829.- Paul McCartney - Too Many people

 La canción de apertura del álbum Ram de Paul y Linda McCartney de 1971 , 'Too Many People', fue un ataque sin ningún tipo de disimulo contra John Lennon y Yoko Ono. Durante muchos años, Paul McCartney se negó a admitir el alcance de las referencias hacia Lennon contenidas en Ram. Lennon respondería en su siguiente álbum con "How Do You Sleep", que también sería interpretado como un ataque directo a Paul.

El ambiente que rodeaba a Paul en esos días lo podemos definir en una palabra: Tormentoso. Se encontraba en medio de litigios judiciales derivados de la separación de los Beatles (el cadáver de la banda aun estaba tibio). El largo proceso legal desembocó en una guerra musical entre Macca y Lennon, y tratándose de una guerra de ‘hermanos’ fue inversamente proporcional al cariño profesado y sentimiento de unidad de antaño entre John y Paul. 

'Too Many People' es una canción, al estilo típico de McCartney, y es en realidad un tema bastante dulce y encantador, por lo que su doble sentido está bien escondido. McCartney no se atrevió a ser tan virulento como lo había sido Lennon. “El primer verso y el estribillo fueron prácticamente toda la ira que pude reunir”, dijo McCartney. “Y cuando hice la voz en la segunda línea, 'demasiados alcanzando un trozo de pastel', recuerdo cantarla como 'piss off cake', como puedes escuchar si pones atención. Nuevamente me estaba vengando de John, pero mi corazón no estaba realmente en eso, es cierto que sentí que John y Yoko les decían a todos qué teniamos que hacer. Y sentí que no necesitábamos que nos dijeran qué hacer. En todo momentos el exito de The Beatles se basaba que cada uno hacia las cosas por su cuenta, libertad y de repente fue "Deberías hacer esto" estaba enojado con eso”. “Es bastante leve; En realidad, no salí con ningún salvajismo”, agregó McCartney. “Es una canción bastante optimista. Realmente no suena tan vitriólico, y si no conocieras la historia, no creo que puedas adivinar la ira detrás de su escritura. Todo fue un poco extraño y un poco desagradable, y básicamente estaba diciendo, 'seamos sensatos'. Lo que realmente nos separó fueron las cosas de negocios, así que tratemos de ser pacíficos. Tal vez… demos una oportunidad a la paz”. En otras declaraciones confesó: "Él estaba predicando mucho y me tenía un poco harto. En una canción escribí: «Demasiada gente predicando». Creo que era la frase, quiero decir, era una puya contra John y Yoko. No había nada más en el disco sobre ellos. Oh, y también la frase «tomaste tu oportunidad y la partiste en dos». Fuera de estas peleas entre los Fab, «Too Many People» es una sibilina y notable canción rock, con notables cambios de acordes, y fantásticos ganchos a la guitarra eléctrica obra de McCartney.  El enloquecido solo de guitarra que finaliza la canción, cortesía del músico de estudio Hugh McCracken que sustituyó a Spinozza, se enlaza con un final country casi demencial en una de las pistas más arriesgadas que grabó nunca el bajista.

Pearl Jam - VS (Mes Pearl Jam)

Si la vaca (Atom Heart Mother) y el cerdo (Animals) son animales musicalmente famosos gracias as Pink Floyd, la oveja más icónica es la de la portada de VS (1993). La actitud marcadamente agresiva con la que intenta morder la valla que la mantiene encerrada, y el nombre elegido para el disco (VS es la abreviatura de "versus", que se traduciría como "contra", usado habitualmente entre los nombres de dos contrincantes en un enfrentamiento o disputa, cómo, por ejemplo, en David vs Goliath) son la mejor tarjeta de presentación de lo que ofrece al oyente el segundo álbum de la banda de Eddie Vedder y compañía.

Ante el desafío de enfrentarse a un segundo disco, tras el masivo éxito del primero ("Ten", 1991), se decidieron por un sonido más áspero y, en ocasiones, mucho más agresivo, y como si quisieran huir de la excesiva repercusión mediática de su antecesor, decidieron no rodar ningún video promocional de los singles de "VS", lo que no impidió que el disco ostentara el récord de vender casi un millón de copias en su primera semana a la venta, y se mantuviera en el primer puesto del Billboard 200 durante cinco semanas. Eran tiempos sin Youtube ni redes sociales, y sin videos que reproducir en la MTV, el éxito de VS se debió principalmente a las emisoras de radio y los pocos bares de copas que, ya entonces, se enfrentaban a la dictadura de la música house, disco y techno, agrupadas todas ellas bajo el término más coloquial de "música chunda chunda".

El mejor ejemplo que puedo poner, de este particular método de difusión, es el de un solitario bar de rock en Torrevieja, durante unas vacaciones de verano con mis amigos. Lo encontramos de casualidad la primera tarde, y acudimos a él día tras día, a tomar tranquilamente las primeras cervezas, antes de cambiar de tercio y dirigirnos a los abarrotados bares cercanos al paseo marítimo, a los que las chicas acudían embaucadas por los ritmos de la noche, "El tiburón", "La Macarena" o la que en ese momento sonara de Ricky Martin.  Por la compañía femenina se sacrificaban nuestros tímpanos, pero no sin antes haber pasado por ese otro bar, en el que sonaban cosas de AC/DC, Hendrix, The Troggs y algunas generosas raciones de lo que, por entonces, era lo más nuevo de Pearl Jam.

Allí, escuchamos por primera vez "Go", el primer single y la canción con la que comienza el disco, y otros lanzamientos posteriores como "Daughter",  el segundo single y uno de los grandes pelotazos del disco, que en aquel tiempo se convertiría en un auténtico himno de la banda. No faltaba tampoco "Animal", el tercer single, que tenía una agresividad y un ritmo que a nosotros nos llevaba de calle. En orden de lanzamiento, no debería dejar sin mencionar a "Dissident", el cuarto y último single que se lanzó de "VS", pero a decir verdad no recuerdo haberla escuchado en aquel bar, mientras que, por el contrario, la que no faltaba nunca, y la que a la larga se ha convertido también en uno de los estandartes de la banda de Seattle, era la espectacular "Rearviewmirror", que aún hoy me sigue poniendo los pelos de punta cada vez que la escucho, y no puedo evitar las ganas de ponerme a pegar saltos y, si no fuera porque los vecinos me mirarían raro, incluso me atrevería a morder alguna que otra valla, si hiciera falta. Lo cual demuestra que, al final, la oveja le ganó al tiburón la partida, porque ha permanecido en el tiempo con la misma actitud y fiereza con la que enseñaba amenazante los dientes en el mítico disco "VS" de Pearl Jam.

0828.- Uncle Albert / Admiral Halsey - Paul McCartney

"Uncle Albert/Admiral Halsey" fue publicada dentro del álbum "Ram" (1971) de Paul McCartney, y salió a la venta también como sencillo en Estados Unidos, convirtiéndose en el primer sencillo en solitario de McCartney en alcanzar el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense. Acreditada a Paul y Linda McCartney (que aparece además en los coros), es un claro ejemplo del tipo de canciones que McCartney empezó a hacer en el último tramo de su carrera con The Beatles, jugando con diferentes ritmos y mezclando partes de posibles canciones, como tan magistralmente había hecho en el disco "Abbey Road".

En "Uncle Albert/Admiral Halsey" abundan los efectos de sonido para lograr el efecto paródico y casi cinematográfico que tiene la canción (lluvia, truenos, viento, gaviotas, y hasta un teléfono sonando a la espera de que alguien responda a la llamada), pero lo más impactante son los cambios de ritmo y de melodía, que hacen pensar que, como el propio título indica, estemos ante la fusión de dos canciones bien diferenciadas. La primera estaría inspirada en el tío de McCartney, al que éste recordaba con cariño y añoranza, mientras que el "Admiral Halsey" de la segunda parte estaba inspirado en un almirante estadounidense (William F. Halsey).

Para lograr el efecto nostálgico y clásico que buscaba para la canción, McCartney llamó a su amigo y productor de siempre George Martin, que realizó los arreglos de las partes orquestales, a cargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por los que "Uncle Albert/Admiral Halsey" ganó el Grammy al mejor arreglo instrumental con acompañamiento vocal en 1971.

Figuras de los 80: Half Man Half Biscuit

“Esto era Birkenhead en los años 80”, dice Nigel Blackwell (izquierda), la fuerza impulsora detrás de la banda. “No había trabajo y no tenía nada que hacer. Podría haberme convertido en un idiota, una opción popular aquí en ese momento, o divertirme de alguna otra manera. La banda y las canciones que componían nuestro primer disco eran, supongo, de otra manera”.

