viernes, 1 de julio de 2022

El disco de la semana 282: Parts of the Process - Morcheeba

Parts Of The Process, Morcheeba



El disco de la semana 282: Parts of the Process - Morcheeba

Estimado amigo, hace unos días publicamos una nota de la banda británica Morcheeba, una banda de trip-hop, y para ser honesto me ha encantado uno de sus recopilatorios, que tiene las mejores canciones de la banda. Y es un disco si quisieras hacer un resumen de su discografía, no puede faltar. 

Estamos hablando de Parts of the Process un álbum que tras cinco álbumes y siete años para el grupo londinense de trip-hop Morcheeba, produjo diferentes álbumes, a dado con una buena recopilación. 

Este impresionante conjunto de 18 canciones no está ordenado cronológicamente, pero todos los éxitos y temas básicos están aquí. 

Los fans de Morcheeba pueden estar un poco decepcionados o enojados, por la exclusión de algún canción, pero en general, Parts of the Process captura las mejores canciones de Morcheeba.

Sobre todo Big Calm parece ser el álbum con mayor canciones, en este compilado, que incluye "The Sea", "Over and Over", "Let Me See" y la canción que da nombre a este álbum, "Parts of the Process". Otras pistas increíbles del primer lanzamiento de la banda, Who Can You Trust? -- "Tape Loop" y el melancólico escalofrío de "Trigger Hippie" hacen que este álbum sea más completo. 

Pero otros cortes selectos tienen el mismo estilo y siguen siendo atractivos. Los cortes del álbum Charango menos popular agregan un poco de estilo al sofisticado catálogo de Morcheeba, especialmente "What New York Couples Fight About". Incluso la tormentosa narración "Rome Wasn't Built in a Day", de Fragments of Freedom

No es el único álbum recopilatorio la banda tiene a Back to Mine de 2001 de Morcheeba pero para mí no supera la producción de este disco, ese álbum realmente no encaja con la lista de canciones, En cambio, el trío invita a los oyentes a dos pistas nuevas. Big Daddy Kane se une a Morcheeba para el ritmo funkadelic y hip-hop "What's Your Name", mientras que "Can't Stand It" es el intento de la banda de pop de cámara. 
Pero si debo elegir Parts of the Process es el álbum que me quedaría

 Si bien Morcheeba no es uno de los grupos más exclusivos de la música electrónica británica, han demostrado su poder como artistas. Parts of the Process es adecuado para aquellos que no están familiarizados con la banda, aunque también está diseñado para sus fieles seguidores.

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 30 de junio de 2022

546.- Odessa (City on the Black Sea) - Bee Gees



 En 1969, los Bee Gees eran Barry Gibb: voz principal, armonía y coros y guitarra rítmica. Robin Gibb: voz principal, armonía y coros y órgano Hammond, melotrón y piano. Maurice Gibb: armonía y coros y bajo, piano, mellotron, guitarra principal y rítmica y voz principal en dos de las pistas de "Odessa". Colin Petersen tocaba la batería. El guitarrista principal de Bee Gees (y atractivo adolescente): Vince Melouney tocó en seis de las canciones de "Odessa", pero renunció amistosamente durante la grabación de "Odessa". Después de dos años de sólido éxito mundial y grandes éxitos, los hermanos Gibb no se llevaban bien durante las sesiones de grabación de este álbum y la huida en mitad de la grabación del álbum del guitarrista, dejó a los cuatro miembros restantes de la banda para completar el álbum, por lo que Barry, Maurice, Robin y el baterista Colin Petersen se encargaron de la tarea e hicieron exactamente eso. Lo que se les ocurrió fue una obra maestra. Curiosamente, casi se tituló Masterpeace en un momento. Lo mismo puede decirse de su primer álbum esencial de los Bee Gees en el '67. Odessa ha sido llamado un álbum conceptual, pero Barry Gibb disipó esa noción cuando fue lanzado en el '69…. “Puedes establecer una conexión con un par de canciones del álbum, pero más allá de esto no hay nada más,”. La idea de hacer un álbum doble no fue elección de la banda, sino de su manager, Robert Stigwood. "Robert quería un álbum doble, no sabíamos por qué", recordó Barry Gibb, "Creo que básicamente fue un asunto económico, si hacemos un álbum doble, todos ganan más dinero…. excepto el grupo". A Barry nunca le convenció la idea del álbum doble, y dijo sin rodeos: "Un solo álbum hubiera sido perfecto." Así que “Odessa” es bastante corto para un álbum doble (63:49) y se describe mejor como pop progresivo sinfónico.


La canción principal, "Odessa (City On The Black Sea)" establece el tono de todo el álbum, y es muy dramática, las magníficas florituras de la guitarra flamenca de Maurice Gibb se encuentran entre los aspectos más destacados de la canción, junto con el creciente océano orquestal de Bill Shepherd, las voces llegan como si descendieran del cielo. El estilo dramático siempre fue uno de sus puntos más fuertes en sus primeros años y aquí estamos ante una canción sobre la superviviente del ficticio barco británico 'Veronica', que flota sobre un iceberg en el Mar Báltico, se nos cuenta que 'el Capitán Richardson se dejó una esposa en Hull' y que ella encuentra consuelo en las oraciones del vicario. Sin embargo, las referencias a 'navegar por el Atlántico Norte', mudarse a Finlandia y, de hecho, a la propia Odessa, a primera vista, oscurecen una historia coherente, pero lo importante es que trata esencialmente de una soledad desconsolada que parece prolongarse para siempre. La historia se cuenta ostensiblemente desde el punto de vista del Capitán, pero a veces es como si de alguna manera casi pudiera ver o, al menos, imaginar, la vida que ahora lleva su esposa en casa.


miércoles, 29 de junio de 2022

0545-. Who Do You Love? -- Quicksilver Messenger Service

 

Happy Trails, Quicksilver Messenger Service


     Entra en escena una de las bandas de San Francisco que alcanzó gran popularidad en e área de la Bahía de San Francisco, que ese momento estaba en auge, el grupo de rock psicodélico Quicksilver Messenger Service.

El 29 de marzo de 1969 el grupo de San Francisco publica su segundo álbum de estudio, Happy Trails. Este disco tiene la particularidad de ser grabado a partir de dos presentaciones en vivo en los míticos Filmore East y Filmore West en 1968. El material del disco fue arreglado y mezclado en los Golden State Recorders de San Francisco, y publicado por el sello discográfico Capitol Records

Incluido en el álbum se encuentra Who Do You Love Suite, una suite de seis partes de unos 25 minutos de duración que ocupa toda la cara A y que era básicamente un cover en directo del tema de Bo Diddley Who Do You Love?. El tema fue compuesto por el mismo Bo Diddley bajo su nombre real, Ellas McDaniel, y publicado por el mismo en 1956, convirtiéndose en uno de sus temas más populares y perdurables. Diddley utiliza un juego de palabras con la palabra Hoodoo, que era una religión similar al vudú y muy popular en el sur de Estados Unidos. Era habitual que los artistas de blues de la época utilizaran el término Hoodoo en sus canciones. El distintivo riff de guitarra usado por Diddley en este tema fue llamado "The Bo Diddley Beat". Diddley se inspiró para componer este tema en el éxito de Muddy Waters "I'm Your Hoochie Coochie Man", quería superar la arrogancia lírica de su compositor Willie Dixon, y la arrogancia interpretativa el propio Waters

Quicksilver Messenger Service empezó a realizar asiduamente en vivo este tema de Bo Diddley entre 1966 y 1967 con su primer cantante y armonicista, Jim Murray. La canción tenía  un arreglo de blues rock muy al estilo y ritmo de la original de Diddley. En 1967 intentaron grabarla para su primer álbum de estudio, pero la grabación quedó aparcada hasta que finalmente vió la luz en 1999 en el álbum Unreleased Quicksilver Messenger Service - Lost Gold and Silver. El tema, muy representativo de sus primeras actuaciones, tenía una duración de poco menos de seis minutos. Sería en 1968 cuando el grupo hizo con el tema un arreglo diferente, dividiendo su duración de unos 25 minutos en una suite de seis partes. En esta suite la melodía original de Bo Diddley desaparece casi por completo, y donde es más apreciable es Who Dou you Love Pt. 1 y Pt. 2, precisamente el inicio y el final de la suite de seis partes, la segunda sección, When You Love, tiene un sólo de guitarra interpretado por el gran John Cipollina y que está influenciado por el artista de jazz Gary Duncan, la tercera sección, Where You Love, contiene básicamente efectos de guitarra y la interacción de la audiencia, la cuarta sección, How You Love, regresa al tema de Diddley con la guitarra de Cipollina como protagonista, y la quinta sección, Which Do You Love, presenta unas magníficas líneas de bajo de David Freiberg.

