Foo Fighters - The Colour and the Shape (Mes Foo Fighters)

Foo Fighters álbum The Colour and the Shape #mesFooFighters

El magistral álbum The Colour and the Shape de los Foo Fighters no solo es una obra maestra sonora, sino también una pieza fundamental en la evolución de la banda y la historia del rock alternativo. Lanzado en 1997, este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de los Foo Fighters y dejó una huella imborrable en la escena musical de la época.

La génesis de The Colour and the Shape se remonta a los desafíos internos que enfrentaba la banda. Después del éxito inicial con su álbum debut homónimo, Dave Grohl, líder de la banda, se encontró en una encrucijada creativa. La banda original, compuesta por Grohl, Nate Mendel, William Goldsmith, y Pat Smear, experimentó tensiones internas durante la grabación. Goldsmith no estaba satisfecho con la dirección que tomaba el álbum y, como resultado, Grohl se vio obligado a regrabar la mayor parte de las partes de batería, asumiendo un papel más protagónico en la producción.

Este proceso arduo y, a veces, doloroso, dio como resultado un álbum que no solo capturó la esencia cruda y apasionada de los Foo Fighters, sino que también señaló el inicio de una nueva era. La colaboración entre Grohl y el productor Gil Norton fue fundamental para dar forma al sonido distintivo del álbum. Norton, conocido por su trabajo con bandas como Pixies, logró capturar la energía explosiva de la banda sin perder la claridad en la producción.

Cada pista en The Colour and the Shape cuenta una historia única. La apertura con "Doll" es un torbellino de riffs de guitarra y ritmos frenéticos que establecen el tono para el viaje emocional que se avecina. "Monkey Wrench", con su enérgico estribillo y letras que reflejan la angustia emocional, se convirtió en un himno de la época. Pero es "Everlong" la que se destaca como una de las joyas más brillantes del álbum.

"Everlong" ha perdurado a lo largo del tiempo como una de las canciones más emblemáticas de los Foo Fighters. La mezcla de la emotiva letra de Grohl y la melodía cautivadora creó un himno que ha resonado con audiencias de todas las edades. La historia detrás de la canción, inspirada en la difícil ruptura de Grohl con su esposa, agrega una capa adicional de autenticidad a la experiencia auditiva. Esta pista no solo encapsula la habilidad compositiva de Grohl, sino que también refleja la vulnerabilidad y la conexión emocional que define a The Colour and the Shape.

El álbum no se limita a la potencia emocional; también presenta momentos de reflexión y melancolía. "My Hero" destaca por su construcción gradual y letras que exploran la idea de héroes cotidianos. "See You" ofrece una perspectiva más suave, con armonías melódicas que contrastan con la intensidad de otras pistas. Esta diversidad en la composición es un testimonio de la habilidad de los Foo Fighters para explorar diferentes facetas emocionales sin comprometer su identidad sonora.

La influencia punk de la banda se hace evidente en pistas como "Wind Up" y "Enough Space". Estos cortes son un tributo a las raíces de Grohl en Nirvana y su amor por el punk rock. Los riffs frenéticos y la actitud cruda de estas canciones capturan la esencia del punk, demostrando la versatilidad musical de los Foo Fighters.

La alineación en constante cambio de los Foo Fighters también es un elemento intrigante en la historia de The Colour and the Shape. La salida de William Goldsmith y la incorporación de Taylor Hawkins como baterista marcaron un cambio significativo en la dinámica de la banda. Hawkins, con su estilo enérgico y técnica excepcional, aportó una nueva dimensión al sonido de los Foo Fighters, contribuyendo significativamente al éxito continuo de la banda.

La producción de The Colour and the Shape no solo captura la esencia vibrante de la banda, sino que también refleja la meticulosidad de Gil Norton. Cada instrumento se destaca con claridad, creando una sinfonía sonora que potencia la experiencia auditiva. La calidad de grabación ha resistido la prueba del tiempo, lo que contribuye a la longevidad del álbum y su relevancia continua en la escena musical.

En retrospectiva, The Colour and the Shape no solo solidificó la posición de los Foo Fighters en la escena musical, sino que también dejó una huella imborrable en el rock alternativo de los años 90. Su éxito comercial, combinado con la aclamación crítica, consolidó la posición de la banda en la cima del panorama musical. Este álbum no solo es una instantánea de la época, sino también un testimonio duradero del talento compositivo y la evolución continua de los Foo Fighters.

En conclusión, The Colour and the Shape es un álbum que trasciende las barreras del tiempo y sigue resonando con los amantes del rock en todo el mundo. Desde sus letras introspectivas hasta sus riffs enérgicos, este álbum representa no solo un hito en la carrera de los Foo Fighters, sino también un legado duradero en la historia del rock alternativo. Un testimonio de la creatividad, perseverancia y autenticidad que han definido a los Foo Fighters a lo largo de los años. ¡Un clásico eterno que continúa inspirando a nuevas generaciones de fanáticos del rock!

Daniel 

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1106.- Jennifer - Faust

En 1973, la banda alemana de música industrial Faust lanzó "Faust IV", su cuarto disco de estudio. Grabado en junio de 1973 en el estudio The Manor en Shipton-on-Cherwell, Oxfordshire, Inglaterra, y editado en septiembre del mismo año por el sello inglés Virgin, contaba con el tema estrella "Krautrock" (que da nombre además al estilo con el que se etiqueta normalmente al grupo), pero también con temas como "The Sad Skinhead" o "Jennifer", con una lírica y técnica de composición más convencional.

Muchos de sus fans recibieron con frialdad estas canciones, interpretándolas como una concesión comercial del grupo, que sin pretender cambiar sustancialmente su estilo y su propuesta, buscaba conseguir que un disco suyo fuera un éxito de ventas. No lo lograron, pero sí que, con el tiempo, esa primera recepción tibia de una canción tan grande como "Jennifer" cambió drásticamente, y a día de hoy se la considera uno de los mejores trabajos líricos de la banda.

La canción tiene una hipnótica y evocadora línea de guitarra distorsionada y lejana, acompañada de un calmado ritmo de batería. El toque "ambient" de su minimalista propuesta, y en especial la exigua y repetitiva letra ("Jennifer", tu pelo rojo está ardiendo, chistes amarillos salen de tu mente"), la convierten en una genial rareza alternativa que merece la pena rescatar para escucharla de nuevo y degustarla junto a un café humeante en una tarde de un día de invierno. 

1105.- Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) - The Rolling Stones

Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" es el cuarto corte del disco "Goats Head Soup" (1973) de The Rolling Stones. A la sombra del enorme éxito del tema estrella "Angie", es una canción que quizá no haya tenido el reconocimiento y la visibilidad que por su calidad hubiera merecido, y que, sin embargo, está a la altura de los grandes himnos de la genial banda británica. Publicada como segundo single del disco, alcanzó el puesto 15 del Billboard Hot 100 estadounidense.

Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, tiene una carga mucho más política y de reivindicación social que el resto de canciones del disco, con una letra que condensa dos historias diferentes, ambas inspiradas en episodios reales. Por un lado, el incidente de un policía de Nueva York disparando a un chico en el corazón por error ("Tú, rompecorazones, con tu 44..."), y por otro, la muerte por sobredosis de una chica de diez años en una acera de una calle cualquiera de la ciudad.

Musicalmente, destaca por su sonido de reminiscencias funk y una brillante interpretación de clarinete de Billy Preston, creando una atmósfera que la revista Rolling Stone describió como "R&B urbano". Jim Horn se encargó de los arreglos de viento, tocando el saxofón junto al habitual Bobby Keys, omnipresente en casi todas las grabaciones y actuaciones de la banda, mientras que entre Mick Taylor y Keith Richards se repartieron las diferentes guitarras que suenan a lo largo del tema. Richards tocó también el bajo en lugar de un Bill Wyman cada vez más alejado de la banda, y que tocó en solo tres temas del disco.

1104.- Angie - The Rolling Stones

"Angie" es la canción estrella del álbum "Goats Head Soup" (1973) de The Rolling Stones, y es junto a "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" lo más destacado de ese disco, el décimo primero de la banda en UK (el decimotercero en Estados Unidos), y uno de los peor valorados de la discografía de Sus Satánicas Majestades. Escrita principalmente por el guitarrista Keith Richards, con la colaboración del vocalista Mick Jagger, es probablemente la más famosa y recordada de sus baladas acústicas.