La banda irrumpió en una escena indie a finales de 1985 con Back In The DHSS, un lanzamiento que no solo se convirtió en el álbum independiente más vendido de 1986, sino también en uno de los mejores álbumes independientes de esa década, la clave fue su sonido único, destartalado, subproducido y con un estilo lírico caprichoso, ingenioso y salvaje. Y a pesar de este éxito la realidad es que fue un álbum que no debería haberse hecho. HMHB son casi tan famosos por su enfoque lánguido para hacer música como por la música en sí.  “Para empezar, no teníamos intención de hacer una prueba, pero conocía a alguien en Vulcan Studios en Liverpool que estaba buscando un conejillo de indias para probar el lugar antes de que se contrataran a las 'bandas adecuadas'. Ahorramos dinero para darnos el capricho, entramos allí e hicimos una prueba con la mayoría de las canciones que se convertirían en el álbum”. Demo en mano, Nigel y el resto de la banda pensaron que sería divertido pregonarlo entre algunos de los sellos discográficos locales. “No pensamos que saldría nada de eso porque las canciones sonaban bastante ásperas y no se parecían a nada más que se estaba grabando en ese momento, muchas de las discograficas quedaron un poco desconcertadas, pero a algunas les gustó. Skysaw en Wallasey dijo que les encantaría lanzarlo, pero aseguraba que era un riesgo financiero o algo así. “Fuimos a ver a Alan Erasmus en Factory, quien prometió escucharlo, lo cual fue amable de su parte porque solo éramos unos chicos que habían aparecido con una demostración. Años después nos enteramos de que Tony Wilson quería ficharnos. Pensó que seríamos una buena banda para tener en el sello, como un antídoto contra la imagen maravillosa, aunque grisácea, de sus otros grupos. Pero cuando se decidieron, ya era demasiado tarde”. La pérdida de Factory resulto el éxito para Probe. En ese momento, la tienda de discos Probe en Liverpool era la meca para cualquier persona apasionada por la música alternativa, su sello discográfico, Probe Plus, operaba desde una habitación encima de la tienda “Estábamos listos para conectarlo todo en ese momento. Si el propietario, Geoff Davis, hubiera dicho que no, probablemente lo habríamos dejado. Pero no lo hizo. Al día siguiente se puso en contacto y dijo que quería hacerlo”. 

Escribe lo que sabes es una de las máximas de la vida, y es algo que Nigel se tomó muy en serio, el mundo de Back In The DHSS es visto a través de los ojos de una persona aburrida, cuyo cerebro ha sido deformado por la exposición excesiva a la televisión basura. Es un mundo en el que el jugador de bolos de Middlesex Fred Titmus sorprende a la gente en el parque local, donde la última moda de baile es la adopción de la postura ridícula del árbitro de billar Len Ganley y del tren de Trumpton, con su conductor drogado. “Traté de escribir letras sobre las relaciones y el amor, pero terminaron sonando como un montón de tonterías. Mis días en ese entonces, como muchos muchachos de mi edad, los pasaba frente a un montón de televisión de mierda, viendo fútbol y fumando, así que eso es sobre lo que escribí”. En lugar de otra canción con emociones sobre el amor no correspondido o la rabia contra la injusticia política (después de todo, esto era en los años 80), lo que encontraban fue a alguien despotricando sobre cómo el 99 por ciento de las estereotipos se parecen al hombre heterosexual de Benny Hill, Bob Todd. Las letras ingeniosas de Nigel y sus agudas observaciones también fueron inquietantemente proféticas, burlarse irónicamente de una cultura de celebridades, Back In The DHSS ahora parece casi visionario. Musicalmente la energía y la baja fidelidad que impregna todo el álbum es parte de su encanto y canciones como Fuckin' 'Ell, It's Fred Titmus y Venus In Flares siguen siendo irresistiblemente pegadizas. “Cuando escuchas el primer álbum hoy y lo comparas con otras bandas a mediados de los 80, suena realmente subproducido. Pero creo que eso fue parte de por qué a la gente le gusta”.

Después de su lanzamiento, y su ascenso en las listas independiente fue conscuencia entre otras cosas por la defensa por parte de John Peel (a menudo se refería a la banda como un tesoro nacional), esto ayudó a convertir lo que podría haber sido un lanzamiento discreto en algo que tuvo un impacto transformador en la banda. “El éxito fue un shock. Pasé de dar vueltas por la casa, ver la tele y jugar con la música a tener que hacer conciertos de repente. Así que fue un caso de 'joder, tenemos que empezar a ser una banda de verdad'. “No es que realmente lo hayamos logrado. Ni siquiera creo que luciéramos como una banda adecuada. Solíamos aparecer en los conciertos y los promotores asumían que éramos los roadies. Nuestro bajista incluso conducía la furgoneta”. Otro problema que creó el álbum (y que ha perseguido a la banda desde entonces) es la forma en que comenzaron a encasillarse como un grupo de comedia o novedad. “Al principio no me molestó porque éramos algo nuevos en todo esto, pero con el paso del tiempo comenzó a irritarme. No puedo decirte cuántas veces a lo largo de los años me han preguntado si escribí esa canción John Kettley Is A Weatherman, incluso ahora, los folletos de nuestros conciertos de vez en cuando dicen cosas como; 'ven a ver esta banda loca', es obvio que no tienen idea de quiénes somos realmente, de hecho, es algo sobre lo que bromeamos”.

Inevitablemente, el éxito del álbum creo una ansiedad por querer más, durante un tiempo, la banda obedeció y siguió con el maravilloso EP Trumpton Riots, que entregó otra porción de magia HMHB, pero aunque se pensaba que estaban a punto de abrirse paso, Nigel eligió ese punto para tomarse un largo descanso. “Algunas personas en la prensa pensaron que nos habíamos separado, pero no fue así. Fue más bien un año sabático. Back In The DHSS cambió mi vida por completo hasta el punto en que ya no disfrutaba estar en una banda. Odiaba hacer concierto tras concierto y todo se estaba convirtiendo en una tarea.  Además, el primer álbum tardó cinco años en hacerse, no sucedió de la noche a la mañana. En la música, la gente espera que saques un segundo álbum de inmediato, fácilmente podría haber hecho doce canciones, pero ¿cuál es el punto si no son canciones que consideras buenas? Finalmente regresaron con McIntyre, Treadmore & Davitt de 1991 y han seguido lanzando álbumes esporádicamente desde entonces. Pero para muchos fanáticos es el álbum debut el que ocupa un lugar especial en sus corazones. Curiosamente, sin embargo, no es un sentimiento compartido por Nigel. “Las canciones son buenas, pero no es como si las mirara con un cariño antinatural. Tocamos I Hate Nerys Hughes hace un tiempo y realmente lo pasamos genial, así que obviamente todavía son agradables de tocar pero, en realidad, no soy nada sentimental con ellos. Eran lo que sentí en ese momento, pero he escrito otras cosas desde entonces. Es un buen álbum, la gente lo disfrutó, y todavía lo hace, y eso es lo suficientemente bueno para mí”.

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

Amigos del rock, como cada vienes ponemos a vuestra disposición una recomendación de un disco, en este caso les traemos una banda Argentina, que salto a la fama en la década de los noventa. Estamos hablado de la banda La Portuaria, que es una banda con un sonido fusión, que incorporó ritmos hispanos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Un sonido alternativo que la banda supo muy bien explotar, y toda esa fuerza queda reflajada en su tercer álbum Devorador de corazones. 

Este álbum Devorador de corazones es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, que editado en 1993. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible, gracias al impulso dado por la canción "Selva" su corte de difusión del álbum, que obtuvo un Disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento.

La banda antes de lanzar Devorador de corazones había lanzado Rosas Rojas de 1989 y Escenas de la vida amorosa, en 1993 y como contamos llegaría el gran suceso para La Portuaria con el lanzamiento del álbum Devorador de Corazones. Su corte de difusión “Selva” fue, el mayor hit de la banda. Y dentro de la movida conocida como World Beat, la banda de Diego Frenkel, líder de la banda desarrollaba una fusión entre lo latino con el jazz, dando una interesante mezcla. Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como “Nada es Igual”, la hermosa "En la punta de un cabo", una interesante versión de "Zamba de mi esperanza" o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El álbum aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con “Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

Una banda por descubrir que esperamos que te guste.

