Sonic Highways - #MesFoo Fighters

Para el octavo disco de estudio de Foo Fighters, un siempre inquieto Dave Grohl tuvo la feliz idea de tomarse el proceso de creación y grabación del disco como un gran viaje sonoro por Estados Unidos. Con esa interesante premisa nació "Sonic Highways" ("Autopistas sonoras") pero la cosa no quedó ahí, porque los viajes que formaron parte del proceso creativo y de grabación del disco fueron filmados y retransmitidos posteriormente en la cadena de televisión HBO en formato serie, con el título "Foo Fighters: Sonic Highways" poco después de que el disco viera la luz en noviembre de 2014, publicado por los sellos Roswell y RCA Records.

Como primer paso y para inspirarse en la composición de las letras de las ocho canciones que forman el disco, Dave Grohl viajó por otras tantas ciudades de Estados Unidos para reunirse con diferentes músicos, ingenieros de sonido y productores locales, con la idea de crear las canciones basándose en las conversaciones con ellos sobre la historia y legado musical de las ciudades que visitaba. Después, la banda al completo y el productor Butch Vig grabaron cada canción en un estudio de cada una de las ciudades.

Para Grohl, este innovador proceso era un reto y una importante fuente de motivación, y volcó en el proceso toda su energía y expectativas, ilusionado por un disco que iba a ser especial, sin dejar por ello de tener las características y las señas de identidad de un disco de "Foo Fighters". De manera inevitable, lo que surgió como un puñado de letras basadas en experiencias personales y de pareja, acabó por contagiarse de la atmósfera de cada una de las ciudades, y de las situaciones y experiencias que iban durante el proceso creativo. Además, y a consecuencia de la interacción con otros músicos, muchos de éstos acabaron contribuyendo y apareciendo en las canciones como músicos invitados. Lejos de caer en el riesgo de convertirlo en un típico disco de colaboraciones y duetos, estas colaboraciones conectan cada canción con las raíces y el estilo musical característico de la ciudad o la zona de Estados Unidos en la que fue grabada.

Las apariciones comienzan ya desde el primer tema, "Something from Nothing", un apreciable e intenso tema de rock grabado junto a Rick Nielsen (guitarrista de Cheap Trick) en los Electrical Audio Studios de Chicago, Illinois, y continúan en “The Feast And The Famine” canción de pegadizo estribillo y temática social grabada en los Inner Ear Studios de Arlington County, Virginia, en la que a los Foo Fighters se unen Peter Stahl y Skeeter Thompson del grupo hardcore Scream.

Tras el furioso arranque, Dave Grohl y los suyos toman una nueva autopista sonora hacia Nashville, Tennessee, y con la ayuda del músico country Zac Brown registran "Congregation" en los Southern Ground Studios. Aquí es quizá más evidente la influencia que buscaban de otros sonidos, pero el resultado no es todo lo brillante que se hubiera esperado, así que, no sin cierta sensación agridulce, tomamos de nuevo la autopista en dirección a Austin, Texas, donde el encuentro con el siempre genial Gary Clark Jr. en el Studio 6A facilita que el disco remonte nuevamente el vuelo en "What Did I Do? / God as My Witness", antes de llegar a la que probablemente sea la mejor canción del disco, "Outside" en la que con la ayuda de Joe Walsh (Eagles) facturan una lección magistral de como combinar hard rock, blues eléctrico y psicodelia, grabada en el famoso Rancho De La Luna en Joshua Tree, California.

El disco aún da para alguna que otra curiosidad, como la colaboración con la Preservation Hall Jazz Band de New Orleans en el tema power pop "In the Clear", grabada en Preservation Hall, New Orleans, Louisiana, y para otro momento bajo en "Subterranean", fallido tema pop rock que cuenta con las voces de Ben Gibbard (Death Cab For Cutie), grabado en los Robert Lang Studios de Seattle, Washington. Afortunadamente, saben salvar los muebles con un cierre a la altura de las expectativas del ambicioso proyecto, porque la extensa "I Am a River", grabada en The Magic Shop en Nueva York con Tony Visconti y Kristeen Young aportando al conjunto, tiene la suficiente dosis de pop rock y épica como para dejarnos un buen recuerdo de un viaje tan innovador como desigual por ocho de las muchas autopistas por las que se bifurcan las profundas raíces de la siempre interesante música estadounidense.

