Parts Of The Process, Morcheeba |
viernes, 1 de julio de 2022
El disco de la semana 282: Parts of the Process - Morcheeba
jueves, 30 de junio de 2022
546.- Odessa (City on the Black Sea) - Bee Gees
En 1969, los Bee Gees eran Barry Gibb: voz principal, armonía y coros y guitarra rítmica. Robin Gibb: voz principal, armonía y coros y órgano Hammond, melotrón y piano. Maurice Gibb: armonía y coros y bajo, piano, mellotron, guitarra principal y rítmica y voz principal en dos de las pistas de "Odessa". Colin Petersen tocaba la batería. El guitarrista principal de Bee Gees (y atractivo adolescente): Vince Melouney tocó en seis de las canciones de "Odessa", pero renunció amistosamente durante la grabación de "Odessa". Después de dos años de sólido éxito mundial y grandes éxitos, los hermanos Gibb no se llevaban bien durante las sesiones de grabación de este álbum y la huida en mitad de la grabación del álbum del guitarrista, dejó a los cuatro miembros restantes de la banda para completar el álbum, por lo que Barry, Maurice, Robin y el baterista Colin Petersen se encargaron de la tarea e hicieron exactamente eso. Lo que se les ocurrió fue una obra maestra. Curiosamente, casi se tituló Masterpeace en un momento. Lo mismo puede decirse de su primer álbum esencial de los Bee Gees en el '67. Odessa ha sido llamado un álbum conceptual, pero Barry Gibb disipó esa noción cuando fue lanzado en el '69…. “Puedes establecer una conexión con un par de canciones del álbum, pero más allá de esto no hay nada más,”. La idea de hacer un álbum doble no fue elección de la banda, sino de su manager, Robert Stigwood. "Robert quería un álbum doble, no sabíamos por qué", recordó Barry Gibb, "Creo que básicamente fue un asunto económico, si hacemos un álbum doble, todos ganan más dinero…. excepto el grupo". A Barry nunca le convenció la idea del álbum doble, y dijo sin rodeos: "Un solo álbum hubiera sido perfecto." Así que “Odessa” es bastante corto para un álbum doble (63:49) y se describe mejor como pop progresivo sinfónico.
La canción principal, "Odessa (City On The Black Sea)" establece el tono de todo el álbum, y es muy dramática, las magníficas florituras de la guitarra flamenca de Maurice Gibb se encuentran entre los aspectos más destacados de la canción, junto con el creciente océano orquestal de Bill Shepherd, las voces llegan como si descendieran del cielo. El estilo dramático siempre fue uno de sus puntos más fuertes en sus primeros años y aquí estamos ante una canción sobre la superviviente del ficticio barco británico 'Veronica', que flota sobre un iceberg en el Mar Báltico, se nos cuenta que 'el Capitán Richardson se dejó una esposa en Hull' y que ella encuentra consuelo en las oraciones del vicario. Sin embargo, las referencias a 'navegar por el Atlántico Norte', mudarse a Finlandia y, de hecho, a la propia Odessa, a primera vista, oscurecen una historia coherente, pero lo importante es que trata esencialmente de una soledad desconsolada que parece prolongarse para siempre. La historia se cuenta ostensiblemente desde el punto de vista del Capitán, pero a veces es como si de alguna manera casi pudiera ver o, al menos, imaginar, la vida que ahora lleva su esposa en casa.
miércoles, 29 de junio de 2022
0545-. Who Do You Love? -- Quicksilver Messenger Service
Happy Trails, Quicksilver Messenger Service |
Entra en escena una de las bandas de San Francisco que alcanzó gran popularidad en e área de la Bahía de San Francisco, que ese momento estaba en auge, el grupo de rock psicodélico Quicksilver Messenger Service.
El 29 de marzo de 1969 el grupo de San Francisco publica su segundo álbum de estudio, Happy Trails. Este disco tiene la particularidad de ser grabado a partir de dos presentaciones en vivo en los míticos Filmore East y Filmore West en 1968. El material del disco fue arreglado y mezclado en los Golden State Recorders de San Francisco, y publicado por el sello discográfico Capitol Records.
Incluido en el álbum se encuentra Who Do You Love Suite, una suite de seis partes de unos 25 minutos de duración que ocupa toda la cara A y que era básicamente un cover en directo del tema de Bo Diddley Who Do You Love?. El tema fue compuesto por el mismo Bo Diddley bajo su nombre real, Ellas McDaniel, y publicado por el mismo en 1956, convirtiéndose en uno de sus temas más populares y perdurables. Diddley utiliza un juego de palabras con la palabra Hoodoo, que era una religión similar al vudú y muy popular en el sur de Estados Unidos. Era habitual que los artistas de blues de la época utilizaran el término Hoodoo en sus canciones. El distintivo riff de guitarra usado por Diddley en este tema fue llamado "The Bo Diddley Beat". Diddley se inspiró para componer este tema en el éxito de Muddy Waters "I'm Your Hoochie Coochie Man", quería superar la arrogancia lírica de su compositor Willie Dixon, y la arrogancia interpretativa el propio Waters.
