de la marca AMERICANA, Gerry, Dewey, y Dan, que venían tocando juntos desde hacía un par de años, y enamorados de las armonías vocales y guitarras acústicas de Beach Boys, Crosby, Stills, Nash & Young, y Joni Mitchell, deciden bautizarse como AMERICA, lo que venía, una vez más, a dejar bien claro lo mucho que echaban en falta el lugar de su procedencia, sin embargo, el hecho de que unos jóvenes que no pasaban de los veinte, que tocaban guitarras acústicas, eléctricas, piano, y armonizaban a las mil maravillas, representó, para cierto sector de la crítica yanqui, que America eran unos imitadores de C, S, N & Y. Este álbum, su debut homónimo, fue lanzado en 1971 con un éxito moderado, pero más tarde una canción de ese álbum, A Horse With No Name, les daría a conocer en todo el mundo, disco editado en Warner con producción de Iam Samwell con tantas influencias de Neil Young como de Bob Dylan, de los Byrds o de los Beatles.

En el año de publicación del álbum la Guerra de Vietnam estaba en pleno apogeo, el trío a menudo se encontraba con soldados que habían estado alli y escuchaban sus historias de guerra. Bunnell escribió esta canción basándose en algunos de esas historias que escuchó, historias sobre cómo cuando estaban destinados en Vietnam, tenían miedo de dormir por miedo a ser atacados, por lo que se quedaban despiertos todo el tiempo que podían (a veces con la ayuda de varias sustancias), ya que el sueño podría significar la muerte. El "hombre de arena" representa el sueño, al que temían, siempre estaban "huyendo del hombre de arena". Existe un rumor generalizado de que esta canción trata sobre el escuadrón aéreo VQ-2 de la Marina de los EE. UU. que anteriormente tenía su base en Rota, España. Sería lógico, ya que los miembros de América eran todos hijos de militares estadounidenses. Rota, la base naval española VQ-2 es la conocida como "Puerta del Mediterráneo".

0909.- A Horse With No Name - America

 'A Horse with No Name', es la canción más conocida del grupo de folk America, y ha sido objeto de una gran cantidad de interpretaciones desde que se lanzó por primera vez en 1971. Es una de las canciones misteriosas más famosas que jamás se haya convertido en un éxito. Tiene un enigma incorporado, lo que puede ser parte de su magia duradera. Al igual que "Norwegian Wood" de Lennon y otras canciones geniales aunque crípticas, no completa la imagen completa, sino que deja que el oyente lo haga por su cuenta. Pero, ¿cuál es el significado real de 'Un caballo sin nombre'? ¿Se entiende por 'caballo' como jerga de heroína en la canción?, nuestras teoría es una mas después de consultar diversas fuentes.  Originalmente titulada 'Desert Song', 'A Horse with No Name' tuvo su origen en la miserable lluvia. Dewey Bunnell, de la banda, explicó más tarde que "quería capturar las imágenes del desierto, porque estaba sentado en esta habitación en Inglaterra y estaba lloviendo, la lluvia empezaba a afectarnos y quería capturar el desierto, el calor y la sequedad.' La canción fue retitulada 'A Horse with No Name', con imágenes del desierto en la letra de la canción inspirada en los recuerdos de la infancia de Dewey Bunnell. Creció en California y pasó mucho tiempo cerca de la Base de la Fuerza Aérea Vandenberg, además de viajar en auto por Arizona y Nuevo México. La canción comienza con el cantante describiendo el paisaje del desierto, con sus plantas, pájaros, rocas y 'cosas' indeterminadas. Una mosca zumbante atrae la atención del cantante. El calor, se nos dice, era 'caliente' (más sobre esto también, a su debido tiempo). El coro describe cómo el cantante montó su caballo, un caballo sin nombre, a través del desierto y como el cantante se siente aliviado de estar en el desierto y fuera de la lluvia, la soledad también es buena, porque cuando no estás rodeado de otras personas que pueden causarte daño o daño, puedes recordar quién eres, pero tiene sus inconvenientes estar en el deierto, escribe cómo la piel del cantante comenzó a enrojecerse por la exposición al sol y ve el lecho de un río seco, después de nueve días de viaje por este árido paisaje, el cantor soltó al caballo, porque la arena se había convertido en un mar, ¿quizás un espejismo o una ilusión provocada por la exposición al calor del cantor?. En efecto, se trata de un tema de factura sencilla (¿cuántos aprendimos a tocar sus acordes con nuestras guitarras?), en el que Bunnell lleva la voz cantante y guitarra acústica solista, Beckley la acústica de 12 cuerdas, Peek, el bajo, y la adición de la batería de Kim Haworth, y el ritmo de percusión, a cargo del genial Ray Cooper, quien logra con su compás simular el sonido de los cascos de un caballo. En conjunto, todos ellos consiguen crear una atmosfera casi hipnótica de ese viaje por parajes desolados, lejos de la lluvia, con cielos sin nubes, el zumbido de una mosca impertinente, un sol abrasador que va enrojeciendo la piel, y un estribillo de lo más encantador:

