.jpg)
viernes, 2 de mayo de 2025
1583.- El Garrotín - Smash
.jpg)
viernes, 13 de septiembre de 2024
Disco de la semana 395: Volcanic Rock - Buffalo
![]() |
Volcanic Rock, Buffalo |
Buffalo fue una banda de rock australiana que jugó un papel crucial en la escena del hard rock y proto-metal durante la primera mitad de la década de 1970. Formada en Sídney en 1971, Buffalo fue de las primeras bandas en Australia que adoptó un sonido pesado, oscuro y crudo que anticipó lo que más tarde se convertiría en el heavy metal. A pesar de no haber alcanzado un éxito comercial masivo en su tiempo, con el tiempo ha sido reconocida como una banda pionera cuyo legado influyó en el desarrollo del rock duro, tanto en Australia como fuera de dichas fronteras. Esta banda australiana se formó a principios de 1971 a partir de los restos de una banda llamada Head, que incluía a Dave Tice (voz) y Pete Wells (bajo). Estos dos músicos se unieron a John Baxter (guitarra), Paul Balbi (batería) y Alan Milano (coros) para formar lo que se convertiría en Buffalo. La banda fue rápidamente fichada por el sello discográfico Vertigo Records, que en ese momento era conocido por promover bandas de rock progresivo y hard rock.
Buffalo se destacó por su sonido pesado, influenciado por bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple. Sin embargo, no se limitó a copiar a sus contemporáneos, en su lugar, desarrollaron un estilo propio que combinaba el blues rock con riffs densos y una atmósfera oscura y a veces psicodélica. Su música era más cruda y directa que la de muchas bandas de su época, lo que los posicionó como uno de los pioneros del género muscial llamado proto-metal. La banda fue también conocida por sus letras desafiantes y provocativas, que a menudo abordaban temas como la rebelión, la libertad personal y la crítica social, todo ello envuelto en un ambiente sonoro pesado y agresivo. Este enfoque temático y sonoro, junto con sus enérgicas presentaciones en vivo, les permitió construir una base de seguidores leales, aunque limitada, en la escena underground.
Buffalo lanzó su álbum debut, Dead Forever... en 1972. Este disco fue uno de los primeros álbumes de rock pesado en Australia y recibió una buena acogida por parte de la crítica, aunque su impacto comercial fue limitado. El álbum incluía una mezcla de temas originales y versiones, destacándose por su dureza y energía. El siguiente álbum de la banda, Volcanic Rock (1973), recomendado para esta semana, es quizás su trabajo más influyente y aclamado. Este álbum es considerado una obra maestra del hard rock y proto-metal, con canciones largas y densas que mostraban un mayor enfoque en la improvisación y la construcción de atmósferas. Volcanic Rock no solo solidificó el sonido distintivo de Buffalo, sino que también los estableció como una banda que no tenía miedo de romper con las convenciones. No en vano, est álbum está considerado como uno de los tranajos más infliuyentes en la evolución de hard rock y el proto-metal. Este disco presenta una mezcla explosiva de riffs pesados, improvisaciones prolongadas y una actitud cruda que desafió las normas establecidas en la música rock de los años 70.
Para entender la importancia de Volcanic Rock, es esencial situarlo en el contexto musical y cultural de principios de la década de 1970. En ese momento, el rock estaba experimentando una transformación significativa. La década de 1960 había visto el auge del rock psicodélico y la invasión británica, con bandas como The Beatles y The Rolling Stones dominando las listas de éxitos. Sin embargo, a medida que la década llegaba a su fin, surgió un sonido más pesado y oscuro, representado por bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple. En Australia, la escena musical no estaba tan desarrollada como en los Estados Unidos o el Reino Unido, pero bandas como Buffalo estaban comenzando a emerger, influenciadas por el sonido duro y crudo que provenía del extranjero. Buffalo, formada en Sídney en 1971, fue una de las primeras bandas australianas en abrazar este estilo más pesado. Desde su primer álbum, Dead Forever... (1972), Buffalo demostró que estaba dispuesta a explorar territorios sonoros más oscuros y pesados.