Quicksilver Messenger Service empezó a realizar asiduamente en vivo este tema de Bo Diddley entre 1966 y 1967 con su primer cantante y armonicista, Jim Murray. La canción tenía un arreglo de blues rock muy al estilo y ritmo de la original de Diddley. En 1967 intentaron grabarla para su primer álbum de estudio, pero la grabación quedó aparcada hasta que finalmente vió la luz en 1999 en el álbum Unreleased Quicksilver Messenger Service - Lost Gold and Silver. El tema, muy representativo de sus primeras actuaciones, tenía una duración de poco menos de seis minutos. Sería en 1968 cuando el grupo hizo con el tema un arreglo diferente, dividiendo su duración de unos 25 minutos en una suite de seis partes. En esta suite la melodía original de Bo Diddley desaparece casi por completo, y donde es más apreciable es Who Dou you Love Pt. 1 y Pt. 2, precisamente el inicio y el final de la suite de seis partes, la segunda sección, When You Love, tiene un sólo de guitarra interpretado por el gran John Cipollina y que está influenciado por el artista de jazz Gary Duncan, la tercera sección, Where You Love, contiene básicamente efectos de guitarra y la interacción de la audiencia, la cuarta sección, How You Love, regresa al tema de Diddley con la guitarra de Cipollina como protagonista, y la quinta sección, Which Do You Love, presenta unas magníficas líneas de bajo de David Freiberg.
Wildest Dreams - Tina Turner #mesTinaTurner
Wildest Dreams - Tina Turner #mesTinaTurner
Este mes de Junio paso por 7días7notas, una de las mujeres de la música más destacadas, no solo por el poder de su voz, sino por su presencia en los escenarios, y su influencia, que habría sido de la Música sin la influencia de una Tina Turner nos preguntamos, una inspiración para otras artistas.
Así que con el cierre del mes de junio, queremos despedir a esta maravillosa cantante con uno de sus últimos álbumes de estudio, hablamos de Wildest Dreams, un noveno álbum que la artista edito.
Wildest Dreams es su noveno álbum de estudio en solitario de Tina Turner, lanzado el 22 de abril de 1996 por Parlophone. Este éxito ha obtenido certificaciones de doble platino en el Reino Unido y en Europa.
El álbum incluye la canción GoldenEye, el tema de la película de James Bond del mismo nombre. Fue escrita por Bono y The Edge de la banda irlandesa U2 y fue grabada y lanzada como single en 1995.
La canción Confidential fue escrita y coproducida para Turner por el grupo británico Pet Shop Boys. El cantante y letrista de la banda, Neil Tennant, canta coros en la pista. La demostración original de Pet Shop Boys (con Tennant en la voz) se puede encontrar en el relanzamiento de 2 discos de 2001 de su álbum Very.
Unfinished Sympathy es una versión de la canción de Massive Attack. La canción All Kinds of People fue coescrita por Sheryl Crow. Más tarde, In Your Wildest Dreams se volvió a grabar a dúo con Barry White y se lanzó como sencillo, alcanzando el puesto 32 en la lista de sencillos del Reino Unido. La versión a dúo está incluida en la versión estadounidense del álbum, que tiene una lista de canciones diferente, se lanzó unos seis meses después de que se publicó por primera vez en Europa y en la mayoría de las otras partes del mundo, y presenta una portada alternativa.
El álbum también cuenta con la voz invitada de Sting en la canción On Silent Wings, que alcanzó el puesto número 13 en el Reino Unido. Wildest Dreams incluye un total de seis lanzamientos de sencillos europeos; GoldenEye, Whatever You Want, coescrita por Taylor Dayne, On Silent Wings, la versión de Turner de Missing You de John Waite, Something Beautiful Remains y la canción principal In Your Wildest Dreams.
En 1997, el álbum se lanzó como un paquete especial de edición limitada en Europa con un disco extra que incluye remixes, pistas que no pertenecen al álbum y grabaciones en vivo del concierto de Turner en Ámsterdam en el Wildest Dreams Tour. La edición de dos discos se lanzó con la misma imagen de portada que el álbum estadounidense.
Tina Turner una diosa de la música, junto a una carrera artística repleta de éxitos a pasado en este mes de Junio por 7días7notas.
martes, 28 de junio de 2022
0544.- My Way - Frank Sinatra
lunes, 27 de junio de 2022
0543.- The Thrill Is Gone - B B King
The Thrill Is Gone, B B King |
Completely Well, editado en 1969, es el decimoséptimo álbum de estudio que B B King. El disco fue grabado entre el 24 y el 25 de junio de 1969 en los estudios The Hill Factory de Nueva York, bajo la producción de Bill Szymczyk, y publicado el 5 de diciembre de 1969 bajo el sello discográfico Bluesway. En un principio el disco fue lanzado únicamente en formato Lp para el mercado estadounidense, siendo relanzado en 1987 en formato CD en Estados Unidos y en formato LP en Reino Unido.
Incluido en este disco fundamental dentro de género blues se encuentra la maravillosa The Thrill Is Gone, tema escrito por el bluesman estadounidense Roy Hawkins y por Rick Darnell en 1951, siendo grabada por primera vez por el propio Roy Hawkins en 1951, llegando a alcanzar el puesto número 6 en la lista estadounidense Billboard R&B de 1951.
Por aquel entonces B B King trabajaba como DJ para una emisora de radio de Memphis, y uno de los temas que solía tocar en directo era The Thrill Is Gone. La versión grabada por B B era un blues lento de doce compases tocado en una tonalidad de si menor y en un tiempo de 4/4. El tema, donde el artista nos habla de una relación sentimental que no sale bien, fue grabado varias veces por el bluesman hasta que le convenció finalmente el resultado.