Este es el significado principal de 'A Horse with No Name', una canción sobre alejarse del ajetreo y el bullicio de la vida y recuperar algo de soledad en algún lugar donde uno pueda tener tiempo y espacio para uno mismo, cualquier especulación adicional sobre lo que podría significar la letra de la canción es solo eso: especulación. Parece poco probable que la canción trate sobre la heroína (porque 'caballo' es la jerga de la droga), aunque esta interpretación parece atractiva a primera vista. Después de todo, si uno está drogado con heroína o 'caballo', que no se puede nombrar en la sociedad en general debido a su ilegalidad, es probable que uno esté sujeto a todo tipo de visiones y experiencias irreales que podrían coincidir con las alucinaciones semi-psicodélicas detalladas en la canción.

Moody Blue: La última joya musical de Elvis Presley #mesElvisPresley

Moody Blue: La última joya musical de Elvis Presley #mesElvisPresley 

El legado musical de Elvis Presley es innegable. A lo largo de su carrera, el Rey del Rock and Roll lanzó numerosos álbumes que dejaron una marca imborrable en la historia de la música. Entre ellos, "Moody Blue" se destaca como un trabajo especial. En esta reseña, exploraremos las canciones y la magia que envuelven este álbum, el último que Elvis Presley lanzó en vida.

Lanzado en 1977, "Moody Blue" presenta una combinación de estilos y emociones que capturan la esencia artística de Elvis Presley. El álbum comienza con el tema homónimo, "Moody Blue", una canción que evoca una sensación de melancolía y tristeza. La voz distintiva de Elvis Presley brilla a través de las letras, transmitiendo una profunda emotividad que resuena en los corazones de los oyentes.

El álbum continúa con una variedad de canciones que oscilan entre la introspección y la energía. "Unchained Melody" es una interpretación magistral de un clásico, donde la voz de Elvis Presley se desliza suavemente sobre la melodía, envolviendo a los oyentes en una atmósfera emotiva y romántica. Por otro lado, canciones como "Little Darlin'" y "Way Down" nos muestran la versatilidad musical de Elvis Presley, quien entrega su inigualable estilo de rock and roll.

Uno de los momentos más destacados de "Moody Blue" es la interpretación de Elvis Presley de la canción "It's Easy for You". Con una voz profunda y llena de matices, Elvis Presley logra transmitir una mezcla de tristeza y resignación que toca el alma. Esta canción destaca por su emotividad y se convierte en una de las favoritas de muchos seguidores del Rey.

El álbum también incluye una versión única de "I'll Never Fall in Love Again", en la que Elvis Presley le da su propio giro a este clásico del pop. Su interpretación cautiva con una combinación de vulnerabilidad y esperanza, mostrando la habilidad de Presley para apropiarse de una canción y hacerla suya.

En "Moody Blue", Elvis Presley nos regala momentos de alegría y nostalgia. Canciones como "She Thinks I Still Care" y "Let Me Be There" nos transportan a un viaje por sus diversas influencias musicales, desde el country hasta el rockabilly. La voz inconfundible de Elvis Presley da vida a estas canciones, dejando una impresión duradera en cada nota.

"Moody Blue" es una joya musical que demuestra una vez más por qué Elvis Presley sigue siendo un ícono en la historia de la música. A través de su voz excepcional y su interpretación única, Elvis Presley logra transmitir una amplia gama de emociones que resuenan en los corazones de los oyentes.

Este álbum muestra la versatilidad y el talento innato de Elvis Presley, quien fue capaz de adentrarse en diferentes géneros y emociones con facilidad. "Moody Blue" es un testimonio final de su legado, una obra maestra que encapsula su poderosa presencia musical.

A pesar de haber sido lanzado como el último álbum de Elvis Presley en vida, "Moody Blue" perdura como un recordatorio eterno de su influencia y talento. A través de sus canciones, Elvis Presley continúa tocando nuestras almas y dejando una huella imborrable en la historia de la música.