La letra de "Angie" refleja el momento en que uno de los miembros de una pareja decide que es el momento de terminar la relación, y en línea con la dolorosa ruptura que describe, la interpretación vocal de Mick Jagger es a la vez intensa y sensible. Acompañando a la voz de Jagger y a la brillante guitarra acústica de Richards, el piano de Nicky Hopkins y los arreglos de cuerdas de Nicky Harrison construyen un delicado manto sonoro que destaca muy por encima del resto de canciones del disco.

El público y la crítica reconocieron los méritos de esta pieza única, y la elevaron hasta el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y al número 5 del UK singles chart, mientras se preguntaban si la protagonista de la canción era Angela Bowie, esposa de David Bowie, o la actriz Angie Dickinson. Jagger desmintió desde el principio ambas teorías, y Richards afirmó haber creado el título y los acordes un año antes de la publicación de la canción, por lo que parece más acertado pensar que el nombre de "Angie" se lo había inspirado Dandelion Angela, su hija recién nacida, dando nombre a una mítica canción imprescindible en cualquier recopilatorio de grandes éxitos de la banda, y en la mayor parte de sus conciertos.

1103.- Dancing with Mr D. - The Rolling Stones

 

Dancing with Mr. D., The Rolling Stones

     Goats Head Soup es el undécimo álbum de estudio británico y el decimotercer estadounidense de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. El grupo compuso y grabó gran parte de este trabajo fuera del Reino Unido debido a su condición de exiliados fiscales. Fue concebido entre Jamaica, Estados Unidos y Reino Unido. Fue grabado entre el 25 de noviembre de 1972 y el 5 de febrero de 1973 entre los Dynamic Studios de Kingston, Jamica, The Village de Los Angeles, Estados Unidos y los Island Studios de Londres, Reino Unido, bajo la producción de Jimmy Miller, y publicado el 31 de agoto de 1973 bajo el propio sello de la banda, Rolling Stones Records.

El disco fue producido por Jimmy Miller, el arquitecto y artífice clave del sonido del grupo durante su periodo dorado que comenzó con Beggars Banquet en 1968. El bajista Bill Wyman aparece únicamente en tres de las diez pistas del álbum, mientras que el resto de la banda, Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor y Charlie Watts si tocan en todas las pistas. Tambien participaron colaboradores habituales del grupo, incluido el saxofonista Bobby Keys, el organista Billy Preston y los pianistas Nicky Hopkins e Ian Stewart. El disco llegó a alcanzar al puesto número uno en las listas de ventas de Reino Unido, Estados Unidos y varios países más, sin embargo recibió críticas buenas y malas a partes iguales, y está considerado como el comienzo del declive del grupo después de una serie de grandes álbumes aclamados por la crítica y el público. 

Incluido en este álbum se encuentra Dancing with Mr. D., tema que abre el disco. Una canción más oscura que la mayoría de los trabajos anteriores de los Stones, y que marca la tónica y el sonido general de Goats Head Soup. Escrita por Jagger y Richards, es un inquietante tema que comienza con un riff que se repite de manera destacada a lo largo de la canción, mientras que Jagger coquetea con unas letras que hablan sobre la muerte. Mr. D. hace referencia al diablo o la muerte, y además Jagger da argumentos en favor de la muerte mientras también especula en la forma de morir: por veneno, mordedura de serpiente, picadura de una araña o por un disparo. Estamos ante unas letras más autorreflexivas incluso que las de Sympathy for the Devil.

1102.- Free Bird - Lynyrd Skynyrd

 

La canción se lanzó por primera vez en 1973 como tema de cierre del álbum debut de la banda Lynyrd Skynyrd “Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd”. La letra transmite la profundidad emocional por la que Lynyrd Skynyrd es conocido, capturando tanto la liberación como la soledad de la libertad. Aunque la letra termina alrededor de los cinco minutos, la canción continúa durante cuatro minutos más con uno de los pasajes de guitarra más impresionantes en la historia del rock. En la enorme discografía de Lynyrd Skynyrd, “Free Bird” marca uno de sus mayores logros musicales.

Cuando se lanzó “Free Bird”, algunos fans especularon que era un tributo a Duane Allman, el guitarrista de Allman Brothers Band que falleció en 1971. Los riffs de guitarra al final recuerdan a los de Allman, lo que hace que la gente crea que se trata de él, es cierto que la banda en algunas ocasiones dedicó la canción a Allman durante los conciertos, “Free Bird” en realidad fue escrita años antes de su muerte. La letra cuenta la historia de un hombre que deja a una mujer porque no quiere salir con ella, él expresa que no quiere lastimarla, pero hay demasiadas cosas que quiere hacer antes de comprometerse en una relación. Esta letra se inspiró en una experiencia real del guitarrista y compositor de Skynyrd, Allen Collins. Su novia Kathy Johns le hizo la pregunta: Si me voy de aquí mañana, ¿todavía te acordarás de mí? Él escribió sus palabras y las usó como inspiración para la canción.

Cuando la Lynyrd Skynyrd grabó “Free Bird” por primera vez en 1972, al final no había solos de guitarra. Duraba siete minutos y medio, pero todavía no sentían que estuviera terminado.  Continuaron trabajando en la canción mientras componían y grababan el álbum, y “Free Bird”, de nueve minutos de duración, logró el corte. Muchos ejecutivos del sello advirtieron que no se debía incluir una canción tan larga en un álbum porque no se podía reproducir en la radio. Para solucionar este problema, la banda creó una grabación separada de “Free Bird”. La versión de radio duró poco menos de cinco minutos, y la parte instrumental se redujo a solo un minuto. “Free Bird” funcionó perfectamente como tema de cierre del álbum, por lo que siempre fue la última canción que la banda tocaba en los conciertos. Después de la trágica pérdida de Van Zant, su hermano y compañero de banda John Van Zant se emocionó demasiado para cantarla en el escenario. En cambio, la banda tocó la canción como instrumental, dejando que la multitud completara la letra. Uno de los elementos que hace que “Free Bird” sea tan especial es que significa algo diferente para todos los que lo escuchan. En un comentario sobre la canción en 2010, John Van Zant explicó que cada oyente siente una conexión diferente con ella. “Este niño me contó que lo usaron para su canción de graduación y no hace mucho alguien me dijo que lo usaron en un funeral, es una canción de amor una de las pocas que ha tenido Lynyrd Skynyrd”, dijo.

Mes Foo Fighters y su álbum The Colour and the Shape

Mes Foo Fighters y su álbum The Colour and the Shape #MesFoo Fighters

El magistral álbum The Colour and the Shape de los Foo Fighters no solo es una obra maestra sonora, sino también una pieza fundamental en la evolución de la banda y la historia del rock alternativo. Lanzado en 1997, este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de los Foo Fighters y dejó una huella imborrable en la escena musical de la época.

La génesis de The Colour and the Shape se remonta a los desafíos internos que enfrentaba la banda. Después del éxito inicial con su álbum debut homónimo, Dave Grohl, líder de la banda, se encontró en una encrucijada creativa. La banda original, compuesta por Grohl, Nate Mendel, William Goldsmith, y Pat Smear, experimentó tensiones internas durante la grabación. Goldsmith no estaba satisfecho con la dirección que tomaba el álbum y, como resultado, Grohl se vio obligado a regrabar la mayor parte de las partes de batería, asumiendo un papel más protagónico en la producción.

Este proceso arduo y, a veces, doloroso, dio como resultado un álbum que no solo capturó la esencia cruda y apasionada de los Foo Fighters, sino que también señaló el inicio de una nueva era. La colaboración entre Grohl y el productor Gil Norton fue fundamental para dar forma al sonido distintivo del álbum. Norton, conocido por su trabajo con bandas como Pixies, logró capturar la energía explosiva de la banda sin perder la claridad en la producción.

Cada pista en The Colour and the Shape cuenta una historia única. La apertura con "Doll" es un torbellino de riffs de guitarra y ritmos frenéticos que establecen el tono para el viaje emocional que se avecina. "Monkey Wrench", con su enérgico estribillo y letras que reflejan la angustia emocional, se convirtió en un himno de la época. Pero es "Everlong" la que se destaca como una de las joyas más brillantes del álbum.

"Everlong" ha perdurado a lo largo del tiempo como una de las canciones más emblemáticas de los Foo Fighters. La mezcla de la emotiva letra de Grohl y la melodía cautivadora creó un himno que ha resonado con audiencias de todas las edades. La historia detrás de la canción, inspirada en la difícil ruptura de Grohl con su esposa, agrega una capa adicional de autenticidad a la experiencia auditiva. Esta pista no solo encapsula la habilidad compositiva de Grohl, sino que también refleja la vulnerabilidad y la conexión emocional que define a The Colour and the Shape.