La grabción de B B King supuso su primer gran éxito y uno de los mayores de su carrera, además de convertirse en una de sus canciones más emblemáticas, llegando a alcanzar el puesto número 3 en la lista Billboard Best Selling soul Singles y el puesto 15 en la lista Billboard Hot 100. El tema además le valió a B B King obtener un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal masculina de R&B en 1970, y posteriormente un premio Grammy Hall of Fame en 1998. La revista Rolling Stone llegó a colocar la versión de King en el puesto 183 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
domingo, 26 de junio de 2022
Tina Turner - Break every rule #MesTinaTurner
0542.- Say it loud! I'm black and I'm proud - James Brown
sábado, 25 de junio de 2022
0541 - Pale Blue Eyes - The Velvet Underground
viernes, 24 de junio de 2022
0540.- After hours - The Velvet Underground
Septiembre de 1968, Lou Reed
acaba de informarles a Moe Tucker y Sterling Morrison que John Cale está fuera
de la banda, tratan de persuadirlo, pero Reed lanza un ultimátum: se va Cale o
es el fin para The Velvet Underground. A regañadientes y ese mismo mes, poco
tiempo después de su último concierto con The Velvets en el Boston Tea Party,
Morrison le informa a John Cale que está despedido. El lugar de Cale lo ocupó
Doug Yule de la banda The Grass Menagerie, inicialmente en el bajo y el órgano,
así iniciaron las sesiones para grabar su tercer álbum en los TTG Studios en
Hollywood, California, durante noviembre y diciembre de 1968, bajo la
producción de la banda. Puede que este no sea el álbum más importante o
revolucionario de The Velvet Underground, pero sin duda es igualmente de
interesante, lo primera razos es que aquí tenemos un álbum completamente distinto
y diferente a lo que nos habían netregado hasta este momento, quizás el álbum donde
se mueven por mas estilos diferente, y donde demostraron que podían sonar tan
bien en tempos más bajos y volúmenes más suaves de como lo hicieron en los
volúmenes ensordecedores en The Velvet Underground & Nico y White
Light/White Heat ocasión perfecta para ver como los siempre experimentales giran
a un sonido más pop, con este cambio tan radical podrías pensar que la banda se
perdería y fracasaría en el viaje, pero todo lo hacen perfecto mantienen el tono
melancólico de los álbumes anteriores, al mismo tiempo que crea un sonido que
es mucho más accesible, una apuesta arriesgada que da como frutos un sonido
agradable que también tiene sus momentos de belleza.
"After Hours" es una de
las tres canciones de Velvet Underground que canta la baterista Maureen
"Moe" Tucker, las otras dos son "The Murder Mystery" y
"I'm Sticking with You". Lou Reed eligió que Tucker la cantara porque
era "inocente y pura" perfecta para la personalidad y la voz de
Tucker, esta elección, ya sea intencional o por casualidad, dio origen a una
canción muy querida por los seguidores de Velvet ya que estamos ante una pieza casi
única en el catálogo de la banda. Tucker suena un poco vacilante, incluso un puede
parecer nerviosa a lo largo de su actuación. Sin embargo, este ligero temblor queda
perfecto en la canción, ya que "After Hours" se trata de una persona
encerrada en su casa que mira con envidia el mundo exterior nocturno y desea
poder participar en él. Esta situación con la visión de cualquier otra banda
probablemente se convertiría en un homenaje a la vida nocturna y fiestas, pero esta
canción va un nivel más allá, la cantante ve a la gente bailar y
"divertirse tanto", pero se da cuenta que no forma parte de eso. Una
de las partes más conmovedoras de la canción es cuando Tucker canta "Ojalá
pudiera pasarme a mí", con una voz tan descontenta y absolutamente humana
que reconocemos nuestros propios deseos y la manera en que ella siente envidia
y deseos de esa vida nocturna, pero sin embargo no se atreve a unirse a ella. Aunque Lou Reed escribió la letra, es difícil
imaginar una interpretación más perfecta que la de Tucker, la convierte en una
canción inocente y pura, y el hecho de que Tucker no estaba acostumbrada a
cantar lo amplifica.
El disco de la semana 281: Breakfast in America - Supertramp
Hay álbumes en los que todo
confluye de forma perfecta, las composiciones, los arreglos, la interpretación,
la esencia de lo que es un artista o una banda, emerge convirtiéndose en un
todo indivisible, "Breakfast in America" es uno de esos álbumes y
los responsables fueron Supertramp. Este álbum fue una sorpresa en 1979, no
tenía nada que ver con la época y con la música que estaba de moda en ese momento,
simplemente estaba destinado a tener éxito debido a por su gran calidad y es
que los ingredientes eran perfectos, melodías memorables, letras llamativas y
mucha personalidad. Nadie puede culpar a esos cinco muchachos por haber buscado
un éxito comercial "haciéndose pop", porque si estás familiarizado
con sus álbumes anteriores, no puedes encontrar una falta de calidad sino un
plus de energía haciendo "Breakfast in America", una progresión
natural de todos los ingredientes de los que estaba hecha esta banda, "Breakfast
in America" se basa en canciones que tienen como base únicamente en
arreglos de piano y teclado aumentados por el hábil saxofón y los instrumentos
de viento de John Helliwell.