Daniel 

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0908- Sly and the Family Stone - Just like a baby

0909- Sly and the Family Stone - Just like a baby

"Just Like a Baby" es una canción icónica de la banda Sly and the Family Stone, que captura perfectamente su estilo único y su habilidad para fusionar géneros musicales de una manera innovadora. Lanzada en 1970 como parte de su álbum "Greatest Hits", la canción se destaca por su energía contagiosa y su mensaje optimista.

La canción comienza con un ritmo funk que de inmediato te atrapa y te invita a moverte al compás de la música. La combinación de las guitarras, los metales y la sección rítmica crea una base sólida sobre la cual se construye la canción. La voz de Sly Stone se eleva con su característico estilo lleno de alma y entrega, llevando consigo una dosis de positividad y alegría.

Las letras de "Just Like a Baby" hablan sobre el renacimiento y la transformación personal. Es un himno que celebra la capacidad de reinventarse y comenzar de nuevo, como un niño que experimenta el mundo con asombro y curiosidad. Sly Stone nos recuerda que siempre es posible dejar atrás los errores y las dificultades del pasado para abrirnos a nuevas oportunidades y perspectivas.

La canción se mueve entre secciones rítmicas pegajosas y coros enérgicos, creando una sensación de unidad y celebración. El mensaje de esperanza y redención se ve reforzado por la naturaleza expansiva y vibrante de la música de Sly and the Family Stone, que siempre se caracterizó por su capacidad para romper barreras y unir a las personas a través de su sonido.

"Just Like a Baby" es un claro ejemplo del talento y la influencia duradera de Sly and the Family Stone en la música. La banda fue pionera en fusionar el funk, el soul, el rock y el pop de una manera fresca y original, y esta canción encapsula todo lo que los hizo tan especiales. Su legado perdura en la historia de la música, y canciones como esta siguen siendo fuente de inspiración para generaciones posteriores de artistas.

"Just Like a Baby" es una canción brillante y optimista que muestra el talento y la originalidad de Sly and the Family Stone. Con su ritmo contagioso y letras esperanzadoras, la canción es un recordatorio de que siempre hay espacio para la transformación y la renovación en nuestras vidas. Es un clásico atemporal que sigue siendo tan vibrante y relevante hoy como lo fue en su lanzamiento.

Daniel
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That's the way it is - #MesElvisPresley,

"That's the Way It Is" ("Así son las cosas") publicado por Elvis Presley en 1970, es una curiosa y particular mezcla entre un disco de estudio, uno en directo y uno que recogiera la banda sonora de un film documental sobre su vida y sus interpretaciones en directo en las giras de aquel momento. Lo catalogamos como álbum de estudio por las ocho canciones que se grabaron en el estudio RCA Victor en 1970, a las que se añadieron las cuatro canciones que lo hacen también, y en parte, un disco en directo, registradas durante la serie de conciertos que Elvis dio en el International Hotel de Las Vegas en agosto de 1970.

Esta extraña mezcla pudo deberse a dos razones: En primer lugar que Elvis o su productor no estuvieran seguros de que las canciones grabadas fueran suficientes para llevar el disco a lo más alto de las listas de ventas, teoría que sustentamos en el hecho de que fuera la interpretación en vivo de "I just can't help believin" la elegida para abrir el disco, y uno de los singles que se publicaron del mismo. En contra de esta teoría estaría el hecho de que tanto temas como "Twenty days and twenty nights", "How the web was woven", "Mary in the morning" o la versión del "Bridge over trouble water" de Simon and Garfunkel, son de una calidad compositiva muy alta y la interpretación del "Rey" es emotiva y vocalmente brillante, y que "You don't have to say you love me" (con el rock and roll de "Patch it up" en la cara B) fue por mérito propio el single de adelanto del disco. 

Descartada entonces la teoría de la "confianza" en las nuevas canciones, la segunda razón cobra mucho más peso: la "necesidad" de completar el disco con más canciones. En una época en la que la salud y el modo de vida de la estrella estadounidense empezaban a mostrar signos de flaqueza y descontrol, quizá sus inesperadas ausencias del estudio no dieron para completar un disco entero, y qué mejor que tirar de la estadía del momento en el International Hotel de Las Vegas para sacarse de la manga cuatro interpretaciones gloriosas de la ya mencionada "I just can't help believin", "You've lost that loving feeling", "I've lost you" y "Just pretend".