El álbum no se limita a la potencia emocional; también presenta momentos de reflexión y melancolía. "My Hero" destaca por su construcción gradual y letras que exploran la idea de héroes cotidianos. "See You" ofrece una perspectiva más suave, con armonías melódicas que contrastan con la intensidad de otras pistas. Esta diversidad en la composición es un testimonio de la habilidad de los Foo Fighters para explorar diferentes facetas emocionales sin comprometer su identidad sonora.

La influencia punk de la banda se hace evidente en pistas como "Wind Up" y "Enough Space". Estos cortes son un tributo a las raíces de Grohl en Nirvana y su amor por el punk rock. Los riffs frenéticos y la actitud cruda de estas canciones capturan la esencia del punk, demostrando la versatilidad musical de los Foo Fighters.

La alineación en constante cambio de los Foo Fighters también es un elemento intrigante en la historia de The Colour and the Shape. La salida de William Goldsmith y la incorporación de Taylor Hawkins como baterista marcaron un cambio significativo en la dinámica de la banda. Hawkins, con su estilo enérgico y técnica excepcional, aportó una nueva dimensión al sonido de los Foo Fighters, contribuyendo significativamente al éxito continuo de la banda.

La producción de The Colour and the Shape no solo captura la esencia vibrante de la banda, sino que también refleja la meticulosidad de Gil Norton. Cada instrumento se destaca con claridad, creando una sinfonía sonora que potencia la experiencia auditiva. La calidad de grabación ha resistido la prueba del tiempo, lo que contribuye a la longevidad del álbum y su relevancia continua en la escena musical.

En retrospectiva, The Colour and the Shape no solo solidificó la posición de los Foo Fighters en la escena musical, sino que también dejó una huella imborrable en el rock alternativo de los años 90. Su éxito comercial, combinado con la aclamación crítica, consolidó la posición de la banda en la cima del panorama musical. Este álbum no solo es una instantánea de la época, sino también un testimonio duradero del talento compositivo y la evolución continua de los Foo Fighters.

En conclusión, The Colour and the Shape es un álbum que trasciende las barreras del tiempo y sigue resonando con los amantes del rock en todo el mundo. Desde sus letras introspectivas hasta sus riffs enérgicos, este álbum representa no solo un hito en la carrera de los Foo Fighters, sino también un legado duradero en la historia del rock alternativo. Un testimonio de la creatividad, perseverancia y autenticidad que han definido a los Foo Fighters a lo largo de los años. ¡Un clásico eterno que continúa inspirando a nuevas generaciones de fanáticos del rock!

Daniel

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1101.- Simple Man - Lynyrd Skynyrd

 

Simple Man, Lynyrd Skynyrd

     Pronunced 'Leh-'Nérd 'Skin-'Nérd, el álbum debut de la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd, fue grabado entre e el 27 de marzo y l 1 de mayo en el Studio One de Doraville, Georgia (Estados Unidos), bajo la producción de Al Kooper, y publicado el 13 de agosto de 1973 por la compañía discográfica MCA Records.

Los músicos que componen el grupo en el momento de la grabación son Ronnie Van Zant (líder y vocalista), Gary Rossington (guitarra), Allen Collins (guitarra), Ed King (bajo y guitarra), Billy Powell (teclados y piano), Bob Burns (batería), y Leon Wilkenson (bajo), que si bien no participó en la grabción del disco, si era parte de la formación, habiendo trabajado con el grupo en los temas, pero por problemas personales justo antes de empezar a grabar tuvo que dejar la banda, incorporándose de nuevo justo después de la grabción del disco. También aparece acreditado en la grabación Roosevelt Gook (bajo, melotrón y coros), quien en realidad era el productor Al Kooper. 

Incluido en este disco se encuentra Simple Man, canción que tiene el honor de ser la tercera más descargada de la historia de la banda únicamente por detrás de Sweet Home Alabama y Free Bird, habiendo vendido hasta la fecha más de un millón trescientas mil copias sólo en Estados Unidos. Fue compuesta por Ronnie Van Zant y Gary Rossington, y se gestó poco después de la muerte de la madre de Gary  y la abuela de Ronnie. Un día, al poco de estos sucesos, Gary se reunió con Ronnie en el apartamento de este último, y allí empezaron a contarse anécdotas de la madre de Gary y la abuela de Ronnie. Es en aquel momento cuando a Gary se le ocurrió tocar unos acordes, y entonces Ronnie empezó a escribir la letra basándose en todos los consejos que tanto su abuela como la madre de Gary les habían dado a ambos a lo largo de los años. En una hora estaba escrita. 

EL visionario productor que los descubrió, Al Kooper, no estaba de acuerdo en incluir esta canción en el disco y se negó en un principio. Pero Ronnie y compañía tenían muy claro que este tema se incluiría en el disco. Lo que la banda hizo fue grabar el tema cuando Kooper no estaba en el estudio y luego posteriormente le hicieron grabar las partes de órgano que incluía la canción. Al Kooper llegaría a admitir más tarde que con este tema se equivocó al vetarlo. Hay una leyenda popular que alimenta la versión que el día que la banda grabó Simple Man, Kooper si se encontraba en el estudio, y Ronnie le cogió, le llevó hasta su coche, y luego le dijo: "Cuando hayamos acabado ya te llamaremos"; Quien sabe...

1100.- Tuesday' Gone - Lynyrd Skynyrd

 

sTuesda' Gone, Lynyrd Sknyrd

     Han pasado unos 7 años desde que Lynyrd Skynyrd viera la luz con el nombre de The Noble Five, y entre 1971 y 1972, con mucho esfuerzo, logran grabar varios temas. Dichos temas tienen que guardarlos en el cajón por falta de fondos, y no les queda más remedio que volver a su Jacksonville natal arruinados. Estas grabciones verían la luz justo después del accidente aéreo que costó la vida a varios de sus componentes en 1977, ya que la discográfica aprovecharía para editarlas en 1978 bajo el nombre de Skynyrd's First And... Last.

El grupo se encuentra sin dinero y sin la aceptación de las compañías discográficas, y decide mudarse a Atlanta, cerca de casa, donde los clubes de música daban más oportunidades a los grupos. Y es ahí donde entra en escena Al Kooper, reputado músico de sesión que había grabado con gente como The rolling Stones, Jimi Hendrix, Alice Cooper, The Who o Cream. Kooper ve una actuación de ellos en Atlanta y decide apostar por ellos. 

Al Kooper tenía muy buen oído y una gran visión de negocio, por lo que decide fundar el sello discográfico Sound of the South con el apoyo de MCA Records. Dicho sello pretendía competir con la potente discográfica Capricorn Records, que era la compañía referente en la región. Así nace el álbum debut del grupo Pronunced Leh - Nérd 'Skin - 'Nerd, compuesto por ocho temas. Dicho trabjo se convertirá en una de las obras maestras y referentes del género southern rock. 

Compuesto por ocho temas que reflejan unas brillantes letras donde la banda muestra las inquietudes existenciales de su líder Ronnie Van Zant. Como es el caso de Tuesday's Gone, una canción con un tono melancólico y reflexivo que nos habla sobre la partida y el cambio. La canción captura con un suave sonido, de forma genial, una sensación de nostalgia y pérdida. La canción, al igual que Ruby Tuesday, de The Rolling Stones, hace referencia a una chica llamada Tuesday. Escrita por Ronnie Van Zant y el guitarrista Allen Collins, nos hablan de dejar marchar y olvidar a Tuesday. En el lugar donde ensayaba la banda había una vía de tren, y el sonido de los trenes inspiró a Ronnie Van Zant para escribir la primera línea de la canción, "Train roll on, on down the line". 

Tuesda's Gone se convertirá en una de las canciones más emblemáticas de la banda y a día de hoy perdura como un clásico del rock sureño.

El disco de la semana 359: Head Hunters - Herbie Hancock

 

Head Hunters, Herbie Hancock

     En la recomendación de esta semana traemos, Head Hunters, álbum de Herbie Hancock que se ha convertido en un hito en la historia del jazz fusión. Este disco desafió los límites del género al combinar el jazz con elementos funk y rock e incluso ritmos africanos, atrayendo a audiencias más amplias. Hancock creó pasajes sonoros innovadores, destacando su habilidad y creatividad para fusionar ritmos pegajosos con improvisaciones brillantes. Estamos ante un álbum que redefinió el jazz e influyó en la música contemporánea, dejando un legado que a día de hoy perdura en la escena musical. Se convirtió en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos hasta que fue superado por Breezin' de George Benson en 1976.