Wildest Dreams - Tina Turner #mesTinaTurner

Wildest Dreams - Tina Turner #mesTinaTurner 

Este mes de Junio paso por 7días7notas, una de las mujeres de la música más destacadas, no solo por el poder de su voz, sino por su presencia en los escenarios, y su influencia, que habría sido de la Música sin la influencia de una Tina Turner nos preguntamos, una inspiración para otras artistas.

Así que con el cierre del mes de junio, queremos despedir a esta maravillosa cantante con uno de sus últimos álbumes de estudio, hablamos de Wildest Dreams, un noveno álbum que la artista edito. 

Wildest Dreams es su noveno álbum de estudio en solitario de Tina Turner, lanzado el 22 de abril de 1996 por Parlophone. Este éxito ha obtenido certificaciones de doble platino en el Reino Unido y en Europa.

El álbum incluye la canción GoldenEye, el tema de la película de James Bond del mismo nombre. Fue escrita por Bono y The Edge de la banda irlandesa U2 y fue grabada y lanzada como single en 1995. 

La canción Confidential fue escrita y coproducida para Turner por el grupo británico Pet Shop Boys. El cantante y letrista de la banda, Neil Tennant, canta coros en la pista. La demostración original de Pet Shop Boys (con Tennant en la voz) se puede encontrar en el relanzamiento de 2 discos de 2001 de su álbum Very. 

Unfinished Sympathy es una versión de la canción de Massive Attack. La canción All Kinds of People fue coescrita por Sheryl Crow. Más tarde, In Your Wildest Dreams se volvió a grabar a dúo con Barry White y se lanzó como sencillo, alcanzando el puesto 32 en la lista de sencillos del Reino Unido. La versión a dúo está incluida en la versión estadounidense del álbum, que tiene una lista de canciones diferente, se lanzó unos seis meses después de que se publicó por primera vez en Europa y en la mayoría de las otras partes del mundo, y presenta una portada alternativa. 

El álbum también cuenta con la voz invitada de Sting en la canción On Silent Wings, que alcanzó el puesto número 13 en el Reino Unido. Wildest Dreams incluye un total de seis lanzamientos de sencillos europeos; GoldenEye, Whatever You Want, coescrita por Taylor Dayne, On Silent Wings, la versión de Turner de Missing You de John Waite, Something Beautiful Remains y la canción principal In Your Wildest Dreams.

En 1997, el álbum se lanzó como un paquete especial de edición limitada en Europa con un disco extra que incluye remixes, pistas que no pertenecen al álbum y grabaciones en vivo del concierto de Turner en Ámsterdam en el Wildest Dreams Tour. La edición de dos discos se lanzó con la misma imagen de portada que el álbum estadounidense.

Tina Turner una diosa de la música, junto a una carrera artística repleta de éxitos a pasado en este mes de Junio por 7días7notas. 

Daniel
Instagram Storyboy

martes, 28 de junio de 2022

0544.- My Way - Frank Sinatra



My Way es en realidad una versión de la canción francesa "Comme d'habitude" compuesta por Jacques Revaux, Gilles Thibaut y Claude François, interpretada por este último por primera vez en 1967. La primera versión de la letra en inglés corrió a cargo de Paul Anka, que tras escuchar la versión francesa decidió comprar los derechos de la canción, y la reescribió para que Frank Sinatra la convirtiera en un éxito mundial, pasando a formar parte de ese reducido grupo de canciones eternas y legendarias.

Frank Sinatra grabó su versión en una sola toma en diciembre de 1968, siendo publicada en el disco del mismo nombre a principios de 1969. En la discográfica de Paul Anka estaban muy decepcionados con la decisión del músico de no quedarse la canción para él mismo, y pese a que siempre insistió en que la canción estaba hecha a medida de Frank Sinatra, Anka finalmente cedió y grabó su propia versión poco después de que la canción de Sinatra estuviera publicada. Por el contrario, y a pesar de convertirse en uno de sus himnos atemporales, a Sinatra nunca llegó a convencerle demasiado la canción, por considerarla demasiado egocéntrica.

No fue Paul Anka el único que se animó a reescribirla o versionarla, y es particularmente curioso que un joven David Bowie fuera el primero en adaptar la letra de la canción original, siendo su versión rechazada en favor de la de Anka. La versión de Bowie nunca llegó a publicarse, y supuestamente hay partes de la letra de la canción Life on Mars que provienen de aquel My Way en versión Bowie. Posteriormente, Elvis Presley registró también su versión del tema, pasando a ser una de las canciones interpretadas por las dos grandes voces masculinas de la música estadounidense. Por último, la versión más pintoresca quizá sea la de Sid Vicious para la película y álbum The Great Rock 'n' Roll Swindle  en 1978. El controvertido bajista de The Sex Pistols grabó la canción en clave punk, alterando las letras y acelerando el ritmo para que, siendo fiel al título, la canción sonara "a su manera".

lunes, 27 de junio de 2022

0543.- The Thrill Is Gone - B B King

 

The Thrill Is Gone, B B King



     Completely Well, editado en 1969, es el decimoséptimo álbum de estudio que B B King. El disco fue grabado entre el 24 y el 25 de junio de 1969 en los estudios The Hill Factory de Nueva York, bajo la producción de Bill Szymczyk, y publicado el 5 de diciembre de 1969 bajo el sello discográfico Bluesway. En un principio el disco fue lanzado únicamente en formato Lp para el mercado estadounidense, siendo relanzado en 1987 en formato CD en Estados Unidos y en formato LP en Reino Unido.

Incluido en este disco fundamental dentro de género blues se encuentra la maravillosa The Thrill Is Gone, tema escrito por el bluesman estadounidense Roy Hawkins y por Rick Darnell en 1951, siendo grabada por primera vez por el propio Roy Hawkins en 1951, llegando a alcanzar el puesto número 6 en la lista estadounidense Billboard R&B de 1951. 

Por aquel entonces B B King trabajaba como DJ para una emisora de radio de Memphis, y uno de los temas que solía tocar en directo era The Thrill Is Gone. La versión grabada por B B era un blues lento de doce compases tocado en una tonalidad de si menor y en un tiempo de 4/4. El tema, donde el artista nos habla de una relación sentimental que no sale bien, fue grabado varias veces por el bluesman hasta que le convenció finalmente el resultado. 

La grabción de B B King supuso su primer gran éxito y uno de los mayores de su carrera, además de convertirse en una de sus canciones más emblemáticas, llegando a alcanzar el puesto número 3 en la lista Billboard Best Selling soul Singles y el puesto 15 en la lista Billboard Hot 100. El tema además le valió a B B King obtener un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal masculina de R&B en 1970, y posteriormente un premio Grammy Hall of Fame en 1998. La revista Rolling Stone llegó a colocar la versión de King en el puesto 183 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

domingo, 26 de junio de 2022

Tina Turner - Break every rule #MesTinaTurner



Para su sexto álbum en solitario, Tina Turner se enfrentaba a la difícil tarea de trabajar en el disco posterior a un disco de gran éxito. Private Dancer puso el listón bastante alto, y con Break Every Rule (1986) se conjuró para "romper todas las reglas" para que estuviera a la altura del anterior.

A nivel de ventas y repercusión internacional lo consiguió, y el disco alcanzó el número 4 en las listas estadounidenses, alcanzando rápidamente el disco de platino que por entonces se otorgaba al alcanzar el millón de copias vendidas. Mayor éxito alcanzó incluso en el Reino Unido, dónde el álbum se aupó hasta la segunda posición de las listas, siendo certificado triple disco de platino, y llegó a ser número uno en otros países europeos como Alemania o Suiza.

Sin embargo, y aún tratándose de un disco de contrastada calidad, en lo creativo se quedó por debajo de su predecesor, y dejó la sensación de que la tan ansiada nueva entrega de Tina Turner solo se saltaba las reglas en el título, entregando una serie de canciones comercialmente efectivas pero poco arriesgadas, entre las que afortunadamente se encontraban algunas joyas que se incorporaron de inmediato a su colección de grandes éxitos en solitario.