El lanzamiento del documental del mismo nombre, construido a partir de imágenes de los conciertos y de la vida de Elvis durante ese período, contribuyó a la atmósfera híbrida y variada de un disco que, en contra de lo esperado para este tipo de discos que combinan canciones en directo y estudio, y que nunca suelen ser sinónimo de éxito (acordaros del Rattle and Hum de U2, por ejemplo), alcanzó el puesto 21 en la lista Billboard 200 de Estados Unidos y fue certificado como "disco de oro" por sus altas ventas. De hecho, el lanzamiento de "That's the Way It Is", y el de la película documental, revitalizaron la carrera de Elvis Presley que, sin perder a sus fieles seguidores de antaño, le permitieron además llegar a una nueva generación de oyentes, y el disco ha quedado para la historia como uno de los más icónicos de la etapa de madurez del gran cantante de Memphis.

Podríamos seguir preguntándonos el por qué de la decisión de mezclar canciones de estudio y de directo, y darle vueltas a si no habría sido posible esperar a grabar unos cuantos temas nuevos más, o incluso haber repescado algunas grabaciones inéditas anteriores, pero la realidad es que la extraña mezcla funcionó a la perfección. Puede parecer inexplicable, pero todo es posible cuando hablamos de un artista de la repercusión del gran Elvis Presley, y la realidad es que, lo entendamos o no, "Así es como fueron las cosas".

0907.- Strange Kind Of Woman - Deep Purple

 

Strange Kind Of Woman, Deep Purple

     El quinto álbum de estudio de Deep Purple, Fireball, es grabado en diez meses, un periodo que puede parecer mucho, pero la realidad fue otra bien diferente. En el periodo que comprende la grabación del material que comprende Fireball, el grupo da nada menos que 120 conciertos, a los que podemos sumar las grabaciones de los proyectos en solitario Gemini suite de John Lord y Jesucristo Superstar de Ian Gillan. La actividad del grupo es frenética, quizás porque John Colleta y Tony Edwards, los mánagers que guian los designios de la agrupación púrpura, ya habían saboreado las mieles del éxito y no querían que sus gallinas de los huevos de oro dejaran de producir.

El resultado es Fireball, publicado en 1971 por la discográfica Warner Bros. Records. Para la grabación del disco se utilizaron tres estudios, los De Lane Lea Studios y los Olympic Studios, ambos de Londres, y The Hermitage, en Welcombe, una localidad al norte de Devon, Inglaterra. Musicalmente, el disco tiene toques muy rockeros, pasando por momentos folk y psicodélicos. Ninguno de los componentes del grupo, Gillan, Blackmore, Lord, Glover y Paice, quedaron contentos con el resultado, pues el disco, al contrario de su antecesor, In Rock, no tenía una dirección clara en cuanto a sonido. el grupo achacó este desconcierto compositivo al hecho de tener que componer y grabar el material a ratos, mientras estaban inmersos en la agotadora gira de conciertos del disco In Rock. Sin embargo, el disco alcanzó el puesto número 1 en Reino Unido, Bélgica, alemania, Dinamarca y Suecia, convirtiéndose además en el primer disco que triunfaba en el mercado japonés.

Como promoción del disco fue lanzado el single Strange Kind of Woman, un tema que no fue publicado en la edición europea, pero sí en la que se edita en Estados Unidos, Canadá y Japón, y en el cual nos vamos a detener, pues es junto a Fireball una de las joyas e este álbum. En la europea fue incluido el tema Demon's Eye, que incompresiblemente se quedó fuera de la edición para Japón, Canadá y Japón. Lanzado como sencillo de adelanto del disco, el tema cuenta la historia de una mujer llamada Nancy, quien a pesar de no tener un bello rostro vuelve locos a todos los hombres. Sobre el tema, Gillan ha dado diversas interpretaciones, una decía que el tema trataba de uno de sus amigos que estuvo cortejando a una mujer con la cual se  consiguió casar, pero tres día después de la boda ella murió. Otra de sus versiones fue que el tema trataba de una prostituta que intenta librarse de su profesión. De hecho el tema debía llamarse Prostitute, pero sabiendo que iban a tener problemas con la censura decidieron cambiar el título. En directo no concebimos este tema sin el mítico duelo que solían marcarse al final del tema Gillan con la voz y Blcakmore con la guitarra. El tema, incomprensiblemente no fue editado en la versión europea, y en su lugar se incluyó el blusero Demon's Eye, temazo que también debería haber sido incluido en la edición para Estados Unidos, Canadá y Japón.