Head Hunters, el duodécimo álbum de estudio de Hancock, reputado pianista, teclista y compositor, fue grabado bajo la producción de David Rubinson y el propio músico, y publicado en septiembre de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. La imagen de la portada del disco, diseñada por Victor Moscoso, muestra a Hancock usando una basada en la máscara africana kple kple dela tribu Baoulé de Costa de Marfil y los desmagnetizadores de cabezales de cinta usados en las grabadoras de cinta de carrete de la época. Ubicados en el sentido de las agujas del reloj alrededor de Hancok desde la parte inferior izquierda están Mason, Jackson, Maupin y Summer, su grupo llamado The Headhunters. 

Para este nuevo álbum, Hancock reunió una nueva banda, The Headhunters, de la cual únicamente el músico Bennie Maupin había sido miembro del sexteto Mwandishi, que había grabado con el músico anteriormente. Hancock manejó todas las partes de sintetizador él mismo y decidió no usar la guitarra para grabar, prefiriendo usar el clavinet, que se convertirá en unos de los sonidos característicos del disco. Esta nueva banda de apoyo, además de a Bennie Maupin, presentaba una sección rítmica compuesta por Paul Jackson (bajo) y Harvey Mason (batería). Hancok concibió un trabjo con un sonido relajante y un aire muy funky que lo hizo atractivo para un público más amplio, consiguiendo combinar oyentes procedentes del jazz y del R&B. 

El álbum fue mezclado para sonido cuadrafónico en 1974. Columbia Records lanzó esta mezcla en un disco LP en formato de matriz estéreo cuadrafónica y cinta de 8 pistas. Las mezclas cuadrafónicas presentan elementos que no se escuchan en la versión estéreo, incluida una melodía de teclado adicional al comienzo del tema Sly. Las versiones con sonido envolvente del álbum han sido lanzadas varias veces en formato Super Audio CD y utilizan una transferencia digital de mezcla cuádruple original de cuatro canales reutilizada en sonido envolvente 5. 1. 

Lanzado en 1973, este disco marcó un punto de inflexión en la carrera de Hancock, que había dado un giro a su sonido fusionando el jazz con elementos de funk, rock y ritmos africanos, creando una amalgama sonora única. Consta de cuatro innovadoras pistas, siendo Chameleon la de apertura, que tiene una famosa línea de bajo interpretada por Hancock en un sintetizador. Su cautivador groove funk, impulsado por un bajo profundo y una percusión contagiosa, se convirtió en un himno al instante. Hancok y The Headhunters consiguen un equilibrio entre la base rítmica y la libertad creativa de la improvisación; le sigue Watermelon Man, la única que no fue escrita para el disco, pues era un éxito de hard bop de Hancock que apareció en su primer álbum, Takin' Off  (1962). El tema fue reelaborado por Hancock y Mason para este disco, con la colaboración del músico Bill Summers soplando en una botella de cerveza imitando una flauta hindewho, utilizada por los pigmeos mbuti de Zaire. La pista también presenta el uso de percusión africana. Hancock reinventó este clásico de los años 60 para darle un aire completamente diferente, fusionando funk y ritmos afrocaribeños; Sly es un tema dedicado a Sly Stone, líder de la banda de funky Sly and the Family Stone. Hancok vuelve a mostrar su gran creatividad en un tema que captura la esencia del funk con unos ritmos enérgicos y unos sólos de instrumentos que nos sacan de nuestra zona de comfort; Vein Melter es el tema que cierra este trabajo, una pieza de combustión lenta que lleva al oyente a un viaje hipnótico, con un ritmo y unas armonía que van fluyendo y dejando una sensación agradable y perdurable.

Head Hunters no solo revolucionó el jazz fusionando géneros, también desafió las expectativas del público, rompiendo barreras y atrayendo tanto a los aficonados al jazz como a otros oyentes que buscaban nuevos sonidos. Este álbum continúa siendo un faro de inspiración para músicos de diversas generaciones y sigue siendo una referencia crucial en la evolución del jazz y la música contemporánea. Estamos ante un disco de los más influyentes e innovadores de todos los tiempos donde donde Hancock cambió la percepción del jazz expandiendo los horizontes musicales del género. 

1099 - Lynyrd Skynyrd - I ain't one

1099 - Lynyrd Skynyrd - I ain't one

Lynyrd Skynyrd es una banda icónica de rock sureño que ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Su canción "I Ain't the One" encapsula la esencia de su distintivo sonido sureño, fusionando el rock con la melancolía del sur de Estados Unidos.

Lanzada en su álbum debut "Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" en 1973, "I Ain't the One" destaca por la destreza instrumental de la banda y la característica voz de Ronnie Van Zant. Desde los primeros acordes de guitarra hasta la resonante sección rítmica, la canción emana una energía cruda y auténtica.

La lírica de "I Ain't the One" refleja la actitud desenfadada y rebelde que caracterizó a Lynyrd Skynyrd. La letra, escrita por Van Zant, aborda temas de independencia y rechazo de la conformidad. La voz distintiva de Van Zant transmite la confianza y la convicción de alguien que se niega a ser limitado por las expectativas impuestas por la sociedad.

La guitarra principal, a cargo de Gary Rossington y Allen Collins, es un punto culminante de la canción. Los riffs apasionados y los solos llenos de virtuosismo revelan la maestría de estos guitarristas sureños. La armonía entre las guitarras y el teclado de Billy Powell añade capas a la composición, creando una sinfonía que encapsula la rica herencia musical del sur.

El puente instrumental de "I Ain't the One" muestra la habilidad de la banda para tejer complejas armonías y melodías. Es un testimonio de su habilidad para combinar la crudeza del rock con la sofisticación musical, creando así un sonido que resonó en audiencias de todas partes.

La estructura de la canción, con sus cambios dinámicos y progresiones, evidencia la habilidad compositiva de Lynyrd Skynyrd. La interacción entre los miembros de la banda es palpable, creando una sinergia que impulsa la canción hacia adelante con un poder implacable.

"I Ain't the One" se convirtió en un himno para aquellos que buscaban escapar de las restricciones sociales y abrazar su individualidad. La autenticidad de la canción y la ejecución magistral de la banda contribuyeron a cimentar la reputación duradera de Lynyrd Skynyrd en el panteón del rock sureño.

En resumen, "I Ain't the One" de Lynyrd Skynyrd no solo es una pieza musical excepcionalmente ejecutada, sino también una declaración de la resistencia sureña y la búsqueda de la libertad individual. La canción sigue siendo un recordatorio perdurable de la influencia perdurable de Lynyrd Skynyrd en la escena musical y su capacidad para encapsular la autenticidad del espíritu sureño en cada nota.

Daniel 

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1098.- America, America - Nino Bravo

Luis Manuel Ferri Llopis; nombre de pila de Nino Bravo, realizó una larga gira por América Latina que había comenzado en septiembre de 1971. A lo largo de la cual efectuó conciertos en Argentina, Chile, Colombia, Perú, Venezuela, México, Puerto Rico y Miami; teniendo un éxito arrollador. Con una carrera que no hacía otra cosa que cosechar un éxito tras otro, el vocalista preparaba su quinto disco entre Londres y Madrid, cuando tuvo lugar el trágico accidente en una carretera, que le costó la vida. A pesar de ello, el “Volumen 5”, de su producción discográfica se editó el 25 septiembre de 1973, cinco meses después de su fallecimiento, se convirtió en su obra más vendida no solo en España, sino en todos los países de habla hispana. Así, permaneció varias semanas en los primeros puestos de los rankings musicales, legando para la posteridad este gran éxito “América, América”, canción que no llego a cantar en vivo. Una vez le contó a un periodista que él nunca se imaginó que sus canciones pudieran impactar tanto en Latinoamerican, tanto así, que haya tenido que hacer tres o más conciertos en un solo día y en diversas localidades. Ese cálido recibimiento que tuvo su trabajo en éste lado del continente americano y en México lo conmovió profundamente y se trazo el firme propósito de cantarle una canción que expresara su agradecimiento. Lo hizo con una composición de José Luis Armenteros y Pablo Herrero que para la fecha de su muerte había dejado ya grabada y que fue publicada junto con otras en el álbum póstumo de nombre “… Y Vol. 5”.

