Grandes éxitos y tropiezos: Lou Reed

Vamos con una nueva entrega de "Grandes éxitos y tropiezos", el manual perfecto para enfrentarse a la primera compra de un disco de ese grupo o artista que, por avatares del destino, acabes de descubrir. Hoy te daremos algunas pautas sobre que disco elegir del "poeta de Nueva York" en solitario. Ladies and Gentleman, estos son los grandes éxitos, y algún que otro tropiezo, de Lewis Allen Reed, más conocido como Lou Reed:

Estás tardando en comprarlo:

Transformer (1972), su segundo disco en solitario, es sin duda su obra maestra, un álbum a la altura de los mejores discos de su etapa anterior con la Velvet Underground. Buena culpa del resultado recae en David Bowie, que produjo el disco y participó en los coros, y de algunos de sus músicos de acompañamiento, como el guitarrista Mick Ronson o el bajista Herbie Flowers, que participaron en la grabación del disco. En Transformer, Lou Reed se aleja del rock oscuro y experimental, acercándose con éxito al glam rock en temas como Vicious, y entregando algunos de sus mayores éxitos como la descomunal Walk on the wild side, la melancólica Perfect Day o la excelsa Satellite of love, en la que los coros de Bowie son simplemente grandiosos.

Si te queda pasta, llévate también:

Berlín (1973), su tercer álbum publicado en solitario, producido por Bob Ezrin, que años más tarde produciría el disco The Wall de Pink Floyd, contó con la colaboración de músicos como Jack Bruce o Steve Winwood, entre otros, y aunque no tiene la fuerza y la inmediatez de Transformer, es una ambiciosa e interesante obra conceptual sobre una pareja de drogadictos. Temas como Lady Day, How Do You Think It Feels, Oh, Jim, Sad Song o Caroline Says II (en la que se encuentra el verso "It's so cold in Alaska" por el que Olvido Gara adoptó su famoso pseudónimo) se cuentan entre las mejores canciones de su discografía y eran habituales en sus conciertos.

Vuelve a dejarlo en el expositor: Vuelve a dejarlo en el expositor: 

Lulú (2011), grabado por Lou Reed junto a los todopoderosos Metallica en el que sería el último trabajo del músico en vida, y basado en la ópera Lulú y en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, se resiente por la falta de entendimiento y de química entre dos estilos musicales completamente diferentes. El artista y la banda nunca llegaron a encajar en este trabajo, dando como resultado un batiburrillo sonoro totalmente deslavazado e incoherente, en el que cada uno parece ir por su lado, como en aquella actuación de los Oscar de Hollywood en la que Antonio Banderas y Santana parecían estar interpretando cada uno una canción diferente mientras juntos versionaban "Al otro lado del río" de Jorge Drexler.

Y como "Lulú" podría entenderse como una colaboración con Metallica más que un disco propio, incluimos en esta sección también a Metal Machine Music (1975), su quinto álbum de estudio, considerado uno de los peores discos de la historia, y hay que decir que Reed se trabajó ese apelativo a conciencia, ya que su intención era precisamente entregar por compromiso una auténtica colección de distorsiones y ruidosos acoples de guitarra, una auténtica cacofonía abstracta y carente de toda lógica que para muchos oyentes fue una auténtica burla. A pesar de todo, Reed siempre defendió que no era un disco con el que buscara defraudar a los que lo compraran o burlarse de la compañía discográfica (RCA), que le obligaba por contrato a publicar un disco más,  y que se vio obligada a editarlo, pero lo hizo con solo 1.500 copias. La escasez de ejemplares disponibles lo convirtieron rápidamente en un objeto de culto, por el que a día de hoy se pagan cantidades astronómicas. Pero insistimos, esa es solo una razón más para que vuelvas a dejarlo en el expositor, y no dañes tu bolsillo y, lo que es peor, tus oídos con semejante artefacto sonoro.

Por último, si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro "top five" de Lou Reed en solitario:

1- Walk on the wild side

2- Sweet Jane (versión en directo de Rock and Roll Animal)

3- Perfect Day

3- Satellite of love

5- Street Hassle (con Bruce Springsteen)

0508.- C'era una volta il west (Hasta que llegó su hora) - Ennio Morricone

 

Algunos lo consideran como el compositor más innovador de la música de cine. Y puede que no les falte razón. Aunque él, un trabajador incansable, reniega del talento. Piensa que el esfuerzo, el trabajo, el tesón y la entrega es la que te convierte en un grande. Tampoco le falta razón en ello, pero hay que reconocerle que a su descomunal filmografía, se le puede sumar una gran popularidad, múltiples premios (eso sí, el Oscar honorífico) y más de 40 millones de discos vendidos, 26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy… Lo que avala que Ennio Morricone sea, sin duda, uno de los más grandes de la historia.

Creo un genero musical con el spaguetti-Western y sus trabajos en películas como El bueno, el feo y el malo o La muerte tenia un precio le subieron al cielo, pero aun faltaba la traca final, Sergio Leone iba a grabar otro spaguetti-western y en esta ocasión con el mayor presupuesto que nunca había tenido, con estrellas absolutas como Henry Fonda, Jason Robards, Charles Bronson y Claudia Cardinale, Leone le preparó el terreno a Morricone para que compusiera la mejor partitura posible sobre un western que era casi más que un western, era la muerte del propio género, la modernidad y la vida llegando a un lugar de muerte y de pistoleros vestidos de negro de la mano de una mujer fuerte. Esa muerte y ese nacimiento, y esa mujer en concreto, fue el motor y la inspiración de Morricone para la música de C'era una volta il west, una elegíaca partitura tan hermosa como triste, tan épica e implacable (esa armónica) como tierna, tan reveladora como réquiem. Gracias otra vez a Edda Dell'Orso, el tema principal sobrevuela el metraje y las imágenes en los momentos culminantes como un ángel que anunciara algo, tal vez el propio destino de sus protagonistas. Es posible que sea complicado decirlo y asegurarlo (teniendo en cuenta de donde venían y lo que vendría después), pero aquí, en C'era una volta il west, estuvo y está la cima de Leone y Morricone. Que es como decir una de las cimas de la propia Historia del cine.

 

La partitura de Morricone es probablemente mi partitura musical favorita de todos los tiempos. Morricone nunca deja de capturar a la perfección la trama y el escenario de la película, y convertirlos en algo tan memorable como la propia película. El trabajo innovador de Morricone siempre ha tenido mucho que ver con el atractivo general de las películas en las que ha compuesto la música, proporcionando a cada una su propia banda sonora única. La banda sonora presenta leitmotivs que se relacionan con cada uno de los personajes principales de la película, así como con el espíritu del oeste norteamericano.

Led Zeppelin - Physical Graffiti (Mes Led Zeppelin)

"Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven” dijo Robert Plant sobre una de las canciones estrella de Physical Graffiti (1975), el sexto álbum de estudio de la banda y su último gran disco. La revista de heavy metal Kerrang! lo calificó en un ranking de 1989 como el mejor álbum de heavy metal de la historia, pero Physical Graffiti, pese a estar repleto de intensos riffs marca de la casa, va mucho más allá de esa etiqueta estilística y toca una impresionante variedad de estilos musicales, que van del hard rock al rock and roll, y de las baladas orquestales a los intensos blues acústicos o a los sonidos étnicos de la ya mencionada Kashmir.

CARA A

El tremendo banquete que supone la escucha de Physical Graffiti comienza con un "pastel de natillas" (Custard pie), un dulce aperitivo con referencias sexuales implícitas en la letra, para acompañar al primero de los platos fuertes del disco: The Rover es uno de los mejores temas de la discografía de Led Zeppelin, una pieza de intenso hard rock construida sobre un riff monumental. Escrita originalmente en formato acústico, durante las sesiones de Houses of the holy fue tomando cuerpo pero no fue hasta Physical Graffiti cuando tuvieron la canción lista para ser lanzada. Plant se luce con la voz en este tema, como lo hace justo después Jimmy Page con la guitarra en In My Time of Dying, la canción más larga del disco con sus más de 11 minutos de blues eléctrico y hard rock. Basada en una canción tradicional y en la versión que de la misma hizo Bob Dylan, el gran mérito de los Zeppelin fue convertirla en una intensa suite de blues rock con diferentes secciones, y es un colofón brutal para una primera cara tan completa como intensa.