Daniel 

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0827-. The Back Seat of My Car - Paul & Linda McCartney

 

The Back Seat of My Car, 
Paul & Linda McCartney

     Ram es el primero y único álbum acreditado a Paul y Linda McCartney, publicado en 1971 por el sello Apple Records. El disco fue grabado entre le 16 de octubre de 1970 y el 1 de marzo de 1971 en los Columbia Studios de Nueva York y los Sound Recording Studios de Los Ángeles, fue producido por Paul y Linda y publicado el 17 de mayo de 1971. El personal que colaboró en la grabación del disco además de la paraja, fueron los quitarristas David Spinozza y Hugh McCracken y el baterista Denny Seiwell. El lanzamiento de Ram coincidió con el periodo de tensión que había entre Paul y sus antiguos compañeros de banda en The Beatles, existiendo de por medio un arduo proceso legal para la disolución de los Beatles. El disco en un principio obtuvo una crítica desfavorable por una gran parte de la crítica especializada, sin embargo llegó a alcanzar unas cifras muy buenas tanto en el Reino Unido como fuera de dicho país, y con el tiempo ha sido calificado como uno de los mejores álbumes en solitario de Paul, aunque fuera grabado junto a su por entonces esposa, y también ha sido reconocido como uno de los primeros discos de la historia del llamado género indie pop.

Incluido en este disco se encuentra The Back Seat of my Car, escrita por Paul McCarteny, canción que se encarga de cerrar el disco. La canción llegó a ser lanzada después como sencillo, llegando a alcanzar el puesto número 39 en las listas de ventas del Reino Unido. Estamos ante una optimista balada que mezcla partes de piano y orquesta con secciones de rock. Paul comenzó a escribir este tema, cuando todavía era miembro de The Beatles, en un intento de componer la clásica canción de amor estadounidense bajo la temática de conducir con la chica que amas. Más concretamente, la canción fue un proyecto que quedó inacabado durante unas vaciones que Paul estaba dissfrutando junto por entonces su novia Maggie McGivern en Cerdeña en 1968. Según el propio Paul, esta canción se inspiró en los largos viajes por carretera que él y Linda solían hacer cuando The Beatles se estaban separando. La mayor parte de la canción es una balada a piano, pero alterna de forma magistral secciones orquestales y otras secciones de rock inspiradas en el rock and roll de los años 50, del cual Paul era una gran seguidor.

0826 - The Doors - Love her madly

0826 - The Doors - Love her madly

Love Her Madly es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors. Fue lanzado en marzo de 1971 y fue el primer sencillo de L.A. Woman, su último álbum con el cantante Jim Morrison. Love Her Madly se convirtió en uno de los mayores éxitos de los Doors;  alcanzó el puesto número once en la lista de sencillos Billboard Hot 100 y alcanzó su mejor posición, y en el número tres en Canadá.

La canción fue escrita por el guitarrista de la banda, Robby Krieger, que escribió Love Her Madly durante el período del donde Jim Morrison afrontaba un juicio en septiembre de 1970. Compuso la música mientras experimentaba con una guitarra de doce cuerdas, y se inspiró para escribir la letra de sus problemas y peleas con su entonces novia y luego esposa Lynn. Ray Manzarek ha dicho que el título de la canción fue tomado de la línea de Duke Ellington We love you madly, un eslogan que pronunció a la audiencia al final de sus conciertos.

Según el productor de The Doors, Paul A. Rothchild, Love Her Madly fue la canción que instigó su salida del L.A. original. Sesiones de mujeres, con Rothchild descartando la canción como "música de cóctel". Por el contrario, Krieger ha afirmado que "Riders on the Storm" era la canción a la que se refería Rothchild. Tras la salida de Rothchild del proyecto, los Doors optaron por autoproducir el álbum, en asociación con el ingeniero Bruce Botnick.

El lado B del sencillo, "You Need Meat (Don't Go No Further)", es la única grabación de estudio lanzada por los Doors durante el mandato de Jim Morrison con el grupo que presenta la voz principal del teclista Ray Manzarek. También es uno de los tres lados B de los Doors que no pertenecen al álbum, los otros dos son "¿Quién te asustó?" (cara B de "Wishful Sinful") y la relativamente rara pista posterior a Morrison "Treetrunk" (cara B de "Get Up and Dance"). "(You Need Meat) Don't Go No Further" tuvo su primer lanzamiento oficial de álbum en la compilación Weird Scenes Inside the Gold Mine, y posteriormente se incluyó en la caja de Perception de 2006 y como bonus track en la reedición de 2007 de L.A. Mujer.

Daniel 

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0825-. Riders on the Storm - The Doors

 

Riders on the Strom, The Doos

     El 19 de abril de 1971 la banda estadounidense The Doors publica su sexto álbum de estudio, LA Woman. El disco es grabado entre diciembre de 1970 y enero de 1971 en Los Ángeles, California (Estados Unidos), bajo la producción del mismo grupo y del ingeniero de audio y productor estadounidense Bruce Botnick. Elektra Records sería el sello discográfico encargado de la publicación y distribución de este álbum.

El grupo había alcanzado el éxito comercial la alabanza de la crítica en 1969, pero durante gran parte de ese año fueron incluidos en la lista negra de las listas de reproducción de radio, y sus reservas de conciertos habían disminuido debido a que su cantante, Jim Morrison, había sido acusado de blasfemias y exposición indecente en un concierto en Miami, Florida. En septiembre de 1970 Morrison fue condenado por dicho incidente, y poco después del veredicto el grupo ingresó en los estudios Susnset Sound Recorders de Los Ángeles para la grabación de lo que daría lugar a su siguiente álbum, LA Woman. Incluido en éste álbum se encuentra Riders on the Storm, canción de la que se cree fue el detonante para la salida del productor Paul A. Rotchild y la llegada de Bruce Botnick, algo que fue corroborado en su momento por el componente del grupo Robby Krieger y que fue desmentido por el propio productor. 

Esta fue la última canción que grabó Jim Morrison, pues luego se marchó a Francia, donde falleció unas semanas después. La canción fue lanzada como sencillo en junio de 1971, poco antes de la muerte del cantante. La canción es interpretada a menudo como un relato autobiográfico de la vida de Morrison. El se consideraba a sí mismo como un Rider on the Storm (Jinete en la tormenta). La alusión al "Asesino en el camino" es una referencia a un guión que escribió llamado The Hitchhiker (An American Pastoral), donde Morrison iba a interpretar el papel de un autoestopista que emprende una ola de asesinatos. La letra se puede intepretar como la representación del miedo recurrente de Morrison, que en un viaje en coche con sus padres, atravesando el desierto, vió un coche tirado en la cuneta tras un accidente. Personificó el impacto de aquella escena en la figura del asesino, que en esta ocasión hacía autostop en la carretera.

Al parecer el tema  evolucionó a partir de una jam session cuando la banda estaba tocando "Ghost Riders in the Sky", una canción sobre vaqueros de Stan Jones de 1948, que luego sería grabada por infinidad de artistas. El grupo trajo a los bajistas Marc Benno y Jerry Scheff para tocar en el álbum. Fue a Scheff a quien se le ocurrió la línea distintiva de la canción después de que Manzarek le tocara lo que tenía en mente en su teclado.

Pearl Jam - Ten (Mes Pearl Jam)

 

Ten fue el primer LP oficial de Pearl Jam lanzado el 27 de agosto de 1991. Actualmente, el álbum se ha convertido en el más vendido de Pearl Jam y está en muchas listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. Originalmente, Pearl Jam se llamó Mookie Blaylock en honor al famoso jugador de baloncesto, pero decidió cambiar el nombre de su banda y llamar a su primer álbum Ten en referencia al número de camiseta de Mookie Blaylock. El lanzamiento de Diezayudó a Pearl Jam a convertirse en una banda clave en la Explosión Grunge de Seattle junto con Nirvana, Alice In Chains y Soundgarden. Aunque parte de Grunge Explosion, el álbum debut de Pearl Jam es más rock alternativo que grunge.