Typical Male es la canción con la que arranca el disco, y un buen ejemplo de la pulcra comercialidad de la propuesta. Una canción intensa y pegadiza que funciona para romper el hielo. What You Get Is What You See es otra de las piezas destacables del disco, con una guitarra y un ritmo que recuerdan a Dire Straits, y es una canción en la que la voz de Tina brilla especialmente en el puente y el energizante estribillo. Two People es seguramente más conocida, y sin embargo da la impresión de haber resistido peor el paso del tiempo, y en contraste con las dos piezas previas suena con menos fuerza y unos teclados algo desfasados en la actualidad.

El siguiente bloque de canciones deja entrever algún que otro relleno (Till The Right Man Comes Along) y una excesiva repetición de esquemas en ritmos y estribillos (Afterglow), que le restan al álbum en su carrera por alcanzar las cotas artísticas de su antecesor. La versión del tema de David Bowie Girls es correcta y salva los muebles con su, de nuevo, comercial producción y acabados, y vocalmente le viene mucho mejor a Tina que los dos temas anteriores. Es el momento en el que el disco vuelve a enfilar con fuerza la cuesta hacia arriba, y manteniéndose ahí con la pieza rock de Bryan Adams Back where you started y llegando a lo más alto con Break every rule, la canción que da título al disco, un hit diseñado para que encaje como un guante con la intensa voz de Tina.

Con cierto toque a blues eléctrico de carretera, a Overnight sensation no le llega para jugar en las grandes ligas, pero es correcta y aporta su granito de arena a un disco que, salvo en un par de temas ya reseñados, es ameno y de agradable escucha. Le sigue Paradise in here, una balada construida en base a unos omnipresentes teclados ochenteros, en la que Tina se luce vocalmente como siempre, pero que cae al grupo de canciones más prescindibles del disco, que cierra a buen nivel con la power ballad I'll Be Thunder, contribuyendo al buen sabor de boca general de un disco que realmente no rompió ninguna regla, pero que siguió cimentando la leyenda y el éxito de una artista única en su especie.

0542.- Say it loud! I'm black and I'm proud - James Brown



Say It Loud – I'm Black and I'm Proud, publicada inicialmente en 1968 como single con la canción dividida en dos partes repartidas en cada una de las dos caras, alcanzó el nº1 de las listas de R&B y el nº10 del Billboard. Posteriormente, fue incluida en los álbumes A Soulful Christmas (1968) Say It Loud – I'm Black and I'm Proud (1969).

La canción escrita por Alfred "Pee Wee" Ellis se convirtió en un auténtico himno para el movimiento "Black Power", con Brown denunciando el racismo de la sociedad estadounidense e instando a la gente a sentirse orgullosa del color de su piel y manifestarlo con orgullo (Dilo bien alto, soy negro y estoy orgulloso). La famosa frase del título esta repartida entre la voz de Brown, pidiéndole al coro que lo proclame a voz en grito ("Say it loud") y el coro (formado por un grupo de niños) le sigue y clama en alto ("I'm black and I'm proud!"). Desafortunadamente, el nombre de los chicos que participaron en el coro no quedó registrado, por lo que no pudieron pasear su orgullo por las calles de su barrio cuando la canción se convirtió en un éxito.  

Los ecos de una canción tan carismática y reivindicativa van mucho más allá del movimiento que la tomó como himno. La revista Rolling Stone la incluyó en las 500 mejores canciones de todos los tiempos, y es innegable la influencia que ha tenido en otros artistas, ya sea versionándola como hicieron, entre otros, el saxofonista Lou Donaldson, Bob Marley o Miles Davis (que incluyó una parte de la canción en su tema "Yesternow"), o mencionándola de manera más o menos explícita en sus propias composiciones (The Temptations hacen una referencia a la canción en su tema "Message From a Black Man", y es evidente el guiño de Funkadelic en "Let's Take it to the Stage" proclamando "Say it loud, I'm funky and I'm proud.")

sábado, 25 de junio de 2022

0541 - Pale Blue Eyes - The Velvet Underground

0541 - Pale Blue Eyes - The Velvet Underground

Pale Blue Eyes es una canción de la banda de rock alternativo. The Velvet Underground. 

Actualmente es una de sus canciones más populares, aunque nunca fue lanzada como un sencillo oficial para el álbum The Velvet Underground 

Dentro de los artistas que han versionado esta canción están 
Patti Smith interpretó la canción en vivo desde la década de 1960 hasta la década de 1970.
Edwyn Collins grabó la canción con Paul Quinn y la lanzó como sencillo en 1984.
REM. hizo una versión de la canción para la cara B del sencillo de "So. Central Rain", lanzado en 1984 y recopilado en su álbum Dead Letter Office de 1987 . 
Marisa Monte tiene una versión de la canción en su álbum de 1994 Verde, Anil, Amarelo, Cor de Rosa e Carvão (también conocido como Rose and Charcoal).
Hole hizo una versión de la canción en vivo en el Whiskey a Go Go en febrero de 1992, y la líder Courtney Love la presentó como "la nueva ola original".  La versión de Hole incluía versos alterados líricamente pero retuvo la letra del coro y la progresión de acordes.  La grabación finalmente terminó en el primer EP de la banda, Ask for It (1995).
Alejandro Escovedo incluye una versión en vivo de la canción, a dúo con Kelly Hogan, en su lanzamiento de 1999 Bourbonitis Blues.
Counting Crows hizo una versión de la canción varias veces en shows en vivo en 2003 y más tarde.
The Kills grabaron la canción en 2010 y la lanzaron como cara B a principios de 2012. 

Sin muchos los artistas que han hecho  un cover algunos de ellos muy famosos otros no tanto, pero marca lo importante que es esta canción en la historia del rock.

Pale Blue Eyes se escribió sobre alguien cuyos ojos eran color avellana, como señala Reed en su libro Between Thought and Expression. Se dice que la canción se inspiró en Shelley Albin, el primer amor de Reed, que en ese momento estaba casada con otro hombre.

Daniel 
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viernes, 24 de junio de 2022

0540.- After hours - The Velvet Underground

 


Septiembre de 1968, Lou Reed acaba de informarles a Moe Tucker y Sterling Morrison que John Cale está fuera de la banda, tratan de persuadirlo, pero Reed lanza un ultimátum: se va Cale o es el fin para The Velvet Underground. A regañadientes y ese mismo mes, poco tiempo después de su último concierto con The Velvets en el Boston Tea Party, Morrison le informa a John Cale que está despedido. El lugar de Cale lo ocupó Doug Yule de la banda The Grass Menagerie, inicialmente en el bajo y el órgano, así iniciaron las sesiones para grabar su tercer álbum en los TTG Studios en Hollywood, California, durante noviembre y diciembre de 1968, bajo la producción de la banda. Puede que este no sea el álbum más importante o revolucionario de The Velvet Underground, pero sin duda es igualmente de interesante, lo primera razos es que aquí tenemos un álbum completamente distinto y diferente a lo que nos habían netregado hasta este momento, quizás el álbum donde se mueven por mas estilos diferente, y donde demostraron que podían sonar tan bien en tempos más bajos y volúmenes más suaves de como lo hicieron en los volúmenes ensordecedores en The Velvet Underground & Nico y White Light/White Heat ocasión perfecta para ver como los siempre experimentales giran a un sonido más pop, con este cambio tan radical podrías pensar que la banda se perdería y fracasaría en el viaje, pero todo lo hacen perfecto mantienen el tono melancólico de los álbumes anteriores, al mismo tiempo que crea un sonido que es mucho más accesible, una apuesta arriesgada que da como frutos un sonido agradable que también tiene sus momentos de belleza.

 

"After Hours" es una de las tres canciones de Velvet Underground que canta la baterista Maureen "Moe" Tucker, las otras dos son "The Murder Mystery" y "I'm Sticking with You". Lou Reed eligió que Tucker la cantara porque era "inocente y pura" perfecta para la personalidad y la voz de Tucker, esta elección, ya sea intencional o por casualidad, dio origen a una canción muy querida por los seguidores de Velvet ya que estamos ante una pieza casi única en el catálogo de la banda. Tucker suena un poco vacilante, incluso un puede parecer nerviosa a lo largo de su actuación. Sin embargo, este ligero temblor queda perfecto en la canción, ya que "After Hours" se trata de una persona encerrada en su casa que mira con envidia el mundo exterior nocturno y desea poder participar en él. Esta situación con la visión de cualquier otra banda probablemente se convertiría en un homenaje a la vida nocturna y fiestas, pero esta canción va un nivel más allá, la cantante ve a la gente bailar y "divertirse tanto", pero se da cuenta que no forma parte de eso. Una de las partes más conmovedoras de la canción es cuando Tucker canta "Ojalá pudiera pasarme a mí", con una voz tan descontenta y absolutamente humana que reconocemos nuestros propios deseos y la manera en que ella siente envidia y deseos de esa vida nocturna, pero sin embargo no se atreve a unirse a ella.  Aunque Lou Reed escribió la letra, es difícil imaginar una interpretación más perfecta que la de Tucker, la convierte en una canción inocente y pura, y el hecho de que Tucker no estaba acostumbrada a cantar lo amplifica.