CARA B

Houses of the Holy es, como su nombre indica, la canción que iba a dar título al anterior disco de la banda, pero pese a ser una canción eléctrica y pegadiza, no sintieron que encajara en aquel álbum. Afortunadamente, sí que encontró su sitio dentro de la gran obra que es Physical Graffiti. También recuerda al anterior disco el tema Trampled under foot, con una marcada influencia funk y un gran solo de guitarra de Page, con efectos wah-wah incluidos. Surgió de una improvisación de John Paul Jones, y tanto Plant como Page colaboraron después en darle forma y acabarla. La letra se basa en la de Terraplane Blues de Robert Johnson, pero sustituyendo la temática de la infidelidad por la de la tentación sexual. Tras estas dos grandes canciones, llega el auténtico cataclismo del disco, una canción llamada inicialmente "Driving to Kashmir", y planeada en un primer momento como un instrumental en el que Jones tocaba el mellotron, acompañado por una orquesta de músicos de sesión que interpretaban arreglos orquestales de influencias arábicas. Robert Plant aportó una letra que había escrito durante un viaje por el desierto del Sáhara, y las piezas encajaron al instante en Kashmir, una grandiosa pieza de rock progresivo y sinfónico.

CARA C

Sólo con lo que ofrece el primer disco de Physical Graffiti ya podemos hablar, sin riesgo a caer en la exageración, de uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos, pero este gran "grafiti físico" aún esconde en su paleta de colores algunas tonalidades interesantes, como es el caso de In the light, que abre el segundo disco profundizando en la vertiente progresiva y psicodélica del grupo. Comienza con el exótico sonido de un arco de violín rasgando una guitarra acústica, y entremezclándose con el sintetizador de John Paul Jones, para dar paso después a la voz distorsionada de Plant, que a su vez será la antesala de una nueva demostración de hard rock de guitarras afiladas. Tras este tempestuoso arranque, llega la calma de Bron-Yr-Aur y Down by the seaside, temas acústicos que grabaron en una esotérica cabaña de Escocia durante las sesiones para Led Zeppelin III. Cierra esta tanda de manera brillante la compleja balada Ten Years Gone, en la que se llegaron a emplear hasta 14 pistas de guitarra, aunque no consigue alejar la sensación de que en esta cara del disco han bajado algo el listón.

CARA D

En la última cara del disco siguen apareciendo descartes de otros discos como Night Flight, rescatada de las sesiones de Led Zeppelin IV, un buen arranque a ritmo de órgano Hammond. Encontramos después una nueva composición llamada The Wanton song (la canción insensible), surgida de una improvisación en el estudio, a la que se le añadió en tomas posteriores una letra sobre la infidelidad y un solo de guitarra en el que se introdujo un eco que reprodujeron del revés, para que sonara por delante de las propias notas que lo generaban. Tras esta canción, volvieron a buscar en el baúl de las grabaciones para rescatar Boogie with Stu de entre las improvisaciones que realizaron junto a Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, para las sesiones de Led Zeppelin IV en 1971, en la misma sesión en la que grabaron el tema Rock and Roll. No sería la última repesca, porque Black country woman fue grabada por primera vez en 1972 para Houses of the holy, y descartada en ese primer momento porque un avión pasó sobre sus cabezas mientras la grababan. Para terminar, y aterrizar como es debido tras un vuelo musical tan intenso, la banda incluyó como cierre el frenético Sick Again, en el que destaca especialmente la intensa y rotunda batería de John Bonham y una letra que describe las relaciones del grupo con las LA Queens, nombre con el que se referían a las groupies.

LA PORTADA

Un artefacto de la potencia de Physical Graffiti no podía ser presentado en cualquier envoltorio, por lo que para la portada, una vez más, se esforzaron en la creación de algo que perdurara y resultara icónico. Lo encontraron entre el número 96 y el 98 de St. Mark’s Place en el East Village neoyorquino, un enclave relevante del movimiento hippy de los años 60 y del punk en los 70. Fue además el escenario elegido para grabar un video de los Rolling Stones (Waiting on a friend, grabado en 1981 en las escaleras del mismo edificio), y acogió los primeros shows de la Velvet Underground. Para convertir la fachada del edificio en la portada del disco, el ilustrador Mike Doud eliminó una de las cuatro plantas para que la fachada pudiera encajar en las dimensiones de la carpeta del vinilo.

En la funda original había huecos en las ventanas a través de las cuales se podían visualizar las fotos interiores, que aludían a canciones famosas de la banda como Black Dog o Stairway to Heaven. Como buena portada de Led Zeppelin, no escapa a las teorías e interpretaciones misteriosas. En este caso, se ha dicho que las dos puertas hacen referencia a los caminos mencionados en “Stairway to Heaven”. En la contraportada, dónde la foto aparece invertida, el portal iluminado permanece cerrado, mientras el otro muestra la puerta abierta a la oscuridad, en referencia al esoterismo y la brujería mística con la que jugaban los miembros del grupo. El hombre en las escaleras, que podría ser John Bonham, está sentado junto al camino oscuro. O quizá era Robert Plant el que estaba allí sentado, pensando si realmente serían más recordados por Physical Graffiti que por Led Zeppelin IV. En sus grandes momentos, el primero no palidece ante el segundo, aunque aquella escalera llevara al cielo y esta puerta conduzca a la oscuridad del infierno.

0507.- S.F Sorrow was born - The Pretty Things

The Pretty Things no eran más que una banda novel recién contratada por EMI, cuando el destino quiso que Norman Smith, antiguo ingeniero de sonido de The Beatles que había dejado su puesto para producir el disco de debut de una nueva banda llamada Pink Floyd, estuviera disponible y deseoso de abordar su segundo proyecto como productor, y se sintiera atraído por la ambición y las altas miras de una desconocida banda psicodélica que pretendía entregar una ópera rock en la que las canciones siguieran una narrativa conceptual.

El resultado fue el disco S.F. Sorrow, una obra maestra en la que The Pretty Things volcaron toda su creatividad y en la que, de paso, aprovecharon todas las ventajas técnicas y de sonido que Abbey Road destinaba normalmente a las complejas grabaciones de los de Liverpool.

La canción S.F Sorrow was born abría la cara A del disco, marcando desde el principio la pauta sonora de un disco ecléctico y plagado de sonidos de mellotron, trompetas y sonidos orientales. De acuerdo con el orden narrativo y cronológico que querían darle a la historia, era además la encargada de mostrar al mundo el nacimiento del personaje central de esta psicodélica ópera rock: "Durante diez semanas, el número tres de la calle estuvo vacío. Nadie pensó que habría risas familiares detrás de las ventanas. O un árbol de Navidad. Después, una pareja llegó del norte... No mucho tiempo después, en la calle sonó un grito. Del número tres vino un grito. S. F. Sorrow había nacido..."

0506.- Voodoo Chile - Jimi Hendrix

 

Voodoo Chile, Jimi Hendrix 

El 25 de octubre de 1968 se publica el tercer y último álbum de The Jimi Hendrix Experience, titulado Electric Ladyland. Sería el último trabajo donde Jimi hendrix colaboraría con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Concebido como álbum doble, es grabado entre los Olympic Studios de Londres y los Record Plant de Nueva York entre julio y diciembre de 1967, enero de 1968, y abril y agosto de 1968, bajo la producción del mismo Jimi hendrix, y publicado el 25 de octubre de 1968 por el sello discográfico Reprise Records y para Europa por Polydor Records.

La grabación del álbum no estuvo exenta de problemas. Después de una complicada gira por Escandinavia e Inglaterra, Hendrix decidió regresar a Estados Unidos. Frustrado por las limitaciones de las grabciones comerciales, decidió crear un moderno estudio de grabación en Nueva York en el que no tuviera ninguna limitación a la hora de expandir su particular visión musical. La construcción de este estudio, llamado Electric Lady, tuvo numerosos problemas y no fue terminado hasta mediados de 1970, por lo que Hendrix acabó grabando gran parte de Electric Ladyland en The Record Plant estudios. Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se habían vuelto erráticos, a los que se sumaban unas sesiones interminables y que los estudios solían estar llenos de gente sin nada que hacer más que adular al genial guitarrista. Todo esto hace que Chas Chandler renuncie como mánager de Jimi Hendrix en mayo de 1968.