 

 

Ten comienza tranquilo con "Once", se inicia con un ritmo ambiental lento acompañado de un ligero tamborileo, leves ruidos del murmullo de Vedder y pequeños ritmos a un lado que pronto desaparece con el sonido de la guitarra y la intensidad de la bateria. El bajo está justo en la mezcla y los instrumentos son bastante limpios, el solo de guitarra tiene una entrada y una salida muy interesante. Me gusta la voz de Vedder aunque tiene un sonido irregular, pero es extremadamente poderosa mientras grita quejumbrosamente durante los versos. La canción alcanza el clímax dos veces debido al solo del interludio, así como cerca del final debido a que Vedder repite el título de la canción. "Once" tiene algunas buenas cualidades de rock alternativo, pero es especialmente bueno como canción de apertura. Continua con “Even Flow" que se ha convertido en un clásico de los fans, y sin duda, merece serlo. Abre de inmediato con un gran ritmo de guitarra de rock alternativo seguido de algunos ritmos constantes combinados con un ambiente funky. No es demasiado agresiva y tiene una atmósfera más tranquila que "Once" influenciada por la voz más relajada de Vedder. Un buen sencillo de Rock Alternativo pero quizás demasiado prolongado. "Alive" hubiera sido mejor apertura que "Once", la voz de Eddie suena increíble en esta pista, las partes de guitarra son bastante limpias y el comienzo del solo es impresionante se está trabajando mucho mas la ejecución de cada parte, incluso la batería (el punto débil del álbum) se presenta en la canción con más claridad. Alive cuenta una historia de incesto en parte autobiográfica y en parte de ficción, así como la madre de Vedder que le revela cuando era un adolescente que quien él pensaba que era su padre era en realidad su padrastro y que su verdadero padre biológico estaba muerto, esto se descubre en las letras. “Why Go” comienza con algunos tambores pesados ​​y un bajoque rápidamente se convierte en un ritmo de rock funky de guitarra distorsionada seguido de la voz pesada e insegura de Vedder. Los versos son ligeros, principalmente con la voz de Vedder dirigiendo la canción hasta el curso donde el ritmo funky regresa con la guitarra. "Black" tiene una entrada suave, con unas letras muy potentes, en realidad, se pone muy poco esfuerzo a lo largo de la mayor parte de la canción, un poco de percusión ligera y un trabajo básico de guitarra constituyen la mayor parte de la canción. Aún así, sigue siendo una de las favoritas de los fans, probablemente porque la canción contiene un clímax perfecto al final con el delicado piano que se desvanece junto con la distorsión de guitarra de fondo, así como el débil "do do do do doo doooo" de Vedder . "Jeremy" puede ser fácilmente la canción más famosa de Pearl Jam y no es del todo por la canción. La mayoría de nosotros conocemos el video y si no, estoy seguro de que puedes encontrar a alguien que lo haga, "Jeremy" diré que es una canción sobrevalorada, pero eso se debe principalmente al video. Una canción bastante suave con una guitarra firme y una percusión suave y consistente combinada con una pandereta tenue. La canción está prácticamente dirigida en su totalidad por Vedder contando la triste historia de Jeremy y tiene un final excelente a medida que la guitarra se intensifica con un ritmo de percusión más rápido combinado con los gemidos que se desvanecen de Vedder.

"Oceans" es una joya porque es una melodía corta perfecta con instrumentación pesada. Comenzando con una breve guitarra suave, la canción continúa con una acumulación constante de bombos y apacibles gemidos de canciones de cuna, hay una parte que también contiene un ambiente tribal que refleja los misterios de la naturaleza. "Porch" nos traslada desde los apacibles "Océanos" hasta todo lo contrario, el infierno, tiene una letra contundente para comenzar y rápidamente se convierte en un torbellino de un ritmo con la letra escupida de Vedder en el primer verso. Justo en el medio, la canción se ralentiza hasta convertirse en un maravilloso solo de guitarra llevado a un ritmo lento. Sin embargo, lo que se ralentiza, una vez más se acelera, como si el comienzo volviera a convertirse en un torbellino con los gritos de Vedder para ayudarlo. "Garden" tiene un buen ritmo lento con Vedder hablando en suaves murmullos, suave y apacible, hasta que el curso se desarrolla con el estruendo de la guitarra eléctrica y la pesada batería de fondo, también tiene un clímax intenso al final con un buen solo. El problema es que tiene todas las características correctas, pero le falta algo, se parece demasiado a las otras pistas sin nada único que lo respalde. "Deep" es una guitarra eléctrica lúgubre con ritmos pesados ​​y una guitarra líder muy fuerte. La voz de Vedder también es increíblemente quejumbrosa y poderosa, lo que ayuda con el estado de ánimo de la canción, pero creo que carece de sustancia como pasa con "Garden", son un relleno. La última canción del álbum es "Release" una gran canción que se tambalea en la marca de los nueve minutos. Comienza con algunos breves gemidos de fondo de Vedder con una guitarra lenta y relajante y los ritmos más constantes, la canción, se recupera muy lentamente con una guitarra más fuerte y una batería más aparente. Llega al clímax con Vedder susurrando aullidos en un ritmo y ritmo que se desvanece. La canción comienza de nuevo, pero completamente diferente. Ahora la canción tiene ritmos ambientales y sonidos que son copias directas del comienzo de "Once". El ruido ambiental pronto se mezcla con los bombos de "Oceans" hasta que la canción se desvanece por última vez a los nueve minutos.

 

Ten es un álbum justo, ni un exito considerable ni un doloroso error garrafal. A medida que Pearl Jam exploraba nuevos terrenos, su material se volvió mucho más interesante, más variado y original y menos cargado de instrumentación excesiva y meticulosamente producida. El tercer y posiblemente mejor esfuerzo de estudio de Pearl Jam, Vitalogy , marcaría el final de su incursión en la escena 'grunge' de principios de los 90 y el comienzo de una banda que finalmente logró el sonido que siempre debería haber tenido. Y aunque muchos tienen sentimientos considerablemente más sentimentales hacia el debut de Pearl Jam, no es un álbum que deba ser proclamado como la obra maestra que los fanáticos incondicionales de la banda afirman que es. Sin embargo, el debut de Pearl Jam es una escucha agradable y es imprescindible para cualquier joven rebelde.

0824.- L.A. Woman - The Doors

"L.A. Woman" da título al último disco de The Doors con Jim Morrison, publicado en 1971, y es una de los himnos imperecederos que nos dejó la banda angelina. Grabada en el local de ensayo de The Doors en Santa Mónica Boulevard (Los Ángeles), es un tema largo (casi 8 minutos) y con cambios de ritmo y progresiones de acordes bastante complejos, lo que hizo que el grupo solo la interpretara completa en una ocasión en Dallas, en el que a la postre sería su penúltimo concierto.

Con la excusa o hilo conductual de la vida de una mujer de Los Ángeles, la letra (inspirada en el libro "La ciudad de la noche" de John Rechyes) es en realidad una descripción de la sórdida vida en la gran urbe estadounidense, que más allá de la percepción de ser un lugar lleno de "chicas en bungalows de Hollywood" o "afortunadas señoritas en la ciudad de la luz", es un reducto de "ángeles perdidos", en el que se puede "Conducir por sus suburbios, dentro de su tristeza" o por "Callejones de medianoche" por los que "vagan Policías en coches" y están llenos de "bares de topless". Morrison se enmascara a sí mismo como el trovador de la historia, refiriéndose a un tal "Mr. Mojo Risin", en realidad un anagrama de "Jim Morrison".

Como ocurriera también con "Hyacinth house" y otras canciones del disco "L.A Woman", Morrison grabó la parte vocal en el baño del estudio, debido a la reverberación de aquella habitación, y aunque la mayor exigencia vocal de "L.A Woman" pone mucho más de manifiesto el deterioro que el constante abuso del alcohol y el tabaco estaban produciendo en sus cuerdas vocales, la canción se beneficia de la voz rasposa y desgarrada del cantante, que transmite a la perfección la tristeza y la soledad de una anónima mujer de Los Angeles, ocultas tras el brillo de las luces de los bares, en los sucios callejones de la noche, magistralmente descritas por Morrison cuando canta a voz en grito: "Nunca vi a una mujer tan sola"

0823.- Hyacinth House - The Doors

"Hyacinth House" está incluida en el álbum L.A. Woman (1971), el último disco de The Doors con Jim Morrison, que fue el responsable de las letras, mientras que la música corrió a cargo de Ray Manzarek, que tomo prestadas partes de la "Polonesa en la bemol mayor, Op. 53" de Frédéric Chopin para el solo de órgano. El título hace referencia a la mitología griega, en concreto al personaje de "Hyacinth" ("Jacinto"), una bella amante del dios Apolo, que según el mito, la mató accidentalmente durante un concurso de lanzamiento de disco. Tras su muerte, y a partir de su sangre, Apolo creó la planta del jacinto.