Volcanic Rock fue grabado en 1973 con la alineación clásica de Buffalo: Dave Tice en la voz, John Baxter en la guitarra, Peter Wells en el bajo, Jimmy Economou en la batería y Alan Milano en los coros. La producción estuvo a cargo de Spencer Lee, quien logró capturar la intensidad y crudeza del sonido de la banda. El proceso de grabación fue relativamente rápido, en gran parte debido a la naturaleza improvisada de muchas de las canciones. Buffalo tenía la costumbre de trabajar sobre ideas en el estudio, lo que les permitía capturar la espontaneidad de sus actuaciones en vivo. Esto es evidente en las largas secciones instrumentales y en los solos extendidos que se encuentran a lo largo del álbum. La portada fue diseñada por el artista J. Phillip; la imagen muestra a una mujer desnuda con su cuerpo fusionado con una formación rocosa, en lo que parece ser un paisaje volcánico. Esta imagen fue considerada extremadamente provocativa y transgresora para la época, lo que llevó a problemas de distribución en algunos lugares. La elección de esta portada refleja el espíritu rebelde y contracultural de Buffalo. La banda estaba decidida a romper con las convenciones y crear algo que fuera completamente suyo, sin compromisos. Aunque la controversia en torno a la portada pudo haber limitado su alcance comercial, también ayudó a solidificar la imagen de Buffalo como una banda que no tenía miedo de tomar riesgos y desafiar las normas establecidas.
El sonido de Volcanic Rock es una amalgama de hard rock, blues y proto-metal, con un enfoque en riffs pesados y una atmósfera oscura. A diferencia de su álbum debut, que tenía una producción más pulida y algunas influencias psicodélicas, este segundo trabajo es más crudo y directo. El álbum abre con Sunrise (Come My Way), una de las pistas más memorables del grupo. Con su riff de guitarra contundente y su estructura lírica repetitiva, la canción establece el tono para el resto del álbum. La voz potente de Dave Tice se complementa perfectamente con la guitarra de John Baxter, creando una atmósfera intensa, envolvente y oscura. La canción, aunque sencilla en su estructura, es un ejemplo perfecto de cómo el grupo podía tomar un riff y construir una pieza completa en torno a él, permitiendo que la música respirara y evolucionara de manera natural. Freedom comienza con un riff de guitarra muy blusero para evolucionar hacia un riff de rock pesado, acompañado de una sección de ritmo, bajo-batería, que emerge con fuerza. Till My Death con unos cambios de tempo y una estructura impredecible, es una canción que mantiene al oyente al borde del asiento, nunca permitiendo que se acomode en una sola idea musical. La guitarra de Baxter es la estrella del tema con un desgarrador solo final.
Pasamos el ecuador del álbum con The Prophet, otra de las piezas clave del álbum. Con casi ocho minutos de duración, es una canción que muestra la habilidad de la banda para combinar secciones pesadas con pasajes más atmosféricos. La guitarra de Baxter vuelve a ser centro de atención, convirtiéndose en el motor de la canción, con un riff que parece arrastrar al oyente a través de un paisaje sonoro lleno de sombras y misterios. La sección instrumental en medio de la canción es particularmente notable, con la banda cayendo en un groove hipnótico antes de estallar en un clímax sonoro. Intro: Pound of Flesh es una pieza instrumental que sirve como una apertura atmosférica y siniestra, con guitarras distorsionadas que crean una sensación de pesadez y tensión, preparando el escenario para la pista final del álbum, Shylock, que muestra la habilidad de Buffalo para mezclar el blues con el rock pesado. estamos ante una pieza más rápida y agresiva, con un ritmo casi frenético que nos deja con ganas de más, pues aquí acaba este interesante álbum.
Después de Volcanic Rock, Buffalo lanzó Only Want You For Your Body en 1974, otro álbum que continuó con su estilo pesado, aunque con una producción más refinada. Sin embargo, a medida que avanzaba la década, la banda comenzó a experimentar con diferentes sonidos y estilos, lo que llevó a una serie de cambios en la alineación. La salida del guitarrista John Baxter en 1974 fue un golpe significativo para la banda, ya que su guitarra había sido un componente clave en el sonido de Buffalo. A pesar de intentar continuar con nuevos miembros, la banda lanzó algunos álbumes más con menos éxito, como Mother's Choice (1976) y Average Rock 'n' Roller (1977), antes de disolverse finalmente en 1977.