La canción "América, América" de Nino Bravo celebra la belleza y riqueza del continente americano, con un enfoque particular en sus paisajes y maravillas naturales. Las letras evocan un sentido de asombro y aprecio por los diversos elementos que hacen de América un lugar especial. En los versos, el cantante describe el sol cálido, el aire limpio y los cielos estrellados que caracterizan esta tierra. Él enfatiza la conexión entre la naturaleza y el amor, retratando los ríos como comunicativos y las montañas como densos bosques. Estas descripciones pintan un cuadro de América como un lugar donde la naturaleza prospera y proporciona un telón de fondo para emociones profundas. El pre-coro sugiere que el cantante ha descubierto un lugar para él y otra persona en esta nueva tierra. Implica la posibilidad de comenzar una nueva vida y encontrar la felicidad en América. El coro repite la frase "América, América", enfatizando el nombre del continente y reforzando su importancia. Describe a América como un inmenso jardín, enfatizando la abundancia y belleza que se pueden encontrar dentro de sus fronteras. El post-coro afirma que cuando Dios creó el Jardín del Edén, tenía a América en mente, sugiriendo que el continente es una creación especial con sus propias características y atracciones únicas. El final de la canción simplemente repite la frase "América, América", sirviendo como una afirmación final de la admiración y reverencia del cantante por el continente.

1097 - Stevie Wonder - Living for the city

1097 - Stevie Wonder - Living for the city

Stevie Wonder, un ícono indiscutible en el mundo de la música, nos regala una obra maestra con su canción "Living for the City". Lanzada en 1973 como parte de su álbum "Innervisions", la pista es un testimonio de la habilidad única de Wonder para fusionar letras impactantes con una musicalidad excepcional.

La canción se destaca por su narrativa poderosa y socialmente consciente. A través de la historia de un joven afroamericano que migra desde el sur hacia la ciudad en busca de oportunidades, Wonder aborda las cuestiones de la discriminación racial, la pobreza y la lucha por la igualdad. Su habilidad para transmitir emociones a través de la voz y la instrumentación hace que la experiencia sea visceral y conmovedora.

El viaje narrado en "Living for the City" se ve realzado por la habilidad técnica de Wonder como músico y productor. Desde los impactantes acordes iniciales de teclado hasta los ritmos pulsantes y la sección de viento, cada elemento musical contribuye a la narrativa y refuerza el mensaje de la canción. La combinación de soul, funk y elementos de jazz revela la versatilidad de Wonder como artista.

La voz de Stevie Wonder es un instrumento en sí mismo, llevando las letras con una pasión palpable. Cada matiz de su interpretación refleja la urgencia y la emoción detrás de la historia. Las letras, meticulosamente escritas, pintan un cuadro vívido de la lucha diaria y la determinación del protagonista.

La estructura musical de la canción también es digna de elogio. Los cambios dinámicos y la progresión de la historia a lo largo de los casi ocho minutos de la pista mantienen al oyente comprometido de principio a fin. El uso magistral de los efectos de sonido, como los sonidos de la ciudad y las sirenas, contribuye a la atmósfera urbana que enmarca la narrativa.

"Living for the City" no solo es un logro musical, sino también una declaración social atemporal. A pesar de que fue lanzada hace décadas, la canción sigue siendo relevante, recordándonos que las luchas por la igualdad y la justicia persisten. La capacidad de Stevie Wonder para combinar profundidad lírica con una ejecución musical magistral solidifica su lugar como un maestro de la música.

En conclusión, "Living for the City" de Stevie Wonder es una obra maestra que trasciende géneros y épocas. Su impactante narrativa, combinada con la maestría musical de Wonder, crea una experiencia auditiva inolvidable que sigue resonando en los corazones y las mentes de quienes la escuchan.

Daniel 

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1096.- Higher Ground - Stevie Wonder

"Higher Ground" es el tema principal y de mayor éxito del disco de Stevie Wonder "Innervisions" (1973), una auténtica explosión de ritmo funk escrita y compuesta al completo por el propio Wonder en apenas tres horas, y publicada como single con la particularidad de contener un verso menos que la versión publicada en el disco, alcanzando el primer puesto de las listas de R&B y el cuarto del Billboard Hot 100. Peor suerte corrió en Reino Unido, donde solo alcanzó el puesto 29 de las listas de ventas.

En la grabación, Wonder se encarga de tocar todos los instrumentos, realizando la línea de bajo con un sintetizador Moog e incluyendo efectos de clavinet y wah wah con un pedal de filtro envolvente. Grabada justo antes de que Stevie Wonder sufriera un accidente que le tuvo temporalmente en coma, cuenta la leyenda que, durante el período de recuperación, su road manager le cantó la canción al oído, a lo que Wonder respondió moviendo los dedos al compás de "Higher Ground".

Curiosamente, al hilo de la anterior anécdota, la letra de la canción aborda el tema de la reencarnación y de la esperanza en una nueva vida, algo en lo que Wonder creía fervientemente. En sus propias palabras; "Escribí Higher Ground antes del accidente, pero es como si algo me hubiera estado diciendo que iba a suceder, para hacerme consciente de muchas cosas y recomponerme. Esto es como mi segunda oportunidad de vida, de hacer algo o de hacer más, y de valorar el hecho de estar vivo".

Uprising - Bob Marley (Mes Bob Marley)

"Uprising": Un Legado Musical que Trasciende el Tiempo #mesBobMarley 

Bob Marley, el ícono del reggae, dejó una marca imborrable en la historia musical con su álbum final, "Uprising". Este lanzamiento, que vio la luz en 1980, no solo encapsula la destreza artística de Bob Marley sino que también sirve como un testamento de su compromiso con la justicia social y la espiritualidad.

El álbum abre con la poderosa "Coming in from the Cold", una canción que fusiona la vibración única del reggae con letras que invitan a la reflexión. Bob Marley, conocido por su habilidad para tejer metáforas en sus composiciones, transmite un mensaje de resiliencia y esperanza.

El tema principal del álbum, "Uprising", es una llamada a la acción, un himno para aquellos que buscan un cambio positivo en el mundo. Las letras profundas y la energía contagiosa de la música crean una experiencia auditiva que va más allá del entretenimiento; es un recordatorio de la capacidad de la música para ser un medio de transformación social.

"Redemption Song", una de las piezas más íntimas de Bob Marley, destaca por su simplicidad acústica y letras profundas. La canción es un viaje introspectivo que resuena con la audiencia a través de la desnudez emocional de Bob Marley y su guitarra. Este tema se ha convertido en un himno atemporal de emancipación y autoafirmación.

En diciembre, el mes de Bob Marley bajo el #mesBobMarley, se celebra no solo su legado musical sino también su impacto duradero en la conciencia social. Sus letras, impregnadas de la filosofía del Rastafari, continúan inspirando a generaciones, recordándonos la importancia de la paz, el amor y la equidad.

El álbum también presenta "Could You Be Loved", un ritmo contagioso que fusiona el reggae con influencias de la música disco. La canción irradia positividad y es un claro ejemplo de la versatilidad de Bob Marley como artista. Mientras que "Pimper's Paradise" se adentra en temas de tentación y desilusión, enriqueciendo la narrativa del álbum con sus matices emocionales.

"Uprising" es un testimonio final e impactante de la prolífica carrera de Bob Marley. Su legado trasciende géneros y fronteras, sirviendo como un faro de luz en la oscuridad y una voz para aquellos que buscan justicia y libertad. En diciembre, al sumergirse en las vibraciones atemporales de este álbum, celebramos no solo la música de Bob Marley, sino también su dedicación a la causa de la unidad y la igualdad. #mesBobMarley es más que una etiqueta; es un recordatorio de que la música puede ser un catalizador para el cambio y la unidad en todo el mundo.

Daniel

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1095.- He's Misstra Know-It-All - Stevie Wonder

"He's Misstra Know-It-All" ("Míster Sabelotodo") es una suave balada con un delicado y efectivo ritmo de teclado que Stevie Wonder publicó como sencillo de su disco Innervisions (1973), con la canción "You Can't Judge a Book by Its Cover" en la cara B, logrando alcanzar el décimo puesto de las listas de ventas del Reino Unido. Posteriormente, en 1977, fue lanzada de nuevo al mercado como cara B del sencillo de "Sir Duke" tanto en Estados Unidos como en Reino Unido.

Básicamente, "He's Misstra Know-It-All" es una demostración de las capacidades instrumentales y vocales de Stevie Wonder en solitario, ya que salvo la aportación de Willie Weeks al bajo eléctrico, todos los demás instrumentos corrieron a cargo del genial músico estadounidense, que además de la voz principal se encargó de coros, piano, batería, palmas, congas y un sintetizador con el que imitó el sonido de una flauta. 

