0496.- Those Were the Days - Mary Hopkin

 

Mary Hopkin tenía apenas 18 años cuando firmó con el incipiente sello discográfico de los Beatles en 1968 aunque esta no fue su primera experiencia como artista, anteriormente había grabado un EP de canciones en el idioma nativo de su país de origen, Gales. Cuando la escenógrafa/modelo Twiggy vio a Hopkin actuar en el programa de televisión Opportunity Knocks , un predecesor de los años 60 de programas del siglo XXI como The Voice y America's Got Talent , recomendó a Hopkin a Paul McCartney, quien rápidamente firmó un contrato discográfico con el adolescente. McCartney llevó a Hopkin al estudio en julio de 1968 para grabar una canción de Gene Raskin llamada "Those Were the Days". Lanzado a fines de agosto, el sencillo subió al puesto número uno en 17 países de todo el mundo. En febrero de 1969, Hopkin lanzó su álbum debut de larga duración, Post Card, fue el séptimo álbum lanzado por Apple, y solo el tercero que no se acredita a los Beatles o a uno de sus miembros (James Taylor y Modern Jazz Quartet fueron los dos primeros que no pertenecen a los Beatles en lanzar Apple LP). El sencillo fue lanzado simultáneamente con "Hey Jude" de los Beatles, mientras que "Hey Jude" fue el número 1 durante nueve semanas en los EE. UU., "Those Were the Days" fue el número 2 durante cuatro de ellas y saco a los Beatles del número 1 en las listas del Reino Unido.

 

La historia de la canción se traslada 40 años antes, en la década de 1920, era una canción-poema rusa escrita por Boris Fomin, Gene Raskin luego escribió la letra en inglés, y la canción traducida impresionó completamente a McCartney. Durante años, trató de que los grupos lo grabaran con poco éxito, por lo que aprovechó la oportunidad de que Hopkin lo cantara. Y esi fue como creo un clásico tiene muchos elementos buenos: la voz de Hopkin se adapta bien a las letras melancólicas y anhelantes que también evocan esos sentimientos demasiado familiares de idealismo juvenil y la triste pérdida de todo. La instrumentación tiene toda esta sensación rusa que funciona bastante bien también, aunque quizás se vuelve un poco agotador. La transición lenta-rápida-lenta del verso al estribillo y viceversa es genial la primera vez, pero supongo que no se siente como si hubiera suficiente recompensa para seguir repitiéndola.

0495 - Piece of My Heart - Janis Joplin

0495 - Piece of My Heart - Janis Joplin

Piece of My Heart es una canción romántica de amor funk/soul escrita por Jerry Ragovoy y Bert Berns, grabada originalmente por Erma Franklin en 1967.

Pero la canción recibió mayor atención cuando Big Brother and the Holding Company junto a Janis Joplin como voz principal de la banda, versionaron la canción en 1968 y obtuvo un éxito mucho mayor que la versión original de la canción.

Desde entonces, la canción ha sido versionada por varios cantantes, como Dusty Springfield también en 1968, Faith Hill en 1994 y la versión a dúo de Melissa Etheridge y Joss Stone en 2005.

En 2004, Big Brother and the Holding Company ocupó el puesto 353 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. La canción también está incluida entre las 500 canciones que dieron forma al rock and roll del Salón de la Fama del Rock and Roll.

La canción se convirtió en un éxito pop mayor cuando fue grabada por Big Brother and the Holding Company en 1968 con la cantante principal Janis Joplin. La canción se extrajo del álbum Cheap Thrills del grupo, grabado en 1968 y publicado por Columbia Records. 

Esta versión de cuatro minutos y 15 segundos llegó al número 12 de la lista de éxitos del Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Billboard la calificó de "dinamita", afirmando que "este estridente tratamiento de baile hará temblar el Hot 100." 

Cash Box dijo que se trata de una "actuación explosiva" con una "potente voz de Janis Joplin" y también elogió a la banda de acompañamiento.  El lanzamiento del álbum fue la culminación de un año de gran éxito para Joplin, con actuaciones aclamadas en el Monterey Pop Festival, el Anderson Theater de Nueva York, el Wake For Martin Luther King Jr., con Jimi Hendrix en Nueva York y en el programa de televisión de máxima audiencia The Dick Cavett Show.

Daniel
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Grandes exitos y tropiezos: Rosendo

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Y nos vamos a detener en uno de los grandes iconos del rock en nuestro país, Rosendo Mercado. Después de nuestros #MesRosendo en el blog queremos dedicarle otro pequeño artículo, si quereos deteneros más en los discos podéis pasaros por el blog, pero a modo de resumen os dejamos nuestras elecciones si el dinero solo te da para un álbum o dos Rosendo (Madrid, 1954) empezó en esto de la música en Fresa tocando la guitarra es una de esas bandas que van y vienen, que tocan versiones de grupos conocidos, que sus integrantes van cambiando cada poco tiempo y sin posibilidad aparente de echar raíces, allí conoce a José Carlos Molina, con el que deciden darle un nuevo aire a la banda y forman Ñu, que se mira en el espejo de Jethro. Pero Rosendo necesitaba algo más, su admiración a otro estilo de música y su tensa relación con Molina hace que abandone el grupo y forma Leño del que sin duda nos queda ese mítico “Maneras de vivir” que refleja a la perfección la forma de Rosendo de ver el mundo y esa misma forma de ver el mundo hizo que iniciara su carrera en solitario:

 

Estás tardando en comprarlo:

Sin duda alguna hay que quedarse con “Loco por incordiar” el debut de Rosendo en solitario tras disolver Leño. Un discazo sin una sola mala canción, a pesar de que Callejones fuese coescrita con Ramoncín, el único defecto es que se nos queda corto, necesitaríamos más material del genio de Rosendo, pero si encontramos en el álbum Agradecido, quizá la canción más versionada del rock español, una de las básicas de Rosendo y por supuesto una de mis preferidas del disco, pero también encontramos Pan de Higo, Crucifixión a la que tengo en un pedestal o Buenas noches una instrumental sin pretensiones que ni ayuda ni molesta. Este álbum es la prolongación natural de lo mucho bueno que Rosendo había fabricado con Leño, quizás con un toque algo más pop pero con la misma intensidad de siempre, un disco con el que dejo boquiabierto a aquellos que solo querían derribarle, y base de lo que iba a ser su sonido durante unas cuantas décadas.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Tenemos que seguir su senda y si quieres repetir compra pilla la continuación de su apabullante estreno, “Fuera de lugar” con el que mantiene el nivel de la entrega anterior. De nuevo Rosendo se las apaña para no soltar el acelerador y aprieta los dientes para armar otra gran colección de temazos. Incluso diría que el sonido mejora, no sé si sería la incorporación de Chiqui Mariscal al bajo, antiguo compañero de batallas en Leño, la cuestión es que el sonido tan puramente ochentero que lastraba un poco al disco anterior queda aquí mucho más diluido. Si olvidamos, por supuesto, esos teclados que hunden cosas que podían haber sido maravillosas como "Aguanta el tipo".  Son sólo treinta minutos pero muy intensos, en ellos se apelotonan un puñado de canciones que se iban a convertir en auténticos clásicos por derecho. Quizás falten los himnos imperecederos de su predecesor pero la calidad y la pegada no se resienten en absoluto…. "Fuera de lugar", "El ganador", "Entonces duerme" o "Navegando" son top del Rock en España.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Era el fin de una época, Listos para la reconversión es un buen álbum, pero el proyecto estaba dando señales de agotamiento, llámenlo modas, y había que cambiar, pero no solo en la música, la política en España también iba a girar y Rosendo nos preparaba para lo que se avecinaba. Este álbum supuso un punto de inflexión en su carrera, él sabía que no iba a ninguna parte con este sonido y buscó un cambio radical que funcionó para algunos y fue un fracaso para otros, pero esa es ya otra historia. El caso es que estamos ante un álbum muy flojo con un trabajo vocal que intenta ser diferente, lo peor es el sonido de la batería, parece de juguete, así de claro. Se deja de teclados y es que le dejó su teclista italiano con el que estuvo un par de años, y se transforma en un pop rock durante muchos momentos, con unos coros flojos y endebles y un trabajo de guitarra muy discreto. El disco supuso el fin de una etapa en la carrera de Rosendo, le seguirían un cambio radical en el sonido y la composición de su banda, pero para eso habría que esperar un poco.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.- Agradecido

2.- Flojos de pantalón

3.- Navegando

4.- Pan de Higo

5.- Majete

0494.- Summertime - Janis Joplin

Summertime ya era antes de la versión de Janis Joplin una maravilla del jazz, firmada por el gran compositor y pianista George Gershwin en 1935, con letra basada en un poema de DuBose Heyward y creada como una de las partes de su ópera jazz "Porgy and Bess".

Muchos han sido los artistas que se lanzaron a hacer versiones de este mítico tema, desde los cantantes más cercanos al género como Nina Simone, Sam Cooke o el dúo formado por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong, pasando por las revisiones instrumentales de grandes del jazz como Charlie Parker o Miles Davis, y terminando por versiones más sorprendentes como las de Peter Gabriel, James Brown, Paul McCartney o la propia Janis Joplin que, en mi opinión, entrega en 1968 la versión más intensa y conmovedora.

La suave instrumentación que acompaña a la voz de Joplin es sorprendentemente excelsa, y uno de los momentos más afinados de una Big Brother & The Holding Company no habituada a las texturas del jazz, pero son las cuerdas vocales de la señora Joplin las que disparan la canción hasta el infinito y más allá de cualquier etiqueta o calificativo que queramos ponerle. La manera en la que su voz va pasando del melancólico susurro al grito desgarrador te pone literalmente "los pelos como escarpias", y dota a la pieza de Gershwin de una intensidad y dramatismo a los que ni la original ni las sucesivas versiones habían llegado.

0493.- Ball And Chain -Big Brother & The Holding Company

Ball and Chain

     En 1966 Janis Joplin decide entonces mudarse a San Francisco con Chet Helms. Chet era el productor de una banda llamada Big Brother & The Holding Company, y le invita a unirse a la banda, quedando esta conformada por Peter Albin (bajo), Sam Andrew (guitarra, voces), James Gurley (guitarra), David Getz (piano, batería) y la propia Janis (vocalista). Con la Big Brother Janis graba en diciembre de 1966 el primer álbum de la banda y empieza a actuar junto con otros grupos psicodélicos como Jefferson Airplane, The Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service en los famosos locales Avalon Ballroom, Filmore East y Filmore West, y en festivales al aire libre como el Golden Gate Park ó en Hight-Ashbury. En junio de 1967 Janis y la Big Brother actúan en el famoso Fetival de Monterey, compartiendo cartel con artistas de la talla de Jimi Hendrix, The who y Jefferson Airplane entre otros. Sería allí, en aquel festival donde Janis deja a toda la audiencia asombrada con la versión que se marca del tema de Big Mama Thornton Ball And Chain. Producto del éxito de la banda en Monterey deciden publicar aquel primer álbum de la banda grabado en 1966, viendo éste la luz en septiembre de 1967. Han llamado la atención de mucha gente, y uno de ellos es Albert Grossman, productor por entonces de Bob Dylan quien los contrata, además la banda consigue un contrato con la discográfica Columbia Records.

En agosto de 1968 la banda estadounidense Big Brother and the Holding Company, con Janis Joplin como vocalista y miembro de la banda, publica Cheap Thrills. Este sería el último disco del grupo donde Janis participaría. El disco, bajo la producción de John Simon, es publicado por el sello discográfico Columbia Records, llegando a alcanzar un modesto puesto número 60 en las listas de ventas de Estados Unidos. Incluido en este disco se encuentra el referido Ball And Chain, con el que Janis había encandilado a la audiencia un par de años antes. El tema fue Compuesto por la gran cantante de blues y rhythm & blues Big Mama Thornton, una de las grandes influencias Janis. La cantante se encarga de elevar esta versión a cotas increíbles, no en vano se convirtió en uno de sus temas más emblemáticos. En cuanto a la temática de la canción, la imagen de la bola (ball) y la cadena (chain) suele estar asociada a los prisioneros, a los que se les solía poner una bola pesada atada a una cadena al tobillo para evitar que escaparan. Big Mama Thorton también relacionaba y hacía alusión en la canción a esta imagen con la de su pareja, la cual le estaba deprimiendo.

0492.- I Heard It Through The Grapevine - Marvin Gaye

 "I Heard It Through The Grapevine" se erige como una de las grandes canciones de The Motown, asi resulta curioso pensar que la composicon de Norman Whitfield/Barrett Strong fue rechazada por dos veces y una vez publicada comprobaron como esa primera versión fue eclipsada solo un año después por la interpretación de Marvin Gaye que todos conocemos como un clásico mundial. La canción había sido grabada por primera vez en Motown, en el verano de 1966, por los Miracles, pero su versión ni siquiera fue lanzada. A principios del año nuevo, Gaye grabó un nuevo arreglo, pero nuevamente, se quedó en las bóvedas de Hitsville. El productor Whitfield luego recurrió a Gladys Knight and the Pips, con cierto éxito, La interpretación uptempo , infundida como siempre con la vigorizante entrega de gospel y soul de Gladys, llegó a las listas de éxitos en octubre de 1967, llegando al número 1 en la lista de R&B y al número 2 en el Hot 100. Otras versiones, incluidas la de Temptations y Bobby Taylor, también cortaron la cancion, pero Whitfield estaba decidido a convertirla en un éxito para Gaye. En el verano de 1968, ahora que era una canción conocida y Marvin buscaba material para su nuevo disco In The Groove , un nuevo intento de hacer una versión de “Grapevine” cobraba sentido y colaboraron en una versión intensa y melancólica, sin embargo, Berry Gordy lo odiaba y se negó a dejar que se publicara hasta que algunos miembros del personal de Motown lo filtraron y cuando la emisora de radio WVON en Chicago comenzó a reproducirla como una pista del álbum, los teléfonos se volvieron locos. Se convenció a Berry Gordy para que lo lanzara como single, y se escribió la historia de “I Heard It Through The Grapevine”, lanzado el 30 de octubre, solo tres semanas después, se convirtió en el número 1 y estaba en camino de convertirse en el sencillo más vendido de Motown hasta ese momento.