Existen particularidades que hacen de esta canción una "rara avis" dentro de aquel disco. Mientras que el resto de temas de L.A. Woman fueron grabados en 8 pistas, "Hyacinth House" fue registrada en una grabadora de cinta de solo 4 pistas, y la voz de Morrison se grabó en el cuarto de baño del estudio, para lograr la acústica deseada. Irónicamente, la letra de la canción menciona precisamente un cuarto de baño ("Veo que el baño está libre, como si alguien estuviera cerca, estoy seguro de que alguien me sigue"), pero tiene una profundidad lírica que va mucho más allá de lo que pudiera parecer en una primera escucha, y es en realidad una continuación del lúgubre y fatalista mensaje de "The End", la mítica canción de su álbum de debut ("The Doors, 1967"), en la que Morrison hacía referencia a un premonitorio final, que acabaría encontrando en la bañera de un hotel de París.

Desde esa perspectiva, el mensaje de un hombre en el baño, intuyendo una extraña presencia, adquiere una profundidad inquietante y premonitoria. La conexión con "The End" es aún más evidente al seguir escuchando: "¿Por que tiraste la Sota de Corazones? Era la única carta de la baraja que me quedaba por jugar... Y lo diré otra vez, necesito un nuevo amigo: El final". Sin duda, "Hyacinth House" es una de las canciones más extrañas y tristes compuestas por Morrison, pero también una de las más profundas e intensas.

0822.- No soy de aquí - Alberto Cortez

 El cantante y compositor argentino José Alberto García Gallo, conocido artísticamente como Alberto Cortez, nació en Rancul el 11 de marzo de 1940.  Comenzó a grabar álbumes a principios de la década de 1960 e inicialmente disfrutó de una amplia aceptación. Fue conocido entonces con el sobrenombre de Mister Sucu Sucu, por la enorme popularidad que obtuvo con un tema así titulado. Compuso canciones de enorme éxito, hasta el punto que  lanzaba un EP cada tres meses. Pero en 1967, Cortez se cansó de tanta frivolidad y optó por una imagen más seria de artista integral en la línea de sus compatriotas Eduardo Falú o el gran Atahualpa Yupanqui. El 25 de abril de 1967 dio un recital en el teatro de la Zarzuela de Madrid, donde presentó su nueva faceta de cantautor. Contra lo que se podría esperar, triunfó, y en gran manera. En definitiva, abandonó su etapa anterior de canciones insulsas y fáciles y comenzó a trabajar en discos de alta calidad, el primero de ellos fue de poemas y canciones, recogiendo gran parte del mencionado concierto y su recepción fue buena.En 1969, el compositor y cantante publicó el primer gran álbum original de su nueva carrera. Allí incluyó temas que se hicieron clásicos como "Cuando un amigo va", "Abuelo", "Hay un Madrid" o "Manolo". Continuó editando discos con gran regularidad: Distancia, No soy de aquí, Equipaje, etc.

Fue gran amigo del también cantautor Facundo Cabral. Y cuando actuaba con él cantaban temas como ‘No soy de aquí ni soy de allá’, que es muy posible que escribieran juntos en 1968. La canción representa para muchos, un himno propio al forastero en que la vida, a veces sin planearlo, nos convierte. Muchas son las sensaciones que te invaden cuando regresas a tu hogar con la pretensión de recuperar de golpe tu pasado y las emociones que han conformado tu vida pero sólo tienes unos días para lograrlo. Quizás el sabor de un plato de comida de tu infancia, el abrazo y las confidencias de un amigo, pasar por el portal donde vivía tu primera novia … Los recuerdos y sentimientos te golpean desordenadamente para finalmente darte cuenta de que ya no perteneces a ese lugar, esta es la base de la canción.

Alberto Cortez es conocido como ‘el gran cantautor de las cosas simples‘ porque muchas de sus canciones se basan en hechos y personajes reales. O en los sentimientos y las adversidades de la vida.

0821-. Going Down - Freddie King

 

Going Down, Freddie King

     En 1971 aparece publicado el séptimo álbum de estudio del genial guitarrista, cantante y compositor de blues estadounidense Freddie King, titulado Getting Ready..., Este guitarrista, nacido en Texas y criado en su adolescencia en Chicago, fue uno de los que mejor supo entender y mezclar el estilo de blues de Texas con el blues de Chicago. El disco fue producido por Leon Russell y Don Nix, y publicado por el sello discográfico Shelter Records fundado por Leon Russell y Denny Cordell. El disco fue grabado en los Ter Mar Studios, fundado en 1950 por los fundadores del mítico sello Chess Records, Phil y Leonard Chess, y adquirido en 1969 por la corporación GRT Corporation. Para tal aventura, Freddie King contó con la colaboración de Claudia Lennear, Don Preston, Joey Cooper y Kathi McDonald a los coros, Donald "Duck" Dunn al bajo, Charles Myers y Chuck Blackwell a la batería, Don Preston a la guitarra, John Gallie al órgano y Leon Russell al piano y la guitarra.

Incluido en este álbum se encuentra Going Down, un tema que Freddie eleva a la categoría de sublime, aunque dicho tema no era suyo y no fue el primero en grabarlo. Dicho tema fue compuesto por Don Nix, quien fuera músico, compositor, arreglista y productor estadounidense, y quien curiosamente es uno de los productores de este disco. Don Nix tuvo un papel muy importante en la creación y desarrollo del llamado sonido Menphis Soul, el cual fue desarrollado en los famosos estudios Stax Records, y que tuvo como uno de sus máximos exponentes a Booket T & The MG's. Don Nix se dedicaba a la ingeniería musical, y comenzó su carrera musical tocando el saxofón en la formación Mar-Keys, el germen de lo que acabaría siendo Booker T & The MG's. Posteriormente Don abandona Mar-Keys para trabajar en la producción y composición para otros artistas. Por sus manos, además de Freddie King, pasaron artistas de la talla de George Harrison, John Mayall & The Bluesbreakers, Albert King, Jeff Beck, Brian May y Eric Clapton entre otros muchos. Going Down fue compuesto por Don y fue grabado por primera vez por un grupo llamado Moloch en 1969, en su álbum homónimo. Este tema ha sido versionado por gente como Jeff Beck, J J Cale, Bryan Ferry, Pearl Jam, Gov't Mule, Deep Purple, Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani, Lez Zeppelin, Joe Bonamassa o Sami Hagar entre otros. Aunque si tengo que elegir, siempre me quedaré con el "alma" y sentimiento que transmite la versión de The Texas Cannonball (La bola de cañón de Texas), como era conocido el bueno de Freddie.

Figuras de los 60: The 13th Floor Elevators

 

The 13th Floor Elevators estaba compuesto Roky Erickson, Tommy Hall, Benny Thurman, Stacy Sutherland, John Ike Walton y Ronnie Leatherman, y en muchos lugares es considerado el primer grupo de rock psicodélico, así como la primera banda underground en alcanzar el éxito comercial. En su música combinaron folk/rock, R&B y rock 'n' roll duro con letras místicas que defendió las virtudes de las drogas. Aunque The Elevators han influido en las bandas de punk y rock alternativo durante casi 40 años, como grupo duraron poco más que tres. Durante este tiempo, lanzaron tres álbumes: Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, Easter Everywhere y Bull of the Woods.--así como un álbum "en vivo" que en realidad era una colección de tomas descartadas de estudio. Los dos primeros álbumes de la banda se consideran clásicos de los géneros de garage y rock psicodélico. Su vocalista principal, Roky Erickson, un genio musical excéntrico en la línea de Brian Wilson de los Beach Boys y Syd Barrett de Pink Floyd, también es un esquizofrénico diagnosticado conocido por legendarias hazañas de consumo de drogas, se le considera un destacado cantante y un talentoso compositor cuyo trabajo en solitario posterior a Elevators incluye momentos de brillantez, así como temas e imágenes inquietantes, con tintes de terror y ocultismo.

 

The Elevators desarrollaron una reputación con brutales espectáculos en vivo y se hicieron muy populares en Texas. Una versión regrabada del himno punk de Erickson, lanzada a nivel nacional por International Artists Records, les dio popularidad en todo el país, sin embargo, el grupo era más que populares entre los Texas Rangers y otras autoridades locales, quienes no estaban contentos con el uso que el grupo hacía de las drogas y las proclamas al público para drogarse. En 1966, la banda fue arrestada por posesión de marihuana, pero fue liberada por un tecnicismo, poco después se mudaron a San Francisco sin Thurman, quien decidió quedarse en Texas y fue reemplazado por Ronnie Leatherman. En San Francisco, The Elevators se convirtieron en figuras influyentes en la naciente escena psicodélica, ayudaron a crear el "sonido de San Francisco", la característica música psicodélica que recibiría elogios de la crítica y el éxito comercial. A mediados de 1966, International Artists lanzó Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, considerado un debut innovador, sin embargo, debido al hecho de que International Artists decidió no publicitar a la banda para conservar su "mística", el álbum no logró llegar a una audiencia mayoritaria. Poco después del lanzamiento de Psychedelic Sounds, la sección rítmica de la banda se fue y fueron reemplazados. 