El disco de la semana 281: Breakfast in America - Supertramp

 




Hay álbumes en los que todo confluye de forma perfecta, las composiciones, los arreglos, la interpretación, la esencia de lo que es un artista o una banda, emerge convirtiéndose en un todo indivisible, "Breakfast in America" ​​es uno de esos álbumes y los responsables fueron Supertramp. Este álbum fue una sorpresa en 1979, no tenía nada que ver con la época y con la música que estaba de moda en ese momento, simplemente estaba destinado a tener éxito debido a por su gran calidad y es que los ingredientes eran perfectos, melodías memorables, letras llamativas y mucha personalidad. Nadie puede culpar a esos cinco muchachos por haber buscado un éxito comercial "haciéndose pop", porque si estás familiarizado con sus álbumes anteriores, no puedes encontrar una falta de calidad sino un plus de energía haciendo "Breakfast in America", una progresión natural de todos los ingredientes de los que estaba hecha esta banda, "Breakfast in America" se basa en canciones que tienen como base únicamente en arreglos de piano y teclado aumentados por el hábil saxofón y los instrumentos de viento de John Helliwell.

"Gone Hollywood", una de las mejores composiciones de Rick Davies, abre el delicioso menú. Fade-in-piano seguido de un riff de guitarra eléctrica con la poderosa voz de falsete de John Helliwell es simplemente desgarrador, te hace saltar de la silla y aunque es una de las composiciones más complejas de Davies, "Gone Hollywood" presenta pausas sorprendentes y una parte media más lenta, inquietante y malhumorada con el saxofón de Helliwell zigzagueando alrededor del piano de Davies mientras la voz del cantante se lamenta: "Hoy no hay nada nuevo en mi vida". El protagonista está pasado de moda, perdido en Hollywood... y sus sueños de triunfar allí, uno por uno, simplemente se desvanecen. Uno solo puede preguntarse qué sucedió cuando, al final, finalmente lo logró. Pero una cosa es segura: tuvo que sufrir los momentos más difíciles y aferrarse a lo que quedaba de sus planes, y el mensaje es claro: "Nunca te rindas, aférrate a tu creencia, renueva tu fe, no importa cuántas veces, y aunque la gente te diga que solo eres un soñador, que no te importe cuántas veces te encuentres solo en el suelo después de haber sido rechazado. Estamos ante algo más que la historia de un hombre que pretendía triunfar y finalmente ganó la batalla. "The logical Song", es la canción insignia del álbum y encaja perfectamente después de Gone Hollywood,  ¿Qué te han enseñado y adónde te lleva? ¿Qué queda por creer? ¿Cuál es la lógica detrás de todo esto? ¿Es realmente lógico hacer lo que hacen los demás? Cuanto más sigues sus consejos, más pierde tu vida lo que una vez la hizo tan buena, porque al final te convierten de un niño que está siendo amado por sus padres, de una persona especial e individual que es amado, pasan a reducirte a un número, uno de los millones que se unen a la carrera de ratas, hechos para funcionar y, después de todo, convirtiéndote en reemplazable. Y si no estás dispuesto a hacerlo... ojo, te están poniendo su sello, hagas o digas lo que hagas, te van a marcar. Este mundo quiere romperte el cuello y robarte los mejores valores que puedas encontrar... o te vuelves loco, o simplemente te dicen que lo eres... por mucho que luches por tu cordura. Hodgson se asegura de que un individuo sensible se sienta (y se pierda) sin la fe y el recuerdo de los valores reales que la vida misma tiene reservados. Tienes que encontrarlos (redescubrirlos) adentro, y no puedes hacerlo mientras estés lleno de todas las cosas para eclipsarlo. Entonces, el pensamiento en sí no te llevará a ninguna parte, la mente debe vaciarse para la meditación. No es necesario que les diga nada sobre la música, ¿o hay alguien por ahí que aún no la haya escuchado? Una de las canciones pop más ingeniosas y originales que jamás se hayan compuesto, lejos de ser simple. "Goodbye Stranger" parace las mas fuera de lugar del tono del album, es una cancion quizas aspera, no tiene un estribillo especial, parecía sonar tonto, t la letra... ¿no es ese un hedonista sexual que vive a costa de los que están dispuestos a darle amor explotando a las mujeres? ¿Y justificando su egoísmo con la necesidad de "tener que hacer las cosas a mi manera para mantenerme en mi juventud"?  ¿Que es eso ? ¿Una broma? Bueno, por supuesto que lo es. Y después de haber dado mi corazón en vano más de una vez, después de haber obtenido finalmente la revelación de ver a través de "el juego" que juegan los hombres y las mujeres, este hombre tiene mi indulgencia seguro... sin piedad por esas mujeres, lo siento. . El tiene razón. Él está pagando el precio de todos modos, simplemente está jugando por algo diferente a un hogar. En retrospectiva, se puede ver como el Hit-Single más grande y merecido de Rick Davies con la guitarra de Roger Hodgson para ser la flor y nata del exceso de energía en el desvanecimiento... el hombre se va y ahí va, sin final a la vista. No es tonto en absoluto. Espléndido.

 

“Breakfast in America” empieza con un teclado que parece crear un estado de ánimo casi malvado. No malvado... espeluznante, grotesco, el bajo o los trombones (sea lo que sea) establece un tono poderoso y le da a la letra cierta autoridad con una melodía que simplemente es genial, con grandes coros y un estribillo impresionante, no hay otra palabra para ello. ¿Y qué es eso que escucho? ¿Algún instrumento de viento de madera se está volviendo loco? Si eso es. Las canciones más cortas pero compuestas del álbum. "Oh Darling" es la canción de amor más positiva de Rick Davies. El pretendiente de sus canciones finalmente lo está logrando, al final todos lo esperábamos ya que es un amante honesto que, en su forma más sincera, no pretende romper el corazón de la dama. Me encanta esta canción, la hice desde el principio. Es un placer. Hizo a Rick mi hermano también (ya sabes, me sentí hermano de Roger inmediatamente, y este fue el enlace que sirvió para finalmente hacer lo mismo con Rick). Romántico, encantador y, de nuevo, divertido. "Take the long way to home” es una irónica exploración del estrellato de Roger Hodgson, todo lo que se le da bien en una sola canción. Puede que te interesen cosas más serias, más progresivas y largas pero no creo que esta cancion sea inferior, musicalmente hablando, simplemente es más entretenida y muy inteligente... y tan conmovedor. Brillante como puede ser Roger Hodgson en la cima del éxito. "Lord is it mine” es la gran balada de Roger en el álbum, una oración cantada, magnífica, elevada, una vez más expresando su búsqueda interior, así como su necesidad de encontrar un lugar propio en este mundo. Lo ames o lo odies, pero para eso escribe canciones este hombre: diatribas íntimas del un humano ante su creador.


En “Just Another Nervous Wreck” el teclado se parece a los demás, pero tiene una sensación diferente. Las voces entran bastante rápido y parecen hacer eco, lo cual es un efecto brillante. También tienen una gran melodía. Gana algo de impulso a medida que avanza, pero en general es una canción mediocre. Solo hay una canción en el álbum que, con una escucha superficial, puede parecer fuera de lugar "Casual conversations", tranquila y corta, incluso jazzística, es una buena balada y aunque no esta al nivel del resto tampoco está fuera de lugar, sino ocupando su propio lugar. El desarrollo de una relación / historia de amor, un estado de ánimo triste perfectamente capturado en la canción, Rick en su forma más evocadora, tocando tiernamente el corazón y la mente. La canción final, otra composición de Hodgson, termina el álbum con una nota alta, “Child of visiones” nos da lo sagrado y lo profano, dándonos la quintaesencia de esta banda. Como si estuviera escrito para Davies, es Roger extendiendo sus manos hacia él. "¡No tenemos ninguna razón para pelear porque ambos sabemos que tenemos razón!". Y el largo y excelente solo de piano al final también es de Rick (sincopado con las líneas de percusión entrecortadas de Roger), progresando (¡improvisando!) por encima del patrón de dos acordes que constituye el clímax emocional del álbum. El ritmo es alucinante. Es un estallido de energía que se resuelve en un grito cuando suena el saxofón de Helliwell. Y la letra dice: Cuídense, amigos. No se deje engañar por afirmaciones ideológicas sobre la "verdad". Quién tiene razón y quién no lo hace, más de una vez, dependen de un punto de vista que no se puede generalizar. Todos somos seres humanos, falibles y necesitados unos de otros.