Entre las innumerables  versiones de "I Heard It Through The Grapevine" que han enfatizado la duracion de la canción, la versión épica de 11 minutos de Creedence Clearwater Revival, en su álbum de 1970 Cosmo’s Factory me encanta, pero la de Gaye sigue siendo superior, una melodía oscura, vulnerable y paranoica mientras Gaye canta sobre las emociones de descubrir la infidelidad de un amante, su interpretación vocal es ejemplar, transmite una profunda sensación de dolor cuando expresa su consternación, perfectamente complementada por los coros, proporcionando un mayor contraste con sus tonos más bajos.. ¿Es el mejor sencillo de Motown? Casi seguro. De hecho, hay momentos en los que creo que probablemente podrías nombrarlo como el mejor sencillo, ya sea de The Motown o del año.

El disco de la semana 274: War Eternal - Arch Enemy

 

War Eternal, Arch Enemy

     Para la recomendación de este semana nos vamos a la localidad sueca de Halmstad, donde se formó allá por 1995 la banda de death metal melódico Arch Enemy. Sus primeros componentes provenían de contrastadas bandas como Carcass, Armageddon, Carnage, Mercyful Fate, Spiritual Beggars, The Agonist, Nevermore y Eucharist. El grupo fue fundado por el por entonces guitarrista de Carcass Michael Amott junto con Johan Liiva, que asumirá las tareas de vocalista de Arch Enemy. durante su historia, la banda ha sufrido numerosos cambios en su formación, como la de su vocalista, pues Johan Liiva sería sustituido por la cantante Angela Gossow, que permanecería en la banda hasta marzo de 2014, siendo reemplazada por la cantante canadiense Alissa White-Gluz.

En 2014 Arch Enemy, que en ese momento está conformado por Michael Amott (guitarra), Nick Cordle (guitarra, teclados), Sharlee D'Angelo (bajo), Daniel Erlandsson (batería, teclados) y la recién llegada Alissa White-Gluz (vocalista), publican su noveno álbum de estudio, War Eternal. Alissa llegaba a la banda para sustituir a Angela Gossow, quien había renunciado a sus funciones como vocalista para convertirse en la mánager de la banda. La baja de Angela podría haber supuesto un duro golpe para la banda, pero lejos de montar un drama, el grupo se puso manos a la obra y siguiendo la recomendación de la propia Angela terminaron audicionando a Alissa, que acabaría conectando con la banda de inmediato.

El álbum es grabado entre 2013 y 2014 en varios estudios, los Fascination Street Studios (Varberg, suecia), los West Coast Songs y Sweetspot Satellite (Halmstad, Suecia) y los Riksmixingsverket (Estocolmo, Suecia) bajo la producción de la misma banda, y publicado el 6 de junio de 2014 bajo el sello discográfico Century Media. La portada del álbum fue diseñada por el artista rumano Costin Choireanu, quien según Michael Amott, líder de la banda, fue capaz de captar la visión que tenía sobre lo que debía ser la portada del disco. Las temáticas del grupo suelen las que vienen desarrollando durante su carrera, letras donde nos hablan de rebelión, críticas a la sociedad y a la religión, en concreto la cristiana. 

Una de las dudas de este álbum era sí Alissa encajaría en la dinámica del grupo y si sería capaz de sustituir a Angela. Alissa quizá no tenga ese punto de agresividad que Angela tiene, pero lo suple con creces con una capacidad de moverse por registros mucho más variados que Angela, siendo capaz de pasar de voces guturales a voces nítidas y limpias con una facilidad pasmosa. El grupo liderado por Michael Amott sigue fiel a su estilo dentro del death metal melódico y después de un par de trabajos bastante discretos, The Root of All Evil (2009)  y Khaos Legions (2011), nos regalan un gran trabajo, a la altura de discos como Heartwork, Burning Bridges, Stigmata o Wages Of Sin. Michael Amott parece recuperar la inspiración en un disco donde comparte tareas de composición con Alissa White-Gluz. La banda se atreve, y con muy buen criterio y resultados, a incorporar elementos orquestales en temas como You Will Know My Name, Avalanche o Time Is Black. Tampoco faltan temas llenos de fuerza y velocidad como Tempore Nihil Sanat (Prelude In F Minor), No More Regrets, o Stolen Life, melódicos como War Eternal, Ass The pages Burn o You Will Know My Name, acústicos, como Graveyard Of Dreams o instrumentales, como el tema que además cierra este notable trabajo, Not Long For This World. 

War Eternal volvía a colocar al grupo liderado por Michael Amott en el lugar que le corresponde. La vuelta de la inspiración de Amott, junto con la llegada de Alissa White-Gluz que además compone, sacaban al grupo del estancamiento en el que estaban inmersos para regalarnos un gran álbum de death metal melódico.

0491 - White Room - Cream

0491 - White Room - Cream

White Room es una canción de la banda británica Cream, lanzada como sencillo y siendo considerado uno de los mayor éxito de la banda, fue compuesta musicalmente por Jack Bruce y líricamente por el poeta Pete Brown.

Fue grabada entre diciembre de 1967 y junio de 1968, la canción aparece en su álbum Wheels of Fire, más tarde saldría en Estados Unidos como sencillo, con un cambio en el tercer verso de la canción, mientras que el sencillo de la misma canción salido en enero de 1969 para Reino Unido, tendría la duración completa del tema.

Esta canción se puede escuchar en la película Joker, cuándo el Joker es arrestado por la policía de Gotham, lo que producen disturbios en Gotham. Un alborotador acorrala a la familia Wayne en un callejón y asesina a Thomas y su esposa Martha, salvándose Bruce es cuando en los cómics es el inicio de la historia de quien será Batman. Unos alborotadores que conducen una ambulancia chocan contra el automóvil de la policía que transportaba a Arthur y lo liberan él baila con los vítores de la multitud sobre el capó del coche patrulla.