En 1967 The Elevators lanzaron su segundo álbum, Easter Everywhere, un álbum más trabajado y al que la crítica considera el mejor disco del grupo. Cub Koda de All Music Guide to Rock sugirió: "Cualquiera que quiera un álbum psicodélico real de los años 60 debe dirigirse directamente al mostrador y tomar este". En ese momento, sin embargo, la banda estaba empezando a desmoronarse, el golpe final se produjo en la ocasión en que Erickson decidió irse a casa drogado con ácido. Su madre, una ex cantante de ópera que había lanzado un sencillo local de 45 pulgadas, lo hizo internar en el Hospital Estatal de Austin, donde se sometió a un tratamiento de choque, después de este incidente, el comportamiento de Erickson se volvió errático e impredecible, el resto de la banda también mostró signos de que su consumo de drogas los estaba afectando. Cuando se les ofreció la oportunidad de hacer una gira por Inglaterra con el guitarrista Jimi Hendrix, la rechazaron para poder quedarse en casa y continuar drogandose. Hall y Erickson, destrozados por el ácido, fueron encontrados esperando en la fila para comprar boletos para uno de sus propios espectáculos en Austin. A fines de 1968, Erickson fue arrestado por un solo porro. Para evitar ser enviado a la prisión estatal de Texas, afirmó ser marciano. Las autoridades lo internaron en el Hospital Rusk para criminales dementes en Texas, donde fue sometido a tratamiento con torazina y otras drogas psicotrópicas durante tres años. Mientras tanto, International Artists lanzó el álbum pseudo-en vivo y Bull of the Woods, un disco que presenta canciones de la guitarrista principal Stacy Sutherland y composiciones inéditas de los dos primeros álbumes de la banda, aunque elogiado por la destreza musical y la composición directa de Sutherland, el trabajo generalmente se considera el menos efectivo de los esfuerzos de estudio del grupo. Al igual que Erickson, Sutherland y Hall fueron arrestados por drogas, y entraron en prisión, fue la chispa final para que el grupo se desolviera en 1969.

Los críticos consideran a The Elevators como arquitectos del rock ácido y como un grupo cuyas hazañas los llevaron a su desaparición. Mark Deming escribió en All Music Guide to Rock, señal "fueron pioneros en la escena del rock psicodélico y, con el tiempo, pagarían un alto precio por explorar los límites exteriores de la posibilidad musical y psicodélica ..." El músico de rock Steven Van Zant en el sitio web Little Steven's Underground Garage llamó a los Elevators "verdaderos visionarios del rock. Fueron excepcionales en una variedad de aspectos, apareciendo por primera vez en las tierras salvajes de Texas, presentando una instrumentación tremendamente inusual y un verdadero genio / loco en la forma del guitarrista / vocalista Roky Erickson".

0820 - Leonard Cohen - Avalanche

0820 - Leonard Cohen - Avalanche

Avalancha es una canción de Leonard Cohen. Aparece en su tercer álbum, Songs of Love and Hate, lanzado en 1971.

La letra se basa en un poema que había escrito anteriormente. Reconoció en una entrevista de 1992 con Paul Zollo que su "chop", su patrón único de tocar la guitarra clásica, está detrás de muchas de sus primeras canciones, y esta presenta el patrón de guitarra clásica sincopado y rápido característico de Leonard Cohen como acompañamiento en la grabación de la canción.

La canción de Leonard Cohen tiene varias covers y algunas de ellas son la de Nick Cave & the Bad Seeds que grabaron una versión de la canción para su álbum de 1984, From Her to Eternity. En 2015, como solista, Nick Cave volvió a hacer una versión de Avalanche para la temporada 2 de Black Sails.

También Aimee Mann grabó la canción como tema de apertura de la serie de televisión I'll Be Gone in the Dark (2020).

Y otra de las versiones es la de Ghost que grabó una versión de la canción para su álbum de 2018, Prequelle.

Daniel 

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El disco de la semana 321: Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space

Jason Pierce, también conocido como J Spacemen, se dio a conocer como líder de Spacemen 3, se inspiro para titular su tercer LP de estudio con la banda Spiritualized al leer la novela filosófica de Jostein Gaarder, Sophie's World, en la que se lee "'Ladies and Señores', gritan, '¡estamos flotando en el espacio!' Pero a ninguna de las personas de allí le importa". El título pretende poner el altavoz sobre aquellos que ignoran los orígenes de su planeta de origen, pero más que nada, suena genial. Spacemen 3, su grupo original, tuvieron sus momentos buenos, pero siempre estuvieron más preocupados por el pasado de una era pasada que por mirar hacia el futuro, retozando con la Neo-Psicodelia de movimiento lento, proveniente del movimiento Hippy de los años 60, Aquí Pierce viajó a las estrellas para hacer su primera ópera espacial complet, abarcando un tesoro oculto de géneros, el mayor logro de Pierce se produjo en el corazón de una tumultuosa ruptura con su compañera de banda Kate Radley, una que tocó su fibra sensible en un intento de evitar que viera la tierra desde lejos.

 

Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (I Can't Help Falling in Love) abre el disco, mimándonos con una esfera sónica mientras nos deslizamos por el ambiente suave, incorpora partes de "I Can't Help Falling in Love" de Elvis Presley , el producto es un pasaje dulce, soñador y conmovedor que se escucha con agrado, satisfactoriamente pero sin ser demasiado surrealista, pero lo suficientemente espacioso como para permitirnos abrir nuestra mente a la comodidades del ensueño, , una hermosa e ingrávida canción de cuna de dream pop poblada por un etéreo coro de gospel que suena como un coro de ángeles acunándote para dormir (incluso para el último sueño). Rápido cambio con el bullicioso fuzzbox de "Come Together" te golpea como para despertarte violentamente del sueño pacífico de su predecesor, tiene algunas letras alegremente sucias y profanas que rompen el estupor de la primera pista de la mejor manera posible. Rompe los cimientos, exhibición de Jason en su actuación más valiente del disco, a diferencia de las variaciones suaves y suaves mostradas en otros números, arremetiendo con frustración por cómo las drogas han consumido el vacío dejado por Kate Radley, con su voz dominante sobre el riff de guitarra gloriosamente distorsionado, explora los elementos más ruidosos en el reino del rock espacial, preparándonos para un viaje divertido a través de las esferas emocionales. 

A continuación, llega la épica de “I Think I'm in Love" que puede ser de lo más destacado, la composición es simplemente gloriosa, las letras son ingeniosas y están bien concebidas, la melodía es tan innegablemente atractiva, la canción parece pasar tan rápido porque uno está muy atrapado en ese momento, mientras Jason proclama al mundo, reprendiendo todo el pesimismo que se había arremolinado en su interior, un brillante conjunto de violín y trompeta se juntan en la melodía para ofrecer una conclusión triunfante que envía a Jason Pierce a toda velocidad a través de un trance de delirio, paranoia y cinismo alimentado por las drogas, mientras mantiene un irónico sentido del humor y autodesprecio que hace que ocho minutos pasen volando, como si fueran tres. Un suave repiqueteo de teclas del piano da la bienvenida a "All of My Thoughts" antes de que un órgano lleve la canción a una entidad pop de ensueño, mientras la suave voz de Pierce se desliza por las teclas antes de que el descenso en caída libre entre en el estribillo, un arrogante guiso de piano. guitarra, órgano, bajo y probablemente cualquier otro instrumento disponible en el momento de la grabación, antes de que se restablezca la paz. Es un doble sentido inteligente que encapsula perfectamente los temas generales de la soledad, la adicción a las drogas y la incertidumbre del lugar de uno en la vida que dominan el álbum El ambiente entusiasta nos lleva a lo largo de la suave "Stay With Me", enfatizada por la adopción general de la guitarra slide y los sintetizadores de la era espacial sin límites. La canción es lo más cercano en el álbum al territorio del shoegaze, sin embargo, llega al límite, una canción genial.