0906.- Quicksand - David Bowie

Injustamente considerada en un segundo plano histórico, por llevarse canciones como "Changes" "Life on Mars" o "Queen Bitch" los focos mediáticos del disco "Hunky Dory" (1971), "Quicksand" es una gran joya oculta de aquel álbum, y una de las mejores canciones compuestas por David Bowie a lo largo de su amplia y variada carrera.

Combinando la línea de canciones acústicas como "Space Oddity" y de sentidas baladas de piano y aire grandilocuente como la ya mencionada "Life on Mars", "Quicksand" arranca austera con unos acordes lentos de guitarra acústica, para después tapizarlos con una bella melodía de piano y unos brillantes arreglos orquestales, mientras la canción crece y en el estribillo explota en intensidad lírica y evocadora, en un tema que mezcla magistralmente estructuras de folk y rock con unos brillantes arreglos clásicos.

Al contrario que en "Life on Mars", en la que intentaba evadirse de una realidad en la que sentía uqe no encajaba, en "Quicksand" predomina una búsqueda de la verdad, aunque sea consciente de que ésta puede ser tan resbaladiza y peligrosa como si paseara por las "Arenas movedizas" del título de la canción. Es sin duda una de las letras más introspectivas y poéticas de Bowie, y una muestra más de la genialidad compositiva y el buen oficio de un artista que por entonces estaba tocado por la varita mágica del ingenio y la creatividad musical, todavía muy lejos de que, años después, casi perdiera el paso en las difíciles "arenas movedizas" que para artistas como él fueron los años ochenta.

0905.- Life on Mars - David Bowie

"Life on Mars" es una de las canciones más emblemáticas de David Bowie, un auténtico himno rescatado y arreglado para el disco "Hunky Dory" (1971), a partir de una letra cuyo origen se remontaba a un intento de Bowie de poner letra a la versión en inglés de "Comme d'habitude", canción compuesta en 1967 por Jacques Revaux, con letra de Claude François y Gilles Thibaut, que Frank Sinatra pretendía grabar para el mercado americano e inglés. La adaptación inglesa de Bowie llegó a tener el título de "Even a Fool Learns to Love", pero finalmente fue Paul Anka el que se llevaría el gato al agua, y con su letra se grabó la versión final, que no es otra que la archiconocida "My Way".

Al ser su versión rechazada, David Bowie repescó la poética y surrealista letra, y con nueva música y melodías, la convirtió en Life on Mars, que narra una búsqueda de una manera de escapar de una realidad caótica y confusa a través de la televisión, a través de un personaje en plena crisis existencial, que se plantea si habrá vida en Marte, pero que es también una crítica soterrada a la sociedad y la cultura pop de finales de los sesenta y principios de los setenta, sumergida en el consumismo y la superficialidad que la televisión fomentaba.

El piano y los efectos orquestales la convierten en un grandilocuente y curioso himno espacial, dotado de una gran sensibilidad melódica, y con guiños a "200l odisea del espacio", en especial al "Also Sprach Zarathustra" de Richard Strauss, que formaba parte de la banda sonora de aquella mítica película, y que a su vez se inspiraba en un libro de Friedrich Nietzsche. La interpretación vocal de Bowie es una de las mejores de su carrera, llevando la voz de registros más graves y suaves a momentos de gran intensidad, en tonos muy agudos e impactantes.

El gran Bowie supo reponerse, "como siempre" al rechazo a su letra para la canción de Frank Sinatra, y construir a partir de ella, y mucho más "A su manera", una canción ampliamente elogiada por la crítica, y que se ha convertido en un clásico atemporal de la música moderna, y uno de los himnos más celebrados de la discografía del genial músico británico, experto en convertirnos en astronautas, y en mostrarnos el camino hacia la evasión musical y la estratosfera del pensamiento.

Disco de la semana 332: Belle and Sebastian - If You're Feeling Sinister

Mi relación con If You're Feeling Sinister no fue amor a primera vista, me gustó el disco durante años antes de que se elevara a ese nivel más alto de favoritismo, pero recuerdo el momento exacto en que sucedió: sentado con la que sería mi mujer en un dormitorio pequeño y tenuemente iluminado tarde, tarde en una fría noche de invierno, los dos desconsolados y confundidos por diferentes razones, escuchando este álbum juntos, consolándose uno en la compañía del otro. Dije en ese momento que parecía exactamente el escenario en el que el álbum fue diseñado para ser escuchado. If You're Feeling Sinister me ha hechos sentir casi al extremo, es un disco que adoro, puede que mi reseña este altamente influenciada por ese momento.