Aunque Buffalo nunca alcanzó un gran éxito comercial durante su existencia, su influencia en la escena del rock pesado no puede subestimarse. Fueron una de las primeras bandas en Australia en abrazar un sonido verdaderamente pesado, allanando el camino para futuras bandas de hard rock y metal en el país. Su enfoque audaz y sin concesiones hacia la música inspiró a una generación de músicos australianos que seguirían llevando el hard rock al escenario global. De hecho, Buffalo es a menudo citada como una influencia temprana en bandas como AC/DC y Rose Tattoo, que más tarde alcanzarían fama internacional. Además, Buffalo ha sido reconocida como una banda de culto por los fanáticos del proto-metal, y sus álbumes, especialmente Volcanic Rock, siguen siendo buscados por coleccionistas y aficionados del género.
jueves, 22 de diciembre de 2022
Green Day - 21st Century Breakdown #MesGreenDay




viernes, 9 de diciembre de 2022
Disco de la semana 305: American Caesar - Iggy Pop



domingo, 2 de octubre de 2022
#Mes Lenny Kravitz: Lenny en la FNAC de Callao


miércoles, 28 de septiembre de 2022
Hay mucho rock'n roll - Platero Y Tú #MesPlateroyTú
![]() |
Hay mucho rock'n roll, Platero Y Tú |
El 27 de octubre de 2001 Platero y Tú cerraban en la sala La Riviera de Madrid la gira '01, sería la última de la banda. Al año siguiente Fito ofrecía un entrevista ante la prensa donde confirmaba que abandonaba Platero y Tú. A raíz de ahí se disolvía oficialmente la banda. A partir de ese momento Fito continúa grabando con su grupo Fito y Fitipaldis, Uoho pasa a formar parte como miembro permanente de Extremoduro, alternandolo con su faceta como productor para muchos otros artistas, y Mongol y Maguila forman La Gripe. Como despedida, Platero y Tú nos iban a regalar un primer volumen recopilatorio, Hay mucho Rock'n roll, editado en 2002, al que le seguiría un segundo volumen en 2005, con el que se daban por finalizadas las andanzas de uno de los mejores grupos de rock que ha dado el país.
Hay mucho Rock'n roll es una serie de recopilaciones de Platero y Tú, donde buena parte de los temas que la componen están regrabados total o parcialmente y remasterizados. Está formado por dos volúmenes, el primero editado en 2002, el cual además incluía un DVD con los nueve videoclips grabados por el grupo. En 2005 se editaría un segundo volumen, con otro DVD que incluía la grabación del directo ofrecido por la banda en 1997 en la mítica sala Canciller de Madrid. A la vez que este segundo volumen se publicaron dos ediciones alternativas, una de ellas en caja de coleccionistas que contenía ambos volúmenes, y otra resumiendo los temas más conocidos de ambos discos en uno sólo.
Ambos volúmenes contaron con la producción de iñaki Antón "Uoho", que además de ser un gran guitarrista es también un excelente productor, y fueron publicados por el sello discográfico DRO. La mayoría de los temas fueron mejorados a base de pequeños retoques, y el resultado es que hay temas que suenan mucho mejor que las grabaciones originales, como es el caso de Mari Magdalenas o Tras la Barra por ejemplo. Únicamente tres canciones de ambos volúmenes no fueron retocadas, Por Mí, Cigarrito y Somos los Platero, pero fueron remasterizadas. y voy a acabar borracho y Ramón se volvieron a grabar por completo.
Hay mucho Rock'n roll suponía el broche de oro, la despedida perfecta para un grupo que dejaba un importante vacío dentro del panorama rockero nacional. Es cierto que estos dos volúmenes no ofrecían nada nuevo, eran básicamente sus temas de siempre, sus grandes éxitos donde no faltaba ninguno, pero mejorados y con una producción sobresaliente. Un regalo a la altura para todos aquellos fans que habíamos crecido con Platero y Tu. Una despedida a lo grande para un grupo que bien lo merecía.
VOLÚMEN 1(2002)
- Voy a acabar borracho
- Bobo
- Esa chica tan cara
- Mari Magdalenas
- El roce de tu cuerpo
- Tras la barra
- Por mí
- Esta noche yo haría
- Me dan miedo las noches
- Ramón
- Rompe los cristales
- Somos los Platero
- Hay poco Rock'n Roll
- Sin solución
- Cantalojas
- Si tú te vas
- Cigarrito
- No me quieres saludar
- Si tú te vas
- Rompe los cristales
- Esta noche yo haría
- Hay poco Rock'n Roll
- Juliette
- Alucinante
- Al cantar
- Naufragio
- Tiemblan los corazones
- Ya no existe la vida
- ¿Cómo has perdido tú?