Incluido en este álbum se encuentra el mítico Voodoo Chile, considerada como una jam de estudio, escrita por Jimi Hendrix, y cuya duración, con casi 15 minutos, hace que sea la más larga grabada en estudio por el guitarrista. La canción está basada en el tema de blues Rollin' Stone de Muddy Waters, pero con letra y música originales. El tema se grabó en los Record Plant estudios de Nueva York, después de una jam sesión nocturna en la que participaron además de Hendrix, Mitch Mitchell a la batería, Steve Winwood al órgano y Jack Casady al bajo. 

Voodoo Chile puede parecer una simple jam improvisada, nada más lejos de la realidad, y sobre esto Jack Casady comentaba: "No era tan simple, había una estructura completa en la canción, por lo que era una canción extendida en la que podías improvisar. Tomamos instrucciones a través del lenguaje de la interpretación. Jimi pudo experimentar con su habilidad y con efectos para crear una atmósfera. Voodoo Chile tiene un sonido espeluznante que te coloca en un mundo diferente". Voodoo Chile se convirtió en la base de Voodoo Child (Slight Return), tema de unos 3 minutos de duración que fue grabado por el trío The Jimi Hendrix Experience, el cual también aparece en Electric Ladyland, y que a la postre se convertiría en una de las canciones más conocidas de Hendrix.

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

La Jimi Hendrix comenzó a grabar su versión de "All Along the Watchtower" de Dylan el 21 de enero de 1968 en los estudios Olympic de Londres. 

Según el ingeniero Andy Johns, el publicista Michael Goldstein, que trabajaba para el representante de Dylan, Albert Grossman, le había dado a Jimi Hendrix una cinta con la grabación de Dylan. "(Hendrix) llegó con estas cintas de Dylan y todos las escuchamos por primera vez en el estudio", recordó Johns. Stubbs escribe que ésta fue la segunda canción de Dylan que Hendrix adaptó a su propio estilo, la primera fue "Like a Rolling Stone", tocada antes en Monterey. Una tercera canción que Hendrix adaptó de Dylan es identificada por Zak como "Can You Please Crawl Out Your Window".

Grabada por numerosos artistas de diversos géneros, "All Along the Watchtower" se identifica fuertemente con la interpretación que Jimi Hendrix que grabó para el álbum Electric Ladyland con la Jimi Hendrix, la versión de Hendrix, lanzada seis meses después de la grabación original de Dylan, se convirtió en un sencillo del Top 20 en 1968, recibió un premio del Salón de la Fama de los Grammy en 2001 y fue clasificada en el puesto 48 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2004, y en el puesto 40 en la versión de 2021 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. 

Daniel 

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El disco de la semana 276: Dummy - Portishead

 

Imagínate tu salón convertido en un bar, un salón con una sensual cantante de jazz en un escenario, tenuemente iluminado, con humo de cigarrillo llenando el aire formando una nube brumosa, estamos en los años 50 y seguramente llueve fuera, tus pupilas ven en blanco y negro, andas inclinado sobre tu bebida, porque algo terrible acaba de suceder, nadie sabe porque pero estás triste…. de repente suenan las primeras notas de este álbum, (¿musica electrónica en los años 50? Estas pirado narrador) y te das cuenta que la banda sonora de la desesperación.

Portishead está compuesto por 3 personas: la cantante Beth Gibbons, el programador/sampler/mezclador Geoff Barrow y el guitarrista/bajista Adrian Utley, juntos han creado una oda a la soledad, sombría, deprimente, desesperanzadora, pero eso no impide que sea absolutamente hermoso en todos los aspectos posibles. Este álbum, de 1994, popularizó un género que se conoció como “trip hop”que se caracteriza por ritmos, samples y paisajes sonoros de hip-hop downtempo, no es fácil de explicar, pero Portishead fue pionero, junto con el grupo Massive Attack, cuyos álbumes estelares Blue Lines y Protection utilizan el mismo estilo. Lo que Air hizo por el ambiente modernista de penthouse de los años 60, Portishead lo hizo por el ambiente noir de principios de los 60, ambos grupos actualizando esas sensaciones para los habitantes de los 90, mientras exploraban algunos de los colores de tono posibles dentro del género de la música electrónica. La voz de Beth es una parte sobresaliente del álbum, es enfermizamente dulce a veces, y a menudo te da la impresión de que está de luto, suplica y se lamenta, nunca es agresiva, siempre suave y gentil, algo nuevo surge en cada escucha, pero está claro cómo todo se une para crear hermosos paisajes sonoros arremolinados.

 

Arranca con "Mysterons", se titula apropiadamente porque 'misterioso' es la mejor manera de describir este disco. El tempo lento, las texturas suaves y, en particular, las ondas martenot, parecidas a alienígenas, formaron una atmósfera de otro mundo, Gibbons se presenta como una criatura emocionalmente fracturada tanto en la letra como en su voz directa, en contraste con la percusión de estilo militar, mientras el sintetizador chirriante, agrega una verdadera sensación de espeluznante. "Sour times", es un cambio de ritmo, agregando guitarras tintineantes y pasajes de guitarra al estilo bond, esta canción sobre el desamor, un sentimiento más siniestro que esperarías de una canción de ese tema, con unos estribillos muy desconcertantes, con una percusión traqueteante y gobernando el sample de bajo y guitarra vibrante de Lalo Schifrin. No es una combinación que pensarías que encontrarías en una canción de amor y una canción de asesinato al mismo tiempo, pero ahí lo tienes. Cuando Beth canta ese coro, es como el canto de una mantis religiosa que pronto te devorará la cabeza durante la cópula. ¿Estará triste por eso o es porque siempre está triste?. No es que eso importe en absoluto cuando tu tráquea se ahogue con tu lengua cortada. "Strangers" es la primera canción excelsa, el descenso de ese pungi en los primeros cinco segundos, que en realidad es una muestra de Weather Report, siempre me hace pensar en un extraño pájaro animado mientras se muestra su vida moviéndose de un vuelo feliz a una prisión de zoológico, su rostro y ojos entrecerrándose en una mirada demoníaca como se llenan de furia roja y vengativa, recortando los tambores justo antes de que azote tu garganta, y luego el ritmo real simplemente te engulle por completo, con ese zumbido antiséptico que impulsa la mayor parte de la canción, incluso esas inquietantes partes suaves de guitarra y voz que suenan como si estuvieran siendo grabadas al otro lado de un almacén. 

"It could be sweet" puede ser un cambio de estilo inesperado, no te esperas este cambio de estilo y eso hace mella, pero buen, siempre es maravilloso escuchar esa hermosa y suave voz, acompñada de pasajes de teclado tiernos y cálidos y una batería minimalista. Ella es la estrella, ella hace suya la canción y te puedes recrear en algo mas clásico de lo esperado, un poquito de calma no viene mal. "Wandering star", es probablemente la canción más triste hasta el momento, aunque es triste, lo es de la manera más hermosa posible y no puedo pensar en ninguna canción con una mejor línea de apertura que "Por favor, ¿podrías quedarte un rato para compartir mi dolor?..." El zumbido del bajo, un tono digital plano y muerto, se siente como una pieza de maquinaria que te ha estado manteniendo con vida... en el momento en que te das cuenta de que nunca volverá a funcionar. "It's a Fire" no estaba en la lista de canciones de la versión europea, no es que sea mala ni nada por el estilo, incluso aquí puede brillar mucho mas el sol, pero es demasiado sol para la mitad de este álbum, entiendo que pudieran pensar que necesitaríamos un respiro.