Daniel 

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0490.- Crossroads - Cream

 

Crossroads, Cream

     En 1936 el mítico bluesman Robert Johnson escribió y grabó Crossroads, también conocido como Cross road Blues. Robert interpretó la pieza sólo y únicamente acompañado de su guitarra acústica tocada con slide. Durante los años se han realizado multitud de versiones de éste clásico, y una de las que más se recuerdan es quizás la realizada por el power trío británico Cream, compuesto por Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton.

A principios de 1966, y cuando todavía se encontraba con los John Mayall & the Bluesbreakers, Eric Clapton adaptó la canción para una sesión de grabación con un grupo de estudio que había conformado llamado Eric Clapton and the Powerhouse. Este proyecto estaba conformado por Steve Winwoood (voz), Jack Bruce (bajo), Paul Jones (armónica), Ben Palmer (piano), Pete York (batería) y Eric Clapton (batería). Este grupo grabó algunas canciones, concretamente cuatro, y una de ellas permaneció inédita y no se llegó a grabar. Los temas grabados fueron Corssroads (Robert Johnson), Steppin' Out (Magic Slim) y I Want to Know (S. Mcleod). El tema llamado Slow Blues es el que permanece inédito hasta la fecha. Estos tres temas fueron lanzados por el sello discográfico Elektra Records en un recopilatorio llamado What's Shakin', en junio de 1966, junto con canciones de lovin' Spoonful, Al Kooper, Tom Rush y Butterfield Blues Band. El productor de los temas, Joe Boyd, había estado revisando las posibles canciones para grabar junto a Clapton. Clapton quería grabar Crosscut Saw de Albert King, y Boyd quería adaptar un country blues más antiguo y propuso a Clapton grabar Crossroads de Robert Johnson, pero Clapton prefería Traveling Riverside Blues, también de Johnson. Para la grabación final de Crossroads, Clapton realizó un arreglo utilizando letras de ambas canciones con una adaptación de la línea de guitarra de Tavelling Riverside Blues.

Crossroads se convirtió en parte del repertorio de Cream cuando Clapton comenzó a actuar con Jack Bruce y Ginger Baker, ya bajo el nombre de Cream. La versión de Clapton presenta pesados riffs y sólos muy contundentes. Clapton tenía claro que la versión de Crossroads tenía que ser puramente rock, Johnson tocaba el tema con un riff muy definido y con el slide a todo volumen, y Clapton simplificó la línea de guitarra ajustándola a un ritmo más pesado y rockero, y también simplificó y estandarizó las líneas vocales de la canción  La guitarra de Clapton y el bajo de Bruce con sus pesados riffs dan un sonido muy contundente al tema. Además de las letras de apertura y cierre de las letras de la grabación original de Robert Johnson de la canción original, agregó dos veces la misma sección de la canción Traveling Riverside Blues. El tema tiene una pausa instrumental, enfocada claramente a las improvisaciones que el grupo realizaría en sus presentaciones en vivo. La canción fue grabada e incluida en el álbum doble Wheels of Fire, publicado en agosto de 1968 por el sello discográfico Polydor Records en el Reino Unido y por el sello Atco Records en Estados Unidos. Atco Records publicó posteriormente el tema como sencillo en enero de 1969, alcanzando el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.

1 artista, 3 canciones: Blur

Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

BLUR

Aunque la aclamación comercial y crítica inicial cayó sobre la banda de pop británica Blur a principios de la década de 1990, no fue hasta el lanzamiento de Parklife en 1994 que el cuarteto alcanzó el estatus de Top 40 en los Estados Unidos. El disco logró tres hazañas: lanzó a Blur a lo largo del mundo, anunció el regreso del "Britpop" a ambos lados del Atlántico; y encendió una feroz rivalidad entre Blur y sus compañeros ingleses Oasis. Aunque Oasis finalmente llegó a la cima en términos de ventas de discos, Blur ha seguido creciendo con cada álbum lanzado, experimentando con diferentes géneros y manteniendo un sonido musical único.

Los orígenes de Blur en realidad se encuentran en la última ola menor de bandas británicas que dejaron una huella en la escena de la música pop/alternativa, la breve erupción de 1989-1990 del sonido de Manchester, Blur se formó a raíz del éxito disfrutado entonces por grupos como Happy Mondays, Stone Roses y Charlatans, sin embargo, a diferencia de los miembros de las bandas del norte de Inglaterra, los tres fundadores de Blur provienen de Colchester, un suburbio de Londres. El grupo, originalmente conocido como Seymour, se unió oficialmente cuando Damon Albarn conoció a Graham Coxon y Dave Rowntree en la escuela de arte de Londres. Alex James, natural de Londres, fue reclutado cuando necesitaban un bajista. La banda firmó con Food Records en 1990 después de tocar solo unos pocos conciertos, la discográfica estaba respaldada por el gigante de la industria EMI,

En 1990 se lanzó el primer sencillo de la banda en 1990, "She's So High" alcanzó el número dos en las listas independientes británicas, y el álbum posterior Leisure, "con su melancólica tanda de pop psicodélico inglés pero pesado", como Rob O. 'Connor de Rolling Stone lo caracterizó: alcanzó el número siete en las listas británicas el día de su lanzamiento. Blur se mantuvo dentro del top en Inglaterra con el álbum Modern Life Is Rubbish en 1992, un disco con un sonido ligeramente renovado que hizo una ruptura con el estado de ánimo lacónico y tintineante al estilo de Manchester. La banda, como explicó Steven Daly de Rolling Stone, "se quitó la ropa holgada para revelar... una inclinación por el pop de guitarra melódico y bien resuelto". Con su tercer álbum, Parklife, dio el salto alrededor del mundo, después de vender casi un millón de copias en el Reino Unido, los fanáticos de la música alternativa estaban listos para lo que venía, y más tras el pegadizo sencillo "Girls & Boys", descrito por los escritores de Billboard Craig Rosen y Dominic Pride como "un pastiche de Eurodisco sin sentido. Gran parte de Parklife se escribió después de que Albarn leyera la visión apocalíptica de la Inglaterra futura del novelista británico Martin Amis, London Fields. El año 1995 fue especialmente embriagador para Blur. En febrero se convirtieron en el primer acto en ganar cuatro Brit Awards, el equivalente británico del Grammy. En junio cambiaron su sello estadounidense de SBK a Virgin, una compañía mejor equipada para comercializar el sonido accesiblemente alternativo de la banda. En ese momento, los tabloides británicos estaban haciendo una crónica de cada movimiento de la banda, y especialmente del cantante Albarn. Además, se habló mucho de la animosidad entre Blur y Oasis, una rivalidad que había alcanzado un punto frenético a finales de año. La competencia por la posición en las listas de éxitos entre Blur y Oasis se intensificó cuando Blur lanzó The Great Escape en septiembre de 1995, justo cuando Oasis también estaba lanzando material nuevo, el primer sencillo de Blur fue "Country House". The Great Escape fue elogiado por la crítica y el perfil de Blur se elevó en ambos lados del Atlántico. Sin embargo, a pesar de que el primer sencillo del álbum, "Country House", entró en las listas de éxitos antes del lanzamiento de un sencillo de Oasis al mismo tiempo, Oasis finalmente se ganó a la audiencia con su lanzamiento megapopular, (What's the Story) Morning Glory? Blur se tomó un año libre tras las ventas relativamente decepcionantes de The Great Escape.