"Gone Hollywood", una de las mejores composiciones de
Rick Davies, abre el delicioso menú. Fade-in-piano seguido de un riff de
guitarra eléctrica con la poderosa voz de falsete de John Helliwell es
simplemente desgarrador, te hace saltar de la silla y aunque es una de las
composiciones más complejas de Davies, "Gone Hollywood" presenta
pausas sorprendentes y una parte media más lenta, inquietante y malhumorada con
el saxofón de Helliwell zigzagueando alrededor del piano de Davies mientras la
voz del cantante se lamenta: "Hoy no hay nada nuevo en mi vida". El
protagonista está pasado de moda, perdido en Hollywood... y sus sueños de
triunfar allí, uno por uno, simplemente se desvanecen. Uno solo puede
preguntarse qué sucedió cuando, al final, finalmente lo logró. Pero una cosa es
segura: tuvo que sufrir los momentos más difíciles y aferrarse a lo que quedaba
de sus planes, y el mensaje es claro: "Nunca te rindas, aférrate a tu
creencia, renueva tu fe, no importa cuántas veces, y aunque la gente te diga
que solo eres un soñador, que no te importe cuántas veces te encuentres solo en
el suelo después de haber sido rechazado. Estamos ante algo más que la historia
de un hombre que pretendía triunfar y finalmente ganó la batalla. "The logical Song", es la
canción insignia del álbum y encaja perfectamente después de Gone
Hollywood, ¿Qué te han enseñado y adónde
te lleva? ¿Qué queda por creer? ¿Cuál es la lógica detrás de todo esto? ¿Es
realmente lógico hacer lo que hacen los demás? Cuanto más sigues sus consejos,
más pierde tu vida lo que una vez la hizo tan buena, porque al final te convierten
de un niño que está siendo amado por sus padres, de una persona especial e
individual que es amado, pasan a reducirte a un número, uno de los millones que
se unen a la carrera de ratas, hechos para funcionar y, después de todo,
convirtiéndote en reemplazable. Y si no estás dispuesto a hacerlo... ojo, te
están poniendo su sello, hagas o digas lo que hagas, te van a marcar. Este
mundo quiere romperte el cuello y robarte los mejores valores que puedas
encontrar... o te vuelves loco, o simplemente te dicen que lo eres... por mucho
que luches por tu cordura. Hodgson se asegura de que un individuo sensible se
sienta (y se pierda) sin la fe y el recuerdo de los valores reales que la vida
misma tiene reservados. Tienes que encontrarlos (redescubrirlos) adentro, y no
puedes hacerlo mientras estés lleno de todas las cosas para eclipsarlo.
Entonces, el pensamiento en sí no te llevará a ninguna parte, la mente debe
vaciarse para la meditación. No es necesario que les diga nada sobre la música,
¿o hay alguien por ahí que aún no la haya escuchado? Una de las canciones pop
más ingeniosas y originales que jamás se hayan compuesto, lejos de ser simple. "Goodbye Stranger" parace las
mas fuera de lugar del tono del album, es una cancion quizas aspera, no tiene
un estribillo especial, parecía sonar tonto, t la letra... ¿no es ese un
hedonista sexual que vive a costa de los que están dispuestos a darle amor
explotando a las mujeres? ¿Y justificando su egoísmo con la necesidad de
"tener que hacer las cosas a mi manera para mantenerme en mi
juventud"? ¿Que es eso ? ¿Una
broma? Bueno, por supuesto que lo es. Y después de haber dado mi corazón en
vano más de una vez, después de haber obtenido finalmente la revelación de ver
a través de "el juego" que juegan los hombres y las mujeres, este
hombre tiene mi indulgencia seguro... sin piedad por esas mujeres, lo siento. .
El tiene razón. Él está pagando el precio de todos modos, simplemente está
jugando por algo diferente a un hogar. En retrospectiva, se puede ver como el
Hit-Single más grande y merecido de Rick Davies con la guitarra de Roger
Hodgson para ser la flor y nata del exceso de energía en el desvanecimiento...
el hombre se va y ahí va, sin final a la vista. No es tonto en absoluto.
Espléndido.
“Breakfast in America” empieza
con un teclado que parece crear un estado de ánimo casi malvado. No malvado...
espeluznante, grotesco, el bajo o los trombones (sea lo que sea) establece un
tono poderoso y le da a la letra cierta autoridad con una melodía que simplemente
es genial, con grandes coros y un estribillo impresionante, no hay otra palabra
para ello. ¿Y qué es eso que escucho? ¿Algún instrumento de viento de madera se
está volviendo loco? Si eso es. Las canciones más cortas pero compuestas del
álbum. "Oh Darling" es la canción de amor más positiva de Rick
Davies. El pretendiente de sus canciones finalmente lo está logrando, al final
todos lo esperábamos ya que es un amante honesto que, en su forma más sincera,
no pretende romper el corazón de la dama. Me encanta esta canción, la hice
desde el principio. Es un placer. Hizo a Rick mi hermano también (ya sabes, me
sentí hermano de Roger inmediatamente, y este fue el enlace que sirvió para
finalmente hacer lo mismo con Rick). Romántico, encantador y, de nuevo,
divertido. "Take the long way to home” es una irónica exploración
del estrellato de Roger Hodgson, todo lo que se le da bien en una sola canción.