 

"Numb" es una exhibición vocal de Beth, donde presenta una interpretación vocal suave y espeluznante, mezclada con partes de órgano más siniestras y percusión más dura, la canción habla de sentirse perdido dentro de uno mismo, o sentirse distante y frío de todos los que te rodean. Las letra ayuda a crear un estado de ánimo muy triste y malhumorado junto con los ritmos lentos y la voz suave y casi desesperanzada de Beth. "Roads" es una canción tan desgarradora que no puedo ni ponerlo en palabras, una obra maestra absoluta, que debes escucharla incluso si el disco no te estaba gustando, un tono de sintetizador brumoso, una neblina que alcanza su punto máximo en la mezcla para que te sientas verdaderamente rodeado, envuelto en un desánimo que se tambalea suavemente. 'No tengo a nadie de mi lado, y seguro que eso no está bien... seguro que eso no está bien...' Pfuuuu esto nos rompe a cualquiera. "Pedestal" nos trae de vuelta la misma sensación de " Strangers ", no con tanta percusión dura, sino más encaminado al jazz, tambores atenuados en puntos mezclados con voces tratadas que le dan a la voz de Beth un sonido más como un cantante de los años 60 tocando en un viejo disco de vinilo polvoriento. Los primeros 30 segundos de "Biscuit" también son bastante evocadores, esa línea de bocina descolorida ... se corta hacia abajo como la banda de cuerdas, y la muestra distorsionada de Johnnie Ray cantando 'I'll never fall in love...again' es francamente perversa, casi como si se estuviera burlando y derritiendo el concepto del amor. A diferencia de las distorsiones vocales similares que muchas canciones hip-hop pop han utilizado en los últimos 10 años, esta todavía se siente como una voz real, y mientras se derrumba con un último gemido patético. La canción de cierre, "Glory box", es sin duda la canción más conocida de Portishead, y realmente le da a este álbum el cierre que se merece, con cuerdas dulces, con un gran trabajo de guitarra y unas grandes letras.

 Este álbum es un álbum que te sabrás de memorias si eres un ávido entusiasta de este estilo de música, si no lo eres, es un disco que debes escuchar para entender todo lo que te pueden ofrecer.

0504 - In the Heat of the Morning - David Bowie

0504 - In the Heat of the Morning - David Bowie 

In the Heat of the Morning es una canción escrita por el músico británico David Bowie, está canción fue grabada por primera vez en el año 1968, ​pero una de las versiones que se grabó en 2008, tuvo una gran popularidad en 2008, esta versión interpretada por la banda británica the Last Shadow Puppets.

La primera versión de estudio fue grabada en los estudios Decca, en la ciudad de Londres el 12 de marzo de 1968, junto con Tony Visconti como productor. Fue completada con los overdubs grabados el 29 de marzo y el 10 y 18 de abril.

Los estudios Decca ya había rechazado a When I Live My Dream como un lanzamiento de sencillo, y tampoco aceptaron a In the Heat of the Morning.

The Last Shadow Puppets grabó su versión en los estudios RAK en agosto de 2007. La versión de the Last Shadow Puppets fue publicada como lado B del lanzamiento de sencillo de The Age of the Understatement.

Esta canción fue versionada en otras ocasiones, una de esas versiones, es una versión más lenta de la canción grabada en el mes de julio de 2000 para el álbum Toy de David Bowie. 

Como así también una versión demo grabada en su casa a mediados de 1968 fue publicado en la caja recopilatoria de 2019, Spying Through a Keyhole, y más tarde en Conversation Piece.

Daniel 

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Led Zeppelin - Presence - (Mes Led Zeppelin)

 

Presence, Led Zeppelin

     El año 1975 fue un año muy importante para Led Zeppelin, pues con la publicación de Physical Graffiti, pues este trabajo está considerado como uno de los mejores de la banda, y además le sirve para afianzarse y coronarse como una de las mejores bandas de rock de la historia. Sin embargo cuando todo iba sobre ruedas, el grave accidente automovilístico sufrido por Robert Plant en la isla griega de Rodas corta en seco la acelerada dinámica de trabajo del grupo. Desde el accidente el grupo se mantiene en segundo plano hasta la difícil y larga recuperación de Plant, la cual se produce a finales de 1976.

El siguiente álbum de estudio de la banda, Presence, es concebido tras las lesiones sufridas por Plant en el citado accidente automovilístico. Un accidente que obligó a posponer la gira mundial que el grupo tenía planeada para 1975 y 1976. Durante ese periodo de convalecencia Plant lo pasó en Malibú (California), y el cantante y Jimmy Page escribieron material de sobra para poder empezar a trabajar en el siguiente álbum de estudio de la banda, empezado a trabajar con dicho material en el Hollywood's SIR Studio de Los Ángeles, California.

Dicho disco es grabado en los Musicland Studios de Múnich, Alemania durante tres semanas, concretamente entre noviembre y diciembre de 1975, con Plant en una silla de ruedas debido a su convalecencia. Tanto Plant como Page habían planeado que Presence supusiera la vuelta a la simplicidad y la espontaneidad tras los complejos discos anteriores. Es el único disco de la banda que no incluye pistas acusticas ni teclados, a excepción de Candy Store Rock, que contiene una sutil pista audible de guitarra acústica en el canal izqierdo. El disco es producido por Jimmy Page y Peter Grant y publicado el 31 de marzo de 1976 por bajo el sello discográfico Swan song Records, el cual había sido creado por Led Zeppelin en 1974 con la finalidad de poder trabajar sin la presión que ejercían los potentes sellos discográficos. 

La potada y el libreto del álbum son dignos de análisis, pues fueron creados por Hipgnosis, que era un colectivo de diseño gráfico creado en Inglaterra en 1968, y que habían trabajado para otras bandas como Pink Floyd, Genesis o Black Sabbath entre otros. En portada y libreto se muestran imágenes de personas interactuando con una especiede obelisco negro. Dentro del libreto, al artefacto se le conoce simplemene como "El Objeto". El título del álbum, Presence, se encuentra en la carátula frontal del álbum y en relieve, al  igual que el logo de la discográfica del grupo, "Swan song", y se encuentra en la carátula trasera del disco. El llamado "El Objeto" representa la fuerza y la presencia del grupo y sus miembros, John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page y Robert Plant, y como elllos y su música era tan poderosa que no necesitaban estar en la portada. Con ello pretendían hacer reflexionar a la audiencia del significado real de la música. Para el fondo de la portada se elegió un puerto totalmente artifical instalado en el Centro de Exhibiciones Earls Court de Londres, Reino Unido. En el interior del disco hay imágenes, también diseñadas por Hipgnosis, que fueron creadas para parecer algo que aparecía en la revista National Geographic, donde aprecen varios escenarios, y donde siempre está presente "El Objeto". La contraportada muestra otra escena, concretamente una clase donde se encuentran una maestra y aparentemente dos de sus alumnos y donde no pude faltar otra vez la presencia de "El Objeto" que se ecuentra en forma de un dibujo en la pared. La niña alumna aparece también en la portada de House Of The Holy.

Abre la cara A el tema más largo del álbum, Achilles Last stand, con una duración de poco más de 10 minutos y acreditada a Page y Plant. La temática de la canción trata del héroe mitológico Aquiles. Plant tenía un gran interés por la mitología griega. Según cuenta el mito, Aquiles fue sumergido en el río Styx para hacerlo inmortal. Su madre lo sujetó del talón dejando esa parte sin sumergir y por lo tanto vulnerable. París lo mató en la Guerra de Troya al clavarle una flecha en dicho talón. Plant escribió la letra en uno de sus viajes por Marruecos, Grecia y España, y se inspiró también en la poesía de William Blake, autor que estaba leyendo en aquel momento. La música se inspiró en las tradiciones flamenca y marroquí. For Your Life, es unaa canción que se hace notable al tener varios riffs que se siguen unos a otros y se superponen. En este tem Jimmy Page tocó una Fender Stratocaster de 1962 que le había regalado Gene Parsons. Las letras fueron escritas por Plant y expresan su descontento con la vida desenfrenada que rodeaba el mundo del rock. También hacían referencia, como afirmara más adelante, a un amigo suyo que tuvo problemas con las drogas. Royal Orleans es el tema que cierra la cara A, el único tema del álbum escrito por los cuatro miembros del grupo. La canción se basa en un hotel de que había en la ciudad de Nueva Orleans y donde le gustaba mucho pasar el tiempo al grupo, y trata sobre un tipo que recoge a una drag queen, pasa la noche con ella, y descubre a la mañana siguiente que esta persona es un hombre. Los cuatro miembros del grupo solían frecuentar los bares de ambiente gay en Nueva Orleans ya que les resultaban mucho más divertidos y nadie les solía molestar para pedirles autógrafos. 