En lugar de separarse, Blur usó su año libre para reevaluar su enfoque de la música, y finalmente decidió seguir el ejemplo del indie rock estadounidense y emplear un estilo de composición de canciones de baja fidelidad e impulsado por la guitarra. Esta vez, su éxito fue al revés: su quinto álbum, Blur, fue más popular en los Estados Unidos que sus álbumes anteriores, pero el público británico lo recibió con frialdad. Frustrados, la banda regresó al estudio con otro enfoque en mente. El siguiente álbum del grupo, 13 fue teñido de música electrónica, lanzado en 1999, tuvo una mala recepción. Algunos criticaron a la banda por dejar su estilo pesado de guitarras del pasado por los ritmos hechos a máquina de 13, y señalaron que la edad dorada de la electrónica ya había ido y venido. Su lanzamiento de 2003, Think Tank, fue un paso más en el ámbito electrónico, aunque detrás del pulso electrónico, se identificó "una belleza discreta y atmosférica que a veces recuerda la belleza penetrante de la banda escocesa Belle and Sebastian". Tras la ruptura y la carrera en solitario de Damon Albarn, tardarían 12 años en publicar un nuevo álbum, The magic whip podríamos pensar que es un refrito descafeinadamente nostálgico, doce años son muchos, y las tormentas que amenazaban la banda se han convertido en tranquilas olas de madurez y claridad respecto unos mismos, no es una obra maestra, pero sí es muy digno, con altibajos constantes, pero también ápices de excelencia repartidos por momentos.

VOTACIONES

1.- Song 2: Este te,a también se conoce como "Whoo-Hooo", que es el coro que sale durante la cancion, el título no se menciona en la letra ni tiene mucho sentido en la tematica, ya que el nombre "Canción 2" era originalmente solo un título provisional,  Blur lo presentó de esa manera durante las presentaciones en vivo y los fans pronto identificaron "Canción 2" y el título se quedó así. Con guitarras ruidosas y letras crípticas, la banda escribió esto para burlarse de la música grunge que era popular en Estados Unidos en ese momento y terminaria siendo el mayor éxito de Blur en los Estados Unidos. 

2.- Girl & Boys: Esta canción trata sobre los roles sexuales y la libertad de preferencia sexual. Gran parte es una parodia de la cultura de club hedonista de los años 90, el soniquete puede que te pueda provocar el mayor odio que puedas expresar hacia una cancion, ya que toda la banda suena como niños saltando en una cama, y eso es lo convierte en el himno apasionante y rebosante de alegría que es, y difícilmente sería lo mismo sin esa leve maldad natural de la banda.

3.- Beetlebum: Es considerada una de sus mejores canciones, donde la ambigüedad juega por varios frentes, pero donde claramente el tema de la relación con esta chica, su caída junta a ella en las drogas- la heroína- recaló fuerte, y no tan sólo en él, sino que casi se llevó a la banda consigo, en un momento en que por primera vez se tuvo que enfrentar a la otra gran parte de esto: al guitarrista Graham Coxon, debido al tema de las drogas y cómo estaba afectando a la banda. “BeetleBum” es un híbrido de guiño a la banda de Lennon


y McCartney, y habla de un arrepentido drogadicto que coquetea con los juegos de palabras sobre el término “persiguiendo el escarabajo” (Chasing the beetle), que es una variación de “perseguir el dragón” (Chasing the dragon), término coloquial que describe la inhalación de los vapores de la heroína o el opio calentado sobre papel de aluminio. 

OTRAS CANCIONES:

Charmless man 4

The Universal         3

Country house         3

Park life                 2

Tender                 2

Sweet song         2

Music is my radar 1

There´s no other way 1

Under the west way 1

On your own         1   

To the end         1

End of the century 1

Good song         1

Battery in your leg 1

Crazy beat         1

Swamp song         1

0489.- Magic Bus - The Who

Magic Bus fue grabada por The Who en 1968, pero es una canción que data de unos años atrás (1965), y que fue escrita por Pete Townshend casi al mismo tiempo que My Generation. Una versión demo interpretada por Townshend circuló en 1966, y una banda llamada The Pudding lanzó al mercado una versión de la canción en 1967. Ni The Pudding ni su versión tuvieron mucho recorrido, mientras que la versión definitiva de The Who en 1968 se convirtió, nada más publicarse, en una de las canciones más populares de la banda.

​ La canción se estructura en un formato de dueto, con Roger Daltrey cantando las partes del "pasajero" que, cada día, sube al autobús mágico para ir a ver a su chica. El pasajero acaba haciendo al "conductor" (Townshend) una oferta para comprarle el autobús. El conductor se niega en un principio, pero finalmente acaba vendiéndole el autobús al pasajero, para que cumpla su promesa de conducirlo a diario hasta la casa de su novia.

La canción destaca por el uso de claves en la percusión, y por un característico ritmo "a lo Bo Diddley", pero también por una línea de bajo casi inexistente, por la que John Entwistle declaró que no soportaba interpretarla en directo, en lo que para el suponía estar tocando una sola nota hasta sentir náuseas. Publicada únicamente como sencillo, alcanzó el puesto 26 de las listas inglesas y el 25 en las de Estados Unidos, pero el recorrido del mágico autobús fue mucho más largo, convirtiéndose, mal que le pese a Entwistle, en pieza imprescindible de los conciertos de la banda.

Zeppelin - Led Zeppelin II (Mes Led Zeppelin)

 

Led Zeppelin II, Led Zeppelin

     Led Zepppelin había lanzado a principios de 1969 su primer álbum de estudio, de título homónimo, Led Zeppelin, llegando a alcanzar el puesto número 10 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, y el puesto número 6 en el Reino Unido. El disco, con potentes ritmos pesados, grandes riffs de guitarra, con toques de blues,  psicodelia y folk, fue catalogado por parte de los expertos como un "punto de inflexión significativo en la evolución del hard rock y el heavy metal". Hay quien fue más allá y catalogó directamente el álbum como heavy metal, algo con lo que Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John Bonham nuunca estuvieron de acuerdo, ¿Cómo podían catalogar el trabajo de una banda como heavy metal si un tercio de su música era acústica?. La primera respuesta del público británico a este álbum debut no fue muy efusiva, lo que provocó que la banda decidiese no publicar ningún sencillo en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de sus trabajos posteriores.