Después de un comienzo sólido, el álbum comienza a desmantelarse, fragmentándose como un cuerpo celestial en divisiones distintivas. Una influencia del rhythm 'n' blues resuena a lo largo de "Electricity", y cuenta con la actitud para reivindicarla, la melodía es una bala abrasadora que moldea la letra en su molde despreocupado, comprometiendo toda la actitud de "vive rápido, muere joven" y impulsándola al estado de "no me importa nada”, perderse en la armónica de blues entre las derivas desenfrenadas de la guitarra slide, especialmente cuando la canción comienza a descender hacia el caos mental. "Home of the Brave" es algo acústico antes de sucumbir a un zumbido, tal vez reflejando la sucumbencia de Pierce a la adicción a las drogas. El dron estalla en el trino instrumental "The Individual", que se arrastra hacia un paisaje sonoro de zumbido de blues atmosférico. Existe un segundo instrumental en "No God Only Religion", una lucha caótica en la línea de la anarquía orquestada, el ritmo y la melodía están ahí, sin embargo, están enterrados debajo de una sección de viento sobresaltada y un órgano melancólico perdidos en un mar de efectos de guitarra arremolinados. El objeto más pesado que flota en el disco es "Cop Shoot Cop", una improvisación espacial en expansión que abarca una guitarra de trémolo ruidosa y estruendosa, cantos vocales, una línea de piano rodante y un telón de fondo orquestal al estilo lounge que entra y sale de este gigante de la roca espacial. Está enterrado debajo de una sección de metales y un órgano inquietante perdido en un mar de efectos de guitarra arremolinados. Lo que realmente destaca en el segundo bloque del disco es el melancólico movimiento orquestal, "Broken Heart", en su estado de ánimo giratorio y desesperado, la canción redefine los límites de un álbum espiritualmente ilimitado, Pierce comienza a elevarse vocalmente, con esas notas ascendentes del violín, levantando su corazón roto mientras nosotros levantamos pacíficamente la cabeza para dejar de inclinarnos ante esos recuerdos consumidos por la tristeza y la pérdida. El violonchelo perfecciona el aura agridulce, pintando casi a la perfección a través de océanos de empatía el dolor de corazón de Jason Pierce en su pieza más conmovedora hasta el momento. Estamos agradecidos de tener otra aventura en el santuario orquestal en las vibraciones del alma de "Cool Waves", tal vez estimulando la popularidad de involucrar coros de acompañamiento al estilo gospel en Britpop, en su punto máximo por Blur en "Tender" en 1999. De hecho, lava un alma afligida y con el corazón roto, refrescando su optimismo y abriéndole los ojos al mundo nuevamente.

Puede haber quejas de que los esfuerzos de reactivación del rock espacial de los noventa no fueron más que tristes pases por esferas sónicas (solo lea las críticas negativas); sin embargo, creo que los esfuerzos de Spiritualized fueron singularmente diferentes, marcados por la ferviente pasión de Pierce por cimentar el carácter y la sustancia en cada canción, asegurando que cada canción te conmueva de una forma u otra. Y cada canción logra imponerme una impresión.

0819.- Famous Blue Raincoat - Leonard Cohen

Hay un famoso impermeable azul en algun sitio de este planeta que han dejado colgado, e incluso lo han hecho con dejadez, y ha quedado sumido en el olvido mientras el polvo iba invadiendo su superficie. Ese impermeable azul una vez protegia de la lluvia al cuerpo de un poeta, que decidio hacerse cantante y que nos estuvo regalando musica y poesia en perfecta consonancia, ese mismo impermeable mientras estaba cumpliendo la funcion por la que fue adquirido,fue robado del apartamento de Nueva York que pertenecía a la amante del compositor, Marianne Ihlen a principios de la década de 1970. Cohen nunca se volvió a reunir con su impermeable, pero lo hizo eterno, y quien mas que menos todos hemos querido saber que vió aquel impermeable azul, la culpa ser la excusa perfecta de una de sus canciones más queridas y enigmáticas. Lanzado en el álbum de 1971 Songs of Love and Hate ,"Famous Blue Raincoat" ofrece quizás la síntesis más clara de Cohen, el poeta y novelista, y Cohen, el cantautor, mientras transmite una historia vívidamente caracterizada de adulterio, arrepentimiento y soledad en solo cinco minutos. 

"Famous Blue Raincoat" de Leonard Cohen comienza a las cuatro de la mañana, una hora generalmente armada con ensoñaciones ebrias, pero ocasionalmente visitada en noches de insomnio, dejándote sin nada que hacer más que enviar grupos de búsqueda a los ríos sombríos del alma, y, como Cohen, escribiendo cartas a personas que solían jugar un papel mucho más importante en tu vida. La canción toma la forma de una carta dirigida a un hombre anónimo que, según sabemos, una vez intentó sin éxito alejarse de Jane, la esposa del escritor. (una versión ficticia del propio cantante). Pero esta no es una narrativa tórrida ordinaria de un triángulo amoroso, llena de egos heridos, amargura, culpa y recriminaciones. Confía en Leonard Cohen para que se le ocurra algo más sutil, sobrio y silenciosamente devastador. De hecho, la carta es curiosamente fraternal, incluso conciliadora con el rival del narrador, la tragedia aquí nunca fue la infidelidad, sino la forma en que el narrador se resignó a la decadencia de su matrimonio. "Gracias, por la molestia que le quitaste a sus ojos, pensé que estaba allí para siempre, así que nunca lo intenté", reconoce.en una línea deslumbrante que destila el corazón de la desesperación conyugal y la falta de comunicación. Pero tal es la rica ambigüedad de las palabras de Cohen que ninguna cantidad de análisis de la letra podría producir una interpretación definitiva de "Famous Blue Raincoat". ¿Hubo, por ejemplo, alguna vez un segundo hombre, o fue un alter-ego, una presencia espectral abstracta? ¿Es "ir limpio" un eufemismo para el sexo, o una referencia a una etapa de la Cienciología, en la que Cohen incursionó de manera inusual en ese momento?. Cohen proporcionó poca aclaración, posiblemente para no atenuar la naturaleza abierta e inescrutable de la canción, pero principalmente porque él mismo no tenía las respuestas. En una entrevista en 1994, admitió: “Era una canción con la que nunca estuve satisfecho. Siempre he sentido que había algo en la canción que no estaba claro”.

A pesar de sus reservas personales sobre la pista, Cohen continuó tocándola a lo largo de su larga carrera. Tal vez siguió volviendo a él con la esperanza de que con cada actuación  se acercaría más a descubrir finalmente algo de claridad dentro de la canción. O tal vez simplemente nunca dejó de extrañar su famosa gabardina azul robada.

Scorpions - Hour I (Mes Scorpions)

 

Humanity Hour I, Scorpions

     Mientras el mes de marzo va llegando a su fin, vamos a despedirlo dentro del ciclo que estamos dedicando este mes a Scorpions, con un álbum conceptual basado en la literatura de autores de ficción como Isaac Asimov y Philip K. Dick. A su vez, estas fueron mezcladas con la visión apocalíptica de humanos y androides del director de arte Liam Carl. Así cocinó Scorpions Humanity: Hour I en 2007, el decimosexto álbum de la banda germana, donde a través de todas esa ideas anteriores crean un cóctel y nos cuentan la historia de los supervivientes al final de la humanidad, y como estos, para organizarse nuevamente deben rescatar los valores más significativos de la raza; el amor, el compañerismo o la amistad entre otros. Según Klau Meine, querían hacer un álbum que estuviera actualizado, con un sonido más moderno pero sin perder la esencia del sonido del grupo. También afirmaba que "No era tanto experimentar, todavía queríamos un disco de Scorpions, pero no tanto un álbum de rock clásico como volver a los viejos tiempos, los años 80. Realmente queríamos que el disco sonara como ahora, en 2007".

Humanity: Hour I es grabado entre octubre de 2006 y febrero de 2007 entre varios estudios, los Little Big Guy Studios, Gentelmen's Club, Glenwood Place Studios, Track Record Studios, The Village y los estudios Record Plant. El disco fue lanzado en Europa el 14 de mayo de 2007 por el sello discográfico RCA / Sony BMG, y en Estados Unidos y Canadá el 28 de agosto de 2007 por el sello discográfico New Door / UME. Según Rudolf Schenker, la intención de este disco es que continuara donde su anterior disco, Unbreakable (2004) lo había dejado. El grupo tenía en mente contar para la producción del disco con Dieter Dierks, pero la cosa no cuajó debido a un desacuerdo sobre el contrato. Durante los conciertos del grupo en 2006, el grupo invitó a varios productores a venir a Alemania para una entrevista, pero los miembros de la banda no estaban muy contentos con lo que los productores ofrecían, por lo que al final eligieron al productor y compositor estadounidense Desmond Child y al productor, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido y mezclador estadounidense James Michael.