La cara B comienza con Nobody's Fault But Mine, escrita por Page y Plant y basada en una pieza tradicional de blues que fue grabada por primera vez por Blind Willie Johnson en la década de los años 20. En la versión del grupo le fueron agregados  unos versos adicionales escritos por Plant. Sobre el significado de la canción hay varias teorías, una sostenía que trataba sobre la floreciente adicción a la heroína de Page, otra decía que era comparable a la canción "Hellbound On My trail" de Robert Johnson, en el sentido de que Plant lamentaba un supuesto trato de Led Zeppelin con el diablo, y había una tercera vertiente que sostenía que Plant en esta canción se disculpaba por la canción "In My Time Of Dying", de la cual dijo después de su accidente que nunca volvería a cantar jamás. Candy Store Rock, canción que tiene y combina de forma brillante hard rock, funk y rock and roll. La canción se inspiró en el rock de principios de los años 50 y Plant reunió en las letras partes de canciones de Elvis presley. La banda escribió este tema en apenas una hora en un estudio de Alemania, el motivo, la presión que tenían para terminar el álbum Presence, ya que los Rolling Stones necesitaban grabar en dicho estudio. Hots On For Nowhere salió como una versión alternativa de la canción Custard Pie, incluido en Physical Graffiti (1975). En el tema vuelve a tener inspiración en el funk. Robert plant escribió la letra en Malibú mientras se recuperaba del accidente automovilístico, y la banda escribió el resto en los citados Musicland Studios de Munich y ante la premura por acabar el disco rápidamente para liberar el estudio para que pudiera ser usado por los Rolling Stones. En la letra Plant, aparte de reflejar su situación por el accidente, también se hacía eco de su frustración con Jimmy Page y su mánager Peter Grant, de quienes Plant estaba convencido de que no eran sensibles con su estado en ese momento. Cierra la cara B y por tanto el álbum Tea for One, tema que tiene una duración de algo más de 9 minutos, siendo la segunda más larga del disco. La canción fue compuesta en la línea de "Since I'Ve Been Loving You ", del álbum Led Zeppelin III (1970), canción que era una de las favoritas del grupo para tocarla en los conciertos. Robert Plant escribió la canción mientras se encontraba en un hotel de Nueva York el sólo tomándose un té. Contiene una letra muy reflexiva este blues lento, y en él Plant mostraba la soledad que sentía al estar constantemente en la carretera con motivo de los viajes y las giras. Una de las razones de la banda por las que estaban mucho tiempo fuera de Inglaterra con tanta frecuencia para hacer giras y grabar era la de evitar pagar impuestos allí.

0503.- Village Green - The Kinks

 

En muchos sentidos, The Kinks son un anacronismo, a menudo iban contra la corriente musicalmente, las letras de Ray Davies siempre prestaron atención el estilo de vida británico, pero de una manera casi como la de una niñera, era pintoresco, pero tenía un buen ojo para los detalles, a menudo fantasioso, pero siempre elocuente y rara vez predecible. Combinado con el llamativo estilo de guitarra de su hermano Dave (¿el guitarrista 'punk' original?), The Kinks tenían un sonido único e inconfundible. El álbum The Kinks Are Village Green Preservation Society se presenta como una especie de breves ensoñaciones, cada una de las cuales proporciona los detalles suficientes para transmitir un sentimiento particular, el álbum se abre como un libro emergente de recuerdos del pasado, presente y futuro en un orden desordenado. Hay fantasías infantiles e historias de terror ("Phenomenal Cat" y "Wicked Annabella"), recuerdos de la juventud (Do You Remember Walter?), visiiones sobre el paso de la contemplaciones abstractas sobre la transición de la vida (Last of the Steam Powered Trains) y objetivos ("Big Sky"), todo incluido en una sensación cinematográfica para mejorar cada sensacion.

 

Nos vamos a detener en Village Green, una buena canción en términos de nostalgia, el comienzo es muy pintoresco que recuerda a los palacios antiguos y su aspecto clásico, un aspecto que contrasta teniendo en cuenta el concepto del álbum. Se nota un muy buen dominio de los instrumentos, ya que realmente exhiben un buen sonido de épocas pasadas y ambientes clásicos, la melodía melódica está muy conseguida porque ajustan el tono de voz, dando a la canción su musicalidad y atractivo especial, además en la parte del coro la percusión está perfectamente coordinada para darle un tempo un poco más rápido, brindando un ritmo lo suficientemente interesante como para darle un atractivo musical realmente relevantes. Es la pista orquestal más exuberante presente, con clavicémbalos, trompetas y un oboe que desentrañan la pintoresca belleza de la humilde campiña, Davies narra desde la perspectiva de la desilusión rota después de que la llamada de la gran ciudad resulta insatisfactoria, enfocándose en los elementos que extraña tras su paso por la ciudad: el rocío de la mañana, el aire fresco, una iglesia, un viejo roble. Luego revela su relación con Daisy, la amó y la abandono. Las cosas se ponen crudas cuando se burla de los turistas que se maravillan ante la misma singularidad que recuerda con tanto cariño antes de afirmar con indiferencia que Daisy se casó con un tendero local. Aunque la canción termina con la imagen de que, a su regreso, él y Daisy "tomarán té, se reirán y hablarán sobre el parque del pueblo", la forma melancólica en que se interpreta y canta la canción te da la pista que solo se quedara en eso y que todo lo que ha tenido lo ha perdido por completo.

0502.- Azzurro - Adriano Celentano

La versión de Azzurro ("Azul") de Adriano Celentano es, sin duda, la más famosa y reconocida de todas las que han abordado esta composición de Paolo Conte y Vito Pallavicini. Ambos compositores la escribieron especialmente para el registro de voz y las características de Celentano, por lo que la pieza encajó desde el principio y a la perfección con el genial intérprete italiano.

La música combina el corte clásico y crooner con toques de marcha militar y de himno, y las referencias al color azul lo han convertido en uno de los santos y seña de la hinchada italiana. La letra de la canción describe la melancolía y la soledad del que pasa el verano en la ciudad, cuando todo el mundo está de vacaciones y la urbe queda huérfana de su algarabía y tráfico característicos: Busco el verano todo el año y de repente aquí está. "Ella se fue a las playas y estoy solo en la ciudad, Oigo silbar sobre el techo un avión que se va. Azul, la tarde es demasiado azul y larga para mí. Me doy cuenta de no tener más recursos sin ti..." 

Curiosamente, descubrí esta canción en la situación opuesta, en mitad del insufrible tráfico de la M-30, escuchando en la radio del coche el programa Flor de Pasión de Juan De Pablos en Radio 3 en el camino de regreso a casa desde el trabajo. Siempre volvía con un compañero al que dejaba de camino en su casa, y aunque los dos éramos de gustos más eléctricos, nos enganchó sobremanera aquel programa de viejos temas de rock and roll de los cincuenta y sesenta, y en el como sintonía sonaba siempre Azzurro de Adriano Celentano. Tras un duro día de trabajo, la llegada de esa canción era el anuncio de estar llegando a casa, tras una tarde demasiado azul y larga.

0501.- A Song For Jeffrey - Jethro Tull

 

A Song For Jeffrey, Jethro Tull

     This Was es el álbum de estudio debut de la banda británica liderada por Ian Anderson, Jethro Tull. El material de disco es grabado entre el 13 de junio y el 28 de julio de 1968 bajo la producción de Terry Ellis y el propio grupo, y publicado bajo el sello discográfico Island Records en Reino Unido el 4 de octubre de 1968, y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos el 3 de febrero de 1969.