Es posible que If You're Feeling Sinister no cause una gran impresión en su primera escucha, pero la segunda vez, alguna letra inteligente o floritura melódica se te pegará en la cabeza, y te verás obligado a volver a escucharlo y descubrirás una colección casi incomparable de canciones que compensan lo que podría faltarles de ambición innovadora, brillantemente diseñadas, meticulosamente arregladas e interpretadas con amor. No hay una sola canción en este álbum que no sea genial, no solo buena, genial. No se me ocurre ningún otro disco sobre el que pueda decir eso. Todo esto se debe al genio de Stuart Murdoch, se ha hablado mucho de su capacidad para construir estudios de personajes conmovedores y relacionados que no carecen de humor ni de sarcasmo mordaz. Con la excepción de Alex Turner de Arctic Monkeys y posiblemente Stephen Malkmus, así como Will Toledo de Car Seat Headrest, Stuart Murdoch es mi letrista favorito en el mundo, porque cuando está en su apogeo nadie hace un mejor trabajo describiendo la confusa experiencia de ser un adolescente, y especialmente de ser un adolescente que no encaja del todo. Los personajes que nos presentan aquí son un grupo ecléctico, pero casi todos ellos comparten la incapacidad de encontrar un lugar entre sus compañeros, un sentimiento con el que cualquier buen chico indie debería poder identificarse. Temáticamente no hay nada nuevo, es casi una ley por la cual cualquier álbum de indie rock o indie rock adyacente tratará sobre estar solo/deprimido/distanciado de alguna manera, pero la verdadera magia de Murdoch es su capacidad para incluir toda la gama de la experiencia humana, la felicidad y la tristeza, en estas canciones, aunque en general tratan básicamente sobre la soledad. El protagonista de "Like Dylan In The Movies" al principio teme caminar solo hasta su casa por el parque, pero finalmente encuentra la paz en su soledad, el personaje principal de "Judy and the Dream of Horses" es una paria totalmente rara, pero encuentra la felicidad después de abrazar sus propias excentricidades. Aquí radica la diferencia entre Murdoch y tantos otros chicos tristes independientes, como probablemente se los llamaría hoy, mientras que algunos artistas languidecen en su depresión y lo convierten en el tema definitorio de su música (Elliott Smith) o, lo que es peor, solo lo usan con fines estéticos (demasiados para nombrarlos), la profunda tristeza de las historias y los personajes de Murdoch en realidad solo se usa como exposición o trasfondo, por así decirlo, y es a donde van esas historias a partir de ahí, en eso radica la mayor parte del impacto de la letra. Ese enfoque hace que la composición de canciones sea más interesante y, en mi opinión, revela una visión del mundo matizada y más madura en general, una que preferiría escuchar en lugar de simplemente ventilar las quejas. Aunque incluso una simple exposición de agravios podría elevarse a la grandeza cuando la poesía es tan buena como aquí.

Una de las críticas más comunes dirigidas a Belle & Sebastian es que la instrumentación es aburrida o anticuada y realmente no agrega nada a la experiencia auditiva general, creo que esos críticos realmente no tienen razón aquí, donde casi todas las canciones tienen arreglos exuberantes y están llenas de pequeños detalles melódicos: la viola en " Fox In The Snow", uno de los aspectos más destacados del álbum y quizás su momento más conmovedor que se nos viene a la mente, es la forma en que los instrumentos en "A Fox in the Snow" que tienen cuidado de nunca dominar la voz de Murdoch, que se tensa bajo la emoción de las palabras a cada paso, "Se dice en la calle que te estás muriendo de hambre" o “Decirle a alguien toda la verdad antes de que te mate ”. Escuche, por ejemplo, cuán perfectamente se ejecutan esos crescendos y decrescendos en "The Stars of Track and Field", prestando a esa canción pop casi perfecta una calidad dinámica que incluso podría llamarse épica, o cómo un arpegio de campanas suaves introduce las cuerdas en el verso final de "Get Me Away From Here, I'm Dying”. Hay una plenitud y calidez en el sonido de este álbum que complementa a la perfección las letras y la voz de Murdoch, y la sobriedad de la instrumentación es absolutamente esencial para establecer el ambiente íntimo. Claro, es una gran razón por la que tal vez nada salte a la vista en la primera escucha, pero esa sutileza no es una debilidad, es una de las mayores fortalezas del álbum. En realidad, la música es prácticamente un escenario perfecto para la letra, es un poco de meta en "Like Dylan in the Movies" cuando la línea de bajo que rebota se detiene con la línea "When the music stop"; es la forma en que la muestra de apertura de un parque infantil en "If You're Feeling Sinister" desmiente por completo de qué se trata la pista real; es la forma en que las cosas se separan para el coro de "If You're Feeling Sinister" o las últimas líneas de cada verso en “I'm Dying", y es la forma en que los acordes en "Judy and the Dream of Horses” cambia a la mitad de los acordes principales, adecuado para cuando la canción se recupera tanto instrumental como líricamente.