 

 

 

jueves, 23 de junio de 2022

0539.- Cabinessence - The Beach Boys



20/20 no solo fue el último disco de la década para la banda, sino el último que publican a través de Capitol, tras los difíciles años que sucedieron al desastre del proyecto Smile. Eran finales de los sesenta y la banda se encontraba en una decadencia de popularidad a medida que la década que los convirtió en estrellas estaba llegando a su fin, pero no sin algunos últimos momentos de éxito. De alguna manera, este álbum puede verse como un retroceso a lo que vino antes, pero también como el primero de una sucesión de álbumes que comprenderían los primeros años de la década de 1970. Este álbum en particular fue creado artificialmente para cumplir contrato con el sello, por lo que se usaron canciones grabadas y desechadas de años anteriores (incluyendo de la época de Smile), covers y material compuesto por Dennis Wilson, quien en esta época empieza a mostrarse muy activo en materia de composición. En general, tal como en el disco anterior, el protagonismo es bastante repartido entre los seis miembros de la banda, ya sea como vocalistas líderes, composición e incluso producción y dirección artística. Brian se desentendió bastante de esta publicación, puesto que está internado en esta época, por este motivo es el gran ausente de la carátula.


Cabinessence era una canción destinada a ser publicada en el album Smile pero no dio tiempo a terminarla, asi que con algunos toques finales, se le dio un destino final aquí y se descubrió para el público como una obra maestra de producción con un sonido como ningún otro en la música pop. Carl ofrece un comienzo tranquilo y bonito en los versos antes de que la canción explote en sus coros, un collage de cuerdas pesadas, voces grupales y palabras habladas debajo. La sección final de la canción tiene un sonido psicodélico con cuerdas, una línea de bajo alucinante, una gran cantidad de otros instrumentos y una línea vocal inquietante repetida muchas veces antes de la canción se desvanece. Aunque hubiera sido más apropiado haber sido incluido en un álbum completo de Smile en 1967, fue una suerte que los chicos de la tienda de mascotas decidieran rescatarla, que Capitol les obligara a publicar un nuevo álbum para poder disfrutar así de otra de las grandes canciones que nos ha dejado este grupo americano que surgio cuando la música surf hizo su aparición en la historia y dejarnos para la historia ese último minuto (más o menos), con esa línea que se repite una y otra vez…. uno de los mejores minutos en el catálogo de The Beach Boys.


miércoles, 22 de junio de 2022

0538.- Kick out the Jams - MC5



Si bien no sería justo considerar a los MC5 como un "one hit wonder", lo cierto es que nunca llegaron a superar el éxito de su tema Kick Out the Jams, que daba título al primer álbum de la banda, grabado en vivo en octubre de 1968 en el Grande Ballroom de Detroit, y publicado ya en 1969. Mientras el álbum llegó a alcanzar un meritorio puesto 30 en el Billboard estadounidense, la canción Kick Out the Jams solo llegó al puesto número 82, pero en la actualidad es el tema más recordado de la banda y de aquel álbum.

Kick out the jams se convirtió rápidamente en un slogan revolucionario utilizado en manifestaciones de toda índole, asociado a una llamada a desprenderse ("Kick out") de las prohibiciones y las reglas de una sociedad controladora contra las que los jóvenes y las minorías se rebelaban en la década de los sesenta, cuando en realidad el origen de este título era una provocación de la banda para que el grupo que tocaba antes que ellos en el Ballroom "dejara los instrumentos" y se bajara del escenario para que ellos ocuparan su lugar.

Tanto el disco como la canción están considerados, junto con los dos primeros discos de The Stooges, como las primeras obras de punk rock que se recuerdan. Tanto se adelantaron al fenómenos musical que explotaría a finales de los setenta, que en su momento la música de estos dos míticos grupos fue considerada inclasificable. No ayudó tampoco que en el comienzo de la canción gritaran "Kick out the jams, motherfuckers!" antes de que comenzara el riff inicial. Los ejecutivos de Elektra trataron por todos los medios de censurar aquella frase, y la multinacional Hudson's se negó a vender el disco en sus tiendas. Elektra se quitó el problema del medio invitando a la banda a "dejar los instrumentos y bajarse del escenario", en un despido tan icónico y fulminante como el que años después protagonizarían los Sex Pistols, abanderados del punk al otro lado del charco.

Tina Turner - Foreign Affair #MesTinaTurner

 

Foreign Affair, Tina Turner


     Tina Turner venía de arrasar en las listas de todo el mundo con Break Every Rule (1986), y su posterior álbum en directo Live In Europe (1988), donde había contado con las importantes colaboraciones de Eric Clapton, David Bowie, Bryan Adams y Robert Cray. Había dejado el listón muy alto, y sería capaz de mantenerlo con su siguiente trabajo, Foreign Affair (1989), con el que volvería a arrasar en las lisas de medio mundo.

Foreign Affair es grabado durante 1988 y 1989 en los estudios The Hit Factory de Nueva York y los estudios Pathé-Marconi de París, bajo la producción de Dan Hartman, Roger Davies, Rupert Hine, Graham Lyle, Tony Joe White y la propia Tina Turner, y publicado el 13 de septiembre de 1989 por el sello discográfico Capitol Records. En la grabación del álbum participan músicos de la talla de Albert Hammond, Mark Knopfler, Edgar Winter y Neil Taylor entre otros, lo que sumado a la excelente producción, da como resultado una excelente calidad de sonido. 

Foregin Affair, el séptimo álbum de estudio en solitario de Tina Turner, tenía la  difícil papeleta de mantener el éxito obtenido por sus anteriores trabajos, Private Dancer (1984) y Break Every Rule (1986). En Estados Unidos no logró alcanzar el éxito esperado, no consiguiendo colarse en el top 30 de la lista Billboard 200. Pero donde sí llegaría a alcanzar el éxito es en Europa, llegando a alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido, Alemania, Noruega, Suecia y Suiza, obteniendo también muy buenas cifras en países como Austria, Francia, Australia y España. El disco llegaría a vender más de 6 millones de copias en todo el mundo. 



Del álbum Foreign Affair se lanzan seis sencillos, y todos se convertirán en grandes éxitos, especialmente en Europa: Steamy Windows, escrito por Tony Joe White, una canción que trata sobre tener intimidad en el siento trasero de un coche en un lugar apartado de la carretera. cuando las ventanas se empañan por el calor del cuerpo, se crea cierta privacidad natural y hace que todo sea más sensual. Si normalmente es el chico quien suele preparar el escenario para poder tener intimidad en el coche, Tina nos canta la canción desde la perspectiva de la chica, quien es la que lleva al chico al asiento trasero del coche. Tina Turner, que en el pasado había sufrido una relación abusiva, dejaba claro que había recuperado su vida y que era ella la que tenía el control de la misma. Esta canción le valió a Tina una nominación a los premiso Grammy. The Best, escrita por Holly Knight y Mike Chapman, y grabada por primera vez por Bonnie Tyler en 1988 en su álbum Hide Your Heart. Pero será Tina la que convierta este tema en un gran éxito y en una de las canciones más reconocibles de toda su carrera, siendo conocida la cantante también como el título de la canción, "The Best". Antes de grabar la canción, Tina le pidió a la compositora Holly Knight algunos cambios  en la canción, como la inserción de un puente y un cambio en la tonalidad. La canción cuenta con un magnífico solo de saxofón interpretado por Edgar Winter. Look Me In the Heart, escrita por Billy Steinberg y Tom Kelly, una canción de corte pop con tintes de soul que llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas de Estados Unidos. Be Tender With Me baby, escrita por Albert Hammond y Holly Knight, una balada de corte rockero que comienza con suavidad y que termina in crescendo con la cantante demostrando todo su potencial vocal. I Don't Wanna Lose You, compuesta por Albert Hammond y Graham Lyle, es toda una declaración de amor con una gran interpretación vocal de Tina y un muy buen trabajo del saxofón. Y Foreign Affair, canción que da título al álbum, compuesta por Tony Joe White y  que además cuenta con la colaboración en la guitarra de Mark Knopfler

     Con Foreign Affair Tina Turner seguía en la cresta de la ola, demostrando que los años 80 eran suyos, y los 90 los iba a comenzar de la misma forma. Se había ganado a conciencia el apodo "The Best".

martes, 21 de junio de 2022

0537.- Hot Burrito n° 1 - Flying Burrito Brothers

 

Hot Burrito n° 1, Flying Burrito Brothers


     Aparece en escena la banda estadounidense de country rock The Flying Burrito Brothers. La banda, formada en 1968, debuta con su primer álbum de estudio en 1969, llamado The Gilded Palace Of Sin. El disco fue grabado ente noviembre y diciembre de 1968 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción del grupo y de Henry Lewy y Lary Marks, y publicado el 6 de febrero de 1969 bajo el sello discográfico A&M.