Wasting Light - #MesFoofighters

 

Wasting Ligt, Foo Fighters

     Wasting Light es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense Foo Fighters. Fue grabado entre septiembre y diciembre de 2010 en la residencia de David Grohl en Encino, California, bajo la producción de Butch Vig, quien había trabajado en el álbum Nevermind de Nirvana, y del propio grupo, y publicado el 12 de abril de 2011 por los sellos discográficos Roswell Records y RCA Records. El grupo quería evitar la artificialidad de la grabación digital, por lo que fue grabado en el garaje del líder de la banda, David Grohl, de su residencia en Encino, California, utilizando exclusivamente equipos analógicos. Estos equipos analógicos antiguos no permitían muchos errores, por lo que el grupo pasó tres semanas ensayando las canciones, y el productor Butch Vig tuvo que aprender técnicas de edición obsoletas. Buscaban un sonido más pesado y crudo en contraste con la experimentación de sus discos anteriores. 

La idea de Grohl era crear un álbum que definiera a Foo Fighters al igual que otras bandas tenían ese disco que las definía, como podía ser el caso del Back in Black definía a AC/DC o el Black Album a Metallica. Grohl afirmaba sobre esto: "Puede que no sea su mejor álbum, pero es con el que la gente identifica a la banda... Tomas todas las cosas que la gente considera características distintivas de tu banda y simplemente las amplificas y haces un álbum simple con eso". Grohl contrató a Butch Vig porque consideraba que tenía la habilidad de "recortar la grasa y darle sentido a todo". La mayoría de las letras fueron escritas mientras Grohl, y en ellas reflexionaba sobre su vida y su posible futuro. Fueron invitados músicos de la talla de Bob Mold, Krist Novoselic, Jessy Greene, Rami Jaffe y Fee Wabill.

 

Durante la gira de 2010 con Them Crooked Vultures, Grohl escribió canciones y grabó demos, que luego llevó al baterista de Foo Fighters, Taylor Hawkins, para su desarrollo. También se hizo miembro de pleno derecho de la banda al guitarrista Pat Smear, quien había dejado el grupo en 1997, pero había sido parte de la banda de gira desde el año 2006. Grohl consideraba que la grabación digital se estaba saliendo de control: "Cuando escucho música estos días, y escucho baterías que suenan como una máquina, le quita un poco de vida a la música". Según Grohl, la estrategia analógica haría que el disco sonara "más crudo e imperfecto". Al principio, el productor Vig pensó que la idea era una broma, más tarde al ver que era cierto, advirtió al grupo que tendrían que tocar bien, ya que los errores no se corregían fácilmente sin la tecnología digital. El grupo pasó tres semanas ensayando en su estudio habitual donde se completó la composición de las canciones, pasando de cuarenta a catorce escogidas. Ensayaron las canciones escogidas con la intención de grabarlas en vivo en el garaje de la casa de Grohl, comprometiéndose a no cambiar nada de lo grabado; según Pat Smear: "Hiciéramos lo que hiciéramos, no lo cambiaríamos. Si una voz distorsionada pasaba por un pedal, eso es lo que iba a ser".

Wasting Light supuso el explosivo retorno a sus raíces, y consiguió capturar la esencia cruda y enérgica de la banda gracias a su proceso de grabación único. Un poderoso sonido que podemos disfrutar en temas como Bridge Burning, que abre el álbum, una poderosa introducción que nos establece lo que nos espera durante el resto del viaje musical; Rope y Dear Rosemary, esta última donde colabora Bob Mould, que continúan con esa explosión de energía inicial fusionando poderosos riffs de guitarra con emotivas letras; o Walk, una emocional balada que se ha convertido con el tiempo en todo un himno de superación personal.

Wasting Light no sólo revitalizó la carrera de Foo Fighters, su enfoque y su energías cruda y la habilidad de David Grohl como letrista para ofrecernos letras sinceras e introspectivas colocó este disco en un privilegiado lugar en la discografía de la banda, convirtiéndose en un duradero testimonio del impacto de la banda en la escena musical. Y parte del mérito también hay que atribuirlo a su productor Butch Vig, quien recogió el guante y se arremangó para trabajar con antiguas técnicas de grabación, convirtiéndose también una pieza clave en el feroz sonido del grupo.