Puede que te interesen cosas más serias, más progresivas y largas pero no creo
que esta cancion sea inferior, musicalmente hablando, simplemente es más
entretenida y muy inteligente... y tan conmovedor. Brillante como puede ser Roger
Hodgson en la cima del éxito. "Lord is it mine” es la gran balada
de Roger en el álbum, una oración cantada, magnífica, elevada, una vez más
expresando su búsqueda interior, así como su necesidad de encontrar un lugar
propio en este mundo. Lo ames o lo odies, pero para eso escribe canciones este
hombre: diatribas íntimas del un humano ante su creador.
jueves, 23 de junio de 2022
0539.- Cabinessence - The Beach Boys
20/20 no solo fue el último disco de la década para la banda, sino el último que publican a través de Capitol, tras los difíciles años que sucedieron al desastre del proyecto Smile. Eran finales de los sesenta y la banda se encontraba en una decadencia de popularidad a medida que la década que los convirtió en estrellas estaba llegando a su fin, pero no sin algunos últimos momentos de éxito. De alguna manera, este álbum puede verse como un retroceso a lo que vino antes, pero también como el primero de una sucesión de álbumes que comprenderían los primeros años de la década de 1970. Este álbum en particular fue creado artificialmente para cumplir contrato con el sello, por lo que se usaron canciones grabadas y desechadas de años anteriores (incluyendo de la época de Smile), covers y material compuesto por Dennis Wilson, quien en esta época empieza a mostrarse muy activo en materia de composición. En general, tal como en el disco anterior, el protagonismo es bastante repartido entre los seis miembros de la banda, ya sea como vocalistas líderes, composición e incluso producción y dirección artística. Brian se desentendió bastante de esta publicación, puesto que está internado en esta época, por este motivo es el gran ausente de la carátula.
Cabinessence era una canción destinada a ser publicada en el album Smile pero no dio tiempo a terminarla, asi que con algunos toques finales, se le dio un destino final aquí y se descubrió para el público como una obra maestra de producción con un sonido como ningún otro en la música pop. Carl ofrece un comienzo tranquilo y bonito en los versos antes de que la canción explote en sus coros, un collage de cuerdas pesadas, voces grupales y palabras habladas debajo. La sección final de la canción tiene un sonido psicodélico con cuerdas, una línea de bajo alucinante, una gran cantidad de otros instrumentos y una línea vocal inquietante repetida muchas veces antes de la canción se desvanece. Aunque hubiera sido más apropiado haber sido incluido en un álbum completo de Smile en 1967, fue una suerte que los chicos de la tienda de mascotas decidieran rescatarla, que Capitol les obligara a publicar un nuevo álbum para poder disfrutar así de otra de las grandes canciones que nos ha dejado este grupo americano que surgio cuando la música surf hizo su aparición en la historia y dejarnos para la historia ese último minuto (más o menos), con esa línea que se repite una y otra vez…. uno de los mejores minutos en el catálogo de The Beach Boys.
miércoles, 22 de junio de 2022
0538.- Kick out the Jams - MC5
Tina Turner - Foreign Affair #MesTinaTurner
Foreign Affair, Tina Turner |
Tina Turner venía de arrasar en las listas de todo el mundo con Break Every Rule (1986), y su posterior álbum en directo Live In Europe (1988), donde había contado con las importantes colaboraciones de Eric Clapton, David Bowie, Bryan Adams y Robert Cray. Había dejado el listón muy alto, y sería capaz de mantenerlo con su siguiente trabajo, Foreign Affair (1989), con el que volvería a arrasar en las lisas de medio mundo.
Foreign Affair es grabado durante 1988 y 1989 en los estudios The Hit Factory de Nueva York y los estudios Pathé-Marconi de París, bajo la producción de Dan Hartman, Roger Davies, Rupert Hine, Graham Lyle, Tony Joe White y la propia Tina Turner, y publicado el 13 de septiembre de 1989 por el sello discográfico Capitol Records. En la grabación del álbum participan músicos de la talla de Albert Hammond, Mark Knopfler, Edgar Winter y Neil Taylor entre otros, lo que sumado a la excelente producción, da como resultado una excelente calidad de sonido.
Foregin Affair, el séptimo álbum de estudio en solitario de Tina Turner, tenía la difícil papeleta de mantener el éxito obtenido por sus anteriores trabajos, Private Dancer (1984) y Break Every Rule (1986). En Estados Unidos no logró alcanzar el éxito esperado, no consiguiendo colarse en el top 30 de la lista Billboard 200. Pero donde sí llegaría a alcanzar el éxito es en Europa, llegando a alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido, Alemania, Noruega, Suecia y Suiza, obteniendo también muy buenas cifras en países como Austria, Francia, Australia y España. El disco llegaría a vender más de 6 millones de copias en todo el mundo.
Del álbum Foreign Affair se lanzan seis sencillos, y todos se convertirán en grandes éxitos, especialmente en Europa: Steamy Windows, escrito por Tony Joe White, una canción que trata sobre tener intimidad en el siento trasero de un coche en un lugar apartado de la carretera. cuando las ventanas se empañan por el calor del cuerpo, se crea cierta privacidad natural y hace que todo sea más sensual. Si normalmente es el chico quien suele preparar el escenario para poder tener intimidad en el coche, Tina nos canta la canción desde la perspectiva de la chica, quien es la que lleva al chico al asiento trasero del coche. Tina Turner, que en el pasado había sufrido una relación abusiva, dejaba claro que había recuperado su vida y que era ella la que tenía el control de la misma. Esta canción le valió a Tina una nominación a los premiso Grammy. The Best, escrita por Holly Knight y Mike Chapman, y grabada por primera vez por Bonnie Tyler en 1988 en su álbum Hide Your Heart. Pero será Tina la que convierta este tema en un gran éxito y en una de las canciones más reconocibles de toda su carrera, siendo conocida la cantante también como el título de la canción, "The Best". Antes de grabar la canción, Tina le pidió a la compositora Holly Knight algunos cambios en la canción, como la inserción de un puente y un cambio en la tonalidad. La canción cuenta con un magnífico solo de saxofón interpretado por Edgar Winter. Look Me In the Heart, escrita por Billy Steinberg y Tom Kelly, una canción de corte pop con tintes de soul que llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas de Estados Unidos. Be Tender With Me baby, escrita por Albert Hammond y Holly Knight, una balada de corte rockero que comienza con suavidad y que termina in crescendo con la cantante demostrando todo su potencial vocal. I Don't Wanna Lose You, compuesta por Albert Hammond y Graham Lyle, es toda una declaración de amor con una gran interpretación vocal de Tina y un muy buen trabajo del saxofón. Y Foreign Affair, canción que da título al álbum, compuesta por Tony Joe White y que además cuenta con la colaboración en la guitarra de Mark Knopfler.