If You're Feeling Sinister es una recomendación casi infalible, es el punto de partida obvio para empezar a explorar el trabajo de Belle & Sebastian. Si prefiere algo más ligero de lo que puedas encontrarte aquí pruba con Tigermilk o Push Barman para abrir viejas heridas. Si deseas escuchar más temas como "Get Me Away from Here", también deberías disfrutar mucho de Dear Catastrophe Waitress.

0904.- Changes - David Bowie

 

Changes, David Bowie

     El 17 de diciembre de 1971 aparecepublicado el cuarto álbum de estudio de David Bowie, Hunky Dory. El disco es grabado entre el 8 de junio y el 6 de agosto de 1971 en los estudios Trident Studios de Londres, bajo la producción de Ken Scott y del propio David Bowie, y publicado por el sello discográfico RCA Records.

Tras el lanzamiento en 1970 de The Man Who Sold the World, Bowie decide tomarse un descanso después de tanta grabación y gira. Es durante ese tiempo cuando Bowie se pone a la tarea de escribir canciones nuevas utilizando un piano. Posteriormente el artista reúne a los que serán su banda de acompañamiento, Mick Ronson (guitarra), Trevor Bolder (bajo) y Mick Woodmansey (batería), y se dispone a grabar el material que compondrá su nuevo trabajo, Hunky Dory. También contará con la contribución al piano de Rick Wakeman. 

Si en su anterior álbum, The Man Who sold the World, Bowie apuesta por un sonido orientado hacia el hard rock, mientras que en Hunky Dory se decanta por estilos como el pop rock y art rock. En cuanto a la letra el artista abarca en este álbum temas como la reinvención artística, el ocultismo, la filosofía de Nietzsche, y además en varios de su temas hace numerosas referencias culturales y literarias. Incluso decide dedicar una canción, Kooks, al a su recién nacido hijo por entonces, Duncan. 

A pesar de que la mayoría de la prensa musical británica y estadounidense tiene muy buenas críticas de este disco, este no consigue arrancar y no se vende como se espera, no llegando nisiquiera a las listas de ventas. Sería en 1972, después del éxito de Bowie, Ziggy Stardust, cuando Hunky Dory despega y se convierte en un éxito comercial. 

Incluido en este álbum se encuentra Changes, una canción reflexiva sobre como desafiar a tus críticos y dar un paso adelante por tu propia cuenta, sin importar lo que puedan opinar de tí. Toda una declaración de intenciones en una canción que nos habla claramente de la reinvención artística. Bowie escribió esta canción en un momento de su vida en el que estaba pasando por muchos cambios personales. su esposa Angela iba a dar a luz a su hijo Duncan, y el artista estaba muy emocionado por ello. Según el propio Bowie, la canción comenzó como una parodia de un club nocturno, sin embargo la gente siguió cantándola en los conciertos, hasta el punto de que acabaría convirtiéndose en una de sus canciones más populares y duraderas. No se hacía una idea el rtista de como aquella parodia se iba a convertir en uno de sus mayores éxitos. Dos últimas curiosidades de la canción, Bowie tocó el saxo en la canción, y Rick Wackeman, quien más tarde se convertiría en miembro de la banda de rock progresivo Yes, tocó todas las partes de piano, y el piano que utilizado no fue uno cualquiera, fue el famoso Bechstein de 100 años que había en los Trident Studios de Londres, el cual ya habían tenido la fortuna de tocar anteriormente artistas como The Beatles, Elton John o Genesis.

0903- David Bowie - Queen Bitch

0903- David Bowie - Queen Bitch

"Queen Bitch" es una canción emblemática del influyente artista David Bowie, lanzada en 1971 como parte de su cuarto álbum de estudio, "Hunky Dory". Esta canción se destaca por su poderoso estilo glam rock y letras provocativas, que capturan la esencia de la contracultura de la época y el espíritu rebelde que caracterizó a David Bowie a lo largo de su carrera.