Echoes, Patience and Grace - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

Descubriendo la Magia de "Echoes, Patience and Grace": Un Viaje a Través del Último Clásico de Foo Fighters

En 2007, Foo Fighters nos regaló un tesoro sonoro que ha resistido el paso del tiempo y ha dejado una huella imborrable en el panorama del rock: "Echoes, Patience and Grace". Este sexto álbum de estudio, liderado por la incomparable presencia de Dave Grohl, se erige como una obra maestra que fusiona la energía cruda del rock con la madurez lírica y artística de una banda en la cima de su juego.

Desde el épico inicio con "The Pretender", un himno que establece el tono con su potente riff de guitarra y la inconfundible voz de Grohl, hasta la emotiva despedida con "Home", cada pista de este álbum es un viaje por la maestría musical de Foo Fighters.

- "Let It Die" nos sumerge en una introspección melódica, con su cautivadora melodía y letras reflexivas, marcando un contraste perfecto con la energía de la canción anterior.

- "Erase/Replace" nos golpea con la potencia característica de la banda. Los riffs de guitarra abrasadores y la entrega apasionada de Grohl hacen de esta pista un himno de rock enérgico.

- "Long Road to Ruin" destaca con su melodía pegajosa y letras que exploran los desafíos en la vida. La combinación de la voz melódica de Grohl y los arreglos instrumentales sólidos la convierten en una de las pistas más destacadas del álbum.

- "Come Alive" muestra la versatilidad de la banda, comenzando suavemente y construyendo gradualmente hacia un clímax emocional. Los arreglos orquestales adicionales agregan una capa de profundidad, destacando la habilidad de Foo Fighters para experimentar con su sonido.

- "Stranger Things Have Happened" es una balada acústica que revela la destreza compositiva de Grohl. La vulnerabilidad de la letra y la emotividad en la interpretación vocal hacen de esta pista una joya introspectiva.

- "Cheer Up, Boys (Your Make-Up Is Running)" añade una dosis de energía al álbum con sus riffs de guitarra y ritmo enérgico, equilibrando la introspección con la potencia del rock.

- "Summer's End" evoca una sensación de nostalgia y reflexión, explorando la fugacidad del tiempo con una melodía suave y letras emotivas.

- "Ballad of the Beaconsfield Miners" es una pieza instrumental y emotiva que rinde homenaje a los mineros atrapados en Beaconsfield, Tasmania, destacando la habilidad musical de la banda.

- "Statues" es una canción acústica que presenta letras poéticas y una melodía suave, mostrando la versatilidad de Foo Fighters en la exploración de diferentes estilos y emociones.

- "But, Honestly" combina fuerza y vulnerabilidad, destacando la habilidad de la banda para fusionar letras significativas con un sonido potente.

- "Home" cierra el álbum con una conclusión reflexiva, ofreciendo una melodía suave y letras emotivas.

Foo Fighters demuestra su versatilidad con este álbum, explorando desde la energía cruda del rock hasta momentos de reflexión y experimentación sonora. "Echoes, Patience and Grace" es una amalgama de estilos y emociones que se entrelazan para crear una experiencia musical completa.

El álbum no solo cautivó nuestros corazones; también se apoderó de las listas de éxitos. Debutó en el número uno en múltiples países y las ventas globales superaron millones, consolidando a Foo Fighters como iconos del rock contemporáneo.

Este álbum es más que una colección de canciones; es un testimonio del genio musical de Foo Fighters. Con su capacidad para fusionar letras significativas con poderosos riffs, han creado una obra que no solo se destacó en su tiempo, sino que continúa inspirando a nuevas generaciones de amantes del rock.

En conclusión, "Echoes, Patience and Grace" es un viaje musical que merece ser explorado y celebrado. Una pieza clave en la historia del rock que sigue resonando con la misma intensidad y relevancia que el día en que fue lanzado. Así que, ¿por qué no sumergirse en este clásico atemporal y redescubrir la magia de Foo Fighters? La recompensa es una experiencia musical que perdura, mucho después de que las notas hayan dejado de sonar.

Daniel
Instagram storyboy

Mes Foo Fighters y su álbum The Colour and the Shape

Mes Foo Fighters y su álbum The Colour and the Shape #MesFoo Fighters

El magistral álbum The Colour and the Shape de los Foo Fighters no solo es una obra maestra sonora, sino también una pieza fundamental en la evolución de la banda y la historia del rock alternativo. Lanzado en 1997, este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de los Foo Fighters y dejó una huella imborrable en la escena musical de la época.