Con Foreign Affair Tina Turner seguía en la cresta de la ola, demostrando que los años 80 eran suyos, y los 90 los iba a comenzar de la misma forma. Se había ganado a conciencia el apodo "The Best".
martes, 21 de junio de 2022
0537.- Hot Burrito n° 1 - Flying Burrito Brothers
Hot Burrito n° 1, Flying Burrito Brothers |
Aparece en escena la banda estadounidense de country rock The Flying Burrito Brothers. La banda, formada en 1968, debuta con su primer álbum de estudio en 1969, llamado The Gilded Palace Of Sin. El disco fue grabado ente noviembre y diciembre de 1968 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción del grupo y de Henry Lewy y Lary Marks, y publicado el 6 de febrero de 1969 bajo el sello discográfico A&M.
El disco no fue precisamente un gran éxito comercial, alcanzando únicamente el puesto 164 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, pero el trabajo del grupo, y especialmente de sus compositores principales, Gram Parsons y Chris Hillman, fusionando fuentes tradicionales folk y country con otros estilos como soul, gospel y rock psicodélico hizo que este disco fuera considerado como imprescindible en la era del rock de los años 70. Tanto es así que este álbum fue incluido por la prestigiosa revista Rolling Stone en el puesto 192 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos del año 2012, y el el puesto 462 en la lista elaborada por la misma revista en el año 2020.
Incluido en este álbum se encuentra el tema Hot Burrito #1, compuesto por los componentes de la banda Chris Ethridge y Gram Parsons. Según Chris Hillman, Gram Parsons escribió esta canción basándose en la ruptura que sufrió con su por entonces novia, llamada Nancy, en 1968, y con quien había tenido una hija llamada Polly. aunque nunca se llegaron a casar, Nancy había tomado el apellido de Gram, Parsons. De ahí la letra, donde Gram deja claro que no puede soportar la idea de su chica en brazos de otro hombre. La canción fue escrita mientras la banda residía en la casa de Gram Parsons, ubicada en el valle de San Fernando, y conocida como Burrito Manor. A pesar de no tener mucho impacto en aquel momento tanto la canción como el álbum, el grupo pasó a convertirse rápidamente en un grupo de culto por quienes los escuchaban, incluyendo a artistas de la talla de Bob Dylan y The Rolling Stones entre otros.
lunes, 20 de junio de 2022
0536 - Yellow Submarine - The Beatles
Pocas canciones de Rock creo que han llegado a tener la repercusión de esta canción de The Beatles, quien no ha escuchado al menos una vez en la vida Yellow Submarine, quizás incluso sin saber que pertenecía a The Beatles.
Yellow Submarine es una canción de la banda de rock británica The Beatles incluida en su álbum Revolver de 1966. También esta canción tuvo una publicación de un single, junto con Eleanor Rigby. La particularidad de esta canción es que fue escrita como una canción infantil por Paul McCartney y John Lennon, y dio lugar a una canción con la voz de Ringo Starr en el álbum.
El single de Yellow Submarine llegó al número uno en las listas de Reino Unido y en mucho de otros países europeos, como así también en Australia, Canadá y Nueva Zelanda. Ganó un premio Ivor Novello por las ventas certificadas más altas de cualquier sencillo escrito por un compositor británico y publicado en el Reino Unido en 1966. En cambio en los EE. UU., la canción alcanzó el puesto número dos en la lista Billboard Hot 100.
The Beatles produjeron Yellow Submarine durante un período caracterizado por la experimentación en el estudio de grabación. Después de grabar la pista básica y las voces a fines de mayo de 1966, realizaron una sesión para sobregrabar efectos de sonido náuticos, ambiente de fiesta y coros, recordando el trabajo anterior del productor George Martin con miembros de The Goons. Como canción novedosa junto con Eleanor Rigby, una pista desprovista de cualquier instrumentación de rock, el sencillo marcó un cambio radical para el grupo. También fue la primera vez que emitieron un sencillo en el Reino Unido que constaba de pistas de álbumes. La canción inspiró la película animada de 1968 Yellow Submarine y apareció como la pista de apertura del álbum de la banda sonora que la acompaña.
La canción en cambio en los EE. UU. tuvo una repercusión negativa, tras el lanzamiento de Yellow Submarine coincidió con las controversias en torno a los comentarios de John Lennon donde menciono que The Beatles eran "Más popular que Jesús", lo que llevó a algunas estaciones de radio a prohibir la música de The Beatles y otra de las cosas que hicieron impopulares a la banda fue la oposición pública a la guerra de Vietnam.