El disco no fue precisamente un gran éxito comercial, alcanzando únicamente el puesto 164 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, pero el trabajo del grupo, y especialmente de sus compositores principales, Gram Parsons y Chris Hillman, fusionando fuentes tradicionales folk y country con otros estilos como soul, gospel y rock psicodélico hizo que este disco fuera considerado como imprescindible en la era del rock de los años 70. Tanto es así que este álbum fue incluido por la prestigiosa revista Rolling Stone en el puesto 192 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos del año 2012, y el el puesto 462 en la lista elaborada por la misma revista en el año 2020. 

Incluido en este álbum se encuentra el tema Hot Burrito #1, compuesto por los componentes de la banda Chris Ethridge y Gram Parsons. Según Chris Hillman, Gram Parsons escribió esta canción basándose en la ruptura que sufrió con su por entonces novia, llamada Nancy, en 1968, y con quien había tenido una hija llamada Polly. aunque nunca se llegaron a casar, Nancy había tomado el apellido de Gram, Parsons. De ahí la letra, donde Gram deja claro que no puede soportar la idea de su chica en brazos de otro hombre. La canción fue escrita mientras la banda residía en la casa de Gram Parsons, ubicada en el valle de San Fernando, y conocida como Burrito Manor. A pesar de no tener mucho impacto en aquel momento tanto la canción como el álbum, el grupo pasó a convertirse rápidamente en un grupo de culto por quienes los escuchaban, incluyendo a artistas de la talla de Bob Dylan y The Rolling Stones entre otros.

lunes, 20 de junio de 2022

0536 - Yellow Submarine - The Beatles


0536 - Yellow Submarine - The Beatles

Pocas canciones de Rock creo que han llegado a tener la repercusión de esta canción de The Beatles, quien no ha escuchado al menos una vez en la vida Yellow Submarine, quizás incluso sin saber que pertenecía a The Beatles. 

Yellow Submarine es una canción de la banda de rock británica The Beatles incluida en su álbum Revolver de 1966. También esta canción tuvo una publicación de un single, junto con Eleanor Rigby. La particularidad de esta canción es que fue escrita como una canción infantil por Paul McCartney y John Lennon, y dio lugar a una canción con la voz de Ringo Starr en el álbum.

El single de Yellow Submarine llegó al número uno en las listas de Reino Unido y en mucho de otros países europeos, como así también en Australia, Canadá y Nueva Zelanda. Ganó un premio Ivor Novello por las ventas certificadas más altas de cualquier sencillo escrito por un compositor británico y publicado en el Reino Unido en 1966. En cambio en los EE. UU., la canción alcanzó el puesto número dos en la lista Billboard Hot 100.

The Beatles produjeron Yellow Submarine durante un período caracterizado por la experimentación en el estudio de grabación. Después de grabar la pista básica y las voces a fines de mayo de 1966, realizaron una sesión para sobregrabar efectos de sonido náuticos, ambiente de fiesta y coros, recordando el trabajo anterior del productor George Martin con miembros de The Goons. Como canción novedosa junto con Eleanor Rigby, una pista desprovista de cualquier instrumentación de rock, el sencillo marcó un cambio radical para el grupo. También fue la primera vez que emitieron un sencillo en el Reino Unido que constaba de pistas de álbumes. La canción inspiró la película animada de 1968 Yellow Submarine y apareció como la pista de apertura del álbum de la banda sonora que la acompaña.

La canción en cambio en los EE. UU. tuvo una repercusión negativa, tras el lanzamiento de Yellow Submarine coincidió con las controversias en torno a los comentarios de John Lennon donde menciono que The Beatles eran "Más popular que Jesús", lo que llevó a algunas estaciones de radio a prohibir la música de The Beatles y otra de las cosas que hicieron impopulares a la banda fue la oposición pública a la guerra de Vietnam. 

La canción recibió varias interpretaciones sociales y políticas. Fue adoptado como una declaración contra la autoridad por parte de la contracultura durante las manifestaciones de la Guerra de Vietnam y también fue apropiado en acciones de huelga y otras formas de protesta.
Algunos oyentes vieron la canción como un código para las drogas, particularmente el barbitúrico Nembutal que se vendía en cápsulas amarillas, o como un símbolo de escapismo. Yellow Submarine sigue siendo la favorita de los niños y Ringo Starr la ha interpretado con frecuencia en sus giras con All Starr Band.

Daniel
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domingo, 19 de junio de 2022

0535.- My Cherie Amour - Stevie Wonder

 

My Cherie Amour, Stevie Wonder


     El 29 de agosto de 1969 Stevie Wonder publica bajo el sello Tamla Records (Motown) el álbum My Cherie Amour, su undécimo trabajo de estudio. El material del disco es grabado en el estudio del sello Motown, conocido como Hitsville, de Detroit en 1969, excepto el tema que da título, My Cherie Amour, que había sido grabado entre 1967 y 1968. El álbum, que se mueve entre el pop-soul y el R&B, obtuvo bastante éxito, alcanzando el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido, y el número 34 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, My Cherie Amour. Wonder escribió la canción en 1967 mientras estudiaba en la Escuela para Ciegos de Michigan, grabando una primera versión y guardándosela en su "Caja de Cintas", donde guardaba todas sus ideas para canciones. Escribió la canción para su por entonces novia Marcia y la titulo originalmente Oh My Marcia. El cantante acabaría cambiando el título de la canción por My Cherie Amour porque cuando se realizó la versión final ya no eran novios. Cuando Berry Gordy, fundador de Tamla - Motown Records, escuchó la canción pensó que la canción podía mejorarse y puso a trabajar sobre ella a los compositores del sello Henry Cosby y Silvia Moy, quienes figuran en los créditos de la canción junto a Wonder. A Silvia Moy se le ocurrió el título de la canción, una sutil combinación de inglés y francés que dió como resultado My Cherie Amour

Tina Turner - Private Dancer #MesTinaTurner



Solo unos años antes, nadie podría haber imaginado que esta estrella del género soul se convertiría en la mejor intérprete de las listas de éxitos pop, y lo haría sin comprometer su repertorio musical. A fines de la década de 1970, Turner se ganaba la vida a través de varias apariciones en televisión y conciertos al estilo de Las Vegas, y sus primeros álbumes en solitario reflejaron musicalmente esta estrategia. El quinto álbum en solitario de Turner desde que dejó la banda de su exmarido Ike en 1976 fue el debut de Turner para Capitol Records después de haberse quedado absurdamente sin un contrato de grabación durante varios años anteriores. Capitol records hizo un gran trabajo y cuando el álbum que tantos ejecutivos discográficos dudaban en hacer finalmente se lanzó al público, fue un gran éxito en todo el mundo. Tal vez ahora sea difícil entender lo que significó este disco en 1984: no había nada que se pareciera ni de cerca de a Tina Turner, una sobreviviente de la década de 1960, sus contemporáneos arrasaron con la música disco y otras nuevas tendencias, y aunque ellas seguía activa, estab lejos de los estudios de grabación. Fue esta lucha, la lucha constante y los conciertos agotadores lo que la mantuvo en forma, perfectamente en forma y preparada para llegar el momento adecuado, que en el camino no sucumbiera a las drogas ni al alcohol como tantas otras estrellas del rock, dice mucho de su carácter y determinación, después de todo lo que ha visto de primera mano.