El resultado es una obra maestra tanto vocal como instrumentalmente, y una de las piezas más relevantes tanto del disco Innervisions como de la carrera de Stevie Wonder, un tema que comienza más lento y pausado y que, al final, se vuelve más intenso y desatado y que, curiosamente, no es tan edulcorado como pudiera parecer en principio, ya que en su genial descripción de un anónimo embaucador al que llama irónicamente "Míster Sabelotodo" escondía una velada crítica al presidente estadounidense Richard Nixon, "un hombre con un plan" y con "un dólar falso en la mano".

1094.- Jim Croce - I got a name

 

Hace cincuenta años, el 1 de diciembre de 1973, Jim Croce lanzó su tercer álbum importante. I Got a Name fue en realidad el quinto lanzamiento del cantautor radicado en Filadelfia, pero los dos primeros eran prácticamente desconocidos en ese momento. Había autoeditado Facets en 1966 y tres años más tarde lanzó un álbum con su esposa llamado Jim & Ingrid Croce. I Got a Name entró en el Billboard Top 25 a las pocas semanas de su lanzamiento y permaneció cerca de la cima de las listas durante los siguientes tres meses, ya que llegó hasta el número 2, el único lanzamiento que lo mantuvo fuera del primer puesto fue el primer álbum de Croce, You Don't Mess Around With Jim , que permaneció en el número uno durante la mayor parte de enero de 1974, de hecho, cuando el año pasó de 1973 a 1974, los tres lanzamientos de Croce en los sellos principales (incluidos Life y Times ) estaban en el Top 15 de Billboard. Croce era ciertamente popular, pero había una razón más triste para este extraordinario éxito. Jim Croce había muerto en un accidente aéreo en septiembre del 73. La canción principal del álbum final fue lanzada como sencillo el día después de su muerte. Tenía 30 años. Cuando un artista muere joven, deja muchos "¿Y si?". Es difícil descifrar la línea entre su trabajo real y la impresión teñida de muerte que le sobrevive.

 

Con I got a name, podemos buscar señales de dónde podría haber ido Croce si su vida no hubiera sido truncada . El álbum es el primero (aparte del poco conocido debut) para el que no escribió todas las canciones. Y, quizás por eso, es el más flojo de sus tres lanzamientos. Pero eso no quiere decir que no haya muchas joyas por descubrir. La canción principal es una declaración optimista de autoempoderamiento, que nunca pierde su matiz de tristeza, esa fue una de las grandes fortalezas de Croce, podía combinar lo divertido y lo triste con los mejores resultados. Curiosamente, aunque la canción suena muy parecida a un original de Croce, fue escrita por Charles Fox y Norman Gimbel, quienes también escribieron el gran éxito de Roberta Flack "Killing Me Softly With His Song" (junto con Lori Lieberman no acreditada). Los experimentos de Croce en orquestaciones más complejas se adaptan perfectamente a la canción, comienza simplemente tocando con los dedos una guitarra acústica, un piano se suma a mitad del primer verso, luego algo de fondo resuena en el estribillo. Cuando llegamos al segundo verso, tenemos la orquesta completa, con violines rodantes que nos llevan "por la carretera". A lo largo de su breve carrera, Croce jugaba ping pong entre canciones caricaturescas sobre Leroy, Jim y Rapid Roy, y sus baladas sinceras sobre el amor y la pérdida. I Got a Name ocupa un espacio entre esos extremos y es una de sus grandes grabaciones.

 

Croce estaba de gira cuando su avión se estrelló, lanzó tres álbumes en menos de dos años, y la rutina y los viajes estaban pasando factura, había hablado de dejar la música en los meses previos a su muerte. Algunas de sus canciones habían sido utilizadas en proyectos cinematográficos, por ejemplo en esta salía en Django Unchained de Quentin Tarantino  y quizás ese vínculo le llevó a imaginar una carrera como guionista, nunca sabremos qué tipo de historias se le habrían ocurrido en un medio diferente. Y nunca sabremos qué tipo de evolución musical pudo haber descubierto. Croce escribió muchas canciones geniales y otras eran simplemente mediocres, pero sólo tenía treinta años, es razonable creer que incluso si se hubiera alejado de la música y todavía nos hubiera ofrecido muchas más canciones geniales a medida que envejeciera.

Kaya - Bob Marley and the Wailers (Mes Bob Marley)

 

La gran batalla ha terminado, al menos eso parece, hace apenas un año, Bob Marley se exilió en Londres después de un intento de asesinato y pronunció un manifiesto para la población jamaicana y especialmente para los rastafaris con "Exodus", pero “Kaya” es una colección de canciones de las mismas sesiones, pero con un tono básico que difícilmente podría ser más diferente. Si en 1977 fueron canciones como Guiltiness y el remake de One Love las que dieron al conjunto un fuerte giro político, esta vez los grandes temas son el amor, la marihuana y la relajación en general. Y esto no es malo, incluso si este paso radical desde el sonido ya bastante militante de los Wailers a estos diez temas increíblemente relajados puede que no todo el mundo lo disfrute pero la calidad es la misma. Si se le pueden sacar mas pegas, temas como Easy Skanking y Crisis te mantienen feliz como lo hacían la mayoría de las canciones de su predecesor, pero la batería y especialmente el bajo parecen un poco cansados, los hermanos Aston y Carlton Barrett a menudo han hecho un gran trabajo con sus instrumentos, pero esta vez el tempo, a menudo lento, les resulta especialmente perjudicial. Una gran ventaja en el ámbito musical son las refrescantes y relajadas partes de teclado y metales, así como la guitarra solista de Junior Marvin, que esta vez es más sutil. Aseguran que “Kaya” irradia un aura completamente diferente a la de “Natty Dread”, “Exodus” o incluso su sucesora “Survival”.

 

Easy Skanking crea un ambiente relajado y es una cancion de apertura muy buena, ayuda que se haya mezclado y grabado impecablemente bien, ya que cada elemento musical es identificable en todo el escenario sonoro. Kaya es una canción principal muy buen tema, pero esta no fue la primera vez que se grabó la canción, ya que también apareció en el álbum de 1971, ahora agotado, Soul Revolution Part II . Esa grabación original es más básica y parece una simple demostración. Aún así, si lo buscas, escucharás la esencia de la melodía original en esta excelente regrabación. Is This Love, tiene un ritmo simple pero complejo, combinado con voces y una tonalidad general que hará que tu cuerpo se mueva, como la canción más conocida de Kaya y uno de los grandes éxitos de todos los tiempos de Bob Marley & The Wailer, Is This Love sigue siendo un clásico atemporal que perdurará mucho más allá de la desaparición de la humanidad. Atentos al  vídeo musical es un gran video especialmente para la época, pero los momentos más mágicos surgen de la increíble sonrisa de Marley, no puedes evitar ver la alegría y el amor en su rostro e incluso después de todos estos años, sigue siendo contagioso y capaz de alegrarte el día. Sun Is Shining es una regrabación, ya que esta canción apareció inicialmente en el lanzamiento de 1971 Soul Revolution Part II y African Herbsman en 1973. La versión de Soul Revolution Part II es fantástica. No es tan pulido como la interpretación de Kaya , la edición de African Herbsman agrega un poco más de brillo a esa grabación original y es emocionante escuchar la evolución de la canción. Ahora, aunque están agotados, si accedes a YouTube, puedes encontrar fácilmente estas primeras grabaciones. En este caso, sin duda merece la pena dedicarle tiempo. Dejando a un lado los lanzamientos originales, Sun Is Shining es una gran canción que encaja bien en el contexto del álbum. Sin embargo, me hubiera encantado escuchar el seguimiento de la guitarra en un lugar más destacado en la mezcla, ya que debe ser sincero con Marley para lograr el impacto requerido. 