La génesis de The Colour and the Shape se remonta a los desafíos internos que enfrentaba la banda. Después del éxito inicial con su álbum debut homónimo, Dave Grohl, líder de la banda, se encontró en una encrucijada creativa. La banda original, compuesta por Grohl, Nate Mendel, William Goldsmith, y Pat Smear, experimentó tensiones internas durante la grabación. Goldsmith no estaba satisfecho con la dirección que tomaba el álbum y, como resultado, Grohl se vio obligado a regrabar la mayor parte de las partes de batería, asumiendo un papel más protagónico en la producción.

Este proceso arduo y, a veces, doloroso, dio como resultado un álbum que no solo capturó la esencia cruda y apasionada de los Foo Fighters, sino que también señaló el inicio de una nueva era. La colaboración entre Grohl y el productor Gil Norton fue fundamental para dar forma al sonido distintivo del álbum. Norton, conocido por su trabajo con bandas como Pixies, logró capturar la energía explosiva de la banda sin perder la claridad en la producción.

Cada pista en The Colour and the Shape cuenta una historia única. La apertura con "Doll" es un torbellino de riffs de guitarra y ritmos frenéticos que establecen el tono para el viaje emocional que se avecina. "Monkey Wrench", con su enérgico estribillo y letras que reflejan la angustia emocional, se convirtió en un himno de la época. Pero es "Everlong" la que se destaca como una de las joyas más brillantes del álbum.

"Everlong" ha perdurado a lo largo del tiempo como una de las canciones más emblemáticas de los Foo Fighters. La mezcla de la emotiva letra de Grohl y la melodía cautivadora creó un himno que ha resonado con audiencias de todas las edades. La historia detrás de la canción, inspirada en la difícil ruptura de Grohl con su esposa, agrega una capa adicional de autenticidad a la experiencia auditiva. Esta pista no solo encapsula la habilidad compositiva de Grohl, sino que también refleja la vulnerabilidad y la conexión emocional que define a The Colour and the Shape.

El álbum no se limita a la potencia emocional; también presenta momentos de reflexión y melancolía. "My Hero" destaca por su construcción gradual y letras que exploran la idea de héroes cotidianos. "See You" ofrece una perspectiva más suave, con armonías melódicas que contrastan con la intensidad de otras pistas. Esta diversidad en la composición es un testimonio de la habilidad de los Foo Fighters para explorar diferentes facetas emocionales sin comprometer su identidad sonora.

La influencia punk de la banda se hace evidente en pistas como "Wind Up" y "Enough Space". Estos cortes son un tributo a las raíces de Grohl en Nirvana y su amor por el punk rock. Los riffs frenéticos y la actitud cruda de estas canciones capturan la esencia del punk, demostrando la versatilidad musical de los Foo Fighters.

La alineación en constante cambio de los Foo Fighters también es un elemento intrigante en la historia de The Colour and the Shape. La salida de William Goldsmith y la incorporación de Taylor Hawkins como baterista marcaron un cambio significativo en la dinámica de la banda. Hawkins, con su estilo enérgico y técnica excepcional, aportó una nueva dimensión al sonido de los Foo Fighters, contribuyendo significativamente al éxito continuo de la banda.

La producción de The Colour and the Shape no solo captura la esencia vibrante de la banda, sino que también refleja la meticulosidad de Gil Norton. Cada instrumento se destaca con claridad, creando una sinfonía sonora que potencia la experiencia auditiva. La calidad de grabación ha resistido la prueba del tiempo, lo que contribuye a la longevidad del álbum y su relevancia continua en la escena musical.

En retrospectiva, The Colour and the Shape no solo solidificó la posición de los Foo Fighters en la escena musical, sino que también dejó una huella imborrable en el rock alternativo de los años 90. Su éxito comercial, combinado con la aclamación crítica, consolidó la posición de la banda en la cima del panorama musical. Este álbum no solo es una instantánea de la época, sino también un testimonio duradero del talento compositivo y la evolución continua de los Foo Fighters.

En conclusión, The Colour and the Shape es un álbum que trasciende las barreras del tiempo y sigue resonando con los amantes del rock en todo el mundo. Desde sus letras introspectivas hasta sus riffs enérgicos, este álbum representa no solo un hito en la carrera de los Foo Fighters, sino también un legado duradero en la historia del rock alternativo. Un testimonio de la creatividad, perseverancia y autenticidad que han definido a los Foo Fighters a lo largo de los años. ¡Un clásico eterno que continúa inspirando a nuevas generaciones de fanáticos del rock!

Daniel

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