Fue Roger Davis, su nuevo manager, quien planeó este espectacular "regreso" y organizó algunos conciertos de alto perfil que atrajeron la atención de los medios, el álbum en sí se grabó en solo dos semanas y se grabaron con diferentes productores e incluyeron producción europea, por lo que esa combinación de sonido moderno de vanguardia fue perfecta con el vocalismo soul de la vieja escuela de Turner. El resto es, como dicen, es historia de la musica: Turner volvió al mapa musical a lo grande y se aseguró que por el resto de su vida tendría conciertos con entradas agotadas en cualquier momento que quisiera y mas que la música, Turner se convirtió en un fenómeno social, y fue un espejo donde mirarse para muchas personas: para las mujeres de cierta edad, era la heroína que logró defenderse y lograr el éxito nuevamente en solitario, para otras ve como alguien de color de mediana edad podía llegar a la cumbre, para los críticos de rock era una leyenda del rock en su mejor momento, para los seguidores de la moda era una chica rockera con minivestidos y grandes pelucas, para los directores de cine personificaba a una mujer negra fuerte y a millones de personas en todo el mundo simplemente les encantaba verla en un escenario. Ahora está casi olvidado, pero justo después de este álbum aparecieron muchos vocalistas negros que imitaban el estilo vocal de Turner y se podían escuchar coros “Turnerizados” en todas partes, desde Billy Idol hasta Eurythmics y algún album de The Rolling Stones . Incluso Aretha Franklin logró el "regreso" siguiendo la misma fórmula de múltiples productores y su famoso dúo con Eurhytmics se grabó después de que Turner rechazara la canción. Turner nunca más volvería a tener un álbum con tanta energía, lleno de chispa y poder puro, fue esta hambre y determinación lo que hizo de Private Dancer un gran éxito y un punto culminante de su carrera en solitario.

Para el álbum se reclutaron músicos de gran nivel, el bajista y productor Rupert Hine trabajó en varias pistas de Private Dancer, comenzando con el tema de apertura "I Might Have Been Queen", la canción fue coescrita por Jamie West-Oram , guitarrista principal de The Fixx, una banda que Hine había producido recientemente con gran éxito, fue escrita específicamente para Turner y su letra refleja la creencia de Turner en la reencarnación. "What's Love Got to Do with It" es la canción más popular del álbum, debido en parte a la película posterior del mismo nombre. La entrega vocal y melódica de Turner es magistral tanto en su ascenso como en su restricción. Escrita por el guitarrista Terry Britten y Graham Lyle, la canción encabezó las listas en el verano de 1984 y marcó el momento innegable del éxito de regreso de Turner. “Show Some Respect” es otra canción escrita por Britten con un enfoque decididamente ochentero de sintetizador y funk. Una de las últimas canciones lanzadas como sencillo, esta canción se convirtió en un éxito Top 40 en 1985. Britten también produjo la siguiente canción, "I Can't Stand the Rain", una nueva versión del éxito de 1974 de Ann Peebles. La canción principal del álbum del mismo titulo, "Private dancer", fue escrita por Mark Knopfler de Dire Straits, quien escribió la canción para el álbum Love Over Gold de su banda, pero decidió que no quería cantar una canción desde una perspectiva femenina y la desechó. 


La segunda cara de Private Dancer comienza con una versión de "Let's Stay Together" de Al Green, que Turner lanzó a fines de 1983, mucho antes que el álbum. Si bien Turner se mantiene fiel al original, también agrega su toque especial a esta pista que encabezó la lista Billboard Dance. "Better Be Good to Me" es la canción más pop/rock del álbum, originalmente destinada a Pat Benatar, producida por Hine y compuesta por el equipo de Holly Knight, Mike Chapman y Nicky Chinn, la canción alcanzó el número 5 en las listas de éxitos. El álbum termina con tres grabaciones menos conocidas. “Steel Claw” fue escrita por Paul Brady y presenta una alineación similar a “Private Dancer”, con miembros de Dire Straits (sin Knopfler) y Beck agregando un solo. “Help” donde versiona con su capacidad única el clásico de The Beatles y “1984” de David Bowie que concluye el álbum como una pista electrónica que rinde homenaje durante el año real sobre el que se escribió.


Private Dancer alcanzó el Top 10 en más de una docena de países, vendió más de ocho millones de copias y ganó cuatro premios Grammy, aprovechando esta inmensa popularidad, Turner realizó una gira mundial hasta 1985, que incluyó más de 170 fechas en tres continentes.


sábado, 18 de junio de 2022

0534.- Suspicious Minds - Elvis Presley

 

‘Suspicious Minds’ fue uno de los mayores éxitos de Elvis Presley. Se trata de una canción  interpretada en 1968 por él mismo, pero que aparece firmada con el nombre cantautor estadounidense Mark James, también conocido como Francis Zambon, su nombre original. Aunque fue Elvis Presley quien realmente llevó esta canción al éxito en el año 1969. Esta canción fue su último éxito número una y cuya versión ocupa el puesto 91 en la lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos” según la revista Rolling Stone. Unos años más tarde, en 1977, Elvis Presley fallecería, interpretando esta canción por última vez en el año 1973 en Hawaii.

 

La canción fue concebida en el año 1969, cuando Mark James, artista que ya había escrito tres canciones que se convirtieron en éxito número uno en el sur de Estados Unidos, sospechaba de los sentimientos que tenía su mujer hacia él, pero en ese entonces no sabía como demostrarlo y tampoco quería admitir que algo estaba fallando. James sintió que era un momento muy difícil para él, por lo que se entregó totalmente a la música y sus emociones, como una forma de aislarse temporalmente de su situación personal, siendo una terapia para él, que dio sus frutos. Como el artista no lograba desconectarse del todo de lo que estaba pasando en su vida, decidió escribir sus pensamientos como una forma de terapia. Una noche, mientras tocaba su guitarra usando pedales de órganos para buscar sonidos diferentes, logró llegar a una melodía muy pegadiza. El artista se emocionó mucho con el sonido que acababa de encontrar y al momento le vino la idea de colocarle como letra la que había escrito acerca de su situación personal y que posteriormente llamó ‘Suspicious Minds’. James acababa de crear una obra maestra, aunque en ese momento no lo sabía. Como quiera que ese intento no tuvo éxito comercial, la canción fue cedida a Elvis Presley, quien la grabó en una sesión del 23 de enero de 1969, entre las cuatro y las siete de la mañana. Editada como single en agosto del 69, dos meses después de la salida al mercado del disco From Elvis in Memphis del que quedó inicialmente excluida, fue mezclada en Las Vegas, donde además se incluye un fade out que cerca del cierre se transforma en su opuesto, un fade in en el que retornan los mismos tres versos que se repiten en el falso epílogo, una idea que probablemente haya estado inspirada en “Hey Jude” de los Beatles y que en este caso desmejoraba notablemente el resultado final además de complicar la difusión radial con sus cuatro minutos veinte segundos de acabado y sumó otra razón para aumentar la ira de Moman, quien también había fracasado con su reclamo de tener alguna participación en los derechos de un tema que tenía el aroma indudable del hit.

 

Esta canción trata de una relación desconfiada y perdida, así como de la necesidad de la pareja para superar sus problemas con el fin de mantener lo que durante tanto tiempo, lograron cosechar. Una canción que en Estados Unidos tuvo una gran acogida, y que a día de hoy sigue sonando como si no hubiera pasado el tiempo. Desde entonces, la canción ha sido versionada por multitud de artistas, la más famosa fue la de Elvis Presley, que logró estar en el top musical de la época, siendo uno de los mayores éxitos de la carrera del artista, y una de las últimas canciones que logró posicionar como número uno.

viernes, 17 de junio de 2022

0533.- Son of a preacher man - Dusty Springfield



Son of a Preacher Man ("Hijo de un predicador"), incluida en el disco Dusty in Memphis de Dusty Springfield, es uno de esos temas que, pese a estar a la altura de las mejores canciones de su década, tuvo que sufrir un gran rechazo inicial, antes de convertirse en un éxito a nivel internacional. Escrito por John Hurley y Ronnie Wilkins y ofrecido en un primer momento a Aretha Franklin, fue rechazado por la gran diva estadounidense, que quizá por ser precisamente hija de un predicador, no veía con buenos ojos cantar sobre una joven que mantiene una relación amorosa secreta con el hijo del predicador de su pueblo.