Este disco cuesta grabarlo a la banda unas 1200 libras esterlinas, y es el único disco donde aparece el guitarrista Mick Abrahams, quien resultó ser una influencia para el sonido y el estilo de la banda. Ian Anderson comparte tareas de composición con el citado guitarrista, y se incorporan sonidos e influencias de rhythm and blues, jazz fusión y blues rock. El rock progresivo por el que la banda se hizo conocida aparecerá más adelante en trabajos posteriores. 

Incluido en este álbum debut se encuentra el tema A Song For jeffrey, compuesta por Ian Anderson y publicada como segundo sencillo del disco en Reino Unido el 13 de septiembre de 1968. El tema comienza con un riif de bajo de Glenn Cornick seguido de la flauta de Ian Anderson, luego el tema se convierte en una melodía de blues psicodélico, con el guitarrista Mick Abrahams tocando la guitarra slide. 

Ian Anderson dedicó esta canción a Jeffrey Hammond, a quien conoció en la escuela primaria en Blackpool, donde se hicieron buenos amigos. Jeffrey fue la inspiración para dos de las primeras canciones de Jetrho Tull además de A song For Jeffrey, también Jeffrey Goes to Leicester Square (álbum Stand Up - 1969) y For Michael Collins, Jeffrey and Me (álbum Benefit - 1970). Jeffrey Hammond se convertiría más tarde en el bajista del grupo, en sustitución de Glenn Cornick, entre 1970 y 1975. Curiosamente Jeffrey no sabía tocar el bajo y Anderson tuvo que enseñarle. 

Ian Anderson explicó la historia de la canción: "No tiene una letra inteligente, pero en realidad se trata de Jeffrey, un muchacho un poco descarriado que no estaba muy seguro de que hacer con su vida. Sabía que le enca6ntaba la pintura, pero a veces parecía sin dirección y bastante solo. Así que pensé, bueno, escribiré una canción con su nombre". En 1975 Jeffrey Hammond dejó la banda y decidió dedicarse a la pintura, y sobre A Song For Jeffrey afirmaba: "Siempre pensé que la canción estaba pensada como un regalo o un dedicatoria encantadores, más como algo que tuviera que ver conmigo líricamente".

0500.- Hey Jude - The Beatles

¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude! ¿Quién no ha tarareado alguna vez el épico final de este histórico tema de The Beatles? El que fuera primer sencillo de la banda en su sello discográfico Apple Records nació inicialmente con el título de "Hey Jules", escrito por Paul McCartney para que Julian Lennon se sintiera mejor tras el divorcio de sus padres. Posteriormente, McCartney le cambió el nombre por el de Hey Jude, simplemente porque le sonaba mejor. Julian no descubrió que aquel tema, que ostentaba el record de ser el que más tiempo había logrado mantener la banda de su padre en el nº1 de las listas estadounidenses (9 semanas), estaba realmente dedicado a él, hasta casi veinte años después de su publicación. El propio Lennon pensó que su compañero la había escrito para él, y que "Jude" era en realidad "John", e incluso se especuló con la posibilidad de que "Jude" fuera en realidad el propio McCartney, dándose ánimos a sí mismo tras su propia ruptura con la actriz Jane Asher.

De los más de siete minutos de duración de este tema, que la convirtieron en su momento en la canción más larga de la historia en el top 10 de las listas británicas, cuatro minutos corresponden a la famosa coda final. Tras el tramo inicial en el que predominan la voz de McCartney y su piano, es en la coda final en la que todo explota, con la ayuda del resto de la banda y de una orquesta de 36 miembros, incluyendo un coro, dirigidos todos ellos por George Martin. Como ensayos previos a la inclusión de la orquesta, entre el 29 y 30 de julio de 1968 se grabaron hasta veinticinco tomas de la canción en los estudios de EMI, pero no fue hasta el 31 de julio de 1968 cuando, en los estudios Trident y con un equipo de ocho pistas (por las cuatro que tenían en EMI), que The Beatles grabaron la pista final. La canción se completó el 1 de agosto, con la inclusión de las partes orquestales y los coros, para los que The Beatles animaron a los miembros de la orquesta a participar. La idea les salió cara, porque solo uno de ellos se negó (enérgicamente) y los demás aceptaron a cambio del doble del salario pactado.

Esa no fue la única anécdota durante la accidentada grabación de la canción. Si prestamos atención, poco antes del tercer minuto se puede escuchar a McCartney decir "¡Maldita sea!" tras equivocarse con una tecla del piano. Lennon insistió en dejarlo, aunque enterrado en el sonido de la mezcla, porque "la mayor parte de la gente no se dará cuenta, pero nosotros sabremos que está ahí". También durante la grabación de la pista final, Ringo Starr estuvo a punto de no llegar a tiempo al momento en el que entraba la batería. Ringo se había ido al baño, y el resto de los Beatles no repararon en su ausencia y comenzaron la grabación. McCartney sintió como Ringo pasaba a su espalda, a toda prisa y de puntillas de camino a su instrumento, justo a tiempo de llegar y comenzar a tocar en el momento exacto.

El sencillo de Hey Jude, con la canción Revolution en la cara B, llegó al primer puesto de las listas inglesas solo una semana después de su publicación. En Estados Unidos hubo emisoras de radio que rechazaron la canción por su excesiva duración, por lo que se llegó a publicar una versión más corta. Entre una y otra versión, las ventas superaron los ocho millones de copias en todo el mundo, así que fuera quién fuera Jude, vino con un pan debajo del brazo. Más esquivos le fueron los premios en su primer año de andadura, ya que pese a estar nominada a varios premios Grammy en 1969, no terminó ganando ninguno. En 2004, la revista Rolling Stone la posicionó en el octavo lugar de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Después de tantos años y del enorme reconocimiento que sigue teniendo, parece que Jude siguió a rajatabla el consejo de la letra, y cogió esa canción triste, y la hizo mejor. Y la moraleja de este cuento es... Que no hay moraleja. Quién la necesita, si se puede terminar cantando a voz en grito, con una gran sonrisa y los ojos cerrados: ¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude!

Led Zeppelin - Houses of the Holy (Mes Led Zeppelin)

El quinto álbum de Led Zeppelin fue toda una ruptura con la trayectoria seguida en los discos anteriores, empezando por el título, que por primera vez no es homónimo. Tras Led Zeppelin I, II, III y esa obra maestra que todo el mundo bautizó como Led Zeppelin IV, Houses of the Holy tenía la difícil papeleta del ¿Y ahora qué? El reto era tan grande como la Calzada del Gigante que aparece en la portada del disco, diseñada por los genios de Hipgnosis, habituales diseñadores de las portadas de Pink Floyd, y el "ahora" de Led Zeppelin en 1973 consistió en un alejamiento consciente de las estructuras de blues, para abrirse a estilos tan variopintos como el reggae o el funk.

Pero tranquilos, que no estamos hablando de un cambio radical, sino de un enriquecimiento de su paleta de sonidos, y de una experimentación aplicada con tino y en su justa medida, sin perder en ningún momento su esencia como banda de rock. Como ya era habitual en los discos anteriores, todos los instrumentos y voces fueron grabados por los cuatro miembros del grupo. Y quizá es eso lo que más destaca en The Song Remains The Same, la manera tan engrasada de sonar como banda, en un arranque que mantiene sus credenciales rockeras y su potente base rítmica, con la batería de John Bonham y el bajo de John Paul Jones al servicio de los intensos riffs y la distorsión de la guitarra de Jimmy Page, y de la intensa voz de Robert Plant

The Rain Song tiene un marcado sabor acústico en las guitarras y en el piano interpretado por John Paul Jones. Estamos ante un tema más suave y melódico, aderezado por unos intensos arreglos de cuerda. Es un buen preámbulo para Over the hills and far away, uno de los temas estrella del disco. Comienza con la guitarra acústica de Page dándole un tono folkie, para mutar después y adentrarse en terrenos eléctricos, con uno de los riffs más característicos de la banda. Hasta aquí, el disco transita una línea cercana a lo que podíamos encontrar en los discos anteriores, pero con The Crunge rompen literalmente el molde, y la voz de Plant se mueve y serpentea sobre una base cercana al soul funk de James Brown. Ya sea como parodia, o como un intento real de abordar ese estilo, el resultado es una auténtica rareza en la discografía de la banda.