Durante el resto de 1969 la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana que tenían por delante y además grabar su segundo álbum de estudio, Led Zeppelin II, el disco que los consagrará definitivamente. Debido a las giras en las que estuvieron inmersos, el disco fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas. 

Como hemos comentado anteriormente, el álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset y Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

La carátula del álbum fue diseñada sobre la base de un póster hecho por David Juniper, quien fue llamado por la banda para que creara algo interesante. Su diseño se basó en una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el Circo Aéreo conducido por Mamfred Von Richthofen, más conocido como el Barón Rojo. Luego la fotografía fue coloreada y las caras de los cuatro miembros de la banda fueron pintadas con aerógrafo, así como las de su mánager Peter Grant y el mánager de giras, Richard Cole. La mujer que aparece en la portada es Glynis Johnson (actriz que interpretó a la madre de lo niños Banks en Mary Poppins) en un obvio juego de palabras del nombre del ingeniero de sonido Glyn Johns. Parte de la portada del álbum incluye un dirigible en un fondo marrón, esto haría que el álbum también fuera llamado  Brown Bomber. 

Entramos en materia y el primer tema que nos encontramos es Whole Lotta Love, todo un pelotazo que nos pone patas arriba con ese demoledor riff inicial. Este tema contiene algunas de las letras más lascivas de un Robert Plant que así hace saber a una chica que está preparado para darle todo su amor. El tema aparece acreditado a los cuatro componentes del grupo y a Willie Dixon. Partes de la letra fueron tomadas directamente del tema You Need Love, compuesto por Dixon y grabado por Muddy Waters, lo que llevó al grupo a ser demandado por plagio. todo se resolvería en un acuerdo extrajudicial. El arreglo también tiene semejanza con la canción de Small faces, You Need Loving. La pistas básicas fueron grabadas en la casa de Jimmy Page y la sección central de la canción contenía una variedad de instrumentos y voces sobregrabados que Page y Kramer mezclaron en vivo. Esta fue la última canción que el grupo interpretó en vivo con el baterista Bonham, el 7 de julio de 1980. La canción ha sido elogiada por la crítica y definida como una de las canciones heavy metal definitivas, aunque el grupo nunca consideró que este  tema encajára en este estilo específico. What Is and What Should Never Be es el tema que sigue a continuación después del trallazo de apertura, escrito por Plant. Es una canción muy dinámica que alterna versos silenciosos con un coro muy explosivo mientras Plant canta sobre llevar a una hermosa doncella al castillo. En cuanto a la producción se hace un uso liberal del estéreo mientras las guitarras van y vienen entre canales, y las voces se escalonaron durante la parte de los gritos de Robert Plant. The Lemong song, este tema nació y fue un arreglo de la canción Killing Floor de Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf. The Lemong Song era tan similar a Killing Floor que finalmente se le acreditó a Howlin' Wolf también como compositor en el tema. Se incluyeron nuevas letras, incluida la frase "squeeze my lemon", que el grupo  tomó prstada de la canción Traveling Riverside Blues de Robert johnson. Thank You es el tema que cierra la cara A. Aceditado a Page y Plant, fue escrita por Plant como una declaración de amor a su esposa Maureen. Page tocó la guitarra de doce cuerdas y Jon Paul Jones el órgano Hammond en esta canción. Dos curiosidades: esta canción fue la primera donde Plant escribía toda la letra, y Plant realiza un sólo con la guitarra acústica, cosa que rara  vez hacía. 

Abre la cara B Heartbreaker, tema acreditado a toda la banda pero que fue escrito principalemente por Page para demostrar sus habilidades a la guitarra. Led Zeppelin a veces abría sus conciertos con este tema, y durante éstos, Jimmy Page solía estirar los sólos de guitarra e inorporaba frgamentos de otras canciones, como Greensleves, The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) y Bouree In C minor de Bach. Linving Loving Maid (She's Just a Woman) fue escrita sobre una groupie que la banda se encontró durante una gira por Estados Unidos. Al grupo no le gustaba mucho este tema, especialmente a Jimmy Page, que la odiaba y consideraba que este tema no estaba a la altura del resto del álbum. Como consecuencia este tema no fue ocado nunca en directo. Habría que esperar a 1990 para que Plant la interpretara en solitario dentro de su gira de quel año. El tema anterior, Heartbreaker, y éste solían ser reproducidos juntos por las estaciones de radio. Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con Gollum. Robert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo. Moby Dick fue compuesto para lucimiento y escaparate de las grandes habilidades de John Bonham a la batería. Originalmente el tema se llamó Pat's Delight en honor a la esposa de Bonham. El tema presentaba una gran variedad de tambores e instrumentos de percusión que se tocaban con baquetas y con las manos a pelo. Fue compuesto para incluir también percusión adicional y batería electrónica. Era un tema que la banda solía tocar en directo y el sólo de batería de Bonham podía extenderse hasta los 20 minutos. Bring It On Home es el tema que tiene el honor de cerrar este disco. Este tema es una versión del tema del mismo nombre escrito por Willie Dixon y grabado por primera vez por Sonny Boy Williamson II en 1963, aunque no fue publicado hasta 1966. El grupo incluyó un sección central mucho más rápida que la estructura original. Como hemos comentado anteriormente, la banda grabó Led Zeppelin II entre gira y gira, y para ello se llevaron las cintas maestras del disco, por lo que se detenían cuando podían a grabar. Por eso la parte de la armónica de este tema fue grabdo en otro sitio, concretamente en Vancouver. 

0488 - That's It for the Other One - Grateful Dead

0488 - That's It for the Other One - Grateful Dead 

That's It for the Other One es una canción por la banda estadounidense Grateful Dead.​ La canción fue publicada como la canción de apertura del álbum de 1968, Anthem of the Sun.

Esta canción tiene varias versiones que se han lanzado, la primera versión que tenemos es una versión grabada en el Shrine Auditorium en Los Ángeles, California el 24 de agosto de 1968, fue publicada en el álbum de 1992, Two from the Vault.

Otra de las versiones es esta que fue una presentación grabada en el Fillmore West en San Francisco el 27 de febrero de 1969, fue publicada en los álbumes Fillmore West 1969, Fillmore West 1969: The Complete Recordings y Fillmore West 1969: February 27th.