Satisfy My Soul es una melodía histórica de Marley & The Wailers, pero esta versión es otra que no se lanzó originalmente en Kaya , ya que fue grabada para Soul Revolution Part II y se tituló Don't Rock My Boat. La grabación original no es excelente, así que ahorre tiempo y simplemente escuche esta regrabación excepcional. She's Gone es golpear los dedos de los pies, golpear la cabeza, oro. Si bien algunos pueden lamentar el estilo más lento que se escucha en Kaya y en She's Gone, a mí me encanta porque es similar a una sesión de meditación.  Misty Morning tiene un trabajo de trompeta encantador, pero al igual que Sun Is Shining, hubiera sido fantástico si los metales hubieran sido más prominentes en la mezcla. Sí, la mezcla Kaya ayuda un poco, pero tampoco es tan relajada como la versión original. Dicho todo esto, resulta evidente que Misty Morning podría haberse grabado con dos tempos completamente diferentes, siendo ambos igualmente excepcionales. ¡Misty Morning es una gran melodía, de todos modos!. Crisis tiene un ritmo espectacular y, por muy buena que sea la voz de Marley, Crisis tiene que ver con las capas musicales de The Wailers, ya que hay tantos detalles presentes en la grabación que escucharás algo nuevo cada vez que la escuches. ¡Increíble!. Running Away está tan subestimada que es un delito. Esta es una de las razones por las que es esencial escuchar álbumes, en lugar de compilaciones o listas de reproducción; de lo contrario, corre el riesgo de perderse música impresionante; Running Away es un ejemplo de ello. Es cierto que Running Away apareció en la lista de reproducción Essentials de Bob Marley & The Wailers , pero quedó fuera de Legend – The Best Of Bob Marley & The Wailers ; ¡Una omisión imperdonable!. Time Will Tell cierra a Kaya maravillosamente, aunque Running Away habría sido un cerrador más fuerte. Sin embargo, Time Will Tell me deja en un estado de ánimo contemplativo y es ideal para sesiones de escucha nocturnas donde repetir el álbum no es de suma importancia.

 

En general, Kaya es un clásico atemporal del reggae que muestra la destreza de Marley como cantante, compositor e intérprete. Con sus melodías alegres y agradables y la combinación única de temas políticos y espirituales de Marley, combinada con su voz suave y conmovedora y melodías pegadizas, Kaya se convierte en una canción imprescindible para cualquier fanático de la música reggae. El gran lema es: Relájate, cariño. Cada uno puede decidir por sí mismo si esto se hace a expensas de la calidad de la canción, pero en realidad el LP logra ocupar un lugar especial en la discografía de Marley and the Wailers precisamente por esto y no por nada más. Un tema principal bastante de ensueño, dedicado únicamente al consumo de cannabis ("Me siento tan colocado / Incluso toco el cielo"), el gran himno de amor Is This Love o el tema ligeramente melancólico sobre la mujer que te deja, un unas cuantas líneas de canciones geniales, algunos ritmos memorables y, sobre todo, un Bob Marley que suena mucho más alegre que un año antes. Su actuación, junto con su trío de fondo, los I-Threes, parece ser la mejora más notable con respecto a "Exodus". La voz suena más enérgica, más fresca y además aporta más melodía a las canciones. Y por eso canta a través de sus temas sobre drogas, canciones de amor y, con demasiada frecuencia, el gran mensaje detrás de las canciones parece ser que simplemente se puede disfrutar la vida. Esta positiva obra de arte sólo termina con las dos últimas canciones, Running Away y Time Will Tell. Con las líneas "Estás corriendo y estás corriendo y estás huyendo / Pero no puedes huir de ti mismo" y "Crees que estás en el cielo, pero estás viviendo en el infierno" hay menos alegría, incluso si, sobre todo en el cerrador, hay pocas posibilidades de mal humor gracias al sonido tranquilo que transmiten los sencillos tambores y las sutiles punterías de guitarra.

 El claro punto conflictivo de "Kaya", a pesar de todas sus ventajas obvias, es la falta de variedad y la música increíblemente lenta en general. La relajación y el reggae pueden unirse tan rápido como la ira y el metal, pero extenderlos de esta forma a lo largo de un álbum no funciona del todo. Principalmente porque no hay material excelente y de primera esperándote en todas partes. Cuando falta una línea de bajo fuerte, una letra bonita o algo similar, las canciones se hunden en la mediocridad. Y así, Misty Morning o Sun Is Shining parecen tener poco que recordar, aunque no encuentres nada perturbador. Con Running Away se vuelve bastante difícil con ese canto tranquilo, combinado con la parte soporífera del teclado y las secciones de metales que se tocan con poca motivación.

 

 

1093.- Jessica - The Allman Brothers Band

 

Jessica, The Allman Brothers Band

     Jessica es un tema instrumental del grupo estadounidense The Allman Brothers Band, lanzado en diciembre de 1973 como segundo sencillo del cuarto álbum de estudio del grupo, Brothers and Sisters (1973). Fu escrita por el guitarrista Dickey Betts como homenaje al guitarrista de jazz gitano Django Reinhardt, ya que fue diseñada para tocarse usando solo dos dedos de la mano izquierda.

Después de la muerte del guitarrista Duane Allman en 1971, el grupo continuó, fichando al tecladista Chuck Leavell, y un año después, cuando el bajista Berry Oakley falleció, Lamar Williams fue contratado para sustituirle, acabando este disco que Oakley dejó incompleto. La incorporación de Leavell a la banda supuso un cambio en el sonido y la dirección del grupo, algo que se hace muy evidente en esta canción en concreto. 

Betts escribió la mayor parte del tema en la granja del grupo en Juliette, Georgia, y es un tributo a la hija del guitarrista, reflejando en el tema una sensación de alegría y libertad. Le puso el nombre de su hija, Jessica, que era por entonces bebé y tenía un año, cuando entró a la habitación gateando y empezó a retozar al ritmo de la canción, quería capturar la actitud de la pequeña con la melodía. Betts invitó al guitarrista Les Dudek, quien reemplezaba a Duane Allman, a colaborar con él, y Dudek interpretó el puente de la canción. Los arreglos fueron hechos antes de grabar la canción en los Capricorn Sound Studios en Macon, Geoorgia. La canción tuvo poco éxito en las listas de ventas, sin embargo ha perdurado como una pieza básica en el rock clásico y una de las favoritas entre los fans del grupo. Su contagiosa energía y su distintivo riff de guitarra se han vuelto icónicos en la música rock. Su estructura musical es una fusión única de rock sureño, jazz y elementos de música country, quedando patente la habilidad de Betts para mezclar y combinar estilos.

El disco de la semana 0358 - La Mancha de Rolando: "Viaje"

El disco de la semana 0358 - La Mancha de Rolando: "Viaje"

La música latina ha sido cuna de una variedad de géneros que han conquistado corazones alrededor del mundo. Entre las muchas joyas del rock latino, La Mancha de Rolando se destaca con su álbum emblemático, "Viaje". Este álbum, lanzado en 1998, no solo marcó un hito en la carrera de la banda argentina, sino que también dejó una huella imborrable en la escena musical latinoamericana.

La Mancha de Rolando, formada en 1991 en Buenos Aires, Argentina, emergió como un faro en la escena musical latinoamericana. Su formación original incluyó a Manu Varela, Javier "Bicho" Larralde, Gabriel "Chiflo" Szereszewicz, y Javier "Demi" Carugatti. Desde sus inicios, la banda se destacó por su compromiso social, participando activamente en movimientos populares y causas justas. A lo largo de los años, La Mancha de Rolando ha enfrentado desafíos, pero su resiliencia y pasión por la música han sido constantes.

Viaje, en su esencia, es un periplo a través de la diversidad musical y lírica que define a La Mancha de Rolando. Desde los acordes iniciales hasta la última nota, el álbum lleva a los oyentes en un viaje sonoro que fusiona el rock, el reggae y el ska de una manera única.

El álbum inicia con la enérgica composición que comparte su nombre, "Viaje", estableciendo desde los primeros acordes la atmósfera distintiva que permea a lo largo de la producción. Aunque "Calavera" comienza de manera engañosa, pronto se despliega revelando la auténtica potencia y versatilidad de esta banda.

En un equilibrado mosaico de sonidos, es evidente que el Rock es el hilo conductor predominante, evidenciado de manera elocuente en pistas como "Buscar". Sin embargo, el álbum va más allá de la etiqueta única, explorando diversas facetas musicales que mantienen la experiencia auditiva fresca y emocionante.

El punto álgido del álbum se materializa con "Arde La Ciudad!", una composición que no solo destaca como uno de los éxitos más destacados de la banda, sino que también promete ser un elemento distintivo de esta obra en su conjunto. No obstante, este no es el único pico destacado, ya que "Calavera" acompaña este logro con su propio encanto y energía única.

El llamado a la exploración continúa a lo largo de las demás canciones que conforman este álbum cautivador. Es una invitación a sumergirse en un viaje musical que revela una banda que, a lo largo de los años, ha sabido conquistar a su audiencia, consolidándose como una presencia significativa en la escena musical.

En el disco de la semana, extendemos una invitación especial para que te sumerjas en este viaje musical imperdible. Descubre junto con ellos las capas sonoras, las letras profundas y la evolución de una banda que ha dejado una huella duradera en su trayectoria, y que ahora te invita a ser parte de esta experiencia única.

Buen año y más música para este 2024. 