- Un abecedario sin letras
- Alucinante
- Si la tocas otra vez
- Bebiendo del mismo vaso
- ¿No hierve tu sangre?
- Juliette
- La noche
- Mire hacia mí
- Entre dos mares
- La maté porque era mía
- Al Cantar
- Contaminamos
- No me quieres saludar
- Maldita mujer
- Imanol
viernes, 22 de julio de 2022
Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7


viernes, 13 de mayo de 2022
El disco de la semana 275: Twelve Nudes - Ezra Furman

martes, 4 de enero de 2022
La música en historias: ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!
![]() |
Phil Lynott |
Hoy, 4 de enero de 2022, se cumplen 36 años de la muerte de Phil Lynott. El 4 de enero de 1986, Lynott, que llevaba los días anteriores inmerso en una vorágine de alcohol y drogas, nos decía definitivamente adiós. En 7dias7notas queremos rendir homenaje a su figura, y lo vamos a hacer con un tema que Los Suaves, declarados fans incondicionales de Thin Lizzy y de la obra de Phil Lynott, compusieron en 1988 en honor a su figura y publicaron en su álbum Ese día piensa en mí, el tema ¿sabes? ¡Phil Lynott murió!:
Campanas de muerte resuenan, pues en la ciudad del rock and roll ya no brillan las estrellas. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, aquel irlandés de tez morena que desde bien pequeño ya tenía claro lo que quería ser, y comenzó su andadura en bandas como The Black Eagles ó Skid Row.
En un día de noche negra tocó su canción del adiós. El libro del tiempo se cierra. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que en 1969, y contando con apenas 20 años fundaba su propia banda, acompañado de su inseparable amigo de la escuela y baterista Brian Downey y del guitarrista Eric Bell.
Y es que hoy, en la madrugada se paró su reloj. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Sí, ese que tras mucho trabajo y esfuerzo, consiguiera su primer éxito con Whiskey in the Jar. Curioso que este tema le diera su primer éxito a Phil, pues consideraba que este tema no representaba su esencia musical ni la de su banda.
¡Silencio! silencio en la arena, el bajo llora en un rincón. Las guitarras ya no suenan. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese irlandés que consiguió que el mismísimo Bob Dylan cayera rendido a sus pies, pues consideraba que Lynott era un magnífico compositor, poeta y contador de historias, llegando a decir de él que era un genio.
Que se cierren las fronteras en el país del rock and roll, para guardar nuestra pena ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que estando su grupo al borde de la desaparición, y cuando todo estaba perdido, y junto con su queridísimo amigo de la infancia, Brian Downey, se tiró un farol con un tema salvador (Still in Love with you) y apostó por dos guitarristas muy dispares, un escocés (Brian Robertson) y un californiano (Scott Gorham). Aquella formación acabaría marcando toda una era e influenciando a infinidad de bandas de rock posteriores.
Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre, sueños de algodón. Sí, aquel genio que fue derribando barreras y abriendo puertas para que la música irlandesa y los músicos irlandeses se dieran a conocer en el mundo entero.
Seguro que Lynott está ahora mismo observándonos mientras está sentado alrededor de una hoguera, contando a los allí presentes antiguos cuentos y leyendas de príncipes y princesas, cuando los reyes y reinas bailaban en el reino de la rosa negra.......
When the kings and queens would dance in the realm of the Black Rose
Play me the melodies I want to know
So I can teach my children, oh
How his eyes were dark his expression sullen
And how he'd fight and always won
And how they cried when he was fallen
And how her sons died at her own hand
And how fools obey commands
Oh tell me the legends of long ago
Will she no come back to me
Will she no come back to me
Oh Shenandoah I hear you calling
Roll down the mountain side
On down on down go lassie go
Oh Tell me the legends of long ago
Play me the melodies so I might know
So I can tell my children, oh
My Roisin Dubh is my one and only true love
While William Butler waits
And Oscar, he's going Wilde
Ah sure, Brendan where have you Behan?
My dark Rosaleen is my only colleen
That Georgie knows Best
But Van is the man
Drinking whiskey in the jar-o
Synge's Playboy of the Western World
As Shaw, Sean I was born and reared there
Is such a long, long way from Tipperary
domingo, 14 de noviembre de 2021
0318 Good Vibrations - The Beach Boys
martes, 12 de octubre de 2021
Un país, un artista: Días de Blues - Uruguay
Días de Blues |
En esta ocasión nuestros amigos y seguidores, a través de sus votos, han querido que sea un artista del país de Uruguay el que sea reseñado. El escogido por 7dias7notas en esta ocasión es uno de los primeros, y gran precursor del hard rock en el país sudamericano, aunque también tocaban estilos como el blues y el rock. Con todos vosotros Días de Blues.
Días de Blues es una banda de blues, rock y hard rock que nace en Montevideo, Uruguay en 1972. Sus tres integrantes, Jorge Barral (bajo, guitarra y voz), Daniel Bertolone (guitarra y voz) y jorge Graf (batería), provenían del grupo Opus Alfa, banda de blues y blues rock surgida en 1970, y que incialmente se dedicaba a realizar versiones en inglés de artistas sajones como Jimi hendrix o Keef Hartley Band entre otros, aunque posteriormente se concentraron en crear sus propio sonido con letras en castellano.
Días de blues se presenta por primera vez ante el público el 18 de junio de 1972 en el Teatro Solís de Montevideo, compartiendo escenario con el cantante, músico y compositor argentino Litto Nebbia, considerado uno de los fundadores del rock argentino. Los más de mil espectadores presentes despiden al grupo de Montevideo entre ovaciones y aplausos. Un mes después, concretamente el 4 de julio de 1972 el grupo debuta con un concierto propio, en el Teatro Nuevo Stella de Montevideo. Dicho concierto es crucial para la historia de la música en Uruguay, pues está considerado como uno de los primeros recitales de hard rock llevados a cabo en Uruguay, suponiendo un gran avance en cuanto a la innovación musical, y también en cuanto a la amplificación del sonido. En aquel memorable concierto además de otros temas, algunos inéditos hasta la fecha, y todos propios, tocan las ocho canciones que formarán parte posteriormente de su primer álbum de estudio.
La innovadora propuesta de Días de Blues, hacen que el grupo se asiente y gane popularidad rápidamente, tocando en la Biblioteca Nacional y en un gran festival en el Velódromo de Montevideo, llegando a tocar incluso, con gran éxito, en el Festival BAROCK de Argentina el 27 de octubre de 1972. Gracias a su éxito en argentina, su primer disco de estudio será grabado allí a través del sello discográfico Trova.
El disco debut de Días de Blues,de título homónimo, se graba en noviembre de 1972 en los estudios ION de Buenos Aires bajo la producción de Carlos Píriz, y es editado a principios de 1973. La excelente ilustración de la carátula de la edición uruguaya fue realizada por el dibujante, caricaturista y viñetista uruguayo Celmar Poumé, la cual no fue tenida en cuenta en la edición argentina. El grupo sufrirá cambios debido al deterioro de la situación política de Uruguay en 1973, la cual desembocaría en un golpe de Estado. Jorge Barral emigra a España y Daniel Bertolone hace lo mismo pero con destino a Australia. Jorge Graf asume el mando y decide seguir adelante con el proyecto con diferentes músicos. En esa época pasan por el puesto de bajista Angel Armagno y Gustavo "Mamut" Muñoz, mientras que por el puesto de la guitarrista pasan Freddy Ramos y Daniel Henestrosa.
A mediados de los 70, Jorge Graf emigra a Italia, regresando a Urguay en la década de los años 80. En 1987 decide formar con un gran conglomerado de músicos un proyecto al que llama Rómulo Bogalle y la Banda de Días de Blues. Esta llamada big band se basa en un estilo con raíces de blues pero más orientada hacia el candombe, ya que contaba a además de la batería de Graf, con una sección completa de tambores. El candombe es una manifestación cultural de origen afrouruguayo, basada en la fusión de rasgos musicales, religiosos y de danza de las diversas tribus africanas presentes en el Río de la Plata en la época colonial. La última reencarnación de Días de Blues se produce entre 1991 y 1992 y cuenta con los guitarristas "Palito" Elissalde, Luis Firpo y Lulo Higgs, Jorge Graf a la batería, Gerardo Babuglia al bajo y Heber Píriz a los mandos vocales. Dicha formación realiza una grabación en vivo en el Teatro Stella de Montevideo los días 13 y 14 de noviembre de 1991, la cual será editada por el sello dsicográfico Sondor bajo el título "En vivo-Grabación Digital".
Días de Blues además de constituirse en sus inicios como el power trío más importante del país en aquel momento, se ha convertido con el tiempo en un grupo de culto, y su primer disco, Días de Blues, ha sido reeditado en multitud de ocasiones en países como Italia y Alemania. Además, a lo largo de los años, el grupo ha influenciado a multitud de bandas de rock de Uruguay.
viernes, 8 de octubre de 2021
Disco de la semana 244: Lola vs Powerman & Themoneygoround, The Kinks

“La conocí en un club del viejo Soho, donde bebes Champagne y te sabe a Coca-cola... Se acercó a mí y me preguntó si quería bailar, le pregunté su nombre y con voz grave me dijo Lola..." Su nombre completo, o más bien el del disco, era Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One, la impresionante obra conceptual que The Kinks entregaron como octavo álbum de estudio. Pero todos la conocían por su nombre de pila: Lola, el título de su single más relevante y su mayor éxito desde Sunny Afternoon o el archiconocido You really got me.
"No soy el tipo más fuerte del mundo, pero cuando me abrazó casi me rompe la columna. Oh mi Lola... Realmente, ese es el efecto que la fuerza satírica del disco ejerce contra las diferentes disciplinas del mundillo musical del momento, una auténtica patada en la espalda de una industria discográfica plagada de personajes oscuros y venenosas serpientes de diferentes colores: Ejecutivos y contables, críticos y periodistas, editores y sindicatos. Canción a canción, ninguno de ellos escapa a la afilada sátira y la crítica mordaz de los hermanos Davies y compañía.
Grabado en 1970 en los Estudios Morgan en Willesden (Londres), el disco se beneficio de la inclusión en sus filas del teclista John Gosling, y de la libertad creativa que suponía grabar en un estudio independiente. La sensación de trabajar sin barreras impregnó desde el principio el sonido de las primeras grabaciones, entre las que estaban ya temas como Powerman, Got to be free o la propia Lola, y fruto de ello el disco es un gran despliegue de estilos, principalmente el rock, el folk y los característicos toques de music hall británico, que tan bien se presta a la ironía y la sátira de las letras de The Kinks.
El disco arranca en una sorprendente línea folk, con una breve introducción de voz, banjo y guitarra del Got to be free que cerrará el disco, abruptamente interrumpida por el rotundo riff de The Contenders, la primera de las gemas eléctricas del disco, aunque combine en sus cambios con tramos más pausados y acústicos. En esa línea acústica y sosegada va también Strangers, con cierto toque a The Band, mientras que en Denmark Street, diatriba sobre los editores de discos, aparecen los primeros guiños de teclado barroco y ambiente de music hall. La balada Get back in the line es una visión satírica sobre el papel del responsable del sindicato, que decide quien trabaja y quién debe "volver a la fila" de la oficina de empleo, y la última canción de un brillante bloque que funciona como eficaz ágape previo al suculento banquete que está por venir con Lola, el hit estelar del disco y merecedora de un capítulo aparte.


Por si sola ya es brillante y atemporal, pero en el contexto del álbum su significado y su valía crecen de manera exponencial. En un disco plagado de personajes oscuros y cruelmente satirizados, la Lola de los Kinks es el personaje más honesto y humano de todos, el ninot que los Kinks salvan de la quema y se quedan consigo: "Bueno, no soy el hombre más masculino del mundo, pero sé lo que soy, estoy satisfecho de ser un hombre y también Lola..." Y Lola se lo agradeció con un éxito descomunal como sencillo, llegando a los primeros puestos de las listas británicas y al noveno del Billboard estadounidense (en una versión en la que en la letra sustituían "Coca-Cola" por "Cherry-Cola" para evitar contenciosos con la marca de refrescos y que pudiera ser emitida en la BBC).
La crítica sibilina del disco sigue su curso en la divertida y enérgica Top of the Pops, sobre los programas de actuaciones musicales de la época, la prensa y la manera en la que convertían canciones en éxitos. Después le llega el turno de pasar por la guillotina verbal a los contables y directivos de las discográficas en The Moneygoround, segundo tema en clave de cabaret y music hall, antes de regalarnos uno de los momentos álgidos del disco en This Time Tomorrow. Una melancólica revisión de la vida del músico en la carretera, a medio camino entre acústica y eléctrica, con brillantes armonías vocales y un mensaje de desorientación y desarraigo que, como buen disco conceptual, encadenan con la temática del siguiente tema, la nostálgica balada A long way from home (Muy lejos de casa).