Y por último tenemos la versión grabada en el Carousel Ballroom el 14 de febrero de 1968 fue publicado en el álbum de 2009, Road Trips Volume 2 Number 2.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: The Police

Grandes éxitos y tropiezos: The Police

Vamos a conocer esos éxitos y tropiezos de una banda británica que fue éxito indiscutible en las décadas del 70 y 80, estamos hablando de The Police un trío británico de rock, que tuvo sus presencia durante los últimos años de la década de los '70 hasta mediados de la década de los '80, esta formación de super trio, formo parte de la cultura creciente de la música​ new wave británica, su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, pop, reggae, funk y jazz; quedando muy influenciados por la música jiennense. 

Se formó en 1976 en Londres, tocaron oficialmente hasta 1986, con una pausa entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su separación,​ la banda ha vendido casi 200 millones de copias por el mundo.

Y dentro de los álbumes que vale la pena tener de la banda, debemos destacar Reggatta de Blanc, que es el segundo álbum de estudio de la banda británica, y uno de los álbumes que destacan una de sus mejores canciones, que llevarían al éxito a The Police

De este álbum la banda editaría un impresionante sencillo que llegó al número uno en la lista británica Message In A Bottle. Otros temas que destacaron fueron Reggatta De Blanc que recibió el premio Grammy en 1981 a mejor interpretación instrumental.​ Deathwish emotiva canción New Wave, Bring On The Night, una canción que trata sobre la ejecución de Gary Gilmore. Así como, It's Alright For You que muestra plenamente la influencia punk en la música de The Police. Y por último, The Bed's Too Big Without You, impecable fusión de Reggae y gran aportación policiaca al mundo del Rock.

En cuanto a la estructura y composición de las canciones, es el disco de The Police en donde mejor participan sus tres integrantes de forma equitativa y brillante. Podemos escuchar a un Sting con gran voz y ejecución del bajo, a un Stewart Copeland con una batería mágica, fenomenal y bestial (su mejor trabajo de estudio con la banda) y a un Andy Summers con una guitarra creativa, atrevida y rockera, aún más que en el primer álbum Outlandos d' Amour.

Pero no nos debemos de olvidar de Outlandos d'Amour es el álbum debut de la banda The Police, este fue su primer álbum el cual fue lanzado en 1978, y es otro de los álbumes de la carrera de esta gran banda británica que no debes dejar de tener en cuenta.

La producción del álbum fue grabado con cintas usadas en consola de 16 canales, en los estudios Surrey Sound Studios. La mayor parte de las canciones que aparecen en este álbum habían sido ensayadas y presentadas en vivo con anterioridad, por tal razón, varias canciones se grabaron en una sola toma. De inmediato, Outlandos d'Amour se convirtió en todo un éxito de ventas, por ser un disco que mezcla estilos variados como reggae y rock, la esencia del sonido de The Police.

Este álbum contiene una de las canciones más aclamadas de la banda, Roxanne, canción inspirada en una prostituta que Sting habría visto de paso por Francia, además de otro éxitos como So Lonely, Can't Stand Losing You, Next To You, Hole In My Life y Truth Hits Everybody.

Hasta el día de hoy, del álbum Outlandos d'Amour se han vendido casi nueve millones de copias por todo el mundo, si no lo has escuchado aun no te lo tienes que perder.

The Police, tiene oficialmente cinco álbumes de estudio editados, ya hemos destacado dos de sus grandes éxitos donde para mi estan las mejores canciones de la banda, pero el trio perfecto para tener en casa, que puedes tener con esta banda de rock, es si sumarias a tu colección su cuarto álbum Ghost in the Machine Ghost in the Machine es el álbum de estudio con mejor grabación de sonido en la historia de The Police. Además, está claramente influenciado por la situación socio-política mundial en sus letras y es el más oscuro de los cinco editados en estudio por el trío británico.

Durante las sesiones fueron grabadas las canciones Flexible Strategies y Low Life, las cuales fueron incluidas como Lados-B de los sencillos Every Little Thing She Does Is Magic y Spirits in the Material World, Fue un éxito a ambos lados del Atlántico, además de que cuenta con varios éxitos de la banda.

Pero los rumores de pelea entre los integrantes de la banda, hacen que la banda separase, el último concierto oficial de The Police en su etapa original fue el 4 de marzo de 1984 en Australia en la última fecha de la gira del disco Synchronicity. Las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución del trío aunque nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. Sting inició una carrera en solitario en 1985 llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con influencias jazz, soul.

The Police una de las mejores bandas británicas de los años '80 se vio atrapada en sus propios egos lo cual produjo su mayor tropiezo que llevo a la disolución de la banda, una banda que logro en tan pocos años una catarata de éxitos que hoy en día aun suenan. 

Daniel

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0487.- Vuelvo a Granada - Miguel Ríos.

Aficionado a la música desde muy joven era un fanático de Buddy Holly, Johnny Hallyday, Elvis Presley y Cliff Richard. Después de trabajar en la sección de música de unos almacenes en su ciudad natal, Miguel Ríos inició su carrera musical a principios de los 60, Sus inicios en el mundo del espectáculo fueron presentándose en un programa de la emisora Radio Granada, más adelante grabó una cinta de demostración como cantante y viajó a Madrid en 1962 con mil quinientas pesetas en el bolsillo que le dejó su madre para realizar su primera producción discográfica, grabando sus primeros discos bajo el nombre artístico de Mike Ríos. De 1962 es El rey del twist, su primer tema en solitario, pese a que eran habituales sus actuaciones con grupos como la orquesta de Filippo Carletti y bandas como Los Sonors, Los Canarios y Los Relámpagos. De esos años, en que grabó ya numerosos temas, destaca la popularidad de la canción Oh, mi Señor (1964). Alcanzó su primer gran éxito con la adaptación del Himno a la alegría de Beethoven (1969) que se convirtió en un éxito internacional que le permitió entrar en contacto con las vanguardias musicales de la época. Una serie de tres conciertos celebrados en 1972 y desplegados con gran aparato audiovisual darían lugar al álbum De rock y amor, mientras que trabajos como La huerta atómica (1976) pusieron de manifiesto su interés por la ecología, tema que desarrollaría ampliamente.