Desde los primeros acordes, "Queen Bitch" establece un ritmo cautivador y lleno de energía, con una guitarra eléctrica distintiva que se convierte en una parte integral de la identidad de la canción. La melodía enérgica y pegajosa se combina perfectamente con la voz distintiva de David Bowie, llena de actitud y entrega apasionada.

Las letras de "Queen Bitch" son una mezcla ingeniosa de referencias culturales y desafío a las normas establecidas. David Bowie retrata a una mujer dominante y segura de sí misma, desafiando las convenciones sociales y rompiendo con los roles tradicionales de género. A través de su estilo lírico característico, el artista logra capturar la esencia de la época glam rock, donde la androginia y la liberación sexual se celebraban abiertamente.

La canción se inspira en el sonido distintivo de The Velvet Underground, una banda que tuvo una gran influencia en David Bowie. "Queen Bitch" es un homenaje directo a la música y el estilo de Lou Reed y su banda, pero con el toque único de David Bowie. La energía y la actitud desenfadada de la canción son un testimonio de la habilidad de David Bowie para absorber diversas influencias y fusionarlas en su propio sonido innovador.

"Queen Bitch" es un himno audaz y desafiante que captura la esencia misma de David Bowie como artista. Su estilo y actitud rebeldes se encuentran en la vanguardia de la canción, creando una experiencia auditiva inolvidable. La canción no solo se mantiene como un hito en la discografía de Bowie, sino que también se ha convertido en una de las canciones emblemáticas del glam rock y ha dejado una marca duradera en la historia de la música.

"Queen Bitch" es una joya musical que encarna la energía y la rebeldía de David Bowie. Su sonido distintivo, sus letras provocativas y su entrega apasionada se combinan para crear una experiencia musical inigualable. Esta canción sigue siendo una de las muchas pruebas de la genialidad artística de David Bowie y su capacidad para desafiar las convenciones y marcar su propio camino en la historia de la música.

Daniel
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0902- Badfinger - Baby Blue

0902- Badfinger - Baby Blue

"Baby Blue" es una canción icónica que forma parte del legado musical de la banda británica Badfinger. Escrita por el talentoso guitarrista y vocalista Pete Ham, la canción fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Straight Up". Desde entonces, ha dejado una huella imborrable en el mundo de la música y sigue siendo reconocida como uno de los mayores éxitos de la banda.

La canción comienza con un inconfundible y pegadizo riff de guitarra que captura instantáneamente la atención del oyente. A medida que la melodía se despliega, la voz de Ham se eleva con una mezcla de suavidad y emoción, creando una atmósfera melancólica pero a la vez esperanzadora. La interpretación vocal de Ham es intensa y evocadora, transmitiendo a la perfección la emoción y la nostalgia presentes en la letra.

La letra de "Baby Blue" es un llamado a una amante perdida, donde el protagonista expresa su deseo de reconciliarse y recuperar lo que alguna vez tuvieron juntos. Las palabras son sinceras y cargadas de nostalgia, lo que resuena con aquellos que han experimentado el dolor de una relación que se ha desvanecido. Esta combinación de letras profundas y una melodía inolvidable hace que la canción sea sumamente atractiva y conmovedora.

Uno de los aspectos más destacados de "Baby Blue" es su brillante arreglo musical. La banda logra una fusión perfecta entre guitarras estridentes y melodías suaves, creando un contraste interesante que añade profundidad y dinamismo a la canción. Los coros pegajosos y los arreglos de piano y batería también juegan un papel importante en la estructura musical, añadiendo capas de sonido que enriquecen aún más la experiencia auditiva.

A lo largo de los años, "Baby Blue" ha recibido el reconocimiento que se merece, gracias en parte a su inclusión en el último episodio de la exitosa serie de televisión "Breaking Bad". Esta exposición renovada permitió que la canción llegara a una nueva generación de oyentes, reafirmando su estatus como un clásico perdurable.

"Baby Blue" de Badfinger es una canción que merece ser escuchada una y otra vez. Con su cautivadora melodía, letras emotivas y arreglos musicales impecables, se ha convertido en un hito en la historia del rock. Tanto para los fanáticos de toda la vida como para aquellos que están descubriendo la música de Badfinger, "Baby Blue" sigue siendo una joya atemporal que trasciende el tiempo y deja una marca duradera en el panorama musical.

Daniel
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