La canción recibió varias interpretaciones sociales y políticas. Fue adoptado como una declaración contra la autoridad por parte de la contracultura durante las manifestaciones de la Guerra de Vietnam y también fue apropiado en acciones de huelga y otras formas de protesta.Algunos oyentes vieron la canción como un código para las drogas, particularmente el barbitúrico Nembutal que se vendía en cápsulas amarillas, o como un símbolo de escapismo. Yellow Submarine sigue siendo la favorita de los niños y Ringo Starr la ha interpretado con frecuencia en sus giras con All Starr Band.
domingo, 19 de junio de 2022
0535.- My Cherie Amour - Stevie Wonder
My Cherie Amour, Stevie Wonder |
El 29 de agosto de 1969 Stevie Wonder publica bajo el sello Tamla Records (Motown) el álbum My Cherie Amour, su undécimo trabajo de estudio. El material del disco es grabado en el estudio del sello Motown, conocido como Hitsville, de Detroit en 1969, excepto el tema que da título, My Cherie Amour, que había sido grabado entre 1967 y 1968. El álbum, que se mueve entre el pop-soul y el R&B, obtuvo bastante éxito, alcanzando el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido, y el número 34 en las listas de ventas de Estados Unidos.
Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, My Cherie Amour. Wonder escribió la canción en 1967 mientras estudiaba en la Escuela para Ciegos de Michigan, grabando una primera versión y guardándosela en su "Caja de Cintas", donde guardaba todas sus ideas para canciones. Escribió la canción para su por entonces novia Marcia y la titulo originalmente Oh My Marcia. El cantante acabaría cambiando el título de la canción por My Cherie Amour porque cuando se realizó la versión final ya no eran novios. Cuando Berry Gordy, fundador de Tamla - Motown Records, escuchó la canción pensó que la canción podía mejorarse y puso a trabajar sobre ella a los compositores del sello Henry Cosby y Silvia Moy, quienes figuran en los créditos de la canción junto a Wonder. A Silvia Moy se le ocurrió el título de la canción, una sutil combinación de inglés y francés que dió como resultado My Cherie Amour.
Tina Turner - Private Dancer #MesTinaTurner
Solo unos años antes, nadie podría haber imaginado que esta estrella del género soul se convertiría en la mejor intérprete de las listas de éxitos pop, y lo haría sin comprometer su repertorio musical. A fines de la década de 1970, Turner se ganaba la vida a través de varias apariciones en televisión y conciertos al estilo de Las Vegas, y sus primeros álbumes en solitario reflejaron musicalmente esta estrategia. El quinto álbum en solitario de Turner desde que dejó la banda de su exmarido Ike en 1976 fue el debut de Turner para Capitol Records después de haberse quedado absurdamente sin un contrato de grabación durante varios años anteriores. Capitol records hizo un gran trabajo y cuando el álbum que tantos ejecutivos discográficos dudaban en hacer finalmente se lanzó al público, fue un gran éxito en todo el mundo. Tal vez ahora sea difícil entender lo que significó este disco en 1984: no había nada que se pareciera ni de cerca de a Tina Turner, una sobreviviente de la década de 1960, sus contemporáneos arrasaron con la música disco y otras nuevas tendencias, y aunque ellas seguía activa, estab lejos de los estudios de grabación. Fue esta lucha, la lucha constante y los conciertos agotadores lo que la mantuvo en forma, perfectamente en forma y preparada para llegar el momento adecuado, que en el camino no sucumbiera a las drogas ni al alcohol como tantas otras estrellas del rock, dice mucho de su carácter y determinación, después de todo lo que ha visto de primera mano.
Fue Roger Davis, su nuevo manager, quien planeó este espectacular "regreso" y organizó algunos conciertos de alto perfil que atrajeron la atención de los medios, el álbum en sí se grabó en solo dos semanas y se grabaron con diferentes productores e incluyeron producción europea, por lo que esa combinación de sonido moderno de vanguardia fue perfecta con el vocalismo soul de la vieja escuela de Turner. El resto es, como dicen, es historia de la musica: Turner volvió al mapa musical a lo grande y se aseguró que por el resto de su vida tendría conciertos con entradas agotadas en cualquier momento que quisiera y mas que la música, Turner se convirtió en un fenómeno social, y fue un espejo donde mirarse para muchas personas: para las mujeres de cierta edad, era la heroína que logró defenderse y lograr el éxito nuevamente en solitario, para otras ve como alguien de color de mediana edad podía llegar a la cumbre, para los críticos de rock era una leyenda del rock en su mejor momento, para los seguidores de la moda era una chica rockera con minivestidos y grandes pelucas, para los directores de cine personificaba a una mujer negra fuerte y a millones de personas en todo el mundo simplemente les encantaba verla en un escenario. Ahora está casi olvidado, pero justo después de este álbum aparecieron muchos vocalistas negros que imitaban el estilo vocal de Turner y se podían escuchar coros “Turnerizados” en todas partes, desde Billy Idol hasta Eurythmics y algún album de The Rolling Stones . Incluso Aretha Franklin logró el "regreso" siguiendo la misma fórmula de múltiples productores y su famoso dúo con Eurhytmics se grabó después de que Turner rechazara la canción. Turner nunca más volvería a tener un álbum con tanta energía, lleno de chispa y poder puro, fue esta hambre y determinación lo que hizo de Private Dancer un gran éxito y un punto culminante de su carrera en solitario.
Para el álbum se reclutaron músicos de gran nivel, el bajista y productor Rupert Hine trabajó en varias pistas de Private Dancer, comenzando con el tema de apertura "I Might Have Been Queen", la canción fue coescrita por Jamie West-Oram , guitarrista principal de The Fixx, una banda que Hine había producido recientemente con gran éxito, fue escrita específicamente para Turner y su letra refleja la creencia de Turner en la reencarnación. "What's Love Got to Do with It" es la canción más popular del álbum, debido en parte a la película posterior del mismo nombre. La entrega vocal y melódica de Turner es magistral tanto en su ascenso como en su restricción. Escrita por el guitarrista Terry Britten y Graham Lyle, la canción encabezó las listas en el verano de 1984 y marcó el momento innegable del éxito de regreso de Turner. “Show Some Respect” es otra canción escrita por Britten con un enfoque decididamente ochentero de sintetizador y funk. Una de las últimas canciones lanzadas como sencillo, esta canción se convirtió en un éxito Top 40 en 1985. Britten también produjo la siguiente canción, "I Can't Stand the Rain", una nueva versión del éxito de 1974 de Ann Peebles. La canción principal del álbum del mismo titulo, "Private dancer", fue escrita por Mark Knopfler de Dire Straits, quien escribió la canción para el álbum Love Over Gold de su banda, pero decidió que no quería cantar una canción desde una perspectiva femenina y la desechó.
La segunda cara de Private Dancer comienza con una versión de "Let's Stay Together" de Al Green, que Turner lanzó a fines de 1983, mucho antes que el álbum. Si bien Turner se mantiene fiel al original, también agrega su toque especial a esta pista que encabezó la lista Billboard Dance. "Better Be Good to Me" es la canción más pop/rock del álbum, originalmente destinada a Pat Benatar, producida por Hine y compuesta por el equipo de Holly Knight, Mike Chapman y Nicky Chinn, la canción alcanzó el número 5 en las listas de éxitos. El álbum termina con tres grabaciones menos conocidas. “Steel Claw” fue escrita por Paul Brady y presenta una alineación similar a “Private Dancer”, con miembros de Dire Straits (sin Knopfler) y Beck agregando un solo. “Help” donde versiona con su capacidad única el clásico de The Beatles y “1984” de David Bowie que concluye el álbum como una pista electrónica que rinde homenaje durante el año real sobre el que se escribió.
Private Dancer alcanzó el Top 10 en más de una docena de países, vendió más de ocho millones de copias y ganó cuatro premios Grammy, aprovechando esta inmensa popularidad, Turner realizó una gira mundial hasta 1985, que incluyó más de 170 fechas en tres continentes.
sábado, 18 de junio de 2022
0534.- Suspicious Minds - Elvis Presley
‘Suspicious Minds’ fue uno de los mayores éxitos de Elvis Presley. Se trata de una canción interpretada en 1968 por él mismo, pero que aparece firmada con el nombre cantautor estadounidense Mark James, también conocido como Francis Zambon, su nombre original. Aunque fue Elvis Presley quien realmente llevó esta canción al éxito en el año 1969. Esta canción fue su último éxito número una y cuya versión ocupa el puesto 91 en la lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos” según la revista Rolling Stone. Unos años más tarde, en 1977, Elvis Presley fallecería, interpretando esta canción por última vez en el año 1973 en Hawaii.
La canción fue concebida en el
año 1969, cuando Mark James, artista que ya había escrito tres canciones que se
convirtieron en éxito número uno en el sur de Estados Unidos, sospechaba de los
sentimientos que tenía su mujer hacia él, pero en ese entonces no sabía como
demostrarlo y tampoco quería admitir que algo estaba fallando. James sintió que
era un momento muy difícil para él, por lo que se entregó totalmente a la
música y sus emociones, como una forma de aislarse temporalmente de su
situación personal, siendo una terapia para él, que dio sus frutos. Como el
artista no lograba desconectarse del todo de lo que estaba pasando en su vida,
decidió escribir sus pensamientos como una forma de terapia. Una noche,
mientras tocaba su guitarra usando pedales de órganos para buscar sonidos
diferentes, logró llegar a una melodía muy pegadiza. El artista se emocionó
mucho con el sonido que acababa de encontrar y al momento le vino la idea de
colocarle como letra la que había escrito acerca de su situación personal y que
posteriormente llamó ‘Suspicious Minds’. James acababa de crear una obra
maestra, aunque en ese momento no lo sabía. Como quiera que ese intento no tuvo
éxito comercial, la canción fue cedida a Elvis Presley, quien la grabó en una
sesión del 23 de enero de 1969, entre las cuatro y las siete de la mañana. Editada
como single en agosto del 69, dos meses después de la salida al mercado del
disco From Elvis in Memphis del que quedó inicialmente excluida, fue mezclada
en Las Vegas, donde además se incluye un fade out que cerca del cierre se
transforma en su opuesto, un fade in en el que retornan los mismos tres versos
que se repiten en el falso epílogo, una idea que probablemente haya estado
inspirada en “Hey Jude” de los Beatles y que en este caso desmejoraba
notablemente el resultado final además de complicar la difusión radial con sus
cuatro minutos veinte segundos de acabado y sumó otra razón para aumentar la
ira de Moman, quien también había fracasado con su reclamo de tener alguna
participación en los derechos de un tema que tenía el aroma indudable del hit.
Esta canción trata de una relación desconfiada y perdida,
así como de la necesidad de la pareja para superar sus problemas con el fin de
mantener lo que durante tanto tiempo, lograron cosechar. Una canción que en
Estados Unidos tuvo una gran acogida, y que a día de hoy sigue sonando como si
no hubiera pasado el tiempo. Desde entonces, la canción ha sido versionada por
multitud de artistas, la más famosa fue la de Elvis Presley, que logró estar en
el top musical de la época, siendo uno de los mayores éxitos de la carrera del artista,
y una de las últimas canciones que logró posicionar como número uno.