El pegadizo riff de Dancing Days nos devuelve en parte a la senda de la normalidad, y sin embargo no mejora al anterior tema. Jimmy Page vuelve a enchufar su guitarra y a llevarnos de regreso al rock. No es una de las canciones de Led Zeppelin que me llevaría a una isla desierta, o mejor dicho, a las fría costa de la Calzada del Gigante en Irlanda del Norte, pero cumple su labor "analgésica" entre las dos grandes experimentaciones del disco. El "¿Y ahora qué?" se convirtió para muchos en "Qué es esto?" en D'yer Maker, en la que el reggae se cuela en una pieza de rock. Pese al rechazo y la incomprensión inicial, es justo reconocer el gran trabajo de John Bonham en la batería, y el valor de la banda para arriesgarse y buscar nuevos horizontes en su música.

Cualquier debate al respecto queda apagado enseguida, con las primeras notas de piano de No Quarter, la auténtica joya de un álbum que brilla en conjunto a gran altura. Da igual si, hasta llegar a este punto del disco, has sido defensor del cambio o detractor del mismo, cuando suena el riff de Page y la voz distorsionada de Plant, sabes que la magia ha vuelto. No se había ido realmente, pero cuando aparece en esta forma es cuando más se les disfruta. Es tan épica y tan sinfónica que, para que negarlo, ésta sí que me la llevaría a la Calzada del Gigante, a pasear entre las majestuosas piedras inmortalizadas en la portada del disco. Y aún me quedaría un rato absorto ante semejante obra maestra de la naturaleza, escuchando como The Ocean pone el acertado y rockero punto final a otra gran obra, creada también por las manos de unos gigantes, a los que todos conocemos como Led Zeppelin.

0499.- Kentucky Woman - Deep Purple

 

Kentucky Woman, Deep Purple

     En diciembre de 1968, bajo el sello Tetragrammaton Records en estados Unidos,  en julio de 1969, bajo el sello Harvest/EMI en Reino Unido, y bajo el sello Polydor en Canadá y japón, el grupo publica su segundo álbum de estudio, The Book of Taliesyn. El disco es grabado en los De Lane Studios de Londres, entre los meses de agosto y octubre de 1968. El grupo no había asimilado ni asentado todavía su primer trabajo, cuando la compañía les presiona para sacar otro disco de estudio. El sonido, sin dejar el rock progresivo ni el psicodélico, se acercan en algunos temas a la música clásica y al hard rock, acercándose al mítico sonido que desarrollará más tarde la formación Mark II, que será la encargada de marcar su época dorada.

En este segundo álbum de estudio de la banda se incluyeron tres versiones, Kentucky Woman de Neil Diamond, Exposition/We Cant Work It Out, de los Beatles, y River Deep, Mountain High, popularizado por Ike & Tina Turner dos años atrás. El tema más exitoso del disco fue el single Kentucky Woman, tema en el que nos vamos a centrar. Esta canción fue escrita por Neil Diamond y grabada por él mismo en 1967. Deep Purple decidió incluir esta canción como parte de su política de darle su propio toque a canciones populares y exitosas, y a fé que lo consiguieron. Hay una parte de los entendidos en la materia que califican Kentucky Woman como la primera canción de heavy metal, un punto discutible, sobre todo si tenemos en cuenta que el propio grupo negó que esto fuera así. Neil Diamod escribió esta canción y la dio un toque country, nada que ver con el toque personal que Deep Puple le daría a la canción. Neil Diamond la escribió mientras se encontraba como parte de la gira organizada por la personalidad de radio y televisión y productor Dick Clark Caravan, y que recorría 32 ciudades de Estados Unidos. Según Diamond, el público que solían atraer en aquella gira era prácticamente chicas adolescentes de la escuela secundaria, por lo que generalmente los auditorios se llenaban de mujeres gritando noche tras noche. La canción fue escrita en la parte de atrás de una limusina cuando estaban llegando a a las afueras de la localidad de Paducah, Kentucky, de ahí el título. El sencillo de Kentucky Woman grabado por Deep Purple obtuvo el puesto número 38 en las listas de ventas de Estados Unidos. La popularidad de Deep Purple iba paulatinamente in crescendo en Estados Unidos y Canadá, pero curiosamente en casa, Reino Unido, siguen sin ser reconocidos y tanto The Book of Taliesyn como Kentucky Woman pasan de puntillas, casi inadvertidos.

0498 Feeling Alright? - Traffic

0498 Feeling Alright? - Traffic

Feelin' Alright?, también conocida como Feeling Alright, es una canción escrita por Dave Mason del grupo de rock inglés Traffic para su álbum homónimo de 1968, Traffic.

También fue lanzada como single, y no llegó a las listas de éxitos ni en el Reino Unido ni en EE.UU., pero sí alcanzó la posición #123 en el Billboard Hot 100. 

Joe Cocker interpretó la versión más popular de la canción que sí llegó a las listas de éxitos en EE.UU. Tanto la versión de Traffic como la de Cocker aparecen en la película de 2012 Flight. La canción también apareció en la película de 2000 Duets, cantada por Huey Lewis.

La versión de Joe Cocker la grabó para encabezar su álbum de su debut With a Little Help from My Friends en 1969. También modificó el hizo un cambio en el título original de la canción de llamarse "Feelin' Alright?" paso a ser  "Feeling Alright". Publicada como sencillo en 1969, alcanzó el número 69 en la lista de singles de EE.UU., y el número 49 en Canadá. 

En una reedición de 1972, alcanzó un puesto aún más alto, el número 33 en la misma lista, y el número 35 en Canadá. Se incluyó una versión en directo en su álbum doble Mad Dogs & Englishmen de 1970. Cocker interpretó un 'dúo' de esta canción con John Belushi imitando a Cocker en el tercer episodio de la segunda temporada de Saturday Night Live, que se emitió el 2 de octubre de 1976. Cocker también interpretó la canción con Huey Lewis en el programa Jimmy Kimmel Live!, que se emitió el 19 de julio de 2012.

El disco de la semana 275: Twelve Nudes - Ezra Furman

Con el sugerente título de Twelve Nudes ("Doce desnudos"), tomado de las meditaciones de Anne Carson sobre "el intenso dolor con el que lidiamos a lo largo de la vida", llega al blog de 7dias7notas el quinto álbum de estudio de Ezra Furman, publicado en 2019 en el sello Bella Union. Furman se inspiró en la obra de Carson, y en la ira que le producían las decisiones que la administración estadounidense tomaba sobre temas de identidad transgénero y del colectivo LGTBI.

Esa ira es más que evidente en el registro vocal de Furman en temas como Calm Down aka I Should Not Be Alone, en el que su voz se desgarra a ritmo de afiladas guitarras de rock garajero, todo ello salteado con unos coros "Uhh-Uhh" que recuerdan al Simpathy for the devil de los Rolling Stones. No menos intensa es Evening Prayer aka Justice, brillante tema de glam rock con todo lo necesario para convertirse en un himno. Furman echa entonces el freno por un instante, y su voz cambia a registros más suaves en la melancólica y existencial Transition from Nowhere to Nowhere. No es solo un momento de calma, es también una de las mejores canciones del disco, al nivel de cualquiera de las dos anteriores.

Más insustancial resulta Rated R Crusaders, en la que las guitarras y la voz se acercan a terrenos de punk rock, mientras que Trauma es todo lo contrario a lo que su título indica, y se disfruta plenamente de su escucha sin riesgo alguno de padecer dolencia alguna. En cualquier caso, y para prevenir cualquier situación inesperada, contamos inmediatamente después con un Thermometer que sigue manteniendo el mercurio del disco en los niveles más altos, preparándonos para un nuevo giro musical en I wanna be yout girlfriend, delicada balada clásica de rock and roll que de nuevo supone uno de los picos creativos e interpretativos del disco.