Daniel 

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1092.- Ramblin' Man - The Allman Brothers Band

 

Ramblin' Man, The Allman Brothers Band

     Ramblin' Man fue el sencillo principal del cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense The Allman Brothers Band, llamado Brothers and Sisters (1973). La canción fue escrita e interpretada vocalmente por el guitarrista del grupo Dickey Betts. El guitarrista se inspiró en una canción de 1951 del mismo nombre de Hank Williams. Este tema tiene un toque muy country, lo que hizo que en un principio el grupo tuviera muchas dudas a la hora de grabarlo. El guitarrista Les Dudek, quien susituyó al fallecido Duane Allman, proporcionó junto a Betts las armonías de guitarra. La canción fue también una de las últimas contribuciones del bajista Berry Oakley a la banda.

La canción se creó por primera vez durante las sesiones de composición y grabación del anterior disco del grupo, Eat a Peach (1972). La canción hacía referencia a un campesino errante. Betts continuó trabajando en la canción durante una año, si bien la letra se realizó e apenas veinte minutos. Según Betts: "Escribí la letra en la cocina de Berry Oakley alrededor de las cuatro de la mañana. Todos se habían ido a la cama pero yo estaba sentado despierto". El grupo reconoció que era una buena canción pero se mostró reticente a grabarla porque sonaba demasiado country para ellos. Sobre la composición Betts decía: "Cuando era niño, mi padre trabajaba en la construcción y solía trasladar a la familia entre las costas este y oeste del centro de Florida"... "Iba a un escuela durante un año y luego a la siguiente. Tenía dos grupos de amigos y pasaba mucho tiempo en el asiento trasero de un autobús. Ramblin' estaba en mi sangre".

La banda fue al estudio para grabar una demostración de la canción y enviarla a un amigo, que es donde se creó la improvisación de guitarra del final del tema. Como todavía no estaba en proyecto de incluirla en el álbum, sintieron que los solos encajaban muy bien, decidieron incluir la canción en el álbum. Según el guitarrista Les Dudek, Betts le pidió que fuera a grabar la canción con él. "La tocamos en vivo. Yo estaba parado donde Duane habría estado, y Berry me miraba fijamente, eso fue muy intenso". Cuando se completó al canción, el equipo directivo y el equipo de gira se reunieron para escucharla, y según Dudek, la sala se quedó en silencio después de que terminara se sonar y el roadie Red Dog comentó: "Esto es lo mejor que escuché desde Duane".

Natty Dread - The Wailers (Mes Bob Marley)

Natty Dread (1974) fue uno de los discos más importantes de la carrera de Bob Marley, y tras la diáspora que siguió a Burnin' (1973), el primero de los discos de The Wailers sin Peter Tosh y Bunny Wailer. Firmado como Bob Marley and The Wailers, y con la imagen de Marley en la portada como fiel reflejo de la marcha de los otros dos grandes líderes de la banda, fue también el primer disco en el que los habituales coros masculinos, a cargo hasta entonces de sus ya ausentes compañeros de grupo, fueron sustituidos por las I Threes, el trío femenino del que formaba parte su mujer Rita Marley. Cargado de referencias espirituales, políticas y sociales, está considerado junto a Exodus, Catch a Fire y el ya mencionado Burnin' como uno de los mejores discos de la carrera de Bob Marley.

El disco arranca con "Lively Up Yourself", un positivo reggae de mensaje sexual e influencias blues del que ya existía una demo grabada un año antes y que no se llegó a publicar con anterioridad. Un tema más que adecuado con el que arrancar un disco, pero que queda en un segundo plano en cuanto empiezan a sonar las primeras notas del segundo corte del álbum, la mítica "No Woman No Cry", una nostálgica pieza de la infancia y adolescencia en las calles de Trenchtown, el ghetto de Kingston en el que Marley y sus amigos crecieron. Es probablemente la canción más recordada de Bob Marley, aunque sería la versión en directo publicada en 1975 la que se daría a conocer en todo el mundo y le daría a conocer a nivel mundial.

Aunque "No Woman No Cry" destaque ampliamente sobre el resto, "Natty Dread" tiene mucho más que ofrecer que su canción más famosa, con temazos imprescindibles como las desafiantes y políticas "Them Belly Full (But We Hungry)" (una amenazante advertencia a los gobiernos que que dejan que la gente humilde pase hambre, profetizando que la "turba hambrienta" pasará a ser "turba enojada") y "Rebel Music  (3 O'Clock Roadblock)" (escrita después de que la policía jamaicana le parara en un control nocturno), que completan una primera cara vibrante e intensa.

En la segunda cara, las influencias de la revolución Rastafari son evidentes en "So Jah S'eh" y en "Natty Dread", la canción que da nombre al disco y a una personificación idealizada de una deidad del movimiento Rastafari. Tras estas dos canciones de corte religioso, Marley da paso a la calma y la seducción en "Bend Down Low", una isla romántica en el intenso mar de reivindicaciones sociales y políticas que plagan el disco, y una canción repescada de uno de sus primeros sencillos de los años 60. Y tras este breve remanso de calma, la reivindicación resurge en "Talkin' Blues" y "Revolution", dos joyas más con las que profundizar de nuevo en la controvertida situación social jamaicana, y con las que cerrar a lo grande un disco para el recuerdo.

"Natty Dread" es, ante todo, lo que podríamos llamar "un disco del pueblo, y para el pueblo", porque la gran particularidad de este álbum no la encontramos en sus grandes y reivindicativas canciones, sino en los créditos de las mismas. Pese a estar escritas en sus totalidad por Marley, decidió acreditarlas a nombre de viejos amigos y familiares con los que compartió los duros momentos en el ghetto de Trenchtown, para que se vieran beneficiados por los royalties de un álbum que alcanzó el puesto 43 de las listas del Reino Unido y que alcanzó gran popularidad en el resto del mundo, en un acto de inmensa generosidad digno del mismísimo dios rastafari "Natty Dread".

1091 - The Isley Brothers - That Lady

1091 - The Isley Brothers - That Lady

Los Isley Brothers, una fuerza musical legendaria, han dejado una marca indeleble en los géneros de soul y R&B. Entre su extenso catálogo, la atemporal canción 'That Lady' destaca como un brillante ejemplo de su destreza musical. Lanzada en 1973 como parte del álbum '3 + 3', esta canción encapsula la capacidad de los Isley Brothers para combinar sin esfuerzo melodías soul, instrumentación electrizante y letras cautivadoras.

'That Lady' comienza con un icónico riff de guitarra, estableciendo de inmediato el escenario para un viaje musical inolvidable. El trabajo de guitarra de Ernie Isley es simplemente espectacular, mostrando su virtuosismo y dejando una impresión perdurable. La sección rítmica, anclada por la distintiva línea de bajo, proporciona una base sólida que impulsa la canción con un ritmo irresistible.

Vocalmente, los Isley Brothers ofrecen una clase magistral en expresión soul. La voz suave y emotiva de Ronald Isley toma el protagonismo, transmitiendo sin esfuerzo la pasión y anhelo en las letras. Las letras mismas cuentan una historia de anhelo romántico y deseo, explorando las complejidades del amor. La entrega de Ronald es a la vez sincera y matizada, agregando profundidad a la narrativa y haciendo de 'That Lady' una exploración conmovedora de la emoción humana.

La disposición de la canción es un testimonio del enfoque innovador de los Isley Brothers hacia la música. Integran sin problemas elementos de funk, rock y soul, creando una tapicería sonora que trasciende los límites del género. La energía contagiosa de 'That Lady' es imposible de ignorar, convirtiéndola en una pista destacada no solo en el repertorio de los Isley Brothers, sino también en el panorama más amplio de la música de los años 70.

'That Lady' se convirtió en un éxito comercial, alcanzando la cima de la lista de R&B de Billboard y dejando un legado perdurable. Su influencia se puede escuchar en generaciones posteriores de músicos que se han inspirado en el sonido innovador de los Isley Brothers. El atractivo atemporal de la canción es evidente en su presencia continua en las ondas radiofónicas y en varias formas de medios, solidificando su estatus como un clásico.

En conclusión, 'That Lady' de los Isley Brothers es una joya musical que continúa cautivando a los oyentes décadas después de su lanzamiento. Con su inolvidable riff de guitarra, voces soulful y letras atemporales, la canción ejemplifica la brillantez artística de los Isley Brothers. Como un momento pivotal en su ilustre carrera, 'That Lady' sigue siendo un testimonio del poder perdurable de la música soul y el espíritu indomable de los Isley Brothers.

Daniel

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