Cantante de personalísima voz, en esta época aun no la había pulido suficiente pero ya se nota la gran calidad vocal que atesoraba y sobre todo el personalísimo carácter con el que se movía por el mundo música y que quedaría reflejado en un EP publicado en 1968 que contenía dos de sus grandes temas clasicos, "El rio" y "Vuelvo a Granada" dos temas luminosos cargados de fuerza, estilo y con aires psicodélicos con magistrales arreglos orquestales a cargo de Waldo de los Ríos y la participación de Rafael Trabuccheli en la producción y de Fernando Arbex firmando diversas canciones. Y es que hay que detenerse en la grandiosa "Vuelvo a Granada", un tema bien conocido de su repertorio que evoca el regreso en tren a la ciudad que le vio nacer y que se tiñe de añoranza por recobrar la paz de los lugares tranquilos

0486.- Hush - Deep Purple

 

Hush, Deep Purple

     La primera formación de Deep Purple, conocida también como Mark I, Publican en julio de 1968 bajo el sello discográfico Tetragrammaton Records en Estados Unidos, y en septiembre de 1968 bajo el sello Parlophone, su primer disco de estudio, Shades of Deep Purple, el cual es grabado en tan sólo tres días en los estudios Pye de Londres. La banda había grabado anteriormente una demo en los estudios Trident de Londres y la habían enviado al sello estadounidense Tetragrammaton Records que buscaba nuevas bandas británicas que descubrir. La banda, que no tiene mucho presupuesto, lo graba sólo en tres días, con todo lo que eso conlleva y apuesta por un sonido progresivo y psicodélico.

Incluido en este álbum debut se encuentra la versión que el grupo graba de Hush, tema escrito por el músico estadounidense Joe South y grabado por pimera vez un año antes por el cantante de country Billy Joe Royal. La versión grabada por Deep Purple obtiene una gran acogida en el mercado estadounidense alcanzando el puesto número 4 en la lista Billboard Hot 100. La canción se reprodujo en las radios de todo Estados Unidos, sobre todo en la costa oeste, por lo que la fama y el reconocimento de la banda creció considerablemente en el país. Sin embargo tanto el exitoso single como el disco pasaron sin pena ni gloria por su tierra, en el Reino Unido. 

Joe South fue un destacado músico de sesión y compositor que escribió otros éxitos de la época, como Games People Play, Rose Garden o Down in the Boondocks. La canción trata sobre un chico que está tan loco por su amor que lo dejará todo si ella lo llama por su nombre. El aire rockero y pesado que Deep Purple dió a Hush difiere mucho de la grabación country original que grabó Billy Joe Royal. En 1988, y para conmemorar la celebración del vigésimo aniversario de Deep Purple, la banda británica volvió a grabar la canción en vivo para su album Nobody's Perfect. Esta grabación de Hush fue lanzada como sencillo y alcanzó el  puesto número 62 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto 44 en la lista Hot Mainstream Rock de Estados Unidos.

Led Zeppelin - Led Zeppelin I (Mes Led Zeppelin)

Artista del mes: Led Zeppelin - Album Led Zeppelin I

Amigos del rock llegó el mes de mayo, y junto al buen clima, y sin olvidarnos del dicho "hasta el 40 de mayo no te quites el sayo", nos acompañará todo este mes una de las bandas Londinense que merece tener su mes, por ello abrimos este mes de mayo en reconocimiento de Led Zeppelin #MesLedZeppelin.

Y como toda buena historia arrancaremos con su primer álbum de estudio que llevó el mismo nombre de la banda, Led Zeppelin y fue editado y publicado en Reino Unido en marzo de 1969.

Led Zeppelin I es el primer álbum de estudio de la banda británica de hard rock, este álbum fue publicado el 12 de enero de 1969. Este fue un álbum de Led Zeppelin que introdujo un mundo de nuevos conceptos para el rock, creando una interpretación completamente nueva del género.

Led Zeppelin I el cual lleva el mismo nombre de la banda, que fue lanzado el 12 de enero de 1969 por Atlantic Records. En la formación de la banda de ese entonces se encontraba Jimmy Page en las guitarras y también quien produjo el álbum, John Paul Jones en el bajo, John Bonham encargado de la batería y percusiones y Robert Plant a la voz y harmónica, aunque debido a cláusulas de contrato con CBS Records, sus créditos no aparecen en el trabajo.

La portada del álbum es una imagen a alto contraste de la foto tomada por Sam Shere del incendio del dirigible Hindenburg en 1937. 

Por ello recordaremos las canciones de este álbum debut de la banda Británica, comenzaremos con Good Times Bad Times que fue lanzado cómo single junto con Communication Breakdown, la canción inicia con dos acordes acompañándose de los platillos y el cencerro de Bonham, hasta que el mismo hace un redoble que abre la canción para que toda la banda comience a sonar, es una canción corta, rítmica y que destaca por su coro y un solo impresionante.

La banda sigue luego con Babe I’m Gonna Leave You una canción más suave por su guitarra acústica y la voz susurrada de Robert Plant al inicio, con trozos donde interactúa la batería con redobles en los toms para dar dinamismo a una canción tan tranquila, que Plant y Page destacan en sus respectivos instrumentos para que la canción pase a un sonido más rockero el resta de la canción.

You Shook Me la tercer canción del álbum comienza con un fraseo de guitarra que se convierte en un blues en su mejor expresión, la guitarra sigue la voz de Plant en los versos y a continuación los solos toman su lugar, los teclados, la harmónica y la guitarra toman protagonismo, y termina con una conversación donde la voz y la guitarra se imitan concluyendo esta excelente canción.

Un bajo excepcional con una guitarra llena de efectos es la introducción de Dazed And Confused, donde lo que más destaca es el la voz de un Robert Plant, donde el blues es el centro de atención haciéndonos sentir increíblemente maravillados, un estilo que se volverá característico de Led Zeppelin. 

Vamos ahora con Your Time Is Gonna Come una canción donde la tranquilidad se apodera de nosotros gracias a la belleza que recae en los teclados, guitarras y un ritmo tan pegadizo. Pero Your Time Is Gonna Come se corta abruptamente y sigue inmediatamente esta Black Mountain Side, las guitarras acústicas y las percusiones nos llevan a un paisaje que pocas canciones pueden lograr, aunque corta, crea un perfecto contraste con la siguiente canción.

Communication Breakdow, la antítesis de los últimos 6 minutos que hemos vivido llega, con un riff veloz y ultra rockero abre el single del lado B, acá la agresividad se toma por estandarte y desemboca en un solo que inspirará generaciones y bandas posteriores.

Todo vuelve a la calma con I Can’t Quit You Baby un sexy blues de los 50’s revive para dejarnos esta gran canción, los licks en guitarra son simplemente majestuosos y llenos de sentimiento, y si a eso le sumamos un bajo que se acompaña de maravilla con los ritmos sincopados de la batería, el saldo es una canción increíble.

El álbum cierra con How Many More Times, el más largo de todo el trabajo, una canción donde el espíritu rockero es casi palpable, cabe destacar la gran labor de todos los integrantes de la banda en la canción y en todo el álbum en general, 

Este disco marcó un antes y un después en la música, definitivamente es uno de los álbumes más importantes de la historia del rock. Es el inicio de la que sería una de las bandas más legendarias del rock, por todo ello el mes de mayo será su mes #MesLedZeppelin

Daniel 

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