Tras un tema tan redondo como el anterior, el escaso minuto de punk acelerado y ruidoso de Blown es en los "doce desnudos" de Furman como ese inoportuno sujetador cuyo cierre se atasca en el peor momento, rompiendo la atmósfera y el hechizo que se estaba creando con la hasta entonces acertada combinación de efectivas y urgentes canciones de garaje, glam, punk y rock. Tras ese pequeño traspiés, Furman retoma la omnipresente ira del disco, justificada en este caso por un intenso dolor  muelas (My Teeth Hurt).

El dolor de muelas (que no de oídos) se nos olvida rápidamente al escuchar ese gran tema de pop rock que lleva por título In America, y que es sin duda otro de los grandes momentos del disco, antes de cerrar con buen sabor de boca y actitud rockera con What Can You Do But Rock 'n' Roll (Qué puedes hacer salvo tocar rock and roll). No es poca cosa, y el rock and roll puede ser tan poderoso e impactante como doce desnudos delante de los que toman decisiones contra las libertades y los derechos fundamentales.

0497.- You Ain't Goin' Nowhere - The byrds

El sexto álbum de The Byrds se concibió inicialmente como una historia musical de la música popular estadounidense del siglo XX , que abarca ejemplos de música country, jazz y rythm and blues , entre otros géneros, sin embargo, impulsado por la pasión del poco conocido Parsons, que se había unido recientemente a los Byrds, este concepto propuesto fue abandonado desde el principio y el álbum se convirtió en un disco puramente country. La grabación del álbum se dividió entre sesiones en Nashville y Los Ángeles, con contribuciones de varios músicos de sesión notables , incluidos Lloyd Green , John Hartford ,Jay Dee Maness y Clarence White, fue una grabación bastante tensa entre Parsons y el resto de la banda, especialmente el guitarrista Roger McGuinn , y algunas de las voces de Parsons se volvieron a grabar cuando se lanzó el álbum en agosto. El alejamiento de The Byrds del rock y el pop hacia la música country provocó un gran enfado y hostilidad por parte de la élite ultraconservadora de la música country de Nashville, que veía a los Byrds como un grupo de músicos de pelo largo, hippies que intentan subvertir la música country. El album fue un fracaso comercial desde el día de su lanzamiento, demasiado country para los fanáticos del rock y simplemente demasiado rock para los fanáticos del country. Quizás esto resume mejor el lanzamiento, Sweetheart Of The Rodeo fue el producto de una nueva banda en busca de una dirección cuyos miembros no durarían seis meses juntos, un desvío devoto hacia las profundidades de la música country, en el que ni los fanáticos existentes de The Byrds ni los conocedores del país estaban dispuestos a acompañarlos. A corto plazo, fue un trampolín para el novato y principal instigador, Gram Parsons, para validar su visión del country-rock, mientras dejaba atrás a sus compañeros Byrds para recoger el piezas.

En este álbum encontramos una versión de una canción de Bob Dylan, "You Ain't Goin' Nowhere" ya que ambos compartían compañía discográfica y envio algunas demos de las sesiones recientes de Dylan en Woodstock,  "You Ain't Goin' Nowhere" fue uno de los dos temas que eligieron, y esta canción provocó una discusión entre la banda y Dylan, ya que en la original la canción contenía la letra, "Recoge tu dinero, empaca tu tienda", que fue alterada por error en la versión de los Byrds, por el guitarrista y cantante Roger McGuinn , a "Empaca tu dinero, recoge tu tienda”.

1 artista, 3 canciones: Adele

 Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

ADELE

Adele Laurie Blue Adkins nació el 5 de mayo de 1988 en Tottenham, Londres, Inglaterra con una voz muy particular se ha convertido en una de las artistas más vendidas de nuestro tiempo, a la edad de 14 años, Adele descubrió la colección de Etta James y Ella Fitzgerald en su tienda de música local y quedó fascinada con su música. Tras ver a 'Pink' en un concierto tuvo claro que su ambicion era convertirse en cantante, e matriculó en la Escuela BRIT de Artes Escénicas y Tecnología en Croydon. Mientras estudiaba, escribió y compuso canciones, y luego las publicaba en su página de MySpace. Después de graduarse en 2006, grabó una maqueta con tres canciones para un proyecto de clase que impresionó a los ejecutivos de XL Recording. Posteriormente, la empresa se puso en contacto con ella y firmó un contrato de grabación., al año siguiente recibió el premio Brit Awards "Critics' Choice" y ganó el BBC Sound de 2008 con su álbum debut, 19, que obtuvo un gran éxito comercial y crítico llegando a alcanzar los cuatro disco de platino en el Reino Unido y doble platino en los Estados Unidos. En los premios Grammy de 2009, Adele recibió los premios a Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina. Adele lanzó su segundo álbum, 21, a principios de 2011. El álbum fue bien recibido por la crítica y superó el éxito de su debut, 21 ayudó a Adele a ganar seis premios Grammy en 2012, incluido Álbum del año, igualando el récord de más premios Grammy ganados por una artista femenina en una noche. El álbum también la ayudó a recibir muchos otros premios, incluidos dos Brit Awards y tres American Music Awards. El álbum ha sido certificado 16 veces platino en el Reino Unido. El éxito de 21 le valió a Adele numerosas menciones en el Libro Guinness de los récords mundiales, es la primera artista en vender más de 3 millones de copias de un álbum en un año en el Reino Unido. Con sus dos álbumes y los dos primeros sencillos de 21, "Rolling in the Deep" y "Someone Like You", Adele se convirtió en la primera artista viva en lograr la hazaña de tener dos éxitos entre los cinco primeros tanto en el UK Official Singles Chart como en el Lista de álbumes oficiales simultáneamente desde los Beatles en 1964. Con su tercer lanzamiento del álbum, "Set Fire to the Rain", convirtiéndose en su tercer sencillo número uno en los EE. UU., Adele se convirtió en la primera artista en la historia en liderar el Billboard 200 al mismo tiempo que tres Billboard Hot 100 número uno. El 22 de octubre de 2015, Adele anunció que lanzaría su tercer álbum, 25, en noviembre. Publicó la portada de 25 en Instagram y dijo sobre su primer proyecto de estudio de larga duración en varios años: "Mi último disco fue un disco de ruptura, y si tuviera que etiquetar este, lo llamaría un disco de maquillaje". . Recuperar el tiempo perdido. Compensar todo lo que hice y nunca hice. 25 se trata de saber en quién me he convertido sin darme cuenta. Y lamento que haya tardado tanto, pero, ya sabes, la vida pasó”.

 

VOTACIONES

1.- Rolling in the deep: Puedes sentir cada gota de emoción vertida cuando escuchas esta canción: La tristeza, el vacío, la soledad y la disparidad son temas comunes que se repiten en la música soul. "Rolling in the Deep" no es una excepción. Lo que diferencia tanto a esta canción de otras como esta es la forma en que Adele transmite el tema. La voz de Adele fusiona esta canción en un vacío negro sin fin lleno de torrentes de olas colosales que lo envuelven todo. Esta interpretación genuina y sincera se encuentra en la cúspide de la música soul contemporánea.

 

2.- Someone Like You: Destaca como la canción de ruptura más auténtica que encabezó las listas en la primera mitad de la década de 2010. Si bien la progresión de acordes puede ser simbólica y la línea de piano arpegiada algo trillada, la excelente musicalidad de la canción supera sus limitaciones compositivas. Esto por no hablar de las letras de Adele aquí tenemos un poderoso desenlace al final de 21 el único punto de completo abatimiento romántico después de un álbum que expresa virulencia y amargura. La voluntad de la canción de reducir las emociones a algo más quejumbroso es genuinamente conmovedora, y la moderación de Adele es realmente admirable, es un trabajo melancólico cuyo aguijón dura mucho después de que el piano desaparezca.

 

3.- Set Fire to the Rain: Sin duda es una canción que requiere escucharse con auriculares y asu poder escuchar todos los pequeños detalles que interviene en el sonido de la canción. Ya que todos esos detalles que tan bien funcionan son los elementos claves para hacer de "Set Fire to the Rain" una canción pop verdaderamente clásica. La canción es buena ya solo con su melodía estándar y su poética verdaderamente agradable, la imagen de gotas de fuego derramándose por el rostro de un enamorado, representando la transformación del luto en ira, es absolutamente espectacular.