Tras ese primer revés, la canción encontró acomodo en la voz de Dusty Springfield, y tras comprobar el gran resultado, la propia Aretha Franklin tuvo que admitir su error y acabó grabando su propia versión sólo dos años después, pero ya era demasiado tarde. La versión de Aretha no logró siquiera acercarse al éxito mundial que poco antes había cosechado la versión de Dusty, porque para el hijo del predicador ya solo había una mujer, y esa era Dusty Springfield.

En 1994 la canción tuvo un gran resurgimiento comercial tras ser incluida en la banda sonora de la película Pulp Fiction de Quentin Tarantino, que alcanzó ventas superiores a los dos millones de copias. Ante estas cifras, es posible que la "Reina del Soul" volviera a tirarse de los pelos, lamentando no haber sido la primera en inmortalizar aquellas líneas que entonces consideró irrespetuosas:

"El único que pudo alcanzarme
Era hijo de un predicador.
El único chico que podría enseñarme
Era hijo de un predicador."

El disco de la semana 280: Kings of Oblivion - Pink Fairies



Los primeros años de la década de los setenta en Reino Unido fueron un interesante período de transición entre el rock progresivo y psicodélico de bandas como Pink Floyd, el glam rock de David Bowie, el rock and roll de The Rolling Stones y los ecos de la separación de The Beatles, por un lado, contra el paulatino germinar del movimiento punk que estallaría definitivamente en 1977, pero que ya se atisbaba en algunas bandas, especialmente representadas por The Ramones y The Stooges al otro lado del charco.

Pink Fairies surgió en ese momento de cambio, configurando una interesante mezcla que aunaba la psicodelia pasada y los largos solos de guitarra del progresivo, con una propuesta fresca y agresiva más cercana al hard rock y al punk que estaba por llegar. La actitud del grupo iba también encaminada hacia la rebeldía del punk, acercándose a posturas anarquistas, y tocando de manera improvisada en las puertas del Festival de la Isla de Wight como contrapunto a lo que el festival de pago ofrecía de puertas para adentro.

Kings of Oblivion ("Reyes del Olvido") (1973) fue su tercer disco de estudio, tras el que se acabarían separando en 1977, para reaparecer una década después con cambios en su formación y un cuarto álbum llamado Kill 'Em and Eat 'Em (1987). Con nuevos cambios en el seno de la banda, publicaron dos discos más en años posteriores, pero ninguno de los discos posteriores a su primera separación llegó al nivel de sus tres primeros discos, de los que Kings of Oblivion, grabado con la formación de Larry Wallis (voz y guitarra), Duncan Sanderson (bajo, voz) y Russell Hunter (batería), quizá sea la mejor muestra. En el momento de su lanzamiento, fue considerado como el mejor álbum de Pink Fairies

El disco toma su nombre de una frase de la canción "The Bewlay Brothers" del disco Hunky Dory (1971) de David Bowie, mientras que la portada, diseñada por Edward Baker, parodia los adornos de patos voladores que tanto se habían popularizado en la Inglaterra de la época, pero convirtiéndolos en cerdos voladores, anticipándose varios años al famoso cerdo volador de la portada de Animals (1977) de Pink Floyd. Comienza con City Kids, rotundo tema de hard rock que curiosamente Wallis llegó a grabar también con Motörhead tras dejar los Fairies durante un breve período de tiempo, y unirse a la banda de Lemmy Kilmister para grabar On Parole, álbum debut de Motorhead en 1976 que terminó cancelándose y que finalmente sería publicado en 1979.

Le sigue I Wish I Was a Girl, pieza clave del disco con sus casi diez minutos de duración, en los que hay espacio para intensos solos de guitarra, que en conjunto configuran una de las canciones más melodiosas del disco, sin perder la esencia de hard rock predominante en un disco en el que las influencias de artistas como Alice Cooper son predominantes, como en When's the Fun Begin? que combina el rock pesado con el tono psicodélico de sus coros y sus apocalípticos teclados que parecen simular sirenas de emergencia anunciando un bombardeo, que acaba llegando en Chromium Plating, pieza de rotunda batería e intenso sabor psicodélico, que parece no terminar de despegar hasta el brillante solo de guitarra, que despeja todas las dudas y justifica por sí solo la existencia de este tema en el disco.

Las pulsaciones suben aún un peldaño más en Raceway, tema instrumental con uno de los riffs más acelerados del álbum, con la banda tocando con una energía que recuerda a los mejores Led Zeppelin, y derrochando fuerza y creatividad en unos espectaculares cambios de ritmo. No levantan el pie del acelerador en Chambermaid, tremendamente efectiva y con guitarras que son de nuevo brillantes y que saben a cuero, carretera y manta. Cierran el disco con Street Urchin, más rítmica y contenida, pero igualmente reforzada por energizantes solos de guitarra que, una vez más, nos hacen plantearnos la ironía del título de este gran disco, porque los Pink Fairies fueron una genuina banda de rock que hubiera merecido mayor reconocimiento y visibilidad de las que tuvieron, pero el destino quiso que quedaran desterrados a esa terrible isla que es el olvido, en la que desde el día que llegaron fueron auténticos reyes.

jueves, 16 de junio de 2022

0532 - In the Ghetto - Elvis Presley

0532 - In the Ghetto - Elvis Presley

In the Ghetto originalmente titulada The Vicious Circle es una canción de 1969 grabada por Elvis Presley y escrita por Mac Davis
Fue un gran éxito lanzado en 1969 como parte del álbum de regreso de Presley, y también en el lanzamiento del sencillo "Any Day Now" en la otra cara.

La letra de la canción fue escrita por el compositor y cantante de música country Mac Davis.  
La versión grabada por Presley se toca en la tonalidad de si bemol. In the Ghetto se grabó durante la sesión de Presley en el American Sound Studio en Memphis, Tennessee.  
Fue la primera sesión de grabación creativa de Presley desde el Elvis '68 Comeback Special.  Otros éxitos grabados en esta sesión fueron "Suspicious Minds", "Kentucky Rain" y "Don't Cry Daddy".

La canción fue publicada por Gladys Music, Inc., la editorial de Elvis Presley.

La canción fue el primer éxito Top 10 de Elvis Presley en los Estados Unidos en cuatro años, alcanzando el número 3 y el número 2 en Canadá. Fue su primer éxito en el Top 10 del Reino Unido en tres años, y también alcanzó el puesto número 2. Alcanzó el número 1 en Cashbox y el número 8 en Easy Listening. Fue un éxito número uno en Alemania Occidental, Irlanda, Noruega, Australia y Nueva Zelanda.

Como un gran éxito internacional, Elvis Presley lo incluyó en su lista de canciones durante su regreso a las presentaciones en vivo en el Hotel Internacional de Las Vegas en 1969. Fue un elemento básico de sus espectáculos en las dos primeras temporadas;  sin embargo, en el tercero (agosto/septiembre de 1970), lo incluyó solo una vez, en la cena con espectáculo del 13 de agosto, para beneficio de las cámaras de Metro-Goldwyn-Mayer que filmaban el documental Elvis: That's the Way It Is.  (1970).  Esta versión comenzó sin pausa al final de otro éxito de 1969, "Don't Cry Daddy".

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 15 de junio de 2022

531.- Communication Breakdown - Led Zeppelin



Communication Breakdown (Avería en la comunicación) es una de las canciones más significativas del álbum de debut de la banda inglesa de rock Led Zeppelin, publicado en 1969 con el nombre de la banda como título. La letra habla de un corte en la comunicación, pero se refiere en realidad a la dificultad del protagonista en lograr trasladarle a su amada todos los sentimientos y la excitación que ella le provoca:

En las estrofas se da rienda suelta al sentimiento ("Hey chica, hay algo que tú necesitas saber, Hey cariño quiero decirte que te quiero. Quiero tenerte entre mis brazos, nunca te voy a dejar marchar..."), pero al llegar al estribillo comprobamos que o bien no ha logrado decírselo, o sus palabras no han tenido el efecto deseado en ella (¡Avería en la comunicación, siempre es lo mismo, avería en la comunicación, me pone de los nervios!)

Más árida y rockera que otras grandes obras posteriores de Led Zeppelin, en Communication breakdown destacan por igual todos los miembros de la banda, empezando por la intensa voz de Robert Plant, continuando por las fieras guitarras de Jimmy Page y las densas líneas de bajo de John Paul Jones y terminando con la contundente batería de John Bonham. Todos juntos entregan una pieza de hard rock rabioso y atemporal, posteriormente versionada por artistas del calibre de Iron Maiden o Wolfmother.