A finales de 2006, concretamente en octubre, la banda se trasladó a Los Ángeles para comenzar a grabar el material que comprendería este álbum. Estuvieron trabajando durante mes y medio en la grabación de pistas básicas para el disco. El grupo había llegado allí con 30 canciones ya escritas y poco después comenzaron el proceso de composición. Muchas de esas canciones tenían un tono demasiado oscuro desde el punto de vista lírico, por lo que optaron por eliminar muchas de esas canciones más oscuras y trabajar en temas más optimistas. Para que las canciones encajaran en el concepto del disco, los compositores tuvieron que reescribir las letras y los coros de las canciones. En el periodo comprendido entre octubre de 2006 y febrero de 2007 la banda consiguió grabar trece canciones, de la cuales fueron incluidas en el Humanity: Hour I. Una vez terminado el proceso de grabación, la banda comenzó inmediatamente la gira promocional, y dado que en ese periodo el material aún no estaba mezclado, el grupo tuvo que colaborar con Desmond Child a través de Internet en el proceso de mezcla, y para hacerlo tuvieron que descargar todo el álbum, obtener el sistema de altavoces apropiado y luego enviar comentarios a Child a través de la red. 

La portada del disco presenta a un robot humano con el logotipo de Scorpions en la parte posterior de su cuello. El disco recibió en general muy buenas críticas, destacando que el disco mostraba a una banda potente y poderosa como antaño, que su creatividad y musicalidad estaba aún intacta o que las ondas de la radio necesitaban mucho a Scorpions. Hay quien incluso catalogó este álbum como el mejor del grupo germano desde Crazy World (1990). Tampoco se libró de alguna que otra crítica negativa, hay quien afirmó que el disco sonaba más como si hubiera sido escrito para Aerosmith en vez de para Scorpions, o que era un disco plano y sin complicaciones. 

Humanity: Hour I me parece un disco más que interesante, nos encontramos ante un disco conceptual en el que curiosamente las canciones no están conectadas entre sí. Según Klaus Meine: "Es conceptual en el sentido de que 'Humaniti' es como un tema global que ronda y se repite a lo  largo de todas las canciones, pero no es conceptual en el sentido de que cada canciónestá conectada entre sí, como si fuese una historia". En cuanto al sonido, todo está en su sitio y se nota en el equilibrio que logran mantener entre el sonido nu metal y las melodías de los años 80 que tan bien saben manejar. Encontramos colaboraciones como la del multinstrumentista, compositor, cantante y fundador de The Hooters, Eric Bazilian, que toca la  guitarra en Love Will Keep Us Alive, o la de Billy Corgan (The Smashing Pumpkins) colaborando en las voces en The Cross. La banda suena compacta y contundente y Klaus Meine está a la altura, como podemos comprobar en temas como The Game of Life o We Were Born to Fly, temas que nos recuerdaa a esa poderosa banda de los 80 cuando estaban en pleno apogeo. Quizás uno de los momentos más planos del disco sea The Future Never Dies, donde el piano acústico de esta balada no es suficiente para hacerla despegar. Pero no importa, no deja de ser anecdótico, pues las guitarras de Matthias Jabs y Rudolf Schenker en You're Lovin' Me to Death hace que no enganchemos de lleno, en 321, un tema de corte nu metal, las melodías y el estribillo te contagia, o The Cross y Humanity, que se mantienen en una gran línea y hacen de este disco más que recomendable su escucha.

0818.- Photograph - Ringo Starr

 

¿Cómo crees que se sintió John Lennon por el hecho de que Ringo Starr tuviera un sencillo #1 antes que él? La respuesta: Lennon estaba orgulloso, era feliz, abordó la cuestión de Ringo en una entrevista de 1975 donde Lennon admite que él y los otros Beatles estaban un poco preocupados por Ringo cuando la banda se separó. Es difícil exagerar el nivel de buena voluntad que generó Ringo Starr durante sus años en los Beatles. Starr, el último Beatle en unirse a la banda, fue un gran baterista, por supuesto, era genial en formas que no siempre eran fáciles de percibir, sus pequeños y sutiles ajustes impulsaron algunas de esas canciones. Ringo fue esencialmente el héroe de A Hard Day's Night, y era divertido pero era el único Beatle que parecía vagamente normal, lo que lo hacía más querido. Era como si tu amigo más “tonto” se hubiera topado de alguna manera para unirse a la banda más importante del mundo. El estrellato en solitario de Ringo Starr no parecía fácil, aunque solo fuera porque no tenía el tipo de personalidad que llama la atención y que parece ser un requisito previo para el estrellato. Tocó discos de sus excompañeros de banda Lennon y George Harrison. Actuó en algunas películas, en su mayoría comedias: Candy , The Magic Christian , un spaghetti western de 1971 llamado Blindman, hizo un álbum de estándares de jazz y un álbum de country, los cuales previsiblemente fracasaron. Y así, cuando Starr explotó con "Photograph2, fue una sorpresa para todos, incluido el propio Ringo.

Ringo coescribió “Photograph” con George Harrison, los dos se alojaban en un yate que Ringo había alquilado para el Festival de Cine de Cannes y juntos hicieron una canción de ruptura, la historia de un chico que llora por un amor perdido y mira las fotos que son todo lo que le queda. Pero también es, en términos más generales, una canción sobre la nostalgia, sobre la pérdida de tiempos mejores. Tal vez fue, a su manera, una canción donde extrañaba a The Beatles…… O tal vez fue así es como el mundo lo interpretó. Hay una belleza musical en acción en “Photograph”: las cuerdas altísimas, el martilleo de los pianos, el sonido profundo de la guitarra acústica, las castañuelas enterradas en la mezcla, hay un solo de saxofón de Bobby Keys que logra sonar agridulcemente, lo cual no puede ser fácil. Como tantas producciones de Spector, es casi abrumadora de una manera profundamente satisfactoria. Y suena como una canción de principios de los 60, hasta el solo de saxofón, que probablemente tuvo mucho que ver con su éxito. Es una canción bastante simple, y parece bastante probable que a nadie le importe la canción si no les importa ya el tipo que la canta, pero sí les importaba el tipo que la cantaba. Starr cantó y tocó la batería en la canción, y Harrison tocó la guitarra y cantó coros.

A medida que los cuatro de los Beatles comenzaron a luchar por la identidad artística en el complicado ámbito solista, Ringo Starr comenzó a forjar un tipo de sonido diferente al del resto de sus antiguos compañeros de banda. Optó por algo un poco más pop y un poco más ligero que el rock experimental de McCartney, Lennon y Harrison. La influencia de Harrison en la canción también ayudó a que la canción se disparara a la fama. La canción tomó todo lo mejor de las melodías familiares y tarareables de los Beatles y la hizo fresca para la carrera en solitario de Starr. Humilde como siempre, Starr comentó más tarde sobre el papel de Harrison en su colaboración diciendo: "Solo sé tres acordes y él metería cuatro más, y todos pensarían que era un genio".

0817.- Aqualung - Jethro Tull

"Aqualung" es la canción que da nombre al disco más famoso de los británicos Jethro Tull. Escrita por Ian Anderson, a partir de dos versos compuestos por él y por Jennie Anderson, por aquel entonces su mujer,  e inspirados en una foto de un vagabundo que ella había hecho en Londres. Esos versos acabarían siendo los dos primeros de "Aqualung", la historia de un sórdido vagabundo, y aunque el disco del mismo nombre no es un álbum conceptual, el personaje aparece también en la siguiente canción del disco, "Cross-Eyed Mary".

"Aqualung" era el nombre del oscuro vagabundo inventando por Anderson, y le significado de la palabra refiere al tanque de oxígeno con el que los submarinistas respiran bajo el agua. Según el propio Ian Anderson, el nombre se le ocurrió al comparar la dificultosa y maléfica respiración de aquel personaje, con el sonido que los submarinistas producían al respirar bajo el agua con la ayuda de la escafandra y el tanque de oxígeno.

Anderson combinó los versos que había escrito sobre "Aqualung" con lo que le mismo describió como "un auténtico y tortuoso embrollo de acordes" con los que pretendía llevar a los oyentes de la canción a un carrusel de cambios de ritmo y a una combinación de pasajes intensos y melódicos que la hicieron tan particular y diferente. ​Con esta canción, los Jethro Tull lograron entrar en 1971 por primera vez en el U.S. Top 10 estadounidense, con un meritorio 7º puesto, que les alejó para siempre de cualquier riesgo de vivir en la calle como el depravado y tétrico personaje de